Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Bokasyonal na pagsasanay Ang isang guro ng musika ay hindi maiisip nang walang mastering technique sa pagsasagawa. Maraming mga libro ang naisulat tungkol sa pagsasagawa ng pamamaraan, ang mga may-akda nito ay mga kilalang guro ng koro. Ang batayan ng pagsasagawa ay ang makasaysayang itinatag na sistema ng mga kilos, sa tulong kung saan ginagabayan ang pagganap ng koro.

Ang pamamaraan ng pagsasagawa ay tumutukoy sa wika ng mga kamay, sa tulong ng kung saan, kasama ang isang nagpapahayag na hitsura at mga ekspresyon ng mukha, ipinarating ng konduktor sa grupo ang kanyang pag-unawa sa gawaing musikal, ang tunog na imahe nito. Sa pagsasagawa ng pamamaraan, kaugalian na makilala sa pagitan ng dalawang function: ang timing function at ang expressive function. Ang timing (metronomy) ay ang pagpapatupad ng isang scheme na hindi nagpapahayag ng kalikasan ng musika, ang dinamika nito at iba pang mga tampok. Ang gawain ng nagpapahayag na pag-andar ay upang ipakita ang panloob na kahulugan, ang emosyonal at makasagisag na nilalaman ng akda. Ito ang wika ng mga kamay, sa tulong ng kung saan, kasama ang isang nagpapahayag na hitsura at mga ekspresyon ng mukha, ipinarating ng konduktor sa grupo ang kanyang pag-unawa sa gawaing musikal, ang tunog na imahe nito.

Ang mga pangunahing prinsipyo ng kilos ng konduktor ay ekonomiya, katumpakan, katumpakan, ritmo, katiyakan, aktibidad, liwanag, pagiging simple, pagiging natural, katumpakan.

Ang pangunahing paraan ng pagkontrol sa koro ay ang aparato ng konduktor - ito ang mga kamay, mukha, katawan - ang buong hitsura ng konduktor.

Ang katawan ay tuwid, kalmado, walang pag-igting, ang mga binti ay matatag, ang mga balikat ay nakabukas, ang ulo ay bahagyang nakataas. Ang pagpapahayag ng mukha at mga ekspresyon ng mukha ay ang pinakamahalagang kondisyon para sa mahusay na pagganap. Ang mga braso (balikat, bisig, kamay) ay dapat na malaya sa pag-igting ng kalamnan kapwa sa kilos ng mga indibidwal na bahagi nito at sa kanilang pagkakaugnay. Ang kamay ay ang pinaka-nagpapahayag na bahagi ng kamay; ito ay may kakayahang maghatid ng lahat ng uri at karakter ng mga isinagawa.

Pangunahing posisyon ng konduktor:

Ang mga kamay ay dinala pasulong sa antas ng dibdib.

Ang mga siko ay bahagyang baluktot, na may pakiramdam na medyo "hinatak" patungo sa kisame.

Forearm – parallel sa sahig.

Bahagyang nakataas ang mga kamay at nakadirekta sa mga kumakanta.

Ang mga daliri ay malayang kumalat, bahagyang bilugan.

Mga function ng kanan at kaliwang kamay.

kanang kamay nagpapakita ng:

a) paghahati ng orasan (clocking);

b) sukat ng oras (oras ng mga beats);

c) bilis at kalikasan ng paggalaw.

Kasabay nito, ang kanang kamay ay hindi pinagkaitan ng pagsasagawa ng mga nagpapahayag na gawain.

Kaliwang kamay:

a) umaakma sa karapatan sa pagpapahayag ng dynamics, tempo at kalikasan ng sound production;

b) pinapalitan ang kanang kamay sa pagpapakita ng mga pagpapakilala;

c) itinatama ang mga posibleng pagkakamali.

Ang mga function ng mga kamay ay maaaring magbago depende sa mga kinakailangan sa pagganap, tanging ang metronome function ay hindi inilipat sa isa kaliwang kamay.

Ang matagal na pagsasagawa gamit ang dalawang kamay (two-handedness) ay dapat na iwasan kung pareho silang nagsasagawa ng isang gawain na madaling mahawakan ng tama.

Sa mga gawa na may instrumental na saliw, ang paghahati ng mga kamay ay ipinahayag nang mas malinaw. Ang saliw ay karaniwang pinangungunahan ng kanang kamay, ang pangunahing himig na may pagpapakita ng rhythmic pattern ay pinangungunahan ng kaliwa.

Ang scheme ng conductor ay isang conditional expression ng istraktura ng beat, ang bilang ng mga beats sa paggalaw ng mga kamay ng conductor.

Ang una - bilang pinakamalakas - ay karaniwang nakadirekta mula sa itaas hanggang sa ibaba. Ang mahinang lobe ay matatagpuan sa gilid o pataas.

Sa paggalaw ng mga kamay ayon sa pattern, dapat mayroong malinaw na pakiramdam ng pagkakasunud-sunod ng malakas at mahinang mga oras sa beat.

Ang sandali na nag-aayos ng mga mukha ng mga pagbabahagi ng sukatan at nag-uugnay sa mga ito ay tinatawag na isang punto. Kasabay ito ng pagtatapos ng nakaraang beat at simula ng susunod at mahalagang elemento sa bawat kilos ng konduktor. Ang punto ay dapat na malinaw sa anumang tempo, na may anumang dinamika, nagbabago alinsunod sa likas na katangian ng gawain. Sa pagpapatupad nito, ang brush ay pinakamahalaga.

Sa pagsasagawa, ang bawat kilos ay dapat na maayos na lumipat sa isa pa upang ang koneksyon ng mga beats ay natural, tuloy-tuloy, walang shocks o hinto. Ang paggalaw ng mga kamay na pumupuno sa oras sa pagitan ng dalawang punto ay tinatawag na fractional. Ito ay binubuo, kumbaga, ng dalawang halves - pasibo at aktibo, nakadirekta patungo sa isang punto, patungo sa isang hinto. Kinakailangang makinig sa una at, lalo na, sa ikalawang kalahati ng kilusan, pag-iwas sa pagpapaikli nito.

Ang pagsasagawa ay isang mahigpit na pinag-isipan at malinaw na organisadong sistema ng mga outacts - mga paunang paggalaw. Ang mga kilos ng paghinga, pagpasok, paglabas, pagsisimula ng isang bagong tempo, dynamics, stroke ay nauuna sa pamamagitan ng isang auxiliary swing (auftakt), na maaaring bigyang-kahulugan bilang isang kilos ng paghahanda.

Ang simula ng pagganap ng isang piraso ay binubuo ng tatlong elemento: pansin, paghinga, pagpapakilala.

Pansin - sinusuri ng konduktor sa kanyang mga mata ang antas ng kahandaan ng koro, ang konsentrasyon ng kanyang pansin. Ang mga braso ay dinala pasulong na may maikling paggalaw sa posisyon na "pansin". Ang estado ng atensyon ay hindi dapat ma-overexposed.

hininga. Ang mga braso ay malayang tumataas mula sa posisyon ng "pansin". Ang pagtugon sa kilos na ito, ang koro ay humihinga. Ang kilos ng paghinga ay sumasalamin sa tempo, dinamika at katangian ng pagpapakilala.

Panimula - ang mga kamay ay gumagalaw pababa na may aktibong paggalaw, hanggang sa puntong nag-aayos ng beat kung saan nagsisimula ang tunog.

Ang pamamaraan ng pagtatapos ng sonority ay binubuo din ng tatlong sandali: ang paglipat sa pagtatapos, ang paghahanda ng pagtatapos at ang pagtatapos mismo.

Ang paglipat sa pagtatapos ay ipinahayag sa dating inaasahang pagtigil ng tunog at ang kaukulang sikolohikal na pagsasaayos sa pagkilos na ito. Ang sandali ay halos kapareho ng sandali ng "pansin".

Ang paghahanda ng pagtatapos ay binubuo ng isang paunang kilos, na tumutugma sa kahulugan sa sandali ng "paghinga". Dapat din itong sumasalamin sa tempo, dinamika at katangian ng akda.

Ang kilos ng pagtatapos o "pag-alis" ay ginagawa din sa tempo, dynamics at likas na katangian ng naputol na tunog. Ang pag-withdraw ay maaaring idirekta pababa, sa mga gilid na "malayo sa iyo", "patungo sa iyo". Kailangan mong i-record ang tunog o chord sa paraang ito ay maginhawa upang ipakita muli ang pagpapakilala, kung kinakailangan.

Sa choral music maraming mga halimbawa ng pagpapakilala pagkatapos ng pangunahing metrical beat, ang tinatawag na crushed introduction. Ang umiiral na espesyal na pamamaraan ng pagsasagawa ay ang mga sumusunod: ang konduktor ay nagpapakita ng isang punto sa simula ng beat (na may pulso push). Ang koro sa kilusang ito ay nakakakuha ng iyong hininga. Susunod, ang kamay ng konduktor ay gumagalaw sa direksyon ng beat, at sa oras na ito ay pumasok ang koro, kumanta ng bahagi. Tiyak na pinakikinggan ito ng konduktor, pagkatapos ay ipinapakita ang punto ng susunod na beat.

Ang pamamaraan ng isang durog na pagpapakilala ay nilalaro sa isang paggalaw, kabaligtaran sa isang pamamaraan na medyo katulad ng pangalan sa "pagdurog."

Naubos ang pagdurog:

a) sa mga gawa ng mabagal na tempo, kung saan ang pangunahing metric unit ay karaniwang pira-piraso;

b) sa mga kaso ng allargando, ritardando, ritenuto;

c) sa gawaing pag-eensayo upang bigyang-diin ang kalinawan at kalinawan ng istraktura ng metro-ritmo sa mga teknikal na mahirap na lugar sa marka.

Ang batayan para sa matagumpay na pagsasagawa ay ang pag-master ng teknikal na pagpapatupad ng mga pattern ng pagsasagawa.

Tingnan natin ang mga pattern ng simple, kumplikado, halo-halong (asymmetrical) na laki at mga pangunahing tagubilin para sa kanilang pagpapatupad.

kanin. 1. Mga sukat ng tsart

Kasama sa mga simple ang dalawang-beat at tatlong-beat na laki, na mayroong isang malakas na beat bawat bar.

Ang two-beat measure ay ginagawa sa pamamagitan ng paggalaw ng kamay pababa sa punto ng unang beat at nakadirekta sa gilid at pataas. Ang pangalawa (mahina) ay mula sa ibaba pataas. Ang paggalaw na ito ay dapat maglaman ng kaunting lakas upang maihanda ang unang (malakas) na beat.

Ang tatlong-beat na laki ay ang pinaka-maginhawa para sa pagsasagawa.

Ang unang beat ay ipinapakita na ang buong kamay ay diretso pababa, inaayos ang punto.

Ang pangalawang umbok ay inihanda na may bahagyang pataas at patagilid na paggalaw, na nagmamadali sa isang punto na matatagpuan sa parehong eroplano tulad ng una.

Ang pangatlo, huling beat ng bar, na naghahanda sa unang susunod dito, ay ipinapakita ng isang mas aktibong paggalaw kaysa sa pangalawa (pinaka mahina) at palaging mula sa ibaba hanggang sa itaas. Ang punto ng ikatlong beat ay nasa itaas ng pangalawa.

Ang kumplikadong (four-beat, six-beat, nine-beat, twelve-beat) na mga sukat ay binubuo ng ilang simple at pare-parehong laki.

Ang quadruple na dimensyon ay binubuo ng dalawang bipartite na dimensyon. Ito ang batayan para sa pagbuo ng iba pang mga circuit. Kinakatawan nito ang lahat ng apat na pangunahing direksyon ng kilos. Dito, bilang karagdagan sa malakas at mahina na mga beats, lumilitaw ang isang medyo malakas - ang pangatlo. Ang unang beat ay nakadirekta pababa, ang pangalawa, nakadirekta sa loob, ay naglalaman ng enerhiya upang ihanda ang susunod, medyo malakas na beat. Ang pangatlo ay ipinapakita ng isang aktibong paggalaw ng buong braso palayo sa sarili. Ang pang-apat na beat ay ang huling, gaya ng nakasanayan, pataas.

Ang natitirang mga dimensyon ay itinayo batay sa mga scheme ng two-lobe, three-lobe o four-lobe, na inuulit ang direksyon ng malakas at medyo malakas na lobes.

Ang six-beat meter ay isinasagawa sa anim ayon sa pattern na four-beat. Ang istraktura nito ay dalawang simpleng three-beat measures (3+3).

Ang una - isang malakas na beat at ang pang-apat - isang medyo malakas na beat, ay ipinapakita na may partisipasyon ng buong braso mula sa balikat sa kanilang paunang paghahanda sa nakaraang oras.

Ang mga mahihina (pangalawa, pangatlo, ikalima at ikaanim) ay ginaganap pangunahin sa pamamagitan ng kamay, na may pakiramdam ng bahagyang nasusukat na panginginig ng boses ng kamay.

Ang pangalawa at ikalimang ulitin ang direksyon ng una at ikaapat na lobes, ayon sa pagkakabanggit, ngunit makabuluhang mas maliit sa dami; ang pangatlo - sa iyong sarili; pang-anim (huling beat) – mula sa gilid pataas.

Dapat malaman ng mag-aaral:

istraktura ng aparato ng konduktor;

pangunahing mga prinsipyo ng pagpoposisyon ng kamay (kalayaan, plasticity ng mga paggalaw, graphic na kalinawan ng mga linya);

posisyon ng katawan, binti, ulo, posisyon ng mga kamay;

ang likas na katangian ng mga paggalaw ng konduktor (pagpapahayag, kalooban, awtoridad, minimum na paggasta ng pagsisikap, aktibong impluwensya ng kilos).

Ang pag-aaral ng pagsasagawa ng pamamaraan ay karaniwang nagsisimula sa pagtatanghal ng dula ng aparato ng konduktor - unti-unti, pare-pareho at sistematikong pag-unlad ng sistema ng pagsasagawa ng mga paggalaw, napapailalim sa ilang mga prinsipyo:

kadalian at kalayaan sa paggalaw;

ang kanilang kalinawan at kakayahang makita;

kapakinabangan at ekonomiya;

"paghahanda at babala" ng mga paggalaw, dahil ang likas na katangian ng pagsasagawa ay ang kilos ay "nagmumungkahi" ng dinamika, pagbigkas, emosyonal na kahulugan ng musika, ang dinamika ng pagganap, at, samakatuwid, ay lumitaw nang medyo mas maaga kaysa sa sonority;

sound science, kung isasaalang-alang natin na ang pagsasagawa ng isang koro ay ang kontrol ng tunog ng pagkanta.

Kaya't ang paghahanap para sa isang kilos na pinakatumpak na nagpapahayag ng paghinga ng pagkanta, kontrol ng tunog, pagbigkas, pagpapatuloy ng tunog ng boses, atbp. Napakahalaga dito postura, hitsura ng konduktor. Samakatuwid, kapag nagsisimula ng mga klase, dapat mong kontrolin ang iyong sarili sa harap ng salamin. Kailangan mong tumayo nang tuwid at matatag, nang hindi yumuyuko o yumuko, nang malayang nakatalikod ang iyong mga balikat. Mahalaga iyon frame

Siya ay angkop, nagpahayag ng boluntaryong aktibidad, determinasyon, ang pagkakaroon ng kalooban, upang kapag nagsasagawa siya ay nanatiling medyo hindi kumikibo, ngunit sa anumang kaso ay napigilan. Ang mga paggalaw ng katawan ay pinapayagan lamang ang mga mapapahusay ang pagpapahayag ng mga pagkilos ng kamay. Posisyon mga ulo

ay tinutukoy ng katotohanan na ang mukha ng konduktor ay dapat palaging nakaharap sa koro, na malinaw na nakikita ng lahat ng mga kalahok nito. Ang mga ekspresyon ng mukha ay dapat na medyo nagpapahayag, na nagpapakita ng nilalaman ng musika hangga't maaari. Ang isang walang malasakit, walang malasakit na tao ay lubos na binabawasan ang impluwensya ng konduktor sa pinangungunahan na grupo. Ang kanyang titig ay gumaganap ng isang espesyal na papel sa pakikipag-ugnay sa koro, walang salita na naghahatid ng ilang impormasyon sa kanya. Mga binti

dapat magbigay sa katawan ng matatag at matatag na posisyon. Dapat kang tumayo nang bahagyang nakahiwalay ang iyong mga paa, bahagyang nakaunat ang isang binti pasulong, na nagbibigay ng tamang suporta sa buong katawan. Mahalaga na patuloy na mapanatili ang pagkalastiko sa iyong mga binti, huwag yumuko ang mga ito sa mga kasukasuan ng tuhod at huwag i-tap ang matalo. Mga kamay -

ang pangunahing bahagi ng aparato ng konduktor. Ang mga kilos ay dapat na libre, natural, at sa parehong oras ay matipid at tumpak. Ang braso ay binubuo ng kamay, bisig (ang gitnang bahagi ng braso sa pagitan ng kamay at siko), at ang balikat (sa itaas na bahagi ng braso sa pagitan ng siko at magkasanib na balikat). Kapag nagsasagawa, ang kamay ay dapat nasa isang pahalang na posisyon na ang palad ay nakaharap pababa. Ang pagbabago ng mga posisyon ng kamay (gilid pababa, palad pataas) ay posible sa mga pambihirang kaso bilang isang espesyal na napiling pamamaraan ng pagsasagawa. Ang mga braso ay dapat na nasa isang bahagyang baluktot na posisyon (na parang nakahiga sa isang bola), na nakolekta, ngunit hindi pinindot laban sa isa't isa. Kapag nagsasagawa, ang mga daliri ay dapat manatiling medyo hindi gumagalaw, sa kaibahan sa kamay, na libre at mobile sa pulso joint, sensitibo, handa para sa anumang paggalaw.

Ang tamang posisyon ng katawan, binti at braso ay isang kinakailangang kondisyon para sa pag-set up ng aparato ng konduktor.

Paksa : Pag-orasan.

Dapat malaman ng mag-aaral:

pagkakaiba sa pagitan ng tiyempo at pagsasagawa;

ang istraktura ng paggalaw ng beat sa pagsasagawa ng mga pattern;

pag-aayos ng gilid ng pangunahing lobes (tuldok), pakiramdam ng pag-urong;

malakas at mahinang mga beats ng isang bar;

konsepto ng auftakt, mga uri ng auftakt;

tatlong sandali ng pagpasok (pansin, paghinga, pagpasok);

mga diskarte sa pagtatapos ( kilusang paghahanda at pag-alis);

Ang mag-aaral ay dapat magagawang:

maunawaan ang istraktura ng paggalaw ng mga beats sa panahon;

ipakita ang auftakt;

wastong nabuo ang malakas at mahinang beats ng bar gamit ang kilos ng conductor;

ipakita sa isang kilos ang tatlong sandali ng pagpasok, pag-alis.

Ang pag-aaral ng disiplina na "Choral conducting" ay nagsisimula sa orasan (metronomiya). Ang mga paggalaw ng kamay sa panahon ng timing ay medyo simple. "Ang pagbibilang ng metric beats sa pamamagitan ng paggalaw ng kamay alinsunod sa mga pattern ng orasan ay karaniwang tinatawag na "metric timing" (K. Ptitsa). Hindi gumagana ang metric timing , dahil wala itong mga artistikong elemento, ngunit ito ang batayan kung saan nakasalalay ang pagsasagawa.

