Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Makabagong panahon kasama ang araw ng artistikong panahon: avant-garde at realismo. Pagka-orihinal ng mga panahong ito ay hindi sila umuunlad nang sunud-sunod, ngunit ayon sa kasaysayan.

Avant-garde artistikong grupo n ika ( pre-modernism, modernism, neo-modernism, post-modernism) bumuo ng parallel sa makatotohanang grupo (mapanganib realismo XIX o., sosyalistang realismo, prosa ng nayon, neorealismo, mahiwagang realismo, sikolohikal na realismo, intelektwal na realismo). Sa parallel development na ito ng mga panahon nagpapakita mismo pangkalahatang pagpabilis ng kilusan ng kasaysayan.

Isa sa mga pangunahing probisyon ng masining na konsepto ng mga paggalaw ng avant-garde: kaguluhan, kaguluhan "Ang batas ng modernong buhay sa lipunan ng tao. Ang sining ay nagiging chaosology, pag-aaral ng mga batas ng kaguluhan sa mundo.

Ang lahat ng avant-garde na paggalaw ay pinipigilan ang mulat at pinapataas ang walang malay sa parehong mga proseso ng malikhain at pagtanggap. Ang mga direksyong ito ay binibigyang-pansin nang husto ang sining ng masa at ang mga problema sa pagbuo ng kamalayan ng indibidwal.

Mga tampok na nagbubuklod sa mga avant-garde na masining na paggalaw: Isang Bagong Hitsura sa posisyon at layunin ng tao sa sansinukob, ang pagtanggi sa dati nang itinatag na mga tuntunin at pamantayan, mula sa mga tradisyon at itinatag

kasanayan, mga eksperimento sa larangan ng anyo at istilo, paghahanap ng mga bagong masining na paraan at pamamaraan.

Bago ang modernismo - ang unang (paunang) panahon ng artistikong pag-unlad ng panahon ng avant-garde; isang pangkat ng mga masining na paggalaw sa kultura ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo, na nagbubukas ng isang buong yugto (ang yugto ng mga nawalang ilusyon) ng pinakabagong artistikong pag-unlad.

Ang naturalismo ay isang masining na kilusan, ang invariant artistikong konsepto na kung saan ay ang paninindigan ng laman ng tao sa bagay-materyal na mundo; ang isang tao, kahit na kinuha lamang bilang isang lubos na organisadong biyolohikal na indibidwal, ay nararapat na bigyang pansin sa bawat pagpapakita; para sa lahat ng mga di-kasakdalan nito, ang mundo ay matatag, at lahat ng mga detalye tungkol dito ay pangkalahatang interes. Sa masining na konsepto ng naturalismo, ang mga hangarin at posibilidad, ang mga mithiin at katotohanan ay balanse, ang isang tiyak na kasiyahan ng lipunan ay nararamdaman, ang kasiyahan nito sa posisyon nito at pag-aatubili na baguhin ang anumang bagay sa mundo.

Iginiit ng Naturalismo na ang buong nakikitang mundo ay bahagi ng kalikasan at maaaring ipaliwanag ng mga batas nito, sa halip na sa pamamagitan ng supernatural o paranormal na mga sanhi. Ang naturalismo ay isinilang mula sa absolutisasyon ng realismo at sa ilalim ng impluwensya ng mga teoryang biyolohikal na Darwinian, mga pamamaraang siyentipiko ng pag-aaral ng lipunan at ang mga deterministikong ideya ni Taine at iba pang mga positivista.

Impresyonismo - artistikong kilusan (ikalawang kalahati ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo), ang invariant na artistikong konsepto na kung saan ay ang paninindigan ng isang sopistikado, liriko na tumutugon, impressionable na personalidad, hinahangaan ang kagandahan ng mundo. Ang impresyonismo ay nagbukas ng isang bagong uri ng pang-unawa sa katotohanan. Hindi tulad ng realismo, na nakatuon sa paghahatid ng tipikal, ang impresyonismo ay nakatuon sa espesyal, indibidwal, at ang kanilang pansariling pananaw ng artista.

Ang impresyonismo ay isang mahusay na kasanayan sa kulay, chiaroscuro, ang kakayahang ihatid ang pagkakaiba-iba, ang maraming kulay ng buhay, ang kagalakan ng pagiging, upang makuha ang panandaliang sandali ng pag-iilaw at ang pangkalahatang kalagayan ng nakapaligid na nagbabagong mundo, upang maihatid ang plein air - ang paglalaro ng liwanag at mga anino sa paligid ng mga tao at mga bagay, ang kapaligiran ng hangin, natural na pag-iilaw, na nagbibigay ng isang aesthetic na hitsura ang itinatanghal na bagay.

Ang impresyonismo ay nagpakita ng sarili sa pagpipinta (C. Monet, O. Renoir, E. Degas, A. Sisley, V. Van Gogh, P. Gauguin, A. Matisse, Utrillo, K. Korovin) at sa musika (C. Debussy at M . . Ravel, A. Scriabin), at sa panitikan (bahaging G. Maupassant, K. Hamsun, G. Kellerman, Hofmannsthal, A. Schnitzler, O. Wilde, A. Simone).

Eclecticism- isang artistikong direksyon (na kung saan ay ipinakita ang sarili nito pangunahin sa arkitektura), na nagsasangkot, kapag lumilikha ng mga gawa, anumang kumbinasyon ng anumang anyo ng nakaraan, anumang pambansang tradisyon, tahasang dekorasyon, pagpapalitan at pagkakapantay-pantay ng mga elemento sa isang akda, isang paglabag sa hierarchy sa masining na sistema at isang paghina ng sistematiko at integridad.

Ang eclecticism ay nailalarawan sa pamamagitan ng: 1) labis na mga dekorasyon; 2) pantay na kahalagahan ng iba't ibang elemento, lahat ng mga anyo ng estilo; 3) pagkawala ng pagkakaiba sa pagitan ng masa at natatanging istraktura sa isang grupo ng lungsod o isang gawain ng panitikan at iba pang mga gawa ng prosesong pampanitikan; 4) kakulangan ng pagkakaisa: ang harapan ay nakahiwalay mula sa katawan ng gusali, ang detalye ay nakahiwalay sa kabuuan, ang estilo ng harapan ay nakahiwalay sa estilo ng interior, ang mga estilo ng iba't ibang mga puwang sa loob ay hiwalay sa isa't isa ; 5) opsyonal na symmetrical axial composition (pag-alis mula sa panuntunan ng isang kakaibang bilang ng mga bintana sa harapan), pagkakapareho ng harapan; 6) ang prinsipyo ng "non-finito" (hindi kumpleto ng trabaho, pagiging bukas ng komposisyon); 7) pagpapalakas

pag-unawa sa pagkakaugnay ng pag-iisip ng may-akda (artista). la, arkitekto) at manonood; 8) paglaya mula sa sinaunang tradisyon at pag-asa sa mga kultura ng iba't ibang panahon at iba't ibang bansa; pananabik para sa kakaiba; 9) multi-style; 10) unregulated personality (sa kaibahan sa classicism), subjectivism, libreng pagpapakita ng personal na elemento; 11) demokrasya: ang hilig na lumikha ng isang unibersal, hindi uri ng uri ng pabahay sa lunsod.

