Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ang terminong "primitivism" sa pagpipinta ay hindi gaanong simple. Una, ang mga art historian ay hindi palaging sumasang-ayon sa pag-decipher ng kahulugan nito. Bilang karagdagan, ang lahat ay nabibigatan ng pagkakaroon ng mga kasingkahulugan na maaaring magamit upang italaga ito. O hindi magkasingkahulugan - depende sa kung aling pananaw ang iyong sinusunod.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Leon at araw

Unawain natin ang mga konsepto

Sa huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo, ang ilan ay progresibo Mga artistang Europeo nagsisimula silang mabaliw sa pagpapahayag at kaiklian ng mga artifact ng primitive na kultura. Ang simple at magaspang na kawalang muwang ng African ritual mask at mga pigurin na gawa sa kahoy ay tila isang simple at halatang sagot sa paghahanap ng mga paraan upang madaig ang kawalang-galang at pagwawalang-kilos sa akademikong pagpipinta. Sa oras na iyon, nawala na ang dating pagiging bago at pagiging iskandalo ng impresyonismo, kaya hindi nito maangkin ang papel ng pagyanig sa mga pundasyon.

Ang mga gawa ng primitive na kultura - ang mga ninuno ng modernong primitivist masterpieces - ay itinuturing bilang prehistoric pagpipinta ng bato o mga diyus-diyusan ng bato, gayundin ang mga kultural na tradisyon ng mga modernong tribong naninirahan sa Africa, Oceania at mga katulad nito. Ang mga maskarang Aprikano na tulad nito ay isang mapagpasyang salik sa paglitaw ng maraming kilusang avant-garde noong unang bahagi ng ika-19 na siglo.

Pinagmulan ng larawan: newpackfon.ru

Sa isa sa mga sistema ng coordinate ay pinaniniwalaan na ito ay pagkamalikhain mga propesyonal na artista Ang mga may edukasyong pang-akademiko sa sining at lahat ng kinakailangang mga kasanayan, ngunit sinasadyang pumunta upang pasimplehin ang mga estilista at teknikal na pamamaraan upang gayahin ang primitive na sining, ay nabibilang sa primitivism. Ang pamana ng mga self-taught na artista, pagpipinta ng mga larawan clumsily, childishly, sa kasong ito ay tinutukoy bilang walang muwang na sining.

Sa isa pang sansinukob ng kasaysayan ng sining, ang primitivism at walang muwang na sining ay mga kumpletong kasingkahulugan at mga konseptong maaaring palitan. Mula sa puntong ito, ang terminong "naive art" ay isang uri ng euphemism, na kinakailangan para sa higit na euphony, sa kaibahan sa konsepto ng "primitivism", na sa maraming mga wika ay may medyo nakakapinsalang konotasyon.

Ating gagawin ang pangalawang bersyon bilang isang axiom at isaisip na ang primitivism, gayundin ang walang muwang na sining, ay mga istilo na kinabibilangan ng mga gawa ng mga di-propesyonal na artista, na ang laki ng talento ay sumasaklaw sa kakulangan ng ilang mga kasanayan, tulad ng kakayahan. upang wastong bumuo ng pananaw o ihatid ang chiaroscuro.

Para sa pamana ng mga sopistikadong master na may kakayahang lumapit sa stylization ng isa o isa pang uri ng primitive na sining (halimbawa, pagpipinta ng sinaunang icon, mga etnikong motif o sikat na print), gagamitin namin ang terminong "neo-primitivism." Ito mismo ang ginawa ng mga miyembro ng Russian art associations na "Jack of Diamonds" at "Donkey's Tail" sa simula ng huling siglo.

Kazimir Severinovich Malevich. Mga bata
1908, 30.2×23.8 cm

Natalya Sergeevna Goncharova. Pagpaputi ng flax. Mula sa "Serye ng Magsasaka"

Ang mga avant-garde artist tulad nina Kazimir Malevich, Mikhail Larionov at Natalya Goncharova ay nakakuha ng inspirasyon mula sa katutubong sining, na inuri rin bilang primitive art. At ang terminong neo-primitivism ay unang ginamit sa isang polyeto ni Alexander Shevchenko, na inilathala ng artist noong 1913: "Neo-primitivism. Ang kanyang teorya. Ang mga kakayahan nito. Ang kanyang mga nagawa."

Kung nasa Kanlurang Europa Habang ang mga artista ay bahagyang gumamit ng mga musmos na diskarte sa sining sa kanilang mga gawa, na umuunlad sa kanilang batayan ng mga paggalaw tulad ng Fauvism, Cubism o Expressionism, pagkatapos ay sa Russia ang neo-primitivism ay naging isang makabuluhang kilusan, kung saan ang Suprematism sa huli ay lumago at nagkaroon ng hugis. Samakatuwid, kung minsan ang mga kritiko ng sining sa Kanluran ay gumagamit ng terminong neo-primitivism partikular na may kaugnayan sa mga tagasunod ng Russia ng mga mithiin ng walang muwang na sining, na masigasig na itinaguyod at inilapat ang mga ito sa pagsasanay.

Mikhail Fedorovich Larionov. Venus at Mikhail
1912, 85.5×68 cm

Ayon kay Alexandre Benois, "Ang kakaiba ng neo-primitivism ay ang mga kinatawan nito ay hindi nagsusumikap para sa stylization, hindi para sa imitasyon. katutubong master, ngunit sa pagpapahayag ng mahahalagang aspeto ng katutubong aesthetics. Dito, ang pinaka-nagpapakita na halimbawa ay ang gawain ni Larionov, na - alinsunod sa katutubong aesthetics - ay katumbas ng mahalaga at hindi mahalaga, ang mataas at ang mababa, na napupunta sa sukdulan - nililinang ang mga prinsipyo ng pagguhit ng bakod at "pagpinta ng kuwartel.".

Balik sa simula

Ang landas sa pamamagitan ng mga tinik patungo sa mga bituin ng mga primitivist ay naalis ng mga kinikilalang tagalikha gaya nina Gauguin, Picasso at Matisse. Matapos humingi ng kagalingan mula sa malubhang sakit, kung saan isinama ni Gauguin ang mga pakinabang ng sibilisasyon, ang artista ay nagpunta sa Tahiti at doon sumanib sa kalikasan sa lahat ng posibleng paraan, sabay-sabay na pinayaman ang kanyang istilo Matitingkad na kulay kakaibang isla at walang muwang na mga larawan ng lokal na kultura, sinundan siya ng iba.

Paul Gauguin. Tahitian pastoral
1898, 87.5×113.7 cm

Sinubukan din ng mga German expressionist na sina Emil Nolde at Max Pechstein ang kanilang swerte sa kalawakan ng Oceania, ngunit ang kanilang mga kasama na sina Ernst Ludwig Kirchner at Erich Heckel ay muling nagtayo ng mga primitive na tanawin sa kanilang mga workshop. Mga artistang Pranses Hindi mo kailangang maglakbay nang malayo para sa inspirasyon; Mula sa mga kolonya ng Pransya sa Kanlurang Aprika, dinala ng mga mangangalakal ang lahat ng uri ng mga gawaing etniko sa kabisera, na pagkatapos ay ipinamahagi sa mga museo at maliliit na tindahan.

Will Gompertz sa aklat na “Incomprehensible Art. Mula sa Monet hanggang Banksy" ay nagsasabi kung paano ang artist na si Maurice de Vlaminck ay hindi sinasadyang naging dahilan para sa pagsiklab ng interes sa primitive na sining at, bilang isang resulta, ang paglitaw ng naturang kilusan bilang Fauvism. Noong 1905, nakakita siya ng tatlong inukit na African mask sa isang Parisian cafe. Naimpluwensyahan ng pagpapahayag ng "katutubo na sining," tulad ng tawag niya dito, binili ni Vlaminck ang mga maskara mula sa may-ari ng establisimyento at nagmadaling ipakita ang nadambong sa kanyang mga kaibigang artista.