Ang mga pangunahing gawain ng panukat na timing ay bumaba sa pag-aayos ng ritmo ng pagganap, paghahatid ng malinaw na pattern ng mga pattern ng oras, at pagpapakita ng malakas at mahinang oras sa isang sukat.

Ang isang napakahalagang punto ay ang paghalili ng malakas at mahinang mga beats ng bar. Ang pagsasagawa ng panukat ay dapat na malinaw na nagpapakita ng paghahalili na ito, na nagbibigay ng partikular na atensyon sa mga malalakas na panahunan.

Malakas na share ay ang pangunahing sandali ng pag-oorganisa ng pagsasagawa;

Sa pagsasagawa malakas na bahagi may Laging direksyon mula sa itaas hanggang sa ibaba (sa anumang metro), medyo malakas - malayo sa konduktor , ang mahinang mga beats ay nakapangkat sa mga malalakas na beats .

Upang ang malakas na beat ay maging pinakamahalaga, matimbang, at kapansin-pansin sa scheme ng conductor, kailangan mong gawin ito nang tama. Malakas na beat bilang isang panuntunan, ay may mas kapansin-pansin, maliwanag na pag-indayog sa harap nito, at ang pababang paggalaw ay ginagawa nang may mas maraming enerhiya, na tumataas habang papalapit ito. "punto". Ang pagpapatupad ng malakas na beat sa pamamagitan ng volitional movement ay nauugnay sa pressure sa piston. Sa sandaling maabot ang "punto" ng malakas na beat sa eroplano, kinakailangan na pakiramdam suporta sa mga kamay. Pagkatapos magsagawa ng malakas na beat, ang kamay ay agad na binitawan at ang susunod na beat (mahina) ay inihanda.

Ang mga malalakas na beats (maliban sa mga espesyal na kaso ng pagbigkas) sa scheme ay dapat na naiiba mula sa mga mahihina hindi gaanong sa amplitude ng mga paggalaw tulad ng sa panloob na kayamanan ng kilos. Ang wastong pagpapatupad ng mga malakas na beats, ang kakayahang magpalit ng aktibidad ng kalamnan na may kumpletong pagpapalaya ay nagbibigay sa hinaharap ng isang malinaw na kilos, ang awtoridad ng kamay, na napakahalaga para sa konduktor kapag nakikipag-usap sa grupo. Ang pagwawalang-bahala sa sandaling ito at ang pagmamaliit nito ay humahantong sa katotohanan na ang isang konduktor ay itinataas na may "walang laman", malata ang mga kamay. Siyempre, ang likas na katangian ng musikang ginaganap, ang iba't ibang sound engineering, ay gumagawa ng mga pagsasaayos sa sagisag ng malalakas na sandali sa kamay, dahil hindi sila maaaring gumanap sa pareho at monotonous na paraan.

Kung sa bahagi ng konduktor indayog ay ang pangunahing babala sandali, pagkatapos punto sandali - pangunahing pag-oorganisa.

Ang "punto" ay hindi isang hinto, ngunit ang gilid ng isang beat. Ang intensity ng "punto" ay depende sa likas na katangian ng musika: maaari itong alinman sa matalim, matalim, o malambot, springy. Ngunit palagi, sa anumang tempo at dinamika, ang "punto" ay dapat na malinaw at tumpak.

Isipin ang isang malaking bulwagan ng konsiyerto. Nakaupo na ang mga audience. Ang lahat sa paligid ay puno ng solemne na kagalakan ng pag-asa na pamilyar sa mga madalas na bisita. mga konsiyerto ng symphony. Umakyat sa entablado ang isang orkestra. Sinalubong siya ng palakpakan. Ang mga musikero ay nakaayos sa mga grupo at ang bawat isa ay nagpatuloy sa pag-tune ng kanilang instrumento na kanilang sinimulan sa likod ng mga eksena. Unti-unting humupa ang hindi pagkakatugmang kaguluhan ng mga tunog na ito, at lumilitaw ang konduktor sa entablado. Muling pumalakpak. Ang konduktor ay umakyat sa isang maliit na plataporma, sumasagot ng mga pagbati, at bumabati sa mga miyembro ng orkestra. Pagkatapos ay tumayo siya nang nakatalikod sa madla, mahinahon at malayang tumitingin sa paligid ng orkestra. Isang alon ng kamay - at ang bulwagan ay puno ng mga tunog.

Ano ang susunod na mangyayari? Ang orkestra ay tumutugtog, ang konduktor ang namamahala sa pagtatanghal. Ngunit kung paano nagpapatuloy ang prosesong ito, kung paano nabuo ang "relasyon" ng konduktor sa symphony ensemble, ay nananatiling isang tunay na misteryo para sa maraming amateurs (at hindi lamang para sa mga amateur), isang "lihim na may pitong seal."

Hindi lihim na maraming tagapakinig, na hindi maunawaan ang masalimuot na "mga ugnayang ito," ay nagtatanong nang diretso at mapanlikha: bakit, sa katunayan, kailangan ang isang konduktor? Pagkatapos ng lahat, isang daang propesyonal na manlalaro ng orkestra ang nakaupo sa entablado, at sa mga console sa harap nila ay mga tala kung saan ang lahat ng mga detalye at nuances ng pagganap ay naitala. Hindi pa ba sapat para sa isa sa mga musikero na ipakita ang unang sandali ng pagpapakilala (ito mismo ang ginagawa nila sa maliliit na ensemble ng silid), at, sa pagsunod sa mga tagubilin ng may-akda, ang mga miyembro ng orkestra mismo, nang walang tulong ng isang konduktor, gagawin ang buong piyesa mula simula hanggang wakas? Pagkatapos ng lahat, sa katunayan, ang ilang mga amateurs ay nagtatalo, kahit na ang isang mahusay na konduktor ay hindi maaaring mapabuti ang anuman kung walang mahusay na mga soloista sa orkestra at ang ilang mga makabuluhang episode ay tunog hindi nagpapahayag, walang lasa o mali (at nangyayari rin ito!). O kabaligtaran - sa likod ng console ng isang first-class symphony orchestra mayroong isang walang karanasan o maliit na talento na konduktor, at sa kasong ito ang grupo ay tumutulong lamang sa kasamahan nito, na parang tinatakpan ang lahat ng kanyang mga pagkukulang sa kanilang kakayahan at kakayahan. (Isang sikat na kabalintunaan sa mga musikero ay minsang ginawa ng isang matandang miyembro ng orkestra tungkol sa isa sa mga konduktor na ito: "Hindi ko alam kung ano ang gagawin niya, ngunit tutugtugin natin ang Beethoven's Fifth Symphony.")

Sa katunayan, mayroong ilang sentido komun sa mga hatol na ito. Ito ay kilala na ang mga maliliit na orkestra noong ika-17-18 na siglo ay gumanap nang walang konduktor, at tanging ang pinaka-kinakailangang mga tagubilin ay ibinigay ng unang biyolinista o tagapalabas na nakaupo sa harpsichord. Ang karanasan ng tinatawag na Persimfans (ang unang symphonic ensemble), na nagtrabaho sa Moscow sa pagliko ng 30s ng siglong ito, ay kawili-wili din; Ang grupong ito, na hindi kailanman gumanap kasama ng mga konduktor, ay nakakuha ng malaking resulta sa pamamagitan ng matiyaga at maingat na gawain sa pag-eensayo. Pero paano modernong teatro ay hindi maiisip kung walang direktor, iyon ay, nang walang isang layunin na plano, tulad ng isang modernong orkestra ng symphony ay imposible nang walang konduktor. Para sa tanong ng interpretasyon - maalalahanin, maingat, napuno ng pag-iisip - ay, sa esensya, ang tanong ng lahat ng mga katanungan.

Kung walang maliwanag, indibidwal, kahit na kontrobersyal, ngunit orihinal na interpretasyon, wala at hindi maaaring maging symphonic (o anumang iba pang) pagganap ngayon. At kung sa bukang-liwayway ng kanilang pag-unlad, ang mga sining tulad ng teatro at sinehan ay hindi nangangailangan ng isang direktor (ang kaakit-akit na kapangyarihan at bagong bagay ng mga sining na ito ay napakahusay sa oras na iyon), kung gayon ang orkestra ng symphony sa isang maagang yugto ng pag-unlad (sa kalagitnaan ng ika-18 siglo) malayang pinamamahalaan nang walang pinuno. Posible rin ito dahil ang katawan ng symphonic mismo ay hindi kumplikado noong mga panahong iyon: ito ay isang kolektibo kung saan hindi hihigit sa 30 musikero ang tumugtog, at kakaunti ang mga independiyenteng tinig ng orkestra; upang maisagawa ang naturang marka ay nangangailangan ng medyo maliit na bilang ng mga pag-eensayo. At ang pinakamahalaga - ang sining ng paglalaro ng musika, iyon ay, paglalaro nang magkasama nang wala paunang paghahanda, noon ay ang tanging paraan ng pagganap. Samakatuwid, ang mga musikero ay nakamit ang isang mataas na antas ng ensemble coherence habang naglalaro nang walang pinuno. Malinaw, ang mga tradisyon ng medieval musical culture, pangunahin ang mga tradisyon ng choral singing, ay nagkaroon ng epekto dito. Bilang karagdagan, ang mga instrumental na marka noong ika-18 siglo ay medyo simple: maraming mga gawa ng nakaraang panahon, ang panahon ng polyphonic (i.e., polyphonic) na pagsulat, ay nagpakita ng higit na mas malaking kahirapan para sa pagganap. At sa wakas, ang mga tanong ng interpretasyon ay hindi sumasakop sa isang mahalagang posisyon alinman sa musikal na agham o sa aesthetics ng musika. Tama, matapat na pagpaparami ng musikal na teksto, propesyonal na kasanayan at mahusay na panlasa - lahat ng ito ay higit pa sa sapat upang maisagawa ang anumang gawain, maging ito ay simpleng pagtugtog ng home music o isang pampublikong konsiyerto sa isang malaking bulwagan.

Ngayon ang sitwasyon ay nagbago nang malaki. Ang pilosopikal na kahalagahan ng symphonic na musika ay tumaas nang hindi masukat, at ang pagganap nito ay naging mas kumplikado. Kahit na iwanan natin ang mga isyu ng interpretasyon, na napakahalaga sa ating panahon, kung gayon sa kasong ito ay hindi kapaki-pakinabang na alisin ang orkestra ng isang konduktor. Sa katunayan, kung ang isang may karanasan at may kaalaman na konduktor ay maaaring matuto ng isang mahirap na komposisyon na may isang orkestra sa 3-4 na pag-eensayo, kung gayon ang isang grupo na walang pinuno ay mangangailangan ng tatlong beses na mas maraming oras para sa parehong gawain. Ang mga modernong marka ay marami sa mga kumplikadong interweaving ng iba't ibang boses, sopistikadong rhythmic figure, at hindi inaasahang kumbinasyon ng timbre. Upang makakuha ng ganitong uri ng marka nang walang tulong ng isang konduktor, kahit na ang pinaka-maingat na trabaho ay hindi sapat. Sa kasong ito, kinakailangan na ang bawat miyembro ng orkestra, bilang karagdagan sa isang hindi nagkakamali na kaalaman sa kanyang sariling bahagi, ay may perpektong kaalaman sa buong marka sa kabuuan. Ito ay hindi lamang magpapalubha sa proseso ng paggawa sa mga sanaysay, ngunit mangangailangan din ng maraming dagdag na oras para sa parehong indibidwal at pangkat na pagsasanay. Gayunpaman, ang lahat ng mga gastos ay maaaring iwaksi kung ang pangunahing isyu - ang interpretasyon ng trabaho - ay nalutas. Ito ay malinaw na sa kawalan ng isang konduktor, maaari naming, sa pinakamahusay na, makipag-usap tungkol sa tumpak, propesyonal na karampatang pagpaparami ng musika. Sa kasong ito, hindi mo na kailangang asahan ang isang masigla, maliwanag, malalim na pinag-isipang pagganap: ang mga musikero ay makakatuon lamang ng pansin sa mga indibidwal na fragment at nuances, at para sa kabuuan, mas tiyak, ang pinakadiwa ng ang komposisyon, ang konsepto nito, emosyonal at ideolohikal-artistic na subtext, pagkatapos ay pangangalaga Walang sinuman ang masisisi para dito. Samakatuwid, ngayon ang isang malaking orkestra ng symphony ay hindi magagawa nang walang pinuno: ang orkestra ay naging masyadong kumplikado at magkakaibang isang kababalaghan, at ang gawain ng pamamahala nito ay dapat lutasin ng isang makapangyarihang musikero na matatas sa mahirap ngunit marangal na propesyon ng isang konduktor. .

Ang propesyonal na pagsasagawa ng sining na nauugnay sa orkestra ay umiral nang mahigit dalawang siglo. Kasabay nito, ang mga kinakailangan para sa pinagmulan nito ay lumitaw noong sinaunang panahon. Nabatid na ang musika sa bukang-liwayway ng pag-unlad nito ay hindi mapaghihiwalay sa mga salita, kilos, ekspresyon ng mukha, at prinsipyo ng sayaw. Kahit na ang mga primitive na tribo ay gumamit ng mga primitive na instrumento ng pagtambulin, at kung wala sila sa kamay, kung gayon ang pagpalakpak ng mga kamay, matalim na paggalaw ng mga kamay, atbp ay nagsilbi upang bigyang-diin ang mga maindayog na accent : sinubukan ng maraming mananayaw na ipahayag ang nilalaman ng isang musikal na gawa sa pamamagitan ng purong plastik na paraan. Siyempre, ang mga sinaunang sayaw ay walang kinalaman sa pagsasagawa, ngunit ang mismong ideya ng paghahatid ng nilalamang musikal sa pamamagitan ng mga kilos at ekspresyon ng mukha ay walang alinlangan na malapit sa sining ng pagsasagawa. Hindi bababa sa, ang pakiramdam ng malakas na ritmikong beats sa musika ay palaging nagdulot ng pagnanais na bigyang-diin ang mga ito sa pamamagitan ng isang alon ng kamay, isang tango ng ulo, atbp. Nang lumitaw ang isang koro sa sinaunang teatro ng Greek, ang pinuno nito, sa pagkakasunud-sunod. upang mapadali ang magkasanib na pag-awit, talunin ang beat sa pamamagitan ng malakas na pagtatak sa kanyang mga paa. Malinaw, ang pinakasimpleng purong physiological reflex na ito ay maaaring ituring na embryo ng sining ng pagsasagawa.

Sa silangang mga bansa, bago pa ang ating panahon, naimbento ang tinatawag na cheironomy - isang espesyal na paraan ng pagkontrol sa isang koro gamit ang mga kumbensyonal na galaw ng kamay at galaw ng daliri. Ang musikero na nanguna sa pagtatanghal ay nagpahiwatig ng ritmo, ang direksyon ng melody (pataas o pababa), iba't-ibang mga dynamic na shade at mga nuances. Kasabay nito, ang isang buong sistema ng mga kilos ay binuo, kung saan ang bawat tiyak na paggalaw ng kamay o daliri ay tumutugma sa isa o ibang pamamaraan ng pagpapatupad. Ang pag-imbento ng cheironomy ay isang makabuluhang tagumpay ng sinaunang kasanayan sa musika, gayunpaman, nasa Middle Ages na, ang pagiging kumplikado ng paggamit ng naturang mga diskarte sa pagsasagawa at ang kanilang matinding conventionality ay naging halata. Sila ay nag-ambag ng kaunti sa paghahatid ng pinaka kakanyahan ng musikang ginaganap, ngunit sa halip ay nagsilbing pantulong, mnemonic na paraan.

Ang pinakasimpleng, visual na mga galaw na ginamit noong unang panahon sa panahon ng kolektibong pagganap (pag-tap sa paa, pantay na pagwagayway ng mga braso, pagpalakpak ng mga kamay) ay nakatulong sa pagbuo ng isang malakas na grupo sa mga tuntunin ng visual at auditory. Sa madaling salita, nakita ng mga gumaganap kung paano binigyang-diin ng pinuno ang isang tunog na may isang kilos, at bilang karagdagan, narinig nila kung paano ang parehong tunog ay binibigyang diin sa pamamagitan ng pagsipa, pagpalakpak, atbp. Gayunpaman, ang lahat ng mga kilos na ito ay nakuha ang kanilang tunay na kahulugan lamang sa paglitaw ng makabagong sistema notasyong pangmusika. Tulad ng nalalaman, ang kasalukuyang paraan ng notasyon na may paghahati sa mga sukat (Ang isang sukat ay isang maliit na seksyon ng isang gawaing musikal, na natapos sa pagitan ng dalawang malakas, ibig sabihin, mga accented beats.) ay sa wakas ay itinatag sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo. Ngayon ay nakita ng mga musikero sa mga tala ang isang linya ng bar na naghihiwalay sa isang maindayog na accent mula sa isa pa, at kasabay ng mga accent na ito na naitala sa notasyong pangmusika, naramdaman nila ang kilos ng konduktor, na nagbibigay-diin sa parehong mga ritmikong beats. Pinadali nito ang pagpapatupad at binigyan ito ng makabuluhang karakter.

Noong unang kalahati ng ika-15 siglo, bago pa man dumating ang modernong musikal na notasyon, isang battuta, isang malaking mahabang patpat na may dulo, ay nagsimulang gamitin upang kontrolin ang koro. Ang pagsasagawa sa tulong nito ay nakatulong na mapanatili ang ensemble, dahil ang atensyon ng mga gumaganap ay nakatuon sa trampolin: hindi lamang ito solid sa laki at, natural, malinaw na nakikita mula sa lahat ng mga punto ng entablado ng konsiyerto, ngunit din eleganteng pinalamutian, maliwanag at makulay. . Ang mga ginto at pilak na trampolin ay madalas na tinatawag na mga royal staff. Ito ay may ganitong katangian ng sinaunang pagsasagawa ng pamamaraan na ang trahedya na kwento na nangyari noong 1687 sa sikat Pranses na kompositor Lully: sa isang konsiyerto nasugatan niya ang kanyang binti gamit ang isang trampolin at hindi nagtagal ay namatay dahil sa gangrene na nabuo pagkatapos ng suntok...

Ang pagsasagawa sa tulong ng isang trampolin ay, siyempre, ay may mga makabuluhang disadvantages. Una, ang pagkakaroon ng napakalaking "instrumento" sa kanyang pagtatapon, hindi makontrol ng konduktor ang ensemble nang madali at nababaluktot; ang lahat ng pagsasagawa ay nabawasan, mahalagang, sa mekanikal na pagkatalo ng oras. Pangalawa, ang mga suntok na ito ay hindi maaaring makagambala sa normal na pang-unawa ng musika. Samakatuwid, noong ika-17 at ika-18 siglo nagkaroon ng matinding paghahanap para sa isang paraan ng tahimik na pagsasagawa. At ang gayong paraan ay natagpuan. Mas tiyak, natural itong lumitaw sa pagdating ng isang espesyal na pamamaraan sa pagsasanay sa musika, na tinatawag na pangkalahatang bass, o digital bass. Ang pangkalahatang bass ay isang kumbensyonal na pag-record ng saliw sa itaas na boses: ang bawat bass note ay sinamahan ng isang digital na pagtatalaga na nagsasaad kung aling mga chord ang ipinahiwatig sa isang partikular na lugar; ang tagapalabas, sa kanyang paghuhusga, ay maaaring mag-iba-iba ang mga pamamaraan ng musikal na pagtatanghal, pinalamutian ang mga chord na ito na may iba't ibang mga harmonic figurations. Naturally, kinuha ng konduktor sa kanyang sarili ang mahirap na gawain ng pag-decode ng pangkalahatang bass. Umupo siya sa harpsichord at nagsimulang pamahalaan ang grupo, pinagsasama ang mga tungkulin ng konduktor mismo at ang improvising na musikero. Sa paglalaro ng ensemble, ipinahiwatig niya ang tempo na may mga paunang chord, binigyang diin ang ritmo na may mga accent o mga espesyal na pigura, gumawa ng mga tagubilin sa kanyang ulo, mga mata, at kung minsan ay tinutulungan ang kanyang sarili sa mga sipa.

