Panahon ng Enlightenment

Ang Panahon ng Enlightenment ay isa sa mga pangunahing panahon sa kasaysayan kulturang Europeo, na nauugnay sa pag-unlad ng siyentipiko, pilosopikal at panlipunang kaisipan. Ang kilusang intelektwal na ito ay batay sa rasyonalismo at malayang pag-iisip. Simula sa England, kumalat ang kilusang ito sa France, Germany, Russia at sumaklaw sa iba pang bansa sa Europa. Ang mga French enlightener ay lalo na maimpluwensyahan, na naging "mga master ng pag-iisip."

Ang sining ng musika ay maaaring mailagay sa isang par sa teatro at sining ng panitikan. Ang mga opera at iba pang mga musikal ay isinulat sa mga tema ng mga gawa ng mga mahuhusay na manunulat at manunulat ng dula.

Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, lumitaw ang sining ng klasikal na paaralan ng musika ng Viennese, na gumaganap ng isang mapagpasyang papel sa lahat ng kasunod na kulturang musikal sa Europa.

Ang pag-unlad ng musikal na sining ay, una sa lahat, na nauugnay sa mga pangalan ng mga mahusay na kompositor bilang I.S. Bach, G.F. Handel, J. Haydn, V.A. Mozart, LW Beethoven.

Franz Joseph Haydn

Si Franz Joseph Haydn (Marso 31, 1732 - Mayo 31, 1809) ay isang Austrian na kompositor, isang kinatawan ng Viennese classical na paaralan, isa sa mga tagapagtatag ng mga genre ng musika tulad ng symphony at string quartet. Ang tagalikha ng himig, na kalaunan ay naging batayan ng mga awit ng Alemanya at Austria-Hungary.

Kabataan. Si Joseph Haydn (ang kompositor mismo ay hindi kailanman tinawag ang kanyang sarili na Franz) ay ipinanganak noong Marso 31, 1732 sa ari-arian ng Counts of Harrach - ang Lower Austrian village ng Rohrau, malapit sa hangganan ng Hungary, sa pamilya ni Matthias Haydn (1699-1763). ). Ang kanyang mga magulang, na seryosong interesado sa mga vocal at amateur music-making, ay nakatuklas ng mga kakayahan sa musika sa batang lalaki at noong 1737 ay ipinadala siya sa mga kamag-anak sa lungsod ng Hainburg an der Donau, kung saan nagsimulang mag-aral si Joseph ng choral singing at musika. Noong 1740, si Joseph ay napansin ni Georg von Reutter, direktor ng kapilya ng Vienna's St. Stefan. Dinala ni Reutter ang mahuhusay na batang lalaki sa koro, at kumanta siya sa koro sa loob ng siyam na taon (kabilang ang ilang taon kasama ang kanyang mga nakababatang kapatid).

Ang pag-awit sa isang koro ay isang mahusay, ngunit ang paaralan lamang para kay Haydn. Habang umuunlad ang kanyang mga kakayahan, naatasan siya ng mahihirap na solong bahagi. Kasama ang koro, madalas na gumanap si Haydn sa mga pagdiriwang ng lungsod, kasal, libing, at nakikibahagi sa mga pagdiriwang sa korte.

Noong 1749, nagsimulang masira ang boses ni Joseph at siya ay pinalayas sa koro. Ang sumunod na sampung taon ay napakahirap para sa kanya. Si Josef ay kumuha ng iba't ibang mga trabaho, kabilang ang pagiging isang katulong sa Italyano na kompositor na si Nicola Porpora, kung saan siya ay kumuha din ng mga aralin sa komposisyon. Sinubukan ni Haydn na punan ang mga puwang sa kanyang edukasyon sa musika sa pamamagitan ng masigasig na pag-aaral ng mga gawa ni Emmanuel Bach at ang teorya ng komposisyon. Ang mga sonata ng harpsichord na isinulat niya sa panahong ito ay inilathala at nakatawag pansin. Ang kanyang unang mga pangunahing gawa ay dalawang brevis masses, F-dur at G-dur, na isinulat ni Haydn noong 1749 bago siya umalis sa kapilya ng St. Stefan; opera na "The Lame Demon" (hindi napanatili); tungkol sa isang dosenang quartets (1755), ang unang symphony (1759).

Noong 1759, natanggap ng kompositor ang posisyon ng bandmaster sa korte ng Count Karl von Morzin, kung saan natagpuan ni Haydn ang kanyang sarili na may isang maliit na orkestra, kung saan binubuo ng kompositor ang kanyang mga unang symphony. Gayunpaman, si von Mortzin ay nagsimulang makaranas ng mga paghihirap sa pananalapi at tumigil sa kanyang proyekto sa musika.

Noong 1760, pinakasalan ni Haydn si Maria Anna Keller. Wala silang mga anak, na labis na ikinalulungkot ng kompositor.

Serbisyo sa Esterhazy. Noong 1761, isang nakamamatay na kaganapan ang naganap sa buhay ni Haydn - siya ang naging pangalawang bandmaster sa korte ng mga prinsipe ng Esterhazy, isa sa mga pinaka-maimpluwensyang at makapangyarihang aristokratikong pamilya sa Austria. Kasama sa mga tungkulin ng bandmaster ang pagbuo ng musika, pamumuno sa orkestra, pagtugtog ng chamber music para sa patron at pagtatanghal ng mga opera.

Sa kanyang halos tatlumpung taong karera sa Esterhazy court, ang kompositor ay gumawa ng isang malaking bilang ng mga gawa, at ang kanyang katanyagan ay lumalaki. Noong 1781, habang nananatili sa Vienna, nakilala at naging kaibigan ni Haydn si Mozart. Nagbigay siya ng mga aralin sa musika kay Sigismund von Neukom, na kalaunan ay naging matalik niyang kaibigan.

Noong Pebrero 11, 1785, pinasimulan si Haydn sa Masonic lodge na “Toward True Harmony” (“Zur wahren Eintracht”). Hindi nakadalo si Mozart sa dedikasyon dahil dumalo siya sa isang konsiyerto kasama ang kanyang ama na si Leopold.

Sa buong ika-18 siglo, sa ilang mga bansa (Italy, Germany, Austria, France at iba pa), naganap ang mga proseso ng pagbuo ng mga bagong genre at anyo ng instrumental na musika, na sa wakas ay nabuo at umabot sa kanilang rurok sa tinatawag na " Vienna klasikal na paaralan" - sa mga gawa ni Haydn, Mozart at Beethoven. Sa halip na polyphonic texture, ang homophonic-harmonic na texture ay nakakuha ng malaking kahalagahan, ngunit sa parehong oras, ang mga polyphonic episode ay madalas na kasama sa malalaking instrumental na gawa, na nagpapasigla sa musikal na tela.

Freelance musician na naman. Noong 1790, namatay si Prinsipe Nikolai Esterhazy (Ingles) Ruso, at ang kanyang anak at kahalili, si Prinsipe Anton (Ingles) Ruso, na hindi mahilig sa musika, ay nilusaw ang orkestra. Noong 1791, nakatanggap si Haydn ng kontrata para magtrabaho sa England. Kasunod nito, nagtrabaho siya nang husto sa Austria at Great Britain. Dalawang paglalakbay sa London, kung saan isinulat niya ang kanyang pinakamahusay na mga symphony para sa mga konsiyerto ni Solomon, ang higit na nagpalakas sa katanyagan ni Haydn.

Habang dumadaan sa Bonn noong 1792, nakilala niya ang batang Beethoven at kinuha siya bilang isang mag-aaral.

Pagkatapos ay nanirahan si Haydn sa Vienna, kung saan isinulat niya ang kanyang dalawang sikat na oratorio: "The Creation of the World" (1799) at "The Seasons" (1801).

Sinubukan ni Haydn ang kanyang kamay sa lahat ng uri ng komposisyon ng musikal, ngunit hindi sa lahat ng mga genre ang kanyang pagkamalikhain ay nagpakita ng kanyang sarili na may pantay na puwersa.

Sa larangan ng instrumental na musika, tama siyang itinuturing na isa sa mga pinakadakilang kompositor ng ikalawang kalahati ng ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo.

Ang kadakilaan ni Haydn bilang isang kompositor ay higit na kitang-kita sa kanyang dalawang huling obra: ang dakilang oratorio na “The Creation of the World” (1798) at “The Seasons” (1801). Ang oratorio "The Seasons" ay maaaring magsilbi bilang isang huwarang pamantayan ng musical classicism. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, nasiyahan si Haydn ng napakalaking katanyagan.

Ang paggawa sa mga oratorio ay nagpapahina sa lakas ng kompositor. Ang kanyang mga huling gawa ay "Harmoniemesse" (1802) at ang hindi natapos na string quartet op. 103 (1802). Ang mga huling sketch ay nagmula noong 1806 pagkatapos ng petsang ito, si Haydn ay hindi sumulat ng anupaman. Namatay ang kompositor sa Vienna noong Mayo 31, 1809.

Kabilang sa malikhaing pamana ng kompositor ang 104 symphony, 83 quartets, 52 piano sonatas, oratorio (The Creation of the World and The Seasons), 14 na masa, 24 na opera.

Listahan ng mga sanaysay:

Musika ng silid:

• § 12 sonata para sa violin at piano (kabilang ang sonata sa E minor, sonata sa D major)
• § 83 string quartets para sa dalawang violin, viola at cello
• § 7 duet para sa violin at viola
• § 40 trio para sa piano, violin (o flute) at cello
• § 21 trio para sa 2 violin at cello
• § 126 trio para sa baritone, viola (violin) at cello
• § 11 trio para sa magkahalong hangin at mga string
• 35 concerto para sa isa o higit pang mga instrumento na may orkestra, kabilang ang:
  • § apat na konsyerto para sa biyolin at orkestra
  • § dalawang concerto para sa cello at orkestra
  • § dalawang konsyerto para sa sungay at orkestra
  • § 11 concerto para sa piano at orkestra
  • § 6 mga konsiyerto ng organ
  • § 5 concerto para sa dalawang gulong na lira
  • § 4 na konsyerto para sa baritone at orkestra
  • § Concerto para sa double bass at orkestra
  • § Konsiyerto para sa plauta at orkestra
  • § Konsiyerto para sa trumpeta at orkestra
  • § 13 divertisement na may clavier

Mayroong 24 na opera sa kabuuan, kabilang ang:

• § “Ang Lame Demon” (Der krumme Teufel), 1751
• § "True Permanence"
• § "Orpheus at Eurydice, o ang Kaluluwa ng isang Pilosopo", 1791
• § “Asmodeus, o ang Bagong Pilay na Demonyo”
• § “Pharmacist”
• § "Acis at Galatea", 1762
• § “Desert Island” (L"lsola disabitata)
• § "Armida", 1783
• § “Mga Babaing Mangingisda” (Le Pescatrici), 1769
• § “Nalinlang na pagtataksil” (L"Infedelta delusa)
• § “Isang Di-inaasahang Pagpupulong” (L"Incontro improviso), 1775
• § “The Lunar World” (II Mondo della luna), 1777
• § “True Constancy” (La Vera costanza), 1776
• § “Ginagantimpalaan ng Katapatan” (La Fedelta premiata)
• § "Roland the Paladin" (Orlando Рaladino), isang heroic-comic opera batay sa balangkas ng tula ni Ariosto na "Roland the Furious"
• 14 na oratorio, kabilang ang:
  • § "Paglikha ng mundo"
  • § "Mga Season"
  • § “Pitong salita ng Tagapagligtas sa krus”
  • § "Pagbabalik ni Tobias"
  • § Allegorical cantata-oratorio “Palakpakan”
  • § oratorio hymn Stabat Mater
• 14 na masa, kabilang ang:
  • § maliit na masa (Missa brevis, F-dur, mga 1750)
  • § malaking organ mass Es-dur (1766)
  • § Misa bilang parangal kay St. Nicholas (Missa in honorem Sancti Nicolai, G-dur, 1772)
  • § Misa ng St. Caeciliae (Missa Sanctae Caeciliae, c-moll, sa pagitan ng 1769 at 1773)
  • § maliit na organ mass (B major, 1778)
  • § Mariazellermesse, C-dur, 1782
  • § Misa na may timpani, o Misa noong panahon ng digmaan (Paukenmesse, C-dur, 1796)
  • § Mass Heiligmesse (B-dur, 1796)
  • § Nelson-Messe, d-moll, 1798
  • § Misa Theresa (Theresienmesse, B-dur, 1799)
  • § Misa na may temang mula sa oratorio na “The Creation of the World” (Schopfungsmesse, B-dur, 1801)
  • § Misa na may mga instrumentong panghihip (Harmoniemesse, B-dur, 1802)

Isang kabuuan ng 104 symphony, kabilang ang:

• § “Farewell Symphony”
• § "Oxford Symphony"
• § “Fneral Symphony”
• § 6 Paris Symphony (1785-1786)
• § 12 London Symphony (1791-1792, 1794-1795), kasama ang Symphony No. 103 “With tremolo timpani”
• § 66 divertisement at cassations

Gumagana para sa piano:

• § Mga pantasya, pagkakaiba-iba
• § 52 piano sonata

Isang aral sa kulturang sining ng mundo.

Kultura ng musika Russia ng Enlightenment .

Mga materyales para sa aralin:

Panitikan.

1. Kasaysayan ng musikang Ruso. T.1.

2. Ensiklopedya ng mga bata. T 12.

3. Encyclopedic dictionary ng isang batang musikero.

Mga slide.

1. E. Lanceray. "Mga barko ng panahon ni Pedroako."

2. Dobuzhinsky. "Peterakosa Holland."

3. Khlebovsky. "Pagtitipon sa ilalim ni Pedroako"

Mga fragment ng mga gawang musikal.

1. Koro "Isang bagyo ang bumasag sa dagat."

2.Edgings at vivata.

Sa panahon ng mga klase.

1 . Paglalahad.

Laban sa background ng koro na "natunaw ng bagyo ang dagat," ang mga pintura na "Mga Barko ng Panahon ni Pedro" ay pinaplano ako "at" Pedro ako sa Holland ".

2 . Pagbubuo ng problema .

Isang espesyal na paraan ng pag-unlad ng musikang Ruso. Anong mga genre ng musika ang nabuo sa panahon ni Peter the Great. Paano naiiba ang opera ng Russia sa opera ng Europa?

Guro: Mga reporma ni Pedroako, na naglalayong paunlarin at palakasin ang estado, ay nag-ambag sa pag-unlad ng sekular na kultura ng Russia. Sa oras na ito, lumitaw ang mga bagong anyo ng paggawa ng musika at mga bagong genre ng musika. Sa pamamagitan ng utos ni Pedro, ang mga brass band ay nilikha. Ang bawat yunit ng militar ay may sariling brass band, na nabuo mula sa mga anak ng mga sundalo. Ang mga orkestra na ito ay tumutugtog sa mga seremonyal na parada at pista opisyal. Ang mga orkestra ng sungay na binubuo ng mga sungay ng pangangaso na may iba't ibang laki ay lalong sikat. Ang mga sungay na ito ay gumawa lamang ng isang tunog, isang nota, at para sa pinakasimpleng musikal

ang kanilang produksyon ay nangangailangan ng hindi bababa sa 50 piraso. Ang mga horn serf orchestra ay gumanap pa ng mga obra nina Haydn at Mozart. Hinangaan ng mga kontemporaryo na nakarinig ng mga orkestra na ito ang pagtugtog ng hindi pangkaraniwang kagandahan ng kanilang tunog.

Sa panahong ito, ang matagal nang tradisyon ng Russia ng pag-awit ng koro ay nakatanggap ng karagdagang pag-unlad. Sa sulat-kamay na mga album ng musikaXVIIImga siglo maaari kang makahanap ng mga pag-record ng mga kanta para sa tatlong boto, ang tinatawag na mga gilid. Ang mga cants ay may malawak na iba't ibang nilalaman: liriko, pastoral, mga harana ay ginanap sa mga tahanan ng mga mahilig sa musika sa mga home evening.

Ang mga cants na "Ang mundo ay masama", "Ah, ang aking mapait na liwanag" tunog

Mayroong mga cants ng papuri, madalas silang ginanap sa mga pista opisyal, na umaawit ng mga kabayanihan ng mga tagumpay ng hari at militar. May mga parang mesa, nakakatawa.

Tunog ang cant na "Two capon - horobruna".

Sa una, ang mga cants ay ginanap nang walang musikal na saliw, pagkatapos ay sa saliw ng isang gitara o harpsichord.

Bilang karagdagan sa mga cant, ang mga tinatawag na vivatas ay isinagawa din - mga cant na espesyal na binubuo bilang parangal sa mga tagumpay ng militar.

Ang mga tunog ng Vivat "Magsaya sa Lupang Ruso".

Ngunit bukod sa seremonyal na musika, kailangan din ng iba pang musika - para sa libangan at sayawan. Ang mga bagong sayaw sa Europa ay ginanap sa mga pagtitipon: minuet, mga sayaw sa bansa. Sa mga maharlikang Ruso, ang minuet ay naging "hari ng sayaw." bilang mamaya - isang waltz.

Ang pagpipinta ni Khlebovsky na "The Assembly under Peter" ay inaasahang ako "laban sa background ng "Minuet" ni Boccherini .

Sa mga huling taon ng paghahari ni Peter, nagsimula ang buhay ng konsiyerto. Sa mga tahanan ng mga maharlika, lumitaw ang mga home choir orchestra, na may kakayahang magsagawa ng seryosong musika ng mga kompositor ng Europa. At kasabay nito, ang estilo ng partes ng choral singing (hanggang 12 boses) ay umabot sa sukdulan nito.