Sa pagganap, ang eclecticism sa panitikan, arkitektura at iba pang sining ay naglalayong maglingkod sa "ikatlong ari-arian". Ang pangunahing istraktura ng Baroque ay isang simbahan o palasyo, ang pangunahing istraktura ng Classicism ay isang gusali ng estado, ang pangunahing istraktura ng Eclecticism ay isang gusali ng apartment ("para sa lahat"). Ang eclectic decorativeism ay isang market factor na lumitaw upang makaakit ng malawak na kliyente sa isang apartment building kung saan inuupahan ang mga apartment. Ang gusali ng apartment ay isang mass type ng pabahay.

Modernismo- isang artistikong panahon na pinag-iisa ang mga masining na paggalaw, ang masining na konsepto kung saan ay sumasalamin sa pagbilis ng kasaysayan at ang pagpapalakas ng presyon nito sa tao (symbolism, Rayonism, Fauvism, primitivism, cubism, Acmeism, Futurism); ang panahon ng pinaka kumpletong sagisag ng avant-gardeism. Sa panahon ng modernismo, mabilis na naganap ang pag-unlad at pagbabago ng artistikong direksyon.

Ang mga makabagong artistikong paggalaw ay binuo sa pamamagitan ng pag-deconstruct ng typological na istraktura ng isang klasikal na gawain - ang ilang mga elemento nito ay nagiging mga bagay ng masining na mga eksperimento. Sa klasikal na sining ang mga elementong ito ay balanse. Sinira ng modernismo ang balanseng ito, pinalalakas ang ilang elemento at pinapahina ang iba.

Simbolismo- isang masining na kilusan ng panahon ng modernismo, na nagpapatunay sa masining na konsepto: ang pangarap ng makata ay kabayanihan at isang magandang babae. Mga panaginip tungkol sa

chivalry, ang pagsamba sa isang magandang babae punan tula simbolismo.

Bumangon ang simbolismo sa France. Ang kanyang mga amo ay sina Baudelaire, Mallarmé, Verlaine at Rimbaud.

Ang Acmeism ay isang masining na kilusan ng panitikang Ruso sa simula ng ika-20 siglo, na lumitaw sa "Panahon ng Pilak", higit sa lahat ay umiral sa tula at iginiit: makata- isang mangkukulam at mapagmataas na pinuno ng mundo, na nagbubunyag ng mga lihim nito at nagtagumpay sa kaguluhan nito.

Ang mga sumusunod ay kabilang sa Acmeism: N. Gumilyov, O. Mandelstam, A. Akhmatova, S. Gorodetsky, M. Lozinsky, M. Zenkevich, V. Narbug, G. Ivanov, G. Adamovich at iba pa. Futurism- masining na kilusan ng panahon ng modernismo, iginigiit ang isang agresibo at militanteng personalidad sa organisadong kaguluhan sa kalunsuran ng mundo.

Pagtukoy sa masining ang salik ng futurism ay dynamics. Ipinatupad ng mga futurist ang prinsipyo ng walang limitasyong eksperimento at nakamit ang mga makabagong solusyon sa panitikan, pagpipinta, musika, at teatro.

Primitivism- isang masining na kilusan na pinapasimple ang tao at ang mundo, nagsusumikap na makita ang mundo sa pamamagitan ng mga mata ng mga bata, masaya at simple, sa labas ng "pang-adulto"» kahirapan. Ang pagnanais na ito ay nagdudulot ng mga kalakasan at kahinaan ng primitivism.

Ang primitivism ay atavistic nostalgia para sa nakaraan, pananabik para sa isang pre-sibilisadong paraan ng pamumuhay.

Ang Primitivism ay nagsusumikap na makuha ang mga pangunahing balangkas ng isang kumplikadong mundo, naghahanap ng masaya at naiintindihan na mga kulay at linya sa loob nito. Ang primitivism ay pagsalungat sa katotohanan: ang mundo ay nagiging mas kumplikado, ngunit ang artist ay pinasimple ito. Gayunpaman, pinasimple ng artist ang mundo upang makayanan ang pagiging kumplikado nito.

Kubismo - isang geometrized na iba't ibang primitivism na nagpapasimple sa katotohanan, na nakikita ito sa mga mata ng bata o "mabangis".

ang tunay na katangian ng primitivization: nakikita ang mundo sa pamamagitan ng mga anyo ng geometrically regular figure.

Ang kubismo sa pagpipinta at eskultura ay binuo ng mga artistang Italyano na si D. Severini, U. Boccione, C. Kappa; Aleman - E.L. Kirchner, G. Richter; Amerikano - J. Pollock, I. Rey, M. Weber, Mexican Diego Rivera, Argentinean E. Pettoruti at iba pa.

Sa Cubism, nararamdaman ang mga istrukturang arkitektura; ang masa ay mekanikal na pinagsama sa isa't isa, at ang bawat misa ay nagpapanatili ng kalayaan nito. Ang Cubism ay nagbukas ng panimulang bagong direksyon sa matalinghagang sining. Ang mga tradisyonal na gawa ng Cubism (Braque, Gris, Picasso, Léger) ay nagpapanatili ng koneksyon sa modelo. Ang mga larawan ay tumutugma sa mga orihinal at nakikilala (isang Amerikanong kritiko sa isang Parisian cafe ay nakilala ang isang lalaking kilala niya lamang mula sa isang larawan ni Picasso na binubuo ng mga geometric na figure).

Ang mga Cubists ay hindi naglalarawan ng katotohanan, ngunit lumikha ng isang "iba't ibang katotohanan" at hindi naghahatid ng hitsura ng isang bagay, ngunit ang disenyo nito, arkitekto, istraktura, kakanyahan. Hindi sila gumagawa ng isang "naratibong katotohanan," ngunit biswal na isinasama ang kanilang kaalaman tungkol sa itinatanghal na paksa.

abstractismo- artistikong direksyon ng sining ng ika-20 siglo, ang masining na konsepto kung saan nagpapatunay ng pangangailangan para sa indibidwal na makatakas mula sa karaniwan at ilusyon na katotohanan.

