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Kunst aus Finnland

M. Bezrukova (Malerei und Grafik); I. Tsagarelli (Skulptur); O. Shvidkovsky S. Khan-Magomedov (Architektur)

Entstehung des Finnischen nationale Schule in der bildenden Kunst reicht bis in die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts zurück. Im Jahr 1809 wurde Finnland gemäß dem Frieden von Friedrichsham ein Großherzogtum Russisches Reich, und das Land, das etwa 600 Jahre lang eine schwedische Provinz gewesen war, erlangte relative Unabhängigkeit. Zuvor war die Kunst Finnlands schwedischen und über Schweden dänischen Einflüssen unterworfen. Volkstraditionen sind nur in den Erzählungen des Epos „Kalevala“, in handgewebten Teppichen – „Ruyu“ – und Holzschnitzereien erhalten geblieben. Diese lebendigen Traditionen dienten als Grundlage für den Aufstieg des nationalen Selbstbewusstseins in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, der durch die Aktivitäten des Historikers und Philologen H. G. Portan, des Schriftstellers Runeberg und des Sammlers der Kalevala-Runen Lönnrot erleichtert wurde . In diesen Jahren traten eine Reihe von Künstlern auf, die sich zum Ziel setzten, eine nationale Schule für Malerei und Bildhauerei zu schaffen. Eine wichtige Rolle bei seiner Gründung spielt die Finnische Kunstgesellschaft, die 1846 gegründet wurde und von Robert Ekman (1808–1873) geleitet wurde. Er war der Autor von Genrebildern, die mit dokumentarischer Präzision geschrieben wurden, und finnische Historiker nennen ihn „den Vater der finnischen Kunst“. Ekmans Arbeit trug dazu bei, die Kunst näher zu bringen Volksleben. IN Landschaftsmalerei Werner Holmberg (1830-1860) ebnet den Weg für die Schaffung einer Nationallandschaft. Der eigentliche Aufstieg der finnischen Malerei fällt jedoch in die 1880er-1890er Jahre. und ist mit den Namen A. Gallen-Kallela, A. Edelfelt, E. Järnefelt und P. Halonen verbunden. Die Kunst dieser Maler ist in den goldenen Fundus der finnischen Kunstkultur eingegangen und stellt den wertvollsten Teil ihres Beitrags zur Weltkunst dar.

Albert Edelfelt (1854-1905) war der erste finnische Künstler, der Weltruhm erlangte. Sein Werk nimmt einen wichtigen Platz in der Entwicklungsgeschichte der finnischen Malerei ein. Edelfelt, ein gebürtiger Schwede, studierte zunächst in Helsinki, dann an der Antwerpener Kunstakademie und schloss seine Ausbildung in Paris bei J. L. Jerome ab. Der Ursprung des Impressionismus in Finnland ist mit dem Namen Edelfelt verbunden.

Edelfelt beginnt als Historienmaler(„Der schwedische König Karl beleidigt die Leiche seines feindlichen Stadthalters Flemming im Jahr 1537“, 1878; Helsinki, Athenaeum), aber die wahre Blüte seines Werkes war seiner Berufung auf Themen aus dem Leben des Volkes zu verdanken. Die besten Leinwände Die Werke des Künstlers sind „Women from Ruokolahti“ (1887), „Fishermen from the Distant Islands“ (1898; beide – Helsinki, Ateneum, „The Storyteller Paraske“ (1893; deutsche Privatsammlung), die sich durch nationale Themen und die Helligkeit von auszeichnen die Bildsprache. In „Frauen aus Ruokolahti“ stellt die Künstlerin eine Szene aus dem Volksleben nach – vier Bäuerinnen in Trachten redet in der Nähe des Kirchenzauns. Ständiges Streben nach einer feineren Übertragung Leichtluftumgebung, einen ganzheitlichen koloristischen Bildklang zu erzeugen, Ausdruckskraft der Bildform, freie Bewegung des Pinsels – charakteristische Merkmale der Art des Malers Edelfelt.

Edelfelt war ein herausragender Porträtmaler, der uns eine Galerie seiner Zeitgenossen hinterlassen hat; zur Nummer beste Porträts Dazu gehören „Porträt von L. Pasteur“ (1885), „Porträt des Sängers A. Acte“ (1901), „Porträt einer Mutter“ (1883; alle – Helsinki, Ateneum). Eines der letzten Werke Edelfelts war das monumentale Gemälde „Die Eröffnungsfeier der Universität in Åbo“ (1904) für die Aula der Universität in Helsinki.

Eero Järnefelt (1863-1937) ging als Sänger des Lebens des finnischen Bauern, gefühlvoller Landschaftsmaler und hervorragender Porträtmaler in die Geschichte der finnischen Malerei ein. Er studierte an der Zeichenschule der Gesellschaft der Künstler in Helsinki, dann an der St. Petersburger Akademie und in Paris. Seine besten Werke schuf er in den 1880er und 1890er Jahren: „Wäscherinnen am Ufer“ (1889; Helsinki, Privatsammlung), „Rückkehr aus dem Wald mit Beeren“ (1888; Hämeenlinna, Kunstmuseum), „Zwangsarbeit“ (1893). ; Helsinki, Athenäum). Alle wurden auf der Grundlage direkter Eindrücke geschrieben. So erzählt das Gemälde „Zwangsarbeit“ von der mühsamen Arbeit der Bauern, die Baumstämme entwurzeln und verbrennen. Ein junges Mädchen mit rußverschmiertem Gesicht blickt den Betrachter mit stillem Vorwurf an. Järnefelt schuf ergreifende Porträts von mehreren Persönlichkeiten des öffentlichen Lebens Finnland („Porträt von Professor Danielson-Kalmar“, 1896; Helsinki, Privatsammlung).

Auch die Kunst von Peki Halonen (1865-1933), der zunächst in Helsinki, dann in Paris und Italien studierte, hat einen demokratischen Charakter. Brillante Kontrolle Maltechnik Bei der Arbeit unter freiem Himmel wandte Halonen sein ganzes Können an, um sein Volk darzustellen heimische Natur. So ist sein „Forest Rafters by the Fire“ (1893; Helsinki, Ateneum) von einem warmen Gefühl für die raue Natur und die armen Menschen Finnlands durchdrungen. Halonen löst alltägliche Themen auf monumental-epische Weise und offenbart sich gleichzeitig in Landschaften als subtiler Dichter: Das stille Achterwasser der Bucht, karelische Häuser, der stürmische Zug des nördlichen Frühlings – alles ist hier durchdrungen ein lyrisches Gefühl. Obwohl Järnefelt und Halonen in den 1930er Jahren starben, beste Werke Sie entstanden in den 1890er Jahren und die Kunst dieser Maler entwickelte sich ganz in der Tradition des 19. Jahrhunderts.

Im Gegensatz dazu spiegelte das Werk des bedeutendsten finnischen Künstlers Aksel Gallen-Kallela (1865–1931) die Widersprüche wider, die für die Kunst des späten 19. und frühen 20. Jahrhunderts charakteristisch waren. In den 1900er Jahren Gallen-Kallela wurde zu einem der führenden Künstler des aufkommenden Jugendstils und erst nach und nach, in den letzten zwei Jahrzehnten seines Lebens, überwand er die Moderne und kehrte zur realistischen Malerei zurück.

IN frühe Periode Kreativität auf junger Künstler Bastien-Lepage hatte einen großen Einfluss. Bereits ein Werk der zweiten Hälfte der 1880er Jahre. zeugen von der Reife und Meisterschaft des Künstlertalents. Das Gemälde „Die erste Lektion“ (1889; Helsinki, Athenäum), das eine Dorfhütte zeigt, in der ein alter Fischer einem Mädchen beim Lesen zuhört, zeichnet sich durch Züge echten Realismus aus. Gallen-Kallela reiste ausgiebig durch das Land, um das Leben der Menschen tiefer zu studieren, und malte Landschaften und Genrebilder („Der Hirte von Panajarvi“, 1892; Helsinki, Privatsammlung). In den 1890er Jahren. Gallens Themenspektrum erweitert sich, er wendet sich dem karelisch-finnischen Nationalepos „Kalevala“ zu und schafft eine Reihe von Werken zu den Themen des Epos (Triptychon „Die Legende von Aino“, 1891, Helsinki, Athenäum; „Die Vergewaltigung des Sampo“. „, 1896, Turku, Kunstmuseum; „Lemminkäinens Mutter“ „, 1897, Helsinki, Athenaeum, „Joukahainens Rache“, 1903, Radierung). Gallen ist zunehmend von der Fantasie und dem Heldentum des Kalevala fasziniert und beginnt, nach neuen Stiltechniken zu suchen, um rationale Spezifität auszudrücken. Diese Suche führt ihn jedoch zur modernistischen Stilisierung, die für die Kunst des frühen 20. Jahrhunderts charakteristisch ist. Allmählich nimmt in seiner Arbeit das Interesse am großen Thema des Volkslebens ab. Eine Kombination aus Mystik und Naturalismus zeichnen seine Fresken in der Grabkapelle von Juselius in Pori (1901-1903) aus. Auch in den Gemälden des finnischen Pavillons auf der Weltausstellung in Paris im Jahr 1900 finden sich Merkmale der Moderne. Im Laufe seiner langen Karriere schuf Gallen zahlreiche Landschaften und Porträts und arbeitete als Illustrator (Illustrationen für den Roman „Sieben Brüder“ von Alexis). Kivi); Nicht alles in seinem Vermächtnis kann bedingungslos akzeptiert werden, aber in seinen besten Werken verschiedener Jahre, die vor der Zeit der Leidenschaft für die Moderne und in den 20er Jahren entstanden sind, finden wir echte realistische Kraft, tiefe Nationalität, die das Recht geben, Gallen-Kallela als a zu betrachten großer nationaler Künstler, der seinem Land Ruhm verlieh; Nicht umsonst schätzte ihn Herr Gorki so sehr und er korrespondierte viele Jahre mit ihm.