Ang isang fragment ng "Resurrection Canon" ay nilalaro

Tinawag ng makata na si Derzhavin ang mga taong 1730-1740 na "siglo ng mga awit." Sa oras na ito, ang cant ay unti-unting nagiging isang pag-iibigan ("Russian song", tulad ng una itong tinawag), na ginagampanan ng isang boses.

Tunog ang romansa ni Dubyansky na "The Rock Dove Moans".

SAXVIIIsiglo nagsimula silang mangolekta at magproseso ng mga katutubong kanta ng Russia, sa batayan kung saan nabuo ang lahat ng musikang Ruso sa siglong ito. Ang opera ng Russia ay may malaking utang na loob sa kanta.

Sa musikang RusoXVIIIsiglo, ang opera ay naging isang partikular na makabuluhang genre, at ang pinakasikat ay ang comic opera. Ang mga Libretto para sa mga opera ay isinulat tulad nito:

mga sikat na manunulat ng dula tulad ng Sumarokov, Knyazhnin, Krylov. Ang kanilang mga bayani ay karaniwang mga karakter na Ruso: isang mapagmataas na ginoo-may-ari ng lupa, isang tusong mangangalakal, isang tusong lingkod, isang walang muwang, simpleng babae. Ang mga sinaunang opera ng Russia ay palaging naglalaman ng mga tampok ng pangungutya, pagkakalantad at moralizing. Ang mga moral na birtud ng mga ordinaryong tao ay kaibahan sa mga bisyo ng mga maharlika. Mula sa mga unang araw nito, ang opera ng Russia ay natagos ng isang protesta laban sa pyudal na paniniil at hindi pagkakapantay-pantay sa lipunan. 5 opera lamang ang nakaligtas hanggang ngayon:

"Anyuta" - libretto ni Popov, hindi kilalang kompositor, hindi napanatili ang marka.

"Rosana and Love" - ​​​​libretto ni Nikolaev, kompositor na si Kertselli.

"Ang Miller ay isang mangkukulam, isang manlilinlang at isang matchmaker" - libretto ni Ablesimov, musika ni Sokolovsky - ang unang tipikal na halimbawa ng musikang katutubong Ruso komiks opera.

"Kasawian mula sa karwahe o St. Petersburg Gostiny Dvor" - libretto ni Matinsky, musika ni Pashkevich.

"Coachmen on a Stand" na musika ni Fomin.XIXsiglo.

Ang mga unang opera na ito ay binubuo ng paghahalili ng sinasalitang diyalogo at mga numero ng kanta, ngunit hindi pa gumaganap ng malaking papel ang musika sa mga ito.

Dahil sa mga espesyal na pangyayari sa kasaysayan, ang artistikong kultura ng Russia sa Edad ng Enlightenment ay hindi gumawa ng mga kompositor ng pandaigdigang kahalagahan, ngunit nagbigay ito ng isang bilang ng mga kagiliw-giliw na maliliwanag na talento na naghanda ng pamumulaklak at pandaigdigang pagkilala sa musikang Ruso saXIX siglo.

Guro inaakay ang mga mag-aaral na lutasin ang problema sa aralin at sagutin ang mga tanong na ibinibigay sa simula ng aralin.

Noong ika-18 siglo, karamihan sa mga estado sa Europa ay natangay ng kilusang pang-edukasyon. Salamat sa mga reporma ni Peter ako Ang Russia ay aktibong kasangkot sa prosesong ito, na sumasali sa mga tagumpay ng sibilisasyong European. Ang pagliko nito patungo sa Europa, na nagbunga ng kababalaghan ng "Russian Europeanism," ay naganap sa karaniwang paraan ng Ruso - cool at mapagpasyahan. Pakikipag-ugnayan sa mas matatag mga paaralan ng sining Pinahintulutan ng Kanlurang Europa ang sining ng Russia na dumaan sa landas ng "pinabilis na pag-unlad", na pinagkadalubhasaan ang European mga teoryang aesthetic, mga sekular na genre at anyo.

Ang pangunahing tagumpay ng Russian Enlightenment ay ang pamumulaklak ng personal na pagkamalikhain, na pumapalit sa walang pangalan na gawain ng mga artista ng Sinaunang Rus '. Ang pormula ng Lomonosov ay ipinatupad: "ang lupain ng Russia ay magsisilang ng sarili nitong mga Plato at mabilis na mga Newton."

Darating ang oras para sa aktibong pag-unlad ng isang sekular na pananaw sa mundo. Ang sining sa templo ay patuloy na umuunlad, ngunit unti-unting nawawala sa background sa kultural na buhay Russia. Ang sekular na tradisyon ay pinalalakas sa lahat ng posibleng paraan.

Sa musika XVIII siglo, kapwa sa panitikan at pagpipinta, isang bagong istilo, malapit sa European, ang itinatag klasisismo.

Ang mga bagong anyo ng buhay ng matataas na lipunan—mga kasiyahan sa mga parke, mga rides sa kahabaan ng Neva, mga iluminasyon, mga bola at "mga pagbabalatkayo," mga pagtitipon at diplomatikong pagtanggap—na nag-ambag sa malawak na pag-unlad instrumental na musika. Sa pamamagitan ng utos ni Petrav, lumitaw ang mga brass band ng militar sa bawat rehimyento. Ang mga opisyal na pagdiriwang, bola at kapistahan ay pinagsilbihan ng dalawang court orchestra at isang court choir. Ang halimbawa ng hukuman ay sinundan ng St. Petersburg at Moscow maharlika, na nagsimula ng mga home orchestra. Ang mga serf orchestra at musical theater ay nilikha din sa mga marangal na estate. Ang amateur na paggawa ng musika ay kumakalat, at ang edukasyon sa musika ay nagiging isang obligadong bahagi ng marangal na edukasyon. Sa pagtatapos ng siglo, ang isang magkakaibang buhay sa musika ay nailalarawan sa buhay ng hindi lamang ng Moscow at St. Petersburg, kundi pati na rin ng iba pang mga lungsod ng Russia.

Kabilang sa mga makabagong musikal na hindi alam sa Europa ay orkestra ng sungay , nilikha ng Russian imperial chamber musician I.A. Maresh sa ngalan ni S.K. Naryshkina. Gumawa si Maresh ng magkakaugnay na ensemble na binubuo ng 36 na sungay (3 octaves). Ang mga musikero ng serf ay nakibahagi dito at ginampanan ang papel ng buhay na "mga susi", dahil ang bawat sungay ay nakakagawa lamang ng isang tunog. Kasama sa repertoire ang klasiko musikang Europeo, kabilang ang mga kumplikadong gawa nina Haydn at Mozart.

Noong 30s ng XVIII siglo, isang Italian court opera ang nilikha sa Russia, kung saan ang mga pagtatanghal ay ibinigay sa holidays para sa isang "piling" publiko. Sa panahong ito, naakit ng St. Petersburg ang marami sa pinakamalaking musikero sa Europa, pangunahin ang mga Italyano, kabilang ang mga kompositor na sina F. Araya, B. Galuppi, G. Paisiello, G. Sarti, D. Cimarosa. Francesco Araya noong 1755 nagsulat siya ng musika para sa unang opera na may tekstong Ruso. Ito ay libretto ni A.P. Sumarokov batay sa isang balangkas mula sa Metamorphoses ni Ovid. Ginawa ang Opera sa genre ng Italyano serye , ay tinawag "Cephalus at Procris".

Sa panahon ni Peter the Great, ang mga pambansang genre ng musika tulad ng partes concerto at cant ay patuloy na umuunlad.

Ang mga cant ng panahon ni Peter the Great ay madalas na tinatawag na "vivata", dahil sagana sila sa mga pagluwalhati ng mga tagumpay at pagbabagong militar ("Magalak, O lupain ng Russia"). Ang musika ng mga "welcome" cants ay nailalarawan sa pamamagitan ng pag-iikot ng fanfare at solemne na ritmo ng polonaise. Ang kanilang pagtatanghal ay madalas na sinasabayan ng tunog ng mga trumpeta at tunog ng mga kampana.

Ang Peter the Great na panahon ay minarkahan ang paghantong ng pag-unlad ng pag-awit ng mga choral part. Ang napakatalino na master ng partes concert na si V.P. Kinuha ni Titov ang lugar ng unang musikero sa korte ng Tsar Peter. Siya ang inatasan na magsulat ng isang seremonyal na konsiyerto sa okasyon ng tagumpay ng Poltava na napanalunan ng mga tropang Ruso noong 1709 ("Rtsy sa amin ngayon" - ang pangalang "Poltava Triumph" ay pinagtibay para sa komposisyon).

Sa kalagitnaan ng XVIII siglo, ang pagnanais para sa mga choral effect sa mga konsyerto ng partes ay umabot sa pinalaking anyo: lumitaw ang mga gawa na ang mga marka ay may kasamang hanggang 48 na boses. Sa ikalawang kalahati ng siglo, ang solemne intimate concert ay pinalitan ng isang bagong artistikong kababalaghan - isang espirituwal na konsiyerto.Kaya, sa buong ika-18 siglo, ang pag-awit ng koro ng Russia ay dumaan sa isang mahabang landas ng ebolusyon - mula sa estilo ng monumental na bahagi, na nagbubunga ng mga asosasyon sa istilo ng arkitektura ng Baroque, hanggang sa mataas na mga halimbawa ng klasiko sa mga gawa ni M. S. Berezovsky at D. S. Bortnyansky, na lumikha. ang klasikal na uri ng Ruso espirituwal na konsiyerto.

Konsyerto ng espirituwal na koro ng Russia

Noong XVIII siglo, ang nilalaman ng genre ng mga choral works ay lumawak nang malaki. Ang mga choral arrangement ng mga katutubong kanta, choral opera music, dance music na may isang koro ay lumitaw (ang pinakasikat na halimbawa ay ang polonaise ni Kozlovsky na "Round the Thunder of Victory" sa mga salita ni Derzhavin, na sa dulo XVIII nakuha ang kahalagahan ng pambansang awit ng Imperyo ng Russia).

Ang nangungunang genre ng koro ay ang espiritwal na konsiyerto ng Russia, na nagsilbi bilang isang natatanging simbolo ng sinaunang tradisyon ng Russia. Ang espirituwal na konsiyerto ay umabot sa pinakamataas na pamumulaklak nito noong panahon ni Catherine (1762- 1796). Ito ay isang kanais-nais na panahon para sa kulturang Ruso. Ang pagtatangkang buhayin ang diwa ng mga reporma ni Pedro ay higit na nakoronahan ng tagumpay. Ang pulitika, ekonomiya, agham at kultura ay muling tumanggap ng lakas para sa pag-unlad. Ipinagpatuloy ang pagsasanay ng mga pinaka-mahuhusay na kinatawan ng agham at sining sa ibang bansa. Ang malapit na ugnayang pangkultura sa pagitan ng Russia at ng napaliwanagan na Europa ay hindi maaaring makaimpluwensya sa paglitaw ng mga unang karanasan ng propesyonal na pagsulat.

Sa panahong ito, higit sa 500 mga gawa ng genre ng konsiyerto ang nilikha. Halos lahat ng mga kompositor ng Russia ng ikalawang kalahati na kilala sa amin ay lumingon sa kanya. siglo XVIII.

Ipinanganak sa kalaliman ng partes polyphony, ang espirituwal na konsiyerto sa buong pag-unlad nito ay isinama ang dalawang prinsipyo - ang tradisyon ng pag-awit ng simbahan at ang bagong sekular. musikal na pag-iisip. Ang konsiyerto ay naging laganap bilang pagtatapos ng isang serbisyo sa simbahan at bilang isang dekorasyon para sa mga seremonya ng korte. Siya ang pokus ng mga tema at larawan na humipo sa malalim na mga problema sa moral at pilosopikal.

Kung ang “isang partes concerto ay maihahambing sa isang tiyak na lawak sa concerto grosso , pagkatapos ay ang istraktura ng isang klasikal na choral concert ay may mga karaniwang tampok na may sonata-symphonic cycle. Karaniwan itong binubuo ng tatlo o apat na magkakaibang bahagi na may magkakaibang mga pamamaraan ng pagtatanghal.

Ang mga natitirang dayuhang kompositor na nanirahan sa St. Petersburg (D. Sarti, B. Galuppi) ay gumawa ng malaking kontribusyon sa pag-unlad ng konsiyerto ng klasikal na koro ng Russia. Ang pinakamataas na tagumpay ng Russian choral music sa panahon ng Enlightenment ay nauugnay sa mga pangalan ng M.S. Berezovsky at D.S. Bortnyansky.

Maxim Sozontovich Berezovsky (1745-1777)

M. S. Berezovsky - natatanging master koro ng Ruso musika XVIII siglo, isa sa mga unang kinatawan ng pambansang paaralan ng mga kompositor. Ang nakaligtas na gawain ng kompositor ay maliit sa dami, ngunit napaka makabuluhan sa makasaysayang at masining na kakanyahan nito. Sa kultura ng musika noong 60-70s siglo XVIII ito ay nagbubukas ng isang bagong yugto - ang panahon ng Russian classicism.

Ang pangalan ni Berezovsky ay binanggit sa mga nagtatag ng classical choral concert na a cap p ella : ang kanyang mga gawa, kasama ang gawa ng Italyano na kompositor na si Galuppi, ay kumakatawan sa unang yugto sa pagbuo ng genre na ito.

Ang tugatog ng creative quest ni M.S. Si Berezovsky ay naging isang konsiyerto "Huwag mo akong tanggihan sa aking katandaan" . Ito pangkalahatang kinikilalang obra maestra ng musikang Ruso noong ika-18 siglo, na nakatayo sa isang par pinakamataas na tagumpay kontemporaryong sining ng Europa. Maliit sa sukat, ang konsiyerto ay itinuturing bilang isang epically monumental na gawain. Ang kanyang musika, na nagpapakita ng magkakaibang espirituwal na mundo ng tao, ay humanga sa lalim ng mga damdamin at pagiging tunay ng buhay.

Parehong sa teksto at sa musika ng konsiyerto, malinaw na maririnig ang personal na intonasyon. Ito ang unang taong pagsasalita. Ang kahilingan ay isang panalangin na sumasamo sa Makapangyarihan sa lahat ( ako bahagi), ay pinalitan ng isang larawan ng isang taong inuusig ng mga malisyosong kaaway ( II bahagi - "Magpakasal ka at magkaroon siya") . Pagkatapos ay sumusunod bagong paksa- panalangin ng pag-asa ("Diyos ko, hindi sila umalis" - III bahagi), at sa wakas, ang pangwakas, puno ng mga protestang kalunos-lunos na nakadirekta laban sa kasamaan at kawalang-katarungan (“Mapahiya at mawala ang mga naninirang-puri sa aking kaluluwa”). Ang mismong katotohanan na ang lahat ng mga tema ng konsiyerto ay nailalarawan sa pamamagitan ng tiyak, konkretong emosyonal na mga tampok ay nagsasalita ng pangunahing novelty ng estilo, overcoming ang abstract neutralidad ng pampakay kalikasan ng partes pagkanta.

Ang apat na bahagi ng trabaho ay konektado hindi lamang sa pamamagitan ng isang solong dramatikong konsepto at tonal na lohika, kundi pati na rin ng mga thread ng intonation: ang malambing na tema na tumutunog sa mga unang bar ng konsiyerto ay nagiging intonational na batayan ng lahat ng iba pang mga imahe. Ito ay lalong makabuluhan na ang paunang butil ng intonasyon ay binago sa dinamiko at mapamilit na tema ng huling fugue na "Hayaan silang mahiya at mawala ...", na siyang pinakatuktok sa pag-unlad ng buong ikot.

Dmitry Stepanovich Bortnyansky (1751-1825)

D. S. Bortnyansky binuo ang pangunahing uri ng Russian classical choral concert, na pinagsasama sa mga elemento ng musika ng sekular na instrumentalismo sa musika at vocal na musika ng simbahan. Bilang isang patakaran, ang kanyang mga konsiyerto ay may tatlong bahagi, alternating ayon sa prinsipyo mabilis - mabagal - mabilis. Kadalasan ang unang bahagi, ang pinakamahalaga sa cycle, ay naglalaman ng mga palatandaan ng sonatismo, na ipinahayag sa paghahambing ng dalawang magkasalungat na tema, na ipinakita sa isang tonic-dominant na relasyon. Ang pagbabalik sa pangunahing susi ay nangyayari sa dulo ng kilusan, ngunit walang pampakay na pag-uulit.

Ang Bortnyansky ay nagmamay-ari ng 35 na konsiyerto para sa isang 4-boses na halo-halong koro, 10 mga konsiyerto para sa 2 koro, isang bilang ng iba pang mga awit sa simbahan, pati na rin ang mga sekular na koro, kabilang ang makabayang choral na kanta na "Singer in the Camp of Russian Warriors" sa lyrics. V. A. Zhukovsky (1812).

