Igor Golovatenko Bolshoi Theater. Golovatenko, Igor Alexandrovich
Noong 2006, ginawa ng mang-aawit ang kanyang propesyonal na debut - sa "Mass of Life" ni F. Delius kasama ang National Philharmonic Orchestra ng Russia na isinagawa ni Vladimir Spivakov (unang pagganap sa Russia).
Noong 2007-2014 - soloista ng Moscow Novaya Opera Theater. Noong 2010 ginawa niya ang kanyang debut sa Bolshoi Theater sa papel Doktor Falk(“Ang Bat” ni I. Strauss).
Mula noong Setyembre 2014 - soloista ng Bolshoi Theater opera troupe.
Repertoire
Sa Bolshoi Theater ginampanan niya ang mga sumusunod na tungkulin:Doktor Falk(“Ang Bat” ni J. Strauss)
Lopakhin(“The Cherry Orchard” ni F. Fenelon) - premiere sa mundo
Georges Germont(“La Traviata” ni G. Verdi)
Rodrigo(“Don Carlos” ni G. Verdi)
Lionel(“The Maid of Orleans” ni P. Tchaikovsky)
Marseilles(“La bohème” ni G. Puccini)
Robert(“Iolanta” ni P. Tchaikovsky)
Doktor Malatesta(“Don Pasquale” ni G. Donizetti)
Lesko(“Manon Lescaut” ni G. Puccini)
Prinsipe Yeletsky(“The Queen of Spades” ni P. Tchaikovsky)
Shchelkalov(“Boris Godunov” ni M. Mussorgsky)
Don Alvaro(“Journey to Reims” ni G. Rossini)
kabisera(“Eugene Onegin” ni P. Tchaikovsky)
Gayundin sa repertoire:
Robert(“Iolanta” ni P. Tchaikovsky)
Onegin(“Eugene Onegin” ni Tchaikovsky)
Belcore(“Elisir of Love” ni G. Donizetti)
Figaro (« Barbero ng Seville"G. Rossini)
Olivie("Capriccio" ni R. Strauss)
Bilangin di Luna(“Il Trovatore” ni G. Verdi)
Amonasro(“Aida” ni G. Verdi)
Alfio(“Karangalan sa kanayunan” ni P. Mascagni)
at iba pa
Noong Enero 2017, nakibahagi siya sa isang concert performance ng opera na "Journey to Reims" ni G. Rossini sa Bolshoi Theater, na ginagampanan ang papel Alvaro(konduktor Tugan Sokhiev). Noong 2018, kinanta niya ang parehong papel sa premiere ng dula (direksyon ni Damiano Michieletto).
Paglilibot
Noong 2011 ginampanan niya ang bahagi Guy de Montfort Teatro San Carlo(Naples).Noong 2012 ginawa niya ang kanyang debut sa Paris National Opera(Palais Garnier) bilang Lopakhin (The Cherry Orchard ni F. Fenelon).
Noong 2012 ginawa niya ang kanyang debut sa Teatro Massimo(Palermo), gumaganap ng mga bahagi Shchelkalova At Rangoni sa opera na "Boris Godunov" ni M. Mussorgsky.
Noong 2012-13 ginanap ang bahagi Renato(“Un ballo in maschera” ni G. Verdi) sa Rovigo, Savona at Bergamo (Italy).
Noong 2013 ginampanan niya ang bahagi Seida("Corsair" ni G. Verdi) sa Theater na pinangalanan G. Verdi sa Trieste, Guy de Montfort(“Sicilian Vespers” ni G. Verdi) sa Pambansang Opera ng Greek, Rigoletto V Opera ng Savona, Shchelkalova At Rangoni(“Boris Godunov” ni M. Mussorgsky) sa .
Noong 2013 nag-debut siya sa Wexford Opera Festival, nang maisagawa ang bahagi Carl Gustav sa opera na “Christina, Queen of Sweden” ni J. Foroni.
Noong 2014 ginawa niya ang kanyang debut sa Latvian National Opera, nang maisagawa ang bahagi Counta di Luna sa opera na “Il Trovatore” ni G. Verdi (conductor A. Vilumanis, director A. Žagars).
Noong 2014, ginampanan niya ang papel sa unang pagkakataon sa Wexford Opera Festival Iokanaana sa "Salome" ni R. Strauss.
Noong 2015 sa Glyndebourne Festival nag-debut sa laro Hilaga sa opera na "Polyeuctus" ni G. Donizetti, at noong 2017 ay ginampanan din niya ang papel Georges Germont sa "La Traviata" ni G. Verdi.
Noong 2014, ginampanan niya ang bahagi sa unang pagkakataon Sharpless sa “Madama Butterfly” ni G. Puccini (Teatro Colon, Buenos Aires).
Sa 2015-16 season, ginampanan niya ang papel ng Count di Luna (Il Trovatore) sa Latvian National Opera, ang Lille Opera House, ang Grand Theater ng Luxembourg, at ang Bavarian State Opera; Georges Germont (La Traviata) sa National Opera of Chile (Santiago).
Noong Abril 2017 ay kinanta niya ang bahagi Enrico(“Lucia di Lammermoor” ni G. Donizetti) sa Cologne Opera.
Noong Hulyo ng parehong taon - ang papel ni Robert sa "Iolanta" at ang pamagat na papel sa "Eugene Onegin" ni P. Tchaikovsky (bersyon ng konsyerto) sa mga pagdiriwang sa Aix-en-Provence at Savonlinna bilang bahagi ng Bolshoi Theater tour (conductor Tugan Sokhiev). SA Pambansang Opera ng Bordeaux lumahok sa isang pagtatanghal ng konsiyerto ng opera na "The Pirate" ni V. Bellini, na gumaganap bilang Ernesto(isinagawa ni Paul Daniel).
Noong 2018 sa Salzburg Festival gumanap bilang Yeletsky (The Queen of Spades, itinanghal ni Hans Neuenfels, na isinagawa ni Maris Jansons), sa Opera ng Estado ng Bavaria- ang papel ng Count di Luna (Il Trovatore), sa Dresden Semper Opera- ang bahagi ni Enrico (Lucia di Lummermoor ni G. Donizetti).
Noong 2019 ginawa niya ang kanyang debut sa Washington National Opera, gumaganap ng pamagat na papel sa premiere ng opera na Eugene Onegin (renewal ng produksyon ni Robert Carsen; direktor Peter McClintock, conductor Robert Treviño); V Royal Opera House Covent Garden- sa papel ni Georges Germont (La Traviata), sa parehong papel na siya ay lumitaw sa entablado sa unang pagkakataon Mga Opera ng Los Angeles, at bilang Richard Fort (The Puritans ni V. Bellini) - sa Opera Bastille.
Bilang bahagi ng paglilibot ng Bolshoi Theatre sa France, ginampanan niya ang papel ni Yeletsky (The Queen of Spades sa bersyon ng konsiyerto, conductor Tugan Sokhiev, Toulouse).
Nakipagtulungan siya sa mga konduktor tulad ng Kent Nagano, Gianluigi Gelmetti, Laurent Campellone, James Conlon at sa mga direktor tulad nina Francesca Zambello, Rolando Panerai, Adrian Noble, Elijah Moshinsky.
Nagsasagawa ng mga aktibong aktibidad sa konsyerto. Patuloy siyang nakikipagtulungan sa Russian National Orchestra sa ilalim ng direksyon ni Mikhail Pletnev (lalo na, nakibahagi siya sa mga pagtatanghal ng konsiyerto ng mga opera na "Carmen" ni J. Bizet, "The Tale of Hoffmann" ni J. Offenbach, "Eugene Onegin" ni P. Tchaikovsky, pati na rin ang musika ni E. Grieg sa drama ni G. Ibsen "Peer Gynt"). Ay permanenteng kalahok Grand Festival ng Russian National Orchestra.
Noong 2011, nakibahagi siya sa isang concert performance ng opera na La Traviata sa Göttingen (kasama ang Göttingen Symphony Orchestra, conductor Christoph-Mathias Müller). Nagtanghal siya kasama ang National Philharmonic Orchestra ng Russia sa ilalim ng direksyon ni Vladimir Spivakov at ang orkestra " Bagong Russia"sa ilalim ng direksyon ni Yuri Bashmet.
Ang mamamahayag ng musika na si Vladimir Oyvin ay nakikipag-usap sa sikat na baritone ng Moscow, soloista ng Bolshoi Theatre na si Igor Golovatenko.
Vladimir Oyvin: Sa iyo malikhaing landas ganap na hindi pangkaraniwan para sa mga mang-aawit at instrumentalist. Kadalasan sila, mamaya o mas maaga, ay naghahangad na magsagawa, at nagsimula ka sa pagsasagawa at pagkatapos ay dumating sa mga vocal. Ano ang naging inspirasyon mo para gawin ito? Ano ang hindi ka nasisiyahan sa pagsasagawa?
Iyan ay isang napakahirap na tanong. In fact, to clarify, hindi ako nagsimula sa conducting, pero before that, cellist din ako.
- Ito ay gamit sa paaralan. I mean sa institute.
– Ang isang seryosong buhay propesyonal sa musika ay nagsimula sa pagsasagawa, ngunit ang mga ugat nito ay nasa isang lugar na napakalalim. Napakahirap sagutin ang tanong na ito nang hindi malabo.
- Ang sagot ay hindi malinaw.
– Nagsimula akong kumanta noong nag-aaral pa ako sa Moscow Conservatory. Pumasok ako sa graduate school, at wala akong intensyon na isuko ang anuman o baguhin ang aking propesyon.
– Bakit ka kumuha ng vocals noon? Katuwaan lang?
- Katuwaan lang.
– At kanino ka unang nagsimulang mag-aral ng vocals?
– Sa conservatory nagkaroon kami ng elective subject na maaari mong kunin o hindi. Ngunit kahit papaano nagsimulang maglakad ang lahat, ito ay kawili-wili. Ang paksa ay tinawag na... tulad ng "Mga paraan ng pakikipagtulungan sa mga mang-aawit para sa mga konduktor."
Sinimulan naming lahat na kumanta doon - ang ilan ay nagtagumpay, ang ilan ay hindi, ngunit sa prinsipyo ang ideya ay gusto nilang "isawsaw kaming lahat sa mga vocal ng kaunti" upang masubukan namin kung ano ang tungkol sa pag-awit. Paano umaawit ang mga mang-aawit, bakit sila umaawit, anong mga awit ang umiiral, atbp. Pagkatapos ay nagsimula kaming mag-aral ng ilang mga gawa sa iba't ibang wika. Ito ay hindi kapani-paniwalang kawili-wili. Tapos may nangyaring mali. Nagsalita ang boses. Ito ay naging mas kawili-wili.
Pagkatapos ay nakilala namin si Dmitry Yuryevich Vdovin at nagsimulang mag-aral nang seryoso, propesyonal.
– Sino ang nagdala sa iyo sa Vdovin? O kaso lang ito?
– Sa katunayan, dinala ako ni Svetlana Grigorievna Nesterenko sa kanya. Dumating ako sa audition para sa kanya - siya ang pinuno ng solo na departamento ng pag-awit sa Gnessin College, kung saan nagtrabaho ang aking unang guro na si Maria Viktorovna Ryadchikova, nagtrabaho ako sa kanyang klase bilang isang accompanist. Doon ko nakilala si Svetlana Grigorievna, at ipinakilala na niya ako kay Dmitry Yuryevich. Ito ay isang kumplikadong kadena.
– Sa paghusga sa mga resulta ng trabaho ni Vdovin sa Bolshoi Theater Youth Opera Program, ang kanyang pedagogical na pamamaraan ay napaka-epektibo.
"Sa palagay ko nakuha ko ang halos lahat ng nalalaman ko mula sa kanya." Dito kailangan nating maghiwalay. Ibinabahagi ko ito para sa aking sarili. Ang merito ni Maria Viktorovna (nagtatrabaho pa rin siya sa Gnesinka) ay ipinakilala niya ako sa propesyon. Nagsimula kaming mag-aral noong graduating na ako sa conservatory. Hindi kahit na teknolohiya, ngunit isang interes lamang sa lahat ng ito, at sa katotohanan na mayroon akong boses, na kailangan itong paunlarin. Kahit noon pa man, naipahayag ang kaisipan: bakit ibaon ang talento kung mayroon ka nito? Kung may boses ka, bakit hindi mo subukan? Sa oras na iyon ay walang usapan na aalis ako sa pagsasagawa, bagaman sa oras na iyon ay wala pa ako sa propesyonal na demand bilang isang konduktor. Wala akong trabaho - at ito, siyempre, ay gumaganap din ng isang tiyak na papel.
– Sino ang nagturo sa iyo ng mga pangunahing kaalaman sa vocal profession?
– Lahat ng teknolohikal na bagay, halos lahat ng vocal technique ay kay Vdovin. Ginawa namin ang lahat ng ito sa napakatagal na panahon.
– Ilang taon ka noong nagsimula kang mag-aral ng vocals?
- 25 taon. Ito ay nasa oras na ng pagdating sa Vdovin.
– Sa isang diwa, ito ay mabuti pa: sinadya mong ginawa ang hakbang na ito.
- Mayroong parehong mga kalamangan at kahinaan. Minus - kung nagsimula ako ng mas maaga, marami pa sana akong naabot ngayon, ngunit ang kapalaran ay isang bagay na mahirap sabihin kung ano ang tama. Sa kabilang banda, napakabuti na mayroon akong ilang mga seryosong layer ng edukasyon na talagang nakakatulong sa akin ng malaki. At upang mag-navigate sa entablado - sa mga sandali kung kailan mahirap hanapin ang iyong daan.
– Madali mong mabasa ang score.
- Oo. Karaniwan, alam ko kung aling mga instrumento ang tumutugtog sa sandaling ito, kung sino ang kailangang marinig sa sandaling ito, dahil hindi ko na kailangang patuloy na tumingin sa konduktor. Ramdam ko kasi ng tenga ko ang nangyayari. Minsan nakakasagabal. May mga sandali na hindi ko sinasadyang tumingin nang may propesyonal na mata sa aking kasamahan sa control panel. Kailangan mong kontrolin at pigilan ang iyong sarili. Hindi ko kailanman ina-advertise ang aking kaalaman sa pagsasagawa.
– Maaari mong sabihin sa konduktor na ito ay mas maginhawa para sa iyo, halimbawa, na kumanta sa tatlong-kapat kaysa sa anim na ikawalo.
– Isa lang ang kaso ko nang maglakas-loob akong sabihin sa konduktor kung gaano katagal mag-conduct. Hindi ko lang kayang kantahin ang parirala. Ngunit halos hindi ko pinapayagan ang aking sarili na ito.
Kung nakikita ko na mahirap para sa akin, nagsisimula akong kumanta nang iba. Ako man ay sumulong o nagpapabagal sa takbo, ngunit hindi ko kailanman sinabi sa mga salitang: "Maestro, ganito dapat dito!" Wala akong moral na karapatang gawin ito, hindi bababa sa.
- Well, maaari mong sabihin ito nang mahinahon: "Hindi ba dapat kong subukan ang isang bagay na tulad nito?"
- Ito ay palaging mapanganib, dahil maaari itong makapinsala sa pagmamataas ng konduktor. Bukod dito, ngayon ay lumayo na ako sa propesyon na ito. Sinusubukan kong kumilos nang tama - at kahit na may alam ako, hindi ko ito ipinapakita.
– Sabihin sa amin ang tungkol sa pakikipagtulungan kay Dmitry Vdovin.
- Nakamamangha. Naaalala ko ang unang pagkakataon na lumapit ako sa kanya, kinanta ko, sa aking palagay, ang eksena sa pagkamatay ni Rodrigo mula sa Don Carlos ni Verdi. Simula noon nagsimula na kaming mag-aral. Maraming kawili-wiling bagay ang nangyari.
Siya ay isang lubhang hinihingi na guro, at kung wala ang pangunahing kalidad na ito ay walang mangyayari. Kahit sa klase, lagi niyang sinisikap na makamit ang pinakamataas na resulta. Hindi naman kasi lahat ay palakas ng palakas ng pagkanta. Kung nakarinig siya ng anumang mga pagkakamali, upang maitama ang mga ito hangga't maaari. Kung ang isang tao ay gumawa ng isang bagay na mali, kung gayon ang layunin ng aralin ay iwasto ang pagkakamaling ito.
Ang kakaiba ng kanyang pandinig ay naririnig niya kung ano ang mali sa boses, na sa loob ng ilang taon ay maaaring sirain ang boses. Ngunit para sa mga hindi pa nakakaalam, ang mga ito ay literal na hindi matukoy ang mga millimeters.
- Siya ay nagtuturo ng aralin nang malupit– or vice versa, kahit papaano malambot?
- Hindi ko sasabihin na ito ay talagang matigas, ngunit ito ay hinihingi. Magkaiba. Ang tanging hindi niya kayang panindigan ay ang katamaran, kawalan ng pansin at walang pinag-aralan na text. Para sa akin, ang pangunahing bagay ay siya ay una at pangunahin sa isang musikero. Ito ay nagmula sa esensya ng musika. Kung mayroong ilang parirala na kailangang kantahin nang eksakto tulad nito, pagkatapos ay makakamit niya ito. Makamit ang ilang partikular na aksyong pangmusika. Para sa kanya, ang vocal technique ay mahalaga hindi bilang isang pagtatapos sa sarili nito, ngunit bilang isang paraan ng pagpapahayag ng musikal na pag-iisip. Ito ang pinakamahalagang bagay na pinagsisikapan mo sa kanyang mga aralin.
– Paano siya nagtrabaho sa iyo sa diction? Ang diksyon tulad ng sa iyo ay isang bihirang pangyayari. Mayroon kang isang magalang na saloobin sa mga salita.
- Galing din ito sa kanya. Paulit-ulit niyang inuulit at inuulit sa amin na kinakailangan na matuto ng mga wika, kapwa upang makipag-usap, at, una sa lahat, upang kumanta sa mga wikang ito at maunawaan kung ano ang iyong kinakanta. Napaka-interesante na panoorin pagdating ng mga bagong estudyante - nagtrabaho ako bilang accompanist sa kanyang klase sa loob ng isang taon o isang taon at kalahati; opisyal na sa akin Kasaysayan ng Pagtatrabaho ay nasa Academy of Choral Art. Sabay kaming nag-aral, at nagtrabaho ako.
Ito ay isang napaka-kagiliw-giliw na proseso, dahil nakaupo ako, naglaro buong araw, at dumating ang mga tao iba't ibang tao– at pagkatapos, halimbawa, dumating ang isang tao na hindi alam kung tungkol saan ang aria. O hindi alam ang pagsasalin. Maririnig mo agad. Ang isang tao ay maaaring makinig sa isang recording at kumanta ng isang bagay sa pamamagitan ng pagkopya nito, ngunit hindi niya mapupunan ng kahulugan ang isang musikal na parirala kung hindi niya alam kung ano ang kanyang kinakanta.
May mga nakakatawang pangyayari. Kung ikaw ay nag-aaral ng isang bagong gawa, palaging hinihiling ni Dmitry Yuryevich na ito ay isalin ng salita por salita upang maisalaysay mo muli kung tungkol saan ito. Mahalagang malaman hindi lamang ang pagsasalin, kundi ang konteksto sa pangkalahatan. Kung ito ay isang aria, saan sa opera ito matatagpuan, sino ang tinutugunan kanino? Ang gawaing ito, sa kabila ng pagiging regular nito, ay kinakailangan sa proseso ng edukasyon. At ang diction ay napakahalaga sa anumang wika. May mga nuances ng pagbigkas sa Italian, French...
– Para sa isang mang-aawit, mayroong tatlong pangunahing wika: Italyano, Aleman at Pranses.
- Sa palagay ko, oo. Gayundin ang Ruso, siyempre. Sa kabila ng katotohanan na ito ay katutubong, mayroon din itong mga nuances. Halimbawa, ang mga dobleng katinig, na kung saan ay marami sa ating wika, ngunit sa ilang kadahilanan ay napabayaan sila, at ang teksto ay nagdurusa dito. Imposibleng isipin ang mga romansa ni Tchaikovsky na may mahinang diction. Ito ay magiging kakila-kilabot!
Ang pinakamahalagang bagay na dapat kong sabihin tungkol sa pedagogical na imahe ni Vdovin ay palaging mayroon siyang komprehensibong indibidwal na diskarte. Naririnig niya ang boses mismo at ang sariling katangian nito nang kamangha-mangha na hindi siya kailanman nagkaroon ng "pangkalahatan" na diskarte. Para sa bawat mag-aaral, para sa bawat boses, palagi niyang pinipili ang isang prinsipyo na kabilang sa partikular na boses na ito, ang partikular na taong ito. Napakahalaga nito sa kanya. Lagi niyang naririnig sa kabuuan. Wala naman kasing diction or technique lang ang pinag-uusapan niya. Kung pinag-uusapan natin ang tungkol sa pamamaraan - kung paano kantahin ito o ang nangungunang nota, kung gayon ito ay palaging nakatali sa buong parirala sa musika sa konteksto. Ito, sa palagay ko, ang pinakakahanga-hangang sandali.
– Ano ang dahilan ng iyong debut sa yugto ng opera?
– Kung ang ibig mong sabihin ay ang pinakaunang papel, ito ay si Marullo mula sa Rigoletto sa Novaya Opera. Nagkaroon ako ng dalawang debut na may pahinga ng isang linggo. Tapos kumanta ako sa The Magic Flute - andun yung part ng priest-orator, kung saan may kausap siya kay Tamino. Dalawang pahina ng teksto. May recitative lang. Pagkatapos, noong 2010, kinanta ko ang Onegin, pagkatapos ay si Robert mula sa Iolanta, pagkatapos ay nagsimula akong kumanta ng mga seryosong bahagi.
- Bakit hindi ka, habang nag-aaral kasama si Vdovin, ay hindi pumasok sa Bolshoi Theater's Youth Opera Program kasama niya?
- Dahil matagal na kaming nag-aaral at hindi niya nakita o ako ang pangangailangan para sa akin. We communication well, we still work out, and everytime I prepare a new batch, I always go to him and know that he will find time for me. Sa katunayan, hindi na kailangang maging sa programa ng kabataan; at pagkatapos - pagkatapos ng lahat, sa oras na iyon ay medyo matanda na ako.
– Para sa mga mang-aawit, ang edad ay isang kamag-anak na konsepto.
– Ngunit, gayunpaman, bakit humarang sa daan para sa iba kung mayroon na akong pagkakataon na makipag-usap sa propesor!
– Sa panahong ito, marami kang kumanta, ano ang ipapangalan mo sa iyong mga paboritong bahagi?
- Marahil, higit sa lahat, ito ay Verdi pa rin. Mahirap sabihin kung alin ang paborito mo, maraming ganoong laro. Sa iba pang kinanta ko, siyempre, ang papel na Onegin, na ginampanan ko nang maraming beses; ngunit sa bawat oras na maaari mong isipin ito sa isang bagong paraan, maghanap ng ilang mga bagong kulay. Siyempre, ito si Figaro sa The Barber of Seville; Ito ay isang ganap na naiibang mundo, ibang istilo.
- Tongue Twisters?
- Ito ay Beaumarchais! Galanteng edad, galante na istilo. Pagkatapos, siyempre, "Don Carlos" at "Il Trovatore," bagaman ang "Il Trovatore" ay mas mahirap, at hindi ko ito gaanong kinakanta. Ngunit "Don Carlos" at, siyempre, Germont sa "La Traviata" ang aking mga paborito. Ang bahagi ni Germont ay kamangha-mangha, at ito ay isinulat nang may mahusay na kasanayan, na may mahusay na kaalaman sa vocal technique.
– By the way, paano mo kinakanta ang part na ito? Sa ikalawang yugto, ang isang malaking tipak nito ay karaniwang pinuputol.
– Nai-dock din namin ito.
- Bakit? Ang kuwenta ay kahanga-hanga, napakaganda at hindi masyadong kumplikado!
Igor Golovatenko - Germont. Pagtatanghal sa New Opera Theatre. Larawan – Daniel Kochetkov – Minsan ay kinanta ko ang talang ito sa Germany, sa isang pagtatanghal ng konsiyerto, at kinanta namin ang lahat doon. Hindi ko maipaliwanag sa iyo kung bakit ito pinuputol. Noong si Laurent Campellone ang konduktor sa Bolshoi, nais niyang gawin ang buong pagganap nang walang mga pagbawas, upang ang lahat ay maging tulad ng isinulat ni Verdi: "Addio del passato" dalawang beses, cabaletta ni Georges Germont nang dalawang beses, atbp.
Ang unang ilang mga pag-eensayo ay hindi kapani-paniwalang kawili-wili, dahil natagpuan namin ang ganap na bagong mga kulay, mga bagong kahulugan sa mga pag-uulit na ito, ngunit pagkatapos ay inisip ng direktor na si Francesca Zambello na ito ay medyo mayamot. Sa pangkalahatan, kumbinsido ako na anuman komposisyon ng musika, lalo na ang opera, ay laging nawawalan ng bahagi ng kahulugan nito mula sa gayong “surgical intervention.”
– May recording ng “La Traviata” mula sa 1968 Deutsche Oper performance kasama si Lorin Maazel sa controls, na pinagbibidahan ni Pilar Lorengar (Violetta), Giacomo Arraguel (Alfred) at Dietrich Fischer-Dieskau (Georges Germont). Sa recording na ito, una kong natuklasan na sa eksena nina Alfred at Georges Germont, ang ama ay may malaking fragment - isang cabaletta, na halos palaging inaalis.
– Maraming tao ang nag-iisip na ang musikang ito ay katulad ng sa aria. Ito ay, upang magsalita, ang "opisyal na bersyon". Siyempre, ang musika ay kamangha-manghang - patuloy niyang kinukumbinsi ang kanyang anak sa ibang mga salita, pinapalambot ang kanyang tono. Bago yun, sumisigaw lang tapos, after ng cabaletta, mas logical yung pasabog na nangyayari. Ngunit, tulad ng sinasabi nila, ang panginoon ay ang panginoon. Pumaputol din ang tumataya – wala tayong magagawa dito.