Henri Matisse. Babaeng may sombrero
1905, 24×31 cm

Maurice de Vlaminck. Restawran

Andre Derain. Port of Colliour
1905, 72×91 cm

Ibinahagi nina Henri Matisse at Andre Derain ang pagkahumaling ni Vlaminck sa nagpapahayag na palette ni Van Gogh at sa kakaibang pakikipagsapalaran ni Gauguin. Ang kanyang kalkulasyon ay makatwiran: ang kanyang mga kaibigan ay itinuturing ang mga nakuha na artifact bilang isang manipestasyon ng kalayaan ng pag-iisip, hindi barado sa materyalistang mga mithiin ng sibilisasyon, ngunit pinapanatili ang pagiging bata at walang muwang. Ang resulta ng pagpupulong ng tatlong artista ay ang konklusyon na ang kulay at emosyon sa canvas ay may nangingibabaw na kahulugan, taliwas sa pagiging totoo at pagiging tunay ng imahe.

Bilang isang resulta, ang mga pagpipinta ay ipinanganak kung saan sinubukan nilang dalhin ang kanilang mga bagong artistikong prinsipyo sa buhay hangga't maaari. May kulay na may mga kumbinasyon ng dalisay, walang halong mga kulay, inilapat sa matalim, hiwalay na mga stroke, nakakabaliw para sa oras na iyon, ang mga canvases ay napaka-provocative na ang mga organizer ng 1905 Salon sa una ay tumanggi na tumanggap ng mga gawa para sa display. Salamat lamang sa personal na awtoridad ni Matisse na posible na itulak ang pakikilahok ng mga eksperimento ng trio sa Salon.

Pagkatapos ay magkakaroon ng mabagyo at nagagalit na mga pagsusuri mula sa mga kritiko ng sining, kung saan ang isa, tulad ng madalas na nangyayari (tingnan ang impresyonismo), ay magbibigay ng pangalan sa bagong kilusang avant-garde - Fauvism: sasabihin ng kagalang-galang na kritiko na si Louis Vaucelle na ang mga kuwadro na gawa sa splashing. kulay ay ipininta ng mga ligaw na hayop - "les fauves" sa Pranses Ngunit ito ay isang bahagyang naiibang kuwento.

Paano natuklasan ni Picasso si Rousseau

Ang pagpipinta ng promising na batang Kastila ay gumawa din ng isang kapansin-pansing pagbagsak sa ilalim ng direktang impluwensya ng primitive na sining at mga confessor nito. Nang makita ni Picasso ang huling langitngit ng pagiging may-akda ni Matisse - marangya, hindi katulad ng anumang mga canvases, na walang anumang pagkiling sa akademiko, nawalan siya ng kapayapaan at tulog. Nang walang pag-iisip, pumunta si Picasso museo ng etnograpikal, kung saan itinago ang malawak na koleksyon ng mga African mask. Doon siya dumaan sa isang uri ng initiation rite. Sino ang nakakaalam, marahil ang mga bagay na ritwal na ito ay talagang naglalaman ng mahiwagang kapangyarihan?

"Nag-iisa lang ako, paggunita ng artista. - Gusto kong tumakas doon. Pero nanatili ako. Hindi lang ako nakaalis. Napagtanto ko ang isang bagay na napakahalaga; may nangyayari sa akin. Tiningnan ko ang mga fetish na ito, at biglang naging malinaw sa akin na laban din ako sa lahat. Nararamdaman ko rin na ang lahat sa paligid ay hindi kilala at pagalit. Nang mag-isa akong tumayo sa kakila-kilabot na museo na iyon, na napapalibutan ng mga maskara, mga manika ng India, mga maalikabok na mannequin, ang "Les Demoiselles d'Avignon" ay malamang na nagpakita sa akin; hindi dahil naudyukan sila ng mga anyo na nakita nila: ang larawang iyon ang naging unang karanasan ko sa exorcism - oo, tama!"

Pablo Picasso. Les Demoiselles d'Avignon, 1907

Kaya, pinilit ng ilang mga artifact ng tribo si Picasso na magpinta ng isang larawan na naging ninuno ng Cubism, at, bilang kinahinatnan, Futurism at isang dosenang iba pang mga -ismo. Ngunit iyon ang lawak ng kanilang mahiwagang interbensyon noon masining na buhay ang kabisera ng Pransya ay hindi limitado. Dahil sa kagandahan ng primitive na sining, hindi makaligtaan ni Picasso ang kababalaghan ng sumisikat na bituin ng walang muwang na sining, at nagkaroon ng makabuluhang kamay sa pagtiyak na sineseryoso ng Paris ang hindi propesyonal na mga likha ng katamtamang manggagawa sa customs na si Henri Rousseau.

Hindi pagkakaroon edukasyon sa sining Ang Customs Officer (bilang palayaw sa kanya ng mga Parisian bohemian) gayunpaman ay may seryosong ambisyon para sa pagpipinta. Naglaro sa kamay ni Rousseau ang pagiging parang bata - kung hindi ay halos hindi siya maglalakas-loob na ipakita ang kanyang mga awkward na eksperimento sa maunawaing publiko ng 1986 Salon of Independents, kung saan lahat ng interesadong artista ay maaaring makilahok.

Ang isang himala ay hindi nangyari; ang mga kritiko ay naglabas ng kanilang paraan upang kutyain ang naghahangad na lumikha, apatnapung taong gulang, na walang ideya tungkol sa linear na pananaw o ang mga prinsipyo ng pagbuo ng komposisyon. Ang tinig ng master na si Camille Pissarro ay namumukod-tangi mula sa magkatugmang koro ng panunuya, na napansin ang mayayamang tono ng pagpipinta ni Rousseau.

Henri Rousseau. Gabi ng karnabal
1886

Ang pagkabigo sa Salon of Independents ay hindi masira ang may layuning Customs Officer. Sa kabaligtaran, iniiwan niya ang kanyang trabaho upang italaga ang buong oras sa kanyang karera bilang isang artista. Ang kanyang pangunahing tagahanga, si Picasso, ay naniniwala rin sa kanya nang walang limitasyon. Isang araw ay nakatagpo siya ng isang pagpipinta ni Rousseau sa isang tindahan ng probinsiya, na ibinebenta doon sa halaga ng ginamit na canvas - kahit na ang junk dealer ay hindi nangahas na humingi ng mataas na presyo para dito. Agad itong binili ng Kastila at pagkatapos ay itinago ito hanggang sa katapusan ng kanyang mga araw, sumagot na ito ay kanyang “captured like an obsession... isa ito sa pinakatotoo mga sikolohikal na larawan sa French painting".

Henri Rousseau. Larawan ni Jadwiga

Bukod dito, naghagis siya ng isang hapunan bilang parangal sa kakaibang larawan, kung saan inanyayahan niya ang buong Parisian elite at ang bayani ng okasyon mismo - ang unang superstar ng walang muwang na sining. Isinabit ni Picasso ang pagpipinta ng Customs Officer sa pinakakilalang lugar sa sarili niyang studio, at pinaupo ang may-akda nito sa isang upuan na mas mukhang trono. Ito ay isang tunay na tagumpay para sa amateur artist, bagaman ang ilan sa publiko ay malamang na napagtanto kung ano ang nangyayari bilang isang partikular na sopistikadong pangungutya o praktikal na biro.

Ngunit hindi Picasso. Siya ay kredito sa pagsasabi na inabot siya ng apat na taon upang matutong magsulat tulad ni Raphael, ngunit kinuha niya ang buong buhay niya upang matutong gumuhit tulad ng isang bata. Samakatuwid, hinangaan niya ang regalo ni Rousseau, na nagpapahintulot sa kanya na ligtas na laktawan ang mga yugtong ito at agad na magsimulang lumikha ng mga primitivist na obra maestra.