Isa sa malalim at mature na gawa ng master - Concert No. 32 , binanggit ni P.I. Tchaikovsky bilang "ang pinakamahusay sa lahat ng tatlumpu't lima." Ang teksto nito ay hango sa ika-38 na Awit ng Bibliya, na naglalaman ng mga sumusunod na linya: “Sabihin mo sa akin, O Panginoon, ang aking wakas at ang bilang ng aking mga araw, upang aking malaman kung anong edad na ako... Dinggin mo, O Panginoon. , aking dalangin, at dinggin mo ang aking daing; huwag kang tumahimik sa aking mga luha...” Ang konsiyerto ay may tatlong bahagi, ngunit walang kaibahan sa pagitan nila. Ang musika ay nakikilala sa pamamagitan ng pagkakaisa ng isang mournful-elegiac mood at ang integridad ng mga temang pampakay. Ang unang kilusan ay nagbukas na may isang tema na ipinakita sa tatlong bahagi at nakapagpapaalaala sa Awit XVII siglo. Ang ikalawang bahagi ay isang maikling yugto ng isang mahigpit na komposisyon ng koro. Ang pinahabang finale, na nakasulat sa anyo ng isang fugue, ay lumampas sa unang dalawang bahagi sa laki. Ang musika ng finale ay pinangungunahan ng isang tahimik, banayad na sonority, na naghahatid ng namamatay na panalangin ng isang taong umalis sa buhay na ito.

Mga koleksyon ng mga kanta sa Russia

Para sa lahat ng advanced na kultura ng Russia XVIII siglo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang malalim na interes sa paraan ng pamumuhay, moral at kaugalian ng mga tao. Nagsisimula ang sistematikong koleksyon at pag-aaral ng alamat. Ang sikat na manunulat na si Mikhail Dmitrievich Chulkov ay nagtitipon ng unang koleksyon ng mga teksto ng katutubong kanta sa Russia.

Sa kauna-unahang pagkakataon, ginawa ang mga musikal na notasyon ng mga katutubong kanta, at lumitaw ang mga naka-print na koleksyon kasama ang kanilang mga pagsasaayos: Vasily Fedorovich Trutovsky ("Koleksyon ng mga simpleng kanta ng Ruso na may mga tala"), Nikolai Alexandrovich Lvov At Ivana Pracha ("Koleksyon ng mga katutubong kanta ng Russia kasama ang kanilang mga tinig").

Kasama sa koleksyon ni Lvova-Pracha ang 100 kanta, na marami sa mga ito ay mga klasikong halimbawa ng alamat ng Russia: "Oh, ikaw, canopy, my canopy," "May isang puno ng birch sa bukid," "Sa hardin, sa hardin ng gulay. ” Sa paunang salita sa koleksyon ("Tungkol sa Russian katutubong awit") N. Lvov sa unang pagkakataon sa Russia itinuro ang natatanging pagka-orihinal ng Russian folk choral polyphony.

Ang mga kanta mula sa mga koleksyon na ito ay ginamit kapwa ng mga mahilig sa musika at kompositor, na hiniram ang mga ito para sa kanilang mga gawa - mga opera, instrumental na pagkakaiba-iba, symphonic overtures.

Sa kalagitnaan ng XVIII siglo ay may kasamang natatanging koleksyon ng mga epikong Ruso at mga makasaysayang kanta na tinatawag "Koleksyon ni Kirsha Danilov" . Walang maaasahang impormasyon tungkol sa compiler nito. Ipinapalagay na si Kirsha Danilov (Kirill Danilovitch) ay isang improvising na mang-aawit, isang buffoon, na nakatira sa pagmimina ng Urals. Isinulat niya ang mga himig ng mga kanta sa isang linya nang walang teksto, na inilalagay nang hiwalay.

Russian National Composer School

Ang pagbuo sa ikalawang kalahati ng XVIII siglo, ang unang sekular sa Russia paaralan ng kompositor. Ang kanyang kapanganakan ay ang culmination ng Russian Enlightenment . Ang tinubuang-bayan ng paaralan ay St. Petersburg, kung saan umunlad ang talento ng pinakamaliwanag na mga kinatawan nito. Kabilang sa mga ito ang mga tagapagtatag ng Russian opera V.A. Pashkevich at E.I. Fomin, master ng instrumental music I.E. Khandoshkin, mga natatanging tagalikha ng klasikal na espirituwal na konsiyerto M.S. Berezovsky at D.S. Bortnyansky, mga tagalikha ng silid na "Russian song" O.A. Kozlovsky at F.M. Dubyansky at iba pa.

Karamihan sa mga kompositor ng Russia ay nagmula sa isang katutubong background. Mula pagkabata, sinipsip nila ang buhay na tunog ng alamat ng Russia. Ito ay natural at lohikal, samakatuwid, na isama ang mga katutubong kanta sa Russian opera music (opera ni V. A. Pashkevich at E. I. Fomin) at sa mga instrumental na gawa (ang mga gawa ni I. E. Khandoshkin).

Ayon sa tradisyon ng mga nakaraang siglo, ang mga vocal genre, parehong sekular at templo, ay pinakalawak na binuo sa Age of Enlightenment. Prominente sa kanila ang sagradong choral concert, comic opera at chamber song. Tulad ng sa alamat, sa mga genre na ito ang saloobin sa salita bilang priority na batayan ng musika ay napanatili. Ang may-akda ng opera ay itinuturing na librettist, at ang may-akda ng kanta ay ang makata; Ang pangalan ng kompositor ay madalas na nananatili sa mga anino at nakalimutan sa paglipas ng panahon.

Russian comic opera

Ang pagsilang ng pambansang paaralan ng komposisyon XVIII siglo ay malapit na konektado sa pag-unlad ng Russian opera. Nagsimula ito sa isang musikal na komedya, na batay sa mga komedya na gawa ng mga manunulat at makata ng Russia: Y. Knyazhnin, I. Krylov, M. Popov, A. Ablesimov, M. Matinsky.

Ang comic opera ay pang-araw-araw sa nilalaman, na may simple ngunit kaakit-akit na balangkas mula sa pang-araw-araw na buhay ng Russia. Ang mga bayani nito ay matatalinong magsasaka, serf, maramot at sakim na mayayamang lalaki, walang muwang at magagandang babae, masasama at mababait na maharlika.

Ang dramaturhiya ay batay sa paghalili ng mga sinasalitang diyalogo sa mga numero ng musika batay sa mga Ruso mga awiting bayan. Ipinahiwatig ng mga makata sa libretto kung aling “boses” (popular na awit) ang dapat kantahin ng isang partikular na aria. Ang isang halimbawa ay ang pinakamahal na opera ng Russia XVIII siglo "Ang Miller ay isang mangkukulam, isang manlilinlang at isang matchmaker" (1779) A. Ablesimova na may musika ni M. Sokolovsky. Ang manunulat ng dulang si A. O. Ablesimov ay agad na sumulat ng kanyang mga teksto batay sa partikular na materyal ng kanta. Ang kontribusyon ni M. Sokolovsky ay ang pag-aayos ng mga kanta, na maaaring madaling gawin ng isa pang musikero (hindi nagkataon na ang may-akda ng musika ay naiugnay kay E. Fomin sa mahabang panahon).

Ang pag-unlad ng comic opera ay pinadali ng talento ng mga natitirang aktor ng Russia - E.S. Yakovleva (sa kasal Sandunova, sa entablado - Uranova), serf actress na si P.I. Kovaleva-Zhemchugova, I.A. Dmitrevsky.

Natitirang papel sa pagbuo ng opera ng Russia XVIII nilalaro sa loob ng maraming siglo Vasily Alekseevich Pashkevich(c. 1742-1797) - isa sa pinakamalaking kompositor ng Russia XVIII siglo. Ang pinakamahusay sa kanyang mga opera ("Kasawian mula sa Coach", "Ang Miser", "St. Petersburg Gostiny Dvor") ay napakapopular, sila ay ginanap sa mga yugto ng maraming mga lungsod ng Russia hanggang sa gitna. XIX siglo. Si Pashkevich ay isang dalubhasa sa pagsulat ng ensemble at matalas at angkop na mga karakterisasyong komedya. Matagumpay na na-reproduce ang mga intonasyon ng pagsasalita sa mga bahagi ng boses, inasahan niya ang mga prinsipyong maglaon. malikhaing pamamaraan Dargomyzhsky at Mussorgsky.

Pinatunayan niya ang kanyang sarili bilang isang multi-talented artist sa opera work. Evstigny Ipatievich Fomin(1761-1800). Ang kanyang opera "Mga coach sa stand" .(1787) ay namumukod-tangi sa kahusayan nito sa mga choral arrangement ng mga katutubong himig ng iba't ibang genre. Para sa bawat kanta ay natagpuan niya ang kanyang sariling istilo ng pagproseso. Itinatampok sa opera ang mga nagtatagal na kantang “Hindi sa bahay ni Tatay kumakanta ang nightingale” at “The falcon flies high”, masiglang sayaw na kanta “Sa parang nagngangalit ang puno ng birch”, “Ang pullet, ang batang pullet”, “Mula sa ilalim. ang oak, mula sa ilalim ng elm”. Maraming mga kanta na napili para sa "The Coachmen", makalipas ang tatlong taon, halos hindi nagbabago, ay kasama sa "Collection of Russian Folk Songs" ni N.L. Lvova - I. Pracha.

Sa isa pa sa kanyang mga gawa - ang melodrama na "Orpheus" (batay sa teksto ni Ya. Knyazhnin batay sa isang sinaunang alamat, 1792) - Nilagyan ni Fomin ang isang trahedya na tema sa unang pagkakataon sa Russian opera. Ang musika ng melodrama ay naging isa sa pinakamagagandang likha ng sining ng Russia ng Enlightenment.

Sa overture bago ang melodrama, ang talento ni Fomin bilang isang symphonist ay ganap na nahayag. Sa loob nito, ang kompositor na may kamangha-manghang pakiramdam ng estilo ay pinamamahalaang upang maihatid ang mga trahedya na kalunos-lunos ng sinaunang alamat. Sa esensya, ginawa ni Fomin ang unang hakbang patungo sa paglikha ng symphonism ng Russia. Kaya, sa kailaliman ng teatro, tulad ng sa Kanlurang Europa, ipinanganak ang hinaharap na symphony ng Russia.

Ang mga opera ni Fomin ay pinahahalagahan lamang sa gitna XX siglo. Sa buhay ng kompositor, hindi masaya ang kanilang kapalaran sa entablado. Ang opera na "Coachmen on a Stand," na isinulat para sa home theater, ay nanatiling hindi kilala sa pangkalahatang publiko. Ang paggawa ng comic opera na "The Americans" (na may libretto ng batang I.A. Krylov) ay ipinagbabawal (ang direktor ng mga imperyal na sinehan ay hindi nagustuhan ang katotohanan na sa panahon ng pagbuo ng balangkas ay susunugin ng mga Indian ang dalawang European) .

Sambahayan vocal lyrics

Ang pagsilang ng isang bagong layer ng alamat - mga kanta ng lungsod Ito ay bumangon batay sa isang katutubong awit ng magsasaka, na "inangkop" sa buhay sa kalunsuran - isang bagong paraan ng pagganap: ang himig nito ay sinamahan ng chord accompaniment ng ilang instrumento.

Sa kalagitnaan ng XVIII siglo sa Russia, lumitaw ang isang bagong uri ng vocal music - "Kantang Ruso" . Ito ang pangalang ibinigay sa mga gawa para sa boses na may instrumental na saliw, na nakasulat sa Russian. mga tekstong patula. Lyrical sa nilalaman, "Mga kanta ng Russia" ang mga nauna sa romansa ng Russia.

Ang nagtatag ng "Russian song" ay isang kilalang dignitaryo sa korte ni Catherine II , edukadong mahilig sa musika Grigory Nikolaevich Teplov , may-akda ng unang Russian na naka-print na songbook na "Between business, idleness..." (1759) Sa istilo at paraan ng pagtatanghal, ang mga kanta ni Teplov ay kumakatawan sa isang transisyonal na genre mula sa cant hanggang sa romansa na may saliw. Karaniwang taludtod ang anyo ng kanyang mga kanta.

Ang genre ng "Russian song" ay malapit na nauugnay sa tradisyon ng alamat. Hindi kataka-taka, samakatuwid, na maraming orihinal na kanta ang naging folk (“Narito ang postal troika rushing” ni Ivan Rupin sa lyrics ni F.N. Glinka).

Sa pagtatapos ng XVIII siglo, ang mga mahuhusay na masters ng chamber music ay umuusbong genre ng boses - Fedor Dubyansky At Osip Kozlovsky . Ang "mga kanta ng Ruso" na kanilang nilikha, na mayroon nang isang medyo binuo na bahagi ng piano at isang mas kumplikadong anyo, ay maaaring ituring na unang mga romantikong Ruso. Ang mga dayandang ng buhay sa lunsod ay malinaw na naririnig sa kanila ("The Grey Dove Moans" ni Dubyansky, "Darling Sat in the Evening", "Cruel Fate" ni Kozlovsky).

Ang mga tula ay malawakang ginamit sa "mga awiting Ruso" mga sikat na makata: Sumarokov, Derzhavin, Dmitriev, Neledinsky-Meletsky. Sa kanilang matalinghagang nilalaman sila ay nauugnay sa mga tipikal na mood ng sining sentimentalismo. Bilang isang tuntunin, ito ay mga liriko ng pag-ibig: ang mga pagdurusa at kasiyahan ng pag-ibig, paghihiwalay, pagkakanulo at paninibugho, "malupit na pagnanasa."

Ang hindi kilalang "Mga Kantang Ruso" na inilathala ni F. Meyer ("Koleksyon ng mga pinakamahusay na kanta ng Russia", 1781) ay napakapopular din.

Chamber instrumental na musika

Noong 70-80s XVIII siglo, nagsimula ang pagbuo ng instrumentalism ng propesyonal na kamara sa Russia. Sa oras na ito, pinagkadalubhasaan ng mga musikero ng Russia kumplikadong mga hugis instrumental music, bumuo ng mga genre ng solo sonata, variations, chamber ensemble. Ang prosesong ito ay malapit na nauugnay sa malawakang pagkalat ng home music play. Ang musika ng buhay urban o bansa sa mahabang panahon ay nanatiling "nutrient medium" kung saan ang mga maagang shoots ng pambansang instrumental na istilo ay nag-mature.

Ang unang Russian instrumental ensembles ay pag-aari ni Dmitry Bortnyansky. Ito ay isang piano quintet at " Chamber Symphony”, na talagang isang septet para sa piano, alpa, dalawang violin, viola da gamba, bassoon at cello.

Partikular na minamahal ang lahat ng uri ng mga piyesa ng sayaw - minuet, polonaises, ecosses, country dances - at mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng katutubong awit para sa iba't ibang instrumento. Gumawa siya ng maraming mga pagkakaiba-iba para sa biyolin Ivan Evstafievich Khandoshkin (1747-1804), isang kinatawan ng paaralan ng St. Petersburg - kompositor, natatanging birtuoso na biyolinista, konduktor at guro ay sikat si Khandoshkin sa sining ng improvisasyon, at mahusay din sa pagtugtog ng viola, gitara at balalaika.

Sa kasaysayan ng musikang Ruso, ang pangalan ni Khandoshkin ay nauugnay sa paglikha ng isang pambansang paaralan ng biyolin. Karamihan nito malikhaing pamana binubuo ng mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng Russian folk songs at sonata para sa violin, dalawang violin, violin at viola, o violin at bass Gamit ang mga gawang ito, ang Russian chamber instrumental music sa unang pagkakataon ay lumabas mula sa malapit na bilog ng home music-making, pagkuha. isang virtuosic na saklaw. Mahalaga rin na nakamit nila ang isang medyo organic na pagkakaisa ng European instrumental language at Russian folklore. Naniniwala ang mga mananaliksik na ang mga himig ng ilang mga kanta na kinuha ng kompositor bilang mga tema para sa mga pagkakaiba-iba ay unang naitala niya mismo.

Ang mga pagkakaiba-iba sa mga tema ng Russian para sa piano ay isinulat ni Trutovsky (halimbawa, sa tema ng katutubong awit na "Maraming maliliit na lamok sa maliit na kagubatan"), Karaulov, pati na rin ang mga dayuhang musikero na nagtrabaho sa Russia.

Ang papel ng mga dayuhang musikero sa pagbuo ng musikang Ruso ay dalawahan. Ang mga patas na paninisi mula sa progresibong publiko ay sanhi ng bulag na paghanga ng mga aristokratikong bilog para sa lahat ng dayuhan, na nauugnay sa pagmamaliit ng sining ng Russia. Kasabay nito, ang mga aktibidad ng mga dayuhang kompositor, performer at guro ay nag-ambag sa pangkalahatang pagtaas ng kultura ng musika at edukasyon ng mga lokal na propesyonal na musikero.

Ang kapalaran ng kanyang malikhaing legacy ay dramatiko: karamihan sa mga gawa ng kompositor, na ginanap sa buong ika-19 na siglo, ay nanatili sa manuskrito at naka-imbak sa Court Singing Chapel. Sa mga unang dekada XX siglo, ang buong mayamang archive ng kapilya na may mga natatanging autograph ng maraming kompositor na Ruso ay sinunog.

