Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang English Renaissance theater ay isinilang at binuo sa market square, na tumutukoy sa pambansang British na lasa at demokrasya nito. Ang pinakasikat na genre sa mga pampublikong entablado ay ang mga dula sa moralidad at mga komedya. Sa panahon ng paghahari ni Elizabeth Tudor, ang mga misteryo ay ipinagbawal. Mula sa simula ng ika-16 na siglo, ang English theatrical art ay lumapit sa isang bagong yugto - ang simula ng pag-unlad ng humanistic drama, na nagsimulang magkaroon ng hugis laban sa backdrop ng pampulitikang pakikibaka sa pagitan ng maharlikang kapangyarihan at ng Simbahang Katoliko.

Mula sa entablado ng teatro ay walang lihim na tunog matalas na pagpuna at ang propaganda ng isang bagong humanistic na ideolohiya, na nabihisan ng mga pamilyar na interlude at moralidad na mga dula. Sa dula ng humanist na si John Rastell na "Interlude on the Nature of the Four Elements" (1519), bilang karagdagan sa mga tradisyunal na pigura para sa mga dula sa moralidad, mayroong mga sumusunod na karakter: Uhaw sa kaalaman, Babaeng Kalikasan, Karanasan at, salungat. sa kanila, ang diyablo Kamangmangan at ang patutot na uhaw sa kasiyahan. Ang hindi mapagkakasunduang pakikibaka ng mga tauhang ito sa dula ay nagtatapos sa tagumpay ng kaliwanagan laban sa obscurantism at kamangmangan.

Si John Bale ay isang kilalang tao sa English Reformation at isang sikat na manunulat, may-akda ng dulang King John. Sa pamamagitan ng pagdaragdag ng mga sosyal na tema sa dulang moralidad, inilatag niya ang pundasyon para sa dramaturhiya sa genre ng historical chronicle.

Ang bagong teatro ay ipinanganak mula sa medieval farce. Ang makata ng korte, musikero at tagapag-ayos ng mga makukulay na salamin sa mata na si John Gaywood ay bumuo ng komedya sa pamamagitan ng pagsulat ng mga satirical interlude. Sa mga ito, kinutya niya ang pandaraya ng mga monghe at mga nagtitinda ng indulhensiya, ang mga intriga ng mga klero, sakim sa tubo, at ang mga tusong panlilinlang ng mga pari na nagtakpan ng kanilang mga kasalanan ng mapagmataas na kabanalan. Bilang karagdagan sa pangunahing karakter - ang buhong - at mga negatibong karakter– klero – ang mga karaniwang tao na simple ang pag-iisip at mabubuti ay nakibahagi sa mga maiikling eksena sa araw-araw. Ang satirical interludes noong unang bahagi ng ika-16 na siglo ay naging link sa pagitan ng medieval farcical theater at ng umuusbong na dramatic theater.

Ipinakilala ang mga Ingles sa kulturang Italyano at sining ay nag-ambag sa aktibong pagdama at pagpapasikat ng sinaunang kultura at ang mga nagawa ng sinaunang sibilisasyon. Pinaigting na Pag-aaral wikang Latin at ang mga gawa nina Seneca at Plautus ay humantong sa mga pagsasalin ng mga sinaunang trahedya at komedya sa Ingles. Ang mga pagtatanghal batay sa mga pagsasaling ito ay naging napakapopular sa kapaligiran ng maharlika at unibersidad.

Kasabay nito, hinangaan ng mga aristokrata at ng napaliwanagan na publiko ang mga sonnet ni Petrarch at ang mga tula ni Ariosto. Ang mga nobela nina Boccaccio at Bandello ay kilala sa magkakaibang lipunan. Sa royal court, ang mga pagbabalatkayo ay ipinakilala bilang entertainment at entertainment event, kung saan ang mga eksena mula sa Italian pastorals ay nilalaro.

Ang mga unang halimbawa ng pambansang komedya at trahedya sa entablado ng teatro ay lumitaw noong kalagitnaan ng ika-16 na siglo. Si Nicholas Udall, ang may-akda ng unang English comedy, si Ralph Royster Doyster (c. 1551), ay isang edukadong court entertainment organizer at sa pamamagitan ng kanyang mga gawa ay sinubukang turuan ang mga tao ng “mabuting tuntunin ng buhay.”

Ang dulang "Horboduc" (1562) nina Thomas Norton at Thomas Sequile ay unang isinagawa sa korte ni Queen Elizabeth at itinuturing na unang trahedya sa Ingles. Malinaw na ipinapakita nito ang imitasyon ng trahedya ng Roma: ang paghahati ng dula sa 5 mga gawa, pag-awit ng koro at monologo ng mga mensahero, mga madugong krimen, ngunit ang balangkas ay batay sa makasaysayang katotohanan mula sa kasaysayan ng medieval. Ang moral ng trahedya ay nasa alegorikong pantomime at interludes na ipinakita ng mga artista sa pagitan ng mga kilos, na nagpapaliwanag ng mga hindi inaasahang twist ng balangkas.

Matapos ang farcical misteryo at primitive farces, sa batayan ng sinaunang at Italyano na drama, isang bagong English drama ang lumitaw, kung saan mayroong isang komposisyon na batayan, proporsyonalidad ng mga bahagi, lohika sa pagbuo ng aksyon at mga character.

Halos lahat ng bagong henerasyon ng mga manunulat ng dula ay may edukasyon sa unibersidad at nagmula sa isang demokratikong kapaligiran. Nagkakaisa sa malikhaing pangkat sa ilalim ng pangalang "University Minds", sinubukan nilang mag-synthesize ng mataas kulturang makatao aristokrata at katutubong karunungan kasama ang mga alamat nito.

Ang hinalinhan ni William Shakespeare, ang sikat na English playwright na si John Lyly (c. 1554-1606), ay isang makata sa korte. Sa kanyang pinaka-kagiliw-giliw na komedya, "Alexander and Campaspe" (1584), na isinulat batay sa isang kuwento ng Griyegong istoryador na si Pliny, ipinakita niya ang pagkabukas-palad ni Alexander the Great, na, nakita ang pagmamahal ng kanyang kaibigan, ang artist na si Apelles, para sa bihag na si Campaspe, ibinigay siya sa kanyang kaibigan. Kaya, sa pakikibaka sa pagitan ng tungkulin at pakiramdam, ang tungkulin ay nanalo. Ang idealized na imahe ni Alexander sa dula ay kaibahan sa may pag-aalinlangan na pigura ng pilosopo na si Diogenes, katutubong karunungan at ang sentido komun ay nagtatagumpay sa tiwala sa sarili at pagmamataas ng monarko at ng kanyang mga kasama.

Inilatag ni John Lily ang pundasyon para sa tinatawag na romantic comedy. Ipinakilala niya ang lyrical element sa dramatikong aksyon, na nagbibigay ng prosaic speech ng maliwanag na mala-tula na lasa. Itinuro niya ang daan para sa hinaharap na pagsasama ng dalawang genre ng komedya - romantiko at farcical.

Ang tunay na tagapagtatag ng English Renaissance drama ay si Christopher Marlowe (1564-1593), isang tanyag na manunulat ng dula, may-akda ng mga gawa ng pilosopikal at ateistikong nilalaman. Ang anak ng isang manggagawa ng sapatos, na sa pamamagitan ng kanyang pagpupursige ay nakamit ang akademikong degree ng Master of Science, siya ay nakilala sa pamamagitan ng tapang at malayang pag-iisip. Mas gusto ni K. Marlowe ang trabaho ng isang artista sa isang theater troupe kaysa sa karera ng isang pari na nagbukas sa harap niya pagkatapos niyang magtapos sa University of Cambridge. Ang kanyang unang dramatikong gawa, ang Tamerlane the Great, ay puno ng mga ideyang ateistiko. Ang monumental na gawaing ito sa dalawang bahagi ay isinulat sa loob ng dalawang taon (Bahagi I noong 1587 at Bahagi II noong 1588). Ang "Tamerlane the Great" ay isang dramatized na talambuhay ng sikat na silangang mananakop noong huling bahagi ng ika-14 na siglo, ang Timur. Binigyan ni Marlowe ang kanyang bayani ng lakas at hitsura ng isang maalamat na bayani. At, ang lalong mahalaga, ginawa niya ang marangal na pyudal na panginoon, tulad ng Timur, isang "mababang pastol" na sa pamamagitan lamang ng kapangyarihan ng kanyang kalooban, lakas at katalinuhan ay tumaas sa itaas ng mga lehitimong pinuno.

Ang dula ni K. Marlowe na “The Tragic History of Doctor Faustus” (1588) ( kanin. 22) ay nagpapakita ng isa pang bahagi ng buhay ng tao. Ang pagtanggi sa mga prinsipyo ng asetiko at walang pasubali na pagpapasakop sa mas mataas na kapangyarihan para sa kapakanan ng pagkauhaw sa kaalaman at kagalakan ng buhay ay binibihisan ng imahe ng ateista na si Doctor Faustus. Ang drama ng malayang kamalayan ni Doctor Faustus at ang kasunod na kalungkutan ay humahantong sa kanya sa pagsisisi, habang naglalabas ng napakalaking enerhiya sa pakikibaka para sa kalayaan ng pag-iisip.

Ang huling trahedya ni C. Marlowe, "Edward II," na isinulat sa materyal ng mga kasaysayan ng kasaysayan, ay naging batayan ng English drama, na matagumpay na binuo ni W. Shakespeare sa kanyang mga gawa.

Naniniwala ang hari at ang kanyang mga kasama na si C. Marlowe at ang kanyang mga gawa ay nagdulot ng malubhang banta sa kapangyarihan. Kaugnay nito, binigyan ng utos na pisikal na alisin ang manunulat ng dula. Noong Mayo 30, 1593, pinaslang si Marlowe ng isang ahente ng privy council ng hari.

Kasabay ng mga dula ni C. Marlowe, ang mga dula ng iba pang mga manunulat ng dula mula sa grupong "University Minds" ay itinanghal sa entablado: Thomas Kyd - "The Spanish Tragedy" (1587) at Robert Greene - "Monk Bacon and Friar Bongay", " James IV” at “George Greene” , Wakefield field watchman” (1592).

Ang malikhaing komunidad ng mga manunulat ng dula mula sa grupong "University Minds" ay nauna sa isang bagong yugto sa pagbuo ng pambansang drama - ang paglitaw ng trahedya at komedya ng Renaissance. Unti-unti, lumitaw ang imahe ng isang bagong bayani - matapang at matapang, nakatuon sa humanistic ideal.

Sa pagtatapos ng ika-16 na siglo, ang English folk theater ay umakit ng malaking pulutong ng mga tao sa mga pagtatanghal nito, hinihigop ang lahat ng mga rebolusyonaryong ideya at ginagaya ang magigiting na bayani na nagtanggol sa kanilang dignidad bilang tao sa pakikibaka. Ang bilang ng mga tropa ng teatro ay patuloy na tumaas;

Noong 1576, ang unang teatro ay itinayo sa London ni James Burbage, na tinawag na "Theater". Sinundan ito ng pagtatayo ng ilang mga gusali ng teatro: Kurtina, Blackfriars, Rose at Swan ( kanin. 23). Sa kabila ng katotohanang ipinagbabawal ng city council of commons sa pamamagitan ng utos nito ang pagtatanghal ng mga palabas sa teatro sa London mismo noong 1576, ang mga sinehan ay matatagpuan sa timog na pampang ng Thames, sa isang lugar na lampas sa awtoridad ng council of commons.

Ang malalaking kahoy na gusali ng pampublikong teatro ay may iba't ibang hugis: bilog, parisukat o may walong sulok. Walang bubong ang gusali, isang maliit na canopy lamang sa ibabaw ng entablado. Ang mga sinehan na ito ay kayang tumanggap ng hanggang 2,000 manonood. Ang karamihan ng mga manonood, na binubuo ng mga ordinaryong tao, ay nanood ng pagtatanghal habang nakatayo. Ang mga mayamang taong-bayan ay umupo sa mga gallery, na matatagpuan sa tatlong tier sa loob ng mga bilog na dingding ng teatro.

Noong 1599, itinayo ang Globe Theater, kung saan nagtrabaho si W. Shakespeare. Ang gusali ay may octagonal na hugis, ang entablado ay trapezoidal, ang base nito ay nakausli sa auditorium. Ang functional space ay nahahati sa tatlong bahagi: ang harap na bahagi ng entablado - proscenium; ang likod, na pinaghihiwalay ng dalawang hanay na sumusuporta sa isang pawid na canopy; ang tuktok ay isang balkonahe sa itaas ng back stage. Ang kumplikadong istraktura ay nakumpleto ng isang maliit na tore, kung saan ang isang bandila ay nakabitin sa panahon ng pagtatanghal. Ang entablado ay karaniwang pinalamutian ng mga carpet at banig, at ang kurtina, depende sa genre (komedya o trahedya), ay maaaring asul o itim. Ang gusali ng unang Globe Theater ay nawasak ng apoy noong 1613. Pagkatapos ng pagpapanumbalik ay umiral ito hanggang 1645 ( kanin. 24).

Ang mga aktor sa mga teatro sa London para sa karamihan, hindi mabibilang ang mga sikat na nasiyahan sa pagtangkilik ng mga maharlika, ay mga taong mababa ang kita at walang kapangyarihan. Ang royal decree ay tinutumbas ang mga artista sa mga walang tirahan na tramp at nagbigay ng kaparusahan para sa mga tropa na walang mayayamang patron. Sa kabila ng malupit na saloobin sa mga teatro mula sa mga awtoridad, ang kanilang katanyagan ay tumataas taon-taon at tumaas ang kanilang bilang.

Ang anyo ng organisasyon ng mga theater troupes noong panahong iyon ay may dalawang uri: isang mutual partnership ng mga aktor na may self-government at isang pribadong negosyo na pinamumunuan ng isang entrepreneur na nagmamay-ari ng props at bumili ng mga karapatang magtanghal ng dula mula sa mga playwright. Ang isang pribadong negosyante ay maaaring umarkila ng anumang tropa, na inilalagay ang mga aktor sa pagkaalipin sa kanyang mga kapritso.

Ang tropa, sa pangunguna ni W. Shakespeare ( kanin. 25) at ang kanyang kaibigan, sikat na aktor na si Richard Burbage ( kanin. 26), ay tinawag na "The Lord Chamberlain's Men". Ang kita ng tropa ay ipinamahagi sa pagitan ng playwright at ng mga nangungunang aktor ng teatro alinsunod sa kanilang mga pagbabahagi.

Ang dami ng komposisyon ng tropa ay hindi hihigit sa 10-14 katao, na kailangang gumanap ng ilang mga tungkulin sa repertoire ng teatro. Ang mga babaeng papel ay ginampanan ng mga magagandang kabataang lalaki, na nakakamit ng mga tunay na pagtatanghal sa pamamagitan ng kaplastikan ng kanilang mga galaw at ang liriko ng kanilang mga boses. Ang pangkalahatang paraan ng pag-arte ng mga aktor ay nakakaranas ng isang yugto ng paglipat mula sa isang epikong istilo at napakagandang kalunos-lunos tungo sa isang pinipigilang anyo ng panloob na drama. Ang mga nangungunang aktor ng trahedya na genre sa panahon ni William Shakespeare ay sina Richard Burbage at Edward Alleyn ( kanin. 27).

Richard Burbage, kanyang sa isang malapit na kaibigan at katulong, ipinagkatiwala ni W. Shakespeare ang mga pangunahing tungkulin sa kanyang mga trahedya. Si Burbage, na may mahusay na utos ng kanyang boses, ay hindi lamang mahusay na gumanap ng kanyang mga monologue, ngunit pinahusay din ang emosyonal na kulay ng papel sa kanyang mga sulyap at kilos. Sa genre ng komedya, ang mga aktor na sina Robert Armin at William Kemp ( kanin. 28) at Richard Tarleton. Ang pinaka-katangiang komedyante ay si Robert Armin, na gumanap bilang isang jester, puno ng pilosopiko na kahulugan at dramatikong nilalaman, sa mga dula ni Shakespeare na As You Like It at King Lear.

Bilang isang playwright at direktor, si W. Shakespeare ay nag-synthesize sa kanyang trabaho ang lahat ng mga nagawa ng sining sa teatro na nilikha bago siya, at dinala ang sining na ito sa pagiging perpekto. Tinukoy niya ang pangunahing direksyon nito, na kung saan ay upang makamit ang isang salamin na imahe ng kakanyahan ng kalikasan ng tao, sa anumang anyo na maaaring lumitaw.

Para sa sining ng pagganap Ang panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng makabuluhang emosyonal na intensidad ng pagkilos. Ang tono ng dula ay itinakda hindi sa pamamagitan ng malakas na pagbigkas at aktibong kilos, ngunit sa pamamagitan ng mayamang imahinasyon at kakayahan ng aktor na ihatid ang estado na kanyang nararanasan. Ang payo sa mga aktor, na ipinahayag ni W. Shakespeare sa pamamagitan ng bibig ni Hamlet sa kanyang trahedya, ay isang walang hanggang gabay para sa lahat ng henerasyon ng mga artista, hangga't nananatiling buhay ang makatotohanang sining ng teatro. Sa gawain ng mahusay na manunulat ng dulang Ingles, ang dramatikong teatro ng European Renaissance ay umabot sa tugatog ng pag-unlad nito. Pinalawak ng gawa ni Shakespeare ang karaniwang mga hangganan at ipinakita sa mga susunod na henerasyon ng mga aktor ang mga paraan upang bumuo at mapabuti ang dramatikong sining sa direksyon ng pagbubunyag espirituwal na mundo tao.

Sa kalagitnaan ng ika-17 siglo, isang mahabang rebolusyong burges-Puritano ang nagwakas sa Inglatera, na humantong sa pagtatatag ng Puritanismo sa lipunan. Ang isa sa mga dogma ng Puritan, na nagtalo na ang isang tao ay hindi dapat sumuko sa kanyang kapalaran, ay naging kanyang ideological banner. Sa bansa noong panahong iyon, ayon sa mga kontemporaryo, naghari ang kahalayan at pagkabulok ng moralidad. Ang pagkakaibigan, budhi at tungkuling pampubliko ay ganap na nawalan ng kahulugan. SA huli XVII- Sa simula ng ika-18 siglo, ang nangungunang direksyon sa pilosopiyang Ingles ay libertinism, o malayang pag-iisip, na higit na nakaimpluwensya sa drama at teatro. Nang maglaon ay kinuha ang direksyong ito tiyak na anyo at tinawag na katalinuhan. Pagkatapos ng pagpapanumbalik ng monarkiya ng Stuart sa Inglatera, ang pagpapatawa ay lubos na iginagalang sa mga maharlikang komunidad. Unti-unti, alinsunod sa katotohanang nabubuo ang isang bagong ideolohiyang burges, nagbago rin ang ugali sa pagpapatawa, lalo itong naging kritikal. Hindi ito makakaapekto sa sining. Mula sa pananaw ng mga sumusunod sa pagpapatawa, ang buhay ay isang kumplikadong sining na nangangailangan ng pag-iingat at pananaw mula sa isang tao. Ang mga kasinungalingan ay dapat na mahusay na pinagsama sa katotohanan, at ang katapatan at prangka ay dapat na pinagsama sa tuso at panlilinlang. Ang kasal sa simbahan ay itinuturing na isang gapos, na nagpatotoo sa pagkaalipin ng lalaki.