Ang pamamaraang ito ng pagsasagawa ay pinaka-matatag na itinatag sa pagtatapos ng ika-17 - simula ng ika-18 siglo sa opera, at kalaunan sa pagsasanay sa konsiyerto. Tulad ng para sa pagtatanghal ng koro, patuloy silang gumamit ng alinman sa isang stick o mga tala na pinagsama sa isang tubo. Noong ika-18 siglo, ang mga tao kung minsan ay nagsasagawa ng panyo. Ngunit sa maraming pagkakataon, nililimitahan ng pinuno ng isang orkestra o koro ang kanyang mga tungkulin sa simpleng pag-iingat ng oras. Ang mga progresibong musikero ay masigasig na nakipaglaban sa hindi napapanahong pamamaraan na ito. Ang tanyag na artistang Aleman noong kalagitnaan ng ika-18 siglo, si Johann Mattheson, na walang pagkairita, ay sumulat: “Tiyak na magtaka ang isang tao na may pantanging opinyon ang ilang tao hinggil sa oras ng pagpalo ng paa; Marahil ay iniisip nila na ang kanilang binti ay mas matalino kaysa sa kanilang ulo, at samakatuwid ay ipinapasa nila ito sa kanilang binti."

Gayunpaman, mahirap para sa mga musikero na sumuko nang malakas sa pagkatalo - ang diskarteng ito ay masyadong nakatanim sa konsiyerto at pagsasanay sa pag-eensayo. Ngunit matagumpay na pinagsama ng mga pinaka-sensitibo at mahuhusay na pinuno ang naturang timing sa mga nagpapahayag na mga galaw ng kamay, kung saan sinubukan nilang bigyang-diin ang emosyonal na bahagi ng musikang ginaganap.

Kaya, sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, dalawang paraan ng pagsasagawa ang nagbanggaan sa buhay musikal: sa isang kaso, ang konduktor ay nakaupo sa harpsichord at pinamunuan ang ensemble, na gumaganap ng isa sa mga nangungunang bahagi ng orkestra; sa isa pa, napunta ito sa pagkatalo sa beat, pati na rin sa ilang karagdagang kilos at galaw. Ang pakikibaka sa pagitan ng dalawang paraan ng pagsasagawa ay nalutas sa medyo hindi inaasahang paraan. Mahalaga, ang mga pamamaraan na ito ay pinagsama sa isang natatanging paraan: sa tabi ng conductor-harpsichordist, lumitaw ang isa pang pinuno; siya ang unang biyolinista, o, bilang siya ay tinatawag sa grupo, accompanist. Habang tumutugtog ng violin, madalas siyang huminto (ang natitirang bahagi ng orkestra, natural, ay patuloy na tumutugtog) at sa oras na ito ay isinasagawa nang may busog. Siyempre, mas maginhawa para sa mga musikero na tumugtog sa ilalim ng kanyang direksyon: hindi tulad ng kanyang kasamahan, na nakaupo sa harpsichord, siya ay nagsagawa habang nakatayo at, bilang karagdagan, siya ay tinulungan ng isang busog. Kaya, ang papel ng conductor-harpsichordist ay unti-unting nabawasan sa zero at ang accompanist ay naging tanging pinuno ng ensemble. At nang tuluyan na siyang tumigil sa pagtugtog at nagpasyang "makipag-usap" sa orkestra sa pamamagitan lamang ng mga kilos, nagsimula ang tunay na pagsilang ng isang konduktor sa modernong kahulugan ng salita.

Ang paglitaw ng pagsasagawa bilang isang independiyenteng propesyon ay pangunahing nauugnay sa pag-unlad ng symphonic na musika, higit sa lahat sa matinding pagtaas ng pilosopikal na kahalagahan nito. Sa ika-18 siglo, ang symphony sa pamamagitan ng pagsisikap ng mga kompositor iba't ibang paaralan at ang mga direksyon ay lumabas sa genre ng pang-araw-araw, inilapat, kadalasang lokal na musika, at unti-unting naging kanlungan para sa mga bagong ideya. Inilagay nina Mozart at Beethoven ang symphony sa isang par sa nobela, sa madaling salita, sa mga tuntunin ng kapangyarihan ng epekto at lalim ng nilalaman, ang symphonic genre ay hindi na mababa sa panitikan.

Ang mga romantikong kompositor ay nagpakilala ng isang mapaghimagsik na espiritu sa symphonic na musika, isang pagkahilig sa mga subjective na mood at karanasan, at higit sa lahat, pinunan nila ito ng partikular na programmatic na nilalaman. Ang instrumental na konsiyerto(i.e., isang konsiyerto para sa isang solong instrumento na may isang orkestra), ang mga unang halimbawa nito ay bumalik sa simula ng ika-18 siglo, sa mga gawa ni A. Vivaldi, J. S. Bach, G. Handel.

Sa simula ng ika-19 na siglo, lumitaw ang genre ng concert overture, kalaunan - symphonic na tula, suite, rhapsodies. Ang lahat ng ito ay kapansin-pansing binago ang hitsura ng symphony orchestra at ang mga pamamaraan ng pamamahala nito. Samakatuwid, ang dating pinuno, na tumugtog sa ensemble at sabay-sabay na nagbigay ng mga tagubilin sa mga musikero, ay hindi na maisakatuparan ang kumplikado at magkakaibang mga tungkulin ng pamamahala ng bagong uri ng orkestra. Ang mga gawain ng ganap na pagpapatupad ng isang symphonic work kasama ang multicolor na instrumentation, malakihang sukat at mga tampok nito anyong musikal maglagay ng mga kahilingan bagong teknolohiya, isang bagong paraan ng pagsasagawa. Kaya, ang mga tungkulin ng pinuno ay unti-unting naipasa sa musikero, na hindi direktang lumahok sa paglalaro ng ensemble. Ang unang tumayo sa isang espesyal na plataporma ay ang Aleman na musikero na si Johann Friedrich Reichardt. Nangyari ito sa pinakadulo ng ika-18 siglo.

Kasunod nito, ang pamamaraan ng pagsasagawa ay patuloy na napabuti. Kung tungkol sa mga "panlabas" na mga kaganapan sa kasaysayan ng pagsasagawa, medyo kakaunti ang mga ito. Noong 1817, unang ipinakilala ng German violinist at kompositor na si Ludwig Spohr ang isang maliit na baton. Ang pagbabagong ito ay agad na kinuha sa maraming bansa. Itinatag at bagong paraan pagsasagawa, na nakaligtas hanggang sa araw na ito: ang konduktor ay nagsimulang humarap hindi sa madla, tulad ng dati nang nakaugalian, ngunit ang orkestra, at sa gayon ay nagawang idirekta ang lahat ng kanyang pansin sa grupong kanyang idinidirekta. Sa lugar na ito, ang priyoridad ay pag-aari ng mahusay na kompositor ng Aleman na si Richard Wagner, na matapang na nagtagumpay sa mga kombensiyon ng nakaraang conductor etiquette.

Paano pinangangasiwaan ng modernong konduktor ang isang orkestra?

Naturally, ang sining ng pagsasagawa, tulad ng anumang iba pang pagganap, ay may dalawang panig - teknikal at masining. Sa proseso ng trabaho - sa mga pag-eensayo at konsiyerto - sila ay malapit na magkakaugnay. Gayunpaman, kapag pinag-aaralan ang sining ng isang konduktor, ang isa ay dapat na partikular na magsalita tungkol sa teknikal na bahagi - kung gayon ang "mekanika" ng kumplikadong pagsasagawa ng bapor ay magiging mas malinaw...

Ang pangunahing “tool” ng konduktor ay ang kanyang mga kamay. Ang isang magandang kalahati ng tagumpay sa pagsasagawa ay nakasalalay sa pagpapahayag at kaplastikan ng mga kamay, sa mahusay na kasanayan sa mga kilos. Ang mayamang karanasan sa nakaraan at modernong musikal na kasanayan ay napatunayan na ang mga pag-andar ng parehong mga kamay kapag nagsasagawa ay dapat na maiiba nang husto.

Ang kanang kamay ay abala sa tiyempo. Upang mas maunawaan kung paano gumagana ang kamay na ito, magsagawa tayo ng maikling iskursiyon sa larangan ng teorya ng musika. Alam ng lahat na ang musika, tulad ng mga pangunahing proseso ng buhay - paghinga at tibok ng puso - ay tila pantay na tumitibok. Ito ay patuloy na nagpapalit-palit sa pagitan ng mga yugto ng pag-igting at paglabas. Ang mga sandali ng pag-igting, kapag ang mga accent ay maaaring madama sa tila maayos na daloy ng musika, ay karaniwang tinatawag na malalakas na beats, mga sandali ng paglabas - mahina. Ang tuluy-tuloy na paghahalili ng naturang mga beats, accented at unaccented, ay tinatawag na meter. At ang cell, ang sukat ng musical meter, ay isang beat - isang segment ng musika na natapos sa pagitan ng dalawang malakas, iyon ay, accentuated beats. Ang isang sukatan ay maaaring magkaroon ng ibang-iba na bilang ng mga beats - dalawa, tatlo, apat, anim, atbp. Kadalasan sa klasikal na musika, ito ang mga metro na matatagpuan; ang pinakasimple sa mga ito ay dalawa- at tatlong-lobed. Gayunpaman, sa iba't ibang mga komposisyon ng musika, ang mga metro na may malaking bilang ng mga beats bawat bar ay madalas na nangingibabaw - lima, pito at kahit labing isa. Malinaw na ang gayong musika ay gumagawa ng isang uri ng "asymmetrical" na impresyon sa tainga.

Kaya, ang kanang kamay ay abala sa tiyempo, iyon ay, nagpapahiwatig ng mga beats. Para sa layuning ito, may mga tinatawag na "metric grids", kung saan ang direksyon ng mga kilos sa panahon ng timing ay tiyak na itinatag. Kaya, sa isang two-beat meter, ang unang beat ay dapat tumunog sa sandaling huminto ang kamay ng konduktor sa panahon ng isang patayong paggalaw mula sa itaas hanggang sa ibaba (Dapat itong isaalang-alang na ang mas mababang limitasyon ng posisyon ng mga kamay ng konduktor ay nasa ang antas ng kanyang nakababang mga siko; kung ibababa ng konduktor ang kanyang mga kamay, kung gayon ang mga miyembro ng orkestra na nakaupo sa likurang entablado, hindi nila makikita ang kilos ng konduktor.); sa ikalawang beat babalik ang kamay sa orihinal nitong posisyon. Kung ang sukat ay three-beat, ang dulo ng baton ng conductor, na laging nasa kanang kamay, ay maglalarawan ng isang tatsulok: ang unang beat ay, gaya ng nakasanayan, ay nasa ibaba, ang pangalawa kapag ang kamay ay inilipat sa ang kanan at ang pangatlo kapag bumalik sa orihinal nitong posisyon. May mga "grids" para sa mas kumplikadong metro, at lahat ng mga ito ay kilala sa parehong konduktor at orkestra. Samakatuwid, ang timing ay nagsisilbing "susi" para sa komunikasyon sa pagitan ng manager at ng koponan. At gaano man kaiba ang mga pamamaraan at uri ng pagsasagawa, ang timing ay "laging nananatiling canvas kung saan ang konduktor-artist ay nagbuburda ng mga pattern ng artistikong pagganap" (Malko).

Ang mga pag-andar ng kaliwang kamay ay mas magkakaibang. Minsan nakikilahok siya sa timing. Kadalasan nangyayari ito sa mga kaso kung saan kinakailangan na bigyang-diin ang bawat beat ng bar at sa gayon ay mapanatili ang isang malakas na grupo sa koponan. Ngunit ang pangunahing "lugar ng aplikasyon" ng kaliwang kamay ay ang globo ng pagpapahayag. Ang kaliwang kamay ng konduktor ang "gumagawa ng musika." Nalalapat ito sa pagpapakita ng lahat ng mga dynamic na shade, nuances, at mga detalye ng execution. Imposibleng ilista ang mga ito, imposibleng tumpak na ilarawan ang mga ito sa mga salita, tulad ng imposibleng ilarawan ang lahat ng paraan ng paggawa ng tunog ng pianista o biyolinista. Gayunpaman, ang kaliwang kamay ay madalas na hindi kasangkot sa proseso ng pagsasagawa. At hindi ito nangyayari dahil ang konduktor ay "walang sasabihin" sa kanyang kaliwang kamay. Ang mga nakaranasang at sensitibong konduktor ay palaging inilalaan ito upang ipakita ang pinakamahalagang mga nuances at mga detalye, kung hindi man ang kaliwang kamay ay hindi sinasadya na nagiging isang mirror na imahe ng kanan at nawawala ang kalayaan nito; at higit sa lahat, ang mga miyembro ng orkestra ay hindi makapag-concentrate sa konduktor kung siya ay nagko-conduct sa parehong mga kamay sa lahat ng oras at sa parehong oras ay palaging sinusubukan upang kontrolin ang timing lamang sa kanyang kanang kamay at nagpapakita ng mga nuances lamang sa kanyang kaliwa. Ang ganitong pagsasagawa ay parehong mahirap para sa konduktor at halos walang silbi para sa orkestra.

Samakatuwid, sa sining ng pagsasagawa (tulad ng sa sining ng musika sa pangkalahatan) mahalaga na magpalit-palit ng mga sandali ng pag-igting at pagpapalaya, iyon ay, mga sandali ng matinding paggalaw, kung kailan ang bawat kilos ay dapat mapansin at madama ng mga musikero, at mga sandali. ng kalmado, "tahimik" na pagsasagawa, kapag ang konduktor ay sinasadya na inilipat ang inisyatiba sa orkestra at gumagawa lamang ng pinaka-kinakailangang mga tagubilin, kadalasang nililimitahan ang kanyang sarili sa halos hindi kapansin-pansin na tiyempo. Ngunit, anuman ang mangyari sa musika, kung ano ang emosyonal na singil nito, ang konduktor ay hindi dapat mawalan ng kontrol sa mga paggalaw ng kanyang mga kamay sa isang segundo at matatag na alalahanin ang delimitation ng kanilang mga pag-andar. “Ang kanang kamay ay pumapalo, ang kaliwa ay nagpapahiwatig ng mga nuances,” ang isinulat ng Pranses na konduktor na si Charles Munsch “Ang una ay mula sa isip, ang pangalawa ay mula sa puso; at dapat laging alam ng kanang kamay kung ano ang ginagawa ng kaliwa. Ang layunin ng konduktor ay makamit ang perpektong koordinasyon ng kilos na may ganap na kalayaan ng mga kamay, upang ang isa ay hindi sumalungat sa isa pa” (S. Munsch. Ako ay isang konduktor. M., 1960, p. 39.).

Siyempre, hindi maaaring ipakita ng konduktor sa kanyang mga kamay ang lahat ng mga detalye na naitala sa marka. Malinaw, hindi ito kinakailangan. Ngunit sa sining ng isang konduktor mayroon ding mga purong teknolohikal na gawain kapag ang lahat ay nakasalalay lamang sa isang tumpak, mahusay na kilos. Una sa lahat, ito ay tumutukoy sa sandali ng pagkuha ng tunog, maging ito ay simula ng isang piraso, ang fragment kasunod ng isang paghinto, o ang pagpapakilala ng isang indibidwal na instrumento, pati na rin ang isang buong grupo. Dito, dapat na tumpak na ipakita ng konduktor hindi lamang ang mismong sandali kung saan nagsisimula ang tunog. Dapat niyang ipahayag sa isang kilos ang likas na katangian ng tunog, ang dinamika nito, at ang bilis ng pagpapatupad. Dahil ang paggawa ng tunog ay nangangailangan ng tiyak na paghahanda mula sa mga miyembro ng orkestra, ang pangunahing kilos ng konduktor ay nauuna sa isang tiyak na paunang paggalaw, na tinatawag na isang aftertact. Ito ay may hugis ng arko o loop, at ang laki at karakter nito ay nakadepende sa kung anong tunog ang dapat idulot ng kilos na ito. Ang isang kalmado at mabagal na piraso ay nauuna sa isang makinis at nakakalibang na aftertaste, ang isang mabilis at dynamic na aktibong piraso ay pinangungunahan ng isang matalas, mapagpasyahan at "matalim".

Kaya, ang mga posibilidad ng kilos ng isang konduktor ay napakalaki. Sa tulong nito, ipinapahiwatig nila ang sandali ng pagkuha o pag-alis ng tunog, bilis ng pagganap, mga dynamic na lilim (malakas, tahimik, pagpapalakas o pagpapahina ng sonority, atbp.); ang kilos ng konduktor ay "naglalarawan" sa buong meter-ritmikong bahagi ng trabaho; sa tulong ng ilang mga kilos, ipinapakita ng konduktor ang mga sandali ng pagpapakilala sa mga indibidwal na instrumento at grupo ng mga instrumento, at, sa wakas, ang kilos ay ang pangunahing paraan kung saan ipinakikita ng konduktor ang mga nagpapahayag na lilim ng musika. Hindi ito nangangahulugan na mayroong anumang partikular na stereotypical na mga galaw para sa paghahatid ng isang malungkot na kalooban o para sa pagsasama ng isang pakiramdam ng kagalakan at saya. Ang lahat ng mga galaw na idinisenyo upang ihatid ang isa o isa pang emosyonal na subtext sa orkestra ay hindi maaaring itala o tukuyin nang isang beses at para sa lahat. Ang kanilang paggamit ay eksklusibo na konektado sa indibidwal na "sulat-kamay" ng konduktor, sa kanyang artistikong likas na talino, sa plasticity ng kanyang mga kamay, sa kanyang artistikong panlasa, ugali, at higit sa lahat - sa antas ng kanyang pagsasagawa ng regalo. Hindi lihim na maraming mahuhusay na musikero, na kilalang-kilala ang orkestra at may magandang pakiramdam sa musika, ay halos walang magawa kapag tumayo sila sa kinatatayuan ng konduktor. Nangyayari rin ito: ang isang musikero na walang espesyal na kaalaman at karanasan ay nakakaakit sa mga miyembro ng orkestra at mga tagapakinig na may kamangha-manghang kasanayan sa plastik at bihirang pagsasagawa ng katalinuhan...