Auch Helena Schjerfbeck (1862-1946), die ihre künstlerische Ausbildung in St. Petersburg erhielt, war eine talentierte Künstlerin. Ihr Gemälde „Das genesende Kind“ (1888; Helsinki, Athenaeum) gehört dazu beste Erfolge realistische finnische Malerei. Aber mit der Ausbreitung Ende des 19. Jahrhunderts. Schjerfbeck entfernt sich wie viele ihrer Kollegen vom Modernismus in Finnland vom Realismus. Umstritten war auch das Werk von Juho Simberg (1873-1917), das von Zügen der Mystik und Symbolik geprägt war. Der Einfluss der Moderne hinterließ auch im Werk eines sehr demokratischen Künstlers – Juho Rissanen (1879-1950) – seine Spuren.

Zu Beginn des neuen Jahrhunderts verstärkten sich formalistische Tendenzen in der finnischen Kunst. Es beginnt eine Abkehr vom Realistischen nationale Traditionen, ein Rückzug von den Aufgaben demokratischer Kunst. 1912 entstand die Septem-Gruppe, deren ideologischer Kopf Magnus Enckel (1870-1925) war; dazu gehörten V. Thome, M. Oinonen und andere. Im Jahr 1916 wurde unter der Leitung von Tykko Sallinen (1879-1955) eine weitere große Gruppe gegründet – „November“. Die Künstler, die diesen Gruppen angehörten, ließen sich zu Lasten der Sinnhaftigkeit der Kunst von Licht- und Farbproblemen mitreißen („Septem“) oder strebten ein verzerrtes, deformiertes Bild der Realität an („November“) Zu den bedeutendsten Gruppen der jüngeren Zeit zählt die 1956 gegründete Gruppe „Prism“, die Künstler unterschiedlichster Medien zusammenbringt. Dazu gehören Sigrid Schauman (geb. 1877), Ragnar Eklund (1892-1960) – Vertreter der älteren Malergeneration, sowie Vanni selbst (geb. 1908), der überwiegend abstrakt arbeitet, und andere.

Seit Ende der 50er Jahre. Der Abstraktionismus erfasst immer größere Kreise finnischer Künstler. Aber auch eine Reihe von Malern wie Lennart Segerstrode (geb. 1892), Sven Grönwall (geb. 1908), Eva Söderström (geb. 1909), Eero Nelimarkka (geb. 1891) und andere arbeiten weiterhin in der Stadt realistische Traditionen

Einen bedeutenden Platz in der Kunst Finnlands nimmt die Grafik ein, deren Blüte im 19. Jahrhundert mit den Namen Gallen-Kallela, A. Edelfelt, J. Simberg verbunden war. Heute sind Erkki Tanttu (geb. 1917), Lennart Segerstrole, Vilho Askola (geb. 1906) und andere Meister die Nachfolger der besten demokratischen Traditionen der finnischen Grafikkunst. Trotz der Unterschiede in den kreativen Stilen und Genres, in denen sie arbeiten, eint sie der Wunsch, das konkrete Leben des heutigen Finnlands zu zeigen, ihre Liebe für für den einfachen Mann. L. Segerstrole, ein Vertreter der älteren Generation von Grafikern, widmet seine Blätter „Seal Hunters“ (1938) und „After the Storm“ (1938, Kaltnadelradierung) dem Thema Arbeit; sie sind von Sympathie für das gemeinsame Arbeiten geprägt Mann. E. Tanttu verherrlicht die Schönheit der Arbeit in seinen Stichen „The Timber is been Carried“ (1954), „Rafters“ (1955) und anderen. Seine Blätter zeichnen sich durch ihre monumentale Interpretation des Menschenbildes und die poetische Darstellung der heimischen Natur aus. In seinen grafischen Arbeiten vermittelt er die Schönheit und Strenge der finnischen Landschaft. Wintermorgen„(1956), „See in Lappi-Ebi“ (1958) V. Askola.

Ein wunderbarer Meister Buchillustration ist Tapio Tapiovaara (geb. 1908), der Autor grafischer Blätter zu sehr sozialen Themen („Ereignisse in Kemi im Jahr 1949“, 1950).

Bedeutender Ort in künstlerisches Leben Finnland ist von einer weit entwickelten Skulptur besetzt. Die ersten Lehrer finnischer Bildhauer waren schwedische Meister. Als Begründer der finnischen Bildhauerei gilt Karl Eneas Sjöstrand (1828–1906), der 1856 in der damaligen Hauptstadt Finnlands – Turku – ankam. Er wurde eingeladen, ein Denkmal für X. G. Portan, den größten Sammler, zu errichten Finnisches Epos; Dieses Denkmal genießt immer noch die wohlverdiente Anerkennung. Gleichzeitig begann er sich für das Epos „Kalevala“ zu interessieren und führte eine Reihe von Werken zu den Themen des Epos auf („Kullervo buchstabiert seinen Säbel“, 1867; Helsinki, Hesperia-Park). Sjöstrand ist nicht nur als Künstler bekannt, sondern vor allem als Meister, der seine eigene Schule gründete. Die realistischen Traditionen dieser Schule lassen sich bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts zurückverfolgen.

Zu seinen Schülern gehörten so berühmte finnische Bildhauer wie Walter Runenberg (1836–1920) und Johannes Takkanen (1849–1885). Diese Meister waren Vertreter zweier Entwicklungslinien der finnischen Bildhauerei. Nachdem sie ihre künstlerische Ausbildung bei Sjöstrand begonnen hatten, setzten sie sie in Kopenhagen und Rom fort, doch ihr Schicksal verlief anders. Für den Sohn des berühmten finnischen Dichters Walter Runenberg, der den herrschenden Kreisen Schwedens nahe stand, war der Weg zur Kunst einfach und leicht. Sowohl zu Hause als auch in Paris, wo er sich Mitte der 1870er Jahre niederließ, hatten seine klassizistischen Porträts und Denkmäler voller äußerem Pathos und Idealisierung Erfolg („Psyche mit dem Adler des Jupiter“, 1875, Marmor, Helsinki. Allegorische Skulptur des Athenäums „Trauriges Finnland“, 1883, Bronze). Doch trotz des Erfolgs und der offiziellen Aufträge trug dieser Meisterklassiker nichts zur Entwicklung der finnischen Nationalskulptur bei – er führte sie nur für Johannes Takkanen, den Sohn eines armen Bauern, in den Mainstream der römischen akademischen Schule ein , es war viel schwieriger. Der talentierte Bildhauer, der sein ganzes kurzes Leben lang mit der Armut kämpfen musste (er starb 36 Jahre lang fast mittellos in Rom unter Menschen, die nicht einmal die letzten Worte des Sterbenden verstehen konnten), erlangte keine Anerkennung. Takkanen war nicht in der Lage, sein Talent zu offenbaren – seine Kraft in die Ausführung monumentaler Skulpturen zu stecken. Aber auch die erhaltenen kleinen Figuren zeugen vom großen und originellen Talent des Meisters. Takkanen wurde zu Recht als Sängerin weiblicher Schönheit bezeichnet, seine Figuren sind voller Lyrik und Sanftheit („Chained Andromeda“, 1882; „Aino“-Motiv aus „Kalevala“, 1876; beide – Helsinki, Ateneum).

Einfachheit, Natürlichkeit, nationale Typen und Bilder – all das wirkte für das klassische Rom zu kühn und ungewöhnlich. Takkanen erhielt keine Unterstützung aus seinem Heimatland. Auf diese Weise verlor Finnland seinen ersten nationalen Künstler.