Ang imoral na mga prinsipyo ay nagdulot ng patas na galit sa bahagi ng kagalang-galang na burges, gayundin ng mga manunulat at pilosopo. Habang lumalakas ang kapangyarihan ng burgesya at lumakas ang impluwensya nito, aktibong sinimulan nitong salakayin ang mga “matalino.” Pangunahing ipinahayag ito sa kanyang pakikibaka sa English theater.

Bago ang pagpapanumbalik ng monarkiya sa Inglatera, sa panahon ng paghahari ni Cromwell, ang teatro ay ipinagbawal ng isang espesyal na utos ng parlyamentaryo. Itinuring ng gobyernong Puritan ang teatro na isang lugar ng pag-aanak ng imoralidad, pagkamakasalanan at bisyo. Ang mga konseho ng munisipyo ay nagsampa ng maraming kaso laban sa mga kumpanya ng teatro, kung minsan ay walang kaugnayan sa alinman sa mga aktor o mga dula. Napakababa ng reputasyon ng mga sinehan kaya hindi na bumisita sa kanila ang mga taong-bayan. Upang maiwasan ang gutom, napilitan ang mga aktor na umalis sa mga lungsod patungo sa mga malalayong probinsya kung saan may kikitain sila. Nagkawatak-watak ang mga tropa sa teatro at mga paaralan, umalis sa lungsod ang mga guro ng oratory at performing arts, musika at sayaw. Ang mga awtoridad ng probinsiya ay tapat sa mga amateur na pagtatanghal na pinangangasiwaan ng mga may-ari ng kastilyo. At sa mga lungsod ang teatro ay nabuhay muli sa mga musikal at dramatikong pagtatanghal (mga pagbabalatkayo).

Matapos ang pagpapanumbalik ng monarkiya ng Stuart sa England, nagsimula ang isang kanais-nais na panahon para sa muling pagkabuhay ng teatro. Ang madla ng mga teatro sa lungsod ay binubuo ng eksklusibo ng aristokrasya at maharlika ng lungsod. Ang dramatikong sining ay nagpahayag ng anti-puritan at anti-burges na espiritu, na sumiklab pagkatapos sa mahabang taon pag-uusig at sapilitang pananahimik. Sa marami satirical comedies ang papel ng isang hangal na simpleton o isang cuckolded na asawa ay palaging itinalaga sa kaawa-awang burges.

Ang teatro ng panahon ng Pagpapanumbalik ay naibalik sa loob ng mahabang panahon, at ang mga pagbabagong naganap dito sa panahong ito ay makabuluhan. Isang theatrical monopoly ang nabuo sa England. Ang isang maharlikang patent ay inisyu para sa karapatang mag-organisa ng tropa ng teatro at lumikha ng isang teatro. At si Lord Chamberlain ang namamahala sa censorship, na umaabot sa mga aktibidad ng theater troupe. Ang bilang ng mga kumikilos na kumpanya at mga lugar ng teatro sa London ay kinokontrol at kinokontrol ng pamahalaang Ingles. Ang partikular na pansin ay binabayaran sa repertoire ng teatro.

Sa panahon ng Pagpapanumbalik sa England, isang espesyal na gusali ang itinayo upang ipakita ang mga pagtatanghal at mga tropa at props ng teatro sa bahay. Ito ay isang hugis-parihaba na panloob na silid na may malaking sukat, kung saan ang mga manonood ay nasa mas komportableng mga kondisyon kumpara sa panahon ng pre-Restorasyon. Ang teatro ay mayroon na ngayong sa likod ng entablado at isang proscenium na umaabot sa mga kuwadra at napapaligiran ng dalawang hanay ng mga kahon. Noong una, sa naturang mga sinehan, lalo na ang mga maharlikang manonood ay nakaupo sa mga upuan mismo sa entablado, malapit sa mga artista. Lumikha ito ng ilang abala para sa mga gumaganap.

Para sa mga pagtatanghal sa entablado, ang mga set ay espesyal na ginawa, pati na rin ang iba't ibang mga aparato na naging posible upang gayahin ang mga flight at iba't ibang mga pagbabago. Umakyat sa entablado ang mga artista sa mga babaeng papel upang palitan ang mga lalaki ng teatro ni Shakespeare. Kabilang sa mga pinaka mahuhusay na babaeng artista sa panahon ng Pagpapanumbalik ay si Nell Guinn ( kanin. 29), Mary Knapp, Elizabeth Barry (Larawan 30), Elinor Lee at iba pang rebolusyonaryong artista. Ang saklaw ng mismong pagtatanghal sa teatro ay naging mas malawak din. Bilang karagdagan sa tradisyonal na drama, pantomime o komedya ay maaaring ipakilala sa pagtatanghal. Ang mga intermisyon ng sayaw sa musika ay napakapopular. Nang maglaon, isinama ang mga ballad opera sa repertoire ng teatro. Ang mga klasikal na trahedya ay nagtamasa ng malaking tagumpay sa panahong iyon.

Ang iba't ibang pagbabago sa buhay pampulitika at panlipunan na naranasan ng England sa panahong ito ay, sa turn, ay makikita sa repertoire ng mga teatro sa London. Ang bourgeoisie ay may kumpiyansa na dumating sa kapangyarihan, at ang madla ng ikatlong estate ay dumating sa teatro. Ang madla na ito, na sumasakop sa karamihan ng mga murang upuan sa bulwagan, ay maaaring tiyak at malakas na ipahayag ang kanilang opinyon tungkol sa pagtatanghal, pag-apruba o pagbo-boo nito.

Sa lipunan, ang galit ay nagsimulang lumitaw nang higit at mas madalas sa mga pagtatanghal na nagpapakita ng mga bisyo at imoralidad ng tao sa isang kaakit-akit na liwanag. Ang aklat ng reaksyunaryong mangangaral na si Jeremy Collier, “A Brief Sketch of the Immorality and Impiety of the English Stage,” ay nagdulot ng gulo ng mga tugon at galit sa theatrical community. Sa kabila ng katotohanan na ang aklat ay binatikos nang husto ng mga manggagawa sa teatro, nagbunga ito ng mga positibong resulta. Nagbago ang repertoire, na kinabibilangan na ngayon ng mga dramatikong gawa na may mga tema na nagpapatunay sa mga burgis na birtud: kabanalan, pagtitipid at integridad.

Mahigpit na sinusubaybayan ng mga lipunang sibil para sa pagwawasto ng moral ang nilalaman ng mga gawa na itinanghal ng mga sinehan sa London. Ang mga espesyal na ahente ay naroroon sa mga pagtatanghal, na nagmamasid sa pagganap at nagre-record ng anumang pag-atake laban sa moralidad. Dinala ng mga censor ang mga negosyante at aktor sa paglilitis para sa mga paglabag na ito. Hindi lamang mga bahagi na nagdulot ng kawalan ng tiwala sa bahagi ng mga censor, kundi pati na rin ang buong mga gawa ay walang awang pinutol sa mga teksto ng mga dula. Nangungunang aktor ng English stage ng Restoration period na si Thomas Betterton ( kanin. 31), na pinagbantaan ng kamatayan para sa imoral na paglalaro, ay napilitang baguhin ang kanyang interpretasyon sa maraming tungkulin upang tumugma ang mga ito sa bagong sistema ng pagpapahalaga.

Sa simula ng ika-18 siglo, nagbago ang teatro ng Ingles, na muling isinasaalang-alang ang moral at etikal na mga halaga nito. Ang pinakamalapit na pansin ay binayaran hindi lamang sa mga bisyo ng tao, kundi pati na rin sa mga pagtatangka na maunawaan ang kanilang pinagmulan at panlipunang background. Sa teatro ay maaaring pagtawanan ang mga klutz na aristokrata at burges na nagsisimula, mga mapagkunwari ng korte at mga mangangalakal na nouveau riche. Sa panonood ng buhay ng ibang tao sa entablado, inisip ng manonood ang kanyang sarili, at pagkatapos ay natagpuan ang mga kinakailangang sagot sa marami sa mga tanong sa buhay.

Ang teatro ay isang uri ng paaralan kung saan natutong kilalanin ng manonood ang tunay na birtud at bisyo. Gamit ang mga halimbawa ng mga dramatikong bayani, binuo niya ang kanyang posisyon sa buhay at paraan ng pag-uugali. Ang teatro ng panahong ito ay isang mahalagang bahagi ng pambansang kultura ng England. Ang pagtugon sa isang sosyal na tema, ang paglalantad ng mga bisyo ng tao at estado sa pinakamaliit na detalye ay naging isang tradisyon ng English theater na nananatili hanggang ngayon. Sa tradisyong ito nakita ng mga dakilang manunulat ng dulang Ingles at mga manggagawa sa teatro ang kanilang mga pinagmulan at genetic na pinagmulan.

Sa Inglatera, sa panahon pagkatapos ng pagpapanumbalik ng monarkiya ng Stuart, ang teatro at ang gawain ng mga manunulat ng dula ay binuo sa maraming direksyon, ang pangunahing kung saan ay klasiko. Pormal lamang na ginagaya ang mga sinaunang akda, ang mga manunulat ng dulang Ingles ay nailalarawan ang aksyon na mas emosyonal, pinalamutian ang mga dula ng mga pang-araw-araw na subtleties, binibigyang-diin ang mga katangian ng pambansang karakter at hindi kinakailangang mga detalye ng pinagmulan ng mga bayani ng mga dulang ito. Nagkaroon din ng mga pagmuni-muni sa pagbabago ng kanilang mga layunin, hangarin at mood.

Ang pinakakilalang klasiko ng panahong ito ay maaaring tawaging John Dryden (1631-1700) - makata, manunulat ng dulang at kritiko sa panitikan ( kanin. 32). Sumulat siya ng 27 dula, kabilang ang mga trahedya, komedya at tragikomedya. Siya rin ay itinuturing na lumikha ng heroic drama genre. Ipinahayag niya ang kanyang mga kritikal na pananaw tungkol sa drama pangunahin sa mga patula na prologue at epilogue sa kanyang sarili at mga dula ng ibang tao.

Ang mga dula ni Dryden ay puno ng mabagyo na mga hilig, hininga ng pagmamahal sa kalayaan at matataas na adhikain. Inihambing niya ang dramaturgy sa sinaunang eskultura. Sa kanyang pananaw, ang dramaturgical creativity, habang sinasalamin ang kalikasan, ay dapat lampasan ito upang ito ay tama na madama ng manonood sa isang pananaw sa entablado.

Sa panahon ng 1664-1675, isinulat niya ang pinakamahusay na mga halimbawa ng English heroic drama: "The Queen of the Indians", "The Emperor of the Indians, or the Conquest of Mexico by the Spaniards", "Tyrannical Love" at "The Conquest. ng Granada ng mga Kastila” na may mined na patula na anyo ng teksto at ang pahayag ng kanyang mga konsepto tungkol sa karangalan at tungkulin. Ang ilan sa mga trahedya ng manunulat ng dula ay tumatalakay sa tema ng kawalang-kabuluhan ng pag-iral at ang ilusyon ng kaligayahan sa lupa.

Isa sa kanyang pinakamahusay na mga dula, "Don Sebastian," ay nagpapakita ng tema ng ilusyon na katangian ng kaligayahan sa pag-ibig at ang panlilinlang ng kaligayahan sa pag-ibig. Ang batang Portuges na haring si Sebastian, na nahuli, ay umibig sa barbarong reyna na si Almeida. Dahil sa pag-ibig, nakalimutan niya ang lahat. Hindi nagtagal ay nalaman ni Sebastian na ang nagbigay sa kanya ng kaligayahan ng pag-ibig at nagpalaya sa kanya mula sa pagkabihag ay ang kanyang kapatid na babae. Nawala ang ilusyon ng kaligayahan, at ang mga malungkot na magkasintahan ay kusang nagretiro sa isang monasteryo.

Bilang karagdagan sa mga dula ni Dryden, ang repertoire ng bawat teatro sa Ingles ay kinakailangang kasama ang mga gawa ng dalawa pang sikat na aktor at manunulat ng dula - Nathaniel Lee (1653-1692) at Thomas Otway (1652-1685). Ang dula ni N. Lee na “Rival Queens, or the Death of Alexander the Great” ay gumawa ng matinding impresyon sa Emperador ng Russia na si Peter I sa kanyang pananatili sa London noong 1698. Ang kanyang mga drama na Mithridates at Theodosius ay sikat din.

Si Thomas Otway ay kilala sa kasaysayan ng English theater bilang may-akda ng "domestic trahedies" tungkol sa middle-class na buhay. Ang pinakatanyag sa kanila ay ang "The Orphan, or an Unhappy Marriage" at "Venice Saved, or the Uncovered Conspiracy." Ang husay ni Otway ay nasa paglalarawan ng mapanirang kapangyarihan ng mga hilig at pagkabulag ng damdamin para sa isang tao.

Ang mga dula ng creative duo na sina John Fletcher (1579-1625) at Francis Beaumont (1584-1616) ay napakapopular. Ang unang edisyon ng koleksyon ng kanilang mga dula, na naglalaman ng 34 na gawa, ay itinayo noong 1647. Ang mga dulang "Philastre", "The King and Not the King", "The Tragedy of a Girl" ay muling nai-publish nang ilang beses. Ang mga dulang ito ay mahusay na naglalarawan ng pag-ibig at lahat ng mga hilig ng tao na kasama nito. Ang mga komedya ng mga may-akda na ito ay tunay na nakakatawa, at ang mga trahedya ay nagpalungkot at nag-alala kasama ang mga bayani.

Ang wikang Ingles sa mga gawa nina Beaumont at Fletcher ay dinala sa pagiging perpekto. Napag-usapan ito ng maraming beses mamaya mga kritikong pampanitikan, na naniniwala na ang lahat ng mga salita na lumabas sa pang-araw-araw na pananalita pagkatapos ng pagkamatay ng mga manunulat ng dulang ito ay hindi kailangan. Ang kanilang mga dula ay naitanghal sa mga entablado ng mga teatro sa Ingles sa loob ng 40 taon na may patuloy na tagumpay. Bukod dito, sa bawat bagong season ng teatro, tiyak na kasama sa kanilang repertoire ang mga dulang "The Wayward Centurion", "How to Manage a Wife", "Hunting the Hunter", "The King and Not the King", "Philastre", na isinagawa. sa orihinal, nang walang anumang pagbabawas o pagbabago.

Noong ika-18 siglo sa Inglatera, nabuo ang isang hindi maliwanag na saloobin kay W. Shakespeare. Mga kilalang tagapagturo na si Joseph Addison ( kanin. 33) at Richard Steele ( kanin. 34), na nakipaglaban para sa pagbuo ng isang pambansang teatro sa Ingles at laban sa pangingibabaw ng mga dayuhan, sa partikular na Italyano, opera, at nagsalita bilang pagtatanggol sa malikhaing pamana nito. Ngunit tinawag ng ilang kritiko, gaya ni Thomas Rymer, ang kanyang mga trahedya na “isang komedya na walang sarap ng lasa.”

Samakatuwid, maraming mga dulang Shakespearean ang ginawang muli ng mga may-akda upang umangkop sa modernong panlasa. Ginawa ni T. Otway ang dula ni W. Shakespeare na "Romeo and Juliet", pinalitan ang pamagat ng "The Life and Fall of Caius Maria", at D. Dryden - "Antony and Cleopatra" ("All for Love"). At bagama't ang pangalan ni Shakespeare ay patuloy na lumabas sa mga poster, ang pagbabago ng teksto ng dula ay napakahalaga na ang pagtatanghal ay walang pagkakatulad sa orihinal. Maraming dula sikat na playwright Sa mga entablado sa London ay ginampanan sila sa parehong season sa orihinal at sa isang remade na anyo, at ang mga manonood ay nasiyahan sa panonood ng parehong bersyon ng dulang "Romeo at Juliet": kasama ang kalunos-lunos na pagtatapos ni W. Shakespeare at ang masayang isa ni James Howard.

Ang sosyal, acutely satirical comedy of manners ay naganap din sa repertoire ng English theater. Maagang Kinatawan Ang ganitong uri ng pagkamalikhain ay maaaring tawaging George Etheridge (1634-1691), na itinuring na manunuya ng mga moral ng siglo at lumikha ng ilang mga dula na bumaba sa kasaysayan ng sining sa teatro sa England: "Comic Revenge, or Love in a Barrel", "She Would If She Could" at "Slave to Fashion." Nang maglaon, ang ganitong uri ng komedya sa mga pag-aaral sa teatro ay tinawag na "comedy of the Restoration era."

Sikat na sikat ang mga komedya noong panahong iyon. Ang mga aktor ay lalo na gustong maglaro sa mga dula ni William Wycherley (1640-1716) ( kanin. 35), na nakikilala sa pamamagitan ng katatawanan at maliwanag na presensya sa entablado. Sa ilang mga panahon ng teatro, ilang mga sinehan ang nagtanghal ng kanyang dula na "The Country Wife" nang sabay-sabay, at pagkatapos ay isang tunay na mapagkumpitensyang pakikibaka para sa madla ay sumiklab sa pagitan ng mga may-ari ng teatro. Sa mga komedya ni William Congreve ( kanin. 36), na nagtamasa ng patuloy na tagumpay kasama ng publiko, maraming henerasyon ng mga artistang Ingles ang naghasa ng kanilang mga kasanayan sa entablado. Sa mga dulang "The Old Bachelor", "Double Game" at "Love for Love", ang pagsusuri sa lipunan batay sa tumpak na pang-araw-araw na mga katangian ay binibigyan ng unang lugar.

Ang pinakabagong komedya ni Congreve, "That's What You Do in the World," ay nagpapakita ng larawan ng isang tao sa modernong panahon - si Mirabella. Ang bentahe ng bayani ay nakasalalay sa kanyang maayos, lohikal na pangangatwiran at espirituwal na kabaitan. Ang wika ng dula ay napaka-elegante, walang laman na paglalaro ng salita at magarbong parirala.

Noong ika-18 siglo, ang repertoire ng mga teatro ng drama ay lumawak nang malaki. Ang mga pagtatanghal ay binubuo ng ilang mga gawa at pagkatapos ng pagtatanghal ay dinagdagan ng komedya, pantomime, musical divertisement o mga pagtatanghal ng mga payaso at akrobat. Ang pagtatapos ng pagtatanghal ay maaari ding palamutihan ng isang parody ng ilang sikat na dula o opera. Sa loob ng maraming taon ang parehong sikat na farces ay nilalaro, anuman ang programa ng buong gabi. Ang mga musical divertissement, o interludes, ay ang pinakasikat sa theatrical repertoire mga instrumental na konsiyerto o vocal performances, na mga literary plot ng nakakatawang nilalaman, na itinakda sa musika at may mga nakakatawang pangalan na "Love and a Beer Mug", "The Shamed Dandy", "Professor of Joking Sciences", atbp.

Bilang karagdagan sa ballad opera, farces at interludes, noong ika-18 siglo, lumitaw ang isang phenomenon sa theatrical performance bilang "living pictures" at "ceremonial processions" noong Oktubre 1727, sa play na "Richard III" sa Drury Lane Theater sa London , nakita ng mga manonood ang ganoong bagay sa unang pagkakataon,” na naglalarawan ng solemne na seremonya ng koronasyon ni Anne Boleyn, ang pangalawang asawa ni Haring Henry VIII Ang bilang.