Ang mga gawa ng abstract na sining ay hiwalay sa mga anyo ng buhay mismo at naglalaman ng mga subjective na impression ng kulay at pantasya ng artist.

Dalawang uso ang lumitaw sa abstract na sining. Unang agos liriko-emosyonal, sikolohikal na abstractionism - isang symphony ng mga kulay, pagkakatugma ng mga kumbinasyon ng walang hugis na kulay. Ang kilusang ito ay ipinanganak mula sa impresyonistang pagkakaiba-iba ng mga impresyon ng mundo, na nakapaloob sa mga kuwadro na gawa ni Henri Matisse.

Ang lumikha ng unang gawain ng psychological abstractionism ay si V. Kandinsky, na nagpinta ng pagpipinta na "Mountain".

Pangalawang kasalukuyang - geometric (lohikal, intelektwal) abstractionism ("neoplasticism") ay nonfigurative cubism. Malaki ang naging papel ni P. Cezanne at ng mga Cubists sa pagsilang ng kilusang ito, na lumikha ng bagong uri ng artistikong espasyo sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng iba't ibang geometric na hugis, kulay na eroplano, tuwid at putol na mga linya.

Suprematismo(may-akda ng termino at ang kaukulang artistikong phenomenon na Kazimir Malevich) - ang paggalaw ng abstractionism, na nagpatalas at nagpalalim sa mga katangian nito. Binuksan ni Malevich ang kilusang "Suprematism" noong 1913 sa pagpipinta na "Black Square". Kalaunan ay binuo ni Malevich ang kanyang aesthetic na mga prinsipyo: ang sining ay nagtatagal dahil sa walang hanggang halaga nito; ang purong plastik na kahalayan ay ang "dignidad ng mga gawa ng sining." Ang mga aesthetics at poetics ng Suprematism ay nagpapatunay ng unibersal (Suprematist) na mga pormula at komposisyon ng larawan - mga perpektong istruktura mula sa geometrically correct na mga elemento.

Ang Rayism ay isa sa mga kilusang malapit sa abstractionist na nagpapatunay sa kahirapan at kagalakan ng pag-iral ng tao at ang kawalan ng katiyakan ng mundo, kung saan ang lahat ng mga bagay ay nagliliwanag. iba't ibang mapagkukunan liwanag, hanapin ang kanilang mga sarili na pinuputol ng mga sinag ng liwanag na ito at nawala ang kanilang malinaw na talinghaga.

Lumitaw ang Rayism 1908 - 1910 gg. sa mga gawa ng mga artistang Ruso na si Mikhail Larionov at ang kanyang asawang si Natalia Goncharova.

Sa panahon ng neomodernism, lahat ng avant-garde artistikong paggalaw ay nagmula mula sa tulad ng isang pag-unawa sa katotohanan: ang isang tao ay hindi makatiis sa presyon ng mundo at nagiging isang neo-tao. Sa panahong ito, ang pag-unlad

May mga avant-garde na artistikong kilusan na nagpapatunay ng malungkot, pesimistikong artistikong mga konsepto ng mundo at personalidad. Sa kanila Dadaismo, constructivism, surrealism, existentialism, neo-abstractionism, atbp.

Ang Dadaismo ay isang masining na kilusan na nagpapatunay ng isang masining na konsepto; mundo- walang katuturang kabaliwan na sumusubok sa katwiran at pananampalataya.

Ang mga prinsipyo ng Dadaismo ay naging; isang pahinga sa mga tradisyon ng kultura ng mundo, kabilang ang mga tradisyon ng wika; pagtakas mula sa kultura at mula sa katotohanan, ang ideya ng mundo bilang isang kaguluhan ng kabaliwan kung saan itinapon ang isang walang pagtatanggol na tao; pesimismo, kawalan ng paniniwala, pagtanggi sa mga halaga, isang pakiramdam ng pangkalahatang pagkawala at kawalan ng kabuluhan ng pag-iral, pagkasira ng mga mithiin at layunin ng buhay. Ang Dadaismo ay isang pagpapahayag ng krisis ng mga klasikal na halaga ng kultura, ang paghahanap ng bagong wika at mga bagong halaga.

Ang surrealismo ay isang masining na kilusan na nakatuon sa isang nalilitong tao sa isang misteryoso at hindi kilalang mundo. Ang konsepto ng personalidad sa surrealism ay maaaring maipahayag nang maikli sa pormula ng agnostisismo: "Ako ay isang tao, ngunit ang mga hangganan ng aking pagkatao at ng mundo ay lumabo. Hindi ko alam kung saan nagsisimula ang aking "Ako" at kung saan ito nagtatapos, nasaan ang mundo at ano ito?

Ang surrealismo bilang isang kilusang masining ay binuo nina: Paul Eluard, Robert Desnos, Max Ernst, Roger Vitran, Antonin Artaud, Rene Char, Salvador Dali, Raymond Queneau, Jacques Prévert.

Ang surrealismo ay lumitaw sa batayan ng Dada, sa una bilang isang kilusang pampanitikan, na kalaunan ay natagpuan ang pagpapahayag sa pagpipinta, pati na rin sa sinehan, teatro at bahagyang sa musika.

Para sa surrealismo, ang tao at ang mundo, ang espasyo at oras ay tuluy-tuloy at kamag-anak. Nawawalan sila ng mga hangganan. Ang Aesthetic relativism ay ipinahayag: lahat ay dumadaloy, lahat ay naubos.

parang pinaghalo-halo” blurs; walang tiyak. Iginiit ng surrealismo ang relativity ng mundo at kanyang mga halaga. Walang mga hangganan sa pagitan ng kaligayahan at kalungkutan, ang indibidwal at lipunan. Ang gulo ng mundo nagdudulot ng kaguluhan sa masining na pag-iisip- Ito ang prinsipyo ng aesthetics ng surrealism.

Ang masining na konsepto ng surrealism ay iginiit ang misteryo at kawalan ng kaalaman ng isang mundo kung saan nawala ang panahon at kasaysayan, at ang isang tao ay nabubuhay sa subconscious at natagpuan ang kanyang sarili na walang magawa sa harap ng mga paghihirap.

Expressionism- isang masining na kilusan na nagsasaad ng: alienated, ang tao ay nabubuhay sa isang pagalit na mundo. Bilang bayani ng panahon, ang ekspresyonismo ay naglagay ng isang hindi mapakali na personalidad, na nalulula sa mga emosyon, [hindi makapagdala ng pagkakasundo sa isang mundong napunit ng mga hilig. -

Ang ekspresyonismo bilang isang kilusang masining ay bumangon batay sa mga ugnayan sa iba't ibang larangan ng aktibidad na pang-agham: sa psychoanalysis ni Freud, phenomenology ni Husserl, neo-Kantian epistemology, ang pilosopiya ng "Vienna Circle" at Gestalt psychology.