In den 1880-1890er Jahren. Skulptur wird zu einem der führenden Genres in Finnland. In Städten werden Denkmäler für bedeutende Persönlichkeiten errichtet, Parkskulpturen und Reliefs geschaffen, um öffentliche und private Gebäude zu schmücken. Das Hauptaugenmerk aller monumentalen Skulpturen lag auf der Förderung nationaler Ideen; In diesen Jahrzehnten entwickelten sich die künstlerische Ausrichtung der finnischen Bildhauer und die Wege, die sie beschritten Modern reicht aus Finnische Skulptur. Die salontraditionelle Linie wurde sehr deutlich durch die Arbeit von Ville Wallgren (1855-1940) repräsentiert. Der bedeutendste Meister, der die Volkstraditionen der finnischen Bildhauerei entwickelte, war Emil Wikström (1864-1942).

Wallgren ließ sich um 1880 in Paris nieder. Wallgrens kleine Genrefiguren (Maryatta, 1886, Marmor, Turku, Kunstmuseum; Echo, 1887, Marmor; Spring, 1895, Gold, beide Helsinki, Athenaeum usw.). Seine Werke zeichnen sich durch aufwendige Dekorativität, Sinnlichkeit und oft auch Süße aus. Ende der 1890er Jahre. Er beginnt, sich von den länglichen Proportionen und einer geschwungenen Konturlinie mitreißen zu lassen. Im Laufe der Jahre neigte er immer mehr zur Dekoration und Literatur. Als Wallgren versuchte, seine koketten Mädchen in monumentalen Formen darzustellen (der Havis-Amanda-Brunnen in Helsinki, 1908), scheiterte er, da er ein Meister der kleinen Formen war.

Im Gegensatz zu Wallgren entstand Emil Wikström erst in den 1890er Jahren. ist eine Hommage an die Virtuosität des französischen Salons (Der Traum der Unschuld, 1891; Helsinki, Athenäum). Bereits im 20. Jahrhundert. seine Kunst reift. Die Geschichte und Moderne Finnlands werden zu den Hauptthemen seiner Werke. Auch die Verarbeitung des Materials verändert sich; etwas Anspruchsvolles weicht einer starken plastischen Form. Dies ist eines seiner zentralen Werke – der Fries an der Hauptfassade des Repräsentantenhauses des Landtages (1902, Helsinki). Diese grandiose, in Bronze ausgeführte Komposition besteht aus allegorischen Szenen, die die Geschichte des finnischen Volkes, seine Arbeit und seinen Unabhängigkeitskampf erzählen. Wikström ist auch als Meister der Porträt- und Monumentalskulptur bekannt. 1886 vollendete er ein erfolgreiches Porträt des Malers Gallen-Kallela (Bronze, Helsinki, Ateneum) und 1902 ein Denkmal für den Sammler des Kalevala-Epos Lönnrot (Helsinki), die Komposition „Waldsparren“. Eines seiner letzten Werke war ein Denkmal für I.V. Snellman (1923, Helsinki). Wikströms Monumental- und Porträtarbeiten zeichnen sich durch tiefen Realismus aus, die Fähigkeit, das Charakteristischste und Typischste in der dargestellten Person zu finden.

Wikströms Schüler war Emil Halonen (1875-1950), der die Volkstraditionen der Holzschnitzerei wiederbelebte. Er besitzt zahlreiche Reliefs aus Kiefernholz („Deer Buster“, 1899), Skulpturen aus Holz („Young Girl“, 1908; beide Werke – Helsinki, Athenaeum). Am meisten interessante Arbeit Halonen schuf Reliefs für den finnischen Pavillon auf der Weltausstellung in Paris im Jahr 1900 (Helsinki, Athenaeum), die auf etwas archaische Weise angefertigt wurden und volkstümliche Holzschnitzereien imitierten; sie reproduzierten einfach und lakonisch Szenen des Volkslebens. Die von Halonen entwickelten Holzschnitztechniken wurden von Bildhauern wie Albin Kaasinen (geb. 1892) und Hannes Outere (geb. 1888) weitergeführt und weiterentwickelt, die Szenen aus dem Volksleben schufen und mit viel Humor und Geschick über ihre Zeitgenossen sprachen.

Im Jahr 1910 wurde auf Initiative von Felix Nylund (1878–1940) der Verband finnischer Bildhauer gegründet, der eine wichtige organisatorische Rolle spielte. Die frühen Arbeiten von Nylund selbst zeichnen sich durch den Wunsch nach einer verallgemeinerten plastischen Form bei gleichzeitigem Interesse an den psychologischen Eigenschaften des Modells aus. Besonders gut sind seine Kinderporträts (Erwin, 1906, Marmor; Helsinki, Athenaeum), die sich durch Frische und Wärme auszeichnen. Später interessierte sich Nylund, wie die meisten Künstler der älteren Generation, für modernistische Trends und entfernte sich vom Realismus.

Die 100er und 20er Jahre waren in der finnischen Kunst durch eine Tendenz zum Expressionismus und dann zum Abstraktionismus gekennzeichnet. Die Suche nach „autarkem Volumen“, „reiner Form“ usw. beginnt, und nur wenige Bildhauer schaffen es, diesen fremden Einflüssen zu widerstehen. Unter ihnen ist vor allem der größte moderne realistische Bildhauer zu nennen, der Finnland Weltruhm verschaffte – Väinö Aaltonen (geb. 1894).

Aaltonen erhielt seine künstlerische Ausbildung an der Zeichenschule in Turku unter der Leitung von V. Westerholm. Die Schule brachte Maler hervor, aber entgegen der Annahme seiner Lehrer wurde Aaltonen Bildhauer. Die Kunst der Bildhauerei faszinierte ihn seit seiner Kindheit; es war seine Berufung. Aaltonen ist der Meister, von dem man in Finnland sagt, er habe Granitfelsen aus dem ewigen Schlaf erweckt. Schwarzer und roter Granit wurde Aaltonens Lieblingsmaterial. Das Spektrum dieses Künstlers ist ungewöhnlich breit: Er schuf eine riesige Porträtgalerie seiner Zeitgenossen, Parkskulpturen und Statuen von Sportlern, Grabsteine ​​und monumentale Reliefs zur Verzierung von Regierungs- und öffentlichen Gebäuden, Kammerskulpturen aus Holz und Terrakotta, Öl- und Temperagemälde zu Kalevala-Themen. Bereits frühe Arbeiten Aaltonen – eine Reihe sogenannter „Maids“ („Girl Wading“, 1917-1922, Granit; „Seated Young Girl“, 1923-1925, Granit; alle in Privatsammlungen) – erregte mit ihrer großen Lyrik und Wärme das öffentliche Interesse und Poesie in der Darstellung eines nackten weiblichen Körpers und der außergewöhnlichen Sanftheit der Verarbeitung des Materials. In diesen Jahren beschäftigte sich Aaltonen auch mit dem Thema Akt. männlicher Körper, und er schafft eines seiner Meisterwerke – eine Statue des Läufers Paavo Nurmi (1924-1925, Bronze; Helsinki); Die Leichtigkeit, das Selbstvertrauen und die Freiheit eines starken, muskulösen Körpers werden vom Bildhauer perfekt vermittelt. Sobald sein Fuß das Podest berührt, scheint Nurmi vorwärtszufliegen.

Aaltonen begann sich bereits in seiner Jugend mit der Porträtkunst zu beschäftigen und arbeitet bis heute in diesem Genre. Er kann als einer der Schöpfer der modernen finnischen skulpturalen Porträtmalerei angesehen werden. Seine Kunst basiert auf tiefem Eindringen in Innere Porträt und strenge Auswahl der Elemente, die die Eigenschaften des Modells ausmachen.

Unter den Besten Porträtarbeiten Aaltonen kann als Porträt der Schriftstellerin Maria Jotuni (1919, Marmor; Privatsammlung) mit einem freundlichen, leicht traurigen Gesicht bezeichnet werden; Der strenge Kopf von V. Westerholm, voller Kraft und Würde (1925, Granit; Privatsammlung) vermittelt die tiefe Konzentration von Aaltonens Lehrer. Wunderschön sind die Porträts des Komponisten Jean Sibelius (1935, Marmor; Pori, Sibelius-Hausmuseum), dessen mächtiger Kopf aus einem Steinblock zu wachsen scheint, und des Dichters Aarro Hellaakoski (1946, Bronze; Privatsammlung), wo das Äußerste zu sehen ist Der Lakonismus der Formen und Ausdrucksmittel hindert ihn nicht daran, das Erscheinungsbild dieses desillusionierten Jugendfreundes Aaltonen nachzubilden.

Aaltonens monumentale Werke sind von großem Interesse. Seine Aktfiguren auf der Brücke in Tampere (1927-1929, Bronze) sind in ihrer Bildinterpretation zutiefst national. Die Heldin von „Kalevala“ „Maryatta“ (1934, Bronze; Eigentum des Autors) ist wunderschön in ihrer strengen Zurückhaltung: Eine junge Frau in einem bis zum Boden fließenden Kleid steht da und hebt ihr Kind hoch in den Armen, ihr Blick ist voll voller Traurigkeit und Zärtlichkeit sind die Umrisse ihrer schlanken Silhouette glatt. Das Denkmal für Alexis Kivi (1934, Bronze) in Helsinki stellt das traurige Bild des großen finnischen Schriftstellers dar, der früh in Armut starb, ohne zu Lebzeiten Anerkennung zu erhalten. Bittere Gedanken überwältigen einen Mann, der tief in Gedanken versunken sitzt, den Kopf gesenkt, die Hände kraftlos auf die Knie gesenkt. Die strengen Formen des sehr kompakten Denkmals fügen sich gut in das Ensemble der Stadt ein.