Tagumpay at pagkilala, ang pagtangkilik ng pinakamataas na tao ay dumating sa Berezovsky nang maaga. Dahil naging sikat na siya sa Russia sa murang edad, siya ay naging unang kompositor ng Russia na tinanggap bilang miyembro ng sikat na Bologna Academy. Gayunpaman, sa kabila ng lahat ng mataas na pagkakaiba, na bumalik sa kanyang tinubuang-bayan pagkatapos ng 9 na taong pananatili sa ibang bansa, hindi nakamit ni Maxim Berezovsky ang anumang kapansin-pansing posisyon. Ang kanyang pagpapatala sa Court Chapel para sa katamtamang posisyon ng isang ordinaryong empleyado ay malinaw na hindi tumutugma sa alinman sa dayuhang karanasang natamo o sa kanyang malikhaing kakayahan. Malinaw na nagdulot ito ng matinding pagkabigo sa kompositor, kahit na ang kanyang mga choral na espirituwal na gawa ay natutunan ng lahat ng mga mahilig sa pag-awit sa simbahan at lubos na pinahahalagahan ng kanyang mga kontemporaryo. kapilya, militar at serf orkestra, pribadong teatro, o natanggap edukasyon sa tahanan. Sa isang kultural na kapaligiran XVIII siglo, ang musika ay sumasakop sa pinakamababang posisyon, ito ay ganap na nakasalalay sa pagtangkilik ng sining, at ang musikero mismo sa aristokratikong lipunan ay sinakop ang posisyon ng isang semi-servant. Ang mga gawa ng mga may-akda ng Russia ay madalas na itinuturing na "pangalawang klase" na musika kumpara sa mga gawa ng mga Aleman o Italyano. Wala ni isang domestic master ang nakamit ang mataas na posisyon sa korte.

Ang matalino at tusong miller na si Thaddeus, na nagpapanggap na isang makapangyarihang mangkukulam, ay ganap na niloko ang kanyang mga kapitbahay na simple ang pag-iisip. Gayunpaman, ang lahat ay nagtatapos sa isang masayang kasal ng batang babae na si Anyuta at ang guwapong lalaking nayon na si Filimon.

Sa istasyon ng koreo - ang base - nagtitipon ang mga kutsero. Kabilang sa mga ito ang batang kutsero na si Timofey, na isang tagumpay sa mukha, sa isip, at kagalingan ng kamay. Kasama niya ang kanyang batang magandang asawa na si Fadeevna, na nagmamahal sa kanyang asawa. Ngunit si Timofey ay may maiinggit na tao at ang kanyang pinakamasamang kaaway - ang magnanakaw at hamak na si Filka Prolaza. Ang Filka na ito ay nangangarap na ibenta ang masuwerteng si Timofey bilang isang recruit at angkinin ang kanyang asawa, na matagal nang nakakuha ng kanyang atensyon. At si Timofey ay magiging isang sundalo kung hindi dahil sa isang dumaan na opisyal. Tinutulungan niya na palayain si Timofey, bilang nag-iisang breadwinner ng isang pamilyang magsasaka, mula sa serbisyo. Si Filka mismo ay napunta sa mga sundalo.

Ang melodrama ay isang dula-dulaan na may musika na kahalili ng pagbigkas, at kung minsan ay ginaganap kasabay ng pagbigkas ng teksto.

Pederal na Ahensya para sa Edukasyon

Perm State University

Kagawaran ng Bago at Kontemporaryong Kasaysayan

Abstract sa paksa

Musika ng France sa panahon ng Enlightenment

Nakumpleto ni: 3rd year student

1 pangkat ng IPF

Efimova Marina

Panimula

Enlightenment - isang intelektwal at espirituwal na kilusan ng huling bahagi ng ika-17 - unang bahagi ng ika-19 na siglo. sa Europa at Hilagang Amerika. Ito ay isang likas na pagpapatuloy ng humanismo ng Renaissance at ang rasyonalismo ng maagang modernong panahon, na naglatag ng mga pundasyon ng pananaw sa mundo ng paliwanag: ang pagtanggi sa isang relihiyosong pananaw sa mundo at isang apela sa pangangatuwiran bilang ang tanging pamantayan para sa kaalaman ng tao at lipunan. .

Noong ika-18 siglo, naging sentro ng kilusang pang-edukasyon ang France. Sa unang yugto ng French Enlightenment, ang mga pangunahing tauhan ay sina Montesquieu (1689 - 1755) at Voltaire (1694 - 1778). Sa mga akda ni Montesquieu, ang doktrina ni Locke ng pamamahala ng batas ay higit na binuo. May iba't ibang pananaw sa pulitika si Voltaire. Siya ay isang ideologist ng naliwanagan na absolutismo at hinahangad na itanim ang mga ideya ng Enlightenment sa mga monarko ng Europa. Siya ay nakikilala sa pamamagitan ng kanyang malinaw na ipinahayag na mga aktibidad na kontra-klerikal, sumasalungat sa panatisismo at pagkukunwari ng relihiyon, dogmatismo ng simbahan at ang supremacy ng simbahan sa estado at lipunan. Sa ikalawang yugto ng French Enlightenment, ang pangunahing papel ay ginampanan ni Diderot (1713 - 1784) at ng mga ensiklopedya. Encyclopedia, o Diksyunaryo Ang Sciences, Arts and Crafts, 1751-1780 ay ang unang siyentipikong ensiklopedya, na nagbalangkas ng mga pangunahing konsepto sa larangan ng pisikal at matematikal na agham, natural na agham, ekonomiya, politika, inhinyero at sining. Sa karamihan ng mga kaso, ang mga artikulo ay masinsinan at sinasalamin pinakabagong antas kaalaman.

Ang ikatlong yugto ay nagdala ng pigura ng J.-J. Rousseau (1712 - 1778). Siya ang naging pinakakilalang popularizer ng mga ideya ng Enlightenment. Iminungkahi ni Rousseau ang kanyang sariling paraan ng istrukturang pampulitika ng lipunan. Ang mga ideya ni Rousseau ay natagpuan ang kanilang karagdagang pag-unlad sa teorya at praktika ng mga ideologist ng Dakila rebolusyong Pranses.

Ang Enlightenment ay lubos na nakaimpluwensya sa sining at kultura ng buong Europa, at sa partikular ang musika ng France bilang sentro ng Enlightenment.

Ang layunin ng sanaysay na ito ay magbigay ng pangkalahatang pangkalahatang-ideya ng musika ng France noong panahong iyon.

Ang ika-17 at unang bahagi ng ika-18 siglo ay isa sa mga makabuluhan at makikinang na panahon sa kasaysayan. Pranses na musika. Ang isang buong panahon ng pag-unlad ng musikal na sining na nauugnay sa "lumang rehimen" ay nagiging isang bagay ng nakaraan; ang edad ng huling Louis, ang edad ng klasisismo at rococo ay malapit nang magwakas. Nagsimula ang Panahon ng Enlightenment. Ang mga istilo, sa isang banda, ay pinaghiwalay; sa kabilang banda, sila ay nagpatong at nagsanib sa isa't isa, na bumubuo ng mga kakaibang hybrid na mahirap suriin. Ang hitsura ng intonasyon at makasagisag na istraktura ng musikang Pranses ay nababago at iba-iba. Ngunit ang nangungunang kalakaran, na tumatakbo sa direksyon ng nalalapit na rebolusyon, ay lumitaw nang may hindi maaalis na kalinawan 1 .

Sa pagtatapos ng ika-17 - simula ng ika-18 siglo. korte at naging pangunahing kostumer para sa pagsusulat at pagtanghal ng musika (lumalabas ang isang monopolyo), at bilang isang resulta, ang pangunahing tungkulin ng musikang Pranses ng Enlightenment ay upang pagsilbihan ang mga pangangailangan ng korte ng Pransya - mga sayaw at iba't ibang pagtatanghal.

Ang French opera sa ilang mga paraan ay isang anak ng klasisismo. Ang kanyang kapanganakan ay isang mahalagang kaganapan sa kasaysayan ng pambansang kultura ng bansa, na hanggang sa ikalawang kalahati ng ika-17 siglo ay halos walang ibang opera art maliban sa na-import na Italyano. Gayunpaman, ang lupa ng kulturang artistikong Pranses ay hindi ganap na dayuhan at baog para dito. Ang opera ay nakabatay sa pambansang genre-makasaysayang lugar at medyo organically assimilated ang kanilang mga acquisition 2 .

Ama French opera Si Jean Baptiste Lully (1632 - 1687) ay nararapat na ituring na isang kompositor, biyolinista, mananayaw, konduktor at guro na may pinagmulang Italyano; Tagapayo at Kalihim ng Hari, ang Royal House at ang Korona ng France; Sur-Intendant of His Majesty's Music.

Noong Marso 3, 1671, ang unang French opera na Pomona, na isinulat nina Pierre Perrin at Robert Cambert, ay ipinalabas sa Paris. Ito ay hindi kahit isang opera, ngunit sa halip ay isang pastoral, ngunit ito ay isang kamangha-manghang tagumpay sa mga madla, tumatakbo para sa 146 na pagtatanghal sa Academy of Opera, kung saan si Perrin ay nagkaroon ng 15-taong pribilehiyo ng hari. Sa kabila nito, nabangkarote si Perrin at ipinakulong. Si Lully, ang malapit na kasama ng hari, ay napaka-sensitive na naramdaman ang mood ng publiko at, higit sa lahat, ang hari. Inabandona niya si Moliere, noong 1672 ay binili ang pribilehiyo mula kay Perrin at, pagkatanggap ng ilang espesyal na patent mula sa hari, ay nakakuha ng buong kapangyarihan sa yugto ng opera ng Pransya.

Ang unang "trahedya na itinakda sa musika" ay ang trahedya na "Cadmus at Hermione", na isinulat sa mga tula ni Philip Kino. Ang balangkas ay pinili ng hari. Ang premiere ng opera ay naganap noong Abril 27, 1673] sa Palais Royal, pagkamatay ni Moliere, na ibinigay kay Lully. Ang pangunahing tampok ng kanyang mga opera ay ang espesyal na pagpapahayag ng mga melodies: habang binubuo ang mga ito, pumunta si Lully upang panoorin ang mga pagtatanghal ng mga mahusay na trahedya na aktor. Itinala niya ang kanilang dramatikong pagbigkas at pagkatapos ay muling ginawa ito sa kanyang mga komposisyon. Pinipili niya ang kanyang sariling mga musikero at aktor at sinasanay sila mismo. Siya mismo ang nag-eensayo ng kanyang mga opera at isinasagawa ang mga ito nang may biyolin sa kanyang mga kamay. Sa kabuuan, gumawa siya at nagtanghal ng 13 "trahedya sa musika" sa teatro: "Cadmus and Hermione" (1673), "Alceste" (1674), "Theseus" (1675), "Atis" (1676), "Isis" (1677), Psyche (1678, bersyon ng opera ng comedy-ballet 1671), Bellerophon (1679), Proserpina (1680), Perseus (1682), Phaeton (1683), Amadis (1684 ), "Roland" (1685) at "Armide" (1687). Ang opera na "Achilles at Polyxena" (1687) ay natapos ni Pascal Colas 3 pagkatapos ng kamatayan ni Lully.

Unang ikatlong bahagi ng ika-18 siglo. ay napakahirap para sa opera art. Maaari silang tawaging mga oras ng kawalang-panahon, aesthetic na pagkalito, isang uri ng desentralisasyon ng opera - kapwa sa kahulugan ng pamamahala sa opera house at sa mga artistikong termino. Malaki malikhaing indibidwal halos hindi lumilitaw 4. Sa maraming mga kompositor na gumanap sa opera house, ang pinakamahalaga ay si Andre Campra (1660 - 1744). Pagkatapos ni Lully, ito ang nag-iisang kompositor na nakapagpalit sa kanya kahit papaano. Tanging ang hitsura lamang ni Rameau ay medyo nag-relegate sa mga gawa ni Kampra sa background. Ang mga pasticcios ng Campra (iyon ay, mga opera na binubuo ng mga sipi mula sa mga opera ng iba't ibang kompositor na may pinakamalaking tagumpay) - "Fragments de Lulli", "Telemaque ou les fragments des modernes" - nagtamasa ng napakalaking tagumpay. Mula sa orihinal na mga gawa Kapansin-pansin ang Campra na “La séyrénade vénétienne ou le jaloux trompé”. Sumulat si Campra ng 28 gawa para sa entablado; Gumawa rin siya ng mga cantata at motet. 5

Sa panahon ni Louis XV, ang opera ng Pransya ay naimpluwensyahan ng ganap na naiiba at kahit na magkasalungat na pwersa: ang pagkawalang-kilos ng mga kabayanihan na nilikha ng klasisismo noong ika-17 siglo; ang impluwensya ng katangi-tanging eleganteng, pinong alahas at, madalas, payapa na Rococo; ang bago, civic at polemically didactic classicism ni Voltaire ang playwright at ng kanyang paaralan; sa wakas, aesthetic na mga ideya mga ensiklopedya (D'Alembert, Diderot at iba pa). Ang tinaguriang "Estilo ng Versailles" ay humawak sa teatro ng kabisera, na pinapanatili ang balangkas at pamamaraan ng klasisismo, ngunit natunaw ang mga ito sa isang makinang, eleganteng divertissement at nakikilala sa pamamagitan ng isang partikular na pinong luho ng produksyon: tanawin, props, costume at dekorasyon ng arkitektura auditorium. Isang mahalagang kadahilanan ang pagbuo ng "estilo ng Versailles" na may katangiang hegemonya ng ballet, ay ang pagbuo at pagpapabuti sa unang kalahati ng ika-18 siglo ng isang bagong paaralang Pranses choreographic art - isang paaralan na lumago sa isang lubhang maimpluwensyang kultural at artistikong puwersa at nagkaroon ng matinding epekto sa Opera theater 6 .

Ang isa pang kompositor ng Pranses na makabuluhang nakaimpluwensya sa musika ng Enlightenment France ay si Jean Philippe Rameau. Ang uri ng opera ni Rameau ay Pranses, hindi Italyano: ang pag-unlad ng musikal ay hindi naaantala, ang paglipat mula sa nakumpletong mga numero ng boses patungo sa mga recitative ay pinapagana. Sa mga opera ni Rameau, ang vocal virtuosity ay hindi sumasakop sa isang sentral na lugar; naglalaman ang mga ito ng maraming mga interlude ng orkestra, at sa pangkalahatan ay binibigyang pansin ang bahaging orkestra sa lahat ng oras; Mahalaga rin ang mga chorus at extended ballet scenes. Kung ikukumpara sa mas huling classical operatic model, mas kaunting vocal ang Rameau at halos pareho ang bilang ng orkestra at koro. Ang himig ni Rameau ay sumusunod sa teksto sa lahat ng oras, na nagbibigay ng kahulugan nito nang mas tumpak kaysa sa Italian aria; kahit na siya ay isang mahusay na melodista, ang vocal line sa kanyang mga opera, sa prinsipyo, ay mas malapit sa recitative kaysa sa cantilena. Ang pangunahing paraan ng pagpapahayag ay hindi nagiging himig, ngunit ang mayaman at nagpapahayag na paggamit ng pagkakaisa - ito ang pagka-orihinal ng istilo ng opera ni Rameau. Ginamit ng kompositor sa kanyang mga marka ang mga kakayahan ng kontemporaryong orkestra ng Paris Opera: mga string, woodwinds, horns at percussion, at Espesyal na atensyon binigyang-pansin niya ang woodwinds, ang mga timbre nito ay lumilikha ng orihinalidad ng orkestra na pangkulay sa mga opera ni Rameau. Ang pagsulat ng koral ay nag-iiba-iba depende sa mga sitwasyon sa entablado ang mga korido ay palaging dramatiko at kadalasang may karakter sa sayaw. Para sa kanyang walang katapusang pagsasayaw at mga eksena sa ballet karaniwang kumbinasyon ng plastik na kagandahan na may emosyonal na pagpapahayag; Ito ay tiyak na ang mga choreographic fragment ng mga opera ni Rameau na agad na bumihag sa nakikinig. Ang mapanlikhang mundo ng kompositor na ito ay napakayaman, at alinman sa mga emosyonal na estado na ibinigay sa libretto ay makikita sa musika. Kaya, ang marubdob na pananabik ay nakuha, halimbawa, sa keyboard plays Timid (La timide) at Conversation of the Muses (L "Entretien des Muses), gayundin sa maraming pastoral na eksena mula sa kanyang mga opera at opera-ballets 7.

Karamihan sa mga gawa ng kompositor ay isinulat noong sinaunang panahon, ngayon ay hindi na umiiral na mga form, ngunit hindi ito nakakaapekto sa anumang paraan sa pagpapahalaga sa kanyang pamana. Maaaring ilagay si Rameau sa tabi ni G. Purcell, at para sa kanyang mga kontemporaryo, siya ay pangalawa lamang kina Bach at Handel. 8

Binubuo ang pamana ni Rameau ng ilang dosenang libro at ilang artikulo sa musika at acoustic theory; apat na volume ng clavier piece (isa sa mga ito, Concert Pieces, para sa clavier at flute na may viola at gamba); ilang motet at solo cantatas; 29 yugto ng mga gawa - opera, opera-ballet at pastoral.

Ipinaliwanag ni Rameau ang kontemporaryong paggamit ng mga chord sa tulong ng isang maayos na sistema batay sa pisikal na katangian ng tunog, at sa bagay na ito siya ay higit pa kaysa sa sikat na acoustician na si J. Sauveur. Totoo, ang teorya ni Rameau, habang nag-iilaw sa kakanyahan ng katinig, ay nag-iiwan ng hindi maipaliwanag na dissonance, na hindi nabuo mula sa mga elemento ng serye ng overtone, pati na rin ang posibilidad na bawasan ang lahat ng mga tempered na tunog sa isang oktaba.