Ang gitnang core ng isang multi-hour theatrical performance ay palaging isang dula, na pangunahing pinili ng theater troupe at nag-rehearse sa mahabang panahon. Dahil sa tumaas na kumpetisyon, sinubukan ng mga may-ari ng teatro na isaalang-alang ang mga hinihingi ng mass audience. Hanggang 1868, ang repertoire ay ipinamahagi sa pagitan ng mga sinehan ni Lord Chamberlain, na namamahala sa maharlikang sambahayan at nagbigay ng pahintulot na itanghal ang dula. Ang sistemang ito ay nagpapahintulot sa mga sinehan na bumuo ng isang indibidwal na istilo. Ang Duke's Theater sa London ay sikat para sa halo-halong repertoire nito, habang sa Royal Theater ang kagustuhan ay ibinigay kina W. Shakespeare at B. Johnson ( kanin. 3 7). Ang mga may-akda ng mga bagong dula ay parehong propesyonal na manunulat ng dula at mga baguhan, na nagsulat ng mga dula hindi lamang para sa pera, kundi dahil din sa pagmamahal sa teatro. Isang maginoong manunulat ng dulang na hindi naglingkod sa teatro, sa madaling salita, isang "eksternal na may-akda," sa ilalim ng isang kasunduan sa teatro ay gumawa muli ng mga sikat na dula o binubuo ng mga prologue at epilogue para sa mga pagtatanghal. Ang bawat teatro ay may sariling mga manunulat ng dula at "mga panlabas na may-akda." Maraming mga sikat na aktor din ang bumuo ng mga bagong pagtatanghal, kung saan ang tropa ay masayang nakibahagi.

Ang mga monarko ay madalas na nag-uutos ng mga dula, na nagmumungkahi ng kanilang sariling mga balangkas, na kung minsan ay ipinanganak nang wala sa oras, at kung minsan sa payo ng mga maharlika sa korte. Kasama ng mga mahuhusay at seryosong pag-play, isang malaking bilang ng mga manuskrito ng mababang kalidad na drama ang dinala sa mga sinehan, na sumailalim sa isang mahigpit na pagpili, na nagdulot ng kawalang-kasiyahan ng maraming mga may-akda.

Ang dula, na inaprubahan ng grupo ng teatro, ay kailangang tumanggap ng pahintulot mula sa royal censor para sa produksyon sa teatro. Sa korte ng hari, ang mga tungkulin ng punong censor ay itinalaga sa Lord Chamberlain at sa Chief Master of Ceremonies, na namuno sa institusyon ng censorship ng estado. Maaaring ipagbawal ang mga dula kung inilalarawan ng mga ito ang marahas na pagkamatay ng mga monarko o hindi naaangkop na paggamit ng mga sipi mula sa Bibliya. Ang isang eksenang tumatalakay sa panunuhol na umusbong sa korte ng hari, kung pinahihintulutan ng censorship, ay maaaring pumukaw sa galit ng hari at humantong sa pagkakulong sa censor na hindi nakuha ang sedisyon. May mga ganitong kaso sa kasaysayan ng English drama.

Nang, sa pagtatapos ng ika-17 siglo, ang mga aktibidad ng maraming lipunan para sa pagwawasto ng moralidad ay tumindi, ang theatrical censorship ay naging mas mahigpit din, na, sa panahon ng pagtindi ng pampulitikang pakikibaka sa pagitan ng Whigs at Tories sa loob ng bansa, ay nagkaroon ng matinding anyo. . Noong 1737, inilabas ng gobyerno ang Censorship Act. Ito ay naging Theater Licensing Act, kung saan ang mga sinehan lamang na mayroong royal license ang maaaring umiral. Ang lahat ng mga dula, nang walang pagbubukod, ay kailangang i-censor ng Lord Chamberlain. Sa mga dula, pinagbawalan ang mga may-akda na hawakan ang mga isyung pampulitika at punahin ang mga opisyal ng gobyerno.

Bilang resulta ng batas na ito, lumitaw ang isang monopolyo ng estado sa mga sinehan, ibig sabihin, ang lahat ng mga sinehan sa London ay sarado, maliban sa mga sentral - Covent Garden at Drury Lane. Nawala sa entablado ang repertoire ng topical at critical nature; Ngunit, sa kabila ng lahat ng mga hakbang sa censorship, ang mga playwright at aktor, gamit ang mga partikular na diskarte sa teatro at alegorya, ay ipinarating sa madla kung ano ang hindi nila maipahayag nang hayagan.

Dalawang artistikong consultant kay King George II, ang mga sikat na manunulat ng dula at negosyante na sina William Davenant (1606-1683) at Thomas Killigrew (1612-1683), na nakatanggap ng royal patent noong 1660 para sa monopolyong karapatang magbukas ng mga sinehan, na hinati ang mga aktor sa London sa kanilang sarili. Ang tropa ni Killigrew ay naging kilala bilang tropa ng Hari, at ang tropa ni Davenant ay naging tropa ng Duke ng York. Ang mga tropa na ito ay walang sariling mga gusali at inookupahan ang iba't ibang lugar na inangkop para sa mga pagtatanghal.

Sa simula pa lamang ng ika-17 siglo, ang Red Bull Theater ay itinayo sa timog-silangang labas ng London sa St. John Street. Ito ay isang bukas na uri ng teatro na walang bubong, na kung saan ang gawain ng tropa ay nakasalalay sa mga kondisyon ng panahon. Ang lugar na ito ay inupahan ng iba't ibang mga tropa, ang ilan sa kanila ay walang mga lisensya, at ang teatro ay pana-panahong isinara dahil sa paglabag sa batas. Ang kaguluhan at mga hilera ay naghari sa theatrical na kapaligiran ng Red Bull, at kahit isang daang manonood ay nagtipon sa auditorium. Ang mga aktor sa mahihirap na kasuotan ay naglaro nang karaniwan, at kung minsan ay ganap na walang kakayahan. Noong dekada 70, hindi na umiral ang Red Bull, at ang gusali ay kinuha ng fencing club.

Ang pagtatayo ng Cockpit Theater ay itinayo rin noong unang bahagi ng ika-17 siglo. Ito ay isang medyo maluwang na brick building na matatagpuan sa gitnang lugar ng Drury Lane. Natanggap ng teatro ang pangalawang pangalan nito - "Phoenix" - pagkatapos ng sunog noong 1617 at mabilis na pagpapanumbalik. Ang teatro ay umiral nang mga 60 taon at na-demolish dahil sa hindi na nito natutugunan ang mga modernong pangangailangan.

Sa mga unang taon ng Pagpapanumbalik, lalo na noong 1629, ang ikatlong teatro sa London ay itinayo - Salisbury Court. Noong 1652, ang may-ari nito ay naging kilalang tao sa teatro sa Inglatera, si William Beeston, na, sa kabila ng mahigpit na pagbabawal, ay nakapagtanghal ng ilang mga pagtatanghal sa panahon ng malupit na rehimen ni Oliver Cromwell at itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na guro sa teatro. Sinimulan niya ang muling pagtatayo ng gusali ng teatro, na dinala sa nakalulungkot na kalagayan sa panahon ng rebolusyon. Ayon sa kanyang disenyo, ang bubong ay itinaas ng 30 talampakan, at isang klase ng sayaw ang inilagay sa silid sa itaas ng entablado. Ang mga kahon at kuwadra, na napapalibutan ng mga gallery, ay makabuluhang pinalawak. Ang gusali ng teatro ay hindi nakaligtas sa sunog sa London noong 1666.

Noong Mayo 7, 1663, binuksan ang sikat na English Drury Lane Theater, na siyang nangungunang teatro sa London ngayon. Ang unang pagtatanghal na naganap sa entablado nito ay ang dulang “The Wayward Centurion” nina F. Beaumont at D. Fletcher. Ang teatro ay itinayo sa pagitan ng Drury Lane at Bridges Street.

Bilog ang hugis ng gusali. Ang teatro ay may maluluwag na stall at mga kahon na pinalamutian nang marangyang. Ang proscenium arch ay pinalamutian ng katangi-tanging dekorasyon. Sa kabila ng napakalaking distansya mula sa entablado hanggang sa mga kahon, makitid na mga daanan sa mga kuwadra at ang kapus-palad na lokasyon ng orkestra, ang teatro na ito ay may malaking pakinabang sa mga nauna nito. Sa mga stall, ang mga bangko ay nakaayos sa concentric semicircles, na bumubuo ng isang amphitheater. Ang mga stall ay napapaligiran ng dalawang tier ng mga kahon, na pinaghihiwalay ng mga partisyon at naglalaman ng ilang mga hilera komportableng upuan. Sa oras na ito, ang mga babae ay pinahintulutan na sa mga kahon kasama ng mga lalaki.

Karamihan sa mga manonood ay nakaupo sa mga kuwadra, na naiilaw sa araw sa pamamagitan ng isang malaking glass dome na korona. itaas na bahagi gusali. Sa isa sa malakas na pagbuhos ng ulan, bumagsak ang mga agos ng tubig sa ulo ng mga manonood, na nagdulot ng matinding galit sa publiko. Sa gabi, ang mga stall ay sinindihan ng kandila. Ang mga bangko ng mga stall ay natatakpan ng berdeng tela.

Sa gitna ng mas mababang baitang ng mga kuwadra ay may isang maharlikang kahon, na pinalamutian ng isang ginintuang pigura ng Apollo at ang eskudo ng estado ng Inglatera. Kapag ang mga miyembro ng maharlikang pamilya ay wala sa pagtatanghal, ang mga tiket sa royal box ay ibinebenta sa lahat.

Noong Nobyembre 25, 1672, isang sunog ang sumiklab sa teatro, na ganap na sinira ang parehong lugar ng teatro at ang mga katabing gusali. Ang Royal Theatre, na pinilit sa loob ng maraming taon upang makalikom ng mga pondo para sa isang bagong lugar, noong 1674 lamang nakatanggap ng isang gusali na dinisenyo ng sikat na arkitekto na si Christopher Wren. Ang silid ay hindi namumukod-tangi sa anumang espesyal at simple at walang sining. Ang mga stall ay may hugis ng isang amphitheater, kung saan ang mga manonood ay nakaupo sa mga bangko na naka-upholster sa tela at walang likod. Ang lahat ng mga tao ay nakaupo nang sama-sama: marangal na mga kababaihan at mga ginoo, pati na rin ang mga kababaihan ng madaling birtud na lumandi at nakipag-usap sa panahon ng pagtatanghal; may mga naglalaro ng baraha, hindi pinapansin ang mga artista. Direkta sa harap ng entablado, sa ilalim ng canopy ng mas mababang gallery, ang pinakamahal na upuan ay matatagpuan, at ang pinakamahihirap na manonood ay nagsisiksikan sa itaas na gallery.

Para sa tropa ng Duke of York noong 1671, ayon sa disenyo ng parehong Christopher Wren, isang teatro ang itinayo sa distrito ng Dorset Garden ng London, na naglalaman ng isang drama at opera house. Ito ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang arkitektura at karangyaan ng dekorasyon. Tinatanaw ng harapan ng teatro ang Thames at pinalamutian ng coat of arms ng Duke ng York. Ang pinakamataas na palapag ay inilaan para sa mga apartment ng mga sikat na artistang Ingles.

Ang teatro ay tumanggap ng humigit-kumulang 1,200 na manonood at namangha sa kagandahan ng loob nito. Ang proscenium arch ay inukit sa istilong Baroque ng kilalang woodcarver na si Grinling Gibbons at marangyang ginintuan. Ang loob ng auditorium ay mas maganda kaysa sa pinakamahusay na mga interior ng teatro sa France at nagkaroon ng mas maginhawang layout. Sa mga stall, na may hugis ng amphitheater, halos walang ingay na maririnig. Ang parterre ay napapaligiran ng pitong kahon na maaaring tumanggap ng 20 tao, na sinusundan ng 7 kahon ng unang baitang, at mas mataas pa - ang mga rack.

Sa simula pa lamang ng ika-18 siglo, noong 1705, sa London, ang manunulat ng dulang si John Vanbrugh ( kanin. 38) naitayo ang unang opera house, na naging kilala bilang Queen's Opera House bilang parangal kay Queen Anne. Ang malaking entablado para sa mga pagtatanghal na iyon at ang mga partikular na acoustics ay hindi angkop para sa mga dramatikong pagtatanghal, kaya ang mga mang-aawit at musikero ay nanirahan sa teatro. Ang teatro na ito ay umiral nang halos 85 taon. Hindi iniiwasan ang kapalaran ng maraming mga teatro sa London, nawasak ito ng sunog na sumiklab sa mga bodega nito noong Hunyo 17, 1789.

Sa panahon ng Pagpapanumbalik at karagdagang pag-unlad ng kultura sa Inglatera sa simula ng ika-18 siglo, ang mga teatro ay nagbago nang malaki. Ang kanilang arkitektura ay naging mas kumplikado alinsunod sa tumaas na mga kinakailangan. Panloob ng mga sinehan at panloob na dekorasyon sumasalamin sa yaman ng kanilang mga may-ari. Ang disenyo ng entablado ay pinagsama ang isang yugto ng platform ng Shakespearean at isang yugto ng kahon na may isang portal na naghihiwalay dito sa madla. Ang harap na bahagi ng entablado, na umaabot sa auditorium, ay naging hugis-itlog. Lumitaw sa likod ng entablado at tanawin, ipininta ng mga artista.

Ang pangunahing bahagi ng pagtatanghal ay naganap sa proscenium. Sa pagtatapos, ang mga aktor ay kailangang lumapit sa hugis-itlog na bahagi ng entablado, na mas malapit sa manonood at mas mahusay na naiilawan. Ang loob ng entablado, kung saan matatagpuan ang tanawin, ay nasa takipsilim, na lumikha ng isang pakiramdam ng mistisismo sa buong pagtatanghal. Ang mga kandila, na nangangailangan ng napakalaking bilang para sa sapat na pag-iilaw, ay mahal at isang luho na pinahihintulutan lamang ng mga may-ari ng teatro ang kanilang sarili para lamang sa mga miyembro ng maharlikang pamilya. Ang mahinang kumikislap na liwanag at ang nanginginig na mga anino sa mga dingding ay nagdulot ng pakiramdam ng isang bagay na supernatural sa pagtatanghal sa teatro. Ang eroplano ng entablado mismo ay may bahagyang slope patungo sa proscenium, na pinalamutian ng isang seremonyal na inukit na arko, kung saan naka-install ang mga bas-relief at mga eskultura, at ang mga bihasang manggagawa ay inukit ang masalimuot na mga burloloy, at lahat ng ito ay natatakpan ng pagtubog. Sa panahon ng Pagpapanumbalik, ang mga aktor na Ingles ay itinuturing na opisyal sa serbisyo ng hari. Ang mga aktor ng royal theater ay nagsusuot ng uniporme ng mga royal servant na gawa sa pulang tela, na pinutol ng pulang pelus, ngunit sa katunayan sa lipunan sila ay itinuturing na mga kinatawan ng pinakamababang uri. Nakatanggap sila ng maliit na suweldo, kung saan kailangan nilang magtrabaho nang husto.

Ang mga aktor ay kailangang magkaroon ng pisikal na tibay upang matiis ang mahabang oras ng mga pag-eensayo at pagtatanghal. Ang mga silid, kung saan mayroong maraming tao sa pagitan ng mga pagtatanghal, ay hindi pinainit. Ang isang hiwalay na silid na may fireplace ay ibinigay lamang sa mga pambihirang kaso. Kadalasan, kaagad pagkatapos ng isang matagumpay na premiere, kailangang ulitin ng acting troupe ang pagganap sa gabi sa court theater ng royal palace. Sa pamamagitan lamang ng isang mahusay na memorya ang isang aktor, sa maikling panahon, ay kabisaduhin ang mga teksto ng ilang mga tungkulin sa isang pagganap o iba't ibang mga tungkulin ng ilang mga pagtatanghal.

Hindi posibleng kumita ng maraming pera sa panahon ng teatro, na naantala noong tag-araw nang umalis ang maharlikang pamilya sa London. Naantala ang trabaho dahil sa mga epidemya, sunog, baha, relihiyosong pista o pagluluksa sa maharlikang pamilya. Dahil sa censorship o simpleng pahayag mula sa hari o lord chamberlain, ang teatro ay isinara din sa loob ng walang tiyak na panahon.

Karamihan sa mga artista ay umupa ng pabahay malapit sa teatro upang hindi gumastos ng pera sa paglalakbay. Ang mga mayayamang aktor ay kayang tumira sa mga prestihiyosong lugar ng London. Kung ang mga may-ari ng teatro ay interesado sa isang tiyak na artista (at kadalasan sila ay mga artista), kung gayon ang mga apartment para sa kanila ay matatagpuan sa mismong gusali ng teatro o sa mga gusali na katabi nito.

Ang mga batas ng Ingles ay palaging pumanig sa mga mayayaman sa kanilang mga pakikipag-away o mga tunggalian sa mga aktor, kahit na ang mga kaso na hinarap sa mga korte ay lumitaw dahil sa kanilang kasalanan. Walang halaga ang insultuhin o ipahiya ang aktor. Ito ay itinuturing na normal sa mga marangal na uri.

Sa panahon ng Pagpapanumbalik, lumitaw ang mga artista sa entablado ng teatro sa Ingles, na pinapalitan ang mga babaeng binata na nakadamit ng pambabae. Upang gumanap ng mga papel na babae, ang mga kabataang lalaki ay kailangang mag-aral ng ilang taon. Ang mga unang babaeng artista ay kailangang magkaroon ng sapat na lakas ng loob at civic courage para umakyat sa entablado sa isang puritanical na bansa gaya ng England at ipakita ang babaeng karakter sa lahat ng kagandahan nito.

Ang mga unang artista ay dumating sa teatro mula sa mga pribadong boarding house. Lahat sila ay may mababang pinagmulan at nag-aral ng literacy, diction, musika at sayaw sa mga boarding school. Dumating sa teatro ang mga batang babae mula sa klase ng burges na may mga rekomendasyon mula sa mga guro ng sayaw at mga direktor ng pribadong koro. Maraming magagandang artista ang nanggaling sa acting environment. Sa isang oras na ang edukasyon ng babae ay nasa napakababang antas, ang propesyon ng isang artista ay nagsimulang mukhang promising at nakatutukso sa maraming mga batang babae.

Ang teatro ay nagbukas ng daan para sa kanila tungo sa isang daigdig na malaya mula sa paniniil sa tahanan at nagbigay ng malaking pagkakataon para sa personal na pag-unlad. Ngunit sa parehong oras mga kabataang talento, hindi makapagbigay sa kanilang sarili ng pinakamababang mapagkukunan ng pamumuhay, nahulog sa ilalim ng impluwensya ng mayayamang mga ginoo at naging kanilang pinananatiling babae. Isang artista sa suweldo ng isang mayamang ginoo - ang hindi pangkaraniwang bagay na ito ay karaniwan at ganap na ligal. Ang mga kabataang artista mismo ay naghangad na maging maingat na kababaihan, at kadalasan ang mga batang babae na sinanay sa pag-arte sa teatro sa loob ng ilang taon ay umalis sa teatro sa loob ng 1-2 taon ng naturang pagpapanatili, pagkatapos nito sa karamihan ng mga kaso ay nakahanap sila ng kanlungan sa mga brothel sa London. Tanging ang mga taong buong pusong nakatuon sa kanilang propesyon sa pag-arte ang nanatili sa entablado. Kadalasan ito ay mga asawa ng mga aktor.