At muli kong kinanta ang aria na ito nang buo nang ang konsiyerto na "La Traviata" na walang mga hiwa ay ginanap sa Novaya Opera noong nakaraang taon sa Epiphany Festival. Si Alexander Samuil ay nagsagawa doon, kumanta sina Lyuba Petrova at Gosha Vasiliev - mayroong isang mahusay na cast, at lahat kami ay kumanta ng lahat ng bagay, kasama ang mga cabaletas.
– Alin sa kasalukuyang aktibong repertoire ang pinaka-interesado mo?
- Oo, lahat ay kawili-wili! Kahit papaano ay masuwerte ako: Hindi ako kumakanta ng mga bahaging hindi gaanong interesado sa akin. Nagpunta ako kamakailan sa Ireland - mayroong isang kamangha-manghang "Salome" Pranses na kompositor Antoine Mariotte. Nang ipadala nila sa akin ang mga tala, nagulat ako - hindi ito maikukumpara sa lahat kay Richard Strauss (bagaman ang parehong mga opera ay isinulat nang halos sabay-sabay, at mayroon pa silang labanan para sa copyright sa dula ni Wilde). Ang musika ay napaka-interesante, medyo nakapagpapaalaala sa Massenet sa istilo.
Pagkatapos ay nag-debut ako sa Buenos Aires sa maalamat na Teatro Colon, kung saan kumanta ako ng Sharpless sa Madama Butterfly ni Puccini. Ito ay hindi rin kapani-paniwalang kawili-wili, dahil pagkatapos nito ay kinanta ko ang "La Boheme" dito. Kung ang 2013 ay ang taon ng Verdi para sa akin (kumanta ako ng walong mga tungkulin ng Verdi sa panahon), kung gayon ang 2014 ay ang taon ng Puccini. Kinanta ko ang Sharpless, Marcel. Sa pamamagitan ng paraan, sa taong ito, salamat kay Sokhiev, ay naging napaka-interesante dahil ginawa namin ang "The Maid of Orleans" ni Tchaikovsky at "La Bohème."
– Ang iyong bahagi sa “The Maid of Orleans” ay isa sa pinakakawili-wili.
– Napakaraming gawain ang nagawa.
- Hindi ko gusto ang tagapalabas ng pamagat na papel, si Anna Smirnova. Siya ay tunog ng matalim sa itaas, lamang squealed - ito ay hindi kanyang bahagi
Igor Golovatenko at Anna Smirnova. Ang pagtatanghal ng konsiyerto ng opera ni Tchaikovsky na "The Maid of Orleans" sa Bolshoi Theater. Larawan – Damir Yusupov - Hindi ako makikipagtalo - pagkatapos ng lahat, ito ay isang matinding, brutal na laro. Tila sa akin ay wala nang mas mahirap alinman sa Tchaikovsky o sa repertoire ng Russia sa pangkalahatan. At pagkatapos: dapat nating isaalang-alang ang katotohanan na sa panahon ng paghahanda ay kumanta siya ng maraming halos araw-araw, at tila napagod siya sa pagganap, lalo na ang pangalawa (bagaman tila sa akin na ang pangalawa ay mas mahusay kaysa sa una) . Baka nag-aalala siya.
Sa anumang kaso, "The Maid of Orleans", pagkatapos ay "La Bohème" noong Enero at pagkatapos ay "La Traviata", na isinasagawa din ngayon ni Tugan Taimurazovich - ito ay napaka-kagiliw-giliw na mga gawa para sa akin, at ako ay natutuwa na sa ulo ng Bolshoi Theater ay isang kahanga-hanga, mahuhusay na konduktor.
– Medyo tungkol sa purong vocal technique. Lalo kong nagustuhan ang iyong Poulenc cycle na "Naughty Songs" sa konsiyerto noong Enero 27 - dahil ipinakita nito ang iyong boses sa lahat ng saklaw.
– Napakahirap kumanta doon, dahil may napakalaking “dispersion of tessitura” kung sabihin.
– Ang ganitong pagkalat mula sa ibaba hanggang sa itaas ay nagpakita na mayroon kang hindi pangkaraniwang pantay na boses kapag lumilipat mula sa rehistro patungo sa pagpaparehistro, nang walang mga tahi - na napakabihirang. Ito ba ang iyong natural na boses - o ginawa mo ba ito?
– Siyempre, pinaghirapan namin ito, dahil bagaman ang boses ay ibinigay ng kalikasan, kailangan itong iproseso. Anumang boses, kung dahil lamang, sa prinsipyo, ang pag-awit ay isang ganap na hindi likas na proseso para sa katawan. At kung ang boses ay natural na may ilang mga pagkukulang o mga depekto, pagkatapos ay kailangan mong magtrabaho upang pakinisin ang mga ito.
– Kailangan mo bang magtrabaho ng marami – o ito ba ay galing sa kalikasan?
– Nang walang mga detalye, kailangan kong magtrabaho nang husto dahil sa katunayan ang boses ay nagbabago rin sa proseso ng pag-awit - ang paghinga ay unti-unting lumalakas, ang ilang mga kalamnan ay nagsimulang gumana, ang pagkakaroon nito ay hindi natin pinaghihinalaan sa ordinaryong buhay. Sabihin nating nakamit mo ang isang bagay, at pagkatapos ay nagbago ang iyong boses, at kailangan mong gawin itong muli. Ito ay isang proseso na hindi tumitigil. Kailangan pa nating ayusin ang mga bagay-bagay para sa ilang kadahilanan. Sabihin nating ibang repertoire ito - hindi mo maaaring kantahin si Rodrigo sa Don Carlos, Figaro, o Onegin na may parehong boses, na may parehong tunog. Ito ay ganap na magkakaibang mga bagay na kailangang ayusin.
Para sa "La Bohème," nagsumikap kaming gawing mas nakolekta, mas compact ang tunog; Doon dapat itong maging mas madilim, mas homogenous, ngunit sa La Bohème ay walang ganoong pag-awit, isang walang katapusang cantilena.
– Ito ba ang iyong unang pagkakataon na gumanap ng cycle ni Poulenc?
- Oo, pinangarap kong kantahin ang siklo na ito sa loob ng limang taon. First time ko itong kinanta at sana hindi ito ang huli, uulitin natin. Ito ay magiging halos parehong programa (marahil walang mga sarsuwela).
– Napakalaki ng programa kahit wala sila.
– Marami akong nagtrabaho sa Poulenc, dahil imposibleng kantahin ito, kaya sabihin, "on the fly" - kailangan mong magtrabaho nang husto dito. Marami maliliit na bahagi na kailangang sanayin gamit ang iyong boses, dahil maaari mong matutunan ang teksto, ngunit hindi mo ito madaling kantahin - may napakahirap na mga transition; at ang mga kanta ay lubhang naiiba sa istilo.
– Oo, mula sa hooliganism ng mga unang kanta hanggang sa panalangin. At ang huli, "Serenade", ay ganap na naiiba sa istilo.
– Ang pagsasaling ito ng pamagat ng cycle ay pinakinis din, ngunit literal na tunog tulad ng "Malaswa na mga kanta." Mayroong ilang napaka bastos na nilalaman doon. Ang galing ng musikang ito ay ang mga lyrics ay maihahambing sa mga liriko ng mga biro. Ang galing ni Poulenc ay pinagsama niya ang mga tekstong ito sa nakamamanghang dalisay at kahanga-hangang musika. Hindi ko rin pinag-uusapan ang kadalisayan ng istilo - mula sa pananaw ng isang kompositor, lahat ng nakasulat doon ay kamangha-manghang. Wala namang dapat ireklamo doon. Ang buong anyo ay binuo nang tumpak.
– Buuin mo rin ang form nang tumpak.
– Kasama si Sibirtsev, itinatayo namin ito. Siyempre, ito ay kailangang gawin.
- Bagaman mayroon akong sariling mga reklamo tungkol kay Sibirtsev - "hinatak niya ang kumot sa kanyang sarili" nang kaunti, naglaro nang kaunti nang malakas sa ilang mga lugar.
- Siguro hindi ako makikipagtalo. I love this area sa foyer, may tradisyon dun. Ngunit sa mga acoustics mayroong ... Hindi ko sasabihin ang mga problema, ngunit ang ilang mga nuances, mga detalye na mahirap isaalang-alang. Ang site doon ay kumplikado at hindi maliwanag.
– Kumakanta ka sa maraming yugto sa Kanluran, ngunit hindi ka pa nakakanta sa pinakamagaling.
– Kailangan mo pa ring lumaki sa kanila. Alam mo na sa totoo lang, siyempre, lahat tayo ay nagsusumikap doon, ngunit ang aking landas ay unti-unti. At ang mga nerbiyos na nauugnay sa napaaga na mga pagtatanghal sa mga yugtong ito ay maaaring humantong sa ilang mga kahihinatnan - tulad ng, halimbawa, nagkaroon ako ng kuwento sa Rigoletto: Hindi ako handa sa sikolohikal para sa pangkat ng edad na ito. Ito ay, sa palagay ko, medyo normal para sa antas kung saan ako noon.
- Anong uri ng "kwento" ito?
– Sa isang lugar noong Nobyembre 2012, tinawagan ako ng aking ahenteng Italyano - noong panahong iyon ay kinakanta ko ang “Un ballo in maschera” at “Le Corsaire” ni Verdi sa Italya - at inalok na kantahin ang Rigoletto sa Savona sa tag-araw ng 2013. Sa una ay tiyak na tumanggi ako, ngunit patuloy niya akong hinikayat, at sa wakas ay pumayag ako.
Ang mga argumento ng aking ahente, gayunpaman, ay makatwiran: ang pangangailangan na magkaroon ng isang papel tulad ng Rigoletto sa aking repertoire at, nang naaayon, ang pagkakataong mag-debut sa pinaka-kanais-nais na kapaligiran. Ito ay isang produksyon sa isang maliit na teatro (hindi kahit sa teatro mismo, ngunit sa isang bukas na lugar sa isang sinaunang kuta); dalawang pagtatanghal lang, isang napakaikling proseso ng pag-eensayo - mga dalawang linggo (ang malaking panganib ay palaging kahit na kaya mong kantahin ang buong bahagi, kasama ang isang orkestra at iba pa, kung minsan ay napakahirap na makayanan ang buong proseso ng pag-eensayo ng isang produksyon. , na maaaring tumagal ng isang buwan o higit pa kahit para sa mga may karanasang mang-aawit); isang orkestra ng Italyano na gumagalang at nagmamahal sa mga mang-aawit at sumasama nang lubos (hindi katulad, sa kasamaang-palad, karamihan sa mga domestic na grupo).
Sa madaling salita, sumuko ako sa panghihikayat; at nang malaman ko na ang direktor ay ang mahusay na baritone ng Italyano na si Rolando Panerai, hindi ko na kailangan ng maraming kapani-paniwala. Sa pangkalahatan, dapat sabihin na sa oras na iyon mayroong maraming mga kagiliw-giliw na mga pagkakataon - ang taon ng anibersaryo ni Verdi, ang taon ng anibersaryo ni Tito Gobbi (na siyang pinakadakilang Rigoletto noong ika-20 siglo) - isang daang taon mula noong siya ay ipinanganak. Napakaswerte ko: Si Renata Scotto ay naroroon sa unang pagtatanghal, at si Luciana Serra ay naroroon sa pangalawa. Ang lahat ng ito ay nangangahulugan na, siyempre, ang mag-debut sa gayong kapaligiran, na napapalibutan ng mga mahuhusay na mang-aawit, ay isang mahusay na regalo ng kapalaran.
Siyempre, ang isang pasinaya sa isang malaking entablado, sa isang malaking teatro, ay palaging nauugnay sa karagdagang pagkapagod at maaaring magdulot ng hindi maibabalik na pinsala kung ang mang-aawit ay hindi handa para dito, kaya masuwerte ako na kumanta ako ng maraming bahagi sa unang pagkakataon sa Italya. sa maliliit na sinehan. Kabilang sa mga ito ang "Ballo in Masquerade" at "Rigoletto". Gayunpaman, nang sinubukan ko ang Rigoletto, nagpasya pa rin akong huwag kantahin ang bahaging ito - ito ay masyadong kumplikado at, siyempre, nangangailangan ng isang tiyak na edad. Dapat kong aminin na sa Savona mayroong isang matagumpay na eksperimento na nagpakita na magagawa ko ito, ngunit sa paglipas ng panahon. Sa palagay ko ay maaari akong mamuhay nang payapa hanggang ako ay apatnapu, ngunit pagkatapos ay makikita natin.
Bilang karagdagan, ang season ng 2012/13 ay karaniwang napakayaman sa mga kaganapan at mga debut; Naniniwala ako na hindi ko maipagdiwang ang bicentenary ng dakilang Verdi nang may higit na karangyaan.
– Masyado ka pang bata noon.
– Pinagpala ako ni Dmitry Yuryevich para dito: pumunta at kumanta. Syempre, kung ang direktor ay si Rolando Panerai!
– Naalala ko kung gaano siya ka-baritone.
“Parang pinagpala niya rin ako.” Nagkaroon ng pakiramdam ng pagpasa ng baton mula sa henerasyon hanggang sa henerasyon. Bukod dito, sa kalaunan ay lumabas na kami ay ipinanganak sa parehong araw.
- Ilang taon na siya?
– Ang taong ito ay nagmamarka ng 90 taon. Mayroon siyang kamangha-manghang mga rekord kasama si Karajan. Noong naghahanda ako ng La Boheme, nakinig ako sa maraming recordings - halos lahat ng mahahanap ko. Ang paborito kong Marseille ay Panerai, aminado ako.
– Sino ang paborito mong Georges Germont?
– Mahirap sabihin, dahil lahat sila ay kamangha-mangha: Bastianini, Cappuccili, Manuguerra, Bruzon... At sa atin, malamang, si Pavel Gerasimovich Lisitsian.
– Ito ang eksaktong sagot na hinihintay ko. Naniniwala ako na si Lisitsian ay isang world-class na mang-aawit.
– Dapat kong sabihin lalo na tungkol sa kanya, dahil noong maliit pa ako, mayroon akong mga rekord sa bahay, at nakikinig ako sa kanila sa lahat ng oras. Mayroong isang rekord ni Lisitsian, kung saan kumanta siya ng mga romansa ni Tchaikovsky, at isa pa, kung saan mayroon siyang "Aida" mula sa Bolshoi Theater. Medyo luma na ang rekording, ngunit kamangha-mangha siyang kumanta doon, sa wikang Ruso, ngunit gaano siya kumanta! At isa pa, "Sadko," kung saan kinanta niya ang panauhin sa Vedenetsky, at ang kanyang pagkanta ay nananatili sa aking mga tainga mula noon.
– Ngunit iba ang tumatak sa aking alaala. Nagkaroon ng broadcast noong 1956 (nasa KVN-49 TV pa rin na may maliit na screen at lens) ng "La Traviata" mula sa Bolshoi Theater, kung saan kumanta si Pavel Gerasimovich, at si Alfred ay inawit ng American tenor na si Jan Pierce. Labing-apat na taong gulang ako, nakikinig sa broadcast kasama ang aking ama. Nakinig siya at nakinig, at pagkatapos ay sinabi: "At si Lisitsian ay pugo ang panauhin!" Hindi ko gaanong naintindihan noon (at ang aking ama ay hindi isang musikero, ngunit siya ay may mahusay na pandinig). Simula noon naalala ko ang pangalang ito at nagsimulang sumunod sa kanya. Kung si Pavel Lisitsian ay nabuhay sa ibang mga panahon, siya, siyempre, ay naging isang world-class na bituin.
“Sa kasamaang palad, ito ang kasawian ng buong henerasyon, na napilitang umupo sa likod ng Iron Curtain, ngunit kung anong uri ng mga mang-aawit ang mayroon kami, simulan ang paglista ng mga pangalan na ito.
– Nakikinig kami sa kanilang mga pag-record sa Russian. Ano ang pakiramdam mo tungkol sa pagkanta sa isang wika maliban sa orihinal na wika?
- Well, paano ko maiuugnay... Nakita mo, may dalawang panig ang medalyang ito. Sa isang banda, hinahangaan ko itong Aida sa wikang Ruso, pinaglagari ito at talagang nagustuhan. Sa kabilang banda (napagtanto ko ito nang maglaon nang magsimula akong mag-aral ng wikang Italyano at Italian opera), siyempre, ang opera ay nawawalan ng maraming istilo.
Ang ilang bagay ay hindi basta-basta maisasalin. Sa mga opera ni Rossini, ang libretto ay naglalaman ng malaking bilang ng mga idyoma. Halimbawa, sa "The Barber of Seville", sa Russian clavier, nang dumating si Figaro kay Rosina at sinabi sa kanya: "mangerem dei confetti", na sa literal na pagsasalin ay nangangahulugang "kakain tayo ng kendi", at ang idyoma ng Italyano ay isinasalin sa "malapit nang magkaroon ng kasal", at maraming ganoong kaso.
– May kakayahan ba ang tagasalin?
– Oo, ngunit bukod pa, may ilang bagay na imposibleng isalin. Ang mga wika ay ibang-iba na sa wikang Ruso ang lahat ng orihinal na paglalaro sa mga salita, ang lahat ng mga biro ay nawawala ang kanilang kadaliang kumilos, ang kagandahan ng wika. Sa kasamaang palad, ito ay gayon.
– Ang ilang mga bagay ay maaaring kantahin pa rin sa pagsasalin?
- Oo naman. Sa English National Opera, lahat ay kinakanta sa English, at ito ay mahusay. Siyempre, maaari kang kumanta ng isang bagay; ngunit narito ang tanong, una, ang kalidad ng pagsasalin. Mayroon kaming mahusay na pagsasalin ng mga opera ni Wagner na ginawa ni Viktor Kolomiytsov - parehong "Tristan" at "The Ring", halos lahat ng mga opera ni Wagner. At ang mga pagsasaling ito, kung kukuha ka ng interlinear na pagsasalin, ay halos nag-tutugma, ngunit sa parehong oras ang lahat ay iginagalang: parehong ritmo at alliteration. Ito ay isang bihirang kaso - ngunit alam ng lalaki ang wikang Aleman at pinagkadalubhasaan ang craft ng tula.
– Mahalaga na mayroon din siyang tainga para sa musika.
– Narito kailangan namin ng isang kumplikadong tulad ng Pasternak, na nagsalin ng Shakespeare.
- Well, hindi ko alam ... Pasternak ay masyadong Pasternak. Ang kanyang mga pagsasalin ay mas kawili-wili bilang tula kaysa sa pagsasalin.
– Gayunpaman, nais kong ipakita ang prinsipyo mismo. Sa isang banda, hindi ko nais na kundenahin ang panahon, kasaysayan - iyon ang panahon, at noong ika-19 na siglo ay umawit ang lahat sa wika ng kanilang bansa. Samakatuwid, muling ginawa ni Verdi ang "Sicilian Vespers," na maganda ang pagkakasulat sa French. Kinailangan niyang gawing Italyano ito at halos putulin ang opera, na maraming nawala. Ito, sa pamamagitan ng paraan, ay isang kapansin-pansin na halimbawa. Alam ko ito dahil kinailangan kong kantahin ang opera na ito sa parehong mga bersyon, at napagtanto ko sa aking sarili na ang pagkanta nito sa Pranses... hindi sa mas maginhawa ito, ngunit kahit papaano... ito ay dumadaloy nang mas organiko. Ngunit sa bersyong Italyano (sa kabila ng katotohanang Italyano ang kanyang katutubong wika!) hindi ito pareho.
Mas mahirap kay Don Carlos dahil hindi ko alam ang French version. Hindi ko ito kinanta, bagama't medyo kumportable para sa akin na kumanta sa Italyano.
– Paano ang iyong relasyon sa mga direktor ng opera?
– Hindi ko talaga gusto ang ngayon ay naka-istilong salitang "direktor" - kahit papaano ay nakakasakit sa aking tenga, ngunit naiintindihan ko na ngayon ay lumitaw ang isang sitwasyon kung saan, sa isang banda, mayroong isang opera ng direktor, sa kabilang banda, isang konduktor o musical opera. Siyempre, ito ay isang hindi natural, barbaric na dibisyon ng isang kabuuan. Kung hindi ka nasiyahan sa pagdidirekta sa prinsipyo, ano ang tungkol sa pagganap ng konsiyerto?
Medyo marami na akong kinanta na mga pagtatanghal ng konsiyerto at masasabi ko: ito ang iba pang sukdulan. Kung tawagin mo ito, ang "direktor" sa tuktok nito ay isang sukdulan. Kapag, halimbawa, ang "Eugene Onegin" ay naka-jacket na may mga pistola, medyo nagsasalita, o, sa kabilang banda, isang pagtatanghal ng konsiyerto kung saan hindi malinaw kung sino ang nauugnay kung kanino. Ang mga ito ay dalawang sukdulan, at kailangan mong magsikap para sa ginintuang ibig sabihin.
– Mayroong pagtatanghal ng konsiyerto na may mga elemento ng laro. Napakaraming opera house ngayon kaya kulang ang mga mahuhusay na direktor. Napakakaunti sa kanila, at ang iba ay higit na nag-aalala sa isang bagay maliban sa kung ano ikaw at ako. Kailangan nilang gawin ito "hindi tulad ng dati." Para sa marami sa kanila, ito, sa kasamaang-palad, ay isang wakas sa sarili nito.
– Tama ka, ito ay talagang nagmumula sa katotohanan na kailangan ng isang tao na igiit ang kanilang sarili, upang ipakita ang kanilang sariling "Ako", at hindi kung ano ang isinulat ng kompositor. Ang lahat ng mga uso sa fashion na ito ay nagsimula sa Bayreuth mga kalahating siglo na ang nakalipas. Ito ay kabalintunaan, dahil si Wagner ang nagpamana na ang kanyang mga opera ay dapat gumanap lamang ayon sa kanyang isinulat, at walang ibang paraan. Ang pag-iilaw ay kahit na nakasulat dito at doon sa kanyang mga marka, at nakakagulat na doon, sa ilalim ng mga tagapagmana ni Wagner, nagsimula ang lahat ng ito. At sa mga araw na ito ito ay naging laganap na.
– Kailangan pa rin nating gumawa ng konklusyon: ano ang mas mahalaga? Mula sa aking pananaw, ang opera ay genre ng musika at, ang musika at teksto ay dapat na isang priyoridad, at kung paano sila manamit at iba pa ay dapat na pangalawa, ngunit upang hindi ito makagambala sa musika. Ang pinakamahalagang bagay sa pagdidirekta ay kung nakakasagabal ba ito sa musika o hindi.
- Maraming mga nuances dito. Kunin, halimbawa, ang parehong masamang kapalaran na "Eugene Onegin". Ako, bilang isang taong pinalaki sa panitikang Ruso, sa pag-ibig sa ating kasaysayan, para sa pang-araw-araw na buhay, ay hindi ko maisip ito sa anumang iba pang konteksto maliban sa Pushkin. Hindi ko maisip, halimbawa, ang "La Bohème" sa anumang iba pang konteksto, dahil ito ay medyo mahirap, dahil ang buong teksto ng libretto ay puno ng mga pang-araw-araw na detalye, hanggang sa mga pinggan.
– At ang diyablo, tulad ng alam natin, ay nasa mga detalye.
- Oo! Hindi mo maaaring itapon ang lahat ng ito (paboritong salita ni Dostoevsky) at ibukod ito. Kung pupunta ka upang lumikha ng ilang uri ng pangitain gamit ang mga pistola, hindi mo maaaring ilagay ang lahat ng ito sa isang lugar. Pagkatapos ay kinuha mo ang kalayaan ng pagtatanghal ng isang bahagyang naiibang opera.
Ang isa pang bagay ay kung minsan, halimbawa, ang isang bagay tulad ng "Macbeth" ay maaaring ilipat sa ibang oras. Ang lahat doon ay hindi nagmumula sa isang tiyak makasaysayang katotohanan, ngunit mula sa ideya ng drama mismo. Ang mga dula ni Shakespeare ay unang itinanghal nang walang anumang tanawin, ngunit iyon ay isang bahagyang naiibang kuwento.
Sa Novaya Opera, ang "Onegin" ay itinanghal ni Artsibashev, na mahal na mahal ko. Wala ring mga dekorasyon doon. Wala naman doon - dalawang upuan lang sa entablado. Gayunpaman, sa tingin ko ito ay isang napakatalino na produksyon sa sarili nitong paraan! Ang asetisismo na ito ay nagpapahintulot sa iyo na madama kung gaano karaming mga nuances ang maaaring nasa loob.
– Ngunit si Evgeny Kolobov ay nakibahagi din sa produksiyon na ito, at ang artista ay si Sergei Barkhin.
– Ito talaga ang unang produksyon ng teatro. Noong 1996. Gaano karaming mga mang-aawit ang dumaan sa produksyon na ito - at magagandang mang-aawit!
- Ngunit ito ay isang pagbubukod.
– Alam mo ba kung bakit ito ay eksepsiyon? Dahil ito ay itinanghal ng mga taong may talento, kung saan ang pinakamahalagang bagay ay hindi ipakita ang kanilang sariling "Ako"...
– ...at ang pagkakaisa ng musika at entablado. Sa mga nakasalubong mong direktor, sino ang pinakanagustuhan mo sa mga tuntunin ng pagsasama-sama ng direksyon sa musika?
– Hindi ako masyadong nagtrabaho sa mga direktor sa panahon ng mga produksyon. Marami akong inputs. Halimbawa, sa parehong Novaya Opera.
Of the recent productions, I can’t help but mention Don Carlos. Sa kabila ng katotohanan na ang produksyon ni Adrian Noble ay hindi lamang binatikos ng mga tamad, ito ay ginawa nang may labis na pagmamahal para kay Verdi. Ito ang unang direktor sa aking karanasan sa pag-awit na nag-alok na kumanta ng isang opera nang walang putol. Nanlaki ang mata ng lahat! Kadalasan, ang unang bagay na ginagawa ng isang direktor ay...
-...hiwain ang libretto!