Henri Rousseau. Tigre sa isang tropikal na bagyo

Gawa saan ang mga painting ng mga primitivist?

Anong mga palatandaan ang tumutukoy na ang nakikita mo ay isang gawa ng walang muwang na sining, at hindi, sabihin nating, gawa ng isang ekspresyonista, abstractionist, o kinatawan ng ilang iba pang kilusang avant-garde? Sa pamamagitan ng paraan, si Mark Rothko, na naging tanyag sa larangan ng abstract expressionism, ay naghanap ng inspirasyon at ang lihim ng kasanayan sa pagpipinta sa pagguhit ng mga bata at kahit na nakatuon ang isang buong libro dito - kahit na bago siya nagsimulang walang pag-iimbot na linangin ang color field painting.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Isang ina na oso kasama ang kanyang mga anak
1917, 140×100 cm

Ang mga halimbawa ng primitivism ay talagang nailalarawan sa pamamagitan ng mga katangiang pagkakamali na ginagawa ng mga bata sa pagguhit. Ngunit hindi kinakailangang magkaroon ng lahat ng sumusunod sa isang larawan. Nagawa pa rin ng mga self-taught artist ang ilang bagay.

1. Kakulangan ng linear na pananaw: ang mga bagay sa foreground ay katumbas ng laki sa mga bagay sa background, na ginagawang hindi malinaw ang kanilang relasyon sa espasyo, at ang imahe ay nawawalan ng volume.

2. Ang mga detalye sa background ay tinatrato nang may parehong pangangalaga tulad ng mga kalapit na bagay. Ang mga kahihinatnan ay pareho sa nakaraang talata.

Lola (Anna Mary) Moses. Pista

3. Ang mga kulay ay hindi nawawala ang ningning at saturation sa proporsyon sa distansya ng mga bagay mula sa harap na gilid ng canvas. Ang imahe ay nagiging flat at kahawig ng isang postcard.

4. Walang mga palatandaan ng anumang mga mapagkukunan ng pag-iilaw: kahit na ang araw ay naroroon sa larawan, ang lahat ng mga ibabaw ay pantay na nag-iilaw, ang mga tao at mga bagay ay hindi naglalagay ng mga anino, at hindi ka rin makakahanap ng anumang mga highlight.

Camille Bombois. Nagulat ang mga naliligo
1930, 65×81.5 cm

5. Paglabag sa anatomy: proporsyon katawan ng tao, mga pagkakamali sa paglalarawan ng mga hayop. Ngunit ano ang tungkol sa Picasso, Salvador Dali, Francis Bacon, at marami pang iba, kung saan ang mga gawa ay hindi mo masasabi na pamilyar sila sa istraktura ng katawan ng tao? Primitivists din ba sila? - Hindi. Sa pagtingin sa isang pagpipinta ng isang kinatawan ng walang muwang na sining, makikita mo na sinubukan ng tao sa abot ng kanyang makakaya, at salamat sa mga pagsisikap na ito na ang kanilang walang muwang na mga pagtatangka na maabot ang "malaking" mga artista ay mukhang nakakaantig at may hindi mapaglabanan. alindog. Ngunit ang binanggit na mga numero ay hindi itinuloy ang gayong mga layunin, at tiyak na hindi kasama sa kanilang listahan ang aytem na “upang mapasaya ang lahat.”

6. Tulad ng mga bata, ang mga primitivist ay hindi nakikilala sa pagitan ng realidad at pantasya. Sa kanilang mga pagpipinta, ang mga tao at unicorn ay maaaring magkakasamang mabuhay nang ligtas, hindi sa loob ng balangkas ng isang surreal na pantasya, ngunit bilang isang pang-araw-araw na pangyayari. Ang mga leon sa gayong mga pagpipinta ay hindi isang banta sa mga tao, at ang isang usa ay maaaring magmukhang isang fairy-tale na nilalang.

Ivan Generalich. Unicorn

7. At, sa wakas, isang pangunahing pagkakaiba na nagbibigay ng sagot sa natural na lumilitaw na tanong kung paano naiiba ang mga di-layunin na pagpipinta ng mga modernista sa istilong "aking-5-taong-gulang-na-sinuman-maaaring-mas-mabuti" sa ang mga likha ng mga primitivista. Ang mga hindi propesyonal na artista ay naglalarawan ng mga bagay na may antas ng pagiging totoo na magagamit sa kanila dahil sa limitadong kaalaman, kasanayan at kakayahan. At ang mga kinatawan ng avant-garde art ay nagsisikap na kalimutan kung ano ang itinuro sa kanila mga paaralan ng sining o nagkukunwaring hindi nila sila binisita. Ngunit ang pagkakaisa at pagiging maalalahanin ng komposisyon, ang labis na simbolismo, o ang kultural na background na mapanlinlang na nagniningning sa pamamagitan ng nagkukunwaring walang muwang at sadyang hindi tamang imahe ay magtataksil pa rin sa isang propesyonal. Oo, oo, maaari kang mag-log out, nakilala ka pa rin namin, Kasamang Chagall at Mr. Klee.

Mark Zakharovich Chagall. Matandang lalaki na may salamin
1950s

Paul Klee. Papet na palabas
1923

Primitivism: cheat sheet. Mga artista na nagtrabaho sa estilo ng primitivism

Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, Lola Moses, Maria Primachenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Ekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.

Mga iconic na painting ng mga primitivist

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Aktres Margarita
1909, 94×117 cm

Ang kasaysayan ng pagpipinta ni Pirosmani ay naging isang alamat. Siya ang na-immortalize sa tula ni Andrei Voznesensky, na itinakda sa musika ni Raymond Pauls, na lumikha ng kantang "A Million Scarlet Roses." Ito ay tungkol sa mga pagtatangka ng isang mahirap na artista na makuha ang puso ng hindi malapitan na Pranses na aktres na si Margarita de Sèvres, na gumanap sa Tiflis noong 1905, kung saan nawala ang ulo ni Pirosmani sa kanya. Ayon sa ilang mga bersyon, kabilang sa "dagat ng mga bulaklak" na ipinadala ng desperadong si Niko sa hotel ng kanyang kasintahan ay hindi lamang mga rosas, at hindi lamang mga iskarlata, kundi pati na rin ang mga poppies, peonies, lilies, lilac, acacias at iba pang mga bulaklak. mga regalo ng lupang Georgian. Isang halik lang ni Margarita ang nararapat sa artista para sa kanyang pag-arte. Ngunit pagkaraan ng maraming taon, nawala ang mga madla ng mga tagahanga at ang kanyang dating pagiging kaakit-akit, ang aktres ay pumupunta araw-araw sa Louvre, kung saan ipinakita ang pagpipinta ni Pirosmani noong 1969, at gumugol ng maraming oras sa pagsilip sa kanyang larawan. Kaya, ang sining ay nakaligtas sa panandaliang pag-ibig at panandaliang kagandahan.

Maria Avksentievna Primachenko. Ang hari ng isda ay nakahuli ng isang hoopoe at natuwa
XX siglo

Ang walang hangganang imahinasyon, matapang na mga scheme ng kulay, disarming katutubong kulay ay ilan lamang sa mga bahagi ng sikreto ng tila hindi mapagpanggap na sining ng isang artista mula sa Ukrainian hinterland. Isang beses lamang na nakita ang mga pagpipinta ni Maria Primachenko, malamang na hindi mo malito ang mga ito sa mga gawa ng ibang may-akda, sila ay orihinal at orihinal. Pinahahalagahan din sila sa labas ng bansa: Ang mga gawa ni Maria ay isang matunog na tagumpay sa mga eksibisyon sa Paris, Warsaw, Prague at iba pang mga lungsod sa Europa.