Ang ekspresyonismo ay nagpakita ng sarili sa iba't ibang uri ng sining: M. Chagall, O. Kokotka, E. Munch - sa pagpipinta; A. Rimbaud, A. Yu. Strindberg, R. M. Rilke, E. Toller, F. Kafka - sa panitikan; I. Stravinsky, B. Bartok, A. Schoenberg - sa musika.

Expressionism batay sa kultura ng ika-20 siglo. binubuhay ang romantikismo. Expressionism likas na takot sa mundo at kontradiksyon sa pagitan ng panlabas na dinamismo at ang ideya ng hindi nagbabagong kakanyahan ng mundo (kawalan ng paniniwala sa posibilidad ng pagpapabuti nito). Ayon sa masining mga konsepto ng expressionism, ang mga mahahalagang pwersa ng personalidad ay hiwalay sa pagsalungat tao at mga institusyong panlipunan na kalaban sa kanya: lahat ay walang pag-asa. Ek impresyonismo - isang pagpapahayag ng sakit ng isang humanist artist,

dulot sa kanya ng di-kasakdalan ng mundo. Konsepto ng pagpapahayag ng personalidad: Tao- isang emosyonal, "natural" na nilalang, dayuhan sa industriyal at makatwiran, urban na mundo kung saan siya ay pinilit na manirahan.

Constructivism- artistikong direksyon (20s ng XX siglo), ang konseptong invariant kung saan ay ang ideya- ang pagkakaroon ng tao ay nagaganap sa kapaligiran ng mga pwersang pang-industriya na nakahiwalay sa kanya; at ang bayani ng panahon- rasyonalista ng lipunang industriyal.

Ang neopositivist na mga prinsipyo ng cubism, na ipinanganak sa pagpipinta, ay pinalawak sa isang binagong anyo sa panitikan at iba pang sining at pinagsama sa isang bagong direksyon, na nakikipag-ugnay sa mga ideya ng teknikalismo - konstruktivismo. Itinuring ng huli ang mga produkto ng industriya bilang independyente, hiwalay sa indibidwal at mga halagang sumasalungat dito. Ang constructivism ay lumitaw sa bukang-liwayway ng siyentipiko at teknolohikal na rebolusyon at ginawang ideyal ang mga ideya ng technicism; pinahahalagahan niya ang mga makina at ang kanilang mga produkto kaysa sa mga indibidwal. Kahit na sa pinaka-talented at humanistic na mga gawa ng constructivism, ang alienating salik ng teknolohikal na pag-unlad ay kinuha para sa ipinagkaloob. Ang konstruktibismo ay puno ng mga kalunos-lunos na pag-unlad ng industriya at pagiging posible sa ekonomiya; ito ay technocratic-oriented.

Ang aesthetics ng constructivism ay nabuo sa pagitan ng extremes (minsan ay nahuhulog sa isa sa mga ito) - utilitarianism, na hinihingi ang pagkasira ng aesthetics, at aestheticism. Sa pinong sining at arkitektura, ang mga malikhaing prinsipyo ng constructivism ay mas malapit hangga't maaari sa engineering at kasama ang: pagkalkula ng matematika, laconism ng artistikong paraan, komposisyon ng eskematiko, lohikal.

Sa panitikan, nabuo ang konstruktibismo bilang isang kilusang masining (1923 - 1930) sa gawain ng grupo.

LCC (Literary Center of Constructivists): I.L. Selvinsky, B.N. Agapov, V.M. Inber, H.A. Aduev, E.Kh. Bagritsky, B.I. Gabrilovich, K.L. Zelinsky (group theorist) at iba pa. Naimpluwensyahan din ng Constructivism ang teatro (gawa ng direktor ni Vsevolod Meyerhold, na bumuo ng mga prinsipyo ng biomechanics, theatrical engineering at nagpakilala ng mga elemento ng circus spectacle sa entablado. Ang mga ideya ng constructivism ay sumasaklaw sa iba't ibang uri ng sining sa kanilang impluwensya, gayunpaman pinakamalaking impluwensya nagkaroon ng epekto sa arkitektura. Lalo na naapektuhan nito ang gawain ng Le Corbusier, I. Leonidov, V.A. Sina Shchuko at V.G. Gelfreich.

Eksistensyalismo- ang konsepto ng pag-iral ng tao, ang kanyang lugar at papel sa mundong ito, ang kanyang relasyon sa Diyos. Ang kakanyahan ng eksistensyalismo- ang primacy of existence over essence (ang isang tao mismo ang humuhubog sa kanyang pag-iral at, sa pamamagitan ng pagpili kung ano ang gagawin at kung ano ang hindi dapat gawin, ay nagdudulot ng esensya sa pagkakaroon). Ang eksistensyalismo ay nagpapatunay ng isang malungkot, egoistic, may halaga sa sarili na personalidad sa isang mundo ng kahangalan. Para sa existentialism, ang indibidwal ay higit sa kasaysayan.

Sa masining na konsepto nito, ang eksistensyalismo (J.P. Sartre, A. Camus) ay nag-aangkin na ang mismong mga pundasyon ng pag-iral ng tao ay walang katotohanan, kung dahil lamang sa tao ay mortal; ang kasaysayan ay gumagalaw mula sa masama patungo sa mas masahol pa at pabalik sa masama muli. Walang pataas na paggalaw, mayroon lamang paggalaw ng ardilya gulong kasaysayan, kung saan ang buhay ng sangkatauhan ay umiikot nang walang kabuluhan.

Ang pangunahing kalungkutan na pinagtibay ng masining na konsepto ng eksistensyalismo ay may kabaligtaran na lohikal na kahihinatnan: ang buhay ay hindi walang katotohanan kung saan ang isang tao ay patuloy na umiral sa sangkatauhan. Ngunit kung ang isang tao ay isang mapag-isa, kung siya lamang ang halaga sa mundo, kung gayon siya ay mababa ang halaga sa lipunan, wala siyang hinaharap, at pagkatapos ay ang kamatayan ay ganap. Ito ay tumatawid sa isang tao, at ang buhay ay nagiging walang kabuluhan.

Neo-abstract na sining(abstract na sining ng ikalawang alon) - spontaneous-impulsive self-expression; isang pangunahing pagtanggi sa pagiging makasagisag, ng paglalarawan ng katotohanan, sa pangalan ng purong pagpapahayag; batis ng kamalayan na nakuhanan ng kulay.