Ngayon, hindi ang teoretikal na pananaliksik ni Rameau ang higit na kahalagahan, kundi ang kanyang musika. Ang kompositor ay nagtrabaho sa parehong oras kasama si J. S. Bach, G. F. Handel, D. Scarlatti at nabuhay silang lahat, ngunit ang gawa ni Rameau ay naiiba sa musika ng kanyang mga dakilang kontemporaryo. Sa ngayon, pinakatanyag ang kanyang mga dula sa keyboard, ngunit ang pangunahing larangan ng aktibidad ng kompositor ay opera. Nakuha niya ang pagkakataong magtrabaho sa mga genre ng entablado na sa edad na 50 at sa 12 taon ay nilikha niya ang kanyang pangunahing mga obra maestra - ang mga liriko na trahedya na "Hippolytus at Arisia" (1733), "Castor and Pollux" (1737) at "Dardan" ( dalawang edisyon - 1739 at 1744); mga opera at ballet na "Gallant India" (1735) at "The Celebrations of Hebe" (1739); lyrical comedy na "Platea" (1745). Gumawa si Rameau ng mga opera hanggang siya ay 80 taong gulang, at bawat isa sa mga ito ay naglalaman ng mga fragment na nagpapatunay sa kanyang katanyagan bilang isang mahusay na manunulat ng dulang musikal 9 .

May papel din ang mga ideya ng mga ensiklopedya malaki ang bahagi bilang paghahanda para sa reporma ng K.V. Gluck, na humantong sa paglikha ng isang bagong istilo ng opera na naglalaman ng mga aesthetic ideals ng ikatlong estate sa bisperas ng Great French Revolution. Ang paggawa sa Paris ng mga opera ni Gluck na Iphigenia sa Aulis (1774), Armida (1777), at Iphigenia sa Tauris (1779) ay nagpatindi ng pakikibaka sa pagitan ng mga direksyon. Ang mga tagasunod ng lumang French opera, pati na rin ang mga tagasuporta ng Italian opera, na sumasalungat kay Gluck, ay ikinumpara siya sa tradisyonal na gawain ni N. Piccinni. Ang pakikibaka sa pagitan ng "Gluckists" at "Piccinnists" (Gluck ay lumitaw na nanalo) ay sumasalamin sa malalim na pagbabago sa ideolohiya na naganap sa France noong ika-2 kalahati ng ika-18 siglo.

Sa mga opera nina Lully at Rameau, isang espesyal na uri ng overture ang nabuo, na kalaunan ay tinawag na Pranses. Ito ay isang malaki at makulay na orkestra na piraso na binubuo ng tatlong bahagi. Ang matinding paggalaw ay mabagal, solemne, na may kasaganaan ng mga maikling sipi at iba pang magagandang dekorasyon ng pangunahing tema. Para sa gitna ng pag-play, bilang isang panuntunan, isang mabilis na tempo ang napili (halata na ang mga may-akda ay may napakatalino na utos ng lahat ng mga diskarte ng polyphony). Ang nasabing overture ay hindi na isang kaswal na numero kung saan ang mga huli ay maingay na nakaupo, ngunit isang seryosong gawain na nagdala sa tagapakinig sa aksyon at nagsiwalat ng maraming posibilidad ng tunog ng orkestra. Mula sa mga opera, ang French overture sa lalong madaling panahon ay lumipat sa chamber music at kalaunan ay madalas na ginagamit sa mga gawa ng German composers na sina G. F. Handel at J. S. Bach. Sa larangan ng instrumental na musika sa France, ang mga pangunahing tagumpay ay nauugnay sa clavier. Ang musika sa keyboard ay kinakatawan sa dalawang genre. Ang isa sa mga ito ay mga miniature play, simple, elegante, sopistikado. Mahalaga sila maliliit na bahagi, sumusubok na maglarawan ng tanawin o tanawin na may mga tunog. Ang mga French harpsichordist ay lumikha ng isang espesyal na estilo ng melodic, na puno ng mga katangi-tanging dekorasyon - melismas (mula sa Griyego na "melos" - "kanta", "melody"), na isang "puntas" ng mga maikling tunog na maaari ring bumuo ng isang maliit na himig. Mayroong maraming mga uri ng melismas; sila ay ipinahiwatig sa musikal na teksto na may mga espesyal na palatandaan. Dahil ang harpsichord ay walang matatag na tunog, ang mga melisma ay kadalasang kinakailangan upang makalikha ng tuluy-tuloy na melody o parirala. Ang isa pang genre ng French keyboard music ay ang suite (mula sa French suite - "row", "sequence"). Ang ganitong gawain ay binubuo ng ilang bahagi - mga piraso ng sayaw, na magkakaibang katangian; sumunod sila sa isa't isa. Para sa bawat suite, apat na pangunahing sayaw ang kailangan: allemande, courante, sarabande at gigue. Ang suite ay maaaring tawaging isang internasyonal na genre, dahil kasama dito ang mga sayaw mula sa iba't ibang pambansang kultura. Allemande (mula sa French allemande - "Aleman"), halimbawa, ng Aleman na pinagmulan, ang chime (mula sa French courante - "tumatakbo") - Italyano, ang lugar ng kapanganakan ng sarabande (Spanish zarabanda) - Spain, jigs (Ingles, jig) - England . Ang bawat isa sa mga sayaw ay may sariling katangian, sukat, ritmo, tempo. Unti-unti, bilang karagdagan sa mga sayaw na ito, nagsimulang magsama ang suite ng iba pang mga numero - minuet, gavotte, atbp. Ang genre ng suite ay natagpuan ang mature na embodiment nito sa mga gawa ng Handel at Bach 10.

Malaki rin ang impluwensya ng Rebolusyong Pranses sa musika. Sa mga taong ito, naging laganap ang comic opera (bagaman ang mga unang comic opera ay lumitaw sa pagtatapos ng ika-17 siglo 11) - karamihan ay mga one-act na pagtatanghal batay sa katutubong musika. Ang genre na ito ay napakapopular sa mga tao - ang mga motibo at salita ng mga talata ay madaling maalala. Ang comic opera ay naging laganap noong ika-19 na siglo. Ngunit gayon pa man, ang pinakasikat na genre ay walang alinlangan ang kanta. Ang bagong panlipunang tungkulin ng musika, na isinilang ng rebolusyonaryong sitwasyon, ay nagbunga ng mga mass genre, kabilang ang mga martsa at kanta (“Awit ng ika-14 ng Hulyo” ni Gossec), mga komposisyon para sa ilang koro at orkestra (Lesueur, Megul). Nalikha ang mga awiting makabayan. Sa mga taon ng rebolusyon (1789 - 1794), mahigit 1,500 bagong kanta ang lumitaw. Ang musika ay bahagyang hiniram mula sa mga comic opera at mga katutubong kanta noong ika-16 hanggang ika-17 siglo. 4 na kanta ang lalo na minamahal: "Saera" (1789), "Marching Song" (1794), "Carmagnola" (1792) - ang pangalan ay malamang na nagmula sa pangalan ng lungsod ng Italya ng Carmagnola, kung saan ang karamihan sa populasyon ay nagtatrabaho. mahirap, "Marseillaise" rebolusyonaryong awit; ngayon ang pambansang awit; binubuo at itinakda sa musika ni Rouget de Lisle sa Strasbourg pagkatapos ng deklarasyon ng digmaan noong Abril 1792. Sa ilalim ng impluwensya ng rebolusyonaryong ideolohiya, lumitaw ang mga bagong genre - mga pagtatanghal ng propaganda gamit ang malalaking masa ng koro (“The Republican Chosen, or the Feast of Reason” ni Grétry, 1794; "The Triumph of the Republic, or Camp at Grandpre" ni Gossec. 1793), gayundin ang "opera of salvation", na kinulayan ng romansa ng rebolusyonaryong pakikibaka laban sa paniniil ("Lodoiska", 1791, at "Water Carrier", 1800, Cherubini; "The Cave" ni Lesueur, 1793) 12. Naapektuhan din ng mga rebolusyonaryong pagbabago ang sistema ng edukasyon sa musika. Ang mga paaralan ng simbahan (metrises) ay inalis, at noong 1793 ang National Institute of Music ay nilikha sa Paris batay sa pinagsamang paaralan ng musika ng National Guard at ang Royal School of Singing and Declamation (mula 1795 - ang Conservatory of Music and Declamation ). Ang Paris ay naging pinakamahalagang sentro ng edukasyong pangmusika.

Konklusyon

Ang musikang Pranses ng Enlightenment ay nabuo ayon sa panahon mismo. Kaya, ang French comic opera mula sa isang patas na komedya na may musika ay naging isang itinatag na musikal at theatrical na genre ng independiyenteng kahalagahan, na kinakatawan ng mga pangunahing artistikong figure ng iba't ibang personalidad, maraming uri ng genre, at isang malaking bilang ng mga kawili-wili, maimpluwensyang mga gawa.

Ang musika, tulad ng dati, ay binuo nang sabay-sabay sa maraming direksyon - opisyal at katutubong. Absolutism ay parehong isang katalista at isang inhibitor ng pag-unlad ng opisyal - iyon ay, opera, ballet, sa pangkalahatan, theatrical - musika sa isang banda, mayroong isang estado order para sa pagsulat at pagganap ng musika, sa kabilang banda; monopolyo ng estado, na halos hindi pinahintulutan ang mga bagong kompositor at kilusan na bumuo.

Ang katutubong musika ay naging laganap salamat sa Great French Revolution sa mga himno, martsa, at kanta, na halos imposible na ngayong maitatag ang pagiging may-akda, ngunit hindi nawala ang kanilang kultural na halaga.

Listahan ng ginamit na panitikan

1. 
   K. K. Rosenshield Music sa France XVII - maagang XVIII siglo, - M.: "Musika", 1979
2. 
   Encyclopedic Dictionary ng Brockhaus at Efron (1890-1907).
3. 
   Great Soviet Encyclopedia

Mga mapagkukunan sa Internet:

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga mag-aaral, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru

" Musical art saehhuwag kang magtampoPmadaling araw"

Mga mag-aaral ng pangkat 1ESTO

Syrovatchenko Olga

kapanahunanPmadaling araw

Ang Edad ng Enlightenment ay isa sa mga pangunahing panahon sa kasaysayan ng kulturang Europeo, na nauugnay sa pag-unlad ng siyentipikong, pilosopikal at panlipunang pag-iisip. Ang kilusang intelektwal na ito ay batay sa rasyonalismo at malayang pag-iisip. Simula sa England, kumalat ang kilusang ito sa France, Germany, Russia at sumaklaw sa iba pang bansa sa Europa. Ang mga French enlightener ay lalo na maimpluwensyahan, na naging "mga master ng pag-iisip."

Ang sining ng musika ay maaaring mailagay sa isang par sa teatro at sining ng panitikan. Ang mga opera at iba pang mga musikal ay isinulat sa mga tema ng mga gawa ng mga mahuhusay na manunulat at manunulat ng dula.

Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, lumitaw ang sining ng klasikal na paaralan ng musika ng Viennese, na gumaganap ng isang mapagpasyang papel sa lahat ng kasunod na kulturang musikal sa Europa.

Ang pag-unlad ng musikal na sining ay, una sa lahat, na nauugnay sa mga pangalan ng mga mahusay na kompositor bilang I.S. Bach, G.F. Handel, J. Haydn, V.A. Mozart, LW Beethoven.

Franz Joseph Haydn

Si Franz Joseph Haydn (Marso 31, 1732 - Mayo 31, 1809) ay isang Austrian na kompositor, isang kinatawan ng Viennese classical na paaralan, isa sa mga tagapagtatag ng mga genre ng musika tulad ng symphony at string quartet. Ang tagalikha ng himig, na kalaunan ay naging batayan ng mga awit ng Alemanya at Austria-Hungary.

Kabataan. Si Joseph Haydn (ang kompositor mismo ay hindi kailanman tinawag ang kanyang sarili na Franz) ay ipinanganak noong Marso 31, 1732 sa ari-arian ng Counts of Harrach - ang Lower Austrian village ng Rohrau, malapit sa hangganan ng Hungary, sa pamilya ni Matthias Haydn (1699-1763). ). Ang kanyang mga magulang, na seryosong interesado sa mga vocal at amateur music-making, ay nakatuklas ng mga kakayahan sa musika sa batang lalaki at noong 1737 ay ipinadala siya sa mga kamag-anak sa lungsod ng Hainburg an der Donau, kung saan nagsimulang mag-aral si Joseph ng choral singing at musika. Noong 1740, si Joseph ay napansin ni Georg von Reutter, direktor ng kapilya ng Vienna's St. Stefan. Dinala ni Reutter ang mahuhusay na batang lalaki sa koro, at kumanta siya sa koro sa loob ng siyam na taon (kabilang ang ilang taon kasama ang kanyang mga nakababatang kapatid).

Ang pag-awit sa isang koro ay isang mahusay, ngunit ang paaralan lamang para kay Haydn. Habang umuunlad ang kanyang mga kakayahan, naatasan siya ng mahihirap na solong bahagi. Kasama ang koro, madalas na gumanap si Haydn sa mga pagdiriwang ng lungsod, kasal, libing, at nakikibahagi sa mga pagdiriwang sa korte.

Noong 1749, nagsimulang masira ang boses ni Joseph at siya ay pinalayas sa koro. Ang sumunod na sampung taon ay napakahirap para sa kanya. Si Josef ay kumuha ng iba't ibang mga trabaho, kabilang ang pagiging isang katulong sa Italyano na kompositor na si Nicola Porpora, kung saan siya ay kumuha din ng mga aralin sa komposisyon. Sinubukan ni Haydn na punan ang mga puwang sa kanyang edukasyon sa musika sa pamamagitan ng masigasig na pag-aaral ng mga gawa ni Emmanuel Bach at ang teorya ng komposisyon. Ang mga sonata ng harpsichord na isinulat niya sa panahong ito ay inilathala at nakatawag pansin. Ang kanyang unang mga pangunahing gawa ay dalawang brevis masses, F-dur at G-dur, na isinulat ni Haydn noong 1749 bago siya umalis sa kapilya ng St. Stefan; opera na "The Lame Demon" (hindi napanatili); tungkol sa isang dosenang quartets (1755), ang unang symphony (1759).

Noong 1759, natanggap ng kompositor ang posisyon ng bandmaster sa korte ng Count Karl von Morzin, kung saan natagpuan ni Haydn ang kanyang sarili na may isang maliit na orkestra, kung saan binubuo ng kompositor ang kanyang mga unang symphony. Gayunpaman, si von Mortzin ay nagsimulang makaranas ng mga paghihirap sa pananalapi at tumigil sa kanyang proyekto sa musika.

Noong 1760, pinakasalan ni Haydn si Maria Anna Keller. Wala silang mga anak, na labis na ikinalulungkot ng kompositor.

Serbisyo sa Esterhazy. Noong 1761, isang nakamamatay na kaganapan ang naganap sa buhay ni Haydn - siya ang naging pangalawang bandmaster sa korte ng mga prinsipe ng Esterhazy, isa sa mga pinaka-maimpluwensyang at makapangyarihang aristokratikong pamilya sa Austria. Kasama sa mga tungkulin ng bandmaster ang pagbuo ng musika, pamumuno sa orkestra, pagtugtog ng chamber music para sa patron at pagtatanghal ng mga opera.

Sa kanyang halos tatlumpung taong karera sa Esterhazy court, ang kompositor ay gumawa ng isang malaking bilang ng mga gawa, at ang kanyang katanyagan ay lumalaki. Noong 1781, habang nananatili sa Vienna, nakilala at naging kaibigan ni Haydn si Mozart. Nagbigay siya ng mga aralin sa musika kay Sigismund von Neukom, na kalaunan ay naging matalik niyang kaibigan.

Noong Pebrero 11, 1785, pinasimulan si Haydn sa Masonic lodge na “Toward True Harmony” (“Zur wahren Eintracht”). Hindi nakadalo si Mozart sa dedikasyon dahil dumalo siya sa isang konsiyerto kasama ang kanyang ama na si Leopold.

Sa buong ika-18 siglo, sa ilang mga bansa (Italy, Germany, Austria, France at iba pa), naganap ang mga proseso ng pagbuo ng mga bagong genre at anyo ng instrumental na musika, na sa wakas ay nabuo at umabot sa kanilang rurok sa tinatawag na " Viennese classical school" - sa mga gawa ni Haydn, Mozart at Beethoven . Sa halip na polyphonic texture, ang homophonic-harmonic na texture ay nakakuha ng malaking kahalagahan, ngunit sa parehong oras, ang mga polyphonic episode ay madalas na kasama sa malalaking instrumental na gawa, na nagpapasigla sa musikal na tela.

Libreng musikero muli. Noong 1790, namatay si Prinsipe Nikolai Esterhazy (Ingles) Ruso, at ang kanyang anak at kahalili, si Prinsipe Anton (Ingles) Ruso, na hindi mahilig sa musika, ay nilusaw ang orkestra. Noong 1791, nakatanggap si Haydn ng kontrata para magtrabaho sa England. Kasunod nito, nagtrabaho siya nang husto sa Austria at Great Britain. Dalawang paglalakbay sa London, kung saan isinulat niya ang kanyang pinakamahusay na mga symphony para sa mga konsiyerto ni Solomon, ang higit na nagpalakas sa katanyagan ni Haydn.

Habang dumadaan sa Bonn noong 1792, nakilala niya ang batang Beethoven at kinuha siya bilang isang mag-aaral.

Pagkatapos ay nanirahan si Haydn sa Vienna, kung saan isinulat niya ang kanyang dalawang sikat na oratorio: "The Creation of the World" (1799) at "The Seasons" (1801).

Sinubukan ni Haydn ang kanyang kamay sa lahat ng uri ng komposisyon ng musikal, ngunit hindi sa lahat ng mga genre ang kanyang pagkamalikhain ay nagpakita ng kanyang sarili na may pantay na puwersa.