Gayunpaman, mali na isipin na ang mga kamay ay ang tanging "instrumento" ng konduktor. Ang isang tunay na konduktor ay dapat magkaroon ng mahusay na kontrol sa kanyang katawan, kung hindi, ang anumang hindi makatarungang pagliko ng ulo o katawan ay magmumukhang isang malinaw na dissonance sa pangkalahatang daloy ng mga paggalaw ng konduktor. Ang mga ekspresyon ng mukha ay may malaking papel sa pagsasagawa. Sa katunayan, mahirap isipin ang isang musikero na nakatayo sa kinatatayuan ng konduktor na walang pakialam at walang ekspresyon ang mukha. Ang mga ekspresyon ng mukha ay dapat palaging nauugnay sa isang kilos, dapat tumulong dito at, kumbaga, umakma dito. At narito mahirap na labis na timbangin ang kahalagahan ng pagpapahayag ng tingin ng konduktor. Ang mga dakilang dalubhasa sa sining ng pagsasagawa ay kadalasang may mga sandali na ang kanilang mga mata ay nagpapahayag ng higit sa kanilang mga kamay. Nabatid na ang namumukod-tanging German conductor na si Otto Klemperer, isang napakatalino na interpreter ng mga symphony ni Beethoven, sa kabila ng nakaligtas sa isang malubhang sakit at bahagyang paralisado, ay hindi huminto sa kanyang mga pagtatanghal sa konsiyerto. Siya ay kadalasang nagsagawa habang nakaupo, ngunit ang mahiwagang kapangyarihan ng kanyang titig at napakalaki ay magpapahintulot sa kagalang-galang na maestro na kontrolin ang grupo, na gumugugol ng kaunting pagsisikap sa mga paggalaw ng kanyang mga kamay at katawan.

Ang tanong ay natural na lumitaw: ano ang gumaganap ng pinakamahalagang papel kapag nagsasagawa - mga kamay, mata, kontrol sa katawan o nagpapahayag ng mga ekspresyon ng mukha? Marahil ay may isa pang pag-aari na tumutukoy sa kakanyahan ng pagsasagawa ng sining? “Ang paghampas ng oras ay isa lamang sa mga aspeto ng pagsasagawa,” ang isinulat ng sikat na Amerikanong konduktor na si Leopold Stokowski “Ang mga mata ay gumaganap ng mas malaking papel, at ang higit na mahalaga ay ang panloob na pakikipag-ugnayan na tiyak na umiiral sa pagitan ng konduktor at ng mga miyembro ng orkestra. (L. Stokowski. Musika para sa ating lahat. M., 1959, p. 160.).

Panloob na pakikipag-ugnayan... Marahil ang ekspresyong ito mismo ay hindi nagpapaliwanag ng anuman. Gayunpaman, mahirap sabihin nang mas tumpak. Sa katunayan, ang tagumpay ng isang konsiyerto ay nakasalalay sa kung paano nakikipag-usap ang konduktor at orkestra, kung paano sila nagkakaintindihan, kung gaano nagtitiwala ang kolektibo sa pinuno, at nagtitiwala ang pinuno sa kolektibo. At ang pangunahing lugar para sa "pagpapakita ng relasyon" sa pagitan ng konduktor at ng orkestra ay nagiging ang rehearsal.

Ang isang konduktor sa isang rehearsal ay una at pangunahin sa isang guro. Dito maaari siyang gumamit ng tulong ng mga salita. Totoo, ang mga miyembro ng orkestra ay walang tiwala at kahit na maingat sa mga konduktor na umaabuso sa pagkakataong ito. Siyempre, ang pangunahing layunin ng konduktor sa panahon ng isang pag-eensayo ay hindi mahabang talakayan tungkol sa istilo at mga detalye ng pagtatanghal. Ang pangunahing "kasangkapan" ng konduktor ay nananatiling kanyang mga kamay. Kadalasan, sapat na ang ilang salita upang umakma at lohikal na suportahan ang iyong mga kilos. Sa pag-eensayo lamang ay magiging malinaw kung ang konduktor ay may sapat na malalim na utos ng marka, kung ang kanyang mga komento ay nakakumbinsi, kung ang pagbabalik sa parehong fragment ay makatwiran. Ang isang orchestral rehearsal ay palaging matindi at puno ng kaganapan. Ang oras dito ay mahigpit na kinokontrol; kailangan mong tumpak na kalkulahin ang iyong mga kakayahan at ang mga kakayahan ng orkestra. Kung ang konduktor sa rehearsal ay hindi nakolekta, tumpak at mahusay, kung malinaw na wala siyang oras upang makumpleto ang lahat ng kanyang pinlano, kung gayon ang kinalabasan ng labanan, na tinatawag na isang konsiyerto, ay maaaring ituring na isang foregone na konklusyon.. .

Ang isang konsiyerto ng symphony ay karaniwang nauuna sa 3-4 na pag-eensayo. Mayroong higit pa sa kanila - ang lahat ay nakasalalay sa kahirapan ng programa. Sa unang pag-eensayo, ang konduktor ay madalas na lumiliko sa pinakamahirap na komposisyon. Una, tinutugtog niya ito nang buo, na nagbibigay ng pagkakataon sa mga miyembro ng orkestra na maging pamilyar sa gawain (kung ito ay ginaganap sa unang pagkakataon) o tandaan ito (kung ito ay isang pag-renew). Pagkatapos maglaro, magsisimula ang masinsinang gawain. Binibigyang-pansin ng konduktor ang mahihirap na mga sipi at dumaan sa kanila nang maraming beses; tinitiyak na ang lahat ng mga detalye ng pamamaraan ng pagganap ay malinaw na naisagawa, at gumagana sa mga soloista ng orkestra. Ito ay "evens out" ang sonority ng mga indibidwal na grupo at coordinate ang lahat ng mga dynamic na shades at nuances. Alinsunod sa mga tala at tagubilin ng may-akda, ipinakilala din niya ang kanyang sariling mga touch at detalye sa marka...

Ang unang pag-eensayo ay dapat ipakita sa konduktor kung gaano kakaya ang mga hinihingi na inilalagay niya sa orkestra. Dito lumalabas na minamaliit niya ang mga kakayahan ng koponan o na-overestimated ang mga ito. Pagkatapos ng malalim at komprehensibong pagsusuri sa nangyari noong nakaraang araw, dumating ang konduktor sa pangalawang rehearsal. At kung ang unang pagpupulong ng orkestra sa konduktor ay kapwa kaaya-aya at kapaki-pakinabang, kung nagdala ito ng propesyonal at aesthetic na kasiyahan sa parehong orkestra at direktor, kung gayon maaari nating pag-usapan ang paglitaw ng panloob na pakikipag-ugnay, ang napakahalagang kalidad, nang walang na ang tagumpay ng karagdagang trabaho ay imposible. Pagkatapos ay mayroong ganap na pagkakaunawaan sa pagitan ng dalawang panig. Ang orkestra ay nagsimulang mamuhay sa pamamagitan ng ideya na ipinaglihi ng konduktor. Ang konduktor, sa turn, ay madaling makahanap ng access sa ensemble: maaari niyang ipaliwanag ang mas kaunti sa mga musikero at humingi ng higit pa mula sa kanila. Ang orkestra ay ganap na nagtitiwala sa konduktor, nakikita siya bilang isang matalino, kawili-wili, maalam na pinuno. At ang konduktor, sa turn, ay nagtitiwala sa orkestra at hindi mekanikal na inuulit ang mahihirap na sipi, alam na alam na ang orkestra ay haharapin ang maraming mga gawain nang wala ang kanyang tulong.

Samantala ang rehearsal, pagiging ang pinakamagandang paaralan kasanayan para sa parehong orkestra at konduktor ay hindi maaaring magbigay ng isang kumpletong komprehensibong ideya ng alinman sa pagganap ng ensemble o ang kasanayan ng pinuno nito. “Ang pangunahing halaga ng sining ng pagsasagawa,” ang isinulat ng namumukod-tanging Aleman na konduktor na si Felix Weingartner, “ay ang kakayahang ihatid ang pagkaunawa ng isa sa mga gumaganap. Sa panahon ng pag-eensayo, ang konduktor ay isang trabahador lamang na alam ang kanyang gawain. Sa sandali lamang ng pagtatanghal ay nagiging artista siya. Ang pinakamahusay na pagsasanay, gaano man ito kinakailangan, ay hindi makakapagpahusay sa mga kakayahan sa pagganap ng orkestra gaya ng ginagawa ng inspirasyon ng konduktor...” (F. Weingartner. Tungkol sa pagsasagawa. L., 1927, pp. 44-45. )

Kaya, sa proseso ng pagsasagawa, ang pangunahing papel ay ginagampanan ng mga kamay ng konduktor, pati na rin ang kanyang mga ekspresyon sa mukha, mga mata at kakayahang kontrolin ang kanyang katawan. Marami, tulad ng nakita natin, ay nakasalalay sa malinaw at mahusay na gawain sa pag-eensayo, at sa isang konsiyerto ang konduktor ay tumulong sa kanyang mga katangiang masining at, higit sa lahat, inspirasyon.

At gayon pa man ang iba't ibang mga konduktor, gamit ang parehong paraan, ay binibigyang-kahulugan ang parehong komposisyon nang iba. Ano ang "sikreto" dito? Malinaw, sa ganitong kahulugan, ang sining ng pagsasagawa ng kaunti ay naiiba sa iba pang mga uri ng musikal na pagtatanghal. Sa pamamagitan ng pagkuha ng ibang diskarte sa bawat isa, kahit na tila hindi napapansing detalye, ang mga konduktor sa gayon ay nakakamit ng iba't ibang artistikong resulta sa interpretasyon ng trabaho. Tempo, dynamic shades, expressiveness ng bawat musical phrase - lahat ng ito ay nagsisilbing isama ang ideya. At ang iba't ibang konduktor ay palaging lalapit sa mga detalyeng ito nang iba. Ang diskarte sa mga kasukdulan at ang kanilang pagpapatupad ay napakalaking kahalagahan para sa anyo ng sanaysay. At dito palaging ipinapakita ng mga konduktor ang kanilang indibidwal na panlasa, kasanayan at ugali. Maaaring malabo ng konduktor ang ilang detalye at bigyang-diin ang iba, at sa orkestra ng symphony Sa napakaraming iba't ibang mga partido, palaging mayroong maraming mga pagkakataon para sa gayong mga makahulugang paghahanap. At hindi para sa wala na ang parehong komposisyon ay naiiba ang tunog mula sa iba't ibang mga konduktor. Sa isang kaso, ang prinsipyo ng malakas na kalooban ay nauuna, sa isa pa, ang mga liriko na pahina ay tunog na pinakamadamdamin at nagpapahayag, sa ikatlo, ang kalayaan at kakayahang umangkop ng pagganap ay kamangha-mangha, sa ikaapat, marangal na kalubhaan at pagpigil ng damdamin.

Ngunit anuman ang indibidwal na sulat-kamay at istilo ng konduktor, ang bawat musikero na naglalaan ng kanyang sarili sa aktibidad na ito ay dapat magkaroon ng isang tiyak na halaga ng pinaka-iba't ibang mga katangian at kasanayan. Kahit na sa isang mababaw na kakilala sa sining ng pagsasagawa, nagiging malinaw na ang propesyon na ito ay kumplikado at multifaceted. Ang mga tiyak na tampok nito ay nakasalalay sa katotohanan na ang konduktor ay nagagawa ang mga masining na gawain na nakaharap sa kanya nang hindi direkta (tulad ng, halimbawa, isang pianista, biyolinista, mang-aawit, atbp.), Ngunit sa tulong ng isang sistema ng mga plastik na diskarte at kilos.

Ang espesyal na posisyon ng konduktor ay nakasalalay sa katotohanan na ang kanyang "instrumento" ay binubuo ng mga buhay na tao. Hindi nagkataon na sinabi ng sikat na konduktor ng Russia na si Nikolai Andreevich Malko: "Kung ang bawat musikero ay dapat magkaroon ng kanyang sarili musikal na pag-iisip, pagkatapos ang konduktor ay kailangang "gumana sa kanyang utak" nang doble. Sa isang banda, ang konduktor, tulad ng iba pang musikero, ay may sarili niyang puro indibidwal na konsepto ng pagganap. Sa kabilang banda, dapat niyang isaalang-alang ang mga katangian ng pangkat na kanyang pinamumunuan. Sa madaling salita, responsable siya para sa kanyang sarili at sa mga miyembro ng orkestra. Samakatuwid, ang sining ng pagsasagawa ay matagal nang itinuturing na pinaka kumplikadong hitsura pagganap sa musika. Ayon kay N. A. Malko, "isang propesor ng sikolohiya sa kanyang mga lektura ay binanggit ang pagsasagawa bilang isang halimbawa ng pinaka kumplikadong psychophysical na aktibidad ng isang tao, hindi lamang sa musika, kundi sa buhay sa pangkalahatan" (N. Malko. Mga Pangunahing Kaalaman ng pagsasagawa ng pamamaraan. Leningrad , 1965, p.

Sa katunayan, ang pagsasagawa, na mukhang halos primitive sa labas, ay lumalabas na isang nakakagulat na multifaceted creative profession. Nangangailangan ito ng malakas na propesyonal na pagsasanay at kahanga-hangang kalooban, matalas na pandinig at pinakamataas na panloob na disiplina, mahusay na memorya at mahusay na pisikal na pagtitiis. Sa madaling salita, dapat pagsamahin ng isang konduktor ang isang maraming nalalaman na propesyonal na musikero, isang sensitibong guro at isang malakas na pinuno.

Bukod dito, ang isang tunay na konduktor ay dapat magkaroon ng mahusay na kaalaman sa mga kakayahan ng lahat ng mga instrumento at marunong tumugtog ng alinman sa mga kuwerdas, mas mabuti ang biyolin. Tulad ng ipinakita ng pagsasanay, ang karamihan sa mga nagpapahayag na mga stroke at mga detalye ay nakapaloob sa mga batch mga instrumentong kuwerdas. At hindi isang solong pag-eensayo ang kumpleto nang walang detalyadong, maingat na trabaho sa string quintet. Malinaw na, nang hindi naiisip ang halos lahat ng mga posibilidad ng violin, viola, cello o double bass, ang konduktor ay hindi magagawang makipag-usap sa ensemble sa isang tunay na mataas na antas ng propesyonal.

Dapat ding masusing pag-aralan ng konduktor ang mga katangian ng boses ng pag-awit. At, kung una sa lahat ang naturang pangangailangan ay dapat iharap sa konduktor ng opera, hindi ito nangangahulugan na ang konduktor na gumaganap sa entablado ng konsiyerto ay maaaring pabayaan ito. Para sa bilang ng mga komposisyon kung saan ang mga mang-aawit o koro ay talagang napakalaki. At sa mga araw na ito, kapag ang mga genre ng oratorio at cantata ay nakararanas ng bagong kapanahunan, kung kailan higit na binibigyang pansin ang sinaunang musika (at ito ay malapit na konektado sa pagkanta), mahirap isipin ang isang konduktor na hindi gaanong bihasa sa. sining ng boses.

Ang kakayahang tumugtog ng piano ay nagbibigay ng malaking tulong sa konduktor. Sa katunayan, bilang karagdagan sa mga praktikal na layunin, iyon ay, ang pagtugtog ng puntos sa piano, ang pinuno ng orkestra ay dapat na pamilyar sa sining ng accompaniment. Sa pagsasagawa, madalas niyang kailangang harapin ang mga soloista - mga pianista, biyolinista, mang-aawit. At natural, bago ang orchestral rehearsal, nakikipagpulong ang konduktor sa mga soloistang ito sa piano. Maaari mong, siyempre, sa gayong mga pagpupulong ay gumamit ng tulong ng isang pianist-accommpanist, ngunit pagkatapos ay ang konduktor ay mawawalan ng pagkakataon na maranasan ang lahat ng mga paghihirap at kagalakan ng sining ng saliw mula sa kanyang sariling karanasan. Totoo, maraming mga konduktor, kahit na hindi propesyonal na malakas na mga pianista, ay nagpapakita pa rin ng isang espesyal na pagkahilig at pagmamahal para sa symphonic accompaniment. Malinaw, ang likas na kahulugan ng ensemble ay gumaganap ng isang mahalagang papel dito.

Ito ay kagiliw-giliw na ang pagsasagawa ng talento ay madalas na pinagsama sa iba pang mga musikal at malikhaing kakayahan, at lalo na sa pagbuo ng talento. Maraming namumukod-tanging kompositor ang mga natatanging konduktor din. K. Weber, G. Berlioz, F. Liszt, R. Wagner, G. Mahler, R. Strauss ay gumanap kasama ang pinakamahusay na mga orkestra sa Europa at Amerika, at sila ay aktibong mga musikero ng konsiyerto at wala sa kanila ang naglimita sa kanilang sarili sa pagganap ng kanilang sariling mga komposisyon . Kabilang sa mga kompositor ng Russia, sina M. Balakirev, P. Tchaikovsky, at S. Rachmaninov ay may pambihirang kakayahan sa pagsasagawa. Among Mga kompositor ng Sobyet na matagumpay na nagpakita ng kanilang sarili sa pagsasagawa ng papel, hindi maaaring hindi banggitin ng isa si S. Prokofiev, R. Glier, I. Dunaevsky, D. Kabalevsky, A. Khachaturyan, O. Taktakishvili at iba pa.

Malinaw na ang bawat tunay na konduktor ay hindi maiisip nang walang isang maliwanag na pagganap na regalo, isang nagpapahayag na kilos, isang mahusay na pakiramdam ng ritmo, isang napakatalino na kakayahang basahin ang marka, atbp. At, sa wakas, isa sa mga pinakamahalagang kinakailangan para sa isang konduktor: siya dapat magkaroon ng kumpleto at komprehensibong kaalaman sa musika. Ang buong kasaysayan ng pagsasagawa at lalo na ang modernong musikal na pagsasanay ay tiyak na nagpapatunay sa pangangailangan at maging sa kategoryang katangian ng naturang pangangailangan. Sa katunayan, para ibunyag ang iyong plano isang malaking bilang musikero, ang konduktor ay dapat hindi lamang malalim na pag-aralan ang lahat ng mga estilo ng orkestra (i.e., mga symphonic na gawa ng pinaka-magkakaibang direksyon at paaralan), dapat siyang magkaroon ng mahusay na kaalaman sa piano, vocal, choral, chamber-instrumental na musika - kung hindi, maraming mga tampok ng musikal na estilo ng ito o na ang isa pang kompositor ay hindi kilala sa kanya. Bilang karagdagan, hindi maaaring balewalain ng konduktor ang isang komprehensibo at malalim na pag-aaral ng kasaysayan, pilosopiya, at aesthetics. At higit sa lahat, dapat na pamilyar siya sa mga kaugnay na sining - pagpipinta, teatro, sinehan, at lalo na ang panitikan. Ang lahat ng ito ay nagpapayaman sa talino ng konduktor at tumutulong sa kanya sa kanyang trabaho sa bawat puntos.

Kaya, ang isang konduktor ay nangangailangan ng isang buong kumplikadong mga katangian. At kung ang iba't ibang mga birtud ay masayang pinagsama sa isang musikero, kung mayroon siyang sapat na malakas na mga katangian upang magbigay ng inspirasyon, akitin at pamunuan ang koponan, kung gayon maaari nating pag-usapan ang tungkol sa isang tunay na regalo sa pagsasagawa, o sa halip, isang bokasyon sa pagsasagawa. At dahil ang gawain ng isang konduktor ay hindi lamang mahirap at multifaceted, ngunit marangal din, ang propesyon na ito ay wastong itinuturing na "nangungunang" propesyon sa malawak na larangan ng pagganap ng musikal.