Ang neo-abstractionism ay lumikha ng bagong henerasyon ng mga abstractionist: J. Paul Lak, De Kuhn at Ig, A. Manisirer at iba pa. Kabisado nila ang surrealist technique at ang mga prinsipyo ng "mental automatism." Sa akda ni Pol Lak, ang malikhaing gawa ay binibigyang-diin hindi ng mismong gawa, kundi sa mismong proseso ng paglikha nito. Ang prosesong ito ay nagiging wakas sa sarili nito at dito nabuo ang mga pinagmulan ng "action painting".

Ang mga prinsipyo ng neo-abstractionism ay pinatunayan ni M. Brion, G. Reed, Sh.-P. Brew, M. Raton. Ang Italian theorist na si D. Severini ay nanawagan na kalimutan ang katotohanan, dahil hindi ito nakakaapekto sa plastic expression. Isa pang theorist, M. Zefor, isinasaalang-alang ang merito ng abstract painting na ito ay hindi nagdadala ng anumang bagay mula sa normal na kapaligiran ng buhay ng tao. Inalis ng potograpiya ang pagiging makasagisag ng pagpipinta, na iniwan lamang ang huli na nagpapahayag na mga posibilidad para sa pagbubunyag ng subjective na mundo ng artist.

Ang mahinang link sa teorya ng abstractionism at neo-abstractionism ay ang kakulangan ng malinaw na pamantayan ng halaga para sa pagkilala sa pagkamalikhain mula sa haka-haka, kaseryosohan mula sa mga biro, talento mula sa karaniwan, kasanayan mula sa panlilinlang.

Ang mga masining na solusyon ng abstractionism at neo-abstractionism (harmonization ng kulay at hugis, paglikha ng "balanse" ng mga eroplano na may iba't ibang laki dahil sa intensity ng kanilang kulay) ay ginagamit sa arkitektura, disenyo, disenyo ng sining, teatro, sinehan, at telebisyon.

Postmodernismo kung paano ang isang artistikong panahon ay nagdadala sa loob mismo ng isang artistikong paradigm na nagsasaad na hindi kayang tiisin ng isang tao ang pressure ng mundo at nagiging posthuman. Lahat ng artistikong direksyon nito

panahon ay napuno ng paradigm na ito, na nagpapakita at nagre-refract nito sa pamamagitan ng kanilang mga hindi nagbabagong konsepto ng mundo at personalidad: pop art, sonopucmuka, aleatorics, musical pointillism, hyperrealism, happenings, atbp.

Pop Art- bagong makasagisag na sining. Inihambing ng pop art ang abstractionist na pagtanggi sa realidad sa magaspang na mundo ng mga materyal na bagay, na iniuugnay sa artistikong at aesthetic na katayuan.

Ang mga pop art theorists ay nangangatuwiran na sa isang tiyak na konteksto, ang bawat bagay ay nawawala ang orihinal na kahulugan nito at nagiging isang gawa ng sining. Samakatuwid, ang gawain ng artist ay nauunawaan hindi bilang paglikha ng isang masining na bagay, ngunit bilang pagbibigay ng isang ordinaryong bagay na mga artistikong katangian sa pamamagitan ng pag-aayos ng isang tiyak na konteksto ng kanyang pang-unawa. Ang aestheticization ng materyal na mundo ay nagiging prinsipyo ng pop art. Ang mga artista ay nagsusumikap na makamit ang kaakit-akit, kalinawan, at kalinawan ng kanilang mga nilikha, gamit ang mga patula ng mga label at advertising para dito. Ang pop art ay isang komposisyon ng mga pang-araw-araw na bagay, kung minsan ay pinagsama sa isang dummy o sculpture.

Mga gusot na sasakyan, mga kupas na litrato, mga scrap ng diyaryo at poster na nakadikit sa mga kahon, isang pinalamanan na manok sa ilalim ng takip ng salamin, isang punit na sapatos na pininturahan ng puting pintura ng langis, mga de-koryenteng motor, mga lumang gulong o gas stoves - ito ang mga artistikong eksibit ng pop art.

Kabilang sa mga pop art artist na maaari nating i-highlight: E. Warhol, D. Chamberlain, J. Dine at iba pa.

Ang pop art bilang isang artistikong kilusan ay may ilang uri (mga uso): op art (masining organisadong optical effect, geometric na kumbinasyon ng mga linya at spot), env-apm(mga komposisyon, masining na organisasyon ng kapaligiran ng manonood), el-at(mga bagay na gumagalaw sa tulong ng mga de-kuryenteng motor

at mga disenyo, ang kilusang pop art na ito ay lumitaw bilang isang malayang masining na kilusan - kineticism).

Iniharap ng pop art ang konsepto ng personalidad ng mamimili ng isang lipunang "pagkonsumo ng masa". Ang perpektong personalidad ng pop art ay isang taong mamimili kung saan dapat palitan ng aestheticized still lifes of commodity compositions ang espirituwal na kultura. Ang mga salita ay pinalitan ng mga kalakal, ang panitikan ay pinalitan ng mga bagay, ang kagandahan ay napalitan ng gamit, ang kasakiman sa materyal, ang pagkonsumo ng kalakal na pinapalitan ang mga espirituwal na pangangailangan ay katangian ng pop art. Ang direksyon na ito ay pangunahing nakatuon sa isang masa, hindi malikhaing personalidad, pinagkaitan ng independiyenteng pag-iisip at paghiram ng "kanilang" mga kaisipan mula sa advertising at mga komunikasyon sa masa, isang personalidad na manipulahin ng telebisyon at iba pang media. Ang personalidad na ito ay na-program sa pamamagitan ng pop art upang matupad ang mga ibinigay na tungkulin ng acquirer at consumer, na masunurin na nagtitiis sa nakahiwalay na impluwensya modernong sibilisasyon. Ang personalidad ng pop art ay ang zombie ng kulturang masa.

Ang hyperrealism ay isang masining na kilusan, ang invariant na artistikong konsepto kung saan ay: isang impersonal na sistema ng pamumuhay sa isang malupit at magaspang na mundo.

Hyperrealism - lumilikha ng mga kaakit-akit na supernaturalistic na mga gawa na naghahatid ng pinakamaliit na detalye ng itinatanghal na bagay. Ang mga paksa ng hyperrealism ay sadyang banal, ang mga imahe ay mariin na "layunin". Ibinabalik ng direksyong ito ang mga artista sa karaniwang mga anyo at paraan ng pinong sining, lalo na sa painting canvas, na tinanggihan ng pop art. Ginagawa ng hyperrealism ang mga pangunahing tema ng mga pagpipinta nito na patay, gawa ng tao, "pangalawang" kalikasan ng kapaligiran sa lunsod: mga istasyon ng gasolina, mga kotse, mga bintana ng tindahan, mga gusali ng tirahan, mga booth ng telepono, na ipinakita bilang hiwalay sa mga tao.