Dmitry Beloselsky (King Philip) at Igor Golovatenko (Rodrigo) sa paggawa ng opera ni Verdi na "Don Carlos" sa Bolshoi Theater. Larawan – Damir Yusupov – Ito ay isang four-act na bersyon. Mayroong ilang mga tala doon, ngunit mga menor de edad lamang - sa isang lugar sa eksena ng koro, ngunit hindi mahalaga. Lahat, kahit ang romansa ni Rodrigo, na kadalasang pinuputol sa kalahati, binigay niya lahat, atbp. Maraming ganoong sandali. Sa kabila ng katotohanan na ang produksyon na ito ay kulang sa mga bituin mula sa langit, walang mga paghahayag doon, ngunit ito ay ginawa nang may malaking paggalang sa mga mang-aawit, kompositor, at Schiller - na, sa palagay ko, ay lubos niyang kilala. Marahil ang makasaysayang panahon ay hindi masyadong nakikita doon...
– Ngunit hindi ito isang aklat-aralin sa kasaysayan!
- Oo, hindi isang aklat ng kasaysayan. Ang pagsunod sa liham ay palaging humahantong sa mga kalunus-lunos na kahihinatnan.
– Kailangan mo bang sundin ang espiritu?
- Oo, sa espiritu. Kailangan mong makita ang isang bagay sa likod ng teksto. Tingnan ang kagubatan para sa mga puno. Kamakailan ay nagkaroon ako ng magandang karanasan sa pagtatrabaho kasama si Žagars sa Riga Opera.
- Yan ang hindi ko gusto.
- Maraming tao ang ayaw sa kanya, kaya ano ang magagawa natin? Nagkaroon lang ako ng pagkakataon na makatrabaho siya.
-Anong kinakanta mo?
- "Troubadour". At kinumbinsi niya ako na tama siya, bagaman mahirap para sa akin na tanggapin ang paglipat ng aksyon mula sa panahong iyon hanggang 1919. Mayroong Latvian riflemen at lahat ng iyon. Pero kumbinsido ako sa kanyang pagdidirekta kasama ang artista. Siya ay nagbabayad ng maraming pansin nang direkta sa plastik. Buhay na plastik para hindi parang mga estatwa ang mga tao sa entablado.
- Nakita ko ang kanyang produksyon ng "Eugene Onegin" sa paglilibot sa Moscow. Hindi ko talaga siya nagustuhan.
- Nakibahagi ako sa "Onegin" na ito, ipinakilala ako minsan, lalo na sa Riga.
- Bihira akong makapanayam ng mga hindi gumaganap ng klasikal na musika, ngunit nangyari na nakikipag-usap ako sa artista at direktor ng Teatro sa Malaya Bronnaya, ang kamakailang namatay na si Lev Durov, at sinabi niya: "Ngayon sa pagdidirekta, kung walang tumatakbo sa kabila ng entablado na may hubad na asno, itinuturing na lipas na." Para siyang nasa tubig. Sa panahon ng pagtulog ni Tatyana, lumitaw si Zhagars hubad na lalaki sa balat ng oso. Bakit kailangan ito?
– Masasabi kong wala nito sa Troubadour, at salamat sa Diyos! I’m just talking about my recent impressions, kasi hindi pa ako masyadong nakakatrabaho ng theater directors. Ang pakikipagtulungan kay Panerai sa parehong "Rigoletto" ay hindi eksaktong gawain ng direktor. Siya ay isang mahusay na mang-aawit at musikero, mayroon siyang napakalaking karanasan sa entablado. Binigyan niya ako ng maraming napakahalagang payo sa clownish image - kung ano ang gagawin. Ngunit bilang isang musikero, bilang isang mang-aawit, mula sa loob.
- Hindi ko nagustuhan ang kamakailang produksyon ng "Rigoletto" sa Bolshoi Theater.
- Hindi ko siya nakita, sa kasamaang palad.
– Ang isang jester at isang payaso ay hindi magkatulad. Sa Bolshoi ngayon ay isang payaso si Rigoletto, ang aksyon ay nagaganap sa sirko. At ito ay hindi malinaw kung bakit ang lahat ay currying pabor sa tinatawag na Duke. Ang isang jester ay isang taong makapagsasabi ng katotohanan sa namumuno. Malinaw kung bakit labis na kinasusuklaman ng mga courtier si Rigoletto. Dahil siya lang ang makakapagsabi ng totoo - at tungkol din sa kanila. At dito ay ganap na hindi malinaw kung bakit ang iba ay napopoot sa kanya.
- Buweno, naghukay ka ng napakalalim para sa gayong produksyon, kung saan, tulad ng sinasabi mo, tumatakbo sila sa paligid na may mga hubad na asno.
"Walang hubad na asno dito, salamat sa Diyos." Ngunit sa halip na ang korte ng Duke ng Mantua, sa entablado ay mayroong isang half-circus, half-brothel, na pinapanatili ng dating Duke.
- Ngayon, sa kasamaang palad, ang mga direktor ay hindi naghuhukay ng malalim. Bagaman may iba pang mga kaso. Sinabi ko tungkol sa Zhagars na siya ay gumagana nang kawili-wili at mabunga sa mga artista sa larangan ng plastic arts. At ang produksyon ay seryoso - nang wala ang lahat ng tinsel na ito. May isa pang direktor na seryosong humanga sa akin - ito ay si Hugo de Ana.
- Saan siya galing?
- Siya ay nagmula sa Argentinean.
-Saan niya ito inilalagay?
– Siya ay nakatira sa Madrid, ngunit mga yugto sa South America, Spain, Italy.
– Anong mga opera ang itinatanghal niya?
– Ang unang pagkakataon na nagtrabaho ako sa kanya ay sa Palermo - itinanghal niya si Boris Godunov. Ang isa ay nasa Buenos Aires - Madama Butterfly.
- Ano, kinakanta mo ba si Boris?
– Hindi, kinanta ko ang Shchelkalov at Rangoni.
– tanong ko dahil kumakanta na si Leiferkus ng baritone version.
– May mga bagay na hinding-hindi ko gagawin.
– Ang Russian repertoire sa pangkalahatan ay isang kumplikadong bagay; At si Boris - sa kabutihang palad, ang aking mga plano ay hindi umabot sa ganoong kalayuan. Pero naging mahirap para sa akin ang production na ito dahil dalawang bahagi ang kinanta ko doon. Una, kumanta si Shchelkalov, pagkatapos ay nagpalit siya ng damit, muling ginawa ang kanyang sarili, at pagkatapos ng kalahating oras ay lumabas siya at kumanta ng Rangoni.
Espesyal na pagbanggit ang dapat gawin tungkol sa direktor na ito, dahil siya ay isang aesthetically stunningly edukadong tao. Siya mismo ang gumagawa ng mga sketch ng tanawin, kasuotan, at ilaw.
– Siya ba mismo ang gumagawa ng lahat ng scenography?
- Ginagawa niya ang lahat sa kanyang sarili. Hindi ito nangangahulugan na siya mismo ang gumagawa ng mga dekorasyon. May mga katulong siya, siyempre. Ngunit ang pangunahing bagay ay mayroon siyang kumpletong visual na konsepto para sa pagganap, at ito ay kamangha-manghang!
- Ito ay isang bihirang kaso.
- Ito ay isang bihirang kaso! Bukod dito, nang dumating ako sa paggawa ng "Madama Butterfly", napagtanto ko na ang lalaki ay lubusang pinag-aralan ang kasaysayan ng Japan noong panahong iyon.
Kung tutuusin, may kawili-wiling kwento sa dulang napanood ni Puccini. Ang dulang ito, na tinatawag na Madama Butterfly, ay isinulat ni David Belasco, isang American playwright at impresario. At ito ay isinulat, sa turn, batay sa isang kuwento ni John Luther Long, na kilala ang anak ng isang babaeng Hapones na nagsilbing prototype para sa Cio-Cio san, ibig sabihin, alam niya. totoong tao, ang batang lalaki na kasama niya sa opera.
Nabasa ko na ang dalawang akdang ito. Sa kasamaang palad, walang mga pagsasalin sa Russian, at kailangan kong magbasa sa Ingles. Napaka-interesante. Doon, ang mga linya ng Butterfly at Suzuki mismo ay napakahirap basahin, dahil ang Japanese accent ay nakasulat, kaya kalahati ng mga salita ay hindi maintindihan. Gayunpaman, nakuha ko ang impresyon na hinawakan ko ang panahong ito.
Ito ay palaging napaka-interesante kapag mayroong isang tunay na prototype at maaari kang matuto ng isang bagay tungkol sa taong ito. Alinsunod dito, maaari mong mabuo ang iyong karakter sa anumang paraan. Ang Sharpless ay inilarawan din sa kaunti pang detalye doon. Ito ay medyo tuyo, ngunit kawili-wili. Ang ibig sabihin ng lahat ng ito ay hindi lamang pinag-aralan ni Hugo ang lahat ng ito - hanggang sa kasaysayan ng propesyon ng geisha - ngunit ang kanyang trabaho ay puno ng pagmamahal para sa kasaysayan ng Hapon at kultura! Hindi ko matiyak ang katumpakan ng paggawa ng anumang mga detalye ng interior o damit - ngunit hindi bababa sa ang tao ay gumawa ng napakalaking pagsisikap na gawin ito.
Marami siyang ginawa sa mga detalye, sa mga props, at tinuruan ako kung paano magtrabaho sa mga props. Sinabi niya na kung mayroon kang salamin o tungkod, dapat talagang gumana ang mga bagay na ito. Iyon ay, kung darating ka na may suot na salamin, dapat kang makahanap ng ilang mga paggalaw upang makita na nakatira ka sa mga salamin na ito. Hindi ako nagsusuot ng salamin, mahirap para sa akin na maunawaan.
- Nagsasalita ng mga detalye. Kung naaalala mo, sa "Eugene Onegin" ng Riga, tumatakbo si Tatiana sa paligid ng entablado gamit ang isang laptop.
- Oo, naaalala ko.
- Wala akong pakialam. Ngunit ang sulat ay nakasulat sa pamamagitan ng kamay! Isa sa dalawang bagay: maaaring magsulat ng isang liham sa iyong laptop o huwag tumakbo sa entablado kasama nito.
– Ito ang aking debut sa Riga Opera. Pumunta ako roon upang kumanta, at hindi gaanong binigyang pansin ang mga detalyeng ito. Ang produksyon, kumbaga, "from the inside" ay hindi ako masyadong inis. Kinuha ko ito ng mahinahon. Bukod dito, ang produksyon ay napakakumplikado para sa input na walang oras upang isipin ang lahat ng ito. Para sa akin, ang pinakamahalagang bagay ay ang kumanta.
Ang isang mang-aawit na ipinakilala sa isang pagtatanghal ay palaging nag-iisip hindi tungkol sa mga konseptong bagay, ngunit tungkol sa kung paano kumanta. Ang pag-unawa sa mga ideyang naka-embed sa pagganap ay darating sa ibang pagkakataon. Ano ang gagawin, ito ang proseso ng teatro.
- Paano magkasya?
- Oo, kung paano magkasya para hindi mahulog. Pagbabalik kay Hugo, para sa akin itong direktor na ito ang huli kong nakatrabaho hanggang ngayon. Marami siyang ibinigay sa akin, at siyempre, siya ay isang mahusay na personalidad.
– Mayroon ka bang anumang mga alok sa mga yugto ng Kanluran?
"Kailangan kong pumunta sa Glyndebourne para sa festival sa lalong madaling panahon."
– Sino ang namamahala ngayon? Sa loob ng maraming taon mayroong Vladimir Yurovsky.
"Umalis siya, pero hindi ko alam kung sino siya ngayon."
– Anong kakantahin mo diyan?
– Doon ang Poliuto ni Donizetti. Ang opera na ito ay napakapopular noong dekada sisenta. May isang sikat na recording mula sa La Scala kung saan kumakanta sina Callas, Corelli at Bastianini. Mayroong sobrang mahirap na bahagi para sa tenor.
- Lahat ng naroon ay nahihirapan.
– Lalo na para sa isang tenor. Ngayon ang opera na ito ay nahulog sa limot ng kaunti, dahil sa pangkalahatan ang bel canto repertoire ay wala sa uso. Ang mga kompositor tulad ng Mercadante, Bellini, Donizetti ay hindi masyadong madalas itanghal. Bagama't may pitumpu't apat na opera si Donizetti, isipin mo na lang!
– Idol ko si Bellini. Para sa akin, ang opera number one ay “Norma”.
- Well, siyempre! Ngunit ang "Norma" ay hindi na rin madalas itanghal ngayon. Tumingin sa mga website ng mga sinehan - hindi mo ito mahahanap.
– Naaalala ko na dumating ang La Scala noong 1974; at nagsimulang kumanta si Montserrat Caballe - ito ay isang kabuuang pagkabigla! Nakatayo siya sa backdrop sa harap ng isang conventional cubist tree, at nang kantahin niya ang Casta Diva at pagkatapos ay stretta, ako ay natulala. Hindi ko akalain na ganito pala ang tunog!
"Mayroon siyang kamangha-manghang piano, hindi katulad ng iba."
"Ito ang pinaka-kagiliw-giliw na pagganap na napakinggan ko." Kahit kumpara sa recording ni Callas. Perpektong vocals.
- Mahirap ihambing ang mga ito. Hindi ko pa nagawa ito. Halimbawa, nagkaroon ako ng regla nang simpleng namamatay ako kay Bastianini. Pagkatapos ay may isang panahon na mahal ko talaga si Gobbi, pagkatapos ay isang panahon na hindi ko maalis ang aking sarili mula sa Manuguerra - at iba pa.
"Hindi ko talaga kilala si Manuguerra, bagaman sinabi sa akin ng isang kaibigan ang lahat tungkol sa kanya.
- Ito ay isang kamangha-manghang baritone! Walang sinuman ang may perpektong legato. Palagi siyang may kaunting tala sa ilong, dahil kung saan, marahil, hindi nila siya nagustuhan, kahit na gumawa siya ng isang napakahusay na karera, kumanta sa lahat ng dako, ngunit mayroon siyang kapintasan na ito. Nakakamangha ang ganda ng boses!
Then there was a period na mahal na mahal ko si Cappucilli. Napakahirap ikumpara ang isang tao sa iba. Ito ay isang walang pasasalamat na gawain. Ngunit noong panahong iyon, sa maliliit na mga sinehan sa Italya, ang mga pamagat na tulad ng "Maria di Rudenz" o "Roberto Devereux" ni Donizetti ay napakapopular.
– Ito ay mga hindi kilalang opera.
- Sila ay ganap na hindi kilala ngayon. Ang mga pangalang ito ay walang kahulugan sa sinuman, ngunit, gayunpaman, mayroon siyang maraming mga opera (na ngayon ay hindi ipinapakita kahit saan) kung saan maaaring lumaki ang mga batang mang-aawit. Halimbawa, “Linda di Chamouni”, “Maria di Roan”, “Gemma di Vergi”. Marami sa mga sinehan na ito sa kasamaang palad ay sarado na ngayon dahil sa krisis sa pananalapi.
– Kapag ikinukumpara ko sina Donizetti at Bellini, parang mas mahirap kumanta si Donizetti. Mas organic si Bellini - sobrang nararamdaman niya ang kalikasan ng mga vocal.
– Hindi naman mabigat, mas malapit na si Donizetti kay Verdi. Sa parehong paraan, ang mga huling opera ni Verdi ay mas malapit na sa verismo.
– Othello, excuse me, ito ay isang Wagnerian opera lamang.
– Ang "Othello" ay isang espesyal na artikulo sa kabuuan.
– Ito pala ang paborito kong opera ni Verdi. Ang lahat doon ay itinayo sa kabuuan mismo ni Verdi.
- Well, ito ay, sabihin, ang ngiti ng isang henyo. Gayunpaman, ito ang pinaka-Verdi.
- Ang pinaka pinakamahusay na produksyon Ang "Othello" na nakita ko ay isang produksyon ng Latvian Opera and Ballet Theater noong 1980. Direktor Olgerts Šalkonis, set designer Edgars Vardeunis. Sa parehong taon dinala nila ang pagtatanghal na ito sa Moscow sa paglilibot, kung saan nakita ko ito. Sa loob nito, ang entablado ay napalaya mula sa mga dekorasyon at mga detalye sa bawat kilos...
- Kawili-wiling kawili-wili!
- ... at sa dulo ay may isang walang laman na entablado sa itim na tela - at isang iluminadong kama sa gitna nito. Napakahusay, at ang nasa katanghaliang-gulang na si Kārlis Zarins ay kumanta ng Othello sa paraang hindi lahat ng kabataan ay marunong kumanta.
– Noon pa man ay mayroon silang napakalakas na opera house. Ang teatro mismo ay maliit, ngunit mayroon pa rin silang isang napakalakas na tropa. Kung babasahin mo, mayroon silang "Lucia", "Il Trovatore", "The Barber of Seville", "Eugene Onegin", "Aida", "Nabucco", "Madama Butterfly" - halos ang buong pangunahing opera repertoire!
– Hindi ko talaga sinusunod, sinusuri ko lang ito batay sa paglilibot sa Moscow. Ngunit naalala ko ang produksyon na iyon sa buong buhay ko at itinuturing ko itong pinakamahusay. Ang lahat ng atensyon ay nakatuon sa katapusan, tulad ng isang magnifying glass na tumutuon sa lahat ng mga sinag. Ito ang pagdidirekta na kailangan.
– Sa pangkalahatan, kung babalik tayo sa pagdidirek, ito ay isang napakahirap na tanong. Kasi... katulad ng tanong ng mga konduktor, laging tanong ng personalidad. “May sasabihin ka ba?” ay isang pangunahing tanong, at mahirap ding magbigay ng hindi malabo na sagot dito, dahil walang pamantayan. Ano ang mga pamantayan, paano maghusga?
Mayroong napakapropesyonal na mga direktor na marunong gumawa ng mise-en-scène upang ang mga transition, halimbawa, ay makatwiran sa musika. Ang produksyon ay tila matatag na tapos na, ngunit hindi ito humihinga. Ngunit ito ay nangyayari sa kabaligtaran: ang direktor ay may kamangha-manghang ideya, ngunit hindi niya alam kung ano ang ibig sabihin ng pagpapatupad nito, kung paano gawin ang lahat ng ito. Samakatuwid, ang lahat dito ay napaka-kumplikado at hindi maliwanag. Hindi mo alam kung paano magtatapos ang mga bagay.
Parang sa Naples, kung saan pinilit nila akong maligo sa tubig. Ang ideya ng direktor ay ang Onegin ay may nagyeyelong puso, at pagkatapos ay natunaw ito sa ilalim ng presyon ng mga damdamin, at sa isang lugar bago ang eksena ng tunggalian ay isang pool ng tubig ang napuno at ang mga piraso ng yelo ay lumutang doon. Si Lensky ay nahulog sa tubig at pagkatapos ay sa huling eksena Gremin - Si Dima Beloselsky ay gumulong sa isang wheelchair (kung wala ito ay hindi magagawa ng isang solong produksyon ngayon), at pinalayas ko siya. Una ko siyang pinalayas, pagkatapos ay si Tatyana.
Nagbago ang mga tungkulin, at pagkatapos ay ang pinakahuling eksena ay nasa tubig. May sofa sa gitna at doon kami sa sofa na ito, God forgive me! Napakabaliw ng ideya. Bukod dito, walang silbi ang makipagtalo.
– Nagkaroon na ba ng panahon sa iyong pagsasanay na hindi mo nagustuhan ang direksyon kaya tumanggi kang kumanta?
- Hindi, hindi iyon nangyari. Wala ako sa posisyon para tumanggi sa trabaho. Halimbawa, sa Naples ay hindi ko nagustuhan ang produksyon. Masasabi ko ito nang may kumpiyansa. Ngunit ang direktor ay isang napaka-respetadong tao sa aking opinyon, ang produksyon na ito ay itinanghal sa buong Europa. Nakatanggap siya ng napakalaking bonus para dito, at iba pa. Kung sinabi ko: "Paumanhin, ngunit hindi ko gusto ito," pagkatapos ay uuwi ako at mag-imbita ng iba.
- Ito ay naiintindihan, hindi mo pa ito kayang bayaran.
- Siyempre, ang mga bagay ay hindi naging labis doon, walang nagtanong, salamat sa Diyos, na maging hubad o gumawa ng anumang bagay na hindi disente, ngunit ito ay napakalayo mula sa Pushkin! Walang anumang kulturang Ruso doon. Ang ilang mga birch trunks ay bumababa mula sa itaas - ito ay "parang kagubatan", isang birch grove at iyon lang. Wala nang mga pahiwatig ng Russian opera. Kung ito ay tumutugma lamang sa kung ano ang nangyayari sa musika! Ngunit hindi ito tumugma sa anuman.
Kita mo, hindi nabasa ng lalaki ang Pushkin. O binasa ko ito, ngunit hindi naiintindihan. Hindi naman sa may yelo siyang puso. Hindi iyon ang punto sa lahat, na kalaunan ay natunaw at iba pang kalokohan. (Alam mo, kamakailan lang sinabi sa akin na may ganoong tanong sa Unified State Exam: mahal ba ni Onegin si Tatyana? At ang mga pagpipilian sa sagot: mahal/hindi mahal/hindi talaga. Hindi ako papasa nitong Unified State Exam! )
– Ano ang iyong mga plano sa Bolshoi na hindi mo pa kinakanta?
- Bago, ibig mong sabihin? Ngayon, sa aking opinyon, ang mga plano para sa susunod na season ay hindi pa inihayag. Ngayon kinakanta ko ang mga kasalukuyang pagtatanghal. Ang tanging bagay ay ipinakilala siya sa La Bohème. Alam kong may mga production para sa susunod na season, pero hindi ko pa alam kung sasali ako sa kanila.
– Patuloy ka bang nakikipagtulungan sa Novaya Opera?
– Oo, nagpatuloy ako dahil napagtanto ko sa aking sarili na napakahirap para sa akin na humiwalay sa teatro na ito: sa isang banda, hindi ako madalas kumanta doon (kung bibilangin mo ang bilang ng mga pagtatanghal bawat taon), ngunit sa sa kabilang banda ay nararamdaman ko na ito ang aking tahanan.
- At wala silang ilalagay sa iyo doon?
- Hindi, walang ganoong pag-uusap. Ano ang maaari mong ilagay para sa isang baritone? Tingnan mo, masyadong maaga para pag-usapan ang mga title role ng ilan sa mga role ni Verdi. Ang parehong "Macbeth" o "Simon Boccanegra" ay napakaaga. At pagkatapos ay hindi alam kung gaano sa pangkalahatan ang bulwagan ng teatro na ito ay iniangkop sa mga naturang pangalan. Kailangan mong tingnan kung gaano ito angkop para sa bawat partikular na opera.
"Tinatanghal nila Tristan at Isolde."
- Hindi ko pinakinggan ang sarili ko, hindi ko alam.
- Ito ay mahusay na! Ako ay lubhang nag-aalinlangan tungkol sa ideyang ito, ngunit ito ay mahusay! At sa pangkalahatan, at partikular sa Latham-Koenig.
- Siya ay maganda. Isang kahanga-hangang musikero.
– Ang pinakabagong mga gawa, "Matthew Passion", ay napakahusay na ginawa. Isang buwan at kalahati ang nakalipas, dumating si Rilling at nagsagawa ng St. Matthew Passion sa bulwagan. Tchaikovsky. Kaya masasabi ko na ang mga mang-aawit na Ruso ay hindi mas mababa sa mga Aleman sa St. Matthew Passion. At ginawa ito ni Latham-Koenig.
– Tungkol sa Bagong Opera, dalawang bagay lang ang ikinalulungkot ko: na hindi ako nagkaroon ng pagkakataon na makatrabaho si Kolobov, at pangalawa, na hindi kami kumanta ng isang solong pagtatanghal kasama ang Latham-Koenig. Kakaiba, pero ganoon ang nangyari. Madalas din siyang bumiyahe, at kahit papaano ay hindi kami nagkrus ng landas sa kanya. Dapat ay nagkaroon kami ng contact noong nangyayari ang produksyon ng Troubadour. Pero hindi ako nakasali sa mismong production. Pumasok ako mamaya, at hindi na siya nagsagawa ng pagtatanghal na ito. Sinabi ko sa kanya mismo: "Paano ito, maestro, na kami ay naglalakad sa parehong teatro sa loob ng maraming taon at hindi pa rin nakakanta nang magkasama?" Nakakatawa.
- At ang "King Roger" ni Szymanowski ay napakahusay din na ginawa sa konsyerto. Naniniwala ako na kapag walang sound director’s idea, mas maganda ang concert performance na may mga elemento ng theatricality.
– Tama ka, dahil minsan gusto mong palayain ang opera mula sa mga cliches ng direktor, na, sa kasamaang-palad, ay umiiral. Siyempre, puro musika ang performance ng concert, puro music-making, pero minsan may kulang din. Sabihin nating kinanta namin ang "La Traviata" sa isang bersyon ng konsiyerto, kahit papaano imposibleng hindi makipag-usap sa iyong kapareha.
– Kaya nga sinasabi ko na ang ilang elemento ng teatro ay maaaring ipakilala sa pagtatanghal ng konsiyerto.
– Lahat ng ito ay may karapatang umiral.
– At pagkatapos ay nangingibabaw ang musika.
– Medyo iba ang sasabihin ko. Ang katotohanan ay, siyempre, ang musika ay ang pinakamahalagang bagay sa opera, ngunit ang madalas na kalimutan ng mga direktor ngayon, pasensya na, ako ay magiging hindi mahinhin, na sa opera ang pinakamahalagang tao ay ang mga kumakanta. Kasi, nakikita mo, pumupunta pa rin ang mga tao sa opera para makinig sa mga mang-aawit. Kung ang orkestra ay kahanga-hangang tumugtog, ang koro ay kahanga-hangang kumanta, ang mga kasuotan ay kahanga-hanga, ang produksyon ay kahanga-hanga, ngunit ang mga mang-aawit ay mahinang kumanta, kung gayon sino ang nangangailangan ng opera na ito? Samakatuwid, nagkaroon ng isa pang panahon kung saan ang mga mang-aawit ay talagang ang unang sa opera, at ito ay kahit na may ilang mga elemento ng overkill, masyadong maraming.