Unter Aaltonens monumentalen Reliefs nimmt das Denkmal zu Ehren der ersten finnischen Siedler in Delaware (Kanada; 1938, roter Granit) einen besonderen Platz ein – dies ist vielleicht eines seiner nationalsten Werke im Geiste. Das Denkmal ist eine Platte, deren Längsseiten mit Reliefs verziert sind. Besonders gut gefällt das Relief „Farewell to the Native Shore“. Weit draußen im Meer sind die Umrisse eines Schiffes zu erkennen, und im Vordergrund, nahe der felsigen Küste, erstarrten die Trauernden in strengem Schweigen; In wenigen Minuten wird das Boot die Draufgänger zu einem Schiff bringen, das auf der Suche nach einem besseren Leben in unbekannte Länder segelt. Aaltonen vermied stets Pathos, Effekte und plötzliche Bewegungen und wählte den Moment, in dem alle Worte bereits gesagt waren – es gab eine Schweigeminute. Dem extrem lapidaren Charakter der plastischen Lösung des Reliefs steht eine klare Ausarbeitung gegenüber Umrisszeichnung Figuren.

Diese nationale Besonderheit finden wir sowohl in den Typen als auch in der Interpretation der Bilder in Aaltonens Gemälden und grafischen Werken, etwa in „Kullervo“ (1930–1940, Tempera), in der poetischen „Rückkehr aus der Abendmilch“ (1939, Zeichnung; beides). sind Eigentumsautor).

Themen wie Frieden und Freundschaft zwischen den Völkern sowie die Solidarität der Arbeitnehmer liegen Aaltonen am Herzen. Das Bronzedenkmal „Freundschaft“ stammt aus dem Jahr 1952 und symbolisiert die Freundschaft zwischen der finnischen Stadt Turku und der schwedischen Stadt Göteborg (in beiden Städten wurden Denkmäler aufgestellt). Ein großer Beitrag zur Sache des Friedens war Aaltonens Skulptur „Peace“ in Lahti (1950-1952, Granit), die den Frieden in Form einer monumentalen Frau mit hoch erhobenen Armen darstellt, als würde sie den Weg zum Krieg versperren. Für diese Skulptur wurde Aaltonen 1954 vom Weltfriedensrat mit einer Goldmedaille ausgezeichnet.

Trotz der Tatsache, dass der Abstraktionismus als offizielle Bewegung in den letzten Jahrzehnten einen ziemlich starken Platz in der finnischen Bildhauerei eingenommen hat, lässt eine große Gruppe junger Künstler, die die realistischen Grundlagen der Kunst sowohl in der Porträt- als auch in der Monumentalskulptur innovativ entwickeln, Abstraktionisten nicht zu Spitzenplatz. Unter den realistischen Meistern müssen wir solche nennen bedeutende Künstler, wie Essi Renvall (geb. 1911) und Aimo Tukiyainen (geb. 1917). Essie Renvall ist eine Künstlerin mit subtilem, lyrischem Talent; sie besitzt viele Porträts ihrer Zeitgenossen („Onni Okkonen“, Bronze), und ihre Bilder von Kindern sind besonders attraktiv. Neben Porträts schafft Renvall auch verallgemeinerte Bilder gewöhnlicher Menschen („Textile Worker“, Bronze; Park in Tampere). Renvall arbeitet in Marmor und Bronze und In letzter Zeit Um die Ausdruckskraft zu steigern, verwendet er Intarsien mit farbigen Steinen und Metall. Aimo Tukiyainen schafft monumental interpretierte Porträts (Porträt von Tovio Pekkanen, 1956, Bronze) und Denkmäler (Denkmal für Et Salin, 1955, Bronze); Dieses Denkmal inmitten eines Schwimmbeckens zeigt einen müden Mann in Arbeitskleidung, der sich auf ein Knie beugt, um sich den Staub aus dem Gesicht zu waschen.

Die Medaillenkunst Finnlands, die in den letzten Jahrzehnten eine Blüte erlebte, ist weitgehend dem Kampf um die Stärkung des Friedens gewidmet. Die Medaillen von Aaltonen, Gerda Quist (geb. 1883) und anderen Meistern, die herausragenden Zeitgenossen und Ereignissen gewidmet sind, sind überraschend dünn, harmonisch und flexibel.

Die neunziger Jahre des 19. Jahrhunderts waren von einem entscheidenden Wendepunkt in der Entwicklung der finnischen Architektur geprägt, die sich vom traditionellen klassizistischen Akademismus abwandte und einen Suchpfad im Geiste einer neuen nationalromantischen Richtung einschlug. Die charakteristische Aufmerksamkeit für die finnische und karelische Volksarchitektur dieser Zeit war mit dem Wachstum des nationalen Selbstbewusstseins verbunden und spiegelte gleichzeitig die Tendenz wider, lokale Materialien zu verwenden, die sich in der westeuropäischen (insbesondere englischen und schwedischen) Architektur manifestierte. Der allgemeine Mainstream der Entwicklung der nationalen Kultur von Suomi im letzten Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts umfasste die Forschungen der Architekten J. Blomsted und V. Suksdorf („Karelische Gebäude und dekorative Formen“, 1900) sowie die Werke finnischer Künstler, die das verherrlichten einzigartige Schönheit dieses nördlichen Landes und die Musik von Jan Sibedius ( Symphonisches Gedicht„Finnland“, die Legende „Tuonela-Schwan“, „Frühlingslied“), die Bilder von der rauen Natur der Region malen.

In dieser Atmosphäre bildete sich eine Galaxie herausragender finnischer Architekten, unter denen Lare Sonck, Hermann Geselius, Armas Lindgren und insbesondere Eliel Saarinen (1873-1950) den prominentesten Platz einnehmen. Sonck war einer der ersten, der in diesen Jahren Blockbauten und Rohsteinmauerwerk einsetzte, um der Architektur der Nationalromantik eine besondere Ausdruckskraft zu verleihen. Seine Kathedrale in Tampere (1902–1907) erlangte aufgrund der Emotionalität des Bildes, der Stärke und Harmonie des Designs große und wohlverdiente Berühmtheit.

Auf der Weltausstellung in Paris im Jahr 1900 erlangte der von Geselius, Lindgren und Saarinen geschaffene finnische Pavillon große Anerkennung, der sich durch seine Einfachheit und kompositorische Klarheit aus der Masse der eklektischen und überladenen Gebäude hervorhob. Einer der meisten helle Werke Aus dieser Zeit stammt ein Wohngebäude in Vtreska, das 1902 von einer Architektengruppe für sich selbst erbaut wurde. Das Gebäude zeichnet sich durch seine außergewöhnliche Monumentalität, die malerische Komposition der Massen aus und fügt sich organisch in die umgebende Natur ein. In diesem Gebäude ist die freie Gestaltung der Räumlichkeiten und die Nutzung von Ausdrucksmöglichkeiten Holz und Granit.

Von großer Bedeutung für die finnische Architektur dieser Zeit war, wie die finnischen Architekten selbst zugeben, die Verbindung mit dem zeitgenössischen Russisch künstlerische Kultur, in dem in diesen Jahren ein weit verbreitetes Interesse an der Beherrschung der Traditionen der Volksarchitektur bestand, angewandte Künste, Folklore ( Dieser Einfluss wurde durch die Existenz enger kultureller Verbindungen zwischen russischer und finnischer Kunst bestimmt. Insbesondere Eliel Saarinen war ordentliches Mitglied der St. Petersburger Akademie der Künste und pflegte ständige Kontakte zu Persönlichkeiten der russischen Kultur wie M. Gorki, I. Grabar, N. Roerich und anderen.).

Bis zum Ende des ersten Jahrzehnts des 20. Jahrhunderts. In Finnland zeichnet sich eine neue Richtung ab, die im Charakter der russischen Moderne ähnelt, sich jedoch durch größere Lakonizität und Zurückhaltung von ihr unterscheidet. Eliel Saarinen ist hier auch der größte Meister. In seinen Projekten für den Friedenspalast in Den Haag (1905), dem Finnischen Landtag (1908), dem Rathaus in Tallinn (1912) und insbesondere im fertiggestellten Projekt für den Bahnhof in Helsinki (1904–1914) war Saarinens Lieblingstechnik Durch die Gegenüberstellung eines massiven Turms und eines schweren horizontalen Volumens entsteht ein unerschütterliches Fundament. Dieses Thema erreicht seinen Höhepunkt im Projekt des Hausmuseums der Nationalkultur, bekannt als Kalevala-Haus in Munkkiniemi (1921), wo das Gebäude mit seiner schönen Gestaltung und proportionalen Struktur sowie der Schwere seiner Formen einer Festung ähnelt , entstanden wie durch die Bearbeitung der Spitze eines Granitfelsens. Das von Saarinen entwickelte Bild eines öffentlichen Gebäudes ist etwas streng und düster, aber es ist einzigartig originell und organisch mit den nationalen Besonderheiten der finnischen Architektur verbunden.