Sa artikulong ito tatalakayin natin ang mga pangunahing kaalaman sa pagsasagawa. Siyempre, ang pagsasagawa ay isang buong sining na natutunan sa kabuuan ng maraming taon mga kolehiyo ng musika at konserbatoryo. Ngunit tatalakayin lamang natin ang paksang ito mula sa isang gilid. Ang lahat ng mga musikero ay kailangang magsagawa kapag kumakanta sa mga aralin sa solfeggio, kaya pag-uusapan natin kung paano ito gagawin.

Pangunahing mga pattern ng pagsasagawa

May mga unibersal na pagsasagawa ng mga scheme para sa simple at kumplikadong mga. Tatlo lang sila - two-lobed, three-lobed at four-lobed. Kapag nagsasagawa, ang bawat beat ay ipinapakita gamit ang isang hiwalay na wave ng kamay ay madalas na ipinapakita sa isang pababang kilos.

Sa figure maaari mong makita ang pangunahing tatlong mga scheme para sa pagsasagawa gamit ang kanang kamay. Ang mga numerical na marka ay nagpapahiwatig ng pagkakasunod-sunod ng mga galaw.

Bipartite scheme binubuo, ayon sa pagkakabanggit, ng dalawang swings: isa pababa (sa gilid), ang pangalawa pataas (likod). Ang pattern na ito ay angkop para sa pagsasagawa sa mga sukat na 2/4, 2/8, 2/2, 2/1, 2/16, atbp.

Tripartite scheme ay kumbinasyon ng tatlong kilos: pababa, pakanan (kung nagsasagawa ka gamit ang iyong kaliwang kamay, pagkatapos ay sa kaliwa) at hanggang sa orihinal na punto. Ang pattern ay angkop para sa mga sukat na 3/4, 3/8, 3/2, 3/16, atbp.

Quadruple scheme naglalaman ng apat na galaw: pababa, kaliwa, kanan at pataas. Kung nagsasagawa ka ng parehong mga kamay sa parehong oras, pagkatapos ay sa "dalawa", iyon ay, sa pangalawang beat, ang kanan at kaliwang mga kamay ay gumagalaw patungo sa isa't isa, at sa "tatlo" sila ay naghihiwalay sa iba't ibang direksyon, sa huling stroke nagtatagpo sila sa tuktok sa isang punto.

Pagsasagawa ng mas kumplikadong mga time signature

Kung mayroong higit pang mga beats sa isang bar, kung gayon ang mga naturang sukat ay magkasya sa isang three-beat o four-beat scheme na may pagdodoble ng ilang mga kilos. Bukod dito, bilang panuntunan, ang mga stroke na mas malapit sa downbeat ay nadoble. Bilang isang halimbawa, nais kong magbigay ng mga scheme ng mga laki tulad ng 6/8, 5/4 at 9/8. Magsabi tayo ng ilang salita tungkol sa bawat isa.

Sukat 6/8- kumplikado (komposisyon 3/8 + 3/8), upang maisagawa ito kailangan mo ng anim na kilos. Ang anim na galaw na ito ay umaangkop sa isang pattern na may apat na bahagi, na may dobleng paggalaw pababa at pakanan.

Sukat 9/8 itinuturing ding kumplikado, ito ay nabuo sa pamamagitan ng triple repetition sa isang simpleng 3/8 time signature. Hindi tulad ng iba pang mga kumplikadong metro, ito ay isinasagawa sa isang three-beat pattern, kung saan ang bawat stroke ay triple lang. At ang mga pagbabago sa mga kilos (sa kanan at pataas) sa kasong ito ay sabay-sabay na nagpapakita ng medyo malakas na mga beats.

Gabay sa pagsasagawa ng mga pattern

Upang matiyak na ang mga isinasagawang pagsasagawa ng mga scheme ay hindi nakalimutan sa paglipas ng panahon, at upang mabilis na ulitin ang mga ito kung kinakailangan, iminumungkahi namin na mag-download ka o kopyahin para sa iyong sarili ang isang maliit na paalala na may pangunahing mga scheme.

MEMO "PAGSASAGAWA NG MGA SKEME" -

Paano gumagana ang iyong mga kamay kapag nagsasagawa?

Sasabihin din namin sa iyo ang tungkol sa ilang puro teknikal na aspeto ng pagsasagawa.

SANDALI 1. Maaari kang magsagawa ng isa o dalawang kamay. Kadalasan sa mga aralin sa solfeggio ay nagsasagawa ako ng isang kanang kamay, kung minsan sa isang kaliwa (sa oras na ito ay tumutugtog sila ng isang melody sa piano gamit ang kanang kamay).

SANDALI 2. Kapag nagsasagawa ng parehong mga kamay sa parehong oras, ang mga kamay ay dapat ilipat sa isang mirror na imahe na may kaugnayan sa bawat isa. Iyon ay, halimbawa, kung ang kanang kamay ay pupunta sa kanan, pagkatapos ang kaliwang kamay ay pupunta sa kaliwa. Sa madaling salita, palagi silang gumagalaw sa kabaligtaran na direksyon: alinman ay magkakaiba sila sa iba't ibang direksyon, o, sa kabaligtaran, sila ay nagtatagpo, lumilipat patungo sa isa't isa.

SANDALI 3. Sa proseso ng pagsasagawa ang buong braso mula sa balikat ay dapat na kasangkot (minsan mas mataas pa mula sa collarbone at shoulder blade) at hanggang sa mga daliri. Ngunit ang iba't ibang uri ng paggalaw ay katangian lamang ng mga aktibidad ng propesyonal na orkestra o mga konduktor ng koro. Sa isang klase ng solfeggio, kailangan mo lamang na malinaw na ipakita ang diagram, sa gayon ay tinutulungan ang iyong sarili na kumanta nang ritmo.

SANDALI 4. Kapag nagsasagawa ng mga simpleng pattern, ang bisig (ulna) ang pinaka-mobile; ito ang buto na kumukuha sa karamihan ng mga paggalaw - humahantong sa buong braso pababa, sa gilid, o pataas. Kapag gumagalaw sa gilid, ang bisig ay aktibong tinutulungan ng balikat (humerus), lumalayo sa katawan o lumalapit dito.

SANDALI 5. Kapag gumagalaw pataas, mahalaga na ang bisig ay hindi bumaba nang napakababa; ang natural na pinakamababang punto ay ang posisyon kapag ang isang tamang anggulo ay nabuo sa pagitan ng bisig at balikat.

SANDALI 6. Sa panahon ng pagsasagawa, ang kamay ay maaaring tumugon sa mga pangunahing paggalaw at spring bahagyang maayos kapag binabago ang direksyon ng kilos, ang kamay, sa tulong ng pulso, ay maaaring bahagyang lumiko sa direksyon ng paggalaw (na parang nagsisilbing manibela; ).

SANDALI 7. Ang mga paggalaw sa pangkalahatan ay hindi dapat matibay at prangka, kailangan nilang bilugan, lahat ang mga pagliko ay dapat na makinis .

Pagsasagawa ng mga pagsasanay sa 2/4 at 3/4 na pirma ng oras

Upang magsanay ng mga pangunahing kasanayan sa pagsasagawa, kumpletuhin ang mga iminungkahing simpleng pagsasanay. Ang isa sa kanila ay ilalaan sa 2/4 time signature, ang isa sa three-beat pattern.

PAGSASANAY Blg. 1 “DALAWANG KWARTA”. Halimbawa, kukuha kami ng 4 na bar ng isang melody sa 2/4 na oras. Pansinin dito, medyo simple ito - karamihan ay quarter notes at kalahating note sa dulo. Ang mga tagal ng quarter ay maginhawa dahil sinusukat nila ang pulso at tiyak na ang tagal na ito ay katumbas ng bawat kilos sa scheme ng conductor.

Mayroong dalawang quarter note sa unang sukat: C at D. Ang DO ay ang unang beat, isang malakas, isasagawa namin ito pababa (o sa gilid). Ang tala RE ay ang pangalawang beat, mahina habang isinasagawa ito, ang kamay ay gagawa ng kabaligtaran na paggalaw - pataas. Sa kasunod na mga hakbang, ang rhythmic pattern ay magkatulad, kaya magkakaroon ng eksaktong parehong ugnayan sa pagitan ng mga nota at paggalaw ng kamay.

Sa huling, ikaapat na sukat, nakikita natin ang isang tala C, ito ay kalahati ang haba, iyon ay, sinasakop nito ang parehong mga beats nang sabay-sabay - ang buong sukat. Samakatuwid, ang talang DO na ito ay nangangailangan ng dalawang stroke nang sabay-sabay;

PAGSASANAY Blg. 2 “TATLONG KWARTA”. Sa pagkakataong ito nag-aalok kami ng 4 na bar ng melody sa 3/4 na oras para sa pag-aaral. Ang ritmo ay muling pinangungunahan ng quarter notes, at kaya ang tatlong quarter notes sa unang tatlong sukat ay dapat na madaling magkasya sa loob ng tatlong stroke ng pattern.

Halimbawa, sa unang sukat, ang mga tala C, RE at MI ay ibabahagi ayon sa scheme tulad ng sumusunod: C – para sa isang pababang kilos, RE – para sa isang paggalaw sa kanan, at MI – para sa pagpapakita ng huling beat na may isang pataas na paggalaw.

Sa huling sukat - kalahati. Sa mga tuntunin ng kanilang tagal, kumukuha sila ng isang buong sukat, tatlong quarter, at samakatuwid upang maisagawa ito kakailanganin nating gawin ang lahat ng tatlong paggalaw ng scheme.

Paano ipaliwanag ang pag-uugali sa isang bata?

Ang pinakamahirap na bagay sa pagtuturo sa mga bata ay ipakilala sila sa pamamaraan, tandaan ang mga paggalaw at pagsasanay ang mga ito kahit kaunti. Ang pakikipagtulungan sa mga makasagisag na asosasyon ay maaaring makatulong sa paglutas ng mga problemang ito.

Sabihin nating, kung natututo tayo ng conducting pattern sa 2/4, kung gayon ang bawat stroke ay kailangang kahit papaano ay artistikong matukoy. Sa madaling salita, upang ipaliwanag ang isang kilos, kailangan mong makahanap ng katulad na paggalaw o sensasyon mula sa buhay na pamilyar na sa bata. Halimbawa, tungkol sa pababang kilos, kung saan ipinapakita natin ang downbeat, masasabi nating para tayong hinahaplos ang nakaupong pusa mula sa itaas hanggang sa buntot. At tungkol sa kilos na nakadirekta sa kabaligtaran ng direksyon, masasabi nating humihila tayo ng isang karayom ​​na may mahabang sinulid. O, halimbawa, masasabi natin ang tungkol sa buong diagram na ang kamay natin ang nakasakay sa isang swing (naglalarawan ng kalahating bilog).

Kung pinag-uusapan natin mga 3/4 na oras, kung gayon ang bawat paggalaw ay maaari ding ipaliwanag nang hiwalay. Ang pababang paggalaw ay parang paglalaro ng basketball o ang paggalaw kapag hinihila natin ang isang kampana sa isang string. Paglipat sa kanan - sa dalampasigan ay sumasandok kami ng buhangin gamit ang aming mga kamay o itinutulak ang matataas na damo sa damuhan gamit ang aming mga kamay. Pataas na paggalaw - hilahin ang parehong karayom ​​at sinulid o ipadala ito sa paglipad kulisap, na nakapatong sa hintuturo.

Sa mastering conducting, kasama ang mga bata, tulad ng sa pag-aaral ng notation, mahalagang patuloy na pataasin ang antas ng kahirapan ng mga gawain. Una, maaari mong malaman ang pulso sa laki na puro musika - sa pamamagitan ng tainga at kapag tumutugtog ng isang instrumento, pagkatapos ay hiwalay na pagsasanay ang kilos ng konduktor, at pagkatapos lamang, sa wakas, ikonekta ang iyong kamay sa pagkanta.

Sa puntong ito ay babagal muna tayo sa ngayon. Kung nakita mong kapaki-pakinabang ang araling ito, mangyaring sabihin sa iyong mga kaibigan ang tungkol dito. Tutulungan ka ng mga pindutan dito mga social network, na matatagpuan sa ibaba lamang ng pahina.

Ang pagsusumite ng iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay madali. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Na-post sa http://www.allbest.ru/

Paliwanag na tala

Layunin ng kurso"Kasaysayan at teorya ng pagsasagawa" - magbigay ng impormasyon sa kasaysayan at teorya ng pagsasagawa, ipakita ang makasaysayang kondisyon ng pag-unlad ng sining ng pagsasagawa, pati na rin ang pag-systematize at pag-generalize ng kaalaman sa mga teoretikal na pundasyon ng pagsasagawa.

Mga layunin ng kurso:

Ibunyag ang makasaysayang pagkakasunod-sunod ng pag-unlad ng pagsasagawa bilang isang gumaganap na sining;

Ibigay ang teoretikal na pundasyon ng "kusina ng konduktor".

Ang kursong ito ay nahahati sa dalawang seksyon:

1. Kasaysayan ng pag-unlad ng pagsasagawa.

2. Pagsasagawa ng pamamaraan

Ang pang-edukasyon at metodolohikal na kumplikadong "Kasaysayan at Teorya ng Pagsasagawa" ay isang uri ng gabay para sa mga nagsisimulang konduktor, mga direktor ng orkestra at mga ensemble ng katutubong instrumento sa pag-master ng mga teknikal na pamamaraan ng propesyon ng pagsasagawa.

Tematikong plano

pagsasagawa ng auftact timing fermata orchestra

Hindi.	Pamagat ng paksa	Bilang ng oras
		Mga lektura	Praktikal
	Mga yugto ng pagsasagawa ng pag-unlad
	Pagsasagawa bilang isang malayang anyo ng sining ng pagtatanghal
	Western European conducting school at mga kinatawan nito
	Kasaysayan at pag-unlad ng paaralan ng pagsasagawa ng Russia. Ang pinakamaliwanag na mga kinatawan nito.
	Ang aparato ng konduktor at ang pagtatanghal nito
	Ang kilos ng konduktor at ang istraktura nito
	Auftakt, mga function at uri nito.
	Mga circuit ng orasan. Mga prinsipyo para sa pagpili ng mga scheme ng timing.
	Fermata at ang mga uri nito, ang kanilang teknikal na pagpapatupad sa pagfingering ng konduktor
	Mga pause, syncopations, accent. Mga paraan ng pagpapakita ng mga ito gamit ang mga manu-manong pamamaraan.
	Ang ibig sabihin ng pagpapahayag sa musika, ang kanilang mga solusyon sa mga kilos.
	Saliw. Mga gawain ng konduktor sa pag-master ng sining ng saliw
	Mga tungkulin ng isang konduktor sa pakikipagtulungan sa isang grupo.
	Orchestra. Mga uri ng orkestra sa pamamagitan ng instrumental na komposisyon.
	Puntos. Pagsusuri ng konduktor sa marka.
	Ang baton ng konduktor, ang layunin nito, kung paano ito hawakan.
		68 oras

Paksa 1. Mga yugto ng pagbuo ng pagsasagawa

Sa panahon ng aking makasaysayang pag-unlad dumaan sa ilang yugto ang pagsasagawa hanggang sa tuluyang lumitaw ang mga modernong anyo nito. Sa proseso ng pagbuo ng pagsasagawa (kontrol), tatlong pamamaraan ang malinaw na natukoy.

Ang unang paraan ay ang kontrolin ang ritmikong bahagi ng pagtatanghal sa pamamagitan ng pagkatok (gamit ang kamay, paa, stick, atbp.). Ang pangalawang paraan ay cheironomy o, tulad ng tawag dito, mnemonic - pagtatalaga ng kamag-anak na pitch ng isang tunog at haba nito, gamit ang mga paggalaw ng mga kamay, daliri, ulo, katawan, atbp. At panghuli, ang pangatlong paraan upang makontrol ang pagganap sa pamamagitan ng pagtugtog ng instrumento.

Sa kasalukuyan, ang ilan sa mga form na ito ay napanatili, ngunit sila ay dumaan sa mga makabuluhang pagbabago. Ang pagsasagawa ay umabot sa modernong mataas na antas nito lamang kapag ang lahat ng nabanggit na paraan ay nagsimulang gamitin nang hindi hiwalay, ngunit sa anyo ng isang solong aksyon. Ang kilos ng konduktor ay nakakuha ng malalim na nagpapahayag na kahulugan. Ang emosyonal na pagpapahayag ng isang kilos ay nagpapakita sa mga gumaganap ng semantikong subtext ng musika, ang kahulugan ng mga nuances, mga komento ng may-akda, at mga katulad nito.

Ang pagsasagawa, na dating limitado sa mga gawain ng pamamahala ng isang grupo, ay naging isang mataas na artistikong sining, sa pagganap ng pagkamalikhain.

Paksa 2. Pagsasagawa bilang isang malayang anyo ng sining ng pagtatanghal

Ang pagsasagawa ay nananatiling hindi gaanong ginalugad at hindi gaanong nauunawaan na bahagi ng musikal na pagganap. Iba't ibang ugali sa pagsasagawa ng pagganap ay ipinakikita hindi lamang sa mga teoretikal na hindi pagkakaunawaan at mga pahayag; Ito rin ay tipikal para sa pagsasanay ng pagsasagawa: bawat konduktor ay may sariling "sistema".

Ang isang konduktor ay isang tagapalabas na napagtanto ang kanyang mga artistikong ideya hindi sa isang instrumento, ngunit sa tulong ng iba pang mga musikero.

Ang sining ng isang konduktor ay nasa pamumuno grupong musikal.

Palaging nakaharap ang konduktor mahirap na gawain- upang sakupin ang pagkakaiba-iba ng gumaganap na mga indibidwal, ugali at idirekta ang mga malikhaing pagsisikap ng koponan sa isang direksyon. Ang pagsasagawa bilang isang independiyenteng propesyon sa musika ay umiral nang humigit-kumulang dalawang daang taon. Sa panahong ito, ang pigura ng konduktor ay naging isa sa mga sentral sa buhay musikal; Ang atensyon ng publiko ay higit na nakatuon sa mga konduktor. Ano ang tunay na tungkulin at layunin ng taong namumuno sa orkestra? "Nasaan ang mga hindi nakikitang "mataas na boltahe na mga wire" na nag-uugnay sa kanya sa mga musikero at sa publiko, ang mga wire" kung saan dumadaloy ang misteryosong "kasalukuyan" ng mga musikal na kaisipan? At kung ang mga hindi nakikitang mga thread ay hindi umiiral, kung ang mga ito ay kathang-isip lamang, kung gayon bakit ang mga katulad na kilos ay maaaring maging sanhi ng parehong ordinaryong, hindi kawili-wiling pagpaparami ng mga musikero ng isang musikal na teksto, at isang nakamamanghang interpretasyon?

Ang pagsasaalang-alang sa mga isyu tulad ng interpretasyon, artikulasyon, agogics at ilang iba pa ay hindi nawawala ang kanilang kaugnayan para sa mga mag-aaral ng kaukulang mga disiplina sa espesyal na musikal. mga institusyong pang-edukasyon, dahil walang "set ng mga recipe" para sa lahat ng mga kaso na maaaring lumitaw sa pagsasagawa ng pagsasanay, at ang konduktor ay dapat na nakapag-iisa na malutas ang mga partikular na problema na patuloy na lumitaw na may kaugnayan sa mga problemang ito.