Ang mga artistang Ingles ay madalas na kailangang maglakbay sa ibang mga bansa upang maghanapbuhay. Kung minsan ang mga paglalakbay na ito ay lubhang nagbabanta sa buhay. Ang mga artista ay madalas na magutom at maranasan ang lahat ng uri ng paghihirap. Nagsagawa sila, bilang panuntunan, sa mga parisukat at mga merkado sa ilalim bukas na hangin. Sa kabila ng mga pagkakaiba sa wika, ang mga aktor na Ingles ay tinanggap nang mahusay sa iba't ibang mga bansa sa Europa ang kanilang klasikal na paraan ng pag-arte at pag-arte ay pumukaw ng paghanga sa kanilang mga kapanahon. Sa panahon ng Renaissance, ipinakita ng mga aktor na Ingles ang kanilang mga kasanayan sa Germany, Holland, Denmark at France.

Bilang karagdagan sa mga dramatikong aktor, nag-tour sa France ang mga English acrobat, mimes at mananayaw. Ang magkapatid na Woolton, na may pahintulot ng gobyerno ng Pransya, ay nagbukas ng isang sirko sa Dijon. Ang sikat na aktor na si Thomas Betterton ay bumisita sa France sa ngalan ng pamahalaang Ingles. Kinailangan niyang maging pamilyar sa repertoire at istraktura ng mga sinehan.

Dumating din ang mga Pranses na aktor sa paglilibot sa England, ngunit ang mga sopistikadong madla sa London ay tinatrato ang kanilang mga pagtatanghal nang may kaunting paghamak. Ang mga theatrical props at entourage ng mga guest performers ay hindi mapagpanggap, at ang mga pagtatanghal ay naging mapurol at hindi kawili-wili. Ito ay dahil sa ang katunayan na ito ay pangunahing mga aktor na mababa ang kita ang naglibot.

Ang mga papet na artista sa teatro ay ang unang dumating mula sa Italya patungo sa Inglatera. Ang kanilang pagganap ay lubos na humanga sa hari, at ginawaran niya ang nangungunang aktor ng tropa ng papet ng isang medalya at isang gintong tanikala. Ang mga artistang Italyano na dumating sa paglilibot ay nasiyahan sa espesyal na pabor ng hari. Para sa mga pagtatanghal, binigyan sila ng Whitehall palasyo ng hari. Noong ika-18 siglo, nag-ugat ang Italian opera sa London, at pangunahing dinaluhan ng maharlika ng London. Ang kanyang repertoire, na idinisenyo para sa pinong panlasa ng aristokrasya ng Ingles, ay nakakuha ng mga panlipunang lupon ng London.

Ang mga opera ay unang isinagawa sa Ingles, ngunit naging mahirap itong gumanap, na nagdulot ng pagkakaiba sa pagitan ng tema ng musika at pagsasalin sa Ingles Italyano na teksto. Nang maglaon, ang mga artistang Ingles at Italyano ay kumanta ng arias sa kanilang sariling mga wika, at kahit na nang maglaon, ang lahat ng aria ay ginanap sa Italyano. Ang madla ay naiintindihan ng kaunti sa nilalaman at napagtanto kung ano ang nangyayari sa entablado lamang bilang mekanikal na kasiyahan, na nagdulot ng alinman sa simpatiya o pagmumuni-muni. Itinuring ng maraming kilalang tagapagturo sa Inglatera na ang opera ng Italya ay isang pagsalakay Pambansang kultura nagdudulot ng malaking pinsala sa kanya.

Direktang dinala sa teatro ang mga bagong dula sa sulat-kamay para sa pagsusuri at pag-apruba. Karaniwan ang mga unang pagbasa ay isinagawa ng may-akda. Ang pang-unawa ng bagong dula ng mga aktor ay higit na nakasalalay sa kanyang mga dramatikong kakayahan. Kinailangang basahin ng may-akda ang ilang mga dula nang ilang beses upang maiparating sa mga aktor ang kanyang ideya at kalunos-lunos sa akda. Matapos ang mga pagbasa ng may-akda, maraming dula ang nangangailangan ng pag-edit at rebisyon ng mga sikat na artista, na arbitraryong muling isinulat ang mga papel, na iniayon ang mga ito sa ugali o karakter ng kanilang mga kasama. Minsan ang mga naturang pag-edit ay makabuluhang napabuti ang mga dula, at kung minsan ang mga dula ay halos ganap na muling isinulat upang punan ang mga ito ng "buhay na nilalaman."

Ang mga tungkulin ay itinalaga sa direktang pakikilahok ng may-ari ng teatro, na siya mismo ay karaniwang isa sa mga nangungunang aktor. Ang isang artista na sikat sa panahong ito ay itinalaga sa pangunahing papel, hindi alintana kung makayanan niya ang papel o hindi. Minsan ang pagganap ng isang sikat na artista sa isang papel na hindi karaniwan sa kanyang papel ay ganap na nasisira ang impresyon ng pagganap. Ngunit nangyari na ang hari mismo ay nakibahagi sa pamamahagi ng mga tungkulin.

Kinikilala mahuhusay na manunulat ng dula may karapatang pumili ng mga aktor na lalahok sa kanilang mga pagtatanghal. At isinulat nila ang mga dula na isinasaalang-alang kung sino ang eksaktong gaganap sa papel na ito. Ngunit ang pangunahing papel ng aktor ay mapagpasyahan pa rin sa bagay na ito. Ang madla ay bumuo ng isang tiyak na stereotype ng karakter, at ang madla ay maaaring magsimula ng kaguluhan sa teatro kung hindi ang pangunahing aktor ang nasa dula, ngunit ang kanyang understudy. Pagkatapos ang pagtatanghal ay kailangang ihinto dahil ang lahat ng uri ng mga bagay ay lumilipad sa entablado, kabilang ang mga nasusunog na kandila.

Tumagal ng hindi bababa sa isang buwan upang ihanda ang premiere. Ang pagdidirekta tulad nito ay hindi pa umiiral sa panahong iyon, at sa panahon ng pag-eensayo ang teksto ay maaaring sumailalim sa iba't ibang hindi awtorisadong pagbabago. Matapos mapanood ang mga naturang pagtatanghal, nagreklamo ang mga manunulat ng dula na ninakawan sila ng hindi bababa sa isang libong linya. Kadalasan ang manunulat ng dula ay kinuha ang papel ng direktor ng dula. Inalagaan niya ang produksyon at organisasyon ng trabaho sa mga tungkulin. Nabuo din niya ang mise-en-scène at ang mga galaw ng mga karakter sa espasyo ng entablado, hanggang sa mga kilos at kaplastikan.

Nagsimula ang rehearsals sa umaga at natapos bago ang pagtatanghal. Naganap sila sa iba't ibang paraan, madalas na maingay at nalilito, ngunit kung minsan sila ay naging medyo propesyonal. Ang oras ng gabi pagkatapos ng mga pagtatanghal ay inilaan para sa pagsasaulo ng mga bagong teksto at pag-aaral ng mga sayaw. Mas kaunting oras at pagsisikap ng mga aktor ang ginugol sa pagpapanumbalik ng dati nang ginanap na dula sa repertoire ng teatro. Ito ay tumagal ng hindi hihigit sa dalawang linggo.

Minsan ang sobrang pagmamadali sa paghahanda para sa mga pagtatanghal ay humantong sa katotohanan na hindi alam ng mga aktor ang teksto. Pagkatapos ay dinala nila ang gayong gag sa entablado na hindi napigilan ng kanilang mga kasama ang tumawa nang malakas at, nang wala sa pagkatao, ay nagambala sa pagganap. Kadalasan sa mga tropa ng teatro ay may kakulangan ng mahigpit na disiplina at ang pag-aatubili ng ilang mga aktor na magtrabaho sa kanilang diksyon. Dahil dito, ang kanilang pagganap ay nagdulot ng iritasyon at kawalang-kasiyahan sa mga manonood, dahil sa madla ay imposibleng makagawa ng isang salita na binigkas ng naturang aktor.

Ang ilang mga aktor ay pinahintulutan ang kanilang mga sarili na maging sopistikado sa dekorasyon ng mga teksto ng may-akda na may mabulaklak na mga expression ng kanilang sariling komposisyon. Ang buong mga sipi ng mga baguhang may-akda ay nagdulot ng hindi na maibabalik na pinsala sa mga pagtatanghal at sinira ang reputasyon ng manunulat ng dula. Ang isa sa masigasig na aktor na ito, si John Lacy, ay inaresto sa utos ng hari. Ginawa ito dahil kusang gumawa siya ng mga talumpati na may malaking kalunos-lunos at pinalawak ang rehistro ng mga bisyo sa lunsod sa dulang "Change of Crowns", na dinaluhan ni Charles II. Ilang artista genre ng komiks pinahintulutan ang kanilang sarili na makipag-usap sa publiko sa loob ng ilang minuto. Walang silbi na pagbawalan silang gawin ito, at ang mga may-akda, na isinasaalang-alang ang mga katangian ng naturang mga aktor, ay sumulat sa mga tala ng may-akda: "Magpatuloy sa parehong espiritu" o "Sa pagpapasya ng tagapalabas."

Sa loob ng maraming dekada, ang paghahanda ng isang pagtatanghal ay nanatiling mahinang punto ng English drama. Ang mga bayad na dress rehearsals ng mga dula na may imbitasyon ng mga manonood ay nagsimulang isagawa noong ika-18 siglo. Una ay ipinakilala sila ng mga opera house, at nang maglaon ay ng mga drama house.

Ang kapalaran ng pagganap ay nakasalalay sa maraming mga pangyayari, ngunit ang tagumpay nito ay ganap na natukoy sa araw ng premiere. Natanggap ng teatro ang pinakamayamang bayad nito sa panahon mula Nobyembre hanggang Pebrero. Ang araw ng premiere ay partikular na pinili. Tinitingnan namin kung may iba pang mga mass event sa London noong araw na iyon na maaaring magpahamak sa teatro sa ganap na kawalan ng mga manonood sa bulwagan. Ang Sabado ay itinuturing na pinakamagandang araw para sa premiere.

Ang nag-udyok ay binigyan ng medyo mahalagang lugar sa paghahanda ng pagtatanghal. Malinaw niyang isinulat muli ang bawat papel nang hiwalay para sa mga aktor at, sa isang bayad, itinali ang mga sheet sa anyo ng isang aklat na may pabalat. Sa mga pahina ng mga aklat na ito, ang mga nag-udyok ay gumawa ng mga tala at komento para sa mga aktor, na gumagawa ng kanilang sariling mga pagsasaayos sa takbo ng pagtatanghal. Bilang karagdagan sa papel, panulat at tinta, palaging may kasamang kampana at sipol ang imbentaryo ng nag-uudyok. Ang tunog ng sipol ay nagpakilos sa tanawin at gumalaw, at ang kampana ay nagpaalam sa orkestra tungkol sa musikal na pagpapakilala.

Ang musika ay isang mahalagang elemento ng istruktura ng pagtatanghal. Lumikha siya ng isang espesyal na emosyonal na kapaligiran, na pinagsama ang mga performer sa madla. Sa pamamagitan ng pagbabago ng musikal na tema ng trabaho sa panahon ng pagtatanghal, ito ay posible na bigyan ito ng iba't ibang mga kulay ng kahulugan. Maraming mga playwright ang partikular na nakipagtulungan sa mga kompositor upang lumikha ng mga musikal na numero para sa kanilang mga dula, na nauunawaan kung gaano kahalaga ang papel ng musika at ang tunog ng mga indibidwal na instrumentong pangmusika.

Ang mga playwright ay lalo na mahilig sa biyolin, plauta at oboe. Mas gusto ng aristokrasya ng London ang gitara, na tinutugtog sa mga dula ng mga sekular na nagsasaya at mga kalalakihan ng kababaihan. Ang bilang ng mga biyolin sa mga orkestra sa teatro kung minsan ay umabot sa 24. Ang isang harpsichord ay palaging naroroon.

Ang lokasyon ng orkestra sa teatro ay nagbago nang maraming beses. Sa una ito ay matatagpuan sa itaas ng entablado, sa kailaliman espasyo ng entablado. Hindi makita ng madla ang mga musikero. Ang lugar kung saan naroon ang mga musikero ay tinawag na "music attic." Maya-maya ay bumaba siya at pumwesto sa pagitan ng entablado at ng mga stall, at kalaunan ay lumubog siya sa mas mababang antas, sa ilalim ng entablado. Ang posisyon ng orkestra sa teatro ay nagbago ng ilang beses, lumipat mula sa ibabang antas patungo sa itaas at pabalik muli.

Ngunit walang isang pagtatanghal na naganap nang walang saliw ng musika. Kung saan ang pagtatanghal ay nagbigay ng pinakamaliit na pagkakataon para sa isang musikal na numero, tiyak na sinamantala ito. Ang mga musikal na pagsingit, vocal arias at mga eksena sa sayaw ay lumitaw sa mga dula ni Shakespeare at iba pang mga naunang may-akda. Ang paggamit ng musika ay nagpasigla sa produksyon. Upang palamutihan ang pagtatanghal, ang mga manunulat ng dula ay espesyal na isinulat ang mga tungkulin ng mga gypsies, libot na mang-aawit o masasayang bisita na kumanta at sumayaw, na nagdulot ng masayang muling pagkabuhay ng mga manonood.

Bago magsimula ang mga pagtatanghal, palaging pinapatugtog ang kaaya-ayang musika upang maibsan ang pagkabagot ng mga manonood sa paghihintay. Maraming mga manonood ang espesyal na dumating nang maaga upang tamasahin ang mahusay na pagganap ng mga musikal na gawa.

Isang musical overture (kinakailangang "sa French style") ang nauna sa prologue ng performance. Tinapos ng “Curtain Melody” ang bawat kilos. Nagsimula ang himig na ito sa mga huling linya ng mga tauhan. Ang susunod na pagkilos ay nagsimula sa isang musikal na pagpapakilala. Ang pagtatapos ng pagtatanghal ay madalas na ipinagdiriwang pangkalahatang sayaw mga aktor na sumayaw ng chaconne dance, na sikat sa England. Sinabayan ng musika ang pagyuko ng mga aktor at ang papaalis na mga manonood hanggang sa walang natira sa auditorium.

Ang bilang ng mga musikal na numero sa dula ay iba-iba depende sa genre ng dula. Kasama sa isang trahedya ang hindi hihigit sa dalawang kanta, ang isang komedya ay maaaring magkaroon ng higit sa lima. Kailangang tumugtog ng musika sa mga eksena ng mga kapistahan, kasalan at libing. Mayroong higit sa dalawampung musikal na numero sa komedya ni Thomas Durfey. Sa panahong ito, lumitaw ang isang bagong uri ng dramatikong pagganap, na sa ating panahon ay tinatawag na "operetta".

Ang mga mahilig ay nagdusa sa ilalim ng mga harana, ang mga tagapaglingkod ay gumawa ng mga satirical couplets tungkol sa kanilang mga amo, ang mga epikong bayani ay kumanta ng mga ballad, at ang mga urchin sa lansangan ay kumanta ng mga parodies ng mayayaman. Ang lahat ng ito ay pinalawak ang mga hangganan ng genre, pinayaman ang pagganap ng mga bagong detalye, nagdaragdag ng karagdagang kulay sa mga pagtatanghal ng mga aktor. Ang musika, functionally intertwined sa mga dialogues ng mga character, gumanap ang papel ng sikolohikal na rurok ng pagganap. Ang gayong pagtatanghal ay hindi maaaring makatulong ngunit mahawakan ang pinakamalalim na damdamin ng isang tao, habang ginigising ang kanyang mga iniisip.

Pareho mahalaga bahagi Ang mga dramatikong pagganap, tulad ng musika, ay mga miniature ng sayaw. At hindi mahalaga kung ito ay isang trahedya o isang komedya, isang ordinaryong komedya o isang parody na dula. Ang mga miniature ng sayaw na ito ay ginawang ballet, na naging isang independiyenteng anyo ng dramatikong sining.

Nagbigay ang mga manunulat ng dula at may-ari ng teatro pinakamahalaga dance repertoire hindi lamang ng mga pagtatanghal, kundi pati na rin ng mga intermisyon. Sa panahon ng mga intermisyon, na umaakit sa mga manonood sa pamamagitan ng maalab na himig, ang administrasyon ay nagpapanatili ng isang mapayapang kapaligiran sa teatro, sa gayo'y nakakagambala sa pinaka-masigasig na mga manonood mula sa hindi maiiwasang mga awayan.

Sa mga poster sa London, kasama ang pangalan ng dula, ipinahiwatig din ang mga pangalan ng mga sayaw na iaalay sa publiko. Ang mga pambansang sayaw ay sikat, kabilang sa mga ito ang Scottish, Spanish, Irish jig at mga comic dances ay nakatanggap ng espesyal na atensyon. Ang koreograpia ay isang mahalagang bahagi ng husay ng dramatikong aktor. At lalong ginusto ng manonood na manood ng isang masayang palabas sa musika na may mga kanta at sayaw, hindi binibigyang pansin ang balangkas ng dula. Ang pangunahing layunin ng teatro - upang turuan ang mga damdamin at bumuo ng pag-iisip - nagbigay daan sa saya at libangan.

Noong Middle Ages, ilang araw bago magsimula ang isang pagtatanghal, ang mga bannermen, o heralds, ay tumakbo sa paligid ng lungsod na may mga bandila ng pagkakakilanlan, na sumisigaw ng pangalan ng himalang dula na isasagawa ng isang naglalakbay na tropa ng teatro. Sa loob ng mahabang panahon, ang oral form ng mga nag-aanyaya na anunsyo ay napanatili, ang mga teksto na kung saan ay tumutula at binibigkas na sinamahan ng mga instrumentong pangmusika. Sa London, ipinagbabawal ang malakas na ingay na kaakibat ng mga anunsyo sa teatro, ngunit sa mga bayan sa kanayunan, ang mga tagapagbalita ng trumpeta at tambol ay palaging nakakaakit ng mas maraming manonood sa kanilang mga sinehan kaysa sa kampana ng simbahan sa simbahan. Mahigit isang libong manonood ang maaaring magtipon para sa isang pagtatanghal ng mga naglalakbay na aktor sa loob ng ilang minuto.

Ang mga sinaunang tradisyon ng pag-aanunsyo ng paparating na pagtatanghal sa teatro ay nagpatuloy hanggang sa katapusan ng ika-18 siglo. Ang drummer at crier ay isang mahalagang bahagi ng lasa ng rural England noong panahong iyon. Habang ang drummer ay nakakuha ng atensyon ng mga residente ng bayan sa kanyang masalimuot na pagtambol, ang herald ay isinisigaw ang lahat ng impormasyon tungkol sa nalalapit na pagtatanghal at namigay ng mga programa na nagsasaad ng pangalan ng dula at ang oras ng pagsisimula ng pagtatanghal.