Ngayon ito ay naging eksaktong kabaligtaran; at kapag ang mga kritikal na artikulo ay nakasulat, dito at sa Kanluran, ang tendensya ay pareho: napakaraming nakasulat tungkol sa produksyon, napakaraming tungkol sa konduktor, at sa mga pangalan ng mga mang-aawit. At kung paano sila kumanta - mabuti kung magsulat sila ng ilang linya.
- Napakahirap magsulat tungkol sa mga mang-aawit. Buweno, magsusulat sila - mahusay siyang kumanta, ngunit ang ilang mga detalye ay napakahirap mahuli.
- Siyempre, nagbibiro ako, ngunit umiiral ang kalakaran na ito. Ilang production na ba ang kinanta ko - pero lahat ng critical articles na pinadala sa akin ng agent ko ay pare-pareho ang form, nasabi ko na kung ano. Ito ay kabuuan.
– Ginawa ni Latham-Koenig ang “The Passion” at “King Roger” nang napakahusay. At pagkatapos ay narinig ko siya sa unang pagkakataon konsiyerto ng symphony. Sinamahan niya ang dalawang konsiyerto: Elgar's violin concerto kasama si Nikita Borisoglebsky at Tchaikovsky's Second Piano Concerto kasama si Lukas Geniušas kasama ang New Opera Orchestra sa St. Tchaikovsky.
– Napakaganda ng ikalawang concerto ni Tchaikovsky. Gusto ko lalo na ang pangalawang bahagi, kung nasaan ang trio.
– Ang orkestra ay nasa napakahusay na kondisyon!
– Kapag ang isang konduktor ay may seryosong awtoridad sa musika, ganap na naiiba ang kanilang pagtugtog. Nakita ko na ito ng maraming beses. Hindi ko nais na masaktan ang sinuman, sa anumang pagkakataon, ngunit napakahalaga kung sino ang nasa likod ng control panel. Lagi mo itong maririnig.
- Ilang taon ka na ngayon?
- 34 na taon.
- Siyempre, maaga pa, ngunit hindi mo ba naisip na kailangan mong kumuha ng pagtuturo?
– Tinanong din ako ni Dmitry Yuryevich kung gusto kong magturo. sagot ko hindi. Kapag tinitingnan ko kung gaano kalaki ang nerbiyos, pagsisikap, at pagod na ginugugol niya sa lahat ng ito, sinasabi ko na ako ay isang napaka-makasarili na tao sa bagay na ito. Nagbibiro ako, siyempre. Sa katunayan, ngayon, siyempre, hindi ko iniisip ito.
- Walang kabuluhan, at narito kung bakit. Ang katotohanan ay ang pagtuturo mismo ay pinipilit ang gumaganap na guro na pasalitang bumalangkas ng gawain.
- Upang maunawaan ito sa iyong sarili.
– Gumagawa ka ng isang bagay nang intuitive, ngunit para sa mag-aaral kailangan mong bumalangkas sa mga salita. Ito ay mainam para sa mga instrumentalista, konduktor at mang-aawit.
– Sa katunayan, nabubuhay ako ngayon sa isang rehimen na walang sapat na oras para dito, kahit para sa isang mag-aaral. Bukod dito, itinuturing ko na ngayon ang aking sarili na hindi handa sa pag-iisip. Kung feeling ko mature na ako at may time ako... although I'm not sure I'll have more free time.
- Ngayon tungkol sa modernong musika. Sino para sa iyo ang pinakamataas na limitasyon ng modernong kompositor - Schnittke o Denisov - o kabaliktaran, Schoenberg? Ano ang relasyon mo sa chamber music?
- Tungkol sa modernong musika– Mahal na mahal ko ito, ngunit kakaunti lang ang kinanta ko sa boses. Nagkaroon ako ng karanasan minsan. Ito ay isang proyekto mula sa Bolshoi Theater, nang kantahin namin ang opera na "The Cherry Orchard" ng Pranses na kompositor na si Philippe Fenelon. Ito ay isang kahanga-hanga, napaka-kagiliw-giliw na karanasan. Salamat dito, ang aming buong koponan ay nakarating sa Paris Opera, lahat ay nag-debut doon. Tulad ng para sa musika mismo, ito ay kawili-wili, bagaman ito ay napakahirap dahil ito ay isinulat sa isang napaka-modernong paraan.
Kung tungkol sa pinakamodernong musika, hindi ko alam ang lahat ng nangyari pagkatapos ng Schnittke. Hindi ko pa ito nagawa at hindi ko masasabi na mayroon na akong anumang pagnanais o interes dito, dahil nakatira ako ngayon sa ibang repertoire.
– Ano ang pakiramdam mo tungkol sa Schnittka?
– Gustung-gusto ko si Schnittke, mahal na mahal ko siya, kahit na hindi lahat ay nagpapagalaw sa akin. Nakinig ako sa pangalawang Concerto Grosso sa isang konsiyerto na ginanap ni Natalia Grigorievna Gutman. Ito ay napakatalino. Ako mismo ang tumugtog ng kanyang cello sonata - ito ay kamangha-manghang musika. Ang kanyang musika para sa pelikula ni Schweitzer na "Dead Souls" ay napakatalino. May mga bagay na napakalapit sa akin dahil ako mismo ang nakaranas nito.
Mahirap para sa akin na sabihin na nagda-download ang musika sa Shostakovich para sa akin, dahil wala akong masyadong alam. Siyempre, ang Shostakovich para sa akin ay ang Everest ng ikadalawampu siglong musika; ito yung napanaginipan ko nung nagconduct ako. Sa kasamaang palad, walang nagawa si Shostakovich.
Kung tungkol sa chamber music, mahal na mahal ko ito. Hindi laging posible na gawin ito, dahil mahigpit ang iskedyul ng opera. Ngunit dapat itong gawin, dahil kung kakantahin mo lang si Verdi sa lahat ng oras, nawawalan ng kaunting flexibility ang iyong boses.
– Sa chamber music dapat mayroong ganap na kakaibang sound production.
– Maaaring pareho ang paggawa ng tunog, kailangan mo lang maghanap ng iba't ibang kulay. Ang musika ng kamara ay nangangailangan ng bahagyang magkakaibang mga hamon. Hindi lahat parang poster.
– Dapat ding mas compact ang tunog.
– I’m talking about the term “sound production”, because you have one voice emission - kahit anong boses mo, ganyan ka kumanta. Maaari mong alisin ang isang maliit na bagay sa isang lugar, magdagdag ng isang bagay sa isang lugar. Pagkatapos ay mayroon akong ilang mga ideya, mga ideya na nais kong ipatupad
- Ano ba talaga?
– Naipatupad ko na ang isang ideya. Nagkaroon ng ideya na pagsamahin ang French music at Tosti sa isang concert. Sa pangkalahatan, nagkaroon ako ng desperadong pangarap na kantahin ang Poulenc balang araw. At kamakailan lang ay kinanta namin ni Semyon Borisovich Skigin ang "Farewell to Petersburg" ni Glinka sa House of Music sa Chamber Hall.
"Sa kasamaang palad, hindi ako makakapunta doon."
– At isang kamangha-manghang cycle ng French romances ni Tchaikovsky - ito ay talagang naging isa sa aking mga paboritong cycle. Kinakanta ko ito sa lahat ng oras. Isang napakatalentadong tao sa orkestra ng Spivakov ang gumawa ng isang kahanga-hangang orkestra, at kinanta namin ito kasama ang "Moscow Virtuosi" - ipinagdiriwang nila ngayon ang kanilang anibersaryo. Gusto kong ipagpatuloy ang pag-awit sa cycle na ito.
Mayroon akong pagnanais na gumawa ng isang seksyon ng mga romansa ni Tchaikovsky. Kahit papaano ay hindi ko kinanta ang kanyang mga romansa malalaking dami. Siya ay kumanta nang paisa-isa, dalawa sa isang pagkakataon, tatlo sa isang pagkakataon, at hindi upang gumawa ng isang paghihiwalay, o upang kumanta ng ilang uri ng opus. Mayroon akong ideyang ito.
– Iniuutos ko sa iyo ang “For the Shores of a Distant Fatherland” ni Borodin. Ito, sa palagay ko, ay ang pinakamahusay na pag-iibigan ng Russia. Ginampanan ito ni Robert Hall nang napakaganda. Nakinig ako sa kanya ilang taon na ang nakalilipas sa Great Hall ng Conservatory, kung saan kumanta siya ng isang programa ng Russian romance. Napakahusay niyang kumanta kaya nagsulat ako sa pagsusuri: "Salamat sa Hall para sa aralin sa wikang Ruso!" Walang sinuman sa amin ang kumakanta sa wikang Ruso tulad ng pagkanta ni Hall. Nang kantahin niya ang "For the Shores of the Distant Fatherland," napaluha ako.
"Oo, nagkaroon din ako ng katulad na rebelasyon noong pinakinggan kong kumanta sina Mirella Freni at Atlantov." reyna ng Spades" May recording ng performance mula sa Vienna Opera. Oo, siyempre, kumakanta siya nang may kaunting accent. Ngunit ang punto ay wala sa accent, kundi sa paraan ng pamumuhay ng salita sa kanya. Naunawaan niya ang koneksyon sa pagitan ng mga salita at musika, isang bagay na napakahirap makamit sa musika ni Tchaikovsky. Ang relasyon sa pagitan ng salita, legato at linyang pangmusika. Ito ay hindi kapani-paniwalang mahirap, dahil sa ilang kadahilanan kung minsan ay tila walang kanta si Tchaikovsky. Dalawa o tatlong nota, ngunit imposibleng kumanta. Ito ay ilang uri ng transendental na paghihirap.
- Gaano mo kakilala ang pagganap ni Robert Hall?
- Hindi ko talaga alam. Kailangan nating makinig. Malamang sa Youtube.
– Espesyal na natutunan niya ang wikang Ruso, at ito ay kahanga-hanga. Kamakailan ay nagkaroon siya ng concert sa Chamber Hall ng House of Music. Siya ay kumanta pagkatapos ng operasyon - siya ay may kanser sa lalamunan, at siyempre may mga minor na puro vocal loss. Ngunit sa pangkalahatan, musikal ito ay mahusay. Kinantahan niya si Skigin.
– Skigin, dapat kong sabihin sa iyo, ay isang kamangha-manghang musikero! Ako ay hindi kapani-paniwalang mapalad, una, na kumanta kasama siya at, pangalawa, upang makipag-usap. At siyempre, napakaswerte ni Youth programa ng opera na lumapit siya sa kanila. Gumawa rin siya ng isang cycle ng lahat ng romansa ni Tchaikovsky dito. At siyempre, ang katotohanan na ang mga lalaki ay nakikipag-usap sa gayong musikero ay mahusay!
Oo, naaalala ko, napag-usapan namin ang tungkol sa Schnittke, mayroon akong isang koleksyon ng kanyang mga artikulo - mayroong maraming mga kagiliw-giliw na bagay doon, halimbawa, tungkol sa Prokofiev. Sa tingin ko siya ay isang henyo - kahit papaano ay alam niya kung paano bumalangkas ng mga bagay nang maikli.
– Lagi kong naaalala ang kanyang pahayag tungkol kay Bach: “Si Bach ang sentro ng musika. Lahat ay napunta sa kanya, at lahat ay lumabas sa kanya.” At tinamaan din ako sa pagiging mahinhin niya. Nakilala ko siya pagkatapos ng isang viola concert, ito ay isang napakatalino na konsiyerto. Hinangaan ko ang konsiyerto na ito, at tinanong ni Schnittke: "Volodya, hindi mo ba iniisip na ang konsiyerto na ito mismo ay hindi kasing ganda ng ginawa ni Yura Bashmet?"
- Siya ay tama sa kanyang sariling paraan.
"Sumagot ako: "Mahal na mahal ko si Yura Bashmet, ngunit ang iyong konsiyerto ay mahalaga sa sarili nito, anuman ang tagapalabas."
– Siya pa rin ang unang performer, at ang unang performer ay nagtanggal ng shell. Siya rin ay may karapatan, kung hindi man sa pagiging may-akda, kung gayon sa ilang lawak na maging kapwa may-akda.
– Ngunit nakikita mo, upang sabihin ito ay nangangahulugan na kailangan mong magkaroon ng ilang posibilidad ng tamang pagpapahalaga sa sarili. Mahal na mahal ko rin ang Eighth Symphony niya. Sinabi ni Schnittke tungkol sa kanya: "Pinayagan akong tumingin sa mga lugar kung saan kakaunti ang mga nabubuhay na tao ang pinapayagang tumingin."
- Siya ba ay nagsasalita tungkol sa klinikal na kamatayan?
- Tumingin sa gilid.
– Sumasang-ayon ka ba na ang mga huling symphony ng mga kompositor: Mahler’s Ninth, Shostakovich’s Fifteenth, Parsifal ay mga huling opera rin – tila naroon na ang tao at ito ay isang mensahe mula doon?
– Ang Eighth Symphony ni Schnittke ay katulad ng Shostakovich's Fifteenth. Bago sa kanya, paborito ko ang Ikasampu, ngunit nang lumitaw ang Ikalabinlima, ito ang naging paborito ko. Ang lahat ay napakasimple, napakalinaw...
– Mahal na mahal ko si Fifteen. Sumulat pa ako ng isang papel batay dito sa conservatory. Halos alam ko ang bawat tala. Hindi lamang ito isang obra maestra ng komposisyon, ngunit ito rin ay napakalalim na pag-iisip, ang lahat ay napakasimple doon...
– Mayroon ding lahat na nakikita sa kabila ng gilid.
– Oo, tulad ng huling quartet.
– Mayroon ka bang iniisip na magtrabaho sa Schubert?
- Akala ko magtatanong ka tungkol dito. Alam mo, medyo natatakot pa rin akong hawakan ito. Sinubukan kong kumanta ng kaunti Schubert. Sa katunayan, sa mga konsiyerto ay kinakanta ko lamang ang "The Forest King". Mas malaking hamon ito para sa isang piyanista kaysa sa isang mang-aawit. Maraming paglalaruan. Sa katunayan, gumagawa ako ng dahilan para sa aking sarili na wala akong oras. Ang workload sa opera lang ay talagang napakalaki. Siguro, pag may time ako, maghilot ako ng konti. Ngunit nakikita mo, upang isawsaw ang iyong sarili sa musikang ito, kailangan mong maging ganap na malaya mula sa lahat ng iba pa.
– Kailangan mo ng piyanista; hindi isang accompanist, hindi kahit na ang pinakamahusay na isa, ngunit isang pianist. Kung sakaling magpasya kang magtrabaho sa Schubert, kung gayon, kung naaalala mo ang aking pag-iral, maaari akong magrekomenda ng ilang mga pianista sa iyong edad.
- Mayroon akong ilang mga ideya sa aking sarili.
– Maaari kang magsimula sa “The Beautiful Miller's Wife.”
– Ngunit hindi bababa sa hindi mula sa Winterreise!
– Dapat tandaan ang "Winter Reise": ang pag-awit ay gawain ng bawat baritone na may paggalang sa sarili.
- Well, tingnan natin. Sa ngayon, kabilang sa mga proyekto sa malapit na hinaharap, si Tchaikovsky pa rin ang aking priyoridad. Gusto ko talagang kantahin to. Si Schubert para sa akin ay hindi kasing-kaugnay ngayon bilang Tchaikovsky. Kailangan mong lumaki kay Schubert. Feeling ko hindi pa ako nagmature. (I'm not being flirty, sinasabi ko na parang ganun.)
- Hindi ko rin iminumungkahi na kantahin mo ang "Winter Reise" ngayon.
- Kahit na iniisip ko ito sa lahat ng oras.
– Ngunit ang "The Miller" ay lubos na nasa iyong mga kakayahan. Sa pamamagitan ng paraan, alam mo ba kung ano, sa palagay ko, ang pinakamahusay na pag-record ng "The Miller"? Tenor Georgy Vinogradov, sa Russian. hindi mo ba narinig?
- Hindi ko pa naririnig ang "Melnichikha" sa Russian.
– Pagre-record sa pianist na si Orentlicher. Kamangha-manghang pag-record. May ganoong kagandahan sa pag-unawa sa mismong teksto.
– Buweno, mahirap ilagay ang sinuman sa tabi ng Fischer-Dieskau... Ngunit lubos akong nabigla kay Thomas Hampson - noong 1997 gumawa siya ng isang recording kung saan tumutugtog ng piano si Zawallisch. Nakakamangha siya kumanta doon. Hindi ko alam kung ano ang nangyari sa kanya mamaya - ngayon siya ay kumanta nang kaunti. Ngunit pagkatapos ito ay science fiction.
– Nasubukan mo na bang kantahin si Mahler?
- Sinubukan ko, ngunit hanggang ngayon ay wala pa akong pagkakataon na kantahin ito sa entablado. Bagaman, siyempre, gusto ko ring gawin ang "Mga Kanta ng Wandering Apprentice." Mayroong maraming mga ideya, ngunit ang buong tanong ay kung paano gawin ang programa.
Sabihin nating mayroon na tayong ideya para sa konsiyerto na ito, at pumunta ako kay Dmitry Aleksandrovich Sibirtsev at sinabi: "Gusto kong kantahin ang Poulenc." Pagkatapos ay nagsimula kaming mag-isip tungkol sa kung ano ang ilakip dito. Lumitaw si Ravel. Ang Tosti ay talagang matagal ko nang pangarap: kumanta ng kahit isang seksyon ng mga kanta ni Tosti. Samakatuwid, ang lahat ay nag-tutugma dito. If we manage to do something similar, where we can sing Mahler, then syempre kakanta tayo...
– Maraming salamat na dahil sa iyong workload, nakahanap ka ng higit sa dalawang oras para sa interbyu.
- Maraming salamat!
Kinapanayam ni Vladimir Oyvin . Salamat sa iyong tulong sa pag-transcribe ng panayam na ito kay Anatoly Lvovich.
Golovatenko, Igor Alexandrovich(ipinanganak noong Nobyembre 17, 1980) - Russian opera singer (baritone), nangungunang soloista ng Bolshoi Theater (mula noong 2014) at ang Moscow Novaya Opera Theater (mula noong 2007).
Talambuhay
Si Igor Golovatenko ay ipinanganak sa Saratov, sa isang pamilya ng mga musikero.
Nagtapos siya sa Central Music School ng Saratov sa tatlong specialty: piano (klase ni Elvira Vasilyevna Chernykh/Tatiana Fedorovna Ershova), cello (klase ng Nadezhda Nikolaevna Skvortsova) at komposisyon (klase ni Vladimir Stanislavovich Michelet).
Noong 1997 pumasok siya sa Saratov State Conservatory. L.V. Sobinov, sa klase ng cello ni Propesor Lev Vladimirovich Ivanov (Gokhman), kung saan siya nag-aral hanggang 2000. Nagtanghal siya bilang soloista kasama ang mga orkestra ng Saratov Philharmonic at ng Saratov Conservatory, gumanap ng cello concerto ni L. Boquerrini, C. Saint-Saëns, A. Dvorak, at "Variations on a Rococo Theme" ni P. I. Tchaikovsky. Sa Young Russia Orchestra na isinagawa ni M. Gorenshtein siya ang tumugtog ng Shostakovich's First Concerto for Cello and Orchestra (2001, Saratov, Saratov Philharmonic Hall).
Noong 1999, una niyang pinangasiwaan ang symphony orchestra ng Saratov Conservatory, kung saan siya ay nakipagtulungan hanggang 2003. Nagtanghal din kasama ang Saratov Symphony Orchestra rehiyonal na lipunang pilharmonya bilang panauhing konduktor. Sa kauna-unahang pagkakataon ay ginampanan niya ang mga gawa ng kompositor ng Saratov na si Elena Vladimirovna Gokhman (1935-2010) "Ave Maria" (2001) at "Twilight" (2002) para sa mga soloista, koro at orkestra. Kabilang sa mga symphonic na gawa sa panahong ito: "Don Giovanni" ni Richard Strauss, "Francesca da Rimini" ni Tchaikovsky, ang "Roman Carnival" na overture ni Berlioz, "Bolero" ni Ravel, atbp.
Noong 2000, pumasok siya sa Moscow State Conservatory na pinangalanang P. I. Tchaikovsky sa departamento ng opera at symphony na nagsasagawa sa klase ni Propesor Vasily Serafimovich Sinaisky. Nagtapos na may mga parangal noong 2005 sa klase ng People's Artist ng USSR, Propesor Gennady Nikolaevich Rozhdestvensky. Habang nag-aaral sa Moscow Conservatory, nagsagawa siya ng "Concerto for Woodwinds, Harp and Orchestra" ni P. Hindemith sa unang pagkakataon sa Russia (2002, Small Hall ng Moscow Conservatory).
Noong 2006, pumasok siya sa isang internship sa Academy of Choral Arts sa solo singing class ni Propesor Dmitry Yuryevich Vdovin (ngayon ay pinuno programa ng kabataan Bolshoi Theater), na patuloy na umuunlad.
Noong Abril 2006, ginawa niya ang kanyang vocal debut sa entablado ng Svetlanov Hall ng Moscow International House of Music. Ginampanan ang baritone role sa “Mass of Life” ng English composer na si Frederick Delius (teksto sa Aleman, batay sa akdang “Thus Spoke Zarathustra” ni Fr. Nietzsche) kasama ang National Philharmonic Orchestra ng Russia sa ilalim ng direksyon ni Vladimir Spivakov, at ang koro ng Academy of Choral Art sa ilalim ng direksyon ni V. S. Popov. Unang pagganap sa Russia.
Mula noong 2007 siya ay naging soloista sa Moscow Novaya Opera Theater. Ginawa niya ang kanyang pasinaya sa teatro sa mga papel ni Marullo (Rigoletto ni G. Verdi) at ang Orator ( mahiwagang plauta"Mozart).
Noong Oktubre 2010, naganap ang debut ng mang-aawit sa St. Petersburg sa Great Hall ng St. Petersburg Philharmonic. Ang mga fragment ng "Misa ng Buhay" ay ginanap (ilang mga numero ng koro at mga bahagi kung saan ang baritone ay isang soloista) na sinamahan ng Academic Symphony Orchestra na isinagawa ni Alexander Titov.
Mula noong 2010, naging guest soloist siya sa Bolshoi Theater of Russia, kung saan ginawa niya ang kanyang debut sa papel na Falk (Die Fledermaus ni J. Strauss, conductor Christoph-Mathias Müller, director Vasily Barkhatov).
Ang unang pagtatanghal ng mang-aawit sa Makasaysayang eksena Ang Bolshoi Theater ay naganap sa papel ni Georges Germont (La Traviata ni G. Verdi, conductor Laurent Campellone, director Francesca Zambello) noong 2012.
Mula noong Setyembre 2014 - soloista ng Bolshoi Theater.
Paglilibot
| taon | Teatro/Lungsod | Trabaho | Ang padala |
|---|---|---|---|
| 2011 | "Sicilian Vespers" (direktor Nicola Joel, conductor Gianluigi Gelmetti) | Guy de Montfort (debut) | |
| 2011 | Göttingen | La Traviata (pagganap ng konsiyerto, konduktor na si Christoph-Mathias Müller) | Georges Germont |
| 2012 | Opera Garnier (Paris) | “The Cherry Orchard” ni F. Fenelon (direktor Georges Lavaudan, conductor Tito Ceccherini) | Lopakhin |
| 2012 | “Eugene Onegin” (direktor A. Žagars, konduktor M. Pitrėnas) | Onegin | |
| 2012 | Teatro Massimo (Palermo) | "Boris Godunov" (direktor Hugo de Ana, Boris Ferruccio Furlanetto) | Shchelkalov, Rangoni |
| 2012-2013 | pinagsamang produksyon ng mga sinehan ng Rovigo, Savona, Bergamo | "Isang sayawan na ang mga tao ay naka maskara" | Renato |
| 2013 | Teatro Giuseppe Verdi (Trieste) | "Corsair" (direktor at konduktor na si Gianluigi Gelmetti) | Pasha Seid (debut) |
| 2013 | Pambansang Opera ng Greece | "Sicilian Vespers" | Guy de Montfort |
| 2013 | Teatro ng Savona | "Rigoletto" (direksyon ni Rolando Panerai) | Rigoletto (debut) |
| 2013 | Bavarian State Opera (Munich) | "Boris Godunov" (unang edisyon ng opera, conductor Kent Nagano) | Shchelkalov |
| 2013 | Ika-62 Wexford opera festival(debu) | “Christina, Reyna ng Sweden” ni J. Foroni | Carl Gustav (debut) |
| 2014 | Opera House San Carlo (Naples) | "Eugene Onegin" | Onegin |
| 2014 | Latvian pambansang opera(Riga) | "Troubadour" (direktor A. Žagars, konduktor A. Vilumanis at J. Liepins) | Bilangin di Luna |
| 2014 | Ika-63 Wexford Opera Festival | “Salome” ni A. Marriott | Yokanaan (debut) |
| 2014 | Colon (teatro) (Buenos Aires) | "Madama Butterfly" (direktor Hugo de Ana, konduktor na si Ira Levin) | Sharples (debut) |
| 2014 | Barbican Hall | "Cantata Spring" ni S. V. Rachmaninov | baritonong bahagi |
| 2015 | Glyndebourne Opera Festival (debut) | "Polyeucte" ni Gaetano Donizetti | Severo (debut) |
| 2015 | Cologne Opera (Cologne, Germany), (debut) | "Bohemia" | Marseilles |
| 2016 | Opera House of Lille (France) (debut) | "Troubadour" | Bilangin di Luna |
| 2016 | Grand thtre de Luxembourg (Luxembourg) (debut) | "Troubadour" | Bilangin di Luna |
| 2016 | Opera ng Estado ng Bavaria | "Troubadour" | Bilangin di Luna |
| 2016 | Opera House of Caen (France) (debut) | "Troubadour" | Bilangin di Luna |
| 2016 | Municipal Theater Santiago (debut) | "La Traviata" | Georges Germont |
| 2017 | XXXV International Opera Festival na pinangalanang F. I. Chaliapin sa Kazan (debut) | "Eugene Onegin" | Onegin |
Si Igor Golovatenko ay isang mang-aawit ng opera (baritone), soloista ng Bolshoi Theater (mula noong 2014) at ng Novaya Opera Theater (mula noong 2007). Nagtapos mula sa Moscow Conservatory sa klase ni Propesor G. N. Rozhdestvensky (opera at symphony conducting) at ang Academy of Choral Art sa klase ni Propesor D. Yu. solong pagkanta). Kasama sa repertoire ng mang-aawit ang mga tungkulin sa mga opera nina Verdi, Puccini, Donizetti, Tchaikovsky at iba pang mga kompositor, pati na rin ang chamber music. Nakikipagtulungan sa maraming nangungunang dayuhang opera house.