Ang hyperrealism ay nagpapakita ng mga kahihinatnan ng labis na urbanisasyon, pagkasira ng ekolohiya ng kapaligiran, at nagpapatunay na ang metropolis ay lumilikha ng isang hindi makataong kapaligiran. pangunahing paksa hyperrealism - ang impersonal na mekanisadong buhay ng isang modernong lungsod.

Batayang teoretikal hyperrealism - mga ideyang pilosopikal ng paaralan ng Frankfurt, na nagsasaad ng pangangailangang lumayo sa mga ideolohikal na anyo ng makasagisag na pag-iisip.

Gumagana photorealism ay batay sa mataas na pinalaki na mga litrato at kadalasang kinikilala sa hyperrealism. Gayunpaman, kapwa sa mga tuntunin ng teknolohiya ng paglikha ng isang imahe at, pinaka-mahalaga, sa mga tuntunin ng invariant artistikong konsepto ng mundo at personalidad - ang mga ito, kahit na malapit, ay iba't ibang artistikong direksyon. Ginaya ng mga hyperrealist ang mga larawan gamit ang mga painterly na paraan sa canvas, ginagaya ng mga photorealist ang mga painting sa pamamagitan ng pagproseso ng mga litrato (na may mga pintura, paraan ng collage).

Pinagtitibay ng Photorealism ang priyoridad ng dokumentaryo at artistikong konsepto: isang maaasahan, ordinaryong tao sa isang maaasahan, ordinaryong mundo.

Ang layunin ng photorealism ay upang ilarawan ang modernong pang-araw-araw na buhay. Ang mga kalye, mga dumadaan, mga bintana ng tindahan, mga kotse, mga ilaw ng trapiko, mga bahay, at mga gamit sa bahay ay ginawang muli sa mga gawa ng photorealism na tunay, obhetibo at lubhang katulad.

Ang mga pangunahing tampok ng photorealism: 1) figurativeness, pagsalungat sa mga tradisyon ng abstractionism; 2) atraksyon sa balangkas; 3) ang pagnanais na maiwasan ang "makatotohanang mga cliches" at dokumentaryo; 4) pag-asa sa mga artistikong tagumpay ng mga kagamitan sa photographic.

Sonoristics- direksyon sa musika: ang dula ng mga timbre na nagpapahayag ng "Ako" ng may-akda. Para sa mga kinatawan nito, hindi ang pitch ng tunog ang mahalaga, kundi ang timbre. Naghahanap sila ng mga bago musikal kulay, hindi kinaugalian na tunog: nilalaro sa isang tambo,

lagari, dumikit sa mga kuwerdas ng piano, humampas sa soundboard, remote control ang tunog ay nalilikha sa pamamagitan ng pagpupunas ng bibig gamit ang panyo.

Sa purong masiglang musika, ang melody, harmony at ritmo ay hindi gumaganap ng isang espesyal na papel; tanging ang tunog ng timbre ang mahalaga. Ang pangangailangang itala ito ay nagbunga ng mga espesyal na graphic na anyo ng pagre-record ng timbre sa anyo ng manipis, bold, kulot, hugis-kono na mga linya. Minsan ipinapahiwatig din ang hanay kung saan kailangang maglaro ang tagapalabas.

Ang nagtatag ng sonorous na musika ay ang Polish na kompositor na si K. Penderecki, at ang kanyang inisyatiba ay ipinagpatuloy ni K. Serotsky, S. Bussotti at iba pa.

Musical pointillism- direksyon sa harap na paningin * ang kakaiba nito ay ang pagkakapira-piraso ng musikal na tela, ang pagkalat nito sa mga rehistro, ang pagiging kumplikado ng ritmo at mga pirma ng oras, at ang kasaganaan ng mga paghinto.

Ang musical pointillism ay tumangging lumikha ng isang magkakaugnay na artistikong realidad (isang realidad na mauunawaan batay sa mundong musikal at artistikong tradisyon at gamit ang tradisyonal na musikal-semiotikong mga code). Ang pointillism ay nakatuon sa indibidwal patungo sa paglipat sa mundo ng kanyang kaluluwa at pinagtitibay ang pagkapira-piraso ng nakapaligid na mundo.

Aleatorics- masining na paggalaw ng panitikan at musika, batay sa pilosopikal na ideya na ang pagkakataon ay naghahari sa buhay, at nagpapatibay sa masining na konsepto: tao- isang manlalaro sa isang mundo ng mga random na sitwasyon.

Mga kinatawan ng aleatorics: K. Stockhausen, P. Boulez, S. Bussotti, J. Cage, A. Pusser, K. Serotsky at iba pa. Ang pagiging random ay pumapasok sa mga akdang pampanitikan o musikal nang mekanikal: sa pamamagitan ng paghagis ng mga chips (dice), paglalaro ng chess, pag-shuffling ng mga pahina o iba't ibang mga fragment, at gayundin ng

improvisasyon: ang musikal na teksto ay isinulat gamit ang "mga tanda-simbulo" at pagkatapos ay malayang binibigyang kahulugan.

Nangyayari- isa ito sa mga uri ng makabago masining na kultura sa kanluran. Ang may-akda ng mga unang produksyon ng nangyayaring "The Yard", "Creations" ay si A. Keprow. Ang mga nangyayaring produksyon ay nagsasangkot ng mga mahiwaga, kung minsan ay hindi makatwiran na mga aksyon ng mga gumaganap at nailalarawan sa pamamagitan ng isang kasaganaan ng mga props na ginawa mula sa mga gamit na bagay at kahit na kinuha mula sa isang landfill. Ang mga kalahok sa nangyayari ay nagsusuot ng maliwanag, labis na katawa-tawa na mga kasuutan, na binibigyang-diin ang walang buhay na katangian ng mga gumaganap, ang kanilang pagkakahawig sa alinman sa mga kahon o mga balde. Ang ilang mga pagtatanghal ay binubuo, halimbawa, ng isang masakit na pagtanggal mula sa ilalim ng isang tarpaulin. Kasabay nito, ang indibidwal na pag-uugali ng mga aktor ay improvisational. Minsan ang mga aktor ay bumaling sa madla na may kahilingan na tulungan sila. Ang pagsasama na ito ng manonood sa aksyon ay tumutugma sa diwa ng nangyayari.

Ang konsepto ng mundo at personalidad na inihain ng mga nangyayari ay maaaring bumalangkas tulad ng sumusunod: mundo- isang kadena ng mga random na mga kaganapan, ang isang tao ay dapat subjectively pakiramdam kumpletong kalayaan, ngunit sa katotohanan ay sumuko sa isang solong aksyon, ay manipulahin.