Auch Saarinens erste städtebauliche Arbeiten stammen aus dieser Zeit ( Wettbewerbsprojekt Canberra, 1912; Masterplan von Munkkiniemi-Haag, 1910-1915), in dem sich der Wunsch nach maximaler Monumentalisierung großer städtischer Komplexe mit aufkommenden neuen Vorstellungen über den Organismus einer Siedlung und die Differenzierung ihrer einzelnen Teile verbindet.

Das Ende des Ersten Weltkriegs und die Gewährung der staatlichen Unabhängigkeit Finnlands auf Initiative von W. I. Lenin waren im Bereich der Architektur von einer Reihe großer städtebaulicher Arbeiten geprägt. Das bedeutendste davon war das Groß-Helsinki-Projekt (1918), das Eliel Saarinen zu einer der anerkannten Autoritäten der weltweiten Stadtplanung machte. Das Projekt differenzierte Wohngebiete der Hauptstadt und dezentrale Besiedlung in Satellitenstädten mit einer Konsistenz, die zuvor noch niemand erreicht hatte. Der Autor nutzte die von Seen und Buchten gegliederten Vorstadtgebiete hervorragend zur Lokalisierung einzelner, organisch in die Natur integrierter Wohnanlagen.

In den 20-30er Jahren. In Finnland werden eine Reihe großer und architektonisch bedeutender öffentlicher und gewerblicher Gebäude gebaut. Unter ihnen sticht das Parlamentsgebäude hervor (1931, Architekt I. Siren). Charakteristisch ist, dass dieses Gebäude in ausgewogenen, strengen Formen des Neoklassizismus gestaltet ist, die bis in die 30er Jahre erhalten blieben. starke Position in Finnland.

Das in den Jahren 1926–1931 in Helsinki erbaute Gebäude war in seinen Formen interessanter und moderner. ein weiterer prominenter Vertreter der finnischen Architektur, Sigurd Frosterus, Kaufhaus Shtokman. Seine äußeren Formen spiegelten den Monumentalismus wider, der der finnischen Architektur dieser Zeit innewohnte. Die Innenräume des auf einem Stahlbetonskelett errichteten Kaufhauses erhielten die für Neubauten dieser Art typische großzügige, offene und frei organisierte Verkaufsfläche.

Seit den 30er Jahren. 20. Jahrhundert Die führende Persönlichkeit der finnischen Architektur ist Alvar Aalto (geb. 1898), ein talentierter Architekt, der aus der Familie eines Försters stammte und später wie Eliel Saarinen Weltruhm erlangte und zu einem der größten Architekten unserer Zeit wurde. 1929-1933. A. Aalto baut in Paimio im Südwesten Finnlands ein Tuberkulose-Sanatorium, ganz im Geiste des europäischen Funktionalismus und gleichzeitig von lokaler Originalität geprägt – außergewöhnliche Reinheit und Frische seiner architektonischen Formen, freie Volumenkomposition, organische Verbindung mit dem Relief und waldreiche Landschaft der Region. Neben dem Bauhausgebäude in Dessau von W. Gropius und den Werken von Le Corbusier ist dieses Gebäude eines der bekanntesten und richtungsweisenden Bauwerke moderne Architektur. Ein weiteres Werk von A. Aalto sowie das Sanatorium in Paimio, das zu Recht als eines der besten europäischen Gebäude der 30er Jahre gilt, war das Bibliotheksgebäude in Wyborg. Es fällt auf die sorgfältig durchdachte funktionale Grundlage des Plans, die Wahrhaftigkeit der äußeren Erscheinung des Bauwerks und die große emotionale Ausdruckskraft. Im Hörsaal der Bibliothek wurde eine spezielle hölzerne Akustikdecke mit geschwungenem Umriss verwendet, die dem Innenraum für die damalige Zeit Originalität und eine neue Form verlieh.

Aaltos Verdienst bei diesem und einer Reihe anderer Gebäude bestand darin, dass er, nachdem er die rationalistischen Grundlagen des Konstruktivismus erkannt und auf finnischem Boden angewendet hatte, sich von Anfang an seinen Grenzen widersetzte und begann, die ästhetischen Prinzipien einer neuen Richtung zu entwickeln und danach zu suchen künstlerische Sprache. Aalto stellte fest, dass „der technische Funktionalismus nicht der einzige in der Architektur sein kann“ und dass eine der wichtigen Aufgaben der modernen Architektur „die Lösung psychologischer Probleme ist“. Unter anderen bedeutenden Werken von A. Aalto ist der finnische Pavillon zu erwähnen Internationale Ausstellung in New York, Villa Mairea in Noormarku, Holzverarbeitungsfabrik in Sunil (1936-1939). IN letzter Job Aalto fungiert auch als Stadtplaner: Er schafft nicht nur einen Komplex von Industrieanlagen, sondern auch ein Wohndorf für Arbeiter und führt dabei die besten Traditionen der finnischen Architektur fort – unter Berücksichtigung und sorgfältiger Nutzung der natürlichen Umwelt.

Neue Merkmale in der Architektur öffentlicher Gebäude werden von Eric Brugman (1891-1955) eingeführt. Er war der erste in den skandinavischen Ländern, der den Innenraum mit Hilfe von Buntglasfenstern weit in den umgebenden Raum hinein öffnete (Kapelle in Turku, 1938-1941) und strebte nach einer neuen künstlerischen Wirkung und einer neuen Einheit von Architektur und Natur.

Ein bedeutendes Bauwerk dieser Zeit war auch der Olympiakomplex in Helsinki, der ein hervorragendes Stadion (1934-1952, Architekten Irjo Lindgren und Toivo Jantti) und das Olympische Dorf (Architekten H. Eklund und M. Välikangas) umfasste, das das erste wurde Satellitenstadt der finnischen Hauptstadt.

Nach dem Zweiten Weltkrieg stabilisierte sich die finnische Wirtschaft dank der Ausweitung der Handelsbeziehungen schnell die Sowjetunion, und finnische Architekten hatten die Möglichkeit, mit der Umsetzung einer Reihe bisher nur skizzierter städtebaulicher Ideen und Massenbauten zu beginnen. Ihr größtes und bedeutendstes Werk, das große Resonanz fand, war der Bau der Gartenstadt Tapiola, 9 km von Helsinki entfernt ( Tapiolas Autoren: Architekten O, Meierman und I. Siltavuori (Masterplan), A. Blomsted, V. Revell, M. Tavio, A. Ervi, K. und X. Siren, T. Nironen und andere. Der Bau wird seit 1952 von einer eigens gegründeten Wohnungsbaugenossenschaft durchgeführt.). Beim Bau von Tapiola versuchten die Architekten, die für große kapitalistische Städte typische Trennung von Mensch und Natur zu überwinden. Die Stadt mit 15.000 Einwohnern wurde inmitten natürlicher Vegetation auf rauem Gelände mit Aufschlüssen des Granitsockels des Festlandes erbaut und nimmt eine Fläche von mehr als 230 Hektar ein. Besondere Aufmerksamkeit widmet sich dem Schutz der Tierwelt und malerischer, nahezu unberührter Landschaften. Bezeichnend ist, dass die Wohnbebauung nur 25 Prozent der Fläche einnimmt, während freie Grünflächen 75 Prozent ausmachen. Tatsächlich handelt es sich hier nicht um Grünflächen, die mit städtischer Bebauung durchsetzt sind, sondern um Häuser – mit natürlichen Wäldern, die ihre Lage auf vorhandene Baumgruppen, Topografie, Felsvorsprünge und solare Lichtverhältnisse übertragen. Das in malerischen Bändern entlang der Unterschiede der natürlichen Erdoberfläche angelegte Netz asphaltierter Straßen ist auf das erforderliche Minimum reduziert.