Sa London, isang bandila ang itinaas sa ibabaw ng gusali ng teatro sa araw kung kailan magkakaroon ng pagtatanghal. Ang oras ng pagsisimula nito ay inihayag sa pamamagitan ng isang trumpeta, at isang trumpeta mula sa bintana ng attic ng teatro ang humihip ng tatlong trumpeta sa ilang mga pagitan.

Ang unang poster ng teatro ay lumitaw sa France noong ikalawang kalahati ng ika-16 na siglo. Sa England, ang mga poster ay lumitaw nang maglaon, noong 1564 lamang. Ang mga sulat-kamay na poster ay karaniwang isinasabit sa mga poste malapit sa teatro, sa mga pintuan ng mga kolehiyo at institusyong pang-edukasyon, sa mga lugar na makapal ang populasyon. Ang pangalan ng teatro at ang pagtatanghal ay nakatayo sa malalaking titik sa poster. Sa tuktok nito ay ang state coat of arms na may inskripsiyong Latin na "Mabuhay ang hari!" Noong ika-18 siglo, nagsimulang ipahiwatig ng poster ang cast ng mga aktor na kasangkot sa dula at ang oras ng pagsisimula ng pagtatanghal. Ang pangalan ng playwright ay unang lumabas sa isang playbill noong 1699. Ito ang pangalan ng may-akda ng komedya na Double Game, si William Congreve. Noong 1700, ipinagbawal ng Great Court of London ang mga sinehan sa pag-post ng kanilang mga poster sa lungsod at sa mga kapaligiran nito.

Ang mga pahayagan ay nagsimulang mag-publish ng mga anunsyo tungkol sa mga paparating na pagtatanghal, kanilang mga may-akda at cast. Doon, kasama ang impormasyon sa advertising, mahahanap ng isa ang address ng bookstore kung saan ibinebenta ang teksto ng dula. Ang Daily Courant ay regular na nagpapatakbo ng gayong mga patalastas noong 1702, na sinusundan ng Daily Post at Daily Journal noong 1920s. Sa oras na ito, ang mga patalastas sa teatro ay naglalaman, bilang karagdagan sa impormasyon tungkol sa mismong pagtatanghal, ang mga detalye tulad ng kung kaninong kahilingan (isa sa mga maharlikang tao o isang marangal na ginang) ang ibinigay, mga presyo para sa mga upuan sa mga kuwadra, mga kahon at mga gallery, atbp. Sa ilang mga kaso, hiniling ng mga may-ari ng mga sinehan sa mga publisher na magsama ng ilang linya na nagpapakita ng mga pagtatanghal ng mga aktor o nauugnay sa nilalaman ng dula.

Noong 1702, inalis ang pagbabawal sa paglalagay ng mga playbill sa London. Nagsimulang lumitaw muli ang mga itim at pulang poster sa mga lansangan ng lungsod. Ang mga pula ay mas mahal at inilimbag, bilang panuntunan, sa araw ng premiere o benefit performance.

Sa mga lansangan, ang isang maliit na poster ay maaaring mabili mula sa isang orange na nagbebenta, at para sa isang maliit na suhol ay iuulat niya ang pinakabagong balita sa teatro o kukuha ng liham sa isa sa mga artista. Partikular na inupahan ng mga may-ari ng teatro ang mga mangangalakal na ito upang magbenta ng mga prutas at matamis sa panahon ng mga intermisyon at sinisingil sila ng isang tiyak na bayad para dito. Ang nasabing mga mangangalakal ay ang pinakamahalagang mapagkukunan ng impormasyon tungkol sa likod ng mga eksena sa buhay ng teatro, at ang pinakamagaling at maparaan sa kanila ay nagawang gumawa ng malaking kapalaran para sa kanilang sarili sa pamamagitan ng pakikipagkalakalan at pakikitungo sa mga pahayagan.

Ang mga programa sa teatro sa mga sinehan sa London ay lumitaw noong 60s ng ika-18 siglo pagkatapos ng regular na paglilibot ng mga aktor na Pranses. Ang kanilang makulay na disenyong programa sa 18 na pahina ay nagpakita ng isang detalyadong paglalarawan ng makinarya kung saan ang bayani ng dula, si Orpheus, ay bumaba sa impiyerno. Ang teksto sa pabalat ay nagsasaad kung saan kinuha ang balangkas, pati na rin kung sino at saan eksaktong magpapakita ng pagtatanghal na ito. Sa mga programang Ingles, upang makatipid ng oras, ang mga teksto ng mahahabang liham ay maaaring ibigay, na maaaring basahin ng madla nang maaga, at ang aksyon ng dula sa gayon ay hindi nakakaabala sa madla sa sapilitang pagbubutas ng mga eksena. Minsan ang prologue at epilogue ng isang dula ay inilimbag sa magkahiwalay na mga sheet at ibinebenta bago magsimula ang pagtatanghal. Sa pagtatapos ng bawat pagtatanghal, isang anunsyo ang ginawa tungkol sa susunod na pagtatanghal. Ang reaksyon ng publiko (pag-apruba o pagkagalit) sa panukala ng administrasyong teatro ay nagtakda ng kapalaran ng paparating na pagtatanghal.

Inilarawan ng mga salaysay ng pahayagan sa teatro ang lahat ng nangyari sa mga yugto ng mga sinehan at sa likod ng mga eksena, hanggang sa pinakamaliit na detalye. Nakatuon din sa mga kaganapang naganap sa auditorium, kabilang ang mga away sa pagitan ng mga tipsy revelers. Naglalaman din ito ng mga utos ng Lord Chamberlain at mga komento mula sa royal censorship, at saklaw din ang mga pagbisita sa mga sinehan ng matataas na ranggo na dayuhang dignitaryo na madalas na panauhin ng mga sinehan sa London.

Ang awditoryum ng teatro, na puno ng mga tao, ay kumakatawan sa isang salamin na imahe ng lipunang Ingles. Ito ay isang lugar para sa mga pagpupulong sa negosyo at pag-iibigan. Maaaring ipagmalaki ng mga kabataan ang kanilang mga merito at talento, at maaaring ipagmalaki ng mga magulang ang kanilang mga anak na babae bilang mga babaeng mapangasawa. Ang bumibisitang mayaman sa kanayunan, na nakakita ng sapat na mga fashionista ng kabisera, ay nagdala ng mga bagong impresyon at mga naka-istilong damit sa kanilang mga tahanan.

Ang mga tao mula sa iba't ibang klase, madamdamin at taos-pusong madamdamin tungkol sa dramatikong sining, nagtipon sa teatro, kung minsan sa mga hindi inaasahang at makulay na kumbinasyon. Pinakamahusay na mga lugar ang mga stall ay palaging inookupahan ng mga kilalang tao at mga kritiko. Ang mga manonood sa mga kuwadra ay halo-halong, kaya't ang mga kuwadra ay madalas na nagiging lugar ng maingay na pagtatalo at away, na madalas na nagiging duel.

Ang gitnang gallery ay nakalaan para sa mga kababaihan ng madaling birtud, na lumitaw sa teatro na tinatakpan ang kanilang mga mukha ng mga maskara. Ang itaas na gallery ay naglalaman ng mga tagapaglingkod na kasama ng mga ginoo at mga libreng manonood.

Mahirap hulaan ang reaksyon ng gayong magkakaibang madla sa pagtatanghal, at ang mas mahirap ay ang gawain ng mga aktor na sakupin ang atensyon ng madla. Ngunit ito, marahil, ay ang mahiwagang epekto ng sining sa teatro, kapag ang husay at emosyon ng mga aktor ay nakabihag at dinadala sa kanila sa espasyo ng pagtatanghal ng parterre na ito, kung minsan ay walang pigil sa mga hilig nito at isang gallery na malayo sa pinong damdamin.

Kung mahilig ka sa teatro, para sa iyo ang London. Dito makikita mo ang pinakamahusay na mga produksyon ng opera at ballet, ang pinakamahusay na musikal at ang pinakamahusay na drama - pagkatapos ng lahat, ang may-akda ng pinakamahusay na dramatikong produksyon sa lahat ng panahon, si William Shakespeare, ay nagtanghal ng kanyang mga dula sa London.

Ngunit una sa lahat.

Ang Royal Opera House Covent Garden ay isa sa mga pinakalumang opera house sa mundo. Ang pinakamahusay na mga produksyon ay itinanghal dito, kapwa ng mga lokal na tropa at bumibisitang mga artista, halimbawa, mula sa La Scala sa Milan o sa Bolshoi Theater sa Moscow. Kung ikaw ay nasa London sa Abril - Mayo at mahilig sa opera, ipinapayo ko sa iyo na tiyak na manood ng Verdi's La Traviata (Abril 19 - Mayo 20, 2014) o Puccini's Tosca (Mayo 10 - Hunyo 26, 2014). Kung pupunta ka sa London sa tag-araw, panoorin ang isa pang opera ni Puccini, ang La bohème. At para sa mga mahilig sa Russian ballet, ang Mariinsky Theater ay naglilibot sa London noong Hulyo at Agosto at nagtatanghal ng tatlong klasikong ballet productions ng Romeo at Juliet, Swan Lake at Cinderella (mula Hulyo 28 hanggang Agosto 16).

Ang Royal Opera House Covent Garden ay napakapopular sa mga British, lalo na mula sa pinakamataas na bilog. Dito madalas mong makikilala ang mga sikat na pulitiko at ang aristokrasya ng Ingles. Nang itanghal ng Royal Opera House ang isang produksyon na nagdiriwang ng sentenaryo ng Ballets Russes ni Sergei Diaghilev noong 2009, nakaupo ako sa mga stall sa tabi ng yumaong Margaret Thatcher.

Ang mga tiket sa Royal Opera House ay dapat mabili nang maaga - mas mabuti nang ilang buwan nang maaga. Maaari silang mabili nang direkta sa website ng teatro sa pamamagitan ng pagbabayad gamit ang isang bank card. Ang mga tiket sa Opera ay nagkakahalaga ng average na £120-200 bawat tao, ang mga ballet ticket ay bahagyang mas mura - £70-110.

Imposibleng balewalain ang sikat na London West End - ang lugar ng kapanganakan ng lahat ng mga musikal sa London. Ito ay isa sa pinakamalaking musikal mga sentro sa mundo pagkatapos ng Broadway sa New York. Ang West End ay naging sentro ng teatro noong ika-19 na siglo, at maraming mga produksyon ang tumutugtog pa rin sa mga setting ng Victorian-era. Ang isang malaking bilang ng mga musikal ay batay sa musika ng mga modernong (at hindi masyadong moderno) na mga performer, kaya kung ikaw ay isang tagahanga ng, halimbawa, Michael Jackson, the Beatles, Queen, Abba, siguraduhing bumili ng tiket, nanalo ka wag mong pagsisihan. Ito ay isang nakakaaliw na teatro, ito ay isang teatro kung saan ka umalis, na sinisingil ng lakas ng musika at sayaw. Hindi bilang isang malaking tagahanga ni Michael Jackson, kahit papaano ay nakadalo ako sa musikal na Thriller. Para sa karamihan ng produksyon ay sumayaw ako malapit sa isang upuan, sapati na rin ang karamihan sa iba pang mga manonood. SAimposibleng maglakad!

Mayroong isang kategorya ng mga musikal na napakapopular na sila ay tumatakbo sa mga sinehan sa loob ng maraming taon. Halimbawa, ang musikal Les Misérables ” (“Les Miserables”) ay 28 taong gulang, at “ Phantom ng Opera "("The Phantom of the Opera") sa loob ng 27 taon. Ang mga tiket para sa mga musikal ay nagkakahalaga ng average na 50 - 100 pounds bawat tao. Maaaring mabili ang mga tiket para sa mga ito at iba pang mga musikal.

Ang musikal na "Les Miserables" sa Queen's Theater sa London

Bihirang manatili ang musikal sa entablado nang higit sa ilang taon. Ngunit ipagdiriwang ng English production ng Les Misérables ang ika-30 anibersaryo nito sa susunod na taon...

Ingles na teatro

Noong ika-19 na siglo, ang teatro, tulad ng lahat ng iba pang larangan ng kulturang Ingles, ay nakatanggap ng bagong pag-unlad. Ang romantikong direksyon sa sining ng teatro ay binigyang-katauhan ng mahuhusay na trahedya na aktor na si Edmund Kean (1787-1833).

Edmund Kean ( kanin. 58) ay ipinanganak sa isang kumikilos na pamilya. Namatay ang kanyang mga magulang noong bata pa siya. Pinilit na maghanapbuhay, ang binata ay naglakbay kasama ang isang naglalakbay na tropa sa paligid ng mga bayan at nayon ng Ingles. Ang mga libot na ito ay naging isang magandang paaralan para sa batang artista, na sa edad na dalawampu't nakabisita na sa maraming bahagi ng England. Nang tanungin kung ano ang kailangan mong gawin upang maging isang mahusay na aktor, si Keane, na naging sikat na, ay sumagot: "Maaaring magutom."

kanin. 58. Keane bilang Shylock

Naglalakbay kasama ang isang naglalakbay na teatro, sinubukan ni Edmund ang kanyang sarili sa iba't ibang mga tungkulin at dula ng iba't ibang genre.

Lumaki sa kahirapan, ang aktor ay nakadama ng paghamak sa mga walang ginagawa na aristokrata at mga pinuno na walang pakialam sa kanilang sariling mga tao. Ang kredo sa buhay ng batang si Keane ay ipinahayag sa mga salitang: "I hate all lords except Lord Byron." Hindi mapapatawad ng mataas na lipunan ang gayong saloobin sa sarili at patuloy na hinahabol si Keane, na tinawag siyang artista ng karamihan.

Ang pagiging tanyag sa entablado ng probinsya, noong 1914 ang aktor ay nakatanggap ng isang imbitasyon na gumanap sa London sa Drury Lane Theatre, na dumaranas ng mga mahihirap na oras sa mga taong iyon. Ang kanyang debut sa teatro ng kabisera ay ang papel ni Shylock sa The Merchant of Venice ni Shakespeare. Ang management ng Drury Lane, na tumataya sa isang provincial actor, ay gumawa ng tamang desisyon: sa kanyang kahanga-hangang pagganap, binihag lang ni Keane ang spoiled public London.

Si Shakespeare ang naging paboritong manunulat ng dula ni Keane. Ang aktor ay naaakit sa kanya sa pamamagitan ng mga katangian na siya mismo ang nagtataglay: isang kalunos-lunos na pananaw, isang mas mataas na pakiramdam ng kawalan ng katarungan, pagtanggi sa isang mundo kung saan ang ilan ay nakakakuha ng isang miserableng pag-iral, habang ang iba ay naliligo sa karangyaan.

Si Shakespeare ang nagbigay ng katanyagan kay Edmund. Nilalaman ng aktor ang mga larawan ni Shylock, Richard III, Romeo, Macbeth, Hamlet, Othello, Iago, Lear. Tinawag ng mga kritiko ang kanyang kahanga-hangang pagtatanghal na pinakamahusay na komentaryo sa gawa ng sikat na manunulat ng dula, at ang makata na si Coleridge ay nangatuwiran: "Ang panonood sa pagganap ni Kean ay parang pagbabasa ng Shakespeare sa kidlat ng kidlat."

Ang imahe ni Shylock na nilikha ni Kean sa The Merchant of Venice ni Shakespeare ay gumawa ng malaking impresyon sa mga English audience. Ang kanyang bayani ay nakakagulat na pinagsasama ang isang ironic na saloobin sa mga tao sa kanyang paligid at isang mapait na pakiramdam ng kalungkutan, malalim na mapanglaw at nakakasira ng kaluluwa na poot na nakatago sa likod ng panlabas na pagpapakumbaba. Ang "The Merchant of Venice," na itinanghal sa Drury Lane, ay nagdala sa probinsiya kahapon ng katanyagan ng pinakamahusay na aktor sa England.

Itinuring ni Keene na ang kanyang pinakamahalagang mga gawa ay ang mga tungkulin ng Hamlet at Othello. Ang kanyang Danish na prinsipe, malungkot at mapanglaw, ay nauunawaan na imposibleng labanan ang kasamaan na naghahari sa mundo. Ang hindi pangkaraniwang pagtitiwala, taos-puso at mahalaga sa kalikasan, inilalagay ni Othello ang pag-ibig nang higit sa lahat, at samakatuwid ang pagkamatay nito ay nangangahulugan para sa kanya ng kumpletong pagbagsak ng lahat ng kanyang mga hangarin.

Ang mahusay na tagumpay ni Keane ay nagmula sa papel ng nagpapautang na si Overrich sa dula " Bagong daan magbayad ng mga lumang utang" ni F. Messinger. Hindi napigilan ng mga manonood na nabighani sa pagganap ng aktor. Sa sobrang gulat daw ni Byron na dumalo sa performance ay nahimatay siya.

Upang makamit ang pag-unawa ng madla, si Keene ay nagtrabaho nang mabuti at mahabang panahon sa bawat papel. Sinanay niya ang lahat ng kanyang galaw at ekspresyon ng mukha sa harap ng salamin, paulit-ulit na bumalik sa pinakamahirap na yugto, hinahasa. ang pinakamaliit na detalye kanyang papel. Ang mga aktibidad sa palakasan ay nakatulong sa kanya na makamit ang pambihirang plasticity (Si Keane ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na fencer sa England noong panahong iyon).

Ang huling gawain ng mahusay na aktor ay ang papel ni Othello. Sa pagbigkas ng parirala: "Ang gawain ni Othello ay tapos na," ang apatnapu't anim na taong gulang na aktor ay nawalan ng malay at nahulog. Makalipas ang tatlong linggo ay wala na siya. Ang pagkamatay ni Keane ay minarkahan ang pagtatapos ng romantikong kilusan sa English theater.

Ang anak ni Edmund Kean, si Charles Kean (1811-1868), ay isa ring artista, pangunahing tumutugtog sa mga melodramas.

Ang panahon ng Victoria ay gumawa ng sarili nitong mga pagsasaayos sa kultural na buhay ng England. Para sa panitikan, ang mga taong ito ay naging panahon ng pagbuo. kritikal na pagiging totoo(George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

Ang pangalan ng manunulat na si Charles Dickens (1812-1870) ay nauugnay sa paglipat ng teatro ng Ingles mula sa klasiko tungo sa modernong drama. Ang mga dulang melodramatiko ay isinulat para sa teatro (Village Coquettes, 1836; The Lamp Man, unang inilathala noong 1879, atbp.).

Ang sira-sira na komedya na "The Strange Gentleman," na isinulat batay sa isa sa mga plot ng sanaysay na "Sketches of Boz," ay nagdulot ng malaking tagumpay kay Dickens na manunulat ng dula. Lahat ng mga dula ni Dickens, maliban sa The Lampman, ay ginanap sa St. James's Theater noong 1836-1837 season. Bilang karagdagan sa kanila, ang manunulat ay lumikha ng isang pagsasadula ng kanyang nobela " Malaking pag-asa", ngunit ang dula ay hindi itinanghal.

Ang mga dula ni Dickens ay sikat hindi lamang sa England, kundi pati na rin sa ibang bansa. Ang mga plot ng ilan sa kanyang mga nobela ay ang batayan para sa isang bilang ng mga opera.