Paksa 3. Kanlurang Europeong pagsasagawa ng paaralan at mga kinatawan nito

Ang Western European conducting school ay pangunahing sa pagbuo ng conducting art. Ang heyday ay bumagsak sa simula ng ika-19 na siglo. Siya ay may malalim na pananaw sa intensyon ng may-akda at isang banayad na estilista na likas na talino. At palaging - pagkakaisa ng anyo, hindi nagkakamali na ritmo at pambihirang panghihikayat ng sagisag ng konduktor.

Mga kilalang kinatawan ng paaralang ito:

1. Si Gustav Mahler ay isa sa pinakapambihirang phenomena sa mundo ng musika. Pinagsama niya ang isang napakatalino na kompositor at isang napakatalino na konduktor sa isang tao. Ang magkabilang panig ng kanyang aktibidad sa musika ay tila ganap na pantay. Si Mahler ay isang performer ng halos buong symphonic repertoire ng kanyang panahon. Sa ngayon ay wala kaming anumang materyal na data kung saan maaari naming suriin ang sining ng kanyang pagsasagawa. Ang tanging posibleng pinagmulan (H. Mahler ay hindi nabuhay upang makita ang sound recording) ay lubhang maingat na mga edisyon ng mga marka ng kanyang sariling mga komposisyon at ang mga gawa ng iba pang mga kompositor. Ang mga retoke sa mga symphony ng Beethoven at Schumann ay lalo na nagsisiwalat.

2. Si Arthur Nikisch ang pinakadakilang improviser. Gumawa siya ng mga panandaliang istruktura ng pagganap. Sa pagkakaroon ng hindi bababa sa kalooban at kapangyarihan ng mungkahi kaysa kay G. Mahler, hindi niya pinilit na diktatoryal na sundin ang mga tiyak na detalye ng kanyang plano. Ito ay katangian na hindi kailanman ipinataw ni A. Nikisch sa mga soloista ang interpretasyon ng kanilang mga solong parirala. Ang kahanga-hangang kakayahan na ito ay nagpapahintulot sa kanya na makamit ang mga kahanga-hangang resulta kahit na sa mga koponan na medyo mahina sa kanilang antas.

3. Wilhelm Furtwängler. Ang unang pagtatangka na patunayan ang kanyang sarili bilang isang konduktor ay naganap noong si Furtwängler ay 20 taong gulang. Ito ang simula ng isang mahusay na karera sa pagsasagawa. Siya pala ang nag-iisang pamangkin ni A. Nikisch, nagtatrabaho sa Leipzig Gewandhaus at sa Berlin Philharmonic. Sa maikling panahon, pinatunayan ng tatlumpu't anim na taong gulang na maestro ang kanyang karapatan na gawin ito at agad na kumuha ng nangungunang posisyon sa mga konduktor sa mundo. “What’s attractive about him is his special performing technique. Siya ay lalo na malakas sa tinatawag natin ngayon na kasanayan ng "pagkonekta ng mga caesuras." Ang organikong kalikasan ng kanyang mga paglipat mula sa isang seksyon patungo sa isa pa, isang tempo patungo sa isa pa, ang pagbuo ng mga parirala, mga diskarte sa mga kasukdulan, makabuluhang mga pangkalahatang paghinto - lahat ng ito ay nakakumbinsi at pinadali ang pang-unawa ng mga tagapakinig na ang kanyang pagganap ay tila ang tanging posible " (L. Ginzburg). Mayroon ding isang buong kalawakan ng mga European conductor na karapat-dapat gayahin at pag-aralan: F. Weingartner, G. Scherchen, S. Munsch, B. Walter at marami pang iba.

Paksa 4. Kasaysayan at pag-unlad ng paaralan ng pagsasagawa ng Russiagumagala. Ang pinakamaliwanag na mga kinatawan nito

Sa simula ng pag-unlad nito, ang paaralan ng pagsasagawa ng Russia ay nasa ilalim ng impluwensya ng mga dayuhang konduktor, na may positibong impluwensya sa pag-unlad ng propesyonal na pagsasagawa sa Russia. Ang simula ng propesyonal na pagsasanay sa pambansang paaralan ng pagsasagawa ay inilatag nina Anton at Nikolai Rubinstein, Mily Balakirev, nang ang pagsasagawa ng mga klase ay unang binuksan sa St. Petersburg at pagkatapos ay sa Moscow Conservatory. Malaki ang impluwensya ng mga kompositor sa sining ng pagsasagawa, na, bilang karagdagan sa kanilang mga gawa, ay nagtataguyod ng musika ng kanilang mga kababayan.

Una sa lahat, kailangan nating pangalanan ang E.F. Napravnik, S.V. Rachmaninov, P.I. Tchaikovsky at iba pa Ang isang makabuluhang hakbang sa larangan ng sining na ito sa Russia ay naganap pagkatapos ng 1917. Ang mga pangalan ng isang buong kalawakan ng mga natitirang master ng pagsasagawa ng sining ay dapat maiugnay sa oras na ito: N.S. Golovanov, A.M. Pazovsky, N.P. Anosov, A.V. Gauk, L.M. Ginsburg. Ang mga ito ay mga kinatawan ng isang tiyak na paaralan ng orkestra, na nakikilala, una sa lahat, sa pamamagitan ng maharlika, pagiging natural at lambot ng tunog ng orkestra. Ang susunod na yugto sa pagbuo ng domestic conducting ay mga sistematikong kumpetisyon (1938, 1966, 1971, 1976, 1983), na nagmungkahi ng isang bilang ng mga mahuhusay na kabataan.

Ang mga konduktor ng Russia sa ating panahon ay nakakuha ng mataas na pagpapahalaga at pagmamahal sa buong mundo: E. Svetlanov, G. Rozhdestvensky, M. Rostropovich, V. Gergiev, V. Fedoseev. Ang lahat ng mga ito ay nakikilala sa pamamagitan ng mataas na propesyonalismo, debosyon sa plano ng kompositor, malalim na pagtagos sa istilo at interpretasyon ng isang gawaing musikal.

Paksa 5. Conductor's apparatus at ang pagtatanghal nito

Kapag nagsimula tayong matutong magsulat, napipilitan tayong mahigpit na sumunod sa mga pattern ng pagsulat ng mga titik ng alpabeto. Mamaya, kapag nakuha ang aming sulat indibidwal na karakter, ang sulat-kamay ay maaaring lumihis nang malayo sa mga anyong orihinal na itinuro sa atin. Mayroong iba't ibang mga pananaw sa isyu ng pagtuturo ng sining ng pagsasagawa. Ang ilang mga konduktor ay naniniwala na hindi na kailangang pag-aralan ang pagsasagawa ng pamamaraan - ito ay lilitaw sa proseso ng trabaho. Gayunpaman, ang gayong pananaw ay sa panimula ay mali.

Ang iba pang sukdulan ng pamamaraan ng pedagogical ay ang mag-aaral ay gumugugol ng mahabang panahon sa pag-master ng mga paggalaw at mga diskarte sa paghihiwalay mula sa musika. Ang katotohanan ay eksaktong nasa gitna. Maipapayo na magsagawa ng pagpoposisyon ng kamay, mga paggalaw sa elementarya at mga diskarte sa timing sa mga espesyal na ehersisyo sa labas ng musika. Gayunpaman, sa sandaling ang mga paunang pagsasagawa ng mga paggalaw ay pinagkadalubhasaan, ang kasunod na pag-unlad ng mga teknikal na pamamaraan ay dapat ipagpatuloy sa mga gawaing masining. Ang aparato ng konduktor ay binubuo sa pagbuo ng mga ganoong anyo ng mga paggalaw na pinaka makatuwiran, natural at batay sa panloob at muscular na kalayaan.

Ang aparato ng konduktor ay ang mga kamay, ang kanilang iba't ibang mga paggalaw, na bumubuo ng isang maayos na sistema ng pagsasagawa. Alam na hindi lamang ang mga kamay, kundi pati na rin ang mga ekspresyon ng mukha, pustura, posisyon ng ulo, katawan at kahit na mga binti, ay nakakatulong sa pagpapahayag ng pagsasagawa. Hitsura Dapat ipakita ng konduktor ang pagkakaroon ng kalooban, aktibidad, determinasyon at enerhiya.

Paksa 6. Kumpas ng konduktor at kayarian nito

Ang dalawang konseptong ito ay direktang nauugnay sa pagpoposisyon ng aparato ng konduktor (mga kamay). Upang matagumpay na makabisado ang mga diskarte sa pagsasagawa, ang konduktor ay dapat na may mahusay na sinanay na mga kamay na madaling maisagawa ang lahat ng uri ng paggalaw. Sa paunang yugto ng pagsasanay, mas mahusay na bumuo ng mga ito gamit ang mga espesyal na pagsasanay, ang layunin nito ay upang maalis ang iba't ibang mga depekto sa motor - higpit, paninigas ng kalamnan, atbp. Ang mga pagsasanay na ito ay nagsisimula sa proseso ng pag-master ng mga kasanayan sa timing.

Ang pangunahing kondisyon para sa pagsasagawa ay muscular freedom of movement, ang kawalan ng labis na pag-igting sa mga braso at sinturon sa balikat. Ito ay dapat ibigay espesyal na atensyon.

Ang lahat ng bahagi ng mga kamay (kamay, bisig, balikat) ay kasangkot sa pagsasagawa. Upang gawin ito, kailangan mong sanayin ang pag-on at off ng bawat bahagi ng kamay habang nagtatrabaho sa pamamaraan. Inirerekomenda na magsagawa ng mga paggalaw sa bawat kamay nang hiwalay upang mabuo ang kanilang kalayaan. Bago simulan ang bawat ehersisyo, ang mga braso ay dapat kunin ang panimulang posisyon, kung saan ang mga bisig ay parallel sa sahig at ang mga kamay ay bahagyang nakataas (nakaharap sa orkestra). Kapag nakakuha na ang estudyante ng ilang teknikal na kasanayan, maaaring ilipat ang mga pattern ng timing.

Paksa 7. AuftaCT, mga function at uri nito

Una sa lahat, dapat pakilusin ng konduktor ang atensyon ng kanyang mga gumaganap. Ang preparatory swing, o aftertaste, ay maihahambing sa paghinga (inhalation) bago magsimulang kumanta. Dapat ihanda ng Auftakt ang tagapalabas nang naaayon, itakda siya para sa isang partikular na aksyon. Ang salitang ito ay nagmula sa Latin na "tactus" - contact. Ang ibig sabihin ng Auftakt ay isang bagay na nangyayari bago magsimula ang tunog. Ang mga pag-andar ng aftertact ay kinabibilangan ng: pagtukoy sa panimulang sandali ng pagganap, pagtukoy sa tempo, pagtukoy sa dinamika, pagtukoy sa likas na katangian ng pag-atake ng tunog, pagtukoy sa matalinghagang nilalaman ng musika. Ang aftertact ay binubuo ng tatlong elemento: swing, fall at recoil. Sa mga elementong ito, ang unang dalawa ay mapagpasyahan - ang swing at ang pagkahulog.

Mga uri ng auftact:

a) unang buong aftertact,

b) paunang hindi kumpletong auftact,

c) pinigil

d) advanced

d) napagbagong loob

g) interlobar at marami pang iba.

Mula sa lahat ng nasabi, dapat gumawa ng konklusyon - kung gaano kahalaga ang auftact, at kung gaano kahalaga ang pagmamay-ari nito.

Paksa 8. Mga iskema tulad nitopagsubok. Mga prinsipyo para sa pagpili ng mga scheme

Sa modernong pagsasagawa, ang mga beats ng isang bar ay ipinapakita sa pamamagitan ng paggalaw ng mga kamay na nakadirekta sa iba't ibang direksyon. Ang pangunahing link sa metrical unification ng musika ay ang beat. Sa paunang yugto ng pagsasagawa, (graphically) rectilinear movements ang ginamit, na hindi nagbigay ng malinaw na representasyon ng simula ng bawat beat. Ang mga paggalaw na hugis arko, na ang base nito ay nasa parehong antas, ay lumikha sa mga gumaganap ng isang tiyak na sensasyon ng simula ng bawat beat, na nagpapahintulot sa paggamit ng mas epektibong paraan ng pagsasagawa. Ang mga timing scheme ay maaaring simple o kumplikado, tulad ng mga time signature, at samakatuwid ang timing method ay pinili depende sa istraktura ng beat at tempo.

Naka-on ang circuit ng orasan minsan ang pinakasimpleng istraktura (2/4, 2/2, 4/4, 3/8, *), ngunit sa parehong oras mahirap kontrolin ang musika. Samakatuwid, inirerekumenda na pangkatin ang mga bar sa mga parirala (2-bar, 3-bar at 4-bar) at piliin ang naaangkop na pattern, kung saan ang malakas na bar ay tumutugma sa unang beat.

Dalawang bahagi na scheme (2/4, 2/2, 6/16, 6/8, 6/4). Ang unang beat ay ipinapakita gamit ang mga straight downward fingerings (nakahilig sa kanan), ang pangalawa ay may mas maliit na pataas na fingering (sa hugis ng hockey stick). Ang mas mabilis na tempo, mayroong higit pang mga linear na paggalaw. Sa isang mabagal na bilis, maaari kang "gumuhit" ng isang pahalang na figure na walo.

Ang three-beat pattern (3/2, *, 3.8, 9/4, 9/8) ay ipinahiwatig ng tatlong beats. Ang istraktura ng three-beat pattern ay nagbibigay ng natural na ratio ng mga beats sa bar bilang malakas, mahina at mas mahina. Ang talas ng mga paggalaw, tulad ng sa two-beat pattern, ay depende sa tempo.

Quadruple pattern (4/2, 4/4, 4/8, 12/8). Lahat ng sinabi sa itaas ay ganap na naaangkop sa pamamaraang ito. Dapat tandaan na sa isang mabagal na tempo 2/4 ay nag-time sa isang pattern na may apat na beat.

Ang five-beat o mixed measure ay binubuo ng dalawang simpleng measure, magkaiba ang laki: 2+3 o 3+2. Sa mabagal at katamtamang tempo, ang five-beat measure ay nagmumula sa four-beat pattern na may paghahati sa 1st beat (3+2) o ang 3rd beat (2+3). Sa mabilis na tempo, ginagamit ang two-beat pattern na may maikling unang beat (2+3) at maikling pangalawang beat (3+2). Sa katamtamang tempo, kadalasang ginagamit ang paraan ng pagpapatong ng two-beat pattern sa three-beat pattern (3+2) at vice versa, tanging ang pangunahing malakas na beat (una) ang mas mahaba kaysa sa susunod na una (mahina), depende sa pagpapangkat ng mga beats ng bar.

Ang six-beat circuit ay may tatlong uri ng timing:

1) * - na may duplikasyon ng bawat beat;

2) 4/4 - na may pagdoble ng ikatlong beat;

3) intermediate sa pagitan ng dalawang ito, kung saan ang una at huling mga beats ay mas aktibo (swing sa unang beat).

Sa paglipat ng tempo (3+3) - ng dalawa, 3/2 o 6/4 - ng tatlo.

Ang seven-beat pattern ay binubuo rin ng isang pagpapangkat sa sukat (2+3+2) - three-beat na may mahabang pangalawang beat, (2+2+3) - three-beat na may mahabang ikatlong beat, (3+ 2+2) - three-beat na may mahabang unang beat .

Ang lahat ng iba pang scheme na 8/4, 4/4, 2/4 ay nagmula sa four-beat scheme na may duplikasyon ng bawat isa.

9/4, 9/8, * - (kung sila ay itinalaga ng siyam na beats) isang three-part scheme ang ginagamit na may tatlong dibisyon ng bawat bahagi.

Ang 12/8 twelve-beat pattern ay nabuo mula sa 4-beat pattern, na ang bawat beat ay inuulit ng tatlong beses.

Paksa 9. Fermata, ang mga uri nito, ang kanilang teknikal na pagpapatupad sa silid ng konduktorpagdaliri

Ang Fermata ay isa sa pinakamabisang paraan ng pagpapahayag ng musika. Ang pagpapanatili ng fermata ay hindi mahirap, ang kahirapan ay sa pagtigil nito. Mayroong iba't ibang paraan; depende sila kung kinakailangan kumpletong withdrawal fermata, na nagpapahiwatig ng mahabang paghinto pagkatapos nito o hindi. Kung hindi, maaari itong konektado sa susunod na tala o, tulad ng mas karaniwan, maaari itong sundan ng isang maikling pag-pause na kinakailangan upang makahinga. Ang kahulugan ng isang fermata, ang dynamic na intensity nito, antas ng kawalang-tatag, at haba ay malapit na nauugnay sa isa o isa pa sa mga nilalaman nito at higit sa lahat ay nakasalalay sa sandali kung saan ang dramatikong pag-unlad ng akda ay lumilitaw.

Ang teknikal na bahagi ng pagsasagawa ng fermatas ay maaaring nahahati sa tatlong yugto: pagtatakda, paghawak at pag-alis. Ang pagbibigay ng mga pangkalahatang konsepto tungkol sa pagtatanghal ng isang fermata, dapat sabihin na upang maakit ang atensyon ng mga gumaganap bago ang fermata, ang konduktor ay dapat magbigay ng isang mas maliwanag (kapansin-pansin) na aftertaste - ito ay nasa isang gumagalaw na tempo at mayamang dinamika. Ang fermata sa kalmadong tempo at piano ay ipinapakita lamang na may bahagyang mas malaking aftertaste at hindi namumukod-tangi sa bahagi ng mga pattern ng timing.

Ang tibay ng fermata ay ganap na nakasalalay sa matalinghagang nilalaman ng musika; Minsan ang isang fermata ay binibigyang kahulugan bilang isang paghinto sa paggalaw ng musika, isang sandali ng static. Ang ganitong function ay posible lamang sa dulo ng isang gawain o bahagi nito. Mas madalas, ang fermata ay nauugnay sa isang sandali ng kawalang-tatag, paglipat, at konsentrasyon ng enerhiya. Kadalasan ang isang fermata ay inilalagay sa punto ng climax o sa pagbaba nito. Naturally, kung gayon ang fermata ay maaaring magkaroon ng iba't ibang kahulugan. Dahil ang fermata ay isang napakalakas na lunas, dapat itong ipakita sa isang nagpapahayag na kilos, na may naaangkop na posisyon ng katawan, mga kamay at mga ekspresyon ng mukha.

Ang pag-alis ng fermata sa sarili nito ay hindi mahirap, lalo na kung mayroong isang pag-pause pagkatapos ng fermata. ang pinakamahirap na bagay ay kapag ang fermata ay lumipat sa susunod na beat ng bar, at ang aftertaste sa pag-alis ng fermata ay dapat na katumbas ng tagal ng counting beat, at sa hugis ito ay dapat na nasa anyo ng isang bilog.

Paksa 10. Mga pause, syncopations, accent. Ang kanilang mga paraankaza sa manual technique

May kasabihan ang mga musikero: "Ang mga paghinto ay musika rin."

Ang mga sandali ng katahimikan sa loob ng isang piyesa ay nagpapataas sa tensyon ng musika at kasingkahulugan ng tunog mismo. Ang pamamaraan ng pagsasagawa ng mga paghinto ay pare-pareho sa seksyon sa pag-alis ng fermata. Ang mga paghinto, tulad ng fermata, ay maaaring mahaba o maikli. Ang gawain ng konduktor ay magpakita ng mga paghinto nang hindi nakakagambala sa ritmo ng metro sa musika (kung walang fermata sa paghinto). Ang mga partikular na paghihirap para sa konduktor ay lumitaw kapag nagsasagawa ng recitative, kung saan maraming mga paghinto at iba't ibang mga kombensiyon.