Das Tapiola Center (1954–1962, Architekt Aarne Ervi) ist typisch für neue Ideen zum Aufbau eines städtischen Ensembles. Es verfügt über einen gut organisierten freien und gleichzeitig klar differenzierten Raum, der dynamische Kontraste architektonischer Vertikalen und ausgedehnter, horizontaler Volumen sowie getrennter Fußgänger- und Verkehrswege schafft. Das soziale Element verbindet sich hier mit einer gewissen Intimität, regelmäßige Motive mit Malerischem (zum Beispiel wird die klare Geometrie des mit Platten gepflasterten Platzes in der Nähe von Gewerbegebäuden durch Baumgruppen belebt, die an den Stellen erhalten blieben, an denen sie vor Baubeginn frei wuchsen). Die Struktur der Tapiola-Wohnanlagen berücksichtigt die Bedürfnisse unterschiedlicher Bevölkerungsgruppen: je nach Alterszusammensetzung und Familienstand. Daneben (und das ist typisch für die gesamte Praxis der kapitalistischen Stadtplanung) wird die Entwicklung nach dem sozialen Status und der materiellen Sicherheit der Bürger differenziert. Dementsprechend wurden verschiedene Gebäudetypen verwendet – von 8-11-stöckigen Turmhäusern bis hin zu 1-2-stöckigen Doppelhäusern.

Tapiola hat eine Reihe interessanter neuer Typen öffentlicher Gebäude entwickelt, beispielsweise die von den Architekten Kai und Heikki Siren entworfene Pavillon-Schule. Der vom Architekten A. Blomsted durchgeführte Ausbau der Mennin-Kaisentie-Straße ist in seiner Architektur einzigartig. Die Straße verläuft am Fuße eines Granitmassivs, auf dem sich eine Gruppe mehrstöckiger Gebäude befindet. Auf der anderen Seite befindet sich eine Reihe miteinander verbundener Häuser mit Blick auf den Wald und die Seen. Der Rhythmus des Wechsels, einfach in ihrem geometrische Formen Ein- und zweistöckige Baukörper, die sich an der Grenze zwischen Rasen und Wald erstrecken, die Kontraste von hellen, glatten Wänden und Buntglasfenstern, die Vielfalt der Farben der Gebäude, die Kerzen der Kiefern, zwischen denen sich einige Gebäude befinden verlegt werden – all das schafft eine vielfältige, außergewöhnlich ausdrucksstarke und malerische architektonische Raumkomposition.

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Es sei darauf hingewiesen, dass im Nachkriegsfinnland neben Tapiola noch eine Reihe weiterer bemerkenswerter Wohngebiete und -komplexe errichtet wurden.

Auch beim Bau öffentlicher Gebäude und Verwaltungsgebäude haben finnische Architekten beachtliche Erfolge erzielt. Für Arbeiterorganisationen baute A. Aalto 1958 das Haus der Kultur in Helsinki, in dem er eine freie Kombination aus organisch sich entwickelnden Volumen und geschwungenen Ziegelflächen verwendete. Das asymmetrisch angeordnete Amphitheater zeichnet sich nicht nur durch seine frische Form, sondern auch durch seine hervorragende Akustik aus und zählt damit zu den besten Sälen dieser Art in Europa. Dem gleichen Autor gehört das hervorragende Gebäude der Sozialversicherungsanstalten in Helsinki (1952), in dem der Architekt versuchte, den offiziellen Geist solcher Gebäude zu überwinden, der Gebäudekomplex des Gemeinderats in Säynätealo (1956), der im Wesentlichen das Zentrum darstellt des Mikrobezirks und umfasst eine Reihe von Elementen öffentlicher Dienstleistungen, Verwaltungsgebäude der Firma Rautatalo, ausgekleidet mit Kupfer und Bronze. Es ist zu beachten, dass finnische Architekten häufig die Fassadenveredelung mit Blechen und Profilmetallen (Kupfer, Bronze, eloxiertes und schlichtes Aluminium) verwenden, was ihren Gebäuden eine einzigartige Ausdruckskraft verleiht.

Einer der größten Bildungsinstitutionen Das nach dem Krieg erbaute Arbeiterinstitut in Turku (1958, Architekt A. Ervi), bei dem der Architekt die Kontraste eines frei gestalteten umgebenden Raums und der klaren Geometrie der um einen gefliesten Innenhof mit rechteckigem Pool gruppierten Gebäude nutzte Und Skulpturengruppe. In Schulen und anderen Bildungsgebäuden nutzen finnische Architekten häufig universelle Säle und Auditorien, indem sie Systeme aus verschiebbaren Trennwänden und mechanisch versenkbaren Amphitheaterbänken verwenden und so die Möglichkeit schaffen, die Beschaffenheit des Innenraums, die Raumkapazität usw. auf unterschiedliche Weise zu variieren.

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Die Hauptmerkmale der modernen finnischen Architektur bleiben durchweg Einfachheit und Zweckmäßigkeit, große emotionale Ausdruckskraft, taktvoller Einsatz von Farben und die Verwendung natürlicher und traditioneller Materialien (Metall, Kunststoffe, Emaille, Eternite usw.) sowie die Verwendung effektiv präsentierter neuer Materialien lokale Materialien in Finnland (Holz, Granit) und – am wichtigsten – die Fähigkeit, sich organisch in die natürliche Umgebung einzufügen, alle Möglichkeiten zu nutzen, die das Mikrorelief, die Fülle an Seen, schroffen Küsten, die malerische und unberührte Natur bieten Architekt Waldrand. Das neueste Funktion ist nicht nur in Wohn- und öffentlichen Gebäuden deutlich sichtbar, sondern auch in den meisten Industriegebäuden, die wie das Kraftwerk am Oulun-Joki-Fluss (1949, Architekt A. Ervi) auf natürliche Weise auf einem Granitfelsensockel wachsen, der von schlanken und schlanken Gebäuden umgeben ist leicht düstere Kiefern.

Es ist jedoch zu beachten, dass der begrenzte Bauumfang praktisch nicht die notwendige wirtschaftliche Grundlage für eine industrielle, standardisierte Masse bot Bauproduktion. Die Hauptgebäude werden nach individuellen Projekten ausgeführt. In speziellen Hausbaubetrieben werden ausschließlich vorgefertigte einstöckige Holzhäuser, die vor allem für den ländlichen Raum bestimmt sind, industriell hergestellt.

Finnische Architekten nutzen das Gesamtkunstwerk sehr zurückhaltend und beschränken sich in der Regel nur auf die mit großem Geschick durchgeführte Bemalung von Häusern. In städtischen Architekturensembles findet man Zier- und Gedenkskulpturen; Elemente der dekorativen und angewandten Kunst sowie kleine architektonische Formen werden mit viel Fingerspitzengefühl eingesetzt.

Kultur und Kunst sind das Erbe und Erbe jedes Staates. „Das Land der tausend Seen“ ist nicht nur ein Ski- und Angelparadies für Reisende und Touristen, sondern auch ein Ort für verschiedene Kunstkritiker und einfach Kenner der Kreativität. Kunst, insbesondere Malerei, ist in Finnland sehr entwickelt. Zahlreiche Kunstgalerien, Museen und Ausstellungen werden selbst die anspruchsvollsten Kunstkenner begeistern.

Künstler aus dem Land Suomi, die im 19. Jahrhundert erhielten Europäische Bildung wurde zum wichtigsten und treibenden Faktor, der der Entwicklung der bildenden Künste in Finnland Impulse gab. Bevor wir beginnen, Vertreter der finnischen Malerei kennenzulernen, machen wir uns mit dem Werk des „Vaters der finnischen Kunst und Malerei“ Robert Ekman vertraut.

Robert Wilhelm Ekman

Der 1808 geborene Künstler schilderte in seinen Gemälden das Leben einfacher finnischer Bauern, alle Nöte ihres Lebens und lenkte die öffentliche Aufmerksamkeit auf die Sozialpolitik des finnischen Staates gegenüber dem einfachen Volk. Als Robert 16 wurde, ging er nach Stockholm, um an der Schwedischen Akademie der Künste zu studieren. Als junges und brillantes Talent erhielt Ekman ein schwedisches Stipendium für sein Talent, und später führte ihn seine Berufung als Künstler zum Studium nach Italien und Frankreich und dann nach Holland. Der Pinselmeister verbrachte von 1837 bis 1844 ganze sieben Jahre in diesen Ländern.

Nach seiner Rückkehr in das Land Suomi ließ sich Robert Wilhelm in der Stadt Turku nieder, wo er begann, die örtliche Kathedrale mit seinen Wandfresken und Zeichnungen zu bemalen. Danach gründete er in der Stadt eine Zeichenschule, die er bis 1873 leitete. Er stellte sehr deutlich die Kluft dar, die zwischen dem Adel und den Bauern bestand. Die Gemälde des Künstlers schockierten alle mit ihrem einzigartigen und ungeahnten Realismus. Der „Vater der finnischen Malerei und Kunst“ starb 1873.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela wurde im April 1863 in der kleinen finnischen Stadt Björneborg (heutiger Name Pori) geboren. Als Kämpfer für die Unabhängigkeit Finnlands versuchte der Künstler in seinem Werk auf jede erdenkliche Weise einen Aufruf an die Nation darzustellen, für die Unabhängigkeit ihres Landes zu kämpfen. Der dem Maler innewohnende Modernismus ermöglichte es Axel Gallen Kallela, sehr realistische Gemälde zu schaffen. Nach dem Ende des finnischen Bürgerkriegs (1918) begann der Künstler, Heraldik zu studieren und Flaggenentwürfe zu entwerfen. Mitte des 20. Jahrhunderts lebte und arbeitete der Künstler einige Zeit in den Vereinigten Staaten von Amerika, wo er erfolgreich Ausstellungen seiner Werke veranstaltete. Der Maler starb 1931 in Stockholm an einer Lungenentzündung.