Ang nangyayari ay gumagamit ng magaan na pagpipinta: ang liwanag ay patuloy na nagbabago ng kulay at lakas, ay direktang nakadirekta sa aktor o kumikinang sa mga screen na gawa sa iba't ibang mga materyales. Ito ay madalas na sinamahan ng mga sound effect (mga boses ng tao, musika, kilig, kaluskos, paggiling). Ang tunog ay minsan napakalakas, hindi inaasahan, na idinisenyo upang magkaroon ng shock effect. Kasama sa pagtatanghal ang mga transparency at film still. Gumagamit din si Laura ng mga mabangong sangkap. Ang tagapalabas ay tumatanggap ng isang gawain mula sa direktor, ngunit ang tagal ng mga aksyon ng mga kalahok ay hindi natukoy. Lahat ay maaaring umalis sa laro kahit kailan nila gusto.

Nagaganap ang mga pangyayari sa iba't ibang lugar: sa mga paradahan, sa mga patyo na napapalibutan ng matataas na gusali, sa mga basement. shafts, sa attics. Ang espasyo ng isang pangyayari, ayon sa mga prinsipyo ng aksyon na ito, ay hindi dapat limitahan ang imahinasyon ng artist at ng manonood.

Ang nangyayaring teorista na si M. Kirby ay iniuugnay ang ganitong uri ng panoorin sa larangan ng teatro, bagama't binanggit niya na ang mga pangyayari ay naiiba sa teatro sa kawalan ng tradisyunal na istruktura ng dula: balangkas, mga tauhan at tunggalian. Iniuugnay ng ibang mga mananaliksik ang kalikasan ng nangyayari sa pagpipinta at iskultura, sa halip na sa teatro.

Ang mga pinagmulan ng mga pangyayari ay bumalik sa mga masining na paghahanap sa simula ng ika-20 siglo, sa mga pagtatangka ng ilang mga pintor at eskultor na ilipat ang diin mula sa isang pagpipinta o eskultura patungo sa mismong proseso ng kanilang paglikha. Sa madaling salita, ang nangyayari. kinuha din ang mga pinagmulan nito sa "pagpipinta ng aksyon": sa "drop splashing" ni J. Pollock, sa "slashing" brush stroke ng De Kooning, sa mga naka-costume na painting ni J. Mathieu.

Sining na mapanira sa sarili- isa ito sa mga kakaibang phenomena ng postmodernism. Mga pintura na pininturahan ng pintura na kumukupas sa harap ng mga mata ng madla. Ang aklat na "Wala", inilathala sa USA noong 1975 at muling inilathala sa England. Mayroon itong 192 na pahina, at wala ni isang linya ang nakalagay dito. Sinasabi ng may-akda na ipinahayag niya ang kaisipan: Wala akong sasabihin sa iyo. Ang lahat ng ito ay mga halimbawa ng sining na mapanira sa sarili. Mayroon din itong pagpapahayag sa musika: ang pagtatanghal ng isang piyesa sa isang nahuhulog na piano o sa isang naghiwa-hiwalay na biyolin, atbp.

Konseptwalismo- Ito ay isang masining na kilusan sa Kanluraning sining, na sa artistikong konsepto nito ay nagpapatunay sa isang tao na hiwalay sa direktang (kaagad) na kahulugan ng kultura at napapalibutan ng mga aestheticized na produkto ng intelektwal na aktibidad.

Ang mga gawa ng konseptwalismo ay hindi mahuhulaan na naiiba sa kanilang pagkakayari at hitsura: mga larawan, mga kopya ng mga teksto, mga telegrama, mga reproduksyon, mga graphic, mga haligi ng mga numero, mga diagram. Ang konsepto ng konsepto ay hindi gumagamit ng intelektwal na produkto ng aktibidad ng tao para sa nilalayon nitong layunin: hindi dapat basahin at bigyang-kahulugan ng tatanggap ang kahulugan ng teksto, ngunit malasahan ito bilang isang purong aesthetic na produkto, na kawili-wili sa hitsura nito.

Mga kinatawan ng konseptwalismo; Mga artistang Amerikano T. Atkinsoni, D. Bainbridge, M. Baldwin, H. Harrell, Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, Robert Berry, Douglas Huebler, atbp.

Kritikal na pagiging totoo siglo XIX,- artistikong direksyon" na naglalagay ng konsepto: ang mundo at ang tao ay hindi perpekto; labasan- hindi paglaban sa kasamaan sa pamamagitan ng karahasan at pagpapabuti ng sarili.

M Ang sosyalistang realismo ay isang masining na kilusan na nagpapatunay sa masining na konsepto: ang indibidwal ay aktibo sa lipunan at kasama sa paglikha ng kasaysayan sa pamamagitan ng marahas na paraan."

Realismo ng magsasaka- isang kilusang masining na nagsasaad na ang magsasaka ang pangunahing tagapagdala ng moralidad at suporta ng pambansang buhay.

Realismo ng magsasaka (prosa ng nayon) - direksyong pampanitikan ng prosa ng Ruso (60s - 80s); sentral na tema- isang modernong nayon, ang pangunahing tauhan ay isang magsasaka - ang tanging tunay na kinatawan ng mga tao at ang maydala ng mga mithiin.

Neorealism- ang masining na kilusan ng realismo ng ika-20 siglo, na nagpakita ng sarili sa post-war na Italyano na sinehan at bahagyang sa panitikan. Mga Tampok: Ang Neorealism ay nagpakita ng malapit na interes sa tao ng mga tao, sa buhay ng mga ordinaryong tao: matalas na pansin sa detalye, pagmamasid at pagtatala ng mga elemento na pumasok sa buhay pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Ginawa

Pinagtitibay ng neorealism ang mga ideya ng humanismo, ang kahalagahan ng mga simpleng pagpapahalaga sa buhay, kabaitan at katarungan sa relasyon ng tao, ang pagkakapantay-pantay ng mga tao at ang kanilang dignidad, anuman ang kanilang katayuan sa pananalapi.

Magic realism- isang masining na kilusan ng realismo na nagpapatibay sa konsepto: ang isang tao ay nabubuhay sa isang realidad na pinagsasama ang modernidad at kasaysayan, ang supernatural at ang natural, ang paranormal at ang pang-araw-araw.

Ang kakaiba ng mahiwagang realismo ay ang mga kamangha-manghang yugto ay nabuo ayon sa mga batas ng pang-araw-araw na lohika bilang pang-araw-araw na katotohanan.

Sikolohikal na realismo- masining na kilusan ng ika-20 siglo, na inilalagay ang konsepto: ang indibidwal ay may pananagutan; ang espirituwal na mundo ay dapat na mapuno ng isang kultura na nagtataguyod ng kapatiran ng mga tao at nagtagumpay sa kanilang pagiging makasarili at kalungkutan.