Noong 1951, binuksan ng manunulat ang isang amateur na teatro na ang repertoire ay binubuo ng mga klasikal at modernong gawa. Maraming mga batang English playwright ang nagsimula ng kanilang malikhaing karera sa teatro na ito. Si Dickens, na may mahusay na kakayahan sa pag-arte, ay gumanap ng papel na Shallow sa The Merry Wives of Windsor sa kanyang teatro. Ang manunulat ay nakakuha din ng malawak na katanyagan bilang isang mahusay na mambabasa na gumanap ng kanyang sariling mga gawa mula sa entablado.

Isang kontemporaryo ni Dickens, ang Ingles na makata at manunulat ng dulang si Robert Browning (1812-1889) ay nagsimulang magtrabaho para sa teatro sa edad na dalawampu't dalawa. Ang kanyang unang dula, ang Paracelsius, ay inilathala noong 1835. Pagkatapos ay dumating ang mga makasaysayang drama na Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor at King Charles (1842), na isinulat para sa Covent Garden Theatre. Ang mga pangunahing tungkulin sa mga produksyong ito ay ginampanan ng aktor na si W. Macready.

Noong 1843, itinanghal ng Covent Garden ang dula ni Browning na The Spot on the Coat of Arms. At noong 1853, isa pang dula ng may-akda na ito, "Ang Kaarawan ni Columbus," ay ginanap sa entablado nito.

Ang mga romantikong gawa ni Browning, tulad ng kanyang mga makasaysayang dula, ay nag-ugat sa mga tradisyon ng patula na drama nina J. G. Byron at P. B. Shelley. Sa panahong nangibabaw ang melodrama sa entablado ng Ingles, hinangad ni Browning na maakit ang atensyon ng publiko sa isang seryoso at makabuluhang pagtatanghal. Hindi naiintindihan ng kanyang mga kasabayan, unti-unting lumipat ang manunulat mula sa stage drama patungo sa genre ng tinatawag na dula para sa pagbabasa.

Ang gawa ni Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), isang Ingles na manunulat at manunulat ng dula, na isa ring sikat na pigura sa pulitika, ay kilala rin sa pagiging malapit nito sa modernong makatotohanang teatro. Ang kanyang mga paboritong genre ay mga nobela at drama na may mga makasaysayang tema. Kasabay nito, ang mga melodramatikong motibo at pamamaraan ng panlabas na pagpapakitang-tao ay nag-alis ng tunay na historisismo sa mga gawa ni Bulwer-Lytton.

Ang mga drama na "The Beauty of Lyon" (1838) at "Richelieu" (1839) ay nagdala ng malawak na katanyagan sa manunulat ng dula. May kaugnayan sa pulitika at kasabay nito ay nakakaaliw, theatrical at puno ng dynamics, ang mga dulang ito ay agad na nakakuha ng atensyon ng mga pangunahing English director noong panahong iyon. Ang "Richelieu," sa direksyon ni Henry Irving, ay hindi umalis sa entablado ng Lyceum Theatre ng kabisera sa loob ng mahabang panahon. At noong 1840s - 1860s, nakita ng mga manonood ng Russia ang drama ni Bulwer-Lytto (ang mga pangunahing tauhan ay ginampanan ng mga aktor na sina V.V. Samoilov at N.K. Miloslavsky).

Si Edward Bulwer-Lytton ay naaakit hindi lamang sa mga makasaysayang dula, kundi pati na rin sa mga komedya na nanunuya sa mga kaugalian ng lipunang Victorian - We Are Not as Bad as We Look and Money (1840). Bagama't hindi hinalungkat ng playwright panlipunang kritisismo, ang pagiging totoo ng kanyang mga gawa ay nakatawag ng atensyon ng mga manonood sa kanila. Ang mga komedya ni Bulwer-Lytton ay nasa repertoires ng mga teatro sa Ingles sa loob ng maraming taon.

Ang makasaysayang nobelang "Rienzi" ng Bulwer-Lytton ay interesado sa sikat na kompositor ng Aleman na si Richard Wagner, na ibinatay ang balangkas nito sa opera ng parehong pangalan, na ipinakita sa madla noong 1840.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, sinimulan ng sikat na Ingles na manunulat, manunulat ng prosa at manunulat ng dulang si George Bernard Shaw (1856-1950) ang kanyang malikhaing aktibidad ( kanin. 59). Ipinanganak siya sa Dublin, sa pamilya ng isang mahirap na empleyado. Sa edad na dalawampu, lumipat si Shaw sa London, kung saan siya ay naging isa sa mga tagapagtatag ng Fabian Society. Habang nagtatrabaho bilang kritiko sa musika at teatro, sumulat si Bernard ng ilang hindi kilalang mga nobela. Ang kanyang unang dula, The Widower's House, ay lumabas noong 1892. Tinutugunan ng dula ang mahahalagang isyung panlipunan at etikal, na mahigpit na pinupuna ang mga panginoong maylupa na umuupa ng pabahay sa mga slum. Nanawagan ang playwright sa kanyang mga mambabasa na pahusayin ang sarili at baguhin ang mundo sa kanilang paligid. Binati ng madla ang dulang "The Widower's House," na itinanghal sa Independent Theater, malamig, at pagkatapos lamang ng dalawang pagtatanghal ay inalis ito sa entablado.

kanin. 59. George Bernard Shaw

Sa susunod na anim na taon, ang manunulat ng dula ay nagsulat ng siyam na dula (kabilang ang isang one-act play). Ang malungkot na drama na "Heartbreaker" (1893), na nagsasabi tungkol sa isang kapaki-pakinabang na pag-aasawa na natapos sa kumpletong kabiguan, ay hindi tinanggap para sa produksyon ng alinman sa mga sinehan sa kabisera. Noong 1894, lumitaw ang drama na "Man and Arms", na inilalantad ang kawalang-katauhan at kalupitan ng digmaan. Noong 1897, ang dulang "The Devil's Disciple" ay nilikha, at noong 1898 isang dalawang-volume na koleksyon na "The Pleasant and the Unpleasant" ay nai-publish, na kinabibilangan ng mga dula mula sa iba't ibang taon ("Mrs. Warren's Profession," 1894; "Man and Arms," ​​"Candida," 1897; "The Chosen One of Fate", 1897 "Maghintay at tingnan", 1899, atbp.). Ang dulang "Mrs. Warren's Profession," na nagtaas ng paksa ng prostitusyon, ay ipinagbawal ng mga censor, ngunit nang maglaon, nang sa wakas ay pinahintulutan itong maitanghal, hindi ito umalis sa mga yugto ng teatro hanggang 1902. Si Candida ay isang malaking tagumpay sa New York noong 1903. At sa kanyang tinubuang-bayan, hindi pa rin nasisiyahan si Shaw sa anumang kasikatan. Ang tunay na pagkilala sa publiko ng Ingles ay dumating sa kanya noong 1904, nang siya, kasama ang kanyang asawa, pati na rin ang aktor at direktor na si Harley Grenville-Barker, ay nagrenta ng gusali ng Royal Court Theatre. Ang mga dula ni Shaw ay idinirehe nina Grenville-Barker at John Vedrenne. Sa 988 na pagtatanghal na itinanghal sa Royal Court sa pagitan ng 1904 at 1907, higit sa pitong daan ay batay sa mga gawa ni Shaw.

Kabilang sa mga pinakamahusay na gawa ng playwright ay ang dulang "Man and Superman" (1905) - isang pilosopiko na komedya na nagpapakita sa manonood ng saloobin ng may-akda sa relihiyon, kasal, at pamilya. Ang ebolusyon ng lipunan ng tao ay ipinakita sa pamamagitan ng mga pagtatalo sa pagitan ni Don Juan, na natagpuan ang kanyang sarili sa underworld, at ang diyablo.

Ang pinakasikat na dula ni Shaw ay ang Pygmalion (1913), isang anti-romantic comedy na partikular na isinulat para sa aktres na si Patrick Campbell. Matapos ang pagkamatay ng playwright, ibinase ito nina Frederick Lowe at Alan Jay Lerner sa musikal na My Fair Lady.

Kasama sa mga huling dula ni Shaw ang Heartbreak House (1919), Back to Methuselah (1922), pangkasaysayang drama"Saint Joan" (1923), "Apple Cart" (1930), atbp.

Si Shaw, na naging embodiment ng English wit, ay lumikha ng higit sa 50 mga gawa para sa teatro. Nang mamatay ang mahusay na manunulat ng dula, pinatay ng mga sinehan sa maraming bansa sa buong mundo ang kanilang mga ilaw bilang tanda ng kalungkutan.

Ang manunulat na si Oscar Wilde (1854-1900) ay gumawa ng isang makabuluhang kontribusyon sa pag-unlad ng teatro sa Ingles. Tulad ni Shaw, ipinanganak siya sa Dublin, ang anak ng isang sikat na surgeon. Nag-aral sa Oxford University. Ang mga unang gawa ni Wilde ay ang tula na "Ravenna" (1878) at ang koleksyon na "Mga Tula" (1881).

Ang manunulat ay naging tanyag sa kanyang mga liriko na kwento at mga engkanto ("Star Boy", atbp.), at ang pilosopiko na nobelang "Ang Larawan ni Dorian Gray." Para sa teatro, lumikha si Wilde ng ilang mga dula na may oryentasyong kritikal sa lipunan (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). Naka-on Pranses Ang dulang "Salome" ay isinulat, na inilathala sa England noong 1894, isinalin ni Alfred Douglas na may mga guhit ng pintor na si Aubrey Beardsley. Ang dulang ito ay naging batayan para sa sikat na opera ni Richard Strauss na may parehong pangalan (1904).

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, nagsimulang magsulat ang English playwright na si Henry Arthur Jones (1851-1929) para sa teatro. Galing sa isang mahirap na pamilya ng magsasaka, siya ay naghanapbuhay bilang isang artista.

Dahil hindi nakakuha ng katanyagan bilang isang artista, si Jones ay naging drama, ngunit ang kanyang mga unang pag-play ay hindi rin nagdala ng nais na tagumpay. Tumanggi ang mga sinehan na kunin ang kanyang mga gawa, at noong 1878 lamang tinanggap ang dula ni Jones na "It's Just Around the Corner" para sa produksyon sa isa sa mga sinehan sa probinsiya.

Ang pinakahihintay na tagumpay ay dumating sa playwright matapos ang kanyang "Silver King" ay itinanghal sa Princess Theater. Kabilang sa mga pinakamahalagang gawa ni Juan ay ang mga dulang "Saints and Sinners", "The Dancer", "Rebel Susanna", "The Triumph of the Bigots", "Michael and His Lost Angel", "The Defense of Mrs. Dane". Marami sa mga drama ni Jones ang naglalantad sa mapagkunwari na moralidad ng lipunang Victorian ("Liars", 1897; "Lies", 1914), kahit na ang sigasig para sa melodramatic technique ay medyo nagpapababa ng kanilang kahalagahan. Ngunit, sa kabila nito, masasabing may kumpiyansa na ang gawa ni Jones ay nagkaroon ng epekto sa pagbuo ng makatotohanang direksyon sa theatrical art ng England sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Nakipagtulungan si Jones kay Bernard Shaw, at pinahahalagahan ng huli ang kanyang mga gawa.

Ang English stage art ng huling bahagi ng ika-19 na siglo ay nauugnay sa pangalan ng aktor at negosyante na si Arthur Voucher (1863-1927). Noong 1884, ang batang aktor, na nag-aral sa Eton at pagkatapos ay Oxford, ay naging isa sa mga tagapagtatag ng Oxford University Dramatic Society. Sa kanyang entablado ay naglaro siya sa mga dula ni Shakespeare (Henry IV, Twelfth Night, The Merry Wives of Windsor, Julius Caesar).

Ang debut ng voucher ay ang papel ni Jacques sa komedya ni Shakespeare na As You Like It, na ginanap noong 1889 sa propesyonal na entablado sa Wolverhampton. Ang pagganap ay nagdala ng katanyagan sa aktor, at noong 1889-1894 ay naglaro siya sa iba't ibang mga teatro sa Ingles at Amerikano.

Noong 1895-1896, pinamunuan ng Voucher ang Royal Theater, at ang kanyang asawa, si E. Vanbrugh, ay isang nangungunang aktres na gumaganap ng mga nangungunang papel sa mga komedya at komedya. Mula 1900 hanggang 1906, nagsilbi ang Voucher bilang artistikong direktor ng Garrick Theater. Sa panahong ito, marami siyang ginampanan sa mga dula ni Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. Noong 1910, sumali ang aktor sa Beerbohm Tree troupe (His Majestys Theater), kung saan isinama niya ang mga larawan ni Henry VIII at ng Foundation sa mga dula ni Shakespeare na Henry VIII at A Midsummer Night's Dream. Isang napaka-temperamental at emosyonal na artist, ang Voucher ay naging matagumpay lalo na sa paglalaro ng matingkad, mga tungkulin ng karakter (John Silver sa "Treasure Island" batay sa nobela ni R. L. Stevenson).

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo, sinimulan ng aktor at negosyanteng si Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) ang kanyang karera sa teatro. Ginawa niya ang kanyang debut bilang Fritz sa dulang "The Old Jew" ni Grnadi, na itinanghal noong 1895 sa Garrick Theater. Sa parehong taon, sumali siya sa Beerbohm Tree troupe at nag-tour kasama nito sa USA. Noong 1899-1901, bumisita siya muli sa Amerika, sa pagkakataong ito kasama ang sikat na artistang Ingles na si Patrick Campbell.

Ang pinakamahalagang yugto ng aktor sa panahong ito ay ang mga papel ni Sandford Cleve sa The Famous Mrs. Ebbsmith at Captain Ardale sa The Second Mrs Tanqueray ni Pinero. Noong 1902, si Du Maurier ay naging isang negosyante sa tropa ni Charles Froment (Duke of York Theater), kung saan nilikha niya nang may malaking tagumpay ang mga karakter ni Ernest Wooller (The Delightful Crichton ni J. Barry), Hook at Darling ( Peter Pan"sa pamamagitan ng parehong may-akda).

Si Du Maurier ay pinakamatagumpay sa mga komedya na tungkulin. Ang kakayahang kumilos nang natural, taos-puso at simpleng nakatulong sa aktor na makuha ang pagmamahal ng madla. Ang kanyang pinakamahusay na mga gawa ay ang mga larawan ng Montgomery Brewster sa McCutcheon's Brewster's Millions at Hugh Drummond sa Bulldog Drummond, isang pagsasadula ng nobela ni McNeil.

Sa panahon mula 1910 hanggang 1925, pinamunuan ni Du Maurier, kasama si F. Curzon, ang Windham's Theater, at mula 1925 hanggang 1929, kasama si G. Miller, pinamunuan niya ang St. James's Theater. Ang paggawa ng teatro ng dula ni Lonsdale na The Last Days of Mrs. Cheney (1925) ay nagdulot ng malaking tagumpay sa teatro. Kasunod nito, nagtanghal si Du Maurier ng ilan pang pagtatanghal sa iba't ibang mga sinehan (“The Ringer” ni Wallace, 1926, “Windham's Theater”; “The Letter” ni Maugham, 1927, “Playhouse Theater”; “Alibi” ni Morton batay sa nobela ni Christie, 1928, "Prince of Wells" theater"; "Doctor Pygmalion" ni Owen, 1932, "Playhouse theater", atbp.).

Isang kilalang tao sa teatro ng Ingles noong huling bahagi ng ika-19 at unang kalahati ng ika-20 siglo ay ang aktor, direktor at sikat na guro na si Frank Robert Benson (1858-1939). Mula sa maagang kabataan siya ay aktibong lumahok sa lahat ng uri ng mga amateur na pagtatanghal. Ang kanyang unang propesyonal na yugto ay ang London Lyceum Theater, na pinamumunuan ni G. Irving. Pagkalipas ng isang taon, binuksan ng batang aktor ang kanyang sariling naglalakbay na teatro, na nagbigay ng mga pagtatanghal hindi lamang sa London, kundi pati na rin sa Stratford, pati na rin sa iba pang mga lungsod ng probinsiya.

Ang paboritong manunulat ng dula ni Benson ay si Shakespeare. Sa loob lamang ng ilang taon, itinanghal ng direktor ang halos lahat ng mga dula ng mahusay na manunulat ng dula, na ang tanging eksepsiyon ay ang "Titus Andronicus" at "Troilus at Cressida". Mula 1886 hanggang 1919, ang kumpanya, na pinamumunuan ni Benson, ay naglaro sa Shakespeare Memorial Theater sa Stratford-on-Avon. Sa tinubuang-bayan ni Shakespeare, kasama ang kanyang pakikilahok, ginanap ang mga taunang pagdiriwang ng mga dula ni Shakespeare.

Isang magaling na aktor at direktor, si Benson ay isa ring mahuhusay na guro na nagsanay ng maraming magagaling na artista. Kasama sa kanyang panulat ang trabaho kumikilos. Sumulat din si Benson ng isang libro ng mga memoir. Sa mga huling taon ng kanyang buhay siya ay nakikibahagi sa cinematography.

Ang sikat na English actor, director at playwright na si Harley Grenville-Barker (1877-1946) ay nagsimula sa kanyang theatrical career bilang isang artista. Noong 1891 sumali siya sa tropa ng S. Thorne sa Margate. Nang sumunod na taon, nagtanghal na si Grenville-Barker sa London Comedy Theatre.

Mula 1904 hanggang 1907, kasama ang manunulat ng dulang si Bernard Shaw, pinangunahan ni Grenville-Barker ang Royal Court Theater, bahagi ng kilusang "libreng teatro", na nakatuon sa seryosong makatotohanang drama.

Si Grenville-Barker, na nagsulong ng realismo sa entablado, ay nangarap na magbukas pambansang teatro na may permanenteng repertoire, ngunit, sa kasamaang-palad, ang pagtatangka na likhain ito ay hindi nagtagumpay.

Sa mga gawa ni Grenville-Barker, ang mga pagtatanghal batay sa mga dula ni Shakespeare ay sumasakop sa isang mahalagang lugar. Ang direktor ay naglathala ng isang 5-volume na gawa, "Preface to Shakespeare," kung saan sinuri niya nang detalyado ang pinakamahirap na mga paglalaro ni Shakespeare para sa pagpapatupad ng entablado at ibinigay praktikal na payo batay sa kanilang produksyon sa isang modernong teatro. Ang mga dula ni Grenville-Barker na "The Marriage of Anna Lyth" (1902), "The Voysey Inheritance" (1905), "Madras House" (1910), "Weather in Han" at iba pa ay naging malawak na kilala.

Pagkatapos ng Unang Digmaang Pandaigdig, tumanggap ang Inglatera ng ilang kolonya ng Aleman at bahagi ng mga lupain sa Gitnang Silangan na pag-aari ng Turkey. Ang ekonomiya ng Ingles, na pinahina ng digmaan, ay nagsimulang muling mabuhay, ngunit hindi ito nagtagal. Noong 1921, nagsimula ang paglaki ng inflationary at pagbaba sa pamantayan ng pamumuhay ng populasyon.