MS: Nais kong batiin ka sa matagumpay na premiere ng Don Pasquale. Organikong pagganap.
IG: Salamat. Sa tingin ko ito ay medyo masaya. Ito ay isang napaka hindi pangkaraniwang trabaho sa maraming aspeto. Una, sa mga termino ng repertoire, dahil bago iyon kumanta ako ng siyam na pagtatanghal ng opera na "Il Trovatore" sa Lille, tatlo sa Luxembourg at tatlo sa Munich, at mayroong isang produksyon sa Lille at Luxembourg, at isa pa sa Munich. Ngunit ang mga pagtatanghal ay ginawa nang sunud-sunod, at nagtrabaho ako sa opera na ito sa loob ng anim na buwan, iyon ay, mula Nobyembre hanggang Marso - limang buwan! – kinanta ang bahagi ng Count di Luna. Halos mabaliw ako, at nahuli ko pa ang sarili ko na sa Munich, sa pangalawa o pangatlong pagtatanghal, sinimulan kong makalimutan ang teksto. Naiisip mo ba? Napagtanto ko na ito ay sobra - napakaraming sunod-sunod na pagtatanghal. Although, maganda siguro sa vocals, kasi nasanay lang ako sa part na ito.
MS: Ngunit ngayon kakanta ka sa kalagitnaan ng gabi.
IG: Sa gabi at sa araw. Matagal ko nang kinasusuklaman ang opera na ito, bagama't kailangan ko itong kantahin muli sa Hunyo. gayunpaman, pinakamagandang bakasyon- isang pagbabago ng aktibidad, kaya ang "Don Pasquale" ay naging isang uri ng pagpapahinga para sa akin. Nang dumating ako at nagsimulang mag-ensayo, napagtanto ko na talagang nabihag ako ng musika, plot at trabaho na ito. Ito ay tila nakakagulat sa ilan, ngunit talagang nagustuhan ko ang paraan ng pagtatrabaho ni Kulyabin, ako mismo ay sumulat sa kanya tungkol dito at sinabing maraming salamat sa kanyang trabaho. Dahil pagkatapos ng malakas na iskandalo na iyon sa Novosibirsk, lahat tayo ay malamang...
MS: Na-tense kami.
IG: I can’t vouch for others, but at least at least I went to rehearsals with some mistrust or apprehension. Hindi ito nangangahulugan na sa una ay hindi ako nagtitiwala sa direktor, hindi, ngunit mayroon pa ring isang uri ng hindi malay na pakiramdam. Ngunit pagkatapos, literal pagkatapos ng ilang araw ng pag-eensayo, napagtanto ko na naakit ako sa prosesong ito, ito ay kawili-wili sa akin, dahil sinubukan niyang "hukayin" ang ilang mga detalye ng relasyon sa pagitan ng mga karakter sa recitative. Nakipagtulungan kami sa mga tutor na Italyano at sa lahat ng oras ay nagtatanong sa isa't isa kung ano ang kahulugan ng ito o ang pariralang iyon, dahil, halimbawa, sa mga recitative, ang ilang mga parirala ay maaaring bigyang-kahulugan nang iba depende sa kung kanino sila tinutugunan - Don Pasquale, Norina at iba pa sa. Nagtrabaho kami nang masigasig na hindi ko napansin kung paano lumipas ang oras. Hindi ko masasabi na masyadong mahirap ang parte ng Malatesta, malaki lang ang volume - maraming ensemble, medyo maraming recitatives. At inuulit ko muli: para sa akin ito ay isang napaka-kanais-nais na pagbabago ng repertoire, isang uri ng pahinga sa vocal terms. Wala pa akong ganoong kawili-wiling mga bagong tungkulin, maliban sa The Barber of Seville, bagama't ibang uri pa rin ito, dahil mas solo ito at title role pa rin, at, siyempre, mas nakakaakit ng pansin. At si Malatesta, sa kabila ng katotohanan na sa aming pagganap siya ay, sa prinsipyo, isang uri ng sentro ng lahat ng intriga, gayunpaman, hindi siya ang pangunahing pigura sa opera. Napaka-interesante na magtrabaho kasama ang mga kasosyo, na may magagandang Italyano na mga coach at isang mahusay na konduktor. Ang produksyon, sa aking opinyon, ay naganap. Marahil ito ay kontrobersyal sa ilang mga paraan, hindi ko alam, ang mga kritiko na nagsulat tungkol sa pagganap na ito ay mas nakakaalam, ngunit tila sa akin na ito ay naging medyo nakakatawa, nang walang kabastusan. Sa aking palagay, naging matagumpay ang produksyon; mabuti kung mabubuhay ito ng mahabang panahon at kung sabihin, isang pambuwelo para sa maraming mga batang mang-aawit.
MS: Tila sa akin na kahit na ang katotohanan na ang aksyon ay inilipat sa ating panahon ay hindi sa anumang paraan na pumigil sa amin na maihatid ang mood at ideya ng opera.
IG: Minsan nangyayari na ang pagbabago sa oras at lugar ng pagkilos ay nakamamatay para sa isang pagtatanghal, tulad ng nangyari sa "Il Trovatore" sa Lille, at hindi ito gumagana pabor sa produksyon, sa kasamaang-palad. May mga bagay na kailangang hawakan ng mabuti. Kung ang teksto ng libretto ay naglalaman ng anumang mga indikasyon ng ilang mga gamit sa bahay o mga tampok ng damit, ang hitsura ng mga character - halimbawa, ito ay nagkakahalaga ng pag-alala sa kilalang "raspberry beret" sa opera ni Tchaikovsky - ito ay kanais-nais na ang pangunahing tauhang babae ng opera na ito nakasuot pa rin ng crimson beret.
MS: Ang produksyon ng Don Pasquale ay nakatanggap ng magandang press.
IG: Oo, bagama't kadalasan ay hindi ako nagbabasa ng press.
MS: Hindi man lang magbasa?
IG: Sinusubukan kong huwag basahin. Para saan? Lalo na sa premiere. Isipin - kumanta ako, sa susunod na araw ay lumabas ang mga artikulo, at muli ang pagganap. Nakaka-nerbiyos pa rin. Sinusubukan kong magbasa mamaya, kapag lumipas na ang dalawang linggo, nakagawa na ako ng sarili kong impresyon. Kung tutuusin, ang isang pagganap ay isang napaka-emosyonal na kapakanan, dahil ang mga aktor ay nagbibigay ng kanilang lahat. Ang aking guro sa paaralan ng musika ay hindi kailanman pinagalitan ang kanyang mga mag-aaral pagkatapos ng isang konsiyerto, ngunit palaging sinasabi: "Magaling, lahat ay maayos!" At pagkaraan ng ilang araw ay bumalik ka sa klase, at mahinahon niyang ipinaliwanag na hindi ito natuloy. Para rin kaming mga bata sa bagay na ito - kung kami ay agad na binomba ng ilang uri ng (kahit, marahil, nakabubuo) na pagpuna pagkatapos ng isang pagtatanghal, maaari itong humantong sa emosyonal na trauma. Hindi ako nag-e-exaggerate; it can really cause a lot of trauma if you criticized harshly. Samakatuwid, pinangangalagaan ko ang aking sarili sa bagay na ito, at kung may nangyaring tulad nito, susubukan kong basahin ito pagkatapos ng ilang sandali, o may magsasabi sa akin. Sabihin nating palaging binibigyang pansin ni Dmitry Yuryevich (Vdovin) ang kanilang isinulat, at pagkatapos ay pinadalhan ako ng mga link.
MS: Interesado ka ba sa sinusulat nila?
IG: Mahirap sabihin kung ito ay kawili-wili o hindi kawili-wili. I can’t say that I’m not interested in this at all, I can’t immediately distance myself like that, because people go to the performance and, accordingly, I’m somehow connected with them, right? Tinitingnan nila ang resulta hindi lamang ng aking trabaho, kundi pati na rin ng trabaho ng buong koponan. Siyempre, interesado ako sa kung ano ang iniisip nila tungkol dito. Ngunit maaaring hindi ako sumasang-ayon sa ilan, halimbawa, mga opinyon o pahayag. Sa tingin ko ito ay normal.
Siyempre, hindi ko masuri ang resulta ng aking sariling trabaho mula sa labas, dahil hindi ko lang marinig ang aking sarili mula sa labas. Kapag sinabi nila sa akin, sabihin natin, na wala akong sapat na legato sa ilang parirala, pagkatapos ay palagi akong nakikinig sa mga ganoong komento. At, siyempre, may mga taong napaka-awtoridad para sa akin, halimbawa, Dmitry Yuryevich. Palagi siyang nagsasalita sa punto, at sinisikap kong isaalang-alang ang kanyang mga kagustuhan at itama ang mga pagkakamali.
MS: Tila sa akin na ang mga komento ni Dmitry Yuryevich ay mga komento pa rin mula sa isang guro, at pinag-uusapan natin ang pagpuna. Para sa iyo, ang iyong pagganap ay maaaring isang tagumpay, ngunit ito ay ang iyong personal na tagumpay, ngunit para sa madla at mga kritiko ito ay kabaligtaran.
IG: Syempre, sumasang-ayon ako. Maaari kong isaalang-alang ang aking sariling trabaho bilang matagumpay, matagumpay, ngunit maaari itong ganap na maipasa para sa publiko. O kabaligtaran - Mayroon akong masamang pagtatanghal, kapag ang isang bagay ay hindi gumagana, ngunit ang madla ay lubos na masaya, at ang mga kritiko ay nagsusulat din ng isang bagay na mabuti. Mahirap sabihin dito, dahil mayroon akong sariling pamantayan sa pagsusuri, at napakapili ko tungkol sa aking sarili.
MS: At kung mayroong negatibong artikulo, ano ang iyong magiging reaksyon dito?
IG: Normal lang kung, muli, ang mga komento ay nakabubuo (halimbawa, ang teksto ay hindi sapat na malinaw, inexpressive na parirala, pag-awit ng buong aria na may parehong tunog, ang higpit ng aktor, inexpressive), iyon ay, nakakaapekto ang mga ito sa iba't ibang aspeto ng ang aming gumaganap na sining. Ang anumang bagay na lampas dito, sa aking opinyon, ay amateurism. Ang pag-awit, musika, pagganap sa pangkalahatan ay isang napaka-pinong bagay sa mga tuntunin ng aesthetic na panlasa. Kung nagbasa ako ng isang pagsusuri at sinabi nito tungkol sa akin o tungkol sa aking kasamahan na hindi siya kumanta nang eksakto tulad ng gusto ng kritiko, kung gayon ito ay hindi maintindihan sa akin. At kapag ang lahat ay nakasulat sa punto: ang direksyon ay hindi kasiya-siya sa ganito o ganoong paraan, ang mga soloista ay inilalagay nang napakalalim sa entablado at hindi sila marinig, at iba pa, kung gayon ang mga partikular na komento ay mahalaga sa akin.
MS: Gayunpaman, ang isang mang-aawit ay isang mahirap na propesyon, tulad ng, sa katunayan, anumang iba pang nauugnay sa sining ng pagganap.
IG: Ang isang mang-aawit ay pangunahing nakasalalay sa kanyang boses, sa kanyang kondisyon. Nangyayari ito, tulad ng pagbibiro nating lahat kung minsan: pumunta ka sa teatro ngayon - walang "pataas", sa susunod na araw ay dumating ka - walang "pababa", sa susunod na araw ay dumating ka, kumanta nang mahusay, at 15 minuto bago ang pagganap - sa ilang kadahilanan ay nawala ang "pataas". Bakit? Walang na kakaalam. Sa katunayan, palagi akong naiinggit sa mga taong may hindi nababasag na nerbiyos at napakahusay na kalusugan, dahil malamang na wala silang pakialam sa kung anong kondisyon ang kanilang ginagawa.
MS: Sa tingin ko walang ganoong tao sa sining.
IG: Mayroong lahat ng uri. Gayunpaman, ang pinakamahalagang bagay para sa isang mang-aawit ay, siyempre, ang kalusugan at ang kakayahang maging nerbiyos hangga't maaari. Ngunit ito rin ay may karanasan, dahil kapag nakanta ka na ng ilang bahagi - at hindi sa isang teatro, ngunit sa iba't ibang mga, nakakaipon ka ng ilang uri ng bagahe at makokontrol mo ang sitwasyon. Ang pangunahing bagay na nakasalalay sa isang mang-aawit ay ang kanyang kagalingan at ang estado ng kanyang sariling boses, ngayon at ngayon. Bagama't kung kinokontrol mo ang bawat tala, maaari itong magwakas nang masama. Pero may mga pagkakataong kailangan.
IG: Well, both the apparatus and some kind of mental component, dahil kung ito ay isang komplikadong performance ng opera, dapat talagang ipamahagi mo ang sarili mo para hindi "matapos" na sa unang kilos. Kung kakantahin ko ang "Troubadour", ang aking bahagi ay nakahanay sa isang tiyak na paraan– mayroong isang napakahirap na terzetto, isang napakahirap na aria, at pagkatapos ay ang laro ay humina sa kahirapan, at ako, sa halos pagsasalita, ay nagpapahinga. Ito, siyempre, ay hindi eksaktong pagpapahinga, ngunit alam ko na pagkatapos ng aria ay makakapag-relax ako ng kaunti. At ito ang kahirapan. Halimbawa, sa "Eugene Onegin" lamang sa ikaanim na eksena ang pinakamahirap na bahagi (vocally) ay nagsisimula: iyon ay, halos hanggang sa pinakadulo ng opera ay wala kang ginagawa, at pagkatapos ay magsisimula ang arioso, kung saan ang kontrol ng boses ay ganap na kinakailangan. Bago ito, ito ay higit pa tungkol sa pamamahala ng imahe ng bayani: kailangan mong i-distansya ang iyong sarili sa iba, sa ilalim ng anumang pagkakataon na makipag-ugnayan sa mga character nang maaga, maging sa isang napakalaking distansya mula sa kanila, kahit na sa eksena ng isang away. kasama si Lensky at isang tunggalian. It’s just that up to a certain point there is interaction with the characters through detachment, I would say so. Iyon ay, ang mga sandali ng kontrol ay palaging naroroon.
MS: Ano pa ang nakasalalay sa isang mang-aawit sa isang pagtatanghal?
IG: Mula sa maraming pangyayari sa entablado. Halimbawa, sa kung paano nagsasagawa ang konduktor, dahil may mga napakatatag na konduktor na nagsasagawa ng parehong paraan ngayon at bukas. Hindi ko sasabihin na pareho ito, ngunit hindi bababa sa walang mga sorpresa. Nagkaroon ako ng ganoong kaso. In-rehearse namin ang eksena, kumakanta ako, kumanta, kumanta, ang conductor ay nagko-conduct ng "on four". Bigla, sa isang pagtatanghal sa lugar na ito, lumipat siya sa "dalawa" nang hindi sinasabi sa sinuman ang tungkol dito. At kahit ako, sa aking pagsasagawa ng edukasyon, ay hindi mahuli, dahil hindi ito idinidikta ng anuman: ni ang musika o ang tempo. Ni ang orkestra ay hindi nakaintindi sa kanya, ni ako. Nakalabas ako, siyempre, ngunit hindi ito madali.
Ang aking kahanga-hangang guro, si Gennady Nikolaevich Rozhdestvensky, ay maraming pinag-usapan tungkol kay Willy Ferrero, na nagsagawa noong siya ay bata pa. At lahat ng nakasaksi nito ay nabigla sa kung gaano kadali niyang kontrolin ang mga miyembro ng orkestra, ang mga nasa hustong gulang na ito. Siyempre, ito ay isang natatanging kaso. Pagkatapos ng lahat, ang pagsasagawa ay isang bagay ng ilang uri ng hypnotic radiation. Kung ang isang tao ay mayroon nito, kung gayon hindi gaanong mahalaga kung paano niya ginagalaw ang kanyang mga kamay. Halimbawa, may mga video ni Furtwängler, na isang mahusay, napakatalino na konduktor, ngunit kung tumugtog ako sa kanyang orkestra, malamang na hindi ko maintindihan ang isang bagay. Gayunpaman, mayroong isang ganap na pagkakaunawaan sa pagitan niya at ng orkestra. Tila ito ay isang uri ng mahika, hindi ko maipaliwanag ito.
Dahil sa kamag-anak ko sa propesyon na ito, hindi mahirap para sa akin na maunawaan ang gawain ng isang konduktor na may isang orkestra - ngunit habang nasa auditorium lamang. Mahirap para sa akin na gawin ito sa entablado, dahil abala ako sa isang bagay na ganap na naiiba. Ngunit mayroon ding mga pagbubukod. Halimbawa, nang itanghal namin ang "The Maid of Orleans" kasama si Sokhiev, tumabi ako sa kanya na literal na dalawang metro ang layo at naramdaman ko sa aking balat ang nakakabaliw na enerhiya na nagmumula sa lalaking ito: naglagay siya ng labis na pagsisikap sa iskor! Ito, siyempre, ay isang mahusay na bagay.
MS: May nakadepende ba sa direktor?
IG: Syempre. Kahit paano lumaban ang mga mang-aawit, ang primacy sa opera ngayon ay pag-aari na ng direktor. At ito ay hindi palaging mabuti, sa kasamaang-palad. May mga propesyonal na alam kung paano ayusin ang mga mang-aawit sa panahon ng isang kumplikadong grupo at makinig sa mga komento ng konduktor. Ngunit, sayang, ito ay napakabihirang. Bilang isang tuntunin, iba ang sitwasyon: sinusubukan ng mga direktor na i-cram ang isang marka ng opera sa kanilang konsepto, tulad ng sa isang Procrustean bed. Ang kompositor, ang mga mang-aawit, at ang konduktor ay nagdurusa dito, at nasusumpungan din nila ang kanilang sarili sa napaka-awkward na mga kondisyon sa pagtatrabaho. Halimbawa, nagpasya ang direktor ng Troubadour (sa Lille) na gusto niyang gawin ang West Side Story sa entablado. At sa kanyang utos, ang dapat na setting ng "Troubadour" - isang ika-15 na siglong kastilyo - ay pinalitan ng mga slum at isang maruming patyo, at naghari ang takipsilim sa entablado. Ang aking asawa ay nasa pagtatanghal at inamin na kapag ako at ang itim na mang-aawit na si Ryan Speedo Green (na gumanap na Ferrando) ay magkasama sa madilim na ilaw sa entablado, imposibleng makilala kami mula sa bawat isa mula sa madla. At nahulaan niya kung sino sa amin ang sa height lang, dahil mas matangkad sa akin si Speedo. Bilang karagdagan, mayroong iba pang mga teknikal na problema: sa pagganap na ito mayroong isang napakahirap na aria para sa isang baritone, isang napakahirap na trabaho para sa konduktor sa mga tuntunin ng pagsasagawa ng saliw (ang gawain ng orkestra ay upang bigyan ang mang-aawit ng isang komportableng tempo, habang sinusubukan huwag magmadali o "magbitay" sa soloista). Sa madaling salita, maraming problema sa grupo na nangangailangan ng maingat na pakikipagtulungan sa pagitan ng konduktor at mang-aawit. Hindi naiintindihan ng mga direktor ang mga ganyang bagay! SA teatro ng drama, kung saan nahuli ka ng linya - sabihin sa akin doon, ngunit sa opera hindi ito gumagana, dahil ang auditorium ay hiwalay sa entablado hukay ng orkestra, at kung kumanta ka patungo sa mga pakpak, hindi maririnig ng madla ang musikal na teksto. Sa Troubadour, nagtrabaho kami halos sa bingit ng kahangalan: ayon sa ideya ng direktor, ako ay nasa taas na limang metro, at ang monitor ay inilagay sa antas ng pangalawang kahon. Ang monitor ay napakaliit na hindi ko makita ang konduktor, kung kanino kami ay dapat na magtrabaho nang maayos, sa lahat ay tumayo ako nang tuwid, hawak ang aking ulo nang diretso ang aking tingin, at upang makita ang konduktor, mayroon ako kumanta ng nakayuko at ang tingin ko ay nakadirekta pababa. Sinabi ko sa direktor na imposible ito, at sa oras na iyon ay abala siya sa pag-aayos ng mga bagay gamit ang soprano - ipinaliwanag ng mang-aawit na hindi siya makakanta nang ang kanyang ulo ay naka-90 degrees sa kanan. At ito ang mga totoong sitwasyon sa entablado.
Ang pagsasagawa ng mga diskarte ay nagbabago at nagpapabuti sa lahat ng oras, ngunit ang mga problema ay hindi pa rin maiiwasan. Sa panahon ngayon, ang isang mang-aawit sa entablado ay kinakailangan hindi lamang magkaroon ng isang birtuoso na boses, kundi magkaroon din ng mahusay na pisikal na paghahanda. Isipin - kailangan mong umakyat sa isang hagdan na may taas na limang metro at, nang walang oras upang makahinga, magsimulang kumanta ng isang napaka kumplikadong aria mula sa isang musikal na pananaw. Ang mga direktor, bilang panuntunan, ay hindi nag-iisip tungkol sa mga ganitong sandali.
MS: Ang mga ganitong sitwasyon ba ay kahilingan mula sa manonood o sa mga ambisyon ng direktor?
IG: Siyempre, ang direktor ay may sariling mga propesyonal na ambisyon, at sinusubukan niyang mapagtanto ang kanyang mga plano. Madalas na kinukumpirma ng madla na ang direktor ay nasa parehong wavelength sa kanila - sa ating panahon ay bihirang mangyari na ang mga pagtatanghal ay "nakalimutan."
MS: Sa iyong opinyon, ngayon ang mga klasikal na produksyon ay hindi nauugnay at, tulad ng sinasabi mo, sila ay "makalimutan"?
IG: Hindi, hindi iyon ang ibig kong sabihin. Ang parehong moderno at klasikal na mga produksyon ay maaaring maging napaka-lohikal. Hindi ako laban sa West Side Story, ngunit lahat ay may lugar. Ang sinasabi ko ay hindi dapat siraan ang gawa ng direktor orihinal na gawa at dalhin ang semantiko na bahagi ng opera sa punto ng kahangalan. Halimbawa, ang orihinal na teksto ng "La Boheme" ay puno ng mga sanggunian sa mga pang-araw-araw na detalye, at kung aalisin ang mga ito, magiging malabo sa manonood kung ano ang kanilang kinakanta sa entablado, at ang buong aksyon ay magiging kalokohan.
MS: Mahalaga rin ang reaction ng publiko para sa singer, siyempre?
IG: Umaasa din tayo sa publiko. Sa isang lugar ang madla ay nakalaan at mas malamig. Halimbawa, sa parehong Lille mayroon akong siyam na pagtatanghal ng Il Trovatore, at halos wala sa mga pagtatanghal ay pumalakpak ang mga manonood pagkatapos ng arias. Hindi namin alam na gusto ng audience na kantahin ang buong opera nang walang palakpakan. Ang unang biktima ay ang parehong African American na gumanap ng bahagi ng Ferrando. Siya ang may pinakaunang eksena sa opera. Nang matapos siyang kumanta, nagkaroon ng nakamamatay na katahimikan. Pumuti lang siya at sinabing, "Hindi nila ako gusto dahil itim ako." Sinasabi ko: "Speedo, huminahon, tila sa akin ay wala silang pakialam kung ano ka, tila palagi silang kumikilos sa ganitong paraan." Kasunod ay ang soprano aria - ang parehong bagay, iyon ay, nakamamatay na katahimikan. Ito ang madla. Ngunit sa dulo ang mga manonood ay nagtatak ng kanilang mga paa at sumipol, na nangangahulugan na ito ay isang tagumpay. Ngunit sa panahon ng pagtatanghal ay marami rin akong naranasan nang, pagkatapos ng aking aria, lumayo ako halos sa kaluskos ng sarili kong pilikmata. Ganito ang sitwasyon.
MS: At kapag natapos mo ang pag-awit ng isang pagtatanghal, anong pakiramdam ang nangingibabaw sa iyo: kasiyahan at saya o pagod?
IG: Syempre, kung magandang performance nagtagumpay, laging may kasiyahan. Ngunit, bilang panuntunan, pagkatapos ng pagtatanghal ay para akong isang basang basahan. Ang pagkapagod ay palaging naroroon dahil ang emosyonal na gastos ay hindi pangkaraniwang, kahit na ang partido ay hindi masyadong malaki. Halimbawa, noong nagkaroon ng produksyon ng "Madama Butterfly" sa Buenos Aires, palagi kong nahuhuli ang aking sarili na kahit na nakatayo ako na walang ginagawa, hindi kumakanta ng kahit ano, ang gawain ko pa rin ay ang makiramay, dumamay at makinig sa musikang ito, kung saan tulad nito. kakila-kilabot na mapanglaw. Sa ikalawang yugto, ang pangunahing tauhang babae ay kumanta ng isang aria tungkol sa kung paano siya magpapalimos. Mayroong labis na malungkot na teksto, kamangha-manghang, ganap na kaakit-akit na musika, na parang nasa huling tuktok nito. Diyos ko, kay hirap tumayo at makinig! Ito ay isang malaking emosyonal na gastos.