Henri Rousseau. Pangarap
1910, 298×204 cm

Ang "The Dream" ay itinuturing na isa sa mga pinakamahusay na painting ni Rousseau. Ibinigay ng may-akda ang sumusunod na komento sa kanyang huli (at posibleng huling) gawa: “May mahiwagang panaginip si Jadwiga. Mahinahon siyang nakatulog sa tunog ng plauta ng hindi kilalang manliligaw. Kapag ang buwan ay nagbibigay liwanag sa mga bulaklak at berdeng puno, mga hayop, at kahit na mga mandaragit, tumitigil, nakikinig sa magagandang tunog ng musika.". Ang canvas ay humanga sa teknikal na pagiging kumplikado nito, at ang kayamanan ng palette, na binanggit ni Pissarro sa unang pagpipinta ni Rousseau, ay umabot sa kanyang apogee dito: hindi ito biro, higit sa dalawang dosenang kulay ng berdeng nag-iisa! Kahit na ang pinaka-caustic na mga kritiko ay hindi nagawang pigilan ang hypnotizing effect ng "The Dream," at ang kababayan at kontemporaryo ni Rousseau, ang manunulat na si Andre Breton, ay nagsabi na ang larawan "sinisipsip ang lahat ng tula at lahat ng mga lihim ng ating panahon".

Isa kang eksperto kung:

Huwag mag-atubiling sabihin ang salitang "primitivism" kapag pinag-uusapan ang mga medieval na obra maestra ng Rogier van der Weyden o Duccio di Buoninsegni.

Maaari mong agad na matukoy kung saan ang isang malinis na kagandahan sa pamamagitan ng brush ng isang tunay na primitivist na si Pirosmani, at kung saan ang isang pekeng "walang muwang" ni Mikhail Larionov.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Ortachal beauty. Kanang bahagi ng diptych

Mikhail Fedorovich Larionov. Hudyo Venus
1912, 147 cm

Ikaw ay isang karaniwang tao kung:

Isinasaalang-alang mo ang sadyang pagpapasimple na kinakailangan upang lumikha ng mga guhit at karikatura, na isinasaalang-alang ang mga ito na mga halimbawa ng hindi kumplikadong primitivism.

Sa iyong palagay, kasama ba sa primitivism ang anumang gawaing sining na nakatutukso na tawaging mga scribbles. Sa katunayan, ang primitivism (nakakamalay, pinaghandaan din) ay hindi lamang isang hindi tamang anyo, kundi isang espesyal na pagtingin sa kakanyahan ng mga bagay: dalisay, kusang-loob, bata, o kahit primitive. Sa likod ng mga pagpipinta ng Malevich, Kandinsky, Mondrian ay may malalaking, mature na mga teorya.

Ang pagbili ng diploma sa mas mataas na edukasyon ay nangangahulugan ng pag-secure ng isang masaya at matagumpay na hinaharap para sa iyong sarili. Sa ngayon, kung walang mga dokumento ng mas mataas na edukasyon hindi ka makakakuha ng trabaho kahit saan. Sa pamamagitan lamang ng isang diploma maaari mong subukang makapasok sa isang lugar na magdadala hindi lamang ng mga benepisyo, kundi pati na rin ang kasiyahan mula sa gawaing isinagawa. Tagumpay sa pananalapi at panlipunan, mataas na katayuan sa lipunan - ito ang dulot ng pagkakaroon ng diploma sa mas mataas na edukasyon.

Kaagad pagkatapos ng kanilang huling taon ng pag-aaral, karamihan sa mga mag-aaral kahapon ay lubos na alam kung aling unibersidad ang gusto nilang mag-enroll. Ngunit ang buhay ay hindi patas, at ang mga sitwasyon ay iba. Maaaring hindi ka makapasok sa iyong napili at ninanais na unibersidad, at ang ibang mga institusyong pang-edukasyon ay tila hindi angkop para sa iba't ibang dahilan. Ang ganitong "mga paglalakbay" sa buhay ay maaaring magpatumba sa sinumang tao mula sa siyahan. Gayunpaman, hindi nawawala ang pagnanais na maging matagumpay.

Ang dahilan para sa kakulangan ng isang diploma ay maaari ding ang katotohanan na hindi ka nakakuha ng lugar sa badyet. Sa kasamaang palad, ang gastos ng pagsasanay, lalo na sa prestihiyosong unibersidad, ay napakataas, at ang mga presyo ay patuloy na gumagapang. Sa panahon ngayon, hindi lahat ng pamilya ay kayang bayaran ang pag-aaral ng kanilang mga anak. Kaya ang isyu sa pananalapi ay maaari ring magdulot ng kakulangan ng mga dokumentong pang-edukasyon.

Balakid sa pagkuha mataas na edukasyon Maaaring ang unibersidad na pinili para sa espesyalidad ay matatagpuan sa ibang lungsod, marahil ay medyo malayo sa bahay. Ang pag-aaral doon ay maaaring hadlangan ng mga magulang na ayaw paalisin ang kanilang anak, ang mga takot na maaaring maranasan ng isang binata na katatapos lang ng pag-aaral sa harap ng hindi malamang na hinaharap, o ang parehong kakulangan ng kinakailangang pondo.

Tulad ng nakikita mo, mayroong isang malaking bilang ng mga dahilan para sa hindi pagkuha ng kinakailangang diploma. Gayunpaman, ang katotohanan ay nananatili na walang diploma maaari kang umasa sa isang mahusay na bayad at prestihiyosong trabaho nasayang na trabaho. Sa sandaling ito, napagtanto na kinakailangan upang kahit papaano ay malutas ang isyung ito at makaalis sa kasalukuyang sitwasyon. Ang sinumang may oras, lakas at pera ay nagpasiya na pumasok sa unibersidad at tumanggap ng diploma sa pamamagitan ng opisyal na paraan. Ang lahat ng iba ay may dalawang mga pagpipilian - hindi upang baguhin ang anumang bagay sa kanilang buhay at manatili sa vegetate sa labas ng kapalaran, at ang pangalawa, mas radikal at matapang - upang bumili ng isang espesyalista, bachelor's o master's degree. Maaari ka ring bumili ng anumang dokumento sa Moscow

Gayunpaman, ang mga taong nais na manirahan sa buhay ay nangangailangan ng isang dokumento na hindi naiiba sa orihinal na dokumento. Iyon ang dahilan kung bakit kinakailangang magbayad ng maximum na pansin sa pagpili ng kumpanya kung saan ipagkakatiwala mo ang paglikha ng iyong diploma. Kunin ang iyong pinili nang may pinakamataas na responsibilidad, sa kasong ito magkakaroon ka ng isang mahusay na pagkakataon upang matagumpay na baguhin ang takbo ng iyong buhay.

Sa kasong ito, walang sinuman ang magiging interesado sa pinagmulan ng iyong diploma - ikaw ay tatasahin lamang bilang isang tao at isang empleyado.

Ang pagbili ng diploma sa Russia ay napakadali!

Matagumpay na natutupad ng aming kumpanya ang mga order para sa iba't ibang mga dokumento - bumili ng sertipiko para sa 11 klase, mag-order ng diploma sa kolehiyo o bumili ng diploma ng vocational school at marami pa. Gayundin sa aming website maaari kang bumili ng mga sertipiko ng kasal at diborsyo, mag-order ng mga sertipiko ng kapanganakan at kamatayan. Kinukumpleto namin ang gawain sa maikling panahon, at nagsasagawa ng paglikha ng mga dokumento para sa mga agarang order.