Sa larangan ng instrumental na musika, tama siyang itinuturing na isa sa mga pinakadakilang kompositor ng ikalawang kalahati ng ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo.

Ang kadakilaan ni Haydn bilang isang kompositor ay higit na kitang-kita sa kanyang dalawang huling obra: ang dakilang oratorio na “The Creation of the World” (1798) at “The Seasons” (1801). Ang oratorio "The Seasons" ay maaaring magsilbi bilang isang huwarang pamantayan ng musical classicism. Sa pagtatapos ng kanyang buhay, nasiyahan si Haydn ng napakalaking katanyagan.

Ang paggawa sa mga oratorio ay nagpapahina sa lakas ng kompositor. Ang kanyang mga huling gawa ay "Harmoniemesse" (1802) at ang hindi natapos na string quartet op. 103 (1802). Ang mga huling sketch ay nagmula noong 1806 pagkatapos ng petsang ito, si Haydn ay hindi sumulat ng anupaman. Namatay ang kompositor sa Vienna noong Mayo 31, 1809.

Kabilang sa malikhaing pamana ng kompositor ang 104 symphony, 83 quartets, 52 piano sonatas, oratorio (The Creation of the World and The Seasons), 14 na masa, 24 na opera.

Listahan ng mga sanaysay:

Musika ng silid:

§ 12 sonata para sa violin at piano (kabilang ang sonata sa E minor, sonata sa D major)

§ 83 string quartets para sa dalawang violin, viola at cello

§ 7 duet para sa violin at viola

§ 40 trio para sa piano, violin (o flute) at cello

§ 21 trio para sa 2 violin at cello

§ 126 trio para sa baritone, viola (violin) at cello

§ 11 trio para sa magkahalong hangin at mga string

35 concerto para sa isa o higit pang mga instrumento na may orkestra, kabilang ang:

§ apat na konsyerto para sa biyolin at orkestra

§ dalawang concerto para sa cello at orkestra

§ dalawang konsyerto para sa sungay at orkestra

§ 11 concerto para sa piano at orkestra

§ 6 na organ concert

§ 5 concerto para sa dalawang gulong na lira

§ 4 na konsyerto para sa baritone at orkestra

§ Concerto para sa double bass at orkestra

§ Konsiyerto para sa plauta at orkestra

§ Konsiyerto para sa trumpeta at orkestra

§ 13 divertisement na may clavier

Mayroong 24 na opera sa kabuuan, kabilang ang:

§ “Ang Lame Demon” (Der krumme Teufel), 1751

§ "True Permanence"

§ "Orpheus at Eurydice, o ang Kaluluwa ng isang Pilosopo", 1791

§ “Asmodeus, o ang Bagong Pilay na Demonyo”

§ “Pharmacist”

§ "Acis at Galatea", 1762

§ “Desert Island” (L"lsola disabitata)

§ "Armida", 1783

§ “Mga Babaing Mangingisda” (Le Pescatrici), 1769

§ “Nalinlang na pagtataksil” (L"Infedelta delusa)

§ “Isang Di-inaasahang Pagpupulong” (L"Incontro improviso), 1775

§ “The Lunar World” (II Mondo della luna), 1777

§ “True Constancy” (La Vera costanza), 1776

§ “Ginagantimpalaan ng Katapatan” (La Fedelta premiata)

§ "Roland the Paladin" (Orlando Рaladino), isang heroic-comic opera batay sa balangkas ng tula ni Ariosto na "Roland the Furious"

14 na oratorio, kabilang ang:

§ "Paglikha ng mundo"

§ "Mga Season"

§ “Pitong salita ng Tagapagligtas sa krus”

§ "Pagbabalik ni Tobias"

§ Allegorical cantata-oratorio “Palakpakan”

§ oratorio hymn Stabat Mater

14 na masa, kabilang ang:

§ maliit na masa (Missa brevis, F-dur, mga 1750)

§ malaking organ mass Es-dur (1766)

§ Misa bilang parangal kay St. Nicholas (Missa in honorem Sancti Nicolai, G-dur, 1772)

§ Misa ng St. Caeciliae (Missa Sanctae Caeciliae, c-moll, sa pagitan ng 1769 at 1773)

§ maliit na organ mass (B major, 1778)

§ Mariazellermesse, C-dur, 1782

§ Misa na may timpani, o Misa noong panahon ng digmaan (Paukenmesse, C-dur, 1796)

§ Mass Heiligmesse (B-dur, 1796)

§ Nelson-Messe, d-moll, 1798

§ Misa Theresa (Theresienmesse, B-dur, 1799)

§ Misa na may temang mula sa oratorio na “The Creation of the World” (Schopfungsmesse, B-dur, 1801)

§ Misa na may mga instrumentong panghihip (Harmoniemesse, B-dur, 1802)

Isang kabuuan ng 104 symphony, kabilang ang:

§ “Farewell Symphony”

§ "Oxford Symphony"

§ “Fneral Symphony”

§ 6 Paris Symphony (1785-1786)

§ 12 London Symphony (1791-1792, 1794-1795), kasama ang Symphony No. 103 “With tremolo timpani”

§ 66 divertisement at cassations

Gumagana para sa piano:

§ Mga pantasya, mga pagkakaiba-iba

§ 52 piano sonata

LudwigVisang Beethoven

Si Ludwig van Beethoven ay isang Aleman na kompositor, conductor at pianist, isa sa tatlong "Viennese classics".

Si Beethoven ay isang pangunahing tauhan sa Kanluraning klasikal na musika sa panahon sa pagitan ng klasiko at romantikismo, isa sa mga pinakarespetado at gumanap na kompositor sa mundo. Sumulat siya sa lahat ng mga genre na umiral sa kanyang panahon, kabilang ang opera, musika para sa mga dramatikong pagtatanghal, mga choral works. Ang pinakamahalaga sa kanyang pamana ay itinuturing na mga instrumental na gawa: piano, violin at cello sonatas, concertos para sa piano, violin, quartets, overtures, symphony. Ang gawa ni Beethoven ay nagkaroon ng malaking epekto sa symphony noong ika-19 at ika-20 siglo.

Si Ludwig van Beethoven ay ipinanganak noong Disyembre 1770 sa Bonn. Ang eksaktong petsa ng kapanganakan ay hindi naitatag, marahil ito ay Disyembre 16, tanging ang petsa ng binyag ay alam - Disyembre 17, 1770 sa Bonn sa Simbahang Katoliko ng St. Remigius. Ang kanyang ama na si Johann ( Johann van Beethoven, 1740-1792) ay isang mang-aawit, tenor, sa kapilya ng korte, ang ina na si Mary Magdalene, bago ang kanyang kasal na si Keverich ( Maria Magdalena Keverich, 1748-1787), ay anak ng chef ng korte sa Koblenz, nagpakasal sila noong 1767. Si Lolo Ludwig (1712-1773) ay nagsilbi sa parehong kapilya ni Johann, una bilang isang mang-aawit, bass, at pagkatapos ay bilang bandmaster. Siya ay orihinal na mula sa Mechelen sa Southern Netherlands, kaya ang prefix na "van" sa kanyang apelyido. Nais ng ama ng kompositor na gawing pangalawang Mozart ang kanyang anak at nagsimulang turuan siyang tumugtog ng harpsichord at violin. Noong 1778, ang unang pagtatanghal ng batang lalaki ay naganap sa Cologne. Gayunpaman, si Beethoven ay hindi naging isang himalang bata; ipinagkatiwala ng kanyang ama ang bata sa kanyang mga kasamahan at kaibigan. Tinuruan ng isa si Ludwig na tumugtog ng organ, ang isa naman ay nagturo sa kanya na tumugtog ng biyolin.

Noong 1780, dumating sa Bonn ang organista at kompositor na si Christian Gottlob Nefe. Siya ang naging tunay na guro ni Beethoven. Napagtanto agad ni Nefe na may talent ang bata. Ipinakilala niya si Ludwig sa Well-Tempered Clavier ni Bach at sa mga gawa ni Handel, pati na rin ang musika ng kanyang mga nakatatandang kontemporaryo: F. E. Bach, Haydn at Mozart. Salamat sa Nefa, nai-publish ang unang gawa ni Beethoven - mga pagkakaiba-iba sa tema ng martsa ni Dressler. Labindalawang taong gulang si Beethoven noong panahong iyon, at nagtatrabaho na siya bilang katulong sa organist ng korte.

Pagkamatay ng kanyang lolo, lumala ang kalagayang pinansyal ng pamilya. Kinailangan ni Ludwig na umalis nang maaga sa paaralan, ngunit natuto siya ng Latin, nag-aral ng Italyano at Pranses, at maraming nagbasa. Nang maging isang may sapat na gulang, inamin ng kompositor sa isa sa kanyang mga liham:

Kabilang sa mga paboritong manunulat ni Beethoven ay ang mga sinaunang Griyegong may-akda na sina Homer at Plutarch, ang English playwright na si Shakespeare, at ang mga makatang Aleman na sina Goethe at Schiller.

Sa oras na ito, nagsimulang gumawa ng musika si Beethoven, ngunit hindi nagmamadaling i-publish ang kanyang mga gawa. Karamihan sa kanyang isinulat sa Bonn ay pagkatapos ay binago niya. Tatlong sonata ng mga bata at ilang kanta ang kilala mula sa mga kabataang gawa ng kompositor, kabilang ang "The Groundhog."

Nalaman ni Beethoven ang sakit ng kanyang ina at bumalik sa Bonn. Namatay siya noong Hulyo 17, 1787. Ang labing pitong taong gulang na batang lalaki ay napilitang maging pinuno ng pamilya at alagaan ang kanyang mga nakababatang kapatid na lalaki. Sumali siya sa orkestra bilang isang biyolista. Itinatanghal dito ang mga opera ng Italyano, Pranses at Aleman. Ang mga opera nina Gluck at Mozart ay gumawa ng isang partikular na malakas na impresyon sa binata.

Noong 1789, si Beethoven, na gustong ipagpatuloy ang kanyang pag-aaral, ay nagsimulang dumalo sa mga lektura sa unibersidad. Sa oras na ito, ang balita ng rebolusyon sa France ay dumating sa Bonn. Ang isa sa mga propesor sa unibersidad ay naglathala ng isang koleksyon ng mga tula na lumuluwalhati sa rebolusyon. Nag-subscribe dito si Beethoven. Pagkatapos ay binubuo niya ang "Awit ng Isang Malayang Tao", na naglalaman ng mga salitang: "Siya ay malaya para sa kanino ang mga pakinabang ng kapanganakan at titulo ay walang kahulugan."

Habang naninirahan sa Bonn siya ay sumali sa Freemasonry. Walang eksaktong petsa ng pagsisimula nito. Nabatid na siya ay naging Freemason noong binata pa. Ang katibayan ng Freemasonry ni Beethoven ay isang liham na isinulat ng kompositor sa Freemason na si Franz Wegeler, kung saan ipinahayag niya ang kanyang pahintulot na italaga ang isa sa kanyang mga cantata, na kilala bilang "Das Werk beginnt sa Freemasonry!" Nabatid din na sa paglipas ng panahon ay nawalan ng interes si Beethoven sa Freemasonry at hindi naging aktibong bahagi sa mga aktibidad nito.

Huminto si Haydn sa Bonn sa kanyang paglalakbay mula sa England. Nagsalita siya nang may pagsang-ayon sa mga eksperimento sa komposisyon ni Beethoven. Nagpasya ang binata na pumunta sa Vienna upang kumuha ng mga aralin mula sa sikat na kompositor, dahil pagkatapos bumalik mula sa England ay naging mas sikat si Haydn. Noong taglagas ng 1792, iniwan ni Beethoven ang Bonn.

Unang sampung taon sa Vienna. Pagdating sa Vienna, nagsimulang mag-aral si Beethoven kay Haydn, at pagkatapos ay sinabing walang itinuro sa kanya si Haydn; Mabilis na binigo ng mga klase ang mag-aaral at guro. Naniniwala si Beethoven na si Haydn ay hindi sapat na matulungin sa kanyang mga pagsisikap; Natakot si Haydn hindi lamang sa matapang na pananaw ni Ludwig sa oras na iyon, kundi pati na rin sa medyo madilim na melodies, na bihira sa mga taong iyon.

Hindi nagtagal ay umalis si Haydn patungong England at ibinigay ang kanyang estudyante sa sikat na guro at teorista na si Albrechtsberger. Sa huli, si Beethoven mismo ang pumili ng kanyang mentor - si Antonio Salieri.

Nasa mga unang taon na ng kanyang buhay sa Vienna, si Beethoven ay nakakuha ng katanyagan bilang isang birtuoso na pianista. Ang kanyang pagganap ay namangha sa mga manonood.

Matapang na inihambing ni Beethoven ang mga extreme registers (at sa oras na iyon ay karamihan ay nilalaro nila sa gitna), ginamit ang malawak na pedal (bihira na rin itong gamitin noon), at gumamit ng malalaking chord harmonies. Sa katunayan, siya ang lumikha estilo ng piano malayo sa katangi-tanging lacy na paraan ng mga harpsichordists.

Ang istilong ito ay makikita sa kanyang piano sonatas No. 8 "Pathetique" (pamagat na ibinigay ng mismong kompositor), No. 13 at No. 14. Parehong may subtitle ng may-akda Sonata quasi una Fantasia(“sa diwa ng pantasya”). Ang makata na si Relshtab ay tinawag na Sonata No. 14 na "Liwanag ng Buwan," at bagama't ang pangalang ito ay angkop lamang sa unang paggalaw at hindi sa pangwakas, ito ay nananatili sa buong akda.

Namumukod-tangi rin si Beethoven sa kanyang hitsura sa mga kababaihan at mga ginoo noong panahong iyon. Halos palagi siyang nasusumpungan na walang ingat na bihis at gusgusin.

Sa ibang pagkakataon, binisita ni Beethoven si Prince Likhnovsky. Si Likhnovsky ay may malaking paggalang sa kompositor at isang tagahanga ng kanyang musika. Gusto niyang maglaro si Beethoven sa harap ng karamihan. Tumanggi ang kompositor. Nagsimulang magpilit si Likhnovsky at inutusan pa niyang sirain ang pinto ng silid kung saan ikinulong ni Beethoven ang sarili. Ang galit na galit na kompositor ay umalis sa estate at bumalik sa Vienna. Kinaumagahan nagpadala si Beethoven ng isang liham kay Likhnovsky: " Prinsipe! Utang ko kung ano ako sa sarili ko. Libu-libong mga prinsipe ang umiiral at iiral, ngunit ang Beethoven - isa lang!»

Ang mga gawa ni Beethoven ay nagsimulang mailathala nang malawakan at nasiyahan sa tagumpay. Sa unang sampung taon na ginugol sa Vienna, dalawampung sonata para sa piano at tatlo konsiyerto ng piano, walong violin sonata, quartets at iba pang mga gawa sa silid, ang oratorio na "Christ on the Mount of Olives," ang ballet na "The Works of Prometheus," ang Una at Ikalawang Symphony.

Noong 1796, nagsimulang mawalan ng pandinig si Beethoven. Nagkakaroon siya ng tinitis, isang pamamaga ng panloob na tainga na humahantong sa pag-ring sa mga tainga. Sa payo ng mga doktor, nagretiro siya ng mahabang panahon sa maliit na bayan ng Heiligenstadt. Gayunpaman, ang kapayapaan at katahimikan ay hindi nagpapabuti sa kanyang kagalingan. Nagsimulang maunawaan ni Beethoven na ang pagkabingi ay hindi magagamot. Sa mga kalunos-lunos na araw na ito, sumulat siya ng isang liham na tatawaging heiligenstadt will. Pinag-uusapan ng kompositor ang kanyang mga karanasan at inamin na malapit na siyang magpakamatay:

Sa Heiligenstadt, sinimulan ng kompositor ang trabaho sa isang bagong Third Symphony, na tatawagin niyang Heroic.

Bilang resulta ng pagkabingi ni Beethoven, ang mga natatanging makasaysayang dokumento ay napanatili: "mga notebook ng pag-uusap", kung saan isinulat ng mga kaibigan ni Beethoven ang kanilang mga puna para sa kanya, kung saan siya ay tumugon nang pasalita o sa isang tala ng tugon.

Gayunpaman, ang musikero na si Schindler, na may dalawang kuwaderno na may mga recording ng mga pag-uusap ni Beethoven, ay lumilitaw na sinunog ang mga ito, yamang “naglalaman ang mga ito ng pinaka-bastos, mapait na pag-atake laban sa emperador, gayundin sa prinsipe ng korona at iba pang matataas na opisyal. Ito, sa kasamaang-palad, ang paboritong tema ni Beethoven; sa pag-uusap, patuloy na nagagalit si Beethoven sa mga kapangyarihan, sa kanilang mga batas at regulasyon.”

Pagkaraan ng mga taon (1802-1815). Noong si Beethoven ay 34 taong gulang, tinalikuran ni Napoleon ang mga mithiin ng Rebolusyong Pranses at idineklara ang kanyang sarili na emperador. Samakatuwid, tinalikuran ni Beethoven ang kanyang mga intensyon na ialay ang kanyang Third Symphony sa kanya: "Ang Napoleon na ito ay isang ordinaryong tao din. Ngayon ay tatapakan niya ang lahat ng karapatang pantao at magiging isang malupit.”

Sa gawaing piano, ang sariling istilo ng kompositor ay kapansin-pansin na sa mga unang sonata, ngunit sa symphonic music maturity ay dumating sa kanya mamaya. Ayon kay Tchaikovsky, sa ikatlong symphony lamang " sa unang pagkakataon nahayag ang lahat ng napakalawak, kamangha-manghang kapangyarihan ng malikhaing henyo ni Beethoven».