MS: Sa isa sa iyong mga panayam sinabi mo na mahalaga pa rin kapag ang pagganap ay nasa orihinal na wika. Gaano ito kahalaga? At para kanino? Dumarating pa rin ang publiko para makinig sa mga mang-aawit, hindi sa lyrics. Ang pagsasalin, na nagmumula bilang isang linya para sa manonood, ay nagbibigay lamang ng isang pangkalahatang ideya kung tungkol saan ang aria, na hindi direktang nagpapatunay na ang teksto mismo kasama ang mga nuances nito ay hindi mahalaga.
IG: Ito ay isang mahirap na tanong. Una sa lahat, ang pagganap sa orihinal na wika ay kinakailangan, kakatwa, para sa kompositor at ang opera mismo: pagkatapos ng lahat, ang Italian opera, kapag isinalin sa Russian, ay ganap na pinagkaitan ng istilong pagka-orihinal nito, dahil ang Italian opera, lalo na ang bel canto, ay nakikilala sa pamamagitan ng isang tiyak na istraktura ng melodic line. Ang istrakturang ito ay napakalapit na nakatali sa pagbigkas sa Italyano. Doon ay lubos na nakasalalay kung kailan nagbabago ang mga katinig, kung aling mga patinig: sarado, bukas, at iba pa. Bellini, Mercadante, Donizetti, Verdi, Ponchielli, Puccini - lahat ng mga kompositor na ito ay nagbigay ng malaking kahalagahan sa teksto. Puccini, halimbawa, pinilit librettists upang muling isulat ang teksto ng apat o limang beses, at siya ay hindi masaya sa bawat oras. Minsan din inedit ni Donizetti ang ilang bahagi ng libretto na hindi nababagay sa kanya. Si Verdi ay napakapili tungkol sa mga teksto ng opera, bagama't nakipagtulungan siya sa mga natatanging eksperto sa genre na ito. Ang Italian opera, kung ayaw mong mawala ang integridad ng istilo nito, ay dapat na gumanap lamang sa Italyano.
Ang iba pang mga kaso, tulad ng "Sicilian Vespers" o "Don Carlos" ni Verdi, ay noong unang isinulat ang mga opera sa Pranses, at pagkatapos ay isinalin sa Italyano. Kinanta ko ang parehong Pranses at Italyano na bersyon ng "Sicilian Vespers", at masasabi kong mas gusto ko ang Pranses, dahil ito ay mas mahalaga sa istilo, mas nakakumbinsi, sapat na kakaiba. Bagama't isang henyo si Verdi, sa palagay ko ay nahirapan siyang magsalin ng musika mula sa Pranses patungo sa Italyano. Marami siyang kailangang baguhin, maging ang himig. Nakita ko ito sa pamamagitan ng biswal na paghahambing ng parehong mga bersyon: makikita mo kung paano siya nagdusa dahil hindi niya muling maitayo ang melodic na linya - kailangan niyang sirain ito, maglagay ng ilang mga paghinto doon, at iba pa.
Para sa akin, nalalapat ito sa anumang opera, dahil ang isang kompositor na nagsusulat sa isang tiyak na wika, lalo na kung ito ay katutubo sa kanya, ay gumagamit ng mga melodic na elemento na likas sa partikular na pananalita na ito. Narito, halimbawa, ang musika ng Tchaikovsky: mahirap ding isipin sa anumang ibang wika, bagaman, halimbawa, ang parehong "Eugene Onegin" ay kamangha-manghang tunog sa Italyano, ngunit gayunpaman hindi pa rin ito Tchaikovsky, dahil para sa musika ni Tchaikovsky Kailangan mo ng Russian at napakahusay na pagbigkas. Kung kukuha ka ng anumang opera, haharapin mo ang katotohanan na kahit na may napakahusay na pagsasalin, nawala pa rin ang kagandahan ng linya ng musikal. Bilang karagdagan, ang bawat wika, sa palagay ko, ay may tiyak, paano ko ito ilalagay...
MS: Melodika.
IG: Melodics. Ang bawat wika ay may espesyal na phonetic score. Samakatuwid, mahirap isipin ang musika nina Wagner at Richard Strauss nang walang wikang Aleman, kung saan maraming mga katinig, napakalinaw na pagbigkas, sa halip biglang, huminto sa pagitan ng mga salita. Kasabay nito, ang legato ay pangkalahatan, at ito ay isang ganap na kakaibang bagay na umiiral lamang sa wikang Aleman. Maaari nating paunlarin ang paksang ito, ngunit tila sa akin ay malinaw ang lahat dito. Ito ang unang aspeto.
Susunod, para sa publiko. Kung interesado ba siyang pakinggan ito sa orihinal na wika o hindi ay depende sa antas ng kanyang edukasyon. Kung alam ng publiko ang Italian opera na sapat at mahal ito, pagkatapos ay mahinahon itong nakikinig dito sa Italyano at hindi nangangailangan ng pagsasalin. Ngunit, halimbawa, ang ilang mga bagay ay maaaring isagawa sa Russian, lalo na kung ang mga wika ay magkatulad. Halimbawa, ang "Rusalka" ni Dvořák ay madaling maisagawa sa pagsasalin, dahil ang wikang Czech ay napaka nakakatawa sa amin sa mga lugar, at imposibleng ganap na maalis ang pakiramdam na ito. Siyempre, kung kumanta ka sa Russian, ang opera ay mawawala ng kaunti, ngunit ito ay magiging isang mas maliit na pagkawala kaysa, sabihin nating, kapag isinalin ang Hamlet sa Russian, na mawawala ang lahat ng kagandahan nito, parehong wika at melody. Kung tungkol sa linya ng pagtakbo, ito ay isang mahirap na punto: ang isang taong nakakaalam kung ano ang tungkol sa opera ay hindi nangangailangan ng tekstong ito, ngunit ang isang taong hindi alam ang opera at dumating sa teatro sa unang pagkakataon ay ginulo ng tumatakbong linya, dahil siya ay patuloy na sapilitang tumingin sa kanya. Minsan, sa pamamagitan ng paraan, ang mga pagsasalin ay ibinibigay sa paraang hindi maintindihan ng isang tao kung bakit isinulat ang isang bagay, ngunit may ganap na kakaibang nangyayari sa entablado - gayunpaman, ito ay malamang na kasalanan ng direktor, na nagtanghal ng isang bagay na ganap na naiiba mula sa kung ano ang nakasulat sa mga tala - ngunit kahit dito mayroong maraming mga nakakatawang sandali. Para sa akin, ang opera sa prinsipyo, kahit na para sa publiko, hindi banggitin sa amin, ay isang napakahirap na genre kung saan kailangan mo pa ring maging handa. Dapat malaman ng sinumang pumupunta sa opera house, halimbawa, kung ano ang aria o isang overture, kung bakit minsan sumasayaw sila sa opera at kung bakit minsan kumakanta sila sa ballet. Ako ay may hilig pa rin na maniwala na ang opera ay dapat na gumanap sa orihinal na wika, at ipinapakita ng pagsasanay na ito ang eksaktong kalakaran.
MS: Pero gusto kong maging malinaw din ang mga salita.
IG: Oo, oo. Kung ang mga salita ng mga character sa opera na "Boris Godunov" ay hindi malinaw, halimbawa, kung gayon halos hindi ko maisip kung paano malalaman kung ano ang nangyayari sa entablado. Hindi ito ang mga aria ni Handel, kung saan may dalawang linya lamang ng mga salita. Ngunit may iba pang mas mahalaga doon - ang mga salitang ito ay kinakanta sa unang ilang mga bar, at pagkatapos ay tamasahin lamang ang musika at mga pagkakaiba-iba, kamangha-manghang mga modulasyon. Siyempre, palaging may bahagi ng manonood na hindi sinasadyang napupunta sa teatro, at walang masama doon. Halimbawa, hindi niya alam kung saan siya maaaring pumalakpak at kung saan siya hindi, ngunit sa opera ito ay napakahalaga rin. Gayunpaman, kumakanta kami para sa lahat, ang aming gawain ay gawing kawili-wili ang musika at imahe ng bayani. Hindi ko hinahati ang publiko sa mga nakakaalam at sa mga hindi marunong mag-react. Ang pinakamahirap na pagsubok para sa isang mang-aawit ay ang kumanta para sa mga nakakaalam at nakakaintindi ng lahat.
MS: Iba ba ang audience sa iba't-ibang bansa? Magtrabaho sa iba't ibang mga sinehan?
IG: Siyempre, siyempre, at muli siyempre. Una, lahat ng mga sinehan ay magkakaiba, kahit na sa parehong bansa. Marami akong nagtrabaho sa Italya, sa iba't ibang lungsod, parehong sa hilaga at sa timog. Ang Italya sa pangkalahatan ay isang kamangha-manghang bansa: nagmamaneho ka ng 100 km doon at nakakita ka ng ganap na kakaibang tanawin, iba't ibang mga tao, ibang kaisipan, kaya ang mga sinehan doon ay naiiba sa bawat isa. Sa England o Ireland mayroong isang ganap na naiibang teatro at iba't ibang mga tagapakinig. Sa France, hindi mo maihahambing ang madla ng Paris at, sabihin nating, Lille. Ang pinakamahusay, pinakamabait, pinakaaktibong publiko, gaya ng sinasabi nila, ay minsan sa Buenos Aires. Ang mga ito ay mga nakamamanghang manonood - kung mahal nila ito, maaari nilang sirain ang teatro sa literal na kahulugan ng salita. Ngunit nang kumanta ako doon, mas kalmado ang lahat. Tila, ang mga mahilig sa opera na noong 1980s at 90s ay matanda na at hindi na pumupunta sa mga pagtatanghal. Pero tinanggap kami ng maayos. Marahil, ang mga tao doon ay may ilang espesyal na ugali - sila ay hindi pangkaraniwang palakaibigan, tulad ng sa amin, nga pala. Dito, kung mahal ng publiko ang isang artista, napakasarap ng pakiramdam niya, ngunit kung hindi niya gusto ang artista, pumalakpak pa rin sila para sa kanya. Sa pangkalahatan, bihira sa ating bansa kapag ang isang tao ay "nakalimutan"; Kahit na may hindi masyadong kumanta, susuportahan pa rin siya at papalakpak.
MS: Ano ang mas mahirap – ang ipakilala sa pagganap o ang mag-ensayo sa simula pa lang?
IG: Depende kung anong performance. Hindi ko sasagutin ang tanong na ito nang walang pag-aalinlangan, dahil depende ito sa tiyak na sitwasyon: kung anong opera, anong laki ng party, anong teatro, sino ang nag-eensayo, gaano karaming oras ang inilalaan para sa ensayo, para sa pagtatanghal ng dula o pagpapakilala, at iba pa.
Halimbawa, may kaso noong nag-eensayo ako ng “Troubadour” (ngumiti). May rehearsals kami mula Nobyembre hanggang Pasko. Alinman sa Disyembre 24 o 25, dapat akong lumipad sa Moscow, at pagkatapos ay tinawag ako ng aking ahente at sinabi: "Makinig, sa Cologne kailangan kong kumanta ng dalawang pagtatanghal ng La Bohème, ang kanilang baritone ay nagkasakit doon. Alam mo ang La Bohème, tama ba?" Sabi ko: "Siyempre alam ko!" May direktang tren mula Lille papuntang Cologne, at makakarating ka roon sa loob ng tatlo hanggang apat na oras. Upang makarating sa tamang oras, kailangan kong tumalon sa tren, halos naka-makeup, ilang minuto bago umalis (may run-through ng "Troubadour" sa mga costume) at sa gabi ay nasa Cologne ako. At kinabukasan sa alas-12 ay nagkaroon ako ng rehearsal para sa "La Bohème," na "sinira" namin (ito ay nangangahulugan ng pagdaan sa lahat ng mga eksena kasama ang direktor upang maunawaan kung sino ang gumagawa ng kung ano, kasama ako) sa loob ng tatlong oras. Isa itong ensemble opera, at sa entablado ay ako lang at ang assistant director. Makalipas ang isang oras ay nakipagpulong ako sa konduktor, at sa gabi ay may pagtatanghal. Ito ay, sa aking opinyon, ang pinakamabilis na pagpasok sa aking pagsasanay. Ang sinumang nakakaalam kung ano ang La Boheme ay mauunawaan na ito ay hindi kapani-paniwala. Sa unang eksena pa lamang ay may hindi bababa sa apat na tao na nakikipag-ugnayan sa isa't isa, maraming bagay: isang mesa, upuan, brush, easel, baso, plato; Nagdadala sila ng pagkain doon at nagkakalat ng pera. Ibig sabihin, napakaraming mga kaganapan doon, at kinailangan kong makuha kaagad ang aking mga paniniwala. Ipinagmamalaki ko pa na nagawa namin ang lahat. Ngunit ito, siyempre, ay higit sa lahat ang merito ng direktor, dahil kailangan mong malaman ang pagganap nang mahusay upang ipaalam sa isang bagong tao ang tungkol sa mga sandaling iyon na maaaring magdulot ng mga paghihirap.
Kahanga-hanga ang pagganap, ang tanging bagay - sinabi ko sa lahat ang tungkol dito, tumawa nang napakatagal - Namangha ako sa nag-udyok. Sa pangkalahatan, ito ay isang hiwalay na isyu ngayon ang propesyon na ito ay halos nalubog sa limot. Halos walang natitira pang mga taga-utos, at kung minsan ay lubhang kailangan ang mga ito. At nang bigla kong kinailangan na apurahang kantahin ang "La Bohème," tuwang-tuwa ako nang bago ang pagtatanghal ay isang babae ang pumasok sa dressing room, nagpakilala at sinabing siya ang nag-udyok. Sinasabi ko: "Naku, napakagandang makilala ka, nakikiusap ako sa iyo, kung nakikita mo na mayroon akong anumang mga paghihirap, na nakalimutan ko ang aking linya o kung saan ako papasok, mangyaring tulungan mo ako." Sabi niya, "Okay." At umalis na siya. I appreciated the degree of her humor already at the performance, nang makita ko kung ano ang ginagawa niya. Umupo siya sa clavier at inulit ang text sa amin, sa amin - hindi mas maaga o mamaya. Sinabi ko sa aking sarili: "Golovatenko, iyon lang, kalimutan ang tungkol sa nag-uudyok, dahil kung may mangyari, wala siyang oras upang subaybayan ito." Ang pagganap ay kamangha-manghang, tila, kapag ang isang nakababahalang sitwasyon, kahit papaano ay hinihila mo kaagad ang iyong sarili.
MS: Mayroon akong tanong na ito: paano nagbago ang buong paaralan ng pag-awit sa mga nakaraang taon?
IG: Mahirap sabihin, dahil hindi ako handa na pag-aralan ang lahat ng ito. Sa aking palagay, ang detalyadong pag-unlad ng boses, iyon ay, ang tamang paggawa ng boses, ay nawala, at ang mga mang-aawit kung minsan ay nagsasagawa ng napakahirap na bahagi nang hindi pa ganap na nakabisado ang teknikal na boses. Ang boses ay napapagod, imposibleng gamitin ito nang mahabang panahon, at ang mga taong ito ay kumanta ng lima hanggang sampung taon - at iyon na. Ito ay napakalungkot. Ang paaralan ay umalis sa bagay na ito. Sa kasong ito, pinag-uusapan ko ang tungkol sa lumang paaralang Italyano, na, sa kasamaang-palad, halos wala nang nagsasalita. Bukod sa, dating mang-aawit kaya niyang "kumanta", iyon ay, kumanta ng ilang nangungunang mga tungkulin sa maliliit na sinehan, sa gayon ay nakakakuha ng karanasan at pagkatapos ay gumanap lamang sa malalaking sinehan. Ngayon, kung napansin ng isang ahente ang isang tao na may magandang boses na maaaring kumanta, halos nagsasalita, "Rigoletto" o "Nabucco" sa edad na dalawampu't lima, kung gayon ang tagapalabas na ito, kung siya ay magbibigay ng go-ahead, ay pinagsamantalahan hanggang sa siya ay tumigil sa pagkanta. Nagkakaroon ako ng matinding sitwasyon, ngunit nangyayari rin ito. Sa kasamaang palad, ang mga ahente at direktor ng teatro ay ayaw na ngayong gumugol ng oras at pera sa pagsasanay ng mga mang-aawit upang mapaunlad sila. At ang paglaki ay nangangahulugan ng paggugol ng maraming taon upang ang isang tao ay unti-unting, hakbang-hakbang, tumaas nang mas mataas at mas mataas...
MS: Para sa akin, hindi lahat ng mang-aawit ay gustong gawin ito.
IG: Oo, gusto ng lahat ng isang beses - at kikita ka, isang beses - at isa ka nang bituin. At ito ay isang karaniwang problema, dahil ang mga ahente, impresario, mga direktor ng teatro ay ayaw ding maghintay. Maaari kang kumanta ngayon - pumunta at kumanta. Kung ayaw mo, hindi ka namin tatawagan. Walang gustong maghintay na mag-mature ang isang mang-aawit sa isang partikular na papel. Kung ang isang tao ay maaaring gumawa at kumanta ng ilang mga bahagi, kung gayon siya ay kargado ng trabaho nang labis na maaaring hindi niya ito makayanan. Nangyayari ang mga kalunos-lunos na sandali, mga pagkasira at iba pa.
MS: Ano sa tingin mo ang sikreto ng tagumpay ng mang-aawit?
IG: Ang tagumpay ng isang mang-aawit ay binubuo ng maraming sangkap. Bilang karagdagan sa kanyang sariling boses, kakayahan, at talento, siyempre, siya ay isang matalinong guro. O, kung ito ay hindi isang vocal teacher, kung gayon ang isang accompanist o sa pangkalahatan ay isang napakahusay na "tainga" ay nasa malapit. Si Joan Sutherland ay talagang may "personal" na konduktor - si Richard Boning. Mayroong isang alamat na kapag hindi siya nagsasagawa ng isang pagtatanghal, siya ay uupo pa rin sa harap na hanay at ipapakita sa kanya kung siya ay nag-overestimating o minamaliit, halos nagsasalita. At mayroong maraming mga ganitong kaso.
Ang tamang repertoire ay mahalaga din: huwag kumanta ng isang bagay na maaaring makapinsala sa boses, o isang bagay kung saan ang boses ay maaaring hindi masyadong epektibo, kung ito ay isang debut. Kung ito ay isang mahalagang pasinaya sa ilang mga teatro, kailangan mo lamang na gumanap kung ano ang magbibigay-daan sa iyong boses na ipakita ang sarili nito sa maximum. Marami ang nakasalalay sa ahente dito. Mayroong dalawang kategorya ng mga ahente. Tinitingnan ng ilan ang mang-aawit bilang "cannon fodder" (tawagin natin ang spade a spade): kumakanta ka sa loob ng lima hanggang sampung taon, sanay ka nang lubusan, at pagkatapos ay tapos na ang lahat. Ang iba ay napaka matalinong ayusin ang iyong iskedyul, unti-unting makaipon ng isang repertoire, iyon ay, handa silang bumuo sa iyo. Kaunti lang ang huli, at napakaswerte ko na mayroon akong ganoong ahente: sa isang banda, sinusubukan niyang gumawa ng ilang pakikipag-ugnayan sa napakagandang malalaking sinehan - Glyndebourne Festival, Bavarian Opera, Teatro Colon sa Buenos Aires, pero, sa kabilang banda, lagi niyang sinisigurado na kakantahin ko lang ang nababagay sa boses ko sa ngayon. Mayroon akong mga alok na kumanta, halimbawa, Mazepa, o ang Prinsipe sa "The Enchantress," o Alfio sa "Rural Honor," ngunit tinatanggihan ko ang mga alok na ito, dahil hindi ito ang aking repertoire, kahit ngayon.
MS: Saan galing ang ahente mo?
IG: English siya, nakatira at nagtatrabaho sa London. Napakahalaga para sa isang ahente, gaya ng uso ngayon na sabihin, na "maging alam," ibig sabihin, makilala ang mga direktor, mang-aawit, repertoire, at iba pang ahente. Ito ay isang napakalaking palengke kung saan kilala ng lahat ang isa't isa, kaya isang walang ingat na galaw at mahuhulog ka sa bilog na ito. Mahalaga para sa amin na huwag makipag-away sa mga konduktor, direktor, o sinuman, sa anumang pagkakataon ay hindi kayo dapat mag-away, dahil minsan ay maaaring magdulot ito ng hindi na mapananauli na pinsala sa iyong reputasyon, at hihinto na lang sila sa pag-imbita sa iyo. Samakatuwid, marami ang nakasalalay sa ahente. Kung ito ay isang mahinang ahente, hindi ka niya magagawang ibenta. Kung ito ay isang malakas na ahente, maaari ka niyang ibenta nang malaki, ngunit kung hindi niya sinusubaybayan ang iyong repertoire, maaari itong maging nakamamatay.
MS: Sino pagkatapos ay tinutukoy ang repertoire?
IG: Kung kantahin ito o hindi ang bahaging iyon sa mga partikular na pangyayari na iminungkahi ng teatro at ng direktor (!) ay sa huli ay palaging tinutukoy ng mang-aawit mismo, ngunit dapat mayroong mga tao na makapagpapayo sa kanya na gawin o huwag gawin ang isang bagay.
MS: Hypothetically, ang iyong ahente ay nagsasabi sa iyo: "Sa tingin ko ang iyong boses ay handa na, gawin natin ang bahaging ito," at sinabi ni Vdovin: "Hindi, hindi ko ito inirerekomenda."
IG: Nagkaroon ako ng mga ganyang kaso. Kamakailan, isang ahente ang nag-alok sa akin ng isang bahagi, kumunsulta ako kay Vdovin, at sinabi niya: "Hindi, sa palagay ko hindi mo kailangang kantahin ito." At ako, na nakakita na ng ilang mga kaso, kabilang ang pagtapak sa isang kalaykay gamit ang aking sariling paa ng ilang beses, ngayon ay mas gusto na sumang-ayon at makinig. Bagaman masuwerte ako - hindi ako nakatapak sa kilalang rake nang madalas, ngunit ang aking mga kasamahan ay may mas malubhang kaso. Kaya lang minsan ko nang kinanta ang bahaging pinag-uusapan, at hindi ito masyadong matagumpay.
MS: Ito ay dapat na napakahirap kapag may isang mapang-akit na alok, ngunit sa kaibuturan naiintindihan mo na ito ay isang malaking panganib.
IG: Binalangkas mo ang isang klasikong sitwasyon kapag mayroong ilang napaka-kagiliw-giliw na panukala, ngunit sa pagbabalik-tanaw naiintindihan mo na maaaring magtapos ito nang masama. Dito dapat mong palaging magpatuloy mula sa katotohanan na kung kailangan mo ng pera at katanyagan, pagkatapos ay kikitain mo ito. Ngunit maaari mo lamang silang kumita sa iyong boses. Kung may nangyari sa boses mo dahil sa kasalanan mo, hindi dahil nagkasakit ka, kundi dahil kinanta mo lang ang isang bagay na hindi dapat kinanta, kasalanan mo lang at wala ng iba.
MS: Kaya kailangan mong magkaroon ng kamalayan sa bahagi ng responsibilidad na iyong pinapasan sa oras na gawin ito o ang desisyon na iyon?
IG: Syempre. Lalo na pagdating sa mga kontrata sa medyo malalaking sinehan. Dapat mong palaging maunawaan na kapag pumunta ka sa pagkanta sa isang malaking teatro, mayroon ding isang bagay tulad ng presyon ng kapaligiran ng teatro. Kung mas kagalang-galang ang teatro, mas mataas ang responsibilidad. Plus nerbiyos at - ang pinaka-hindi kasiya-siya bagay - pagkapagod, na accumulates sa panahon ng pagganap. Kung bago ka dumating sa klase at kakantahin ang buong bahagi, wala itong ibig sabihin. Magagawa mo ba ang isang buwan o isang buwan at kalahati ng pang-araw-araw na pag-eensayo sa loob ng tatlo hanggang anim na oras (minsan higit pa)? Kung sumasang-ayon ka sa isang bagay, dapat ay mayroon kang margin ng kaligtasan.
MS: Pero kapag tumanggi ka, baka hindi ka na maimbitahan mamaya.
IG: Oo naman! Sa aming propesyon imposibleng tumanggi, dahil ang pagtanggi ay minsan ay itinuturing na isang insulto, isang insulto. Narito lamang ang iyong sariling ulo ang makakatulong, at, siyempre, mabuti kung mayroong isang matalinong tao sa malapit - isang guro o ahente.
Sa Rigoletto, halimbawa, ito ay ganito: ang ahenteng Italyano na aming katuwang noong panahong iyon ay nag-alok na gawin ang larong ito. Sa una ay tumanggi ako, pagkatapos ay bilang isang resulta ay hinikayat nila ako (at tama nga!). Ito ay isang maliit na teatro ng Italyano, hindi kahit isang teatro, ngunit isang open-air courtyard sa isang kastilyo, ngunit may mahusay na acoustics, isang Italian orchestra na hindi nalulula sa tunog, ngunit, sa kabaligtaran, hinahayaan kang kumanta at sumabay nang napakahusay. . Ang mga kasosyo ay kahanga-hanga. At ang direktor, ang mahusay na baritone na si Rolando Panerai, na tumulong sa akin ng malaki sa parehong payo at gawa. Dalawang performance lang ang kinanta ko, hindi labinlima, gaya ngayon. Halos tatlong taon na ang lumipas, ngunit hindi pa ako handang kumanta ng Rigoletto sa lahat ng oras ngayon. Sinabi ko sa aking sarili na hindi ako babalik sa bahaging ito hanggang sa isang tiyak na edad, bagama't alam kong kaya ko itong mabisa. Ngunit hindi iyon ang punto - ang partido ay nangangailangan ng napakalaking, simpleng hindi makataong emosyonal na mga gastos. Una, ang aria ay simpleng "wear and tear". Una - isang nakakabaliw na hiyaw, isang luha lamang sa unang bahagi ng "Cortigiani", pagkatapos ay kailangan mong kumanta sa piano - "Marullo... signore", at pagkatapos ay legato, na napakahirap. Ang “Miei signori, perdono pietate” ay ang pinakamahirap na bahagi ng aria, dahil malakas ang tibok ng iyong puso, hindi mo mapakalma ang iyong paghinga; doon kailangan mong magkaroon ng ganoong kontrol sa iyong boses at, sa prinsipyo, pisikal na kontrol sa iyong katawan, na kaakibat lamang ng edad. Susunod ay ang isang duet kasama si Gilda, ang emosyonal na pinakamahirap na sandali ng ikalawang yugto, kapag siya ay dumating at sinabi ang lahat ng nangyari sa kanya. Naaalala ko na nakaupo ako sa entablado na may malamig na ulo at iniisip lang kung paano kantahin ito o ang note na iyon. Dahil kung ito ay madala, hindi mo mapupulot ang mga buto mamaya. Doon kailangan mo ng kontrol, tulad ng sa isang sitwasyon kung saan kinokontrol ng isang piloto ang isang airliner na may tatlong daang tao na sakay. Ganoon din ang nangyayari sa ikatlong yugto, kapag ang pangunahing tauhang babae ay namamatay na. Kung babalik ako sa bahaging ito ngayon, maglalagay ako ng iba pang mga emosyonal na kulay dito, ngunit pagkatapos ay naisip kong kantahin na lang ang lahat nang pantay-pantay at maayos, at iyon mismo ang kailangan.