Ginagarantiya namin na sa pamamagitan ng pag-order ng anumang mga dokumento mula sa amin, matatanggap mo ang mga ito sa oras, at ang mga papel mismo ay magiging mahusay na kalidad. Ang aming mga dokumento ay hindi naiiba sa mga orihinal, dahil gumagamit lamang kami ng mga tunay na GOZNAK na form. Ito ang parehong uri ng mga dokumento na natatanggap ng isang ordinaryong nagtapos sa unibersidad. Ang kanilang kumpletong pagkakakilanlan ay ginagarantiyahan ang iyong kapayapaan ng isip at ang kakayahang makakuha ng anumang trabaho nang walang kaunting problema.

Upang mag-order, kailangan mo lamang na malinaw na tukuyin ang iyong mga hangarin sa pamamagitan ng pagpili ng nais na uri ng unibersidad, espesyalidad o propesyon, at nagpapahiwatig din ng tamang taon ng pagtatapos mula sa mas mataas na institusyong pang-edukasyon. Makakatulong ito na kumpirmahin ang iyong kuwento tungkol sa iyong pag-aaral kung tatanungin ka tungkol sa pagtanggap ng iyong diploma.

Ang aming kumpanya ay matagumpay na nagtatrabaho sa paglikha ng mga diploma sa loob ng mahabang panahon, kaya alam na alam nito kung paano maghanda ng mga dokumento magkaibang taon palayain. Lahat ng diploma natin ang pinakamaliit na detalye tumutugma sa mga katulad na orihinal na dokumento. Ang pagiging kumpidensyal ng iyong order ay isang batas para sa amin na hindi namin kailanman nilalabag.

Mabilis naming kukumpletuhin ang iyong order at ihahatid ito sa iyo nang ganoon kabilis. Upang gawin ito, ginagamit namin ang mga serbisyo ng mga courier (para sa paghahatid sa loob ng lungsod) o mga kumpanya ng transportasyon na nagdadala ng aming mga dokumento sa buong bansa.

Kami ay tiwala na ang diploma na binili mula sa amin ay ang pinakamahusay na katulong sa iyong karera sa hinaharap.

• Nagse-save ng oras para sa maraming taon ng pagsasanay.
• Ang kakayahang makakuha ng anumang diploma sa mas mataas na edukasyon sa malayo, kahit na kahanay sa pag-aaral sa ibang unibersidad. Maaari kang magkaroon ng maraming mga dokumento hangga't gusto mo.
• Isang pagkakataon na ipahiwatig ang nais na mga marka sa "Appendix".
• Ang pag-save ng isang araw sa pagbili, habang ang opisyal na pagtanggap ng diploma na may pag-post sa St. Petersburg ay nagkakahalaga ng higit pa sa isang natapos na dokumento.
• Opisyal na patunay ng pag-aaral sa isang institusyong mas mataas na edukasyon sa espesyalidad na kailangan mo.
• Ang pagkakaroon ng mas mataas na edukasyon sa St. Petersburg ay magbubukas ng lahat ng mga daan para sa mabilis na pagsulong sa karera.

Paano mag-order ng diploma?

1. Punan ang isang aplikasyon sa website

2. Nakikipag-ugnayan sa iyo ang manager para linawin ang mga detalye

3. Gumagawa kami ng layout para sa pag-apruba

4. Kumpletong kahandaan ng dokumento. Kumuha kami ng mga larawan at video para sa kumpirmasyon.

5. Paghahatid ng dokumento at buong bayad para dito

Ang parehong mga problema sa pera ay maaaring maging isang dahilan para sa kahapon na mag-aaral sa high school na magtrabaho sa construction sa halip na sa unibersidad. Kung ang mga kalagayan ng pamilya ay biglang magbago, halimbawa, ang breadwinner ay pumanaw, wala nang ibabayad sa pag-aaral, at ang pamilya ay kailangang mabuhay sa isang bagay.

Nangyayari rin na maayos ang lahat, nagtagumpay ka na makapasok sa isang unibersidad at maayos ang lahat sa iyong pag-aaral, ngunit nangyayari ang pag-ibig, nabuo ang isang pamilya at wala kang sapat na lakas o oras upang mag-aral. Bilang karagdagan, ito ay kinakailangan magkano mas maraming pera, lalo na kung lumitaw ang isang bata sa pamilya. Ang pagbabayad para sa tuition at pagsuporta sa isang pamilya ay napakamahal at kailangan mong isakripisyo ang iyong diploma.

Marc Chagall "Lovers" Primitivism Dinadala mo ang iyong buhok patungo sa akin, at ako, na nararamdaman ang iyong titig at panginginig, panginginig ng katawan, nais kong tanungin ka muli: nasaan ang aking mga lumang bulaklak sa ilalim ng kalapastanganan sa kasal, malayo? Naaalala ko: gabi noon, at katabi mo ako, at sa unang pagkakataon ay nahiga ako sa tabi mo, at pinatay namin ang Buwan, at nagsimulang dumaloy ang apoy ng mga kandila, at...

Frida Kahlo "Still Life with a Frightened Bride", 1943 Primitivism Ang kahulugan ng mga gawa ni Frida Kahlo ay laging nakatago sa kaibuturan. Sa isang mabilis na sulyap sa larawan, hindi kailanman mauunawaan ng manonood ang kahulugan, dahil ang bawat bagay ay nagiging simbolo. Ang nobya ay isang maliit na manika na sumisilip sa isang hiwa ng pakwan. Ang dalawang bahagi ng pakwan na ipinapakita sa larawan ay hindi dalawang kalahati. Sinasagisag nila ang pagmamahal at pagnanasa na...

Marc Zakharovich Chagall "Blue House", 1917 Museo sining, Ang Liege Primitivism Vitebsk ay ang paboritong lungsod ng Chagall, isang iconic na lugar na laging naaalala at pinahahalagahan ng artist ang mga alaalang ito. Ito ay hindi nagkataon na kapag ang pintor ay nagkaroon ng pagkakataon na bisitahin Uniong Sobyet sa imbitasyon ni Furtseva, sadyang tumanggi si Chagall sa isang paglalakbay sa Vitebsk - nais niyang panatilihin sa kanyang kaluluwa Lumang lungsod, ang lungsod nito...

Frida Kahlo "Broken Column", 1944 Dolores Olmedo Museum, Mexico City Primitivism, self-portrait Sa pagpipinta na ito, ipinahayag ni Frida ang lahat ng pisikal at sakit sa puso, na palagi kong nararanasan sa buong buhay ko. Bilang isang bata, siya ay nagdusa ng polio, at sa kanyang maagang kabataan ay napunta siya aksidente sa sasakyan at nakahiga ng ilang oras. Nabali ang kanyang gulugod sa ilang lugar...

Marc Chagall "Me and the Village", 1911 Museum of Modern Art, New York, USA Primitivism Salamat sa pinansiyal na suporta ng mga capital patron, napunta si Chagall sa Paris noong 1910. Ang batang artista, na unang lumipat mula sa apartment patungo sa apartment, ay nanirahan sa isang pavilion na tinatawag na "La Ruche", na isinalin ay nangangahulugang "The Beehive". Ang kahoy na gusaling ito ay naglalaman ng higit sa isang daang marumi, bastos, ngunit mura...

Henri Rousseau "Carnival Evening", 1886 Museo ng Sining, Philadelphia Primitivism Ito ay isa sa maagang mga pagpipinta Rousseau, bagama't isinulat niya ito sa edad na 42. Si Henri Rousseau ay nagtrabaho bilang isang opisyal ng customs hanggang siya ay apatnapu at nagsimulang magsulat lamang noong siya ay nagretiro. Isang taon bago ang "Carnival Evening", ipinakita niya ang kanyang mga kopya ng mga lumang painting sa libreng Art Salon sa Champs Elysees...

Frida Kahlo “Girl with a Death Mask”, 1938 Naive art (Primitivism) Nagoya City Museum, Japan Frida Kahlo (Espanyol: Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, Hulyo 6, 1907, Coyoacan - Hulyo 13, 1954, Coyoacan) - mexican artist, asawa ni Diego Rivera Sa mga gawa ni Frida Kahlo, ang impluwensya ng Mexican folk art at ang kultura ng mga pre-Columbian civilizations ng America. Ang kanyang gawa ay puno ng mga simbolo at...