Noong 1924, naluklok ang gobyerno ng Labor, ngunit, sa kabila ng lahat ng pagsisikap nito, hindi nagbago ang sitwasyong pang-ekonomiya at pampulitika sa bansa, at ang mga Conservative na pumalit sa Labor ay nagpalala pa sa sitwasyon. Noong Mayo 1924, nagsimula ang isang pangkalahatang welga sa Inglatera. Ang mga halaman at pabrika ay ganap na tumigil, ang mga riles at minahan ay tumigil sa paggana. Nagawa ng gobyerno na mapawi ang tensyon sa bansa sa loob ng ilang panahon, ngunit noong 1929 ay sumiklab ang matinding krisis sa ekonomiya.

Ang 1930s ay nababagabag din. Dumating si Hitler sa kapangyarihan sa Alemanya, at sa Inglatera, sa pagsasabwatan nina Baldwin at Chamberlain na pumalit sa kanya, inilunsad ng British Union of Fascists ang mga aktibidad nito.

Nang magsimula ang Ikalawang Digmaang Pandaigdig, lumabas na ang England ay ganap na hindi handa para dito. Matapos ang pagkatalo sa Dunkirk, umalis sa kontinente ang ekspedisyonaryong puwersa ng Ingles. Nang masakop ang France, naghahanda na ang mga Nazi na maglunsad ng pagsalakay sa British Isles, ngunit napigilan sila ng Battle of Britain, na napanalunan ng British aircraft, at pagkatapos ay ang lumalaban laban sa USSR.

Noong Mayo 26, 1942, nilagdaan ng Inglatera at USSR ang isang kasunduan sa isang alyansa ng militar at pakikipagtulungan sa panahon ng kapayapaan, ngunit sa loob ng ilang oras ay naantala ni Churchill ang pagbubukas ng isang pangalawang harapan. Sa pagtatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang mga patakaran ng Konserbatibo ay ganap na nadismaya sa mga tao, at sa mga halalan noong 1945 ay nanalo ang Labor sa isang napakalaking tagumpay.

Ang kalagayang panlipunan sa bansa ay hindi makakaapekto sa English drama sa unang kalahati ng ika-20 siglo. Sa mga taong ito, ang mga sikat na manunulat gaya nina Somerset Maugham at John Boynton Priestley ay nagtrabaho sa bansa.

kanin. 60. Somerset Maugham

Ingles na manunulat na si William Somerset Maugham (1874-1965) ( kanin. 60) ay ipinanganak sa Paris, sa pamilya ng isang legal na tagapayo sa English embassy. Sa edad na sampung taong gulang, naiwan siyang walang mga magulang at pinalaki ng mga kamag-anak sa England. Dahil nagkasakit ng tuberkulosis, nanirahan si Maugham sa timog France at pagkatapos ay lumipat sa Alemanya, kung saan siya ay naging estudyante sa Unibersidad ng Heidelberg. Sa Alemanya, ang hinaharap na manunulat ay naging malapit kay Ibsen

at Wagner. Ang mga dula ni Ibsen ang gumising sa pagnanais ni Maugham na maging isang manunulat ng dula.

Pagbalik sa Inglatera, nagsimulang mag-aral si Maugham sa isang medikal na paaralan. Sa loob ng tatlong taon ay nagtrabaho siya bilang isang paramedic sa isang ambulansya, na nagbigay sa kanya ng kaalaman sa buhay ng mga ordinaryong tao (bilang bahagi ng kanyang propesyon, binisita ni Somerset ang pinakamahihirap na lugar ng London). Ang kanyang nobelang Lisa ng Lambeth, na isinulat noong 1897, ay nagsasabi sa kuwento ng mga slum sa London. Dinala niya sa batang manunulat ang kanyang unang katanyagan. Kasunod nito, lumikha si Maugham ng maraming nobela na nagbibigay ng malawak na panorama ng buhay ng lipunang Ingles (The Burden of Human Passion, 1915; Theatre, 1937).

Ang teatro ay palaging nakakaakit kay Maugham, ngunit ang pagkamit ng tagumpay sa lugar na ito ay hindi madali. Ang pagnanais para sa isang makatotohanang pagmuni-muni ng katotohanan kung minsan ay natatakot sa mga negosyante na malayo sa manunulat. Ang paggawa ng kanyang dulang "Man of Honor" (1903) ay hindi nag-ambag sa katanyagan ng manunulat sa komersyal na sining.

Sa wakas, noong 1907, nagawa ni Maugham na itanghal ang komedya na Lady Frederick, na tinanggap nang may kagalakan ng madla. Pagkatapos nito, binuksan ng mga teatro sa London ang kanilang mga pinto sa playwright, at sa parehong taon, 1907, lumitaw ang tatlo pang pagtatanghal batay sa kanyang mga dula.

Lumikha ang manunulat ng dula ng isang uri ng dula na tinawag niyang "matalino." Ang kontemporaryong realidad ng kanyang mga gawa ay ipinapakita sa pamamagitan ng sagupaan ng mga tauhan, at ang aksyon ay madalas na naaabala upang mapag-usapan ng mga tauhan ang sitwasyon. Kapag lumilikha ng kanyang mga dula, madalas na ginagamit ni Maugham ang mga pamamaraan na katangian ng mga gawa nina Shaw at Ibsen, ngunit kadalasan ay bumaling siya sa komedya ng Ingles noong panahon ng Pagpapanumbalik. Ito ay mula sa dramaturgy ng ikalawang kalahati ng ika-16 - unang bahagi ng ika-18 siglo na ang sining ng karakter at intriga na naroroon sa mga gawa ni Maugham. Sa marami sa kanyang mga dula ay mayroon ding interes sa mga tradisyon ng teatro ng Pransya.

Ang mga maagang dula ni Maugham na "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw", na itinanghal sa mga sinehan sa London noong 1907, ay isinulat sa istilo ng isang komedya sa silid ng pagguhit. Kasunod nito, ang playwright ay lumayo sa magaan na pangungutya at bumaling sa mga seryosong makatotohanang drama tungkol sa "mga taong nakakaalam ng lahat." Noong 1913, lumitaw ang "The Promised Land", na nagsasabi tungkol sa kapalaran ng mahirap na batang babae na si Nora. Pinalaki sa isang burges na Ingles na kapaligiran, napunta siya sa Canada, kasama ang kanyang kapatid na magsasaka. Hindi nababagay sa trabaho at sinusubukang kumilos tulad ng isang ginang, pinukaw niya ang galit ng asawa ng kanyang kapatid. Ngunit, nang maging asawa ng isang kalapit na magsasaka, unti-unting nagbabago si Nora at, nang mabigyan siya ng pagkakataong bumalik sa dati niyang buhay sa London, tumanggi siya, na napagtanto na hindi na niya magagawang mamuhay sa mga walang ginagawa at walang kwentang tao. .

Ang dulang "The Hearth and the Beautiful Wife" (1919) ay nakatuon sa tema ng post-war English life. Natapos ang Unang Digmaang Pandaigdig, at ang mayor, na itinuturing ng lahat na patay, ay umuwi. Ang kanyang asawang si Victoria ay ikinasal sa kanyang kaibigan, isa ring major. Ang mga kaibigan ay nakikipagkumpitensya sa maharlika, binibigyan ang bawat isa ng karapatang manatili sa magandang Victoria, ngunit hiniwalayan niya silang dalawa at naging asawa ng isang speculator na yumaman mula sa mga suplay ng militar. Ang supot ng pera na ito na nakatakas sa harapan ay nagmamaneho ng Cadillac at may kakayahang kumuha ng anumang pagkain. pareho dating asawa Sinasabi ng walang kapantay na Victoria na lagi nilang hinuhulaan ang kanyang kakulitan at kasakiman. Ito ang tahanan kung saan nakipaglaban ang mga British sa digmaan.

Ang tema ng kasal sa burges na lipunan ay ipinagpatuloy ng sikat na dula ni Maugham na "The Circle" (1919). Si Elizabeth, ang asawa ng isang batang politiko, ay nabigo sa kanyang asawa at hinahangaan ang kanyang ina, na hindi pa niya nakikita: sa kanyang kabataan ay tumakas siya sa kanyang asawa kasama ang kanyang kaibigan, si Lord Proteus, na tumatakbo para sa posisyon ng Punong Ministro. . Ngunit pagkatapos ng gayong pagkilos, ang mga magkasintahan ay tinanggihan na makapasok sa lipunan, at si Elizabeth lamang ang lihim na nag-imbita sa kanila sa kanyang lugar. Isipin ang kanyang pagkabigo nang, sa halip na isang romantikong mag-asawa, nakita niya ang isang kabataang matandang babae at isang masamang ugali, masamang matandang lalaki. Marami ang naging malinaw sa dalaga, ngunit hindi niya binitawan ang kanyang pagmamahal at umalis sa bahay ng kanyang maunlad na asawa upang sumama sa isang batang kolonyal na opisyal sa malayong Malaya.

Noong 1928-1933, apat pang dula ni Maugham ang lumitaw: "The Sacred Flame" (1928), "The Family Breadwinner" (1930), "For Merit in Battle" (1932) at "Sheppie" (1933). Naniniwala ang abogado ng probinsiya sa drama na “For Military Merit” na naghahari ang katarungan at kaunlaran sa lipunan, bagama’t ang sarili niyang pamilya ay namamatay sa ilalim ng pressure ng mga pangyayari.

Ang anak na si Sidney ay umuwing bulag mula sa digmaan, at isa sa mga kapatid na babae ang nag-aalaga sa kanya, bagaman ito ay nagpapabigat at nagpapahirap sa kanya. Pinangarap niyang pagsamahin ang kanyang kapalaran sa isang lalaki na kamakailan lamang ay bumalik mula sa harapan, ngunit ang kanyang kasintahan, na hindi mahanap ang kanyang sarili sa lipunang ito, ay kumitil ng kanyang sariling buhay, at ang kapus-palad na batang babae ay nawala sa kanyang isip. Ang kanyang kapatid na babae ay naging asawa ng isang demobilized na opisyal - isang mayabang at masama ang ugali na lalaki. Nakakalungkot din ang kapalaran ng ikatlong anak na babae. Sinusubukang makatakas mula sa madilim na sitwasyon, tumakas siya sa bahay kasama ang isang mayamang speculator na gumawa ng kanyang yaman sa pamamagitan ng maruming mga transaksyon. Sinira ng digmaan ang kapalaran ng lahat ng miyembro ng pamilya. Ang mga salita ni Sidney ay puno ng kapaitan: “Alam ko na lahat tayo ay nauwi bilang mga tuta sa kamay ng mga katamtamang hangal na namuno sa ating mga bansa. Alam kong lahat tayo ay isinakripisyo sa kanilang kawalang-kabuluhan, kasakiman at katangahan. At ang pinakamasama ay, sa pagkakaintindi ko, wala silang natutunan."

Ang kuwento ng pangunahing tauhan mula sa drama na "Sheppey" ay malungkot. Si Sheppey, isang nasa katanghaliang-gulang na tagapag-ayos ng buhok, ay naging masuwerteng nanalo sa isang malaking panalo.

Pangarap niyang makatulong sa mga nangangailangan, ngunit naniniwala ang kanyang anak na babae at ang kanyang kasintahan na ang perang ito ay makakatulong sa kanila na makapasok malaking pulitika, at ideklarang baliw si Sheppie.

Nabigo ang produksyon ng Sheppie, na hindi nilayon para sa komersyal na sining, at nagpasya si Maugham na umalis sa playwriting at hindi na bumalik sa trabaho para sa teatro.

kanin. 61. John Boynton Priestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( kanin. 61) ay ipinanganak sa bayan ng Bradford (Yorkshire), sa pamilya ng isang guro. Noong 1914 siya ay naging isang mag-aaral sa Cambridge University, ngunit sa pagsiklab ng Unang Digmaang Pandaigdig siya ay nagboluntaryo para sa harapan. Natapos ni Priestley ang kanyang pag-aaral sa Unibersidad pagkatapos ng digmaan. Hindi nagtagal ay nakakuha siya ng katanyagan bilang isang manunulat ng mga sanaysay, pati na rin bilang isang iskolar sa panitikan at kritiko. Ang nobelang Good Companions, na isinulat noong 1929, ay nagpakilala sa mambabasa sa buhay ng mga naglalakbay na aktor, nagdala kay Priestley ng malaking tagumpay. Una at hindi karaniwan matagumpay na karanasan Ang kontribusyon ng manunulat sa dramaturgy ay ang dulang "Dangerous Turn", na itinanghal noong 1932.

Tulad ni Maugham, alam ni Priestley kung paano tumpak na ihatid ang mga uri ng tao at lumikha ng intriga. Kasabay nito, ang kanyang mga dula ay mas problemado kaysa sa mga gawa nina Maugham at Shaw.

Sa "A Dangerous Turn," inihayag ni Priestley, tulad ni Maugham, kung ano ang nakatago sa likod ng panlabas na kagalingan ng buhay. Ang lumilitaw sa likod ng mga layer ng kasinungalingan at panlilinlang ay tunay na nakakatakot. Binubuo ng playwright ang kanyang mga dula sa prinsipyo ng isang "closed room detective." Ang isang pagpatay ay ginawa sa isang maliit na bilog ng mga malalapit na kakilala, lahat ay pinaghihinalaan, at sa parehong oras silang lahat ay naging mga amateur detective.

Ang isang hanay ng mga paghahayag ay unti-unting nagbubukas, na nagsisimula sa hindi sinasadyang pagbagsak ng mga salita sa isang party sa publisher na si Robert Kaplan, na nalaman na ang kanyang minamahal na kapatid na si Martin ay isang sekswal na baliw at hindi nagpakamatay, tulad ng opisyal na pinaniniwalaan, ngunit pinatay ng isang babae. Halos lahat ng kanyang mga kamag-anak ay sangkot sa kanyang pagkamatay. Nang malaman ang kakila-kilabot na katotohanan, binawian ng buhay ni Robert. Ngunit ito ay isang hypothetical na bersyon lamang ng mga kaganapan. Ang kasunod na kadiliman ay nawala, at ang setting ng unang aksyon ay muling lilitaw sa harap ng mga mata ng manonood. Ang mga karakter ay nagpapatuloy sa parehong pag-uusap, at ang parirala na nagsilbing simula ng paghahayag ay hindi nabuo. Ang "mapanganib na pagliko" ay matagumpay na naipasa, at ang partido ay nagpapatuloy. Ngunit kung ano talaga ang nakatago sa likod ng mahinahong daloy ng buhay ay alam na ng manonood.

Noong 1937, lumabas ang play ni Priestley na Time and the Conway Family, kung saan ginagamit ng may-akda ang pamamaraan ng isang turn of events. Nagsisimula ang aksyon noong 1919 holiday ng pamilya. Isang palakaibigan at mayamang pamilya ang nagdiriwang ng kaarawan ni Kate. Dalawampu't isa na ang dalaga, puno ng pag-asa para sa isang masayang kinabukasan at pangarap na maging isang manunulat.

Ang pangalawang gawa ay nagsimula noong 1937. Ang mga karakter ay pareho, ngunit lahat sila ay hindi masaya. Ang partido, na naganap maraming taon na ang nakalilipas, ay naging isang kaganapan na nagpabalik sa buhay ng pamilya sa isang direksyon na humantong sa lahat ng mga miyembro nito sa isang malungkot na resulta.

Ang ikatlong yugto ay bumalik sa 1919, ngunit ngayon sa manonood, na nalaman kung ano ang nangyari pagkalipas ng maraming taon, ang party ng pamilya ay hindi mukhang masaya at masaya.

Bumaling din si Priestley sa motif ng oras sa kanyang mga sumunod na dula: "I've Been Here Before" (1937), "Music at Night" (1938), "Johnson Beyond the Jordan" (1939). Upang gawing mas malalim ang mga katangian ng kanyang mga karakter, inilalagay sila ng manunulat sa isang hindi pangkaraniwang kapaligiran, kung saan ang isang bagay na dati ay nakatago hindi lamang sa iba, kundi pati na rin sa kanilang sarili ay nahayag.

Sa ilang mga dula, gumagamit si Priestley ng mga matatapang na eksperimento. Kaya, sa drama na "From Heavenly Times" (1939), na naganap sa mga yugto ng mga teatro sa maraming mga bansa sa Europa, ang mga aktor ay nakakuha ng karakter sa harap mismo ng madla at kahit na nagbabago ang mga tungkulin.

Lubos na pinahahalagahan ng English playwright ang gawa ni Chekhov. Ang kanyang impluwensya ay higit na maliwanag sa dulang Eden End (1934). Ang "Eden End," na nagpapaalala sa "The Cherry Orchard" ni Chekhov, ay nagsasabi sa kuwento ng isang babae na tumakas sa tahanan ng kanyang mga magulang maraming taon na ang nakalilipas upang maging isang artista. Ngayon ay bumalik na siya sa tahimik at komportableng bahay ng kanyang ama, nangangarap na muling makaramdam ng kasiyahan. Ngunit ang nakaraan ay hindi na maibabalik, at ang mga tauhan sa dula, gaano man nila ito gustuhin, ay hindi makapagsimula ng bagong buhay.

Ang komedya ay sumasakop sa isang mahalagang lugar sa dramaturhiya ni Priestley. Sa genre na ito, ang manunulat ay lumikha ng isang bilang ng mga hindi pangkaraniwang nakakatawang mga gawa na pumupuna sa buhay ng lipunan. Ang kanyang mga komedya ay nagtamasa ng pambihirang katanyagan sa mga bansang Europa, ngunit hindi nagdala ng maraming tagumpay sa manunulat ng dula sa kanyang sariling bayan.

Ang komedya na "Rakita Grove" (1933) ay naging malawak na kilala. Ang hindi kapansin-pansin at katamtamang may-ari ng isang maliit na bodega ng stationery ay biglang umamin sa kanyang pamilya na siya talaga ang pinuno ng isang gang ng mga peke. Ang mga kamag-anak, nang marinig ang tungkol dito, ay ipinakita sa kanya ang bawat paggalang, kahit na dati nilang tinatrato siya nang may paghamak. Naniniwala silang lahat na hindi siya mas masahol pa sa malalaking financial tycoon na sumira sa kanya noong krisis sa ekonomiya at ginawa siyang kriminal.

Ang ilang mga komedya ay nagpapahiwatig ng interes ni Priestley sa buhay ng mga kinatawan ng ilang mga propesyon ("Love by the Light of Jupiters", 1936; "Good night, kids", 1941).

Ang dulang "Bees on Board a Ship" (1936) ay medyo naiiba, na tinawag mismo ng may-akda na "isang farcical tragedy in two acts" at "isang political satire sa anyo ng isang komedya." Ang mga tripulante, na naiwan sa isang barko ng karagatan na inabandona ng mga may-ari nito sa awa ng kapalaran sa panahon ng krisis sa ekonomiya, ay nagsisikap na iligtas ang kanilang barko mula sa lahat ng uri ng pag-atake. Sa finale, namatay ang barko mula sa isang pagsabog na inorganisa ng kumpanyang nagmamay-ari ng liner.

Ang utopian na drama ni Priestley na They Came to the City (1943), na hango sa nobelang utopian ng English artist at manunulat na si William Morris, News from Nowhere, o the Age of Happiness (1891), ay hindi pangkaraniwan. Ang mga bayani ng dula ni Priestley ay nakatira sa isang lungsod kung saan walang pribadong pag-aari, sila ay masaya at masayahin. Gamit ang diskarteng "time shift", ipinakilala ng may-akda ang mga tauhan ng dula mula sa iba't ibang strata ng modernong lipunang Ingles, na naiiba ang pananaw sa hindi pangkaraniwang lungsod at sa mga naninirahan dito.