MS: Mayroon bang anumang mga yugto na gusto mong kantahin?
IG: Syempre. Ito ang mga yugto na hinahangad ng lahat - ang Metropolitan Opera, Covent Garden. Gusto ko rin talagang bumalik sa Buenos Aires. Talagang nagustuhan ko ang teatro na ito, mahal na mahal ko ito. Ang Teatro Colon ay isang maalamat na teatro kung saan halos lahat ng magagaling na mang-aawit at konduktor ay nagtrabaho. May mga stages na hindi pa ako nakakanta: Opera Bastille (although kumanta ako sa Opera Garnier), La Scala. May mga magagandang yugto na talagang gusto kong puntahan, at umaasa ako na balang araw mangyari ito.
MS: Hindi ko maiwasang magtanong tungkol sa saloobin patungo sa repertory theater at sa negosyo.
IG: Ang isang tunay na repertory theater ay kapag ngayon ay may isang pangalan, bukas ay isa pa, kinabukasan ay pangatlo, at iba pa. Nagtrabaho ako sa naturang teatro, ito ang New Opera.
MS: Ang Bolshoi Theater ay may cast ng mga mang-aawit. At sa Metropolitan Opera, halos lahat ng guest soloists.
IG: Oo, ngunit sa parehong oras, sa Metropolitan Opera ilang mga performer, mga bituin, patuloy na kumanta, halimbawa, Netrebko, Fleming, Hvorostovsky, Domingo. Ang lahat ay nakasalalay sa kung ano ang gusto ng teatro. Kung ang isang teatro ay nais ng isang kahanga-hangang grupo ng mga soloista - upang ang lahat ay masanay, upang ang mga soloista ay makaramdam at maunawaan ang bawat isa nang perpekto, kung gayon, siyempre, kailangan nilang umupo at magsanay. Kung ang isang tao ay dumating ng ilang araw bago ang pagtatanghal, pagkatapos ay umalis para sa isa pang teatro, tulad ng nangyayari sa halos lahat ng dako ngayon, kung gayon ang isang mahusay na pagganap ay nakamit dahil sa katotohanan na maraming mga mang-aawit na gumagawa nito - mga mahuhusay na musikero. Ngunit, sabihin nating, ensemble opera, tulad ng La Bohème, The Barber of Seville, The Marriage of Figaro o Cos? fan tutte” (“Ito ang ginagawa ng lahat ng kababaihan”) ay nangangailangan ng malaking dami ng pagtutulungan. Sa ganitong mga kaso, dalawa hanggang tatlong araw ay hindi sapat.
Nakikita mo, ang bawat kaso ay dapat isaalang-alang nang hiwalay. Ang mga sinehan na may katulad na mga opera sa kanilang repertoire, halimbawa, sa Munich, ay may sariling mga tauhan ng mga soloista, ngunit sa halos bawat pagtatanghal ay gumagamit sila ng mga soloistang panauhin, dahil ang tanging paraan upang maakit ang publiko ay ang pangalan ng bituin sa poster - yan ang psychology ngayon. Muli, para mag-debut sa e.g. Paris Opera napakahirap: ipinapayong nakapaglabas ka na ng DVD ng ilang pagganap. Kung wala kang DVD, you’re nobody, they won’t invite you there, kahit napakagaling mong kumanta. Ito ay lumalabas na isang uri ng mabisyo na bilog.
MS: Sabihin mo sa akin, prestihiyoso ba ang maging soloista ng Bolshoi Theater?
IG: Sa tingin ko. Kung tutuusin, ito ay isang teatro na sikat at sapat mabigat na timbang. Sa Kanluran, sa pangkalahatan, dalawang teatro ng Russia ang kilala: ang Bolshoi at ang Mariinsky. Dapat kong sabihin na ang mga mang-aawit ay nagsusumikap na makapasok sa Bolshoi Theater. Kapag nalaman ng mga kasamahan kung saan ka nagtatrabaho sa ilalim ng kontrata na ako ay mula sa Bolshoi Theater, sasabihin nila: "Oh, mahusay, gusto kong kumanta doon." Ilang beses ko na itong narinig. Halimbawa, sinabi ng kahanga-hangang Spanish tenor na si Celso Albelo pagkatapos ng premiere ng Don Pasquale na gusto pa rin niyang pumunta sa Bolshoi. Ibig sabihin nagustuhan niya, hindi lang ito magagandang salita.
MS: Kumanta ka rin ng chamber repertoire? Narinig ko na para sa ika-125 na anibersaryo ng kapanganakan ni Nikolai Semyonovich Golovanov, nagsagawa ka ng isang programa mula sa kanyang mga romansa.
IG: Sa katunayan, ito ay gayon. Naganap ang konsiyerto salamat kay Stanislav Dmitrievich Dyachenko, na kilala namin sa panahon ng aking pag-aaral kay Gennady Nikolaevich Rozhdestvensky. Nagtatrabaho pa rin siya bilang accompanist sa kanyang klase, bagama't mayroon na siyang sariling conducting class sa conservatory. Noong Hunyo noong nakaraang taon, tinawagan niya ako tungkol sa pagganap ng mga romansa ni Golovanov, unang nagpadala ng ilang mga romansa, pagkatapos ay hiniling ko sa kanya na magpadala ng higit pa. Agad akong natuwa sa ideyang ito, dahil ito ay materyal na pangmusika na may pambihirang kalidad mula sa pananaw ng isang kompositor. Bagaman mahirap sabihin na si Golovanov ay isang kompositor, dahil ang lahat ng kanyang isinulat ay nilikha halos sa edad na 17-20, kung gayon siya ay nasasangkot na sa pagsasagawa ng napakalapit na wala siyang oras upang bumuo. Ito ay mas kawili-wili dahil lumikha siya ng napakagandang romansa noong siya ay napakabata pa. Marami siyang romansa batay sa mga tula ng mga makata ng Panahon ng Pilak: Severyanin, Balmont, Akhmatova. Ito ay isang buong layer, ganap na hindi ginalugad. Halos walang nai-publish, marahil isang pag-iibigan lamang ang nai-publish sa koleksyon ni Nezhdanova, at iyon lang. At mayroon siyang isang daan at apatnapung pag-iibigan, na, tila, ay hindi kailanman ginawa ng sinuman.
At napagtanto ko na natuklasan ko ang isang bagong kompositor, at isang napaka-interesante doon. Mayroon siyang mga sanggunian sa musika ng Scriabin, Medtner, Rachmaninov, Taneyev, gayunpaman, ang musika ay napaka orihinal. Sa paanuman ay binago niya ang lahat ng ito sa kanyang sariling paraan, kahit na marami siyang kinuha mula kay Rachmaninov sa texture ng piano, sa ilang mga lugar ay may mga katulad na melodic na pagliko. Ang ilang mga romansa, kahit na hindi ako matatakot sa salitang ito, ay napakatalino, lalo na ang kamangha-manghang "Lotus" batay sa mga tula ni Heine.
Kinanta namin ang konsiyerto na ito noong Abril sa Museum-Apartment ng N. S. Golovanov, na, sa kasamaang-palad, ay hindi kayang tumanggap ng lahat. Ngunit nais kong ulitin ang programang ito balang araw, at umaasa ako na ito ay makapukaw ng interes, dahil ang musikang ito ay kailangang isulong. Worth it siya.
MS: Sana gawin mo ulit.
IG: Talagang gusto kong gawin ito, at partikular kay Dyachenko, dahil mayroon siyang tunay, taos-pusong interes sa musikang ito. At ginagawa niya ito sa paraang gusto mo talagang kumanta, kahit papaano ay nahawa ka sa kanyang enerhiya. Bilang karagdagan, si Dyachenko ay isang first-class na pianist at ensemble player. Bilang karagdagan, siya ay isang mahusay na konduktor, at naiintindihan namin ang bawat isa nang halos walang mga salita.
Ngunit, dahil ang mga plano para sa susunod na season ay handa na, pagkatapos ay marahil sa isang panahon. Nais kong gumawa ng isang konsiyerto ng musikang Ruso, mga romansa ng Russia o mga kanta, kung saan magkakaroon ng mga gawa ni Mussorgsky, Rachmaninov, Taneyev, Medtner, na mayroon ding napakaraming napakagandang romansa, at Golovanov - ito ay isang namamana na linya ng musikang Ruso.
MS: Kinanta mo si Schubert, tama?
IG: Kinanta ko lang ang "The Forest King" ni Schubert sa tingin ko ay hindi pa ako handa sa mga cycle ni Schubert.
MS: Bakit?
IG: Kasi napakahirap nila. Una, mahirap makahanap ng oras para gawin ang mga ito. Kailangan mong gawin ang mga ito nang mahabang panahon, kailangan mong gawin ang isang cycle sa loob ng ilang buwan. Wala pa akong ganoong pagkakataon, at hindi ko alam kung kailan ito magpapakita mismo. Sa kabilang banda, kailangan mong maghanap ng oras para mag-concert: maghanap ng ka-date, maghanap ng pianist na libre sa oras na iyon at kung sino ang makakahawak nito. Maraming paghihirap dito. At ang pinakamahalagang problema ay ang pagiging handa sa loob upang gumanap, dahil para sa akin may mga misteryo kapwa sa musika ni Schubert at sa musika ng Mozart, na hindi ko pa mahanap ang sagot. Kaya naman hindi ko ginagalaw ang musikang ito. paalam.
MS: Para sa publiko ay tila napakasimple, ngunit...
IG: Iyon ang punto: Ang mga kanta ni Schubert ay tila simple, ngunit kapag nagsimula kang kumanta, naiintindihan mo na may mga ganoong kalaliman na maaari lamang ipahayag ng isang medyo may edad na tao, na nakaranas na ng isang bagay, dahil ang parehong tula at musika ay nangangailangan ng ilang mga karanasan sa buhay. Kung gagawin mo ito nang walang muwang, maaaring hindi ito gumana. Sa palagay ko balang araw ay lalapit ako sa musikang ito, ngunit hindi ngayon.
Sa totoo lang, palaging mas malapit sa akin si Beethoven, bagama't ayaw kong ikumpara si Beethoven kay Schubert. Pero siguro magsisimula ako sa Beethoven o Brahms, hindi ko alam. Mukhang mas malapit na ito sa akin ngayon. Tingnan natin.
MS: Mangyaring sabihin sa amin ang tungkol sa iyong mga malikhaing plano para sa susunod na season.
IG: Dapat magsimula ang season sa isang opera sa Bolshoi Theater, na itatanghal ni Adolf Shapiro, isang sikat na dramatikong direktor. Umaasa ako na ito ay magiging kawili-wili at pang-edukasyon para sa lahat ng kasangkot. Ito ay isang napakalaking opera, ito ay minsan ang aking paboritong opera ni Puccini, sa totoo lang sinimulan ko ang aking pagkakilala sa kompositor na ito. May records ako sa bahay kung saan kumanta sina Caballe, Domingo, Sardinero - kilalang recording ito. At ito ang kauna-unahang opera na aking pinakinggan, ito ay lubos na sumisipsip sa akin. Siyempre, ang lahat ng mga opera ni Puccini ay kamangha-manghang, napakatalino, ngunit ang opera na ito ay may espesyal na bagay na wala sa iba. Mayroong isang uri ng kapahamakan na tumutunog sa ilang mga himig, lalo na sa ikaapat na kilos, isang kakila-kilabot na kawalan ng laman ang lumitaw, na hindi tipikal ng musikang Italyano. Sa musikang Italyano, kahit na ang pinaka-trahedya, palaging may ilang uri ng liwanag. At lahat ng bagay doon ay nakakatakot, madilim, ang isang katulad na bagay ay matatagpuan sa Puccini, marahil sa "Madama Butterfly" lamang at sa huling aria ni Liu sa "Turandot." Ngunit ito ay parisukat at parisukat muli. Nahuhuli ko pa rin ang aking sarili sa pag-iisip na pisikal na hindi ko kayang makinig sa musikang ito, lalo na ang ika-apat na yugto - ito ay napakahirap sa sikolohikal. Bagama't ang musika doon ay kamangha-mangha, ito ay napakasama sa kalikasan, ito ay tumagos sa iyo nang labis, literal na nakaka-suffocate sa iyo, na napakahirap pigilan. Tingnan natin kung ano ang magiging produksyon. Ang premiere ay sa kalagitnaan ng Oktubre.
Sa Nobyembre 16 magkakaroon ng isang konsiyerto sa House of Music, sa Chamber Hall, kasama sina Semyon Borisovich Skigin at Ekaterina Morozova mula sa Youth Program. Kailangan nating kantahin ang Mussorgsky doon - "Paraiso" at, marahil, ang vocal cycle na "Walang Araw". Baka iba ang kakantahin natin, French o Russian, makikita natin. Aawitin ni Katya ang "Satires" ni Shostakovich.
Sa katapusan ng Nobyembre, ang isang konsiyerto ay binalak kasama ang Italian pianist na si Giulio Zappa at ang kahanga-hangang nagtapos ng Youth Program na si Nina Minasyan sa Bolshoi Theater, sa Beethoven Hall. Malamang na ito ay French at Italian na musika. Bagaman pagkatapos ng pagtatanghal na ito ay may dalawa pang konsiyerto si Giulio kasama ang Youth Program, kung saan kasama rin sa programa ang musikang Italyano. Maghahanda sila ng antolohiya ng Italian romance mula Bellini, Donizetti, Tosti hanggang Respighi at mga kontemporaryong Italyano na may-akda. Samakatuwid, upang hindi maulit ang ating sarili, iniisip natin ngayon kung paano ito pinakamahusay na gawin. Ngunit, sa anumang kaso, siya ay isang mahusay na pianist at musikero, matagal ko nang gustong gumawa ng isang konsiyerto kasama siya. Natutuwa ako na sa wakas ay gagana ito sa paparating na season.
Noong Disyembre, sa Bolshoi Theater, sa palagay ko, magkakaroon ng "Don Carlos", ang tinatawag na revival - isang muling pagbabangon ng produksyon, matagal na akong hindi nakikilahok dito. At sa katapusan ng Enero magkakaroon ng concert performance ng Rossini's "Journey to Reims". Ito ang proyekto ni Sokhiev, at nangangako itong magiging lubhang kawili-wili. Noong Marso, naglilibot ang Bolshoi Theater kasama ang isang bersyon ng konsiyerto ng "The Maid of Orleans," na ginanap dito noong 2014; ito ang unang pagtatanghal ni Sokhiev sa Bolshoi Theater.
Pagkatapos ay pumunta ako sa Cologne, kung saan mayroon akong Lucia di Lammermoor, pagkatapos ay La Traviata sa Glyndebourne. Ganito ang lalabas ng panahon.
MC: Good luck!
Ang pag-uusap ay pinangasiwaan ni Irina Shirinyan
Dito agad ako uurong sa kronolohiya. Matapos ang premiere ng Disyembre ng Don Carlos, sa isang piging sa Bolshoi Theater, isang kamangha-manghang ginang, na naging Olga Rostropovich, ay lumapit sa akin na may pagbati. Gaano ako kasaya at kapuri-puri na nakilala ko ang anak na babae ng aking idolo noong aking kabataan, si Mstislav Leopoldovich, na pinangarap kong makilala, ngunit hindi kailanman nagkaroon ng pagkakataong gawin ito! Bukod dito, ako, parang, ang "pedagogical apo" ni Rostropovich, ang aking propesor ng cello na si Lev Vladimirovich Gokhman ay nag-aral muna kasama si Svyatoslav Knushevitsky, at pagkatapos ay kasama si Rostropovich.
- Ano ang nag-udyok sa iyo na umalis sa cello?
Mahabang istorya. Malamang may mga" mga lihim na palatandaan" Nais kong magsagawa. Sa edad na 19, kusang natagpuan ko ang aking sarili sa kontrol ng isang student orchestra kung saan ako mismo ang tumugtog. Ang konduktor ay nagkasakit dalawang linggo bago ang konsiyerto, kinakailangan upang tulungan ang mga lalaki. Hiniling sa akin na gumawa ng isang programa ng 3rd piano concerto ni Beethoven, ang Overture to The Marriage of Figaro at ang Symphony Concertante ni Mozart. Pagkatapos ay isinagawa niya ang Francesca da Rimini ni Tchaikovsky at mga gawa ng mga kontemporaryong kompositor ng Saratov. Nang maglaon, mula sa Moscow bilang isang mag-aaral, inimbitahan siya ng maraming beses sa mga konsyerto sa Saratov Philharmonic. Ang mga programa ay gumawa ng mga kawili-wili - halimbawa, Pranses na musika kasama ang "Roman Carnival" ni Berlioz. Doon ko isinagawa si Don Juan ni R. Strauss sa unang pagkakataon. So first there was conducting practice, then nag-aral ako.
Matapos ang ika-3 taon sa Saratov Conservatory, pumasok ako sa Moscow Conservatory sa klase ng V.S. Sinaisky para sa pagsasagawa ng symphony. Pagkatapos ng dalawang taon ng aming pag-aaral, biglang umalis si Vasily Serafimovich sa konserbatoryo. Isipin ang aking sorpresa nang, bago magsimula ang bagong taon ng akademya, ipinaalam lang sa akin ng tanggapan ng dean: "Nasa klase ka na ngayon ni G.N.
Sa oras na lumipat ako sa klase ni Rozhdestvensky, dalawang faculty ang pinagsama sa conservatory, at ang mga konduktor ng symphony ay natapos kasama ng mga konduktor ng koro. At marami sa kanila, na nakapasa lamang sa panayam, ay bumuhos din upang matuto kung paano magsagawa ng isang orkestra. Kaya masuwerte ako, hindi kinuha ni Gennady Nikolaevich ang lahat.
Hindi ka ba nagsisisi ngayon na nagsimula ang iyong vocal career nang huli kaysa sa iyong mga kasamahan sa modernong panahon? Iyon ay, "nawala" sila ng 5-7 taon upang makabisado ang pinaka kumplikadong piraso ng sining, na kailangan nilang iwanan?
Hindi, hindi ko pinagsisisihan ang nangyari. At lubos akong nagpapasalamat sa lahat ng aking "pre-vocal" na guro! Dahil kung hindi ako binigyan ni Sinai manu-manong pamamaraan at ang mga pangunahing kaalaman sa pagsasagawa, pagpoposisyon ng mga kamay, kung gayon ay nahihirapan si Rozhdestvensky. Hindi niya lang ginawa. Ang kanyang mga aralin ay kamangha-manghang nagbibigay-kaalaman. Isang oras at kalahati ng napakahalagang impormasyon na kailangang maitala sa isang dictaphone, upang sa paglaon, pagkatapos ng 10 beses, mauunawaan mo ang lahat. Ngunit kung ano ang dapat gawin ng kamay o siko ay hindi nag-abala sa kanya. Iyan ba ang pag-finger sa ilang lugar: “on three”, o “on time” to conduct.
Ngayon na maraming nangyari sa buhay, naaalala ko nang may labis na lambing ang cello na iniwan ng aking mga magulang sa Saratov, dahil ang pakiramdam ng instrumento ay buhay pa sa aking mga daliri, gusto kong tumugtog...
Oh, ito ay pamilyar: ang mga kalamnan ay tila naaalala, ngunit kinuha mo ang instrumento - at ito ay nangangailangan ng paghihiganti sa iyo, ay hindi gumaganti sa parehong mga damdamin, lamang ng pagkabigo ...
Oo, 12 taon na akong hindi nakakakuha ng cello! Sana balang araw, mamaya.. kapag lumaki na ang mga bata at may libreng oras..
Ikaw ba ay isang maingay na cellist? Ang mga lalaking may ganitong instrumento ang madalas na humihinga ng napakalakas na "masigasig" habang tumutugtog, halimbawa, sa mga solo suite ni Bach ito ay kapansin-pansin sa mga pag-record!
Hindi, hindi nakilala ng aking propesor ang anumang mga kakaibang tunog sa panahon ng musika at mahigpit na pinigilan ang mga ito kaagad. May mga konduktor din na humahagulgol, sumisinghot at kumakanta habang may konsiyerto. At tinutukoy din nila ang mga talaan ng mga dakila, kasama si Toscanini. Ngunit ang kalayaang ito ay hindi pinalamutian ng lahat, at kahit na humahadlang sa parehong orkestra at mga mang-aawit, kapag ang maestro ay kumikilos nang maingay isang metro ang layo mula sa mga soloista. Ikinalulungkot ko na hindi ako nagkaroon ng pagkakataon na makita ang marami sa mga dakilang "matanda" sa aking sariling mga mata, ni Mravinsky o Karajan. Maging si Evgeny Fedorovich Svetlanov. Nagbibigay pa rin siya ng kanyang huling mga konsyerto sa Moscow nang dumating ako dito, ngunit, sayang, hindi ito nag-tutugma. Ayon sa mga kwento ng aking asawa, isang mang-aawit din, pagkatapos ay isang mag-aaral sa Choral Academy, na lumahok sa pagganap ng Mahler's Eighth Symphony sa ilalim ng baton ni Svetlanov, ito ay hindi malilimutan. Ngunit limang taon, kabilang ang isang postgraduate na kurso, sa klase ni Gennady Nikolaevich ay nagkakahalaga din ng marami!
Kaya, nagbigay si Rozhdestvensky ng isang halimbawa ng isang propesyonal na diskarte hindi lamang sa pamamaraan, kundi pati na rin sa pag-uugali ng isang konduktor sa entablado. Dapat ay walang nakakagambala o maaaring maunawaan nang hindi malinaw; Pababa sa istilo. Ang kanyang mga kolokyum, nang matikas niyang tinalakay ang pagkakaiba ng mga uso sa pagpipinta - ito ang kanyang matibay na punto - agad na ipinaunawa sa aming mga mag-aaral ang lahat ng aming kakulangan sa edukasyon, pinilit kaming magbasa at mag-aral upang makakuha ng kahit isang hakbang na mas malapit sa master. Matagal nang nakaya ni Gennady Nikolaevich na hindi lamang makipagtulungan sa mga orkestra na hindi makakapaglaro nang sama-sama at maipatupad ang pinakasimpleng mga gawain. Siya mismo ang nagsusulat tungkol dito at hindi itinago. Alam ko na si Rozhdestvensky ay papagalitan ng maraming mangangaso. Ngunit para sa akin, una, siya ay isang Guro, at, walang alinlangan, isang Personalidad ng malakihang sukat.
- Ano ang reaksyon ni Maestro Rozhdestvensky sa iyong "pagkakanulo" sa pagsasagawa?
Ito ay ibang kuwento. Dahil bigla akong umalis. Imposibleng makakuha ng trabaho bilang konduktor ng orkestra. Kinailangan naming magtrabaho para mapakain ang aming sarili. Ako ay pisikal na hindi nakapagpatuloy ng aking pag-aaral sa parehong oras. Tumigil lang ako sa pag-aaral sa pagtatapos ng ikalawang taon. Tinawag nila ako at hiniling sa akin na magsulat ng isang liham ng pagbibitiw. At naramdaman ko na na nasa ibang, vocal life ako. Ang mga nakaraang propesyon - parehong cello at conducting - ay tila isang bagay ng nakaraan. Ang mga ugat ng paglipat sa vocal na propesyon ay napakalalim. Ni hindi ko masagot ng buo ang sarili ko. Nagulat ang lahat - paano ka titigil sa pagsasagawa at magsimulang kumanta?
Sa pangkalahatan, ito ay tulad ng paglipat mula sa mga heneral patungo sa mga pulutong ng mga opisyal. Pagkatapos ng lahat, ang konduktor ng isang orkestra ay nag-uutos sa lahat mula sa isang murang edad, tulad ng isang kumander o isang manlalaro ng chess, at isang mang-aawit, kahit na isang namumukod-tanging isa, ay isang piraso lamang ng chess, higit pa o hindi gaanong makabuluhan.
Sa isang banda, oo, ngunit sinubukan ko lamang ang isang karera bilang isang konduktor, at nagsagawa lamang ng ilang mga konsyerto sa Moscow. Naaalala ko na sa unang pagkakataon sa Russia ay gumanap ako ng "Concert Music for Strings and Brass (Boston Symphony)" ni Hindemith noong 2002. Kaya, ano ang susunod?
Sa mga huling taon ng conservatory, kinuha namin ang paksang "Paggawa kasama ang mga bokalista." Ito ay pinangunahan ng mang-aawit na si Maria Viktorovna Ryadchikova, na naging aking unang guro sa boses. Sa klase niya sa School na pinangalanan. Naging accompanist ako sa Gnesins, sa kabila ng katotohanan na hindi ako nakatanggap ng opisyal na diploma ng piano, ngunit sa pagsasanay ay pinagkadalubhasaan ko ang pagbabasa ng paningin, ang kakayahang makarinig ng soloista, at mga kasanayan sa transposisyon. Sa simula sinubukan nilang pangunahan ako tulad ng isang malakas na tenor, at tila gumagana, ngunit kapag sinusubukang i-stretch ang tuktok, lumitaw ang mga problema at naging hindi komportable. Pagkatapos, sa pamamagitan ng pagsang-ayon ng isa't isa, nagpasya kaming maghanap ng ibang guro.