Marc Chagall "Kaligayahan", 1980 Papel, lithograph, 116 x 75.5 cm Pambansang Museo Marc Chagall, Nice, France Primitivism Sa ating buhay mayroong isa at tanging pintura, tulad ng sa palette ng isang artista, na nagbibigay ng kahulugan sa buhay at sining. Ito ang kulay ng pag-ibig. - Marc Chagall.

Sa ito, nakaraan at kasunod na mga post, gumagamit ako ng materyal mula sa aklat ni Will Gompertz na "Obscure Art", isang serye ng mga lektura sa Garage Museum ni Irina Kulik, mga lektura ni Dmitry Gutov, aklat ni Susie Hodge na "Modern Art in Detail", mga dokumentaryo ng BBC, atbp.

PRIMITIVISM, FAUVISM

Sa isang nakaraang post napag-usapan ko ang tungkol sa cubism ng Picasso at Braque. Ang isa sa mga mapagkukunan ng inspirasyon ni Picasso ay isang eksibisyon ng sining ng Africa. Ang pagiging simple at sa parehong oras, ang primitive na kapangyarihan at kamahalan ng mga kahoy na maskara ay namangha sa artist. At hindi lang siya.

Sa totoo lang, ang pagnanais para sa pagiging simple na ito ay tumatakbo tulad ng isang pulang sinulid sa buong kasaysayan ng modernong sining. Sa isang banda, sinubukan ng mga artista na kopyahin ang estilo ng trabaho ng mga primitive na tribo ng Africa, Australia at South America, at sa kabilang banda, mga guhit ng mga bata.

Sa pangkalahatan, ang masayang pag-asam ng pagbabago na nauugnay sa mabilis na pag-unlad ng industriya sa France ay mabilis na napalitan ng pagkapagod mula sa bilis na natamo ng buhay.

Nasa pagtatapos na ng ika-19 na siglo, naging laganap ang kilusang "return to origins".

Sa pagpipinta, gaya ng isinulat ko kanina, ito ay si Gauguin, kasama ang kanyang "Tahitian" na mga tema, mga flat na imahe at mayamang simbolismo.

Paul Gauguin, Lumang Panahon, 1892

Ang kilusan upang gawing simple ang sining ay nagkaroon ng iba't ibang anyo. Halimbawa, ang mga gawa ng sikat na Austrian na pintor at pangunahing kalahok sa Vienna Secession society, si Gustav Klimt (1862-1918), ay mas pino at pandekorasyon kaysa sa Gauguin. Gustung-gusto ni Klimt ang dekorasyon, mga kulay na tanso at ginto, at mga damit na pinalamutian nang sagana. Sa parehong pagiging simple ng linya at two-dimensionality ng imahe, ang primitivism ni Klimt ay maluho.

Gustav Klimt, Mga Inaasahan, 1909

Gustav Klimt, Apple Tree, 1912

Gustav Klimt, Babaeng may Fan, 1918

Gayunpaman, ang mga itinuturing na tagapagtatag ng 20th century primitivism ay nanirahan sa France. Hinahangaan din nina Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () at Henri Derain (1880-1954) ang sining ng Aprika Bilang karagdagan, nagbahagi sila ng pagkahilig sa mga mayayamang kulay, tulad ng sa mga gawa ni Van Gogh. Naugnay din sila sa Dutchman sa pamamagitan ng paniniwala na ang mga emosyon sa isang larawan ay mas mahalaga kaysa sa itinatanghal na bagay.

Sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng pagiging simple ng sining ng tribo na may mayaman, dalisay na mga kulay, lumikha sila ng hindi kapani-paniwalang masigla at masayang gawain. Sa kanila, ang kulay ay ginagamit bilang isang paraan upang ihatid ang damdamin, at hindi upang ilarawan ang isang tunay na bagay.

Maurice de Vlaminck, The Orchard, 1905

Maurice de Vlaminck, Tulay sa Chatou, 1907

André Deurin, Estac, 1905

André Deurin, Charing Cross Bridge, 1906

Henri Matisse, Pulang Sibuyas, 1906

Henri Matisse, Harmony in Red, 1908

"Isinalin ko sa wika ng kulay ang nakita ko nang walang anumang paraan upang sabihin ang totoo, hindi bilang isang artista, ngunit bilang isang tao na pinipiga hanggang sa dulo, binabali ang mga tubo ng aquamarine at cinnabar" - ganito ang paglalarawan ni Maurice de Vlaminck. kanyang gawain noong panahong iyon. Sa katunayan, ito ang kulay na malapit nang maging business card itong trio ng mga artista. Nagpasya silang mag-exhibit sa 1905 Salon. Gaya ng dati, mabangis ang kritisismo. Si Louis Vassel (isang maimpluwensyang kritiko noong panahong iyon) ay nagsabi na ang mga kuwadro ay ipininta ng "mga ligaw na hayop" (les fauves sa Pranses).

At kahit na hindi nilayon ni Matisse, o Vlaminck, o Doren na itali ang kanilang mga sarili sa loob ng balangkas ng anumang direksyon, nagustuhan nila ang salita.

Ang Fauvism ay direkta at matalinhaga isang maliwanag na flash sa abot-tanaw ng sining. Sa katunayan, ang ideyang ito ng paggamit ng malalaking patches ng undiluted na kulay na naka-frame sa pamamagitan ng isang simpleng anyo ay nakatanggap ng lohikal na pagpapatuloy nito sa mga gawa ng maraming artista noong ika-20 siglo.

Friedensreich Hundertwasser, The Path to You, 1966

Roy Lichtenstein, Still Life with Crystal Vase, 1973

Wilem de Kooning, Walang Pamagat 5, 1983

Gayunpaman, noong 1905 ang publiko ay hindi pa nakakabawi mula sa mga neo-Impressinists, at pagkatapos ay dumating si Matisse kasama ang kanyang sikat na "Babae na may Sumbrero".

Henri Matisse, Babae na may Sombrero, 1905

Hindi ko alam kung sa sandaling iyon ay natuwa si Madame Matisse na pinakasalan niya ang artista, dahil ang larawan ay naging kontrobersyal. Ang dilaw-berdeng mukha ay nabawasan sa ilang simpleng mga stroke at ang orangey touch ng buhok ay hindi magiging sa panlasa ng lahat. Gayunpaman, ito ay sa panlasa ni Leo Stein, isang kolektor at patron mga kontemporaryong artista. Bumili siya ng "Woman with a Hat," at wala pang isang taon ay nakuha niya ang "The Joy of Life," isa pang sikat na painting mula sa panahon ng Fauvist ni Matisse.

Henri Matisse, "Ang Kagalakan ng Buhay", 1906

Dahil sa inspirasyon ng mga eksenang pastoral, nagpinta si Matisse ng mga grupo ng mga taong nagpapasasa sa iba't ibang kasiyahan: musika, sayaw, pag-ibig. At muli ang pangunahing karakter ay kulay. Ang mga pigura ng tao ay pininturahan nang walang ingat at dalawang-dimensional, bagaman ang komposisyon mismo ay itinayo nang maayos at maayos.

Ang balangkas mismo ay hindi kasing bago ng istilo ng pagsulat.

Agostino Caracci, Pagmamahalan, 1602

Ang kaibahan sa pagitan ng dalawang gawang ito ay nagpapakita kung gaano nagbago ang pananaw ng artista. Tila naglalaro si Matisse, nanliligaw sa manonood. Ang kanyang kagalakan sa buhay ay hindi gaanong nasa balangkas tulad ng sa mismong pagpipinta: linya, kulay.