Dahil sa pagkabingi, si Beethoven ay bihirang umalis ng bahay at pinagkaitan ng sound perception. Siya ay nagiging madilim at umatras. Sa mga taong ito na nilikha ng kompositor ang kanyang pinakatanyag na mga gawa nang sunud-sunod. Sa parehong mga taon na ito, nagtrabaho si Beethoven sa kanyang nag-iisang opera, si Fidelio. Ang opera na ito ay kabilang sa genre ng "horror and salvation" na mga opera. Ang tagumpay para kay Fidelio ay dumating lamang noong 1814, nang ang opera ay unang itinanghal sa Vienna, pagkatapos ay sa Prague, kung saan ito ay isinagawa ng sikat na Aleman na kompositor na si Weber, at sa wakas ay sa Berlin.

Ilang sandali bago siya namatay, ibinigay ng kompositor ang manuskrito ni Fidelio sa kanyang kaibigan at kalihim na si Schindler na may mga salitang: " Ang anak na ito ng aking espiritu ay isinilang sa mas matinding paghihirap kaysa sa iba, at nagdulot sa akin ng matinding kalungkutan. Iyon ang dahilan kung bakit ito ay mas mahal sa akin kaysa sa iba...»

Mga nakaraang taon. Pagkatapos ng 1812, ang malikhaing aktibidad ng kompositor ay tumanggi nang ilang sandali. Gayunpaman, pagkatapos ng tatlong taon ay nagsimula siyang magtrabaho nang may parehong enerhiya. Sa oras na ito, nilikha ang mga sonata ng piano mula ika-28 hanggang sa huli, ika-32, dalawang cello sonata, quartets, at ang vocal cycle na "To a Distant Beloved". Maraming oras din ang inilalaan sa mga adaptasyon ng mga awiting bayan. Kasama ng Scottish, Irish, Welsh, mayroon ding mga Ruso. Ngunit ang mga pangunahing likha ng mga nakaraang taon ay ang dalawang pinaka-kahanga-hangang gawa ni Beethoven - "Solemn Mass" at Symphony No. 9 na may koro.

Ang Ninth Symphony ay ginanap noong 1824. Isang standing ovation ang binigay ng audience sa composer. Nabatid na si Beethoven ay nakatayo nang nakatalikod sa madla at walang narinig, pagkatapos ay hinawakan ng isa sa mga mang-aawit ang kanyang kamay at pinaharap siya sa madla. Kumaway ang mga tao ng scarves, sombrero, at kamay, binabati ang kompositor. Nagtagal ang palakpakan kaya hiniling ng mga pulis na naroroon na itigil ito. Ang gayong mga pagbati ay pinahihintulutan lamang na may kaugnayan sa katauhan ng emperador.

Sa Austria, pagkatapos ng pagkatalo ni Napoleon, itinatag ang isang rehimeng pulis. Ang gobyerno, na natakot sa rebolusyon, ay pinigilan ang anumang "malayang pag-iisip." Maraming lihim na ahente ang nakapasok sa lahat ng antas ng lipunan. Sa mga aklat ng pag-uusap ni Beethoven ay may mga babala paminsan-minsan: “ Tahimik! Ingat, may espiya dito!"At, marahil, pagkatapos ng ilang partikular na matapang na pahayag mula sa kompositor: " Mapupunta ka sa plantsa!»

Gayunpaman, ang katanyagan ni Beethoven ay napakahusay na ang gobyerno ay hindi nangahas na hawakan siya. Sa kabila ng kanyang pagkabingi, patuloy na nakikibalita ang kompositor hindi lamang sa mga balitang pampulitika kundi pati na rin sa musika. Binabasa niya (iyon ay, nakikinig sa kanyang panloob na tainga) ang mga marka ng mga opera ni Rossini, tinitingnan ang isang koleksyon ng mga kanta ni Schubert, at nakilala ang mga opera. Aleman na kompositor Weber's "The Magic Shooter" at "Euryanthe". Pagdating sa Vienna, binisita ni Weber ang Beethoven. Sabay silang nag-almusal, at si Beethoven, kadalasang hindi binibigay sa seremonya, ay nag-aalaga sa kanyang panauhin.

Pagkamatay ng kanyang nakababatang kapatid, inalagaan ng kompositor ang kanyang anak. Inilalagay ni Beethoven ang kanyang pamangkin sa pinakamahusay na mga boarding school at ipinagkatiwala ang kanyang estudyante na si Karl Czerny na mag-aral ng musika sa kanya. Nais ng kompositor na ang batang lalaki ay maging isang siyentipiko o artista, ngunit hindi siya naakit ng sining, ngunit sa pamamagitan ng mga baraha at bilyar. Nabaon sa utang, nagtangka siyang magpakamatay. Ang pagtatangka na ito ay hindi nagdulot ng labis na pinsala: ang bala ay bahagyang kumamot sa balat sa ulo. Labis na nag-aalala si Beethoven tungkol dito. Ang kanyang kalusugan ay lumala nang husto. Ang kompositor ay nagkakaroon ng malubhang sakit sa atay.

Namatay si Beethoven noong Marso 26, 1827. Mahigit dalawampung libong tao ang sumunod sa kanyang kabaong. Sa panahon ng libing, ginanap ang paboritong misa ni Beethoven, ang Requiem in C minor, ni Luigi Cherubini.

Gumagana:

§ 9 symphony: No. 1 (1799-1800), No. 2 (1803), No. 3 “Eroic” (1803-1804), No. 4 (1806), No. 5 (1804-1808), No. 6 “Pastoral” (1808), No. 7 (1812), No. 8 (1812), No. 9 (1824).

§ 11 symphonic overtures, kabilang ang Coriolanus, Egmont, Leonora No. 3.

§ 5 concerto para sa piano at orkestra.

§ 6 na sonata ng kabataan para sa piano.

§ 32 sonata para sa piano, 32 mga pagkakaiba-iba at mga 60 piraso para sa piano.

§ 10 sonata para sa byolin at piano.

§ concerto para sa byolin at orkestra, concerto para sa piano, violin at cello at orkestra (“triple concerto”).

§ 5 sonata para sa cello at piano.

§ 16 string quartets.

§ Ballet "Mga Paglikha ng Prometheus".

§ Opera "Fidelio".

§ Solemneng Misa.

§ Vocal cycle "Sa isang malayong minamahal".

§ Kanta batay sa mga tula ng iba't ibang makata, adaptasyon ng mga awiting bayan.

Wolfgang Amadeus Mozart

musical art education mozart beethoven

Wolfgang Amadeus Mozart (Enero 27, 1756, Salzburg - Disyembre 5, 1791, Vienna) - Austrian kompositor, bandmaster, virtuoso violinist, harpsichordist, organist. Ayon sa mga kontemporaryo, siya ay may kahanga-hangang tainga para sa musika, memorya at ang kakayahang mag-improvise. Si Mozart ay malawak na kinikilala bilang isa sa mga pinakadakilang kompositor: ang kanyang natatangi ay nakasalalay sa katotohanan na nagtrabaho siya sa lahat ng mga musikal na anyo ng kanyang panahon at nakamit ang pinakamalaking tagumpay sa lahat ng mga ito. Kasama sina Haydn at Beethoven, kabilang siya sa pinakamahalagang kinatawan ng Vienna Classical School.

Si Mozart ay ipinanganak noong Enero 27, 1756 sa Salzburg, na noon ay kabisera ng Arsobispo ng Salzburg, ngayon ang lungsod na ito ay matatagpuan sa Austria. Sa ikalawang araw pagkatapos ng kapanganakan, siya ay bininyagan sa St. Rupert's Cathedral. Ang entry sa aklat ng mga binyag ay nagbibigay ng kanyang pangalan sa Latin bilang Johannes Chrysostomus Wolfgangus Theophilus (Gottlieb) Mozart. Sa mga pangalang ito, ang unang dalawang salita ay ang pangalan ni St. John Chrysostom, na hindi ginagamit sa pang-araw-araw na buhay, at ang pang-apat ay iba-iba sa panahon ng buhay ni Mozart: lat. Amadeus, Aleman Gottlieb, Italyano Amadeo, na nangangahulugang “minamahal ng Diyos.” Si Mozart mismo ay ginusto na tawaging Wolfgang.

Kakayahang pangmusika Ang mga kakayahan ni Mozart ay nagpakita ng kanilang sarili sa napakaagang edad, noong siya ay mga tatlong taong gulang. Ang kanyang ama na si Leopold ay isa sa mga nangungunang guro ng musika sa Europa. Ang kanyang aklat na "The Experience of a Solid Violin School" ay nai-publish noong 1756, ang taon ng kapanganakan ni Mozart, dumaan sa maraming edisyon at isinalin sa maraming wika, kabilang ang Russian. Itinuro sa kanya ng ama ni Wolfgang ang mga pangunahing kaalaman sa pagtugtog ng harpsichord, violin at organ.

Sa London, ang batang Mozart ay naging object ng siyentipikong pananaliksik, at sa Holland, kung saan ang musika ay mahigpit na ipinagbawal sa panahon ng Kuwaresma, isang pagbubukod ang ginawa para kay Mozart, dahil nakita ng klero ang daliri ng Diyos sa kanyang pambihirang talento.

Noong 1762, ang ama ni Mozart at ang kanyang anak na lalaki at anak na babae na si Anna, isa ring kahanga-hangang manlalaro ng harpsichord, ay nagsagawa ng masining na paglalakbay sa Munich, Paris, London at Vienna, at pagkatapos ay sa maraming iba pang mga lungsod sa Germany, Holland, at Switzerland. Sa parehong taon, isinulat ng batang Mozart ang kanyang unang komposisyon. Kahit saan siya ay pumukaw ng sorpresa at kagalakan, umuusbong na matagumpay mula sa pinakamahirap na pagsubok na inaalok sa kanya ng mga taong parehong may kaalaman sa musika at mga baguhan. Noong 1763, ang unang sonata ni Mozart para sa harpsichord at violin ay inilathala sa Paris. Mula 1766 hanggang 1769, naninirahan sa Salzburg at Vienna, pinag-aralan ni Mozart ang mga gawa ni Handel, Stradella, Carissimi, Durante at iba pang mahusay na masters. Inatasan ni Emperor Joseph II, nagsulat si Mozart ng isang opera para sa tropang Italyano sa loob ng ilang linggo. "Ang Imaginary Simpleton"(Italyano Sampol ng La Finta), ngunit hindi nagustuhan ng mga mang-aawit ang komposisyon ng 12-taong-gulang na kompositor; SA karagdagang mga mang-aawit ay patuloy na magrereklamo na nilunod sila ni Mozart sa kanyang mga opera na may "napakalaking saliw."

Ginugol ni Mozart ang 1770-1774 sa Italya. Noong 1770, sa Bologna, nakilala niya ang kompositor na si Joseph Mysliveček, na napakapopular sa Italya noong panahong iyon; ang impluwensya ng "The Divine Bohemian" ay naging napakahusay na pagkatapos, dahil sa pagkakapareho ng istilo, ang ilan sa kanyang mga gawa ay iniugnay kay Mozart, kabilang ang oratorio na "Abraham at Isaac".

Noong 1771, sa Milan, muli sa pagsalungat ng mga impresario sa teatro, itinanghal ang opera ni Mozart. « Mithridates, Hari ng Pontus» (Italyano Mitridate, Re di Ponto), na tinanggap ng publiko nang may malaking sigasig. Ang kanyang pangalawang opera, "Lucio Sulla" (Lucius Sulla) (1772), ay binigyan ng parehong tagumpay. Sumulat si Mozart para sa Salzburg "Pangarap ni Scipio"(Italyano Il sogno di Scipione), sa okasyon ng halalan ng isang bagong arsobispo, 1772, para sa Munich - isang opera "La bella finta Giardiniera", 2 misa, offertory (1774). Noong siya ay 17 taong gulang, ang kanyang mga gawa ay kasama na ang 4 na opera, ilang mga espirituwal na gawa, 13 symphony, 24 sonata, hindi pa banggitin ang isang host ng mas maliliit na komposisyon.

Noong 1775-1780, sa kabila ng mga alalahanin tungkol sa seguridad sa pananalapi, isang walang bungang paglalakbay sa Munich, Mannheim at Paris, at ang pagkawala ng kanyang ina, isinulat ni Mozart, bukod sa iba pang mga bagay, 6 na sonata sa keyboard, isang konsiyerto para sa plauta at alpa, at ang dakilang simponya. No. 31 sa D major, tinatawag na Paris, ilang espirituwal na koro, 12 ballet number.

Noong 1779, nakatanggap si Mozart ng posisyon bilang organist ng korte sa Salzburg (nakipagtulungan kay Michael Haydn). Noong Enero 26, 1781, ang opera na "Idomeneo" ay itinanghal sa Munich na may malaking tagumpay, na minarkahan ang isang tiyak na pagliko sa gawain ni Mozart. Sa opera na ito makikita pa rin ang mga bakas ng Lumang Italyano serye ng opera (malaking numero coloratura arias, ang bahagi ng Idamante, na isinulat para sa isang castrato), ngunit sa mga recitatives at lalo na sa mga koro ay isang bagong uso ang nararamdaman. Ang isang malaking hakbang pasulong ay kapansin-pansin din sa instrumentasyon. Sa kanyang pananatili sa Munich, sumulat si Mozart ng isang offertory para sa Munich Chapel "Misericordias Domini"- isa sa mga pinakamahusay na halimbawa ng musika ng simbahan noong huling bahagi ng ika-18 siglo.

Panahon ng Vienna. Noong 1781, sa wakas ay nanirahan si Mozart sa Vienna. Sa pagliko ng 70s at 80s, si Emperor Joseph II ay nabihag ng ideya ng pagbuo ng Aleman pambansang opera- Singspiel, para sa kapakanan kung saan isinara ang Italian Opera sa Vienna noong 1776. Sa utos ng emperador noong 1782, isinulat ni Mozart ang singspiel na "The Abduction from the Seraglio" (German. Die Entführung aus dem Serail), masigasig na tinanggap sa Vienna at hindi nagtagal ay naging laganap sa Germany. Gayunpaman, nabigo si Mozart na bumuo ng kanyang tagumpay: sa parehong 1782, natapos ang eksperimento sa Singspiel, at ibinalik ng emperador ang tropang Italyano sa Vienna.

Sa parehong taon, pinakasalan ni Mozart si Constance Weber, kapatid ni Aloysia Weber, na naging mahal niya sa kanyang pananatili sa Mannheim. Sa mga unang taon, nakakuha ng malawak na katanyagan si Mozart sa Vienna; Ang kanyang "mga akademya," bilang mga konsiyerto ng pampublikong may-akda ay tinawag sa Vienna, kung saan ang mga gawa ng isang kompositor, madalas sa kanyang sarili, ay ginanap, ay popular. Ito ay para sa mga "akademya" na karamihan sa kanyang mga keyboard concerto ay isinulat. Noong 1783-1785, nilikha ang 6 na sikat na string quartets, na inialay ni Mozart kay Joseph Haydn, ang master ng genre na ito, at tinanggap niya nang buong paggalang. Ang kanyang oratorio ay nagsimula sa parehong panahon. "David penitente"(Nagsisisi David).

Gayunpaman, ang opera ni Mozart sa Vienna ay hindi naging maganda sa mga sumunod na taon. Mga Opera "L'oca del Cairo"(1783) at "Lo sposo deluso"(1784) ay nanatiling hindi natapos. Sa wakas, noong 1786, ang opera na "The Marriage of Figaro" ay isinulat at itinanghal, na ang libretto ay si Lorenzo da Ponte. Ito ay nagkaroon ng magandang pagtanggap sa Vienna, ngunit pagkatapos ng ilang mga pagtatanghal ay binawi ito at hindi itinanghal hanggang 1789, nang ang produksyon ay ipinagpatuloy ni Antonio Salieri, na itinuturing na "The Marriage of Figaro" bilang pinakamahusay na opera ni Mozart. Ngunit sa Prague, ang "The Marriage of Figaro" ay isang nakamamanghang tagumpay mula dito ay inaawit sa kalye at sa mga tavern. Salamat sa tagumpay na ito, nakatanggap si Mozart ng isang bagong order, sa pagkakataong ito mula sa Prague. Noong 1787, isang bagong opera, na nilikha sa pakikipagtulungan sa Da Ponte, ay pinakawalan - Don Giovanni. Ang gawaing ito, na itinuturing pa ring isa sa pinakamahusay sa buong mundo na operatic repertoire, ay mas matagumpay sa Prague kaysa sa The Marriage of Figaro.

Mas kaunting tagumpay ang nahulog sa lot ng opera na ito sa Vienna, na sa pangkalahatan, mula pa noong panahon ni Figaro, ay nawalan ng interes sa gawain ni Mozart. Mula kay Emperor Joseph, nakatanggap si Mozart ng 50 ducats para kay Don Giovanni, at, ayon kay J. Rice, noong 1782-1792 ito ang tanging pagkakataon na nakatanggap ang kompositor ng bayad para sa isang opera na kinomisyon sa labas ng Vienna. Gayunpaman, ang publiko sa kabuuan ay nanatiling walang malasakit. Mula noong 1787, huminto ang kanyang "mga akademya", hindi nagawang ayusin ni Mozart ang pagtatanghal ng huling tatlong, na ngayon ay pinakasikat na symphony: No. 39 sa E-flat major (KV 543), No. 40 sa G minor (KV 550) at No. 41 sa C major na “Jupiter” ( KV 551), na isinulat sa loob ng isang buwan at kalahati noong 1788; Pagkalipas lamang ng tatlong taon, isa sa kanila, Symphony No. 40, ay ginanap ni A. Salieri sa mga charity concert.