Ang syncopation ay nangyayari kapag ang isang tunog na lumilitaw sa mahinang beat ng isang bar o mahinang oras ng isang beat ay nagpatuloy sa susunod na malakas na beat. Ang syncopation ay nangangailangan ng conductor na magkaroon ng malinaw na ritmikong tugon sa mga pangunahing beats ng bar; hindi dapat malito sa isang hindi kumpletong beat sa isang sukat, kung saan ibang pamamaraan ang ginagamit.

Sa mga piraso ng cantilena, ang suntok na tumutukoy sa syncopation ay inirerekomenda na gawin nang mahina, at ang pagbabalik pagkatapos nito - mahinahon.

Ang isang mahirap na gawain para sa konduktor ay isang mahabang pagkakasunud-sunod ng mga syncopations na hindi sinusuportahan ng mga tunog sa metrically strong beats.

Binibigyang-diin ko - ang ibig sabihin ay i-highlight ko. Mahalagang maunawaan na ang mga accent ay nangangailangan ng isang espesyal na preparatory swing, isang espesyal na aftertact. Ang mga manlalaro ng orkestra ay dapat na handa na tumugtog ng mga accented notes bago sila lumitaw. Mayroong ilang mga paraan upang maghanda ng mga accent, ang pinakakaraniwan ay upang i-highlight ang beat na nauuna sa accent. Ginagawa ito sa isang mas malawak na paggalaw ng kamay nang hindi binabago ang tempo. Ang isa pang pagpipilian, hindi gaanong epektibo, ay ang paggamit ng kaliwang kamay. Ang mga orasan ng kanang kamay, at ang kaliwa ay aktibong nagpapahiwatig ng mga accented beats - ang pamamaraan na ito ay kadalasang ginagamit kapag ang mga accent ay ginanap hindi ng buong orkestra, ngunit ng ilang grupo.

Paksa 11. Ang ibig sabihin ng pagpapahayagat sa musika, ang kanilang mga desisyon ay nasa kilos

Ang musika ay isa sa pinaka emosyonal na sining. Ang isang musikal na imahe ay naglalaman ng isang tiyak na emosyonal na nilalaman. Ang anumang imahe ay maaaring mailalarawan ng hindi bababa sa mga pangkalahatang termino: matapang, mapagpasyahan, dominante, mapagmahal, malungkot, malungkot, atbp. Ang mga kompositor ay halos palaging gumagamit ng mga espesyal na pangungusap upang ipahiwatig ang katangian ng isang musikal na gawain. Ang gawain ng konduktor ay ibunyag ang kahulugan ng parirala, ang panloob na nilalaman nito.

Sa paglutas ng problemang ito, ang mga nagpapahayag na kilos ng konduktor, pati na rin ang mga ekspresyon ng mukha at pantomime, ay may mahalagang papel. Minsan ay mas epektibo ang mga ito kaysa sa pasalitang paliwanag. Ang manu-manong paraan at ang nilalaman ng musika ay tila nakikipag-ugnayan sa proseso ng pagsasagawa. Lubhang kapaki-pakinabang para sa isang baguhan na konduktor na maging pamilyar sa mga gawa ni Stanislavsky, kung saan pinag-uusapan niya ang kahalagahan ng mga ekspresyon ng mukha, pantomime, paggalaw ng ulo, mga daliri sa pagbubukas. masining na imahe. Ang kaliwang kamay ng konduktor ay gumaganap ng isang pangunahing papel, kung hindi isang pangunahing, sa paglalahad ng masining na imahe, dahil ang kanang kamay ay pangunahing tumutukoy sa meter ritmo ng trabaho.

SA araw-araw na buhay Madalas kaming gumamit ng mga kilos sa halip na mga salita - sila ang prototype ng kilos ng konduktor.

Pansin! Itinaas ng konduktor ang kanyang kaliwang kamay, binubuksan ang kanyang palad gamit ang kanyang hintuturo.

Tama na! Ibinaling ng konduktor ang kanyang palad patungo sa orkestra. Kung kailangan mong ipakita ang lakas, kapangyarihan, itinaas ng konduktor ang kanyang kaliwang kamay na nakatiklop sa isang kamao.

Kung mas maraming katulad na kilos ang isang konduktor sa kanyang arsenal, mas maliwanag at mas nagpapahayag ang kanyang pagsasagawa.

Paksa 12. Saliw. Mga gawain ng konduktor sa pag-master ng sining ng saliw

Kapag sinamahan ng orkestra ang soloista, ang konduktor ay hindi na maging sentro ng atensyon. Gayunpaman, kahit na sa kasong ito, marami ang nakasalalay sa kanyang diskarte at musikalidad.

Kakayahang umangkop, isang pakiramdam ng istilo, kaalaman sa teknolohiya ng solong instrumento (mga katangian ng boses ng mang-aawit) - lahat ng ito ay kinakailangang mga kondisyon para sa pagsasagawa ng saliw. Kapag nagsasagawa ng isang musikal na gawain, ang mga teknikal na pagkukulang at ang kawalan ng karanasan ng konduktor ay binabayaran ng karanasan at inisyatiba ng mga performer ng orkestra.

Ang maindayog na pulsation ng musika ay nagpapahintulot sa iyo na mapanatili ang ensemble, ipasok at ihinto ang tunog, nang hindi naghihintay para sa mga tagubilin ng konduktor. Ang sitwasyon ay ganap na naiiba sa pagsasagawa ng saliw. Ang pagsama sa isang soloista ay nangangailangan ng flexibility ng tempo, madalas na pagpapakilala pagkatapos ng maraming pag-pause, atbp. Natural, ang mga gumaganap ng orkestra dito ay dapat na mahigpit na sumunod sa mga tagubilin ng konduktor. Mabuti kapag alam ng konduktor ang bahagi ng soloista nang lubusan, tulad ng sinasabi nila, ang bawat nota. Ang perpektong ensemble ay halos palaging ginagarantiyahan. Ang isang partikular na kahirapan para sa isang konduktor ay lumitaw kapag nagsasagawa ng isang recitative, kung saan ang musika (saliw) ay puno ng maraming mga pag-pause, mga pagbabago sa tempo, isang malaking bilang ng mga paghinto, atbp. Sa kasong ito, ang tagumpay o kabiguan ay ganap na nakasalalay sa kahandaan ng konduktor.

Ang pangangailangan na sundin ang soloista, na naglalagay ng partikular na kahalagahan sa napapanahong pagtatanghal ng mga pagpapakilala sa orkestra, ay pinipilit ang konduktor na maging mas matulungin sa sandali ng pagtatanghal ng aftertaste.

Kaya, ang mga sumusunod na kinakailangan ay ipinapataw sa pamamaraan ng pagsasagawa ng recitative: 1) isang kapansin-pansing pagkakaiba sa pagitan ng mga kilos na nagpapakita ng mga tunog na beats at pagbibilang ng mga paghinto; 2) ang kalinawan ng kahulugan ng unang beat bilang pinakamahalaga, ayon sa kung saan binibilang ng mga performer ng orkestra ang mga bar; 3) katumpakan ng pag-record ng tunog; 4) pagiging maagap ng pagtatanghal ng mga after-acts, alinsunod sa pagganap ng soloista.

Paksa 13. Mga Pag-andarkonduktor sa pagtatrabaho sa grupo

Ang isang modernong konduktor ay isang universalist, isang taong may mataas na kultura ng musika, ganap na pitch at memorya. Siya ay dapat magkaroon ng isang malakas na kalooban at ang kakayahan upang malinaw na ihatid ang kanyang ideya sa mga musikero. Dapat alam niya ang lahat ng kagamitan at kalikasan sining ng boses. Bilang karagdagan, ang konduktor ay isang tagapagturo, tagapag-ayos at pinuno. Ang kumpleto at malinaw na kahulugan na ito ay nagpapahintulot sa amin na isipin ang hitsura ng isang tunay na modernong konduktor. Nalalapat ang lahat ng ito sa mga batikang konduktor na may malawak na karanasan sa pagtatrabaho sa mga orkestra. Ang mga layunin ng aming kurso ay mas katamtaman, ngunit gayunpaman, ang isang baguhang konduktor ay dapat magkaroon ng ilang mga katangian, kung wala ang isang konduktor ay hindi magtagumpay.

Sa madaling salita, ang sining ng isang konduktor ay nagsisimula sa pamumuno ng isang musikal na grupo. Sa paanong paraan ipinahihiwatig ng konduktor ang kanyang mga intensyon sa grupo?

Ang paraan ng pagsasalita ng komunikasyon sa pagitan ng konduktor at ng orkestra ay napakahalaga sa panahon ng pag-eensayo sa tulong ng pagsasalita, ipinapaliwanag ng konduktor ang ideya, mga tampok na istruktura, nilalaman at katangian ng mga imahe ng gawaing pangmusika. Ang isang mahalagang karagdagan sa mga tagubilin ng konduktor ay ang kanyang personal na pagpapakita ng pagganap. Sa kasamaang palad, ang musika ay hindi palaging maipaliwanag sa mga salita; minsan mas masarap kumanta o tumugtog ng instrument. Kahit na ang mga sangkap na ito ay kinakailangan sa manwal, ang pangunahing bagay ay manu-manong pamamaraan. Ang isang konduktor na may mahusay na utos ng manu-manong pamamaraan ay maaaring makamit ang nababaluktot at masiglang pagganap sa panahon ng isang konsiyerto, at hindi tulad ng natutunan sa pag-eensayo.

Ang sining ng pagsasagawa ay nangangailangan ng iba't ibang kakayahan, pagsasagawa ng talento - ang kakayahang ipahayag ang nilalaman ng musika sa mga kilos. Ang konduktor mismo ay dapat magkaroon ng malawak na teoretikal, historikal, at aesthetic na kaalaman upang malalim na bungkalin ang musika, nilalaman nito, mga ideya, upang makalikha ng sariling konsepto ng pagganap nito, at maipaliwanag ang kanyang ideya sa tagapalabas. At sa wakas, upang maisakatuparan ang pagganap ng isang bagong gawain, ang konduktor ay dapat magkaroon ng malakas na kalooban na mga katangian ng isang pinuno, isang tagapag-ayos ng pagganap, at mga kakayahan ng isang guro.

Paksa 14. Orkestra. Mga uri ng orkestraov sa pamamagitan ng instrumental na komposisyon

Sa Griyego, ang salitang orkestra ay ang pangalan para sa isang lugar sa entablado ng teatro, inilaan para sa koro. unti-unting nawala ang orihinal na kahulugan ng salitang ito. Sa ngayon, ang salitang orkestra ay nangangahulugang isang tiyak na komposisyon mga instrumentong pangmusika, pati na rin ang mga grupo ng mga musikero na nakikilahok sa pagtatanghal. Ang pinakamahalagang katangian ng isang orkestra ay ang organikong kalikasan nito, na nilikha bilang isang resulta ng isang malalim na panloob na koneksyon at pakikipag-ugnayan ng mga timbre ng musika sa bawat isa.

Sa lahat ng uri ng orkestra, ang pinakalaganap ay: symphony orchestra, brass orchestra at folk instrument orchestra. Ang lahat ng mga ito ay makabuluhang naiiba sa bawat isa, at, bukod dito, sila mismo ay may iba't ibang mga pangalan, depende sa komposisyon ng mga instrumento.

Ang symphony orchestra ay may pinakamalaking kayamanan at pagkakaiba-iba sa bagay na ito. Depende sa komposisyon ng mga instrumento, kaugalian na makilala ang mga sumusunod na uri ng symphony orchestra: string o yumuko; silid, kung saan ang isang maliit na bilang ng mga string na instrumento, gamit ang woodwinds (flute, oboe, clarinet, bassoon), ay minsan kasama sa chamber orchestra score at brass (karaniwang sungay). Maliit na Symphony Orchestra, na gumagamit ng malaking bilang ng mga instrumentong pangkuwerdas (20-25), isang buong hanay ng mga woodwinds kasama ang mga sungay (dalawa, apat), at kung minsan ay gumagamit ng mga trumpeta at isang seksyon ng percussion. Kasama sa isang malaking orkestra ng symphony ang mga instrumento mula sa lahat ng grupo sa score: bowed, woodwind, brass (horns, trumpets, trombones at tuba), percussion, at plucked keyboards.

Batay sa bilang ng mga performer sa isang woodwind group, ang mga orkestra ay karaniwang tinatawag na "ipinares" (dalawang performer sa bawat instrumento), "triple" o "triple", kung saan mayroong 3 performer sa bawat instrumento, at "quadruple" - apat. mga performer. Napakabihirang makahanap ng isang "solong" komposisyon - isang kinatawan mula sa bawat instrumento.

Mayroong isang pagbubukod sa mga patakaran kapag ang bilang ng mga gumaganap ay hindi nag-tutugma sa mga pamantayang ito - ang naturang komposisyon ay tinatawag na "Intermediate".

Brass band- isang orkestra na binubuo lamang ng mga instrumento ng hangin: brass at woodwinds. Mayroong mga varieties ng brass bands - isang homogenous na komposisyon (tanso lamang) at isang halo-halong komposisyon - tanso at kahoy na mga instrumento. Sa mga klasikal na symphonic score, minsan ay may karagdagang grupo ng mga instrumentong tanso (brass band), na tinatawag na "banda". Sa ngayon ay mahahanap mo ang parehong uri ng brass band, kadalasang pinaghalo. Kailangan mong malaman na bilang karagdagan sa mga trumpeta, sungay, trombone at tubas, ang brass band ay may kasamang mga partikular na wala sa symphonic score: Cornet B-flat, Alto E-flat, Tenor B-flat, Baritone B-flat, Bass 1st at 2nd (mga tubo o helicon).

Kaugnay nito, ang (kumpleto) na marka para sa isang brass band ay may humigit-kumulang tatlumpung linya, tandaan na sa isang symphony orchestra ay mayroong mula 12 hanggang 24 na linya, at marami pang transposing na instrumento, na nagpapakumplikado sa gawain ng konduktor sa panahon ng rehearsal. Para sa kadahilanang ito, mas gusto ng mga konduktor ng brass band na harapin ang mga "compressed" na marka.

Folk Instruments Orchestra sa mahigit daang taong kasaysayan nito, sumailalim ito sa iba't ibang pagbabago. Sa una, ang orkestra ay binubuo lamang ng mga balalaikas, at may mga pagtatangka na gumawa ng isang orkestra mula sa mga domras lamang. At ang pinakamagandang solusyon ay ang pagsama-samahin ang mga grupong ito. Ito ay kung paano umiral ang orkestra ng domra-balalaika, na siyang naging batayan ng modernong orkestra. Ang mga folk orchestra ay medyo laganap sa iba't ibang rehiyon ng ating bansa at may iba't ibang katayuan: mga bata, baguhan, pang-edukasyon, munisipyo, atbp., Bilang karagdagan, mayroong ilang mga propesyonal na grupo ng estado. Ang komposisyon ng mga orkestra sa mga tuntunin ng bilang ng mga performer ay ibang-iba at mula 18 hanggang 60 na mga performer. ang pinaka-mobile na komposisyon ay 30-35 katao. Bilang karagdagan sa grupong domra-balalaika, bilang panuntunan, mayroong isang pangkat ng mga accordion ng pindutan (mula 2 hanggang 5, depende sa bilang ng mga tagapalabas). Ang komposisyon ng orkestra ay ganap na nakasalalay sa direktor-konduktor. Sa kasalukuyan, ang orkestra ay gumagamit ng symphony orchestra instruments (flute, oboe), mas madalas na clarinet, bassoon. May mga pinuno na patuloy o paminsan-minsan ay nagsasama ng mga instrumentong tanso. Ginagawa ang lahat ng ito sa paghahanap ng mas magkakaibang mga timbre, dahil sa sarili nito, katutubong orkestra medyo mahirap sa timbre coloring. Ang isa pang tampok ng mga modernong orkestra, lalo na ang mga orkestra na pang-edukasyon: sa gitnang zone ng Russia ginagamit nila ang domra prima 3-string, sa rehiyon ng Ural-Siberian ginagamit nila ang domra prima 4 na mga string, at ang lahat ng iba pa (violas, basses - 3 string. Sa Belarus at sa Ukraine, ang lahat ng mga domras ay 4-string Sa tunog, ang mga naturang orkestra ay nawawala ang kanilang liwanag sa tunog, ngunit nakakakuha sila sa pag-aayos ng mga symphonic na marka, dahil ang mga hanay ng 4-string domras ay karaniwang katulad ng bow group (maliban. para sa mataas na tessitura). Ang mga orkestra ay may pangkat ng mga katutubong instrumento ng hangin: mga sungay, mga keychain, awa.

Paksa 15. IskorA. Pagsusuri ng konduktor sa marka

Sa madaling salita, ang marka ay isang akdang isinulat para sa isang orkestra, koro o grupo. Ang konsepto ng puntos ay pinakatumpak na binibigyang kahulugan ni N. Zryakovsky: “Ang marka ay isang kumpleto at detalyadong notasyong pangmusika ng isang polyphonic work para sa orkestra, koro, instrumental, vocal o halo-halong ensembles, orkestra na may mga soloista, orkestra na may koro, atbp.”

Ang marka para sa iba't ibang orkestra ay naitala sa iba't ibang paraan, ngunit sa mahigpit na pagkakasunud-sunod. Sa lahat ng mga marka, ang mga tauhan ay pinagsama ng isang karaniwang pagkilala, ang mga parangal ng grupo ay nagkakaisa ng magkakatulad na mga grupo ng orkestra, at ang mga karagdagang parangal ay nagkakaisa homogenous na mga instrumento sa mga pangkat.

Ang pagkakasunud-sunod ng mga instrumento sa pagre-record sa isang symphony orchestra (buong iskor):

a) Woodwind group (flutes, oboes, English horn, clarinets, bassoons);

b) Grupo ng tanso (mga sungay, trumpeta, trombone, tuba);

c) Pangkat ng strike:

notated instruments (timpani, xylophone, celesta, marimba, atbp.) mga instrumento sa ingay(bass drum, snare drum, cymbals, triangle, castanets, atbp.);

d) Mga alpa at piano;

e) String-bow group (quintet) - violin I, II, violas, cellos at double bass).

Depende sa komposisyon ng orkestra, ang mga marka ay maaaring "kumpleto" o "hindi kumpleto."

Sa isang brass band walang mahigpit na pagkakasunud-sunod para sa pag-record ng mga instrumento. Ang tanging bagay na isinasagawa nang walang pag-aalinlangan ay kung mayroong isang kahoy na grupo, tulad ng sa isang symphony orchestra, ito ay naitala sa itaas, at ang mga tuba at helicon sa ibaba. Ang pag-record ng mga natitirang instrumento ay walang tiyak, malinaw na pagkakasunud-sunod.

Puntos para sa isang buong orkestra ng mga katutubong instrumento:

ako. Grupo ng Domra:

domra piccolo

domra prima

alto domras

tenor domras

bass domras

domra double bass

II. Mga sungay:

soprano 1

soprano 2

Flute, oboe

III. Pangkat ng akurdyon:

Orchestral harmonicas

pindutan ng akurdyon piccolo

accordion soprano

akurdyon alto

accordion baritone 9 bass)

pindutan ng akurdyon double bass

IV. Pangkat ng percussion.

Ang batayan ay kapareho ng sa isang symphony orchestra. Ang mga instrumento ng alamat ay ginagamit sa pagproseso ng katutubong: rubel, kalansing, kampana, washboard, scythe, atbp.