Si Matisse, sa pamamagitan ng kanyang sariling pag-amin, ay nangarap na ang sining ay magiging tulad ng "isang magandang armchair para sa pagpapahinga." Kahit na ang Fauvism ay isang bagay ng nakaraan, ang artist ay patuloy na nagtatrabaho ayon sa parehong prinsipyo. Sa pamamagitan ng paraan, ang kanyang muse, kaibigan at kasama ay isang batang babae mula sa Tomsk - Lydia Deliktorskaya, na nanatili sa kanya hanggang sa katapusan ng kanyang buhay, at pagkatapos ay binigyan siya ng ilang mga canvases (iniwan sa kanya ni Matisse para sa kanyang komportableng pagtanda) Museo ng Pushkin at ang Ermita.

Pumihit ako nang kaunti: kamakailan, nabasa ko ang pagpuna sa sining ng unang bahagi ng ika-20 siglo, na naging dahilan upang tumingin ako ng kaunti sa mga pagpipinta ni Matisse. Bilang karagdagan sa mga pambihirang tagumpay sa mga teknikal na larangan, ang oras na ito ay stagnant din ugnayang panlipunan. Ang mga karaniwang anyo ng buhay ay naging medyo pagod na. Ang artista ay sawang-sawa sa imahe ng isang burgesya na pinakakain sa isang tailcoat, na siyang pangunahing kostumer.

Ang pagnanais na masira ang naging pangunahing puwersa sa pagmamaneho. Ang mga Cubists, siyempre, pinaka-malinaw na katawanin ang prinsipyong ito, literal na gumuho sa pamilyar na anyo ng mga bagay.

Ngunit ang ibang mga artista, na nahuli ang nangyayari na parang lamad, ay sumasalamin sa kanilang kawalang-kasiyahan sa pagpipinta. Binago nila ang lahat na pamilyar sa karaniwang tao, sinira ang burges na mundo sa kanilang canvas. Kusa o hindi sinasadya, nagprotesta ang artista laban sa mga hindi na ginagamit na kombensiyon. Marahil ang mga kaibahan ng mga Fauves ay hindi isang pahayag ng kagalakan ng pagiging, ngunit isang katulad na hamon sa katotohanan?

Kaya naman ang mga berdeng mukha ng mga babae, ang pabaya/konventional na disenyo. Mula sa puntong ito, ang pagpipinta ni Matisse na "The Joy of Life" ay sa halip ay isang kabalintunaan o panunuya ng hedonismo ng European bourgeoisie, na ang buong kasiyahan sa buhay ay nagmumula sa carnal na pag-ibig, mga kanta at sayaw. Isang mundo ng kendi na may mga figure na nakapagpapaalaala sa mga fairground na candies. Ngunit ang pananaw na ito ay hindi partikular na popular. Gayunpaman, ang gawain ni Matisse ay mas madalas na binibigyang kahulugan bilang isang pagpapahayag ng kagalakan at ningning ng buhay.

Ang sining bilang isang kasiyahan para sa mga mata at puso ay isang prinsipyo na malapit hindi lamang kay Matisse. At kung kailangan niyang magsikap na gumuhit ng parang bata nang madali, ginawa ito ni Henri Rousseau (1844-1910) dahil hindi niya alam kung paano gawin kung hindi man.

Henri Rousseau, Self-Portrait, 1890

Si Henri Rousseau ay isang customs officer, isang taong hindi marunong bumasa at sumulat na nagpasyang kumuha ng pagpipinta sa edad na 40 nang hindi tumatanggap ng anumang edukasyon o pagsasanay. Isang homebody, hindi isang fan ng bohemian parties at malayo sa art community, siya ang naging isa sa pinaka mga sikat na artista estilo ng primitivism. Si Rousseau ay simple ang pag-iisip at walang muwang, na marahil kung bakit ang kanyang mga gawa ay may pagiging simple ng mga guhit ng mga bata. Siyempre, ang publiko at mga kritiko sa simula ay pinagtawanan ang artista.

Henri Rousseau, Gabi ng Carnival, 1886

Ang kagandahan ng pagiging simple at pagiging bata ay tila sa manonood ng oras na iyon ay isang banal na kawalan ng kakayahan upang gumuhit, wala nang iba pa. Gayunpaman, ang kakulangan ng pamamaraan ni Rousseau ay higit na nabayaran ng kalinawan, katangian, muli, ng mga ukit ng Hapon. Ang naghahangad na artista ay nakatulong nang malaki sa kanyang ganap na kaligtasan sa pagpuna, na nagpapahintulot sa kanya na ipagpatuloy ang paggawa ng kanyang minamahal.

Henri Rousseau

Malinaw na ang kanyang mga gawa ay hindi maihahambing sa mga tuntunin ng pagpapatupad sa mga masters ng nakaraan o mga mahuhusay na kontemporaryo. Kinuha ni Rousseau ang iba. Ang kanyang mga simpleng plot ay nabighani sa marami sa artistikong mundo noong panahong iyon. Kabilang sa mga humahanga ay, halimbawa, si Picasso, na nagmamay-ari ng sikat na parirala: "Maaari akong gumuhit tulad ni Raphael, ngunit aabutin ako ng buong buhay ko upang matutong gumuhit tulad ng isang bata." Si Rousseau ang nakamit ito. Binili pa ni Picasso ang kanyang painting na "Portrait of a Lady," na, ayon sa Kastila, ay nabighani lamang sa kanya.

Henri Rousseau, Larawan ng Isang Babae, 1895

Ang mga gawa ni Rousseau, wika nga, ay mayroon nang isang paa sa surrealismo. Talagang nabighani sila hindi sa kanilang kawalang-sining, ngunit sa kanilang subtext, kalabuan, at likas na alegoriko. Parang yung mga moments sa horror films na medyo umuugoy yung swings sa bakanteng playground na parang galing sa hangin... O hindi? Iniiwan ni Rousseau ang tanong na ito sa manonood.

Ang ugali ni Rousseau ay hinangaan hindi lamang ni Pablo Picasso. Kabilang sa kanyang mga tagahanga ay ang Romanian sculptor na si Constantin Brancusi (Brancusi) Gayunpaman, hindi tulad ni Rousseau, ang artistikong komunidad ng Paris ay tumanggap sa kanya ng malakas. Pinili ni Brancusi ang papel ng isang karaniwang artista: isang makapal na balbas, bakya at isang linen na kamiseta. Ang mga materyales na ginamit ng iskultor ay angkop - kahoy at bato. Marble ay hindi lalo na humanga sa master.

Si Brancusi ay isang apprentice sa pagawaan ni Rodin sa loob ng ilang panahon, ngunit ang kanilang mga diskarte sa trabaho ay naging ganap na naiiba.

Auguste Rodin, Ang Halik, 1886

Constantin Brancusi, Ang Halik, 1912

Ang mga larawan ay nagsasalita nang mas malakas kaysa sa anumang paliwanag. Naniniwala si Brancusi na sa iskultura ay magagawa ng isang tao nang walang paunang pagmomolde, direktang nagtatrabaho sa materyal. Sinubukan niyang panatilihin ang orihinal na hugis ng bato hangga't maaari, na iniiwan ang texture nito. Walang mga romantikong kurba, simpleng linya, kakulangan ng mga elementong pampalamuti... Gusto ko ang mga eskultura ni Brancusi nang eksakto para sa kanilang pagiging simple at pagka-orihinal ng pagpapatupad. Sa simula ng ika-20 siglo, ito ay isa pang hamon sa tradisyon.

Sinundan siya ng iba pang mga primitive sculptor: Modigliani (sinubukan din niya ang kanyang sarili sa sculpture, at medyo matagumpay), Giacometti, Hepworth...