Sa tulong ni Svetlana Grigorievna Nesterenko, na pinamunuan ang vocal department ng Gnesinka, nakarating ako kay Dmitry Yuryevich Vdovin. Na-realize ko na gusto kong mag-aral ng vocals ng seryoso at kumanta ng professional. In-audition ako ni Vdovin, at nakakuha ako ng isang taong internship sa Choir Academy. Pagkatapos ay nagtrabaho siya ng isa at kalahating taon bilang isang accompanist sa klase ni Dmitry Yuryevich. At dapat kong sabihin, hindi lamang direktang mga aralin sa boses, kundi pati na rin ang paglalaro at pakikinig sa lahat sa buong araw sa klase - ito ay isang napakahalagang paaralan, at naaalala ko ang oras na ito na may patuloy na pasasalamat. Ang lahat ng kagamitan at pamamaraan ay ginawa nang eksakto noon, limang taon na ang nakararaan. Ngayon ay pinamamahalaan kong mag-ehersisyo kasama si Dmitry Yuryevich, sa kasamaang-palad, napakabihirang kapag nagsalubong kami at may oras. Dahil sa sandaling nagsimula akong magtrabaho sa New Opera, pumasok ako sa pangunahing repertoire, at halos walang libreng oras na natitira!
Si Igor, siyempre, ang iyong kaso, kapag mula sa klase ni Rozhdestvensky hanggang baritones ay isang pagbubukod. Ngunit ang mga bokalista na kasangkot sa musika mula pagkabata ay hindi karaniwan ngayon. Ngunit tungkol sa kakulangan ng mga konduktor na tunay na nararamdaman ang mga mang-aawit sa mga opera house, ang mga reklamo ay lalong naririnig mula sa mga karampatang soloista, na sila mismo ay madalas na mga konduktor ng koro sa nakaraan. Ano ang pakiramdam mo kapag tinatasa ang susunod na maestro?
Oo, maaari itong maging mahirap. Narito ang isang kamakailang halimbawa mula kay Don Carlos. Sasabihin ko kaagad na nakamit ni Robert Treviño ang isang tagumpay para sa ating lahat. Dahil noong nalaman niyang kailangan niyang dalhin sa premiere ang performance na inabandona ng chief conductor, isang suntok sa nervous system. Ginawa niya ang lahat nang marangal. Ngunit nagkaroon kami ng isang sandali sa Act 1 nang hindi kami magkasundo. Para kay Rodrigo, na kalalabas lang sa entablado, ito ay isang mahirap na parirala, nababaluktot sa mga agogics - at kaagad na isang mataas na nota. At hindi ako nakatiis, sinabi ko: "Maestro, dahan-dahan ka sa 3rd bar, ngunit hindi ako." Dahil ginawa niya ang bar na ito "anim", at kapag ginawa niya ito "dalawa" - naging maayos ang lahat. Ngunit mahirap para sa akin na sabihin ito sa harap ng lahat, hindi lang ito gumana nang tatlong beses sa isang hilera, kailangan ko.
Ngunit sa pangkalahatan ay sinisikap kong huwag i-advertise ang aking kaalaman sa pagsasagawa. Dahil noong una sa Novaya Opera ay mas napagtanto ako bilang singing conductor. Oo, mas mahina akong kumanta noon, kung ano ang dapat itago. Siyempre, ang unang edukasyon ay parehong tumutulong at humahadlang, nakikita mo ang mga pagkukulang ng komandante sa control panel na mas mahusay kaysa sa iba, ngunit kailangan mo pa ring magtrabaho sa kanya, at siguraduhing obserbahan ang taktika.
-Ikaw ba ay isang ganap na estudyante?
Ay oo! Isa pang kamalasan... Pero kapag kumakanta ako, hindi ko laging naririnig ang sarili ko. Ito ay nangyayari na hindi ko ito natamaan sa posisyon. Kailangan itong subaybayan sa pamamagitan ng pakiramdam o itala at pag-aralan pagkatapos ng mga sandali ng pagtatrabaho. Kukumpirmahin ito ng lahat, kapwa magagaling at nagsisimulang mang-aawit. Bukod dito, ang boses na "out", kung maglalagay ka ng mikropono sa tabi ng mang-aawit, at kung ano ang naririnig ng manonood, sabihin, sa Historical Stage ng Bolshoi Theater sa layo na ilang sampu-sampung metro, ay isang malaking pagkakaiba. Noong nakaraang season, pagkatapos ng sipon, kumanta ako ng "La Traviata" sa Bolshoi, at parang humihingal ako, ngunit halos walang ganoong narinig sa bulwagan.
Ngayon ay nakakumbinsi ka bilang isang artista sa entablado, ngunit hindi mo kinuha ang paksang ito sa konserbatoryo kahit na sa isang katamtamang lawak.
Malaki ang naitulong sa akin ng New Opera dito. Ito ang aking home theater. Dumating ako doon, kaunti lang ang alam sa boses at plastik. Natutunan ko ang lahat sa daan, salamat sa koponan ng direktor kung saan nagkaroon ako ng pagkakataong makatrabaho. Ang choreographer na si Ivan Fadeev ay personal na nakipagtulungan sa akin, nagsasanay ng mga pangunahing paggalaw at busog. Ang direktor na si Alexey Vairo, nang ipakilala ako sa Onegin, ay literal na hindi ako binigo, hindi nawawala ang isang solong dagdag o "maling" kilusan.
- Ano ang iyong pinakaunang papel?
Marullo sa Rigoletto. Ito ay naging kawili-wili. Ngayong tag-araw, 2013, kinanta ko mismo ang Rigoletto sa unang pagkakataon, at naalala ko na pitong taon na ang nakalilipas, halos kasabay nito, lumabas ako sa entablado sa parehong opera sa isang maliit na papel.
- Sa pangkalahatan, ang isang batang baritone na kumakanta ng parehong Onegin at Rigoletto ay isang bihirang pangyayari.
Well, sa tingin ko Onegin ay isang medyo malakas na laban. Ang isa pang bagay ay ang tradisyonal na halos lahat ng baritone ay kumanta nito sa ating bansa: parehong liriko at liriko-dramatiko. Sa Kanluran, gayunpaman, ang Onegin ay kadalasang kinakanta ng napakalakas na mga tinig - kanina ay kumanta sina Titta Ruffo, Ettore Bastianini, kalaunan ay sina Bernd Weikl, Wolfgang Brendel. Bukod dito, sa Kanluran sa pangkalahatan ay may bahagyang naiibang tradisyon ng diskarte sa repertoire ng Russia. Halimbawa, ang partido ni Yeletsky ay itinuturing ding napakalakas, halos kapareho ng kay Tomsky. Ang Onegin ay isang nababaluktot na bahagi sa mga tuntunin ng timbre. Pero malakas pa rin. Nagsisimula itong masaya tulad nito, ngunit sa pagtatapos kailangan mong sumuntok sa isang medyo siksik na orkestra na may isang tessitura.
- Kaya, maaari naming asahan ang Boccanegra mula sa iyo sa lalong madaling panahon?
Masyado pang maaga para pag-usapan ang Boccanegra. Ngunit sa nakalipas na taon ay umawit ako ng hindi bababa sa walong bayani ng Verdi! Ililista ko: Germont (debut sa Historic Stage ng Bolshoi Theater), Renato - "Un ballo in maschera" sa tatlong magkakaibang mga sinehan sa Italy, Seid Pasha sa "The Corsair" sa Trieste, Montfort sa "Sicilian Vespers" sa Italian sa Athens. Bago iyon, noong 2011, kinanta ko ang Pranses na bersyon sa Naples. Ang muling pag-aaral ng teksto ay napakahirap! Sa New Opera ay nagkaroon ng pagpapakilala sa Il Trovatore, (debut din!) sa parehong Germont, na itinanghal na ni Alla Sigalova, isang concert performance ni Aida (Amonasro), Rigoletto sa Savona, at sa wakas, Rodrigo di Posa sa Teatro ng Bolshoi.
Siyempre, ang Rigoletto ay naging trial run sa ngayon. Pumayag naman ako dahil maliit lang itong sinehan. Sa Savona mayroong isang ika-labing-anim na siglo na kuta malapit sa dagat, at sa loob nito ay may isang patyo na may natural na acoustics. Before that, kumanta na ako dun sa Un ballo sa maschera. Ang produksyon ay handa na, ito ay "pinagsama-sama" at ipinakilala sa lahat sa loob ng sampung araw. At ang direktor ay si Rolando Panerai, ang dakilang baritono ng nakaraan. Parang pinagpala niya ako; Ang pagkilala sa gayong alamat ay isa nang kaganapan, at ang marinig siyang kumanta at magpakita sa edad na 89 ay hindi kapani-paniwala! Naabot niya ang napakagandang top notes! Si Panerai ay nagbigay ng malaking pansin sa isang batang Rigoletto. Ginawa niya ang lahat para maging komportable ako, halimbawa, tinanggal niya ang wig at pinakulayan lang ng kulay abo ang buhok ko.
Ang pinakadakilang mang-aawit ng ika-20 siglo, si Renata Scotto, na, lumalabas, ay ipinanganak sa Savona, ay naroroon sa premiere! Kinanta ng kanyang estudyante si Gilda - para sa kanya ito ay isang dahilan upang dumalo sa pagtatanghal. Ang ikalawang pagtatanghal ay dinaluhan ng hindi gaanong sikat na Luciana Serra. At pagkatapos ay tinalakay namin ni Dmitry Yuryevich kung gaano ako kaswerte na sa simula ng aking paglalakbay ay nakatagpo ako ng mga pangalan ng nakaraan! At ang mga pagkakataon ay nasa paligid: ang ika-200 anibersaryo ng Verdi, ang ika-100 anibersaryo ni Tito Gobbi. At walong bahagi ng Verdi! Ang "karaniwan" ay 3-4 na bagong tungkulin bawat taon.
- Hanggang saan ka natatakot o kinakabahan bago pumunta sa entablado?
Hindi ako natatakot, pero kinakabahan ako. Lalo na kung hindi ito ganap na inaawit, at hindi ka isang daang porsyentong sigurado. Si Rigoletto, sa pamamagitan ng paraan, ay hindi gaanong natatakot kaysa sa tila sa kanya. Dahil maingat na ginawa namin ni Vdovin ang bahagi na maaari kong kantahin ito sa anumang kondisyon. At suportado ako ng buong team, pati na ang talentadong conductor na si Carlo Rizzari (katulong ni Pappano).
Siyempre, mas mahirap kung hindi ka ganap na malusog, ngunit kailangan mong kumanta. At dito tumulong ang paaralan at teknolohiya. Walang stage fright na ganyan. Para sa akin, ito ay isang pamilyar na tirahan, kung tumayo ako nang nakatalikod sa madla bilang isang konduktor, o ngayon ay nakatalikod.
Ang iyong pangangailangan para sa opera ay nakapagpapatibay. Ngunit sa musikero pangunahing liga Hindi mo ba gustong pumunta "sa kaliwa" - upang kumanta ng isang bagay na katangi-tanging silid, upang maging sa imahe ng, sabihin, Mahler's "The Wandering Apprentice"?
gusto ko talaga! Ni hindi ko tinatanggihan ang mga katamtamang intimate evening. Nakikita mo ba ang mga tala? Ito ay para sa “Concert in the Foyer” ng Bagong Opera. Doon ko kakantahin ang cycle ni Ravel na "Three Songs of Don Quixote to Dulcinea", ang romansa ni Rachmaninov na "Arion" at maging ang "The Forest King" ni Schubert. Ang programang ito, sa loob ng balangkas ng aming tradisyonal na linggo ng Epiphany, ay ganap na nakatuon sa mga paksang pampanitikan (naganap ang pag-uusap bago pa man magsimula ang linggo ng Epiphany - tinatayang sasakyan).
Ipatupad musika sa silid I don’t have the opportunity often, kasi oo, busy ako sa performances. Ito ay walang kasalanan - na kung paano ito lumiliko. Ngunit nangangarap na ako ng isang programa mula sa Tchaikovsky at Glinka kasama si Semyon Borisovich Skigin noong Hunyo, kasama ang tenor na si Sergei Radchenko mula sa Bolshoi Theater Youth Program. Sa bagay na ito, mabait akong inggit kay Molodezhka. Halos bawat linggo ay mayroon silang ilang uri ng mga programa sa silid at konsiyerto. Talagang na-miss ko ito sa simula ng aking paglalakbay. Marami akong pinag-aralan at agad na nagsimulang kumanta sa mga pagtatanghal, ngunit ang pag-awit lamang ng opera ay medyo makitid ang isip bilang isang musikero, lalo na kung ang mga bahagi ay pareho. At kahit na ang dakilang Verdi, o mas malawak ang mga Italyano, kung minsan ay nais na "matunaw" sa German Lieder o ang banayad na Pranses na lyrics ng Debussy at Chausson.
Kung bigla silang mag-alok na kantahin ang "Wozzeck" o "Cardillac" ni Hindemith, sino ang mananaig - isang Rozhdestvensky graduate na pamilyar sa Novovenskaya school, o isang matalinong bokalista na nauunawaan na pagkatapos ng Berg posible na hindi kumanta ng bel canto?
Hindi ko pa kakantahin ang mga pinangalanang bahagi. Ang musikang "Wozzeck" ay hindi lamang kumplikado, ngunit kritikal din sa mga tuntunin ng mga vocal. Kung sa verismo, kung saan maraming hiyawan, mayroon pa ring cantilena, tapos si Wozzeck ay nasa bingit ng operatic singing tulad nito. At pagkatapos ay mahirap makapasok sa karakter sa psychologically. Kahit na ang Rigoletto ay nagpasya akong mas mahusay na ipagpaliban ito ng ilang taon, kahit na ito ay naging maganda para sa yugtong ito. Ang kalunos-lunos na kuba ay nangangailangan din ng nerbiyos at pagpipigil sa sarili upang kantahin ang "Vendetta" na may malamig na ulo at hindi madala. At si Wozzeck ay mas kakila-kilabot sa musika at sa balangkas. Sobrang baluktot ng lahat doon! Sa Hindemith, pinakagusto kong kantahin ang "The Artist Mathis", gusto ko ang musikang ito. Ngunit hindi rin ngayon, ang partido ay nangangailangan ng higit na kapanahunan. Ito ay tiyak na tiyak na repertoire ng ikadalawampu siglo na hindi ko pinagsisikapan sa ngayon. Sa mga darating na taon - Verdi, bel canto, bahagyang Pranses na musika.
- At si Mozart, na itinuturing ng maraming mang-aawit na halos therapeutic para sa boses?
Sa kasamaang palad, sa ngayon ay nagtuturo lamang ako sa klase at nagsagawa ng mga indibidwal na aria sa ilang mga audition. Naniniwala si Dmitry Yuryevich na hindi ako isang mang-aawit ng Mozart. Kahit na iniisip ko mismo na kaya kong kantahin ang Konde, at maging si Don Juan, ngunit nangangailangan ito ng higit na kakayahang umangkop sa boses. At, higit sa lahat, dapat may ibang gustong makakita sa akin sa larong ito. Marami pang angkop na Mozart baritones.
Pag-usapan natin ngayon ang tungkol sa iyong Rodrigo, Marcaz di Posa, na nagdulot ng kaguluhan, sa pinakamagandang kahulugan. Inaasahan mo ba ang gayong bagyo ng pag-apruba ng press para sa iyong pinakabagong trabaho? Parang nagde-debut ka na naman!
Hindi, hindi ko inaasahan. Sa totoo lang, sinubukan kong gawin ang lahat hangga't maaari, ibigay ang aking makakaya sa panahon ng ensayo at pagtatanghal. Akala ko gumagana. Ngunit nang gawin niya ang kanyang unang pagyuko, halos matumba siya sa palakpakan ng mga manonood.
Sinasabi nila na sila ay talagang naging karakter! Sana lang marinig ko ang totoong Rodrigo sa bagong summer series ng performances, pero kahit sa mga fragment sa You Tube, sumasang-ayon ako. Nabasa mo ba ang Schiller habang nagtatrabaho?
tiyak! Isinalin ni Mikhail Dostoevsky na may paunang salita ni K. Batyushkov, na nagpapaliwanag din ng marami. Sa partikular, ang katotohanan na ang Pose ni Schiller ay sentral na karakter. Ang mga ideyang inilagay sa bibig ng di Pose ay ang mga kaisipan ni Schiller mismo, ang kanyang "alter ego". Marahil iyon ang dahilan kung bakit niya muling ginawa ang drama mismo, na nakamit ang pinakamakapangyarihan at naiintindihan na pagpapahayag ng kanyang pilosopiya sa kanyang mga kontemporaryo. At sa Verdi, si Rodrigo ay isa sa mga sentral, kung hindi ang pinakamahalagang karakter. Dahil sa musika ay mas malawak at mas mayaman ang party kaysa sa iba.
Ngunit tulad ng natutunan ko mula sa bagong buklet ng Bolshoi Theater tungkol kay Don Carlos, praktikal na kalikasan ang pagiging bukas-palad ni Verdi kay di Pose. Ang baritone na naghanda ng papel na ito sa pinakaunang Paris premiere ay napakahusay, halos ang pinakamaliwanag na mang-aawit sa cast. At sa panahon mismo ng rehearsals, natapos ni Verdi ang napakagandang romansa na “Carlo, ch"è sol il nostro amore” para kay Rodrigo
Maaaring. Ngunit ang "Don Carlos" ay muling ginawa nang maraming beses sa prinsipyo! Kamakailan ay nasa Milan ako at huminto sa tindahan ng musika ng Ricordi. Inilathala nila ang isang kamangha-manghang hanay ng dalawang tomo ng lahat ng mga edisyon ng Don Carlos, parehong Pranses at Italyano. Ito ay lumabas na ang kompositor ay muling isinulat ang konseptwal na duet nina di Posa at Philip ng tatlo o apat na beses. Ang lahat ng mga pagpipilian ay naroroon sa clavier, ito ay napaka-interesante upang masubaybayan kung paano napunta si Verdi sa pangwakas.
- Ano ang nananaig para sa iyo sa di Pose, isang romantikong idealista, o, ano ang mas madalas na pinipilit, isang aktibong rebolusyonaryo?
Ang imahe ay kumplikado, maaari itong bigyang-kahulugan sa iba't ibang paraan, kahit na inililipat ang diin mula sa pagganap patungo sa pagganap. Ngunit tila sa akin na si Rodrigo ay, una sa lahat, isang banayad, mahusay na pulitiko, at pagkatapos ay isang kaibigan at lahat ng iba pa. Gayunpaman, ang pangunahing bagay para sa kanya ay ang mga ideya na sinusubukan niyang itanim kahit sa Hari, na malapit sa mga ideya ng Panahon ng Enlightenment. Sa pangkalahatan, ang opera na Don Carlos, at ang tanawin ng aming produksiyon ng Bolshoi Theater ay binibigyang-diin ito, ay napakalungkot. Ang malungkot na si Elizabeth, na dinurog ng kapalaran, si Carlos, na naghahagis sa pagitan ng paghahanap para sa pag-ibig at ang pagpapatuloy ng isang karera sa politika, na hindi umiiral at hindi umiiral, dahil hindi siya isang ganap na sapat na tao. Si Philip ay isang malupit at mapang-api, ngunit hindi walang damdamin ng pamilya, na walang kurso, dahil hindi kayang suklian ni Elizabeth o Carlos ang kanyang damdamin. Higit sa lahat ang kaharian ng kadiliman na ito ay tumataas ang mapaminsalang pigura ng Inkisitor. Ang opera, sasabihin ko, ay walang pag-asa. At ang Pose lang ang ganyang “ray of light in madilim na kaharian”, dahil sinusubukan niyang magsikap para sa matataas na ideya, tumawag sa sangkatauhan, at magtanim ng pag-asa. Oo, hindi niya maaaring matakpan o kanselahin ang pagbitay sa mga erehe, ngunit tapat niyang sinabi sa Hari na siya ay mali. Malinaw, ang gayong kabalyero ay hindi maaaring umiral sa korte ng Philip II. Ito ay tahasan kathang-isip, nang hindi nagiging mas maganda.
Ito ay isang pambihirang kaso sa operatic dramaturgy kapag ang baritone ay hindi isang karibal sa isang tenor para sa pagkakaroon ng isang soprano, at hindi isang naghihirap na ama, at hindi isang nakakaintriga na kontrabida.
Oo, ito ay isang espesyal na tungkulin, at iyon ang dahilan kung bakit ito ay mahalaga.
- Ang isa pang halimbawa ng gayong espesyal ay ang Hamlet ni Ambroise Thomas, para lamang sa baritone. Gusto mo ba?
napaka. nananaginip ako. Nang gusto ng New Opera na ipakilala sa akin si Hamlet, sa kasamaang palad, nakansela ang pagganap. At sa ngayon ay walang tiyak na mga panukala, dahil ang opera ni Tom ay bihirang itinanghal.
- Sa lalong madaling panahon dapat mong kantahin ang Onegin sa Naples, sa sikat na teatro San Carlo.
Pamilyar na ako sa teatro mula sa "Sicilian Vespers". Ang gaganda ng acoustics doon! Maaari kang kumanta sa anumang punto sa entablado at sa anumang direksyon - maririnig mo ang lahat, ang mga pagkalugi sa bulwagan ay maliit. Ang San Carlo ay hindi kailanman naibalik nang husto, hindi tulad ng La Scala sa sarili nitong hindi mabibili, dahil sa halos tatlong siglong kasaysayan ng isa sa pinakamatandang opera house sa Europa! Maswerte akong kumanta sa dalawa sa pinakamalaking opera house sa Italy, bukod sa San Carlo ito rin ang Teatro Massimo sa Palermo. Ang huli ay itinuturing din na isa sa pinakamalaking mga sinehan sa Europa.
- Nararamdaman mo ba ang kilalang palpak ng mga taga-timog sa proseso ng trabaho?
Hindi, hindi ko sasabihin. Ang iskedyul ay ibinigay sa amin ng isang buwan nang maaga at ang lahat ay nasunod. Ang kapaligiran sa loob ng koponan ay napaka-friendly. Maliban na noon ay kinailangan kong maghintay ng halos isang taon para sa bayad. Ngunit ito ay isang pangkalahatang trend ng Italyano sa Florence ay itinuturing na normal na maghintay ng dalawa hanggang tatlong taon para sa pera.
- Nakikipag-usap ka ba sa iyong mga kasamahan sa wikang Italyano doon?
Oo, halos pinagkadalubhasaan ko ang wika sa aking sarili, dahil nang dumating ang unang kontrata sa Italya, sinabi ni Dmitry Yuryevich: "Matuto ng Italyano, mapilit." Sa isang buwan, hindi ko lang kinailangan na master ang machination ng "Sicilian Vespers" sa French (ang pagganap ay tumagal ng 4 at kalahating oras!), ngunit subukan din na magsalita ng Italyano. Doon, sa mga katutubong nagsasalita, ang lahat ay naging mas simple.
Kapag mahaba ang pagtatanghal, may mga mang-aawit na nagrereklamo na huminto sa bahagi, kung ang karakter ay wala sa entablado nang mahabang panahon, i-discourage sila.
I can’t say that about myself, baka hindi pa nagkataon. Ngunit ang mga bahagi ay, siyempre, lahat ay iba-iba at ang mga artista ay may iba't ibang konsentrasyon. Sa parehong "Don Carlos" halos hindi ka na umalis sa entablado! Maliban kung, habang naghihirap si Haring Philip sa kanyang opisina, may pagkakataong makapagpahinga. Dumating ako sa mga pagtatanghal 3 oras bago magsimula - ito ang aking ugali. Ito ay mas maginhawa para sa akin, ang lahat ay ginagawa nang dahan-dahan, kailangan mong kumanta ng higit sa isang oras upang makaramdam ng ganap na handa. Ito ay isang bagay ng pag-tune sa halip sa antas ng kaisipan. Kapag mayroon kang isang aria sa isang konsiyerto, inihahanda mo ang iyong sarili nang ganap na naiiba kaysa sa isang napakalaking, kumplikadong bahagi. Hindi ko man lang iniisip ang tungkol dito, ngunit ang katawan mismo ay naghahanda para sa isang mahabang marathon.
Ang huling tanong ko ay sadyang mapanukso. Isipin natin na biglang naiwan ang pagtatanghal na walang konduktor - nagkasakit siya, hindi dumating, atbp. At, alam ang tungkol sa iyong unang edukasyon, nakikiusap sila sa iyo na iligtas ang sitwasyon, na tumayo sa mga kontrol.
Oh, hindi ito! Matagal na akong umalis sa propesyon ng conducting. At kahit na alam kong mabuti ang kinakailangang marka, hindi ako kukuha ng lakas ng loob na isagawa ang pagtatanghal. Nang walang pagsasanay, ang mga kamay ay nakalimutan nang kaunti kung paano ito gawin, at mas mahusay na ipagkatiwala ito sa isang mas handa na tao. Mayroong, siyempre, mga sakuna na sitwasyon na walang pagpipilian, ngunit, salamat sa Diyos, hindi ko pa kailangang harapin ang mga ito, at sana ay hindi ko na kailangang harapin ang mga ito.
Inalok ako ng ilang uri ng mga konsiyerto, kung saan ako ay tumutugtog ng mga instrumento, nagko-conduct, o kumakanta. Sinagot ko na hindi ako "kunduktor ng pagkanta", kundi isang mang-aawit sa opera. At kung ano ang nakaraan ay nananatili doon sa ngayon. Kung balang araw, maputi at matanda na, gusto kong bumalik sa pagsasagawa - iyon ay isa pang paksa na wala pang saysay na pag-usapan. Ngayon ay siniseryoso ko na pag-awit ng opera at ayaw gumawa ng mga hakbang na maaaring ipakahulugan bilang hindi propesyonal. SA modernong mundo kailangan mong gawin ang sa iyo alinman sa napakahusay upang magtagumpay, o hindi sa lahat, kailangan mong mapanatili ang antas.
Kinapanayam ni Tatyana Elagina