Sa pagtatapos ng 1787, pagkamatay ni Christoph Willibald Gluck, natanggap ni Mozart ang posisyon ng "imperyal at royal chamber musician" na may suweldong 800 florin, ngunit ang kanyang mga tungkulin ay limitado pangunahin sa pagbuo ng mga sayaw para sa mga pagbabalatkayo, isang comic opera batay sa isang balangkas mula sa buhay panlipunan- ay kinomisyon mula sa Mozart isang beses lamang, at ito ay naging "Cosm fan tutte"(1790).

Ang suweldo ng 800 florin ay hindi ganap na suportahan si Mozart; Malinaw na sa oras na ito nagsimula siyang mag-ipon ng mga utang, na pinalala ng mga gastos sa pagpapagamot sa kanyang maysakit na asawa. Nag-recruit si Mozart ng mga estudyante, gayunpaman, ayon sa mga eksperto, hindi marami sa kanila. Noong 1789, nais ng kompositor na umalis sa Vienna, ngunit ang paglalakbay na ginawa niya sa hilaga, kasama ang Berlin, ay hindi naabot ang kanyang pag-asa at hindi napabuti ang kanyang sitwasyon sa pananalapi.

Ang kwento kung paano siya nakatanggap ng imbitasyon sa Berlin na maging pinuno kapilya ng hukuman Itinuturing ni Alfred Einstein si Friedrich Wilhelm II na may suweldong 3 libong thaler sa larangan ng pantasya, gayundin ang sentimental na dahilan ng pagtanggi - diumano ay bilang paggalang kay Joseph II. Si Frederick William II ay gumawa lamang ng isang order para sa anim na simpleng piano sonata para sa kanyang anak na babae at anim na string quartet para sa kanyang sarili.

May maliit na pera na kinita sa biyahe. Sila ay halos hindi sapat upang magbayad ng utang na 100 guilder, na kinuha mula sa kapatid ng Freemason na si Hofmedel para sa mga gastos sa paglalakbay. Noong 1789, inilaan ni Mozart ang isang string quartet na may bahagi ng concert cello (sa D major) sa hari ng Prussian.

Ayon kay J. Rice, mula nang dumating si Mozart sa Vienna, binigyan siya ni Emperador Joseph ng higit na pagtangkilik kaysa iba pang musikero ng Viennese, maliban kay Salieri. Noong Pebrero 1790, namatay si Joseph; Unang iniugnay ni Mozart ang pag-akyat sa trono ng Leopold II malaking pag-asa; gayunpaman, ang mga musikero ay walang access sa bagong emperador. Noong Mayo 1790, sumulat si Mozart sa kanyang anak na si Archduke Franz: "... bandmaster, hindi kailanman nasangkot sa musika ng simbahan..." Ngunit ang kanyang mga pag-asa ay hindi nabigyang-katwiran, si Salieri ay nanatili sa kanyang posisyon, at ang sitwasyon sa pananalapi ni Mozart ay naging walang pag-asa na kailangan niyang umalis sa Vienna mula sa pag-uusig ng mga nagpapautang upang bahagyang mapabuti ang kanyang mga gawain sa pamamagitan ng isang masining na paglalakbay.

Noong nakaraang taon. Ang mga huling opera ni Mozart ay « Ganyan ang ginagawa ng lahat» (1790), « Awa ni Titus» (1791), na naglalaman ng mga magagandang pahina, sa kabila ng katotohanan na ito ay isinulat sa loob ng 18 araw, at sa wakas, « mahiwagang plauta » (1791). Itinanghal noong Setyembre 1791 sa Prague, sa okasyon ng koronasyon ni Leopold II bilang hari ng Czech, ang opera na La Clemenza di Titus ay malamig na tinanggap; Ang "The Magic Flute," na itinanghal sa parehong buwan sa Vienna sa isang suburban theater, sa kabaligtaran, ay isang tagumpay tulad ng hindi nakita ni Mozart sa kabisera ng Austrian sa loob ng maraming taon. Ang fairy tale opera na ito ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa malawak at iba't ibang gawain ni Mozart.

Noong Mayo 1791, si Mozart ay naatasan ng isang walang bayad na posisyon bilang assistant conductor ng St. Stephen's Cathedral; ang posisyon na ito ay nagbigay sa kanya ng karapatang maging konduktor pagkatapos ng kamatayan ng malubhang sakit na si Leopold Hofmann; Gayunpaman, nalampasan ni Hofmann si Mozart.

Si Mozart, tulad ng karamihan sa kanyang mga kontemporaryo, ay nagbigay ng maraming pansin sa sagradong musika, ngunit nag-iwan siya ng ilang magagandang halimbawa sa lugar na ito: maliban sa "Misericordias Domini" - « Ave verum corpus» (KV 618, 1791), isinulat sa istilong ganap na hindi pangkaraniwan ng Mozart, at ang marilag at malungkot na Requiem (KV 626), kung saan nagtrabaho si Mozart sa mga huling buwan ng kanyang buhay. Ang kasaysayan ng pagsulat ng "Requiem" ay kawili-wili. Noong Hulyo 1791, binisita si Mozart ng isang misteryosong estranghero na kulay abo at inutusan siya ng "Requiem" (funeral mass). Tulad ng itinatag ng mga biographer ng kompositor, ito ay isang mensahero mula kay Count Franz von Walsegg-Stuppach, isang amateur sa musika na mahilig magtanghal ng mga gawa ng ibang tao sa kanyang palasyo sa tulong ng kanyang kapilya, na bumili ng akda mula sa mga kompositor; Sa requiem ay nais niyang parangalan ang alaala ng kanyang yumaong asawa. Ang gawain sa hindi natapos na "Requiem," na hanggang ngayon ay nabigla sa mga tagapakinig sa pamamagitan ng malungkot na liriko at kalunos-lunos na pagpapahayag nito, ay natapos ng kanyang estudyante na si Franz Xaver Süssmayer, na dati nang nakibahagi sa pagbuo ng opera na "La Clemenza di Tito."

Kamatayan ni Mozart. Namatay si Mozart noong Disyembre 5, 1791, mga isang oras pagkatapos ng hatinggabi (sa kanyang tatlumpu't anim na taon ng buhay). Ang dahilan ng pagkamatay ni Mozart ay pinagtatalunan pa rin. Karamihan sa mga mananaliksik ay naniniwala na si Mozart ay talagang namatay, tulad ng nakasaad sa medikal na ulat, mula sa rheumatic fever, posibleng kumplikado ng talamak na pagkabigo sa puso o bato. Ang sikat na alamat tungkol sa pagkalason kay Mozart ng kompositor na si Salieri ay sinusuportahan pa rin ng ilang mga musicologist, ngunit walang nakakumbinsi na ebidensya para sa bersyon na ito. Noong Mayo 1997, pinawalang-sala siya ng isang korte na nakaupo sa Palasyo ng Hustisya ng Milan, na isinasaalang-alang ang kaso ni Antonio Salieri sa mga paratang ng pagpatay kay Mozart.

Ang petsa ng paglilibing kay Mozart ay kontrobersyal (Disyembre 6 o 7). Bandang alas-3 ng hapon, dinala ang bangkay ni Mozart sa St. Stephen's Cathedral. Dito, sa isang maliit na kapilya, isang katamtamang seremonya ng relihiyon ang naganap. Sino sa mga kaibigan at kamag-anak ang naroroon ay nananatiling hindi kilala. Pumunta ang bangkay sa sementeryo pagkalipas ng alas sais ng gabi, ibig sabihin, madilim na. Ang mga nakakita sa kabaong ay hindi sumunod sa kanya sa labas ng pintuan ng lungsod. Ang libingan ni Mozart ay ang St. Mark's Cemetery.

Ang libing ni Mozart ay ginanap ayon sa ikatlong kategorya. Tanging napakayayamang tao at miyembro ng maharlika ang maaaring ilibing sa isang hiwalay na libingan na may lapida o monumento. Ayon sa ikatlong kategorya, ang mga karaniwang libingan ay idinisenyo para sa 5-6 na tao. Walang kakaiba sa libing ni Mozart sa panahong iyon. Hindi ito isang "libing ng pulubi." Ang kahanga-hangang (kahit na pangalawang-klase) na libing ni Beethoven noong 1827 ay naganap sa ibang panahon at, bukod dito, ay sumasalamin sa tumaas na katayuan sa lipunan ng mga musikero, kung saan si Mozart mismo ay nakipaglaban sa buong buhay niya.

Para sa mga Viennese, halos hindi napapansin ang pagkamatay ni Mozart, ngunit sa Prague, na may malaking pulutong ng mga tao (mga 4,000 katao), bilang pag-alaala kay Mozart, 9 na araw pagkatapos ng kanyang kamatayan, 120 musikero ang gumanap na may mga espesyal na karagdagan ang "Requiem" na isinulat pabalik sa 1776 ni Antonio Rosetti.

Gumagana:

Mga Opera:

§ « Ang Tungkulin ng Unang Utos" (Die Schuldigkeit des ersten Gebotes), 1767. Theater oratorio

§ “Apollo and Hyacinthus” (Apollo et Hyacinthus), 1767 - musical drama ng estudyante batay sa tekstong Latin

§ “Bastien at Bastienne” (Bastien und Bastienne), 1768. Isa pang piraso ng estudyante, Singspiel. Aleman na bersyon ng sikat na comic opera ni J.-J Rousseau - "The Village Sorcerer"

§ “The Feigned Simpleton” (La finta semplice), 1768 - isang ehersisyo sa genre ng opera buffa na may libretto ni Goldoni

§ "Mithridates, King of Pontus" (Mitridate, re di Ponto), 1770 - sa tradisyon ng Italian opera seria, batay sa trahedya ni Racine

§ “Ascanio in Alba”, 1771. Serenade opera (pastoral)

§ Betulia Liberata, 1771 - oratorio. Batay sa kwento nina Judith at Holofernes

§ "Pangarap ni Scipio" (Il sogno di Scipione), 1772. Serenade opera (pastoral)

§ “Lucio Silla”, 1772. Opera seria

§ “Thamos, Hari ng Ehipto” (Thamos, König sa Dgypten), 1773, 1775. Musika para sa drama ni Gebler

§ "The Imaginary Gardener" (La finta giardiniera), 1774-5 - muli ang pagbabalik sa mga tradisyon ng opera buffe

§ “The Shepherd King” (Il Re Pastore), 1775. Serenade opera (pastoral)

§ "Zaide", 1779 (reconstructed by H. Chernovin, 2006)

§ “Idomeneo, Hari ng Crete” (Idomeneo), 1781

§ “Ang Pagdukot mula sa Seraglio” (Die Entführung aus dem Serail), 1782. Singspiel

§ “Cairo Goose” (L"oca del Cairo), 1783

§ “Ang Nalinlang na Asawa” (Lo sposo deluso)

§ “Theater Director” (Der Schauspieldirektor), 1786. Musical comedy

§ “The Marriage of Figaro” (Le nozze di Figaro), 1786. Ang una sa 3 mahusay na opera. Sa opera buffe genre.

§ “Don Giovanni” (Don Giovanni), 1787

§ “Ginagawa ito ng lahat” (Cosm fan tutte), 1789

§ « awa Tita" (La clemenza di Tito), 1791

§ « mahiwagang plauta"(Die Zauberflöte), 1791. Singspiel

17 masa, kabilang ang:

§ "Koronasyon", KV 317 (1779)

§ “Mahusay na Misa” C minor, KV 427 (1782)

§ "Requiem", KV 626 (1791)

§ 41 symphony, kabilang ang:

§ "Parisian" (1778)

§ No. 35, KV 385 "Haffner" (1782)

§ No. 36, KV 425 “Linzskaya” (1783)

§ No. 38, KV 504 “Prague” (1786)

§ No. 39, KV 543 (1788)

§ No. 40, KV 550 (1788)

§ No. 41, KV 551 “Jupiter” (1788)

§ 27 concerto para sa piano at orkestra

§ 6 na konsyerto para sa biyolin at orkestra

§ Konsiyerto para sa dalawang biyolin at orkestra (1774)

§ Konsiyerto para sa byolin at viola at orkestra (1779)

§ 2 concerto para sa plauta at orkestra (1778)

§ No. 1 G major K. 313 (1778)

§ Blg. 2 D major K. 314

§ Concerto para sa oboe at orkestra sa C major K. 314 (1777)

§ Concerto para sa klarinete at orkestra sa A major K. 622 (1791)

§ Concerto para sa bassoon at orkestra sa B-flat major K. 191 (1774)

§ 4 na konsyerto para sa sungay at orkestra:

§ No. 1 D major K. 412 (1791)

§ No. 2 E-flat major K. 417 (1783)

§ No. 3 E flat major K. 447 (sa pagitan ng 1784 at 1787)

§ No. 4 E-flat major K. 495 (1786)

§ 10 harana para sa string orchestra, kabilang ang:

§ "Little Night Serenade" (1787)

§ 7 divertimentos para sa orkestra

§ Iba't ibang wind instrument ensembles

§ Sonatas para sa iba't ibang instrumento, trio, duet

§ 19 sonata para sa piano

§ 15 cycle ng mga variation para sa piano

§ Rondo, pantasya, dula

§ Higit sa 50 arias

§ Ensemble, koro, kanta

Na-post sa Allbest.ru

Mga katulad na dokumento

Ang magaling na pamilyang Mozart, ang mga natatanging talento ng mga bata sa pamilyang ito. Ang pagkabata ni Wolfgang Amadeus, mga unang gawa at pagsasanay kasama ang pinakamahusay na mga kompositor sa Europa. Malayang aktibidad, kondisyon sa pananalapi. Instrumental na pagkamalikhain ng Mozart at opera.

ulat, idinagdag noong 11/10/2010


Nakikinig kay Mozart kasama ang kanyang ama. Mga kahanga-hangang katangian ng Wolfgang Amadeus Mozart. Komentaryo sa malaking kahalagahan ng mga gawa ni Mozart. Ang celebratory effect na nagpapakilala sa lahat ng mga gawa ni Mozart. Paglabag sa mga menor de edad na susi, chromaticism, nagambalang mga rebolusyon sa sonata.

pagtatanghal, idinagdag noong 11/23/2017


Detalyadong talambuhay Si Wolfgang Amadeus Mozart at ang kanyang unang "mga hakbang" sa musika, mga alamat tungkol sa mga sanhi ng kamatayan, pagsusuri ng pagkamalikhain at mga tema ng mga gawa. Mga tampok na katangian ng silid ni Mozart, clavier at musika ng simbahan, pati na rin ang kanyang sining ng improvisasyon.

abstract, idinagdag 12/27/2009


Impormasyon tungkol sa mga magulang ni V.A Mozart, kanya malikhaing tagumpay sa pagkabata. Mga katangian ng karakter Austrian kompositor. Mga sikat na opera: "The Marriage of Figaro", "Don Giovanni", "The Magic Flute". Ang "Requiem" ay ang huling musikal na gawa ni Mozart.

pagtatanghal, idinagdag noong 11/19/2013


Trabaho ng P.I. Tchaikovsky "Awit ng Lark". Paggawa ng instrumentong "marakosha". Saliw ng musika na tumutugma sa mga pattern ng "taglamig", "tag-init", "tagsibol" at "taglagas". Ang epekto ng musical genius na si Wolfgang Amadeus Mozart sa nakikinig.

malikhaing gawa, idinagdag noong 06/27/2013


Pag-unlad ng pang-unawa ng musika kapag natutong tumugtog ng piano. Ang konsepto ng musical semantics. Ang instrumental na teatro ni Haydn: isang espasyo ng mga metamorphoses. Haydn sa music school. Magtrabaho sa pagbabasa ng teksto nang tama. Interpretasyon ng isang piraso ng musika.

abstract, idinagdag 04/10/2014


Mga panahon ng pag-unlad ng musikal na sining at mga genre nito. Malikhaing henyo M.I. Glinka. Pag-unlad ng choral at chamber music. Mga taluktok musical romanticism, pagkamalikhain ng P.I. Tchaikovsky. Isang bagong direksyon sa sagradong musika ng Russia, "misteryo" ni A.N. Scriabin.

abstract, idinagdag noong 10/04/2009


Pagkilala sa mga tampok ng Baroque music, ang mga patakaran ng mga transition at contrast nito. Pagsasaalang-alang sa musical heritage nina Claudio Monteverdi, Antonio Vivaldi, Wolfgang Amadeus Mozart, George Frideric Handel. Dekorasyon, pagkakaiba-iba ng Russian Baroque.

pagtatanghal, idinagdag noong 10/18/2015


Talambuhay ng buhay at natatanging gawain ni Wolfgang Amadeus Mozart. Ang mga kakayahan sa musika ng mahusay na kompositor ng Austrian. Ang koneksyon ng kanyang musika sa iba't ibang pambansang kultura (lalo na Italyano). Ang katanyagan ng trahedya ni Pushkin na "Mozart at Salieri".

pagtatanghal, idinagdag noong 12/22/2013


Panimula sa maikling talambuhay ni V.A. Mozart, pagsusuri ng malikhaing aktibidad. Pangkalahatang katangian ng gawaing "Ave verum corpus". Ang motet ay isang vocal polyphonic work ng polyphonic nature, isang genre ng professional musical art.