Amadeo Modigliani, Pinuno, 1910

Giacometti, Walking Man 1, 1960

Barbara Hepworth, Single Form, 1964

Sa Russia, ito ang iskultor na si Vadim Sidur. Sa aking opinyon, napaka-cool.

Vadim Sidur

Vadim Sidur

Sa Russia, sa pamamagitan ng paraan, ang isa sa mga unang primitivist sa pagpipinta ay sina Mikhail Larionov at Natalya Goncharova, na nagtrabaho sa "splint" na pamamaraan. Ito ay isang uri ng graphics na nailalarawan sa pagiging simple at flat na disenyo. Si Goncharova ay inspirasyon ng mga icon ng Russia. Sa kanyang mga gawa, gumamit siya ng isang katangian na elemento ng pagpipinta ng icon - mga makina - mga patayong puting linya.

Mikhail Larionov, Jewish Venus, 1912

Natalya Goncharova, Mowers, 1911

Tulad ng nakikita natin, ang pagiging simple, kaayusan at istraktura ay naging pangunahing mga konsepto at layunin ng mga artista, simula sa mga Post-Impresyonista. Gayunpaman, ang mga tila hindi nakakapinsalang adhikain na ito ay mayroon ding mapangwasak na potensyal. Pagkatapos ng lahat, ang bawat pagnanais na magkasya ang mundo sa isang istraktura ay mayroon reverse side- paglikha ng isang matibay na sistema. At tulad ng ipinakita ng kasanayan, ang mga pagtatangka na ipailalim ang lahat ng nabubuhay na bagay sa subjective na mahigpit na lohika ay humahantong sa kamatayan at pagkawasak. Mga karagdagang kaganapan Ang ika-20 siglo ay isang malinaw na kumpirmasyon nito.

Itutuloy)

At isang pahabol.

Ang isang kahanga-hangang babaeng Amerikano - si Lola Moses - isang baguhang artista, isang kinatawan ng primitivism ng ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ay nanalo lamang sa aking puso. Kahit papaano ay ipinaalala niya sa akin ang mga Dutch sa kanilang maginhawang pang-araw-araw na mga eksena ng buhay sa kanayunan. Halimbawa:

Lola Moses, Maagang Tagsibol sa Bukid, 1945

Pieter Bruegel the Elder, Census, 1566

P.S salamat sa lahat ng nagbabasa at interesado. Late ko nang nai-post ang post na ito - aalis ako at kailangan kong magpahinga)

Si Tivadar Kostka ay ipinanganak noong Hulyo 5, 1853, sa bundok na nayon ng Kisseben, na pag-aari ng Austria (ngayon Sabinov, Slovakia) - isang self-taught Hungarian artist.

Ang kanyang ama na si Lasli Kostka ay isang doktor at parmasyutiko. Hinaharap na artista Mula pagkabata alam ko na magiging pharmacist ako. Ngunit bago maging isa, nagbago siya ng maraming propesyon—nagtrabaho siya bilang isang sales clerk, dumalo sa mga lecture sa Faculty of Law nang ilang panahon, at pagkatapos lamang ay nag-aral ng pharmacology.

Mula noon, o kahit na mas maaga, matatag niyang nilayon na maging isang artista, para dito sinubukan niyang magsama ng isang maliit na kapital, na nagbigay sa kanya ng kalayaan sa pananalapi.

« Matandang mangingisda»

Isinulat niya ang sumusunod tungkol sa kanyang sarili: "Ako, si Tivadar Kostka, sa pangalan ng pagpapanibago ng mundo, ay tinalikuran ang aking kabataan. Nang magsimula ako mula sa di-nakikitang espiritu, ako ay nasa isang ligtas na posisyon, namuhay ako sa kasaganaan at ginhawa. Ngunit iniwan ko ang aking tinubuang-bayan dahil gusto kong makita itong mayaman at maluwalhati sa katapusan ng aking buhay. Upang makamit ito, naglakbay ako nang husto sa buong Europa, Asya at Africa. Gusto kong hanapin ang katotohanang hinulaang sa akin at gawing pagpipinta.”

Tila ang ideya ng pagiging isang artista ay patuloy na pinagmumultuhan si Tivadar Kostka.

Isang magandang araw pumunta siya sa Roma, pagkatapos ay sa Paris, kung saan nakilala niya ang sikat na Hungarian artist na si Mihaly Munkacsi.

At pagkatapos ay bumalik siya sa kanyang tinubuang-bayan at nagtatrabaho sa isang parmasya sa loob ng labing-apat na taon, sinusubukang makamit ang kalayaan sa pananalapi. Sa wakas, isang maliit na kapital ang naipon, at isang magandang araw ay inupahan niya ang parmasya at umalis upang mag-aral, una sa Munich, at pagkatapos ay sa Paris.

Ang sumusunod ay ang prinsipyong pamilyar sa atin sa pagbuo ng kapalaran ng isang hindi kinikilalang henyo.
Napagtanto niya na ang mga kasanayang makukuha niya sa kanyang pag-aaral ay hindi tumutugma sa kanyang persepsyon. Samakatuwid, inabandona niya ang kanyang pag-aaral at noong 1895 nagpunta sa isang paglalakbay sa Italya upang magpinta ng mga landscape. Nilibot din niya ang Greece, Hilagang Africa at ang Gitnang Silangan.

Noong 1900 pinalitan niya ang kanyang apelyido na Kostka sa pseudonym na Chontvari.

Ang halaga ng kanyang mga gawa ay kinuwestiyon ng maraming kritiko. Ipinakita sila sa Europa (bagaman wala espesyal na tagumpay), ngunit sa kanyang katutubong Hungary Csontvary ay minsan at para sa lahat na may label na baliw. Sa pagtatapos lamang ng kanyang buhay ay dumating siya sa Budapest at dinala ang kanyang mga pintura doon. Sinubukan kong ipamana sila sa isang lokal na museo, ngunit walang nangangailangan sa kanila. Noong 1919, tunay na nabaliw si Tivadar Kostka Chontvari at namatay na mahirap, nag-iisa, kinutya at walang silbi sa sinuman.

Nang mailibing ang kapus-palad na lalaki, sinimulan ng mga kamag-anak na hatiin ang mga kalakal. Ngunit ang lahat ng maganda ay mga larawan. At kaya, pagkatapos kumonsulta sa mga "eksperto," nagpasya silang i-scrap ang mga canvases, bilang regular na canvas, at hatiin ang pera sa kanilang mga sarili upang ang lahat ay patas.

Sa oras na ito, sa pamamagitan ng pagkakataon o hindi sa lahat ng pagkakataon (isang kakaibang pagkakataon, gayunpaman!) ang batang arkitekto Gedeon Gerlotsi ay dumaan. Siya ang nagligtas sa mga nilikha ng artist, na nagbabayad ng kaunti para sa mga ito kaysa sa iniaalok ng junk dealer. Ngayon ang mga kuwadro na gawa ng Tivadar Csontvari ay itinatago sa museo ng lungsod ng Pecs (Hungary).

At kamakailan lamang, isa sa mga empleyado ng museo, habang tinitingnan ang pagpipinta ni Kostka na "The Old Fisherman," na ipininta noong 1902, ay nagkaroon ng ideya na maglagay ng salamin dito. At pagkatapos ay nakita niya na walang isang larawan sa canvas, ngunit hindi bababa sa dalawa! Subukang hatiin ang canvas sa iyong sarili gamit ang isang salamin, at makikita mo ang alinman sa isang diyos na nakaupo sa isang bangka laban sa backdrop ng isang mapayapang, maaaring sabihin ng isang tao, makalangit na tanawin, o ang diyablo mismo, kung saan ang mga itim na alon ay nagngangalit. O baka naman sa ibang pelikula ng Chontvari, meron nakatagong kahulugan? Kung tutuusin, hindi ganoon kasimple ang dating parmasyutiko mula sa nayon ng Iglo.