Dalawa pa sa mga dula ni Priestley ang tinanggap nang may malaking interes ng publiko: "The Inspector Come" (1945) at "The Linden Family" (1947).

Sa unang dula, muling ginamit ng playwright ang kanyang paboritong teknik na "time shift". Ang pamilya ng industrialist na si Berling ay ipagdiriwang ang pakikipag-ugnayan ng kanilang anak na babae. Biglang lumitaw ang isang inspektor ng pulisya sa bahay, na sinisiyasat ang pagpapakamatay ng isang batang babae na nagngangalang Eva Smith. Lumalabas na lahat ng miyembro ng pamilya ay may kasalanan sa kanyang pagkamatay. Pinaalis siya ni Birling sa kanyang negosyo, siniguro ng kanyang anak na si Eva ay pinalayas sa tindahan, at niligawan at iniwan ng kanyang kasintahan ang kapus-palad na babae. Bilang karagdagan, ang asawa ni Birling, na may impluwensya sa kawanggawa, ay tiniyak na ang babae ay tinanggihan ng tulong.

Nang malaman ang lahat, umalis ang inspektor, at ang pamilyang Birling, nagulat na ang kanilang mga aksyon ay nauugnay sa parehong batang babae, nagsimulang tumawag sa ospital at sa pulisya. Nalaman nila na walang mga pagpapakamatay, at ang isang inspektor na may ganoong pangalan ay hindi gumagana sa pulisya. Ang Birlings ay huminahon, ngunit, bilang ito ay naging, masyadong maaga. Biglang tumunog ang isang tawag sa telepono, at ipinaalam sa ulo ng pamilya na ang isang batang babae na dating nagtrabaho sa kanyang pabrika ay namatay sa ospital, at isang inspektor ng pulisya ang pupunta sa kanila upang alamin ang mga kalagayan ng pagkamatay.

Noong 1950s, nagpatuloy si Priestley sa paggawa sa drama, ngunit hindi na nakapagsulat ng anumang makabuluhang bagay.

Ang makata na si Thomas Stearns Eliot (1888-1965) ay gumawa ng malaking kontribusyon sa pagbuo ng English drama. (Larawan 62), na nangarap na lumikha ng bagong patula na drama batay sa mga tradisyon ng sinaunang at medyebal na sining.

kanin. 62. Thomas Stearns Eliot

Si Eliot ay ipinanganak sa USA. Noong 1910 ay dumating siya sa Europa upang mag-aral sa Sorbonne. Ang kanyang pagbuo bilang isang manunulat ay naganap sa ilalim ng impluwensya ng mga kilusang modernista na umusbong sa simula ng siglo. Hindi nasisiyahan sa modernong burges na kultura, sa kanyang paghahanap ay bumaling si Eliot sa neoclassicism, batay sa mga tradisyon ng unang panahon at Middle Ages.

Ang paglipat ni Eliot mula sa tula patungo sa drama ay nauugnay sa kanyang masigasig na pagnanais na ihatid ang "tunay na espirituwalidad" at ang mga mithiin ng humanismo sa higit pa ng mga tao. Ang layuning ito ay hinahabol ng lahat ng kanyang mga dula, na lumitaw noong 1930s at pagkatapos noong 1940s at 1950s (“Murder in the Cathedral,” 1935; “Family Convention,” 1938; “Cocktail Party,” 1949; “ Personal na Kalihim", 1953; "Ang Elder Statesman", 1958).

Ang tanong ng personal na pananagutan ng isang tao sa lahat ng nangyayari sa mundo ay itinaas ng dulang "Murder in the Cathedral," na isang kapansin-pansing halimbawa ng mala-tula na trahedya ni Eliot. Sa paglikha ng kanyang akda sa panahon ng kapayapaan, ang manunulat ng dula ay tila may pagtatanghal ng paparating na digmaang pandaigdig, na limang taon pa ang layo.

Ang "Murder in the Cathedral" ay nilayon na ipakita sa Canterbury Festival, kung saan ipinakita ang iba pang mga gawa na nagsasabi sa kapalaran ni Thomas Becket, Arsobispo ng Canterbury, na nabuhay noong ika-12 siglo. Tinulungan ni Becket si Henry II na lumaban para sa isang sentralisadong monarkiya, ngunit kalaunan ay naging kaaway ng hari, kung saan binayaran niya ang kanyang buhay. Pagkatapos ng kanyang kamatayan, ang arsobispo ay na-canonize ng simbahan. Ang personalidad ni Becket ay nagdudulot pa rin ng kontrobersiya sa mga istoryador at manunulat. Ipinakita ni Eliot ang kanyang bayani bilang isang tao na ang mga aksyon ay hinihimok ng pagnanais para sa mataas na espirituwalidad, kaya naman nakipaglaban siya sa mga batayang interes ng monarko at ng kanyang mga kampon. Sa pagtanggap ng pagkamartir, kinuha ni Becket sa kanyang sarili ang mga kasalanan ng sangkatauhan at binuksan ang daan para sa mga tao sa humanismo at katotohanan.

Ang dula, kung saan ang patula na wika ay pinagsama sa prosaic na wika, ay batay hindi lamang sa makasaysayang materyal, kundi pati na rin sa mga katotohanan ng 1930s. Kaya, ang mga talumpati ng mga kabalyero na pumatay sa arsobispo ay halos kapareho sa mga talumpati ng dulong kanan na may mga banta ng "gabi ng mahabang kutsilyo" sa lahat na hindi sumasang-ayon sa kanilang mga ideya.

Ang pinakamalaking kinatawan ng English left-wing radical drama ay ang makata na si Whiston Hugh Auden (1907-1973) at ang nobelistang si Christopher Isherwood (ipinanganak 1904), na nagtangkang lumikha ng modernong patula na drama batay sa mga tradisyon ng English music hall.

Noong 1933, isinulat ni Auden ang dulang Danse Macabre, na hinulaan ang katapusan ng modernong burges na lipunan. Noong 1936, ito ay itinanghal ng direktor na si Rupert Doone sa Group Theater sa London. Kasunod nito, ang playwright ay nagtrabaho sa pakikipagtulungan sa Isherwood.

Sinalubong ng interes ang dula nina Auden at Isherwood na The Dog Under the Skin (1935), na itinanghal noong 1936. Ang akdang ito, na kinabibilangan ng mga elemento ng parody, mataas na tula, agitprop, fairy tales, at expressionism, sa parehong oras ay may pagkakaisa ng istilo.

Taun-taon, ipinapadala ng mga taganayon ng Pressen Embo ang isa sa kanilang mga binata upang hanapin si Sir Francis, ang tagapagmana ng ari-arian na biglang nawala. Ito ay ang turn ni Alan Norman, isang tapat at simpleng tao. Ang asong si Francis, na nakatira sa isang pamilya o iba pa, ay kasama niya sa paglalakbay. Ang mga manlalakbay ay bumisita sa maraming bansa at nakilala iba't ibang tao, ngunit hindi natagpuan ang tagapagmana. Napagpasyahan na ni Alan na iwanan ang karagdagang paghahanap nang matuklasan niyang ang kanyang aso ay ang wanted na si Sir Francis. Ang balat ng isang aso ay nakatulong sa kanya na matuto ng maraming, maunawaan kung gaano kabulok ang mga pundasyon ng lipunan. Pagbalik sa kanyang nayon, nakita ni Francis na ang mga ideya ng pasismo dito ay nanaig sa lahat ng iba pa. Kasama ang isang grupo ng mga kabataan, umalis ang tagapagmana upang labanan ang kawalan ng katarungan at kasamaan.

Malaki rin ang interes sa dula nina Auden at Isherwood na "On the Border" (1938), na puno ng simbolismo, na nagsasabi sa kuwento ng dalawang pamilyang nakatira sa iisang silid. Sa pagitan nila ay namamalagi ang isang hindi nakikitang linya na naging dahilan upang sila ay maging dalawang magkalaban na panig. Kabilang sa mga tauhan sa dula ay ang mga batang magkasintahan na kabilang sa mga pamilyang ito, na nagkakaisa lamang pagkatapos ng kamatayan, ang Cynic, na nagpapaliwanag ng likas na katangian ng pasismo (ang pinuno ng tiwalang bakal), at ang Pinuno, isang demagogue na pinakain ng Cynic.

Kasunod nito, lumayo sina Auden at Isherwood sa kanilang mga naunang ideya. Noong 1966, ang kwento ni Isherwood na "Goodbye Berlin" (1939), na nagsasabi tungkol sa Alemanya bago ang mga Nazi ay dumating sa kapangyarihan, ay inangkop sa musikal na "Cabaret", at noong 1972 - isang sikat na pelikula ng parehong pangalan.

Ang Unang Digmaang Pandaigdig at ang panahon na sinundan nito ay sinira ang sistema ng mga negosyo sa teatro na nabuo noong ika-19 na siglo, na pinamunuan ng mga aktor na sina G. B. Tree, G. Irving, at J. Alexander. Ang komersyal na teatro ng West End ay dumating sa unahan sa theatrical na buhay ng England, na nag-aalok sa mga taong pagod sa digmaan na nakakatawa at nakamamanghang palabas. Ang mga farces, melodramas, light comedies, at musical show ay napakapopular.

Ang sitwasyon sa daigdig ng teatro hindi nagbago sa mga taon pagkatapos ng digmaan. Naghari pa rin ang mga magaan na genre sa entablado, at ang mga seryosong dula nina Strindberg, Ibsen, at Chekhov ay makikita lamang sa mga yugto ng maliliit na teatro sa London (Everyman, Barnes) at mga theater club. Ang Amerikanong kritiko na si T. Dickinson ay sumulat tungkol sa Ingles na teatro noong panahong iyon: “Ang British Isles ay nakahiwalay sa pulitika. Ang Ingles na teatro ay nahahanap ang sarili sa katulad na paghihiwalay. Noong dekada ng 1920, ang teatro ng Britanya ay napatunayang higit na hindi makatugon sa malalim na mga udyok na gumagabay sa teatro sa Kontinente.

Ang mga kabataang Ingles, na tumanggi sa mga tradisyon ng panahon ng Victoria at nagsusumikap para sa isang Amerikanong paraan ng pamumuhay, ay naiinip kay Shakespeare, na ang mga drama ay nawala mula sa yugto ng West End.

Ang mga pagtatanghal ng Cambridge Festival Theater, na pinamumunuan ni Terence Grey noong 1926-1933, ay naging tunay na parodies ng dakilang Shakespeare. Kaya, sa The Merchant of Venice, inihatid ni Portia ang kanyang sikat na monologo tungkol sa awa na may naiinip na hitsura, isang ganap na walang ekspresyon na boses, at ang mga hukom na nakaupo sa kanyang harapan ay humikab. Ang mga maharlika sa Henry VIII ni Gray ay nakadamit bilang mga card jack at reyna, at ang ilan sa mga karakter ay pinalitan ng mga mock-up ng mga baraha.

Kapansin-pansin na, habang tinatanggihan ang mga klasiko, ang mga direktor ng Ingles noong panahong iyon ay madalas na bumaling sa komedya ng panahon ng Pagpapanumbalik. Kabilang sa mga ito ay ang sikat na aktor, direktor at may-ari ng Lyric Theater sa London, si Nigel Playfair, na nagtanghal ng ilang mga period comedies. Sa entablado ng Lyric ay mayroon ding mga pagtatanghal na binibigyang kahulugan sa diwa ng panahon batay sa mga dula ng mga komedyante noong ika-18 siglo. Halimbawa, ang Beggar's Opera ni John Gay, na hindi umalis sa yugto ng Lyric sa loob ng tatlong taon, ay nawala ang satirical na oryentasyon at naging isang magaan, masayang panoorin. Sa interpretasyon ng Playfair, ang dula ni Gay ay kumakatawan sa isang walang malasakit at masayang edad, ang kapaligiran kung saan ay nakatulong upang maihatid ang kapaligiran sa pamamagitan ng mga kandila na sinindihan sa mga chandelier ng auditorium, ang mga peluka ng mga musikero ng theater orchestra, pati na rin ang musika ng Handel at Purcell. Tumpak na inilarawan ni N. Marshall ang mga kasanayan sa pag-istilo ng Playfair na direktor: "Sa walang istilong English theater noong panahong iyon, nagbigay siya ng isang halimbawa ng isang elegante at holistic na istilo ng entablado."

Ang bituin ng Lyric Theater ay ang aktres na si Edith Evans (1888-1976), na nagsimula sa mga tungkulin ng mga batang bayani sa mga komedya ng Restoration. Malaking tagumpay noong 1924 ang dinala sa kanya ng imahe ni Milliment sa dulang "Ito ang ginagawa nila sa mundo" batay sa dula ni Congreve. Si Milliment, tulad ni Sullen sa "The Cunning Plan of the Fops" ni Farquer, ay isang hindi pangkaraniwang masayahin at magandang nilalang, na sabik na maranasan ang lahat ng kagalakan ng buhay.

Ang mga dula ni Bernard Shaw, na ginanap sa mga entablado ng West End at sa mga eksperimentong maliliit na sinehan, ay nagtamasa ng malaking tagumpay sa mga English audience noong 1920s. Ang "Saint Joan", na itinanghal sa New Theater, ay nagdala sa mga tagalikha ng isang engrande tagumpay sa komersyo. Ang pagtatanghal ay hindi umalis sa entablado nang mahabang panahon, na tumagal ng higit sa dalawang daan at apatnapung pagtatanghal. Ang papel ni Jeanne ay ginampanan ng sikat na trahedya na aktres na si Sybil Thorndike (1886-1976).

Ang papel ni Jeanne ay inilaan para sa Sybil Thorndike ni Bernard Shaw mismo. Nag-ensayo siya sa kanya at sa iba pang mga aktor, sinusubukang itanim sa kanila ang ideya na sila ay gumaganap ng isang modernong dula, at hindi isang costume na drama na nakatuon sa nakaraan. Si Sybil Thorndike ay gumanap ng isang pangunahing tauhang babae na ang mga pangunahing tampok ay hindi pagmamahalan, ngunit isang matino na pag-iisip at moral na lakas. Sa pagtingin kay Jeanne, naunawaan ng madla na ang simpleng babaeng magsasaka na ito, na pinatunayan ang kanyang sarili sa mga nakalipas na labanan, ay maaaring maging pangunahing tauhang babae ng modernong Unang Digmaang Pandaigdig.

Sa pagtatapos ng 1920s sa mga bilog sa teatro Bumangon ang ideya na magdaos ng taunang mga pagdiriwang ng mga dula ni Bernard Shaw sa maliit na bayan ng Malvern. Ang unang Malvern Festival ay naganap noong unang bahagi ng 1929 at binuksan sa dula ni Shaw na The Apple Cart. Tungkulin bida Naglaro ang aktres na si Edith Evans sa pagganap na ito. Ang pagdiriwang ay umiral hanggang sa pagsiklab ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig.

Si Barry Jackson (1879-1961), na namuno sa Birmingham Repertory Theatre, ay may malaking papel sa pag-aayos ng Malvern Festival. Binuksan ang teatro na ito noong 1913, halos kasabay ng mga repertory theater sa Bristol, Manchester, at Liverpool. Hindi tulad ng mga komersyal, mayroon silang permanenteng tropa at nagtanghal ng mga seryoso at problemadong dula. Sa entablado ng Birmingham Repertory Theater mayroong mga pagtatanghal batay sa mga gawa ni D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser at, siyempre, B. Shaw. Noong 1923, itinanghal ni Barry Jackson ang kanyang pentalogy na "Balik sa Methuselah", kung saan ang mga sikat na aktor sa London, kabilang si Edith Evans, ay naglaro kasama ang mga kinatawan ng tropa ng Birmingham Theatre. Nakisali din si Shaw sa rehearsals.

Noong 1925, sa London, ipinakita ng tropa ni Barry Jackson ang Hamlet (direksyon ni G. Ayliffe). Kailanman ay hindi pa nagulat ang mga manonood sa London: Si Hamlet ay nakasuot ng tracksuit, si Laertes sa Oxford na pantalon ay dumating sa entablado na may dalang maleta na may maliwanag na sticker: "Pasahero sa Paris." Si Polonius ay nakasuot ng tailcoat, at si Claudius ay nakasuot ng balabal ng iskarlata na seda. Ang mga courtier ng hari ay naglaro ng tulay at umiinom ng whisky. Ang kaharian ng Danish ay naging modernong Inglatera kasama ang mga tradisyon nito. Pumasok si Hamlet sa matandang mapagkunwari na mundong ito kasama ang kanyang katotohanan, na inilabas mula sa mga kanal ng Unang Digmaang Pandaigdig.

Noong 1920s, lumitaw ang mga dula ni Chekhov sa repertoire ng mga teatro sa Ingles. Ang isang mahalagang papel sa pagpapakilala sa madla ng Ingles sa mga gawa ni Chekhov ay ginampanan ng direktor na si Fyodor Komissarzhevsky (1882-1954), na inimbitahan noong 1925 ng negosyanteng si Philip Ridgeway sa Barnes Theater. Ang unang dula na itinanghal ng isang Russian director sa entablado ng Barnes ay "Ivanov" (ang pangunahing papel dito ay ginampanan ni R. Farkerson). Pagkatapos ay itinanghal ang "Three Sisters" (1926), na binigyang-kahulugan ni Komissarzhevsky bilang isang romantikong nakataas at hindi pangkaraniwang mala-tula na palabas. Gumamit ang direktor ng maliwanag na liwanag at mga epekto ng kulay, hindi karaniwan para sa istilo ni Chekhov. Sa parehong taon, 1926, ang mga manonood ng Barnes ay nakakita ng dalawa pang drama ni Chekhov - Uncle Vanya at The Cherry Orchard.

Sa mga taong iyon, ang mga dula ni Chekhov ay itinanghal lamang sa mga maliliit na sinehan, at noong 1930s lamang sila napanood ng halos buong publikong Ingles. Kasabay nito, ang isang buong kalawakan ng mga mahuhusay na artista. Kasama ang mga bituin noong 1920s (Sybil Thorndike, Edith Evans, atbp.), Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness ay nagningning sa English stage. Sila ay makikita na pangunahing tumutugtog sa Old Vic Theater at Gielgud's Repertory sa New and Queens Theatres.

Matatagpuan sa Waterloo Road, ang Old Vic ay binuksan noong ika-19 na siglo, ngunit naging malawak na kilala bago ang Unang Digmaang Pandaigdig. Noong 1918-1923, ang mga dula ni Shakespeare ay ginanap sa entablado nito, kung saan naglaro ang pinakamahusay na mga aktor sa Ingles, na tumanggi sa mataas na bayad ng West End para sa kapakanan ng tunay na sining. Inimbitahan si Edith Evans sa lahat ng mga sinehan sa West End, ngunit mas gusto niya ang maliit na suweldo sa Old Vic. Ginampanan niya ang maraming papel sa mga dula ni Shakespeare, kabilang sina Catharina, Viola, at Rosalind.

Shklovsky Viktor Borisovich