Conrad Oskar Kleineh

Der berühmteste finnische Meereslandschaftsmaler wurde im September 1846 in der finnischen Hauptstadt geboren. Oscars deutsche Wurzeln „kamen zur Rettung“, die es ihm ermöglichten, in Deutschland, nämlich in Düsseldorf, zu studieren. Später setzte Kleinech sein Studium in St. Petersburg und Karlsruhe fort. Die größte Popularität des Marinemalers erlangten Gemälde mit Meeresstillleben und Landschaften; ein Originalwerk wurde sogar in der St. Petersburger Eremitage ausgestellt. Der Künstler starb 1919 in seiner Heimatstadt Helsinki.

Ein Porträt der Neffen von Alexander III., gemalt von Albert Edelfelt, einem der berühmtesten finnischen Künstler, und in Finnland als verschollen gilt, tauchte unerwartet im Kunstmuseum der Stadt Rybinsk auf.

Die finnische Kunsthistorikerin Sani Kontula-Webb, die sich seit mehr als 10 Jahren mit finnisch-russischer Malerei beschäftigt künstlerische Verbindungen Ich habe das Gemälde zufällig im Internet auf der Website des Rybinsker Museumsreservats gefunden, allerdings unter einem anderen Namen. Eine Suchanfrage nach dem Namen des Künstlers, die in einer Suchmaschine wahrscheinlich zum hundertsten Mal in kyrillischer Sprache eingegeben wurde, ergab plötzlich ein unerwartetes Ergebnis: Der Blick des Forschers fiel auf ein Bild, das er noch nie zuvor gesehen hatte, das ihm aber sehr bekannt vorkam.

„In Finnland galt das Gemälde auch in russischen Quellen als vermisst. Reproduktionen davon waren noch nie gedruckt worden, aber das Athenaeum beherbergt Skizzen von Edelfelt, und ich hatte eine ungefähre Vorstellung davon ​​wie das Porträt aussehen soll“, sagte sie gegenüber „Fontanke.fi“ Sani Kontula-Webb.

Foto: Sani Kontula-Webb
Sani Kontula-Webb schreibt eine Dissertation über den Einfluss der Akademie auf die Kunst Finnlands während der Zeit ihrer Autonomie (von 1809 bis 1917).

Es handelt sich um ein Porträt zweier Neffen von Kaiser Alexander III. – Boris und Kirill, den Söhnen seines Bruders, Fürst Wladimir. Edelfelts Werk mit dem Titel „Kinder“ wird im Rybinsker Museum aufbewahrt; im technischen Pass des Gemäldes, das bereits in den 80er Jahren erstellt wurde, heißt es, dass es Mädchen darstellt – die Kinder sind in Kleider gekleidet und ihre Haare sind dementsprechend lang und lockig Mode damals. Aber die Beschreibung ist veraltet.

Foto: Sani Kontula-Webb
Das Gemälde „Kinder“ zeigt die Neffen von Kaiser Alexander III., die Söhne der Fürsten Wladimir Alexandrowitsch Kirill und Boris.
Das Porträt wurde 1881 im Auftrag von Fürst Wladimir, dem Leiter der Akademie der Künste, gemalt und zunächst in seinem Palast in Zarskoje Selo aufbewahrt. Was nach der Revolution geschah, blieb den finnischen Kunsthistorikern unbekannt. Laut technischem Pass gelangte es 1921 in das Lager des Rybinsker Museums.

Foto: Sani Kontula-Webb
Die Inventarnummer auf der Rückseite des Gemäldes weist darauf hin, dass es im Palast des Fürsten Wladimir aufbewahrt wurde.
Die Kosten für das Gemälde wurden nicht geschätzt. Bei der Bukovskis-Auktion wurden Werke von Albert Edelfelt für Beträge zwischen 18.000 und 120.000 Euro versteigert.

„Albert Edelfelt ist für Finnland das, was Repin für Russland ist“, sagt Kontula-Webb. „Er ist ein nationaler, beliebter und verehrter Künstler, der eine glänzende Karriere hinter sich hat, seine Gemälde wurden an der Akademie der Künste ausgestellt, ihm wurde eine Professur angeboten.“ .“ Es war das Porträt der Kinder des Fürsten Wladimir, das dem Künstler den Weg ebnete, zum Liebling des russischen Kaiserhofs zu werden. Danach wurde Edelfelt der Frau von Kaiser Alexander III., Maria Fjodorowna (Dagmar), vorgestellt und sie bestellte ihm Porträts ihrer Kinder Xenia und Michail. Dann posierte Nikolaus II. persönlich für den Künstler, was als großes Zeichen des Respekts galt – offizielle Porträts wurden in der Regel entweder von einem vorhandenen Porträt oder von einem Foto kopiert.

Das Rybinsker Museum reagierte positiv auf die Idee der Finnen, eine Ausstellung zu organisieren, doch zunächst muss das Gemälde restauriert werden.

Auf die Frage von Fontanka.fi, ob es eine Chance gebe, weitere fehlende Werke des finnischen Malers zu entdecken, antwortete Sani Kontula-Webb mit Zweifel und Hoffnung. Ihrer Meinung nach gab es das Kammerporträt Nikolaus II., der für seine Frau Alexandra bestimmt war. Es zeigt den Kaiser im Gewand in heimeligem Ambiente: „Wenn es natürlich bis heute nach der Revolution überlebt hat ...“

Albert Gustav Aristides Edelfelt (schwedisch: Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854–1905) – finnischer Maler und Grafiker schwedischer Herkunft. Er malte historische und alltägliche Themen, Porträts und Landschaften. Eingearbeitet monumentale Malerei. Verwendete Pastell- und Aquarelltechniken. Einige seiner Werke werden in der Eremitage aufbewahrt.

Das Interesse an Kunst in entwickelten Ländern bleibt jederzeit aktuell!
In Finnland entwickelt sich die zeitgenössische Kunst weiter und zieht mit ihrem Mut, ihrer Eigenständigkeit und natürlich einzigartigen nationalen Techniken viele Fans an.
Heute wie vor vielen Jahren offenbart die zeitgenössische finnische Kunst eine besondere Verbindung zwischen den Finnen und der Natur. Skandinavisches Design besticht durch seine Einfachheit und natürliche Note. Das Thema der Interaktion zwischen dem Menschen und allen Lebewesen, die ihn umgeben, nimmt in der zeitgenössischen finnischen Kunst immer noch einen zentralen Platz ein. Finnische Künstler, Fotografen und Designer lassen sich für ihre Arbeit weiterhin vom wirklich Lebendigen und Grundlegenden inspirieren: dem Menschen, der Natur, der Schönheit und der Musik.

Ein Korrespondent des Kultur- und Informationsportals Finmaa traf sich mit einer in finnischen Kreisen bekannten Persönlichkeit moderne Malerei, Künstlerin Kaarina Helenius, und versuchte herauszufinden, was und wie sie lebt zeitgenössischer Künstler in Finnland.

Finmaa:— Was bedeutet zeitgenössische Kunst heute in Finnland?
— Ich würde zeitgenössische Kunst als Werke charakterisieren, die mit anderen, neuen technischen Techniken hergestellt wurden. Auch alte Techniken können genutzt werden, allerdings mit einem neuen Blick auf Altes.

Finmaa:— Wie gefragt ist zeitgenössische Kunst im Hinblick auf das Interesse echter Käufer daran? Kann man damit in Finnland seinen Lebensunterhalt verdienen?
— Moderne Kunst in Finnland sehr beliebt. Die Finnen interessieren sich besonders für die Arbeit junger Künstler. Allerdings gibt es in Finnland nicht viele Künstler, die ihren Lebensunterhalt ausschließlich von der Kunst verdienen. Normalerweise hat der Künstler Berufsausbildung und führt parallel andere Arbeiten aus. Ich bin zum Beispiel Grafikdesigner. ich habe mein eigenes Werbeagentur und tagsüber arbeite ich in meinem Büro. Ich mache gerne beides, also genieße ich beide Arten von Arbeit.

Finmaa:— Sie leben und arbeiten in der Stadt Hämeenlinna. Ist Ihrer Meinung nach diese Stadt oder Finnland im Allgemeinen eine gute Atmosphäre für Kreativität?
— Hämeenlinna ist eine kleine Stadt, die im Vergleich zu anderen Kulturstädten Finnlands günstig gelegen ist. Von hier aus ist es einfach, nach Helsinki oder Tampere zu gelangen. Hämeenlinna ist eine sehr ruhige Stadt, hier lässt es sich sicher leben und es ist einfach, kreativ zu arbeiten. Mein Atelier, in dem ich meine Bilder male, befindet sich beispielsweise auf dem Gelände einer ehemaligen Kaserne. Es herrscht eine sehr ruhige und friedliche Atmosphäre, wunderschöne Natur und ein großartiger Ort zum Wandern.