V. Balalaika group:

balalaika prima

balalaika segundo

balalaika alto

balalaika bass

balalaika double bass

Ang pag-record ng naturang marka ay mukhang isang sample. Sa katunayan, kahit na ang mga orkestra ng estado ay hindi nagpapanatili ng buong listahan ng mga instrumentong ito, hindi pa banggitin ang mga pang-edukasyon at amateur na orkestra.

Ang bawat direktor-konduktor ay bumubuo ng komposisyon ng orkestra sa kanyang sariling pagpapasya, batay sa kanyang mga kakayahan. Samakatuwid, ang mga marka ay mukhang mas katamtaman (mas maliit na komposisyon), ngunit ang pagkakasunud-sunod kung saan ang mga instrumento ay naitala ay palaging pinapanatili. Marahil, ang pangkat ng mga accordion ng pindutan ay ang pinakamaraming pagbabago (depende sa komposisyon ng mga string, maaaring mayroong 2 hanggang 5, 6 na mga accordion na pindutan). Sa pamamagitan ng disenyo, ang mga accordion ng pindutan ay maaaring: ordinaryong dalawang-kamay, orchestral harmonicas, multi-timbre na handa na at kahit timbre (isang kamay) - flute, oboe, clarinet, horn, tuba at kung minsan ay trumpeta.

Sa mga modernong orkestra, madalas silang gumagamit ng mga yari na button na accordion, kadalasang I at II, atbp.

Paghahanda para sa unang pagpupulong (rehearsal) kasama ang orkestra, ang konduktor obligado pag-aralan mong mabuti at alamin ang marka. Trabaho sa pag-eensayo, iyon ay, ang proseso ng paghahanda ng pagganap ng isang gawain sa isang orkestra, ay lubhang mahalaga sa gawain ng isang konduktor. Ang pagsasagawa ng rehearsal ay nangangailangan ng konduktor na magkaroon ng mga kakayahan sa pagtuturo, isang tiyak na taktika, at ang kakayahang maimpluwensyahan ang pag-iisip ng mga gumaganap na ito ang sikolohikal na bahagi ng proseso; Ang lahat ng ito ay dapat na maunahan ng isang malaking halaga ng trabaho sa puntos. Una, dapat kilalanin ng konduktor ang teksto ng gawaing pangmusika (kung maaari, i-play ito sa piano o pakinggan ito sa isang recording), pakiramdam ang karakter, pagbibigay-pansin sa mga komento ng may-akda, tukuyin ang anyo at kaugnayan ng bahagi ng trabaho, ang meter-ritmikong istraktura, harmonic na wika na naaayon sa estilo ng trabaho, at pagkatapos ay markahan ang marka ayon sa istraktura ng oras nito.

Ito ay ipinahayag sa katotohanan na ang mga tala ng konduktor iba't ibang palatandaan(mga tuldok, kuwit, gitling, mga krus) pagbuo ng musikal na pananalita ng akda (mga parirala, pangungusap, tuldok, atbp.). Ang mga paghihirap ay lumitaw kapag ang isang parirala ay binubuo ng mga kakaibang bar - kailangan mong maging maingat upang hindi masira ang kahulugan. Ang pagmamarka na ito ay nakakatulong upang matukoy ang mahihirap na lugar sa mga grupo ng orkestra, na nangangailangan ng mas maraming daanan. Ang ganitong gawain sa marka ay nakakatulong upang pag-aralan ang istraktura ng trabaho at saklawin ang malalaking seksyon ng form, na parang pinapayagan ang isa na madama ang buong dramaturgy ng trabaho.

Paksa 16. Bato ng konduktor, ang playunin, mga paraan ng paghawak

Mahirap isipin ang isang konduktor sa podium na walang baton sa kanyang kamay. Parang may kulang. At ito ay totoo, dahil ang baton ay instrumento ng konduktor. Napakahalaga ng papel ng baton sa pagsasagawa. Nakakatulong ito sa pagsasagawa ng pamamaraan upang maging kapansin-pansin ang banayad na paggalaw ng kamay, na napakahalaga para sa mga musikero sa isang orkestra. Ang pinakamahalagang layunin nito ay magsilbi bilang isang paraan ng pagpapahusay ng pagpapahayag ng isang kilos. Ang matalino at mahusay na paggamit ng baton ay nagbibigay sa konduktor ng isang paraan ng pagpapahayag na hindi makakamit sa ibang paraan.

Kadalasan ang patpat ay gawa sa kahoy na hindi nag-vibrate kapag hinampas. Ang haba ng stick (para sa isang karaniwang kamay) ay 40 - 42 cm, depende sa laki ng kamay at bisig, ang haba ng stick ay maaaring mag-iba. Para sa kadalian ng paghawak, ito ay ginawa gamit ang isang hawakan na gawa sa foam o cork, kung minsan ay inukit mula sa parehong kahoy bilang stick. Ito ay mas mahusay kapag ang ibabaw ng stick ay magaspang para sa mas mahusay na tactility.

Sa gawain ng isang konduktor, nagbabago ang paghawak ng baton depende sa tempo at kalikasan ng musika. May tatlong pangunahing probisyon.

1. Ito ay kinuha gamit ang hinlalaki at hintuturo upang ang (matalim) nitong dulo ay nakadirekta sa gilid, sa kaliwa. Sa posisyon na ito, hindi nito pinahaba ang mga kamay, ngunit ang mga paggalaw ay nagiging mas kapansin-pansin. Ang simula ng tunog ay ipinapakita hindi sa dulo ng stick, ngunit sa lahat ng mga punto nang sabay-sabay, na parang may brush. Ang pamamaraang ito ay ang pinakasimple at pinakamadaling matutunan.

2. Ang direksyon ng stick ay hindi sa gilid, ngunit pasulong. Ito ay mas mahirap at nangangailangan ng higit pang paghahanda; Sa kasong ito, ang stick ay nagiging tulad ng isang extension ng brush. Ano ang ibinibigay nito? Ang isang bahagyang paitaas na pagpapalihis ng brush ay nagpapataas ng dulo ng stick ng isang malaking distansya. Hinahawakan ng stick ang tunog gamit ang pinaka dulo nito, na parang instrumento ng pintor, na gumuhit ng pinakamagandang nuances ng pagganap.

3. Ang brush na may stick ay nakatali sa gilid, iyon ay, 90 degrees sa kanan. Lumilikha ang posisyon na ito ng higit pang mga posibilidad para gumana ang brush: sa kanan, sa kaliwa, sa isang bilog, atbp. Ang isang wand sa isang nakataas na kamay ay tumutulong sa paghahatid ng mga kabayanihan na imahe. Ang mga pabilog na paggalaw ng pulso ay naghahatid ng musika ng isang karakter na scherzo. Bigyang-pansin natin ang katotohanan na kung mas aktibo ang kilos ng kamay (biyo at balikat), hindi gaanong aktibo at hindi masyadong malaki ang paggalaw ng kamay na may isang pahabang stick. At kabaligtaran - kung hindi gaanong aktibo ang kamay, mas malaki ang tungkulin na itinalaga sa kamay, na armado ng isang stick.

Mga kinakailangan sa kredito

Ang programa ng disiplina na "Kasaysayan at Teorya ng Pagsasagawa" ay pinagsama-sama alinsunod sa mga kinakailangan para sa ipinag-uutos na minimum na nilalaman at antas ng pagsasanay ng isang espesyalista sa siklo ng "Mga Espesyal na Disiplina". Ang inirerekomendang haba ng kurso ay 34 na oras sa unang semestre. Nagtatapos ang kurso sa pagsusulit.

Mga halimbawang tanong para sapagsusulit

1. Mga yugto ng pag-unlad ng pagsasagawa.

2. Pagsasagawa bilang isang malayang anyo ng pagtatanghal ng sining.

3. Western European conducting school at mga kinatawan nito.

4. Kasaysayan at pag-unlad ng Russian school of conducting. Ang pinakamaliwanag na mga kinatawan nito.

5. Conductor's apparatus at ang pagtatanghal nito.

6. Ang kilos ng konduktor at ang istraktura nito.

7. Auftakt, ang mga function at varieties nito.

8. Mga circuit ng orasan.

9. Mga prinsipyo para sa pagpili ng mga scheme ng timing.

10. Fermata at mga uri nito.

11. Paraan ng pagsasagawa ng fermata.

12. Mga pause, syncopations, accent sa musical literature.

13. Mga paraan ng pagpapakita ng mga pause, syncopation, accent sa manual technique.

14. Ang ibig sabihin ng pagpapahayag sa musika, ang kanilang solusyon sa mga kilos.

15. Saliw. Mga gawain ng konduktor sa pag-master ng sining ng saliw.

16. Mga tungkulin ng konduktor sa pakikipagtulungan sa pangkat.

17. Orkestra. Mga uri ng orkestra sa pamamagitan ng instrumental na komposisyon.

18. Iskor. Pagsusuri ng konduktor sa marka.

19. Ang baton ng konduktor, ang layunin nito, ang mga paraan ng paghawak nito.

Bibliograpiya

1. Anosov, N.P. Pamanang pampanitikan. Korespondensiya. Mga alaala ng mga kontemporaryo. / N.P. Anosov. - Moscow: Sov. kompositor, 1978.

2. Ansarme, E. Mga pag-uusap tungkol sa musika. / E. Ansermet. - Leningrad: Musika, 1985.

3. Astrov, A. Larawan ng kulturang musikal ng Russia S.A. Koussevitzky. / A.V. Astrov. - Leningrad: Musika, 1981.

4. Berlioz, G. Konduktor ng Orchestra. // Malaking treatise sa modernong instrumentasyon at orkestra. / G. Berlioz. - Moscow: Sov. kompositor, 1972.

5. Alexander Vasilievich Gauk. Mga alaala. Mga napiling artikulo. Mga alaala ng mga kontemporaryo. // Comp.: Gauk L., Glezer R., Milydtein Y. - Moscow: Sov. kompositor, 1975.

6. Grigoriev, L.G. Evgeny Svetlanov. / L.G. Grigoriev, Ya.M. Platek. - Moscow: Musika, 1979.

7. Ginzburg, L.M. Mga Paborito: Mga konduktor at orkestra. Mga tanong ng teorya at kasanayan sa pagsasagawa. / L.M. Ginsburg. - Moscow: Sov. kompositor, 1982.

8. Ginzburg, L.M. Pagsasagawa: Pagsasanay. Kwento. Aesthetics / Ed.-comp. L.M. Ginsburg. - Moscow, 1975.

9. Ivanov-Radkevich, A.N. Tungkol sa edukasyon ng isang konduktor. / A.N. Ivanov-Radkevich. - Moscow: Musika, 1973.

10. Kazachkov, S.A. Ang aparato ng konduktor at ang pagtatanghal nito. / A.S. Kazachkov. - Moscow: Musika, 1967.

11. Kahn, E. Mga elemento ng pagsasagawa. / E. Kan. - Leningrad: Musika, 1980.

12. Kanerstein, M.M. Pagsasagawa ng mga isyu. / MM. Kanerstein. - Moscow: Musika, 1972.

13. Kargin, A.S. Nagtatrabaho sa isang amateur orkestra ng mga instrumentong katutubong Ruso. / A.S. Kargin. - Moscow: Edukasyon, 1987.

14. Wheels, N.F. Mga pangunahing kaalaman sa pamamaraan ng pagsasagawa. / N.F. Mga gulong. - Kyiv: Musika. Ukraine, 1981.

15. Kolcheva, M.S. Mga pamamaraan ng pagtuturo ng pagsasagawa ng isang orkestra ng mga katutubong instrumento. / MS. Kolcheva - Moscow: GMPI im. Gnesins. 1983.

16. Malko, N. And Fundamentals of conducting technique. / N.I. Malko. - Moscow - Leningrad: Musika, 1965.

17. Matalaev, L.N. Mga pangunahing kaalaman sa pamamaraan ng pagsasagawa. / L.N. Matalaev. - Moscow: Sov. Kompositor, 1986.

18. Musin, I.A. Teknik ng pagsasagawa. / I.A. Musin. - Leningrad: Musika, 1967.

19. Munsch, Sh. konduktor. / S. Munsch. - Moscow: Musika, 1967.

20. Olkhov, K.A. Mga tanong ng teorya ng pagsasagawa ng pamamaraan at pagsasanay mga konduktor ng koro. / K.A. Olkhov. - Leningrad: Musika, 1979.

21. Pozdnyakov, A.B. Conductor-accompanist. Ang ilang mga katanungan ng orkestra saliw. / A.B. Pozdnyakov. - Moscow: GMPI im. Gnesin. 1975.

22. Remizov I.A. Vyacheslav Suk. / I.A. Remizov. - Moscow, Leningrad: Music Publishing House, 1951.

23. Romanova, I.A. Mga tanong ng kasaysayan at teorya ng pagsasagawa. / I.A. Romanova. - Ekaterinburg, 1999.

24. Smirnov, B.F. Pagsasagawa ng pamamaraan bilang isang bagay ng persepsyon ng manonood (tagapakinig). / Lecture sa kurso “ Mga teoretikal na pundasyon pagsasagawa" para sa mga full-time at part-time na mga mag-aaral na dalubhasa sa "mga instrumentong bayan" sa mga institute ng sining at kultura. / B.F. Smirnov. - ChGIK, Chelyabinsk, 1992.

Karagdagang pagbabasa

1. Erzhemsky, G.L. Sikolohiya ng pagsasagawa. / G.L. Erzhemsky. - Moscow: Musika, 1988.

2. Kondrashin, K.K. Tungkol sa sining ng pagsasagawa. / K.K. Kondrashin. - Leningrad - Moscow: Sov. kompositor, 1970.

3. Kondrashin K.K. Ang mundo ng konduktor. / K.K. Kondrashin. - Leningrad: Musika, 1976.

4. Leinsdorf, E. Bilang pagtatanggol sa kompositor. / E. Leinsdorf. - Moscow: Musika, 1988.

5. Musin I.A. Tungkol sa edukasyon ng isang konduktor. / I.A. Musin. - Leningrad: Musika, 1987.

6. Neishtad, I.Ya. Artist ng Tao na si Yakov Zak. / AT AKO. Neustad. - Novosibirsk book publishing house, 1986.

7. Pazovsky, A.M. Konduktor at mang-aawit. / A.M. Pazovsky. - Moscow: Musika. publishing house, 1959.

8. Robinson, P. Karajan. / P. Robinson. - Moscow: Pag-unlad, 1981.

9. Rozhdestvensky, G.N. Pagfingering ng konduktor. / G.N. Pasko. - Leningrad: Musika, 1976.

10. Saradzhev, K. Mga artikulo, alaala. / K. Saradzhev. - Moscow: Sov. kompositor, 1962.

11. Sivizyanov, A. Pagpapahayag ng konduktor ng mga elemento at istilo ng musika. / A. Sivizyanov. - Shadrinsk: "Iset", 1997.

12. Mga modernong konduktor. / Comp. Grigoriev L., Platek J. Moscow: Sov. kompositor, 1969.

13. Khaikin, B.E. Mga pag-uusap tungkol sa galing ng konduktor. / B.E. Haykin. - Moscow: Musika, 1984.

14. Scherhen, G. Pagsasagawa ng aklat-aralin. / G. Scherhen. - Moscow: Musika, 1976.

Na-post sa Allbest.ru

Mga katulad na dokumento

Ang mga pangunahing yugto ng ebolusyon ng pagsasagawa ng pamamaraan. Ang mga pangunahing tampok ng paggamit ng shock-noise conducting sa kasalukuyang yugto. Pangkalahatang konsepto ng cheironomy. Visual na paraan ng pagsasagawa sa ika-17-18 siglo. Tunay na pamamaraan ng mga circuit ng tiyempo.

ulat, idinagdag noong 11/18/2012


Nagpapahayag ng mga diskarte sa pagsasagawa at ang kanilang kahalagahan, ang physiological apparatus bilang isang pagpapahayag ng intensyon sa pagganap ng musika at artistikong kalooban. Ang kilos at ekspresyon ng mukha ng konduktor bilang isang paraan ng pagpapadala ng impormasyon, static at dynamic na pagpapahayag ng musika.

course work, idinagdag 06/07/2012


Malikhaing larawan kompositor na si R.G. Boyko at makata na si L.V. Vasilyeva. Kasaysayan ng paglikha ng akda. Kaakibat ng genre, harmonic na "pagpuno" mga miniature ng choral. Uri at uri ng koro. Mga hanay ng batch. Mga kahirapan sa pagsasagawa. Mga paghihirap sa boses at koro.

abstract, idinagdag 05/21/2016


Ang kasaysayan ng pag-unlad ng jazz bilang isang anyo ng musikal na sining. Mga katangian wikang musikal jazz Improvisation, polyrhythm, syncopated rhythms at isang natatanging performance texture - swing. Ang "Swing Era", na nauugnay sa tuktok ng katanyagan ng malalaking orkestra.

pagtatanghal, idinagdag noong 01/31/2014


Ang pagbuo ng musika bilang isang anyo ng sining. Mga makasaysayang yugto ng pagbuo ng musika. Ang kasaysayan ng pagbuo ng musika sa mga pagtatanghal sa teatro. Ang konsepto ng "genre ng musika". Mga dramatikong pag-andar ng musika at ang mga pangunahing uri ng mga katangian ng musikal.

abstract, idinagdag 05/23/2015


Pangkalahatang katangian at ang mga katangian ng musika bilang isang anyo ng sining, ang paglitaw at kaugnayan nito sa panitikan. Ang papel ng musika bilang isang kadahilanan sa pag-unlad ng pagkatao. Tunog bilang isang materyal, ang pisikal na batayan ng konstruksiyon musikal na imahe. Isang sukatan ng lakas ng tunog ng musika.

abstract, idinagdag 03/15/2009


Ang kasaysayan ng pinagmulan at pag-unlad ng mga instrumentong pangmusika mula sa sinaunang panahon hanggang sa kasalukuyan. Isinasaalang-alang ang mga teknikal na kakayahan ng tanso, kahoy at mga instrumentong percussion. Ebolusyon ng komposisyon at repertoire ng mga brass band; kanilang papel sa modernong Russia.

course work, idinagdag noong 11/27/2013


Ang konsepto at kasaysayan ng pinagmulan ng musika, ang mga yugto ng pag-unlad nito. Mga genre at istilo ng musika. "Linguistic" na teorya ng pinagmulan ng musika. Ang pagbuo ng paaralan ng kompositor ng Russia. Mga relasyon sa pagitan ng mga musikero at ng estado sa panahon ng Sobyet. Pag-unlad ng musika sa Russia.

abstract, idinagdag noong 09/21/2010


Ang pagbuo ng gumaganap na kagamitan ng isang drummer na musikero: pagpoposisyon ng mga kamay, landing, paggawa ng tunog, pagbuo ng isang pakiramdam ng ritmo. Pisiyolohikal na mekanismo ng motor-teknikal na kasanayan ng tagapalabas. Masining na intonasyon ng pagtugtog ng snare drum.

pagsubok, idinagdag noong 07/12/2015


Ebolusyon pop art: hitsura mga comic opera at mga variety show, ang kanilang transformation into entertainment shows. Repertoire ng pop symphony orchestras. Pagpapasiya ng mga pangunahing kadahilanan na nakakaimpluwensya sa pagbaluktot ng panlasa ng musikal ng mga modernong tinedyer.