Finmaa:— Was inspiriert Sie bei Ihrer Arbeit? Wie entstehen die Bilder in Ihren Gemälden?
-Ich lasse mich von Musik, Mode und Natur inspirieren. Ich erstelle alle Bilder in meinem Kopf und wenn ich mit dem Zeichnen beginne, weiß ich bereits, was passieren soll.

Finmaa:— Wie lange dauert eine Arbeit? Fällt Ihnen das Malen leicht oder ist es wirklich eine schwierige und mühsame Arbeit?
— Ein Gemälde dauert ca. 2–4 Wochen. Ich verwende Ölfarben, die ich in Strichen auf das Material auftrage. Ich zeichne zunächst alle Bilder in meinem Kopf, es entstehen viele Ideen. Wenn meine Arbeit enthält menschliche Bilder, dann lade ich echte Menschen ein und mache Skizzen aus dem Leben, und dann beginne ich, basierend auf der Skizze, ein Bild zu zeichnen. Ich versuche, die Skizze so gut wie möglich zu zeichnen, da die Zeit immer begrenzt ist. Abends nach meinem Job und am Wochenende arbeite ich in meinem Studio.

Finmaa:— Zeichnest du das Leben, ist diese Richtung heute gefragter oder ist es dein Selbstausdruck?
— In meinen Arbeiten versuche ich nicht, modische Bilder zu schaffen oder mich auf nackte Menschen zu konzentrieren. Ich möchte immer Gefühle oder Ereignisse zeigen. Der Mensch ist nur ein Teil der Idee.

Finmaa:— Wie kam es, dass Sie sich für das Zeichnen interessierten? Wo hast du angefangen?
— Ich habe eine professionelle Kunstausbildung. Ich habe an einer Kunstschule in der Stadt Hyvinkää studiert. Ich habe auch einen Hintergrund in Handel und Grafikdesign.
Im Alter von 18 Jahren begann ich zufällig, mich für das Zeichnen zu interessieren. Diese Tätigkeit gefiel mir und ich studierte, um professionelle Künstlerin zu werden. Wenig später wurde mir klar, dass mir diese Tätigkeit Spaß macht und ich ernsthaft in diesem Bereich arbeiten möchte. Nach Kunstschule Ich habe Grafikdesign studiert, was mir auch sehr gut gefallen hat. In Finnland ist es trotz staatlicher Unterstützung schwierig, nur Künstler zu sein. So begann meine Karriere in der Kunst. Später hatte ich eigene Ausstellungen, die in verschiedenen Städten Finnlands stattfanden.

Finmaa:— Mit welchen Schwierigkeiten hat ein Künstler oder Designer bei seiner Arbeit in Finnland zu kämpfen?
— In Finnland können Künstler auf finanzielle Unterstützung vom Staat zählen, aber das reicht nicht aus normales Leben. Die wirtschaftliche Lage im Land wirkt sich auch auf den Verkauf von Gemälden aus.

Finmaa:- An was arbeitest du jetzt?
— Jetzt zeichne ich Bilder für meine nächste Ausstellung, die im Mai 2016 in Russland, in der Stadt St. Petersburg, stattfinden wird. Außerdem plane ich für 2016 und 2017 mehrere Ausstellungen in Finnland.

Finmaa:— Was machst du sonst noch gerne in deiner Freizeit? Hast du ein Hobby?
— Ich habe fast keine Freizeit, aber ich laufe gerne und gehe manchmal ins Fitnessstudio.

Finmaa:- Reisen Sie gerne? Konnten Sie Russland besuchen und welche Stadt? Was hat Ihnen gefallen und was ist Ihnen in Erinnerung geblieben?
— Das erste Mal, dass ich Russland besuchen konnte, war im März 2015. Dann wohnte ich im Finnland-Haus in der Bolschaja-Konjuschennaja-Straße. Diese Stadt gefiel mir sehr gut und ich kam bereits im September zum zweiten Mal. Ich mag die russische Nationalküche sehr. Auch die Menschen in St. Petersburg sind sehr freundlich und gastfreundlich. Ich interessiere mich sehr für zeitgenössische Kreativität und Design junger russischer Künstler. In St. Petersburg gibt es viele Designzentren, Ausstellungsgalerien und Modegeschäfte. Ich spreche kein Russisch, ich kenne nur ein paar Wörter, aber ich würde diese Sprache gerne lernen. Ich war noch nicht in anderen Städten Russlands, aber ich bin bereit, immer wieder nach St. Petersburg zu kommen!

Finmaa:- Wenn Sie einen Traum haben?
— Ich möchte wirklich weiterhin das tun, was ich liebe, und neue Projekte schaffen. Kürzlich habe ich an der Gestaltung einer Silberschmucklinie für ein finnisches Unternehmen gearbeitet. Das Projekt war sehr erfolgreich und ich hoffe, dass ich in diesem Bereich weiterarbeiten kann.

Finmaa, 2016.
Hämeenlinna, Finnland

Hugo Simberg
Haavoittunut enkeli – Verwundeter Engel
(1903)
Die Handlung des Films spielt vor einem erkennbaren historischen Hintergrund: dem Eleintarha-Park (wörtlich „Zoo“) und der Töölö-Bucht in Helsinki. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts war der Park ein beliebter Urlaubsort für Vertreter berufstätiger Berufe; hier befanden sich auch gemeinnützige Einrichtungen. Die Straße, auf der sich die Figuren bewegen, ist bis heute erhalten geblieben: Auf ihr bewegt sich die Prozession zur damals bestehenden Schule für blinde Mädchen und einem Behindertenheim.
Das Gemälde zeigt zwei Jungen, die auf einer Trage einen verweichlichten Engel mit verbundenen Augen und blutendem Flügel tragen. Einer der Jungen schaut den Betrachter aufmerksam und düster direkt an, sein Blick drückt entweder Mitgefühl für den verwundeten Engel oder Verachtung aus. Die Hintergrundlandschaft ist bewusst karg und karg gehalten, vermittelt aber den Eindruck von Ruhe. Die nicht triviale Handlung eröffnet Raum für vielfältige Interpretationen. Den groben Kleidern und Schuhen der Jungen, ihren stirnrunzelnden, ernsten Gesichtern steht die fragile Gestalt eines in ein leichtes Gewand gekleideten Engels gegenüber, die auf die Konfrontation zwischen Leben und Tod schließen lässt, das Blut auf dem Flügel des Engels und die Augenbinde sind ein Zeichen davon Die Verletzlichkeit und Vergänglichkeit der Existenz, aber der Engel hält in seiner Hand einen Strauß Schneeglöckchen, ein Symbol für Wiedergeburt und Genesung. Das Leben hier scheint dem Tod sehr nahe zu sein. Einer der Jungen wandte sich dem Publikum zu, durchbrach den hermetischen Raum des Bildes und machte damit deutlich, dass die Themen Leben und Tod in direktem Zusammenhang mit ihm standen. Simberg selbst lehnte eine Interpretation von „The Wounded Angel“ ab und überließ es dem Zuschauer, seine eigenen Schlussfolgerungen zu ziehen.
Das Gemälde hatte großen Einfluss auf die finnische Kultur. Hinweise darauf finden sich in vielen Werken der hohen und populären Kunst. Das Video zum Song „Amaranth“ der finnischen Metal-Band Nightwish spielt mit dem Motiv von „Wounded Angel“.

2.


Albert Edelfelt
Pariisin Luxembourgin puistossa – In den Luxemburger Gärten von Paris.
(1887)

3.

Akseli Gallen-Kallela
Akka ja kissa – Oma und Katze
(1885)
Im Allgemeinen sind alle Gemälde von Gallen-Kallela Meisterwerke; er ist wirklich ein Weltklasse-Künstler.
Dieses Bild ist betont naturalistisch gemalt, doch trotz aller Schnörkellosigkeit ist es voller Mitgefühl und Liebe für die einfachsten und ärmsten Menschen.
Das Gemälde wurde 1895 vom Kunstmuseum Turku erworben und befindet sich noch immer dort.
Ich habe immer Schwierigkeiten, das Wort Akka – sowohl „Frau“ als auch „Großmutter“ – zu übersetzen.

4.

Hier gebe ich einen kleinen Vorgeschmack und füge noch ein Bild von Helene Schjerfbeck hinzu – auf Russisch lesen wir ihren Namen Helena Schjerfbeck.
Es gibt auch berühmtere Gemälde finnischer Autoren, aber manchmal sind sie zu düster.
Und hier ist ein Licht- und Wärmestrahl.
Gemälde von 1882, Tanssiaiskengät – Tanzschuhe.