Intelektwal na realismo- Ito ang artistikong direksyon ng realismo, sa mga gawa kung saan ang isang drama ng mga ideya ay nagbubukas at ang mga karakter sa kanilang mga mukha ay "naglalaro" ng mga iniisip ng may-akda, ay nagpapahayag ng iba't ibang aspeto ng kanyang masining na konsepto. Ipinapalagay ng intelektwal na realismo ang konseptwal at pilosopikal na paraan ng pag-iisip ng pintor. Kung ang sikolohikal na realismo ay nagsisikap na ihatid ang kaplastikan ng paggalaw ng mga pag-iisip, ipinapakita ang diyalektika ng kaluluwa ng tao, ang pakikipag-ugnayan ng mundo at kamalayan, kung gayon ang intelektwal na realismo ay nagsusumikap na artistikong at nakakumbinsi na lutasin ang mga kasalukuyang problema at magbigay ng pagsusuri sa estado ng mundo.

Kaugnay na impormasyon.

Rationalistic na pundasyon ng kultura. Imposibleng gumuhit ng isang ganap na tumpak na hangganan sa pagitan ng mga kultura noong ika-16 at ika-17 siglo. Nasa ika-16 na siglo, ang mga bagong ideya tungkol sa mundo ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa mga turo ng mga natural na pilosopong Italyano. Ngunit ang tunay na punto ng pagbabago sa agham ng sansinukob ay naganap sa pagliko ng ika-16 at ika-17 siglo, nang sina Giordano Bruno, Galileo Galilei at Kepler, na bumubuo ng heliocentric na teorya ng Copernicus, ay dumating sa konklusyon tungkol sa maramihan ng mga mundo, tungkol sa kawalang-hanggan ng sansinukob, kung saan ang daigdig ay hindi ang sentro, ngunit isang maliit na butil, nang ang pag-imbento ng teleskopyo at mikroskopyo ay nagsiwalat sa tao ng pagkakaroon ng walang katapusan na malayo at walang katapusan na maliit.

Noong ika-17 siglo, nagbago ang pag-unawa sa tao, ang kanyang lugar sa mundo, at ang relasyon sa pagitan ng indibidwal at lipunan. Ang personalidad ng taong Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng ganap na pagkakaisa at integridad, ito ay wala ng pagiging kumplikado at pag-unlad. Personalidad - ang Renaissance - iginiit ang sarili alinsunod sa kalikasan, na kumakatawan sa isang mahusay na puwersa. Ang enerhiya ng isang tao, pati na rin ang kapalaran, ay tumutukoy sa kanyang landas sa buhay. Gayunpaman, ang "kamangha-manghang" humanismong ito ay hindi na angkop para sa bagong panahon, nang ang isang tao ay tumigil sa pagkilala sa kanyang sarili bilang sentro ng sansinukob, nang maramdaman niya ang lahat ng pagiging kumplikado at mga kontradiksyon ng buhay, nang kailangan niyang magsagawa ng isang matinding pakikibaka laban sa pyudal-Katoliko na reaksyon.

Ang personalidad ng ika-17 siglo ay hindi mahalaga sa sarili nito, tulad ng personalidad ng Renaissance, ito ay palaging nakasalalay sa kapaligiran, sa kalikasan, at sa masa ng mga tao, kung kanino nais nitong ipakita ang sarili, humanga at kumbinsihin. Ang ugali na ito, sa isang banda, upang makuha ang imahinasyon ng masa, at sa kabilang banda, upang kumbinsihin sila, ay isa sa mga pangunahing tampok ng sining ng ika-17 siglo.

Ang sining ng ika-17 siglo, tulad ng sining ng Renaissance, ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng bayani. Ngunit ito ay isang bayani na nailalarawan hindi sa pamamagitan ng mga aksyon, ngunit sa pamamagitan ng mga damdamin at karanasan. Ito ay napatunayan hindi lamang ng sining, kundi pati na rin ng pilosopiya ng ika-17 siglo. Lumilikha si Descartes ng doktrina ng mga hilig, at itinuturing ni Spinoza ang mga pagnanasa ng tao na "parang mga linya, eroplano at katawan."

Ang bagong pananaw na ito ng mundo at ng tao ay maaaring magtungo sa dalawang direksyon sa ika-17 siglo, depende sa kung paano ito ginamit. Sa masalimuot, magkasalungat, multifaceted na mundo ng kalikasan at ang pag-iisip ng tao, ang magulo, hindi makatwiran, dinamiko at emosyonal na bahagi nito, ang ilusyon na kalikasan nito, ang mga senswal na katangian ay maaaring bigyang-diin. Ang landas na ito ay humantong sa istilong Baroque.

Ngunit ang diin ay maaari ding ilagay sa malinaw, natatanging mga ideya na kumikilala sa katotohanan at kaayusan sa kaguluhang ito, sa pag-iisip na nakikipaglaban sa mga salungatan nito, sa katwiran sa pagdaig sa mga hilig. Ang landas na ito ay humantong sa klasisismo.

Ang Baroque at klasisismo, na natanggap ang kanilang klasikal na disenyo sa Italya at Pransya, ayon sa pagkakabanggit, ay kumalat sa isang antas o iba pa sa lahat ng mga bansa sa Europa at ang nangingibabaw na mga uso sa kulturang sining noong ika-17 siglo.

Rationalistic na pundasyon ng kultura

Imposibleng gumuhit ng isang ganap na tumpak na hangganan sa pagitan ng mga kultura noong ika-16 at ika-17 siglo. Nasa ika-16 na siglo, ang mga bagong ideya tungkol sa mundo ay nagsimulang magkaroon ng hugis sa mga turo ng mga natural na pilosopong Italyano. Ngunit ang tunay na punto ng pagbabago sa agham ng sansinukob ay naganap sa pagliko ng ika-16 at ika-17 siglo, nang sina Giordano Bruno, Galileo Galilei at Kepler, na bumubuo ng heliocentric na teorya ng Copernicus, ay dumating sa konklusyon tungkol sa maramihan ng mga mundo, tungkol sa kawalang-hanggan ng sansinukob, kung saan ang daigdig ay hindi ang sentro, ngunit isang maliit na butil, nang ang pag-imbento ng teleskopyo at mikroskopyo ay nagsiwalat sa tao ng pagkakaroon ng walang katapusan na malayo at walang katapusan na maliit.

Noong ika-17 siglo, nagbago ang pag-unawa sa tao, ang kanyang lugar sa mundo, at ang relasyon sa pagitan ng indibidwal at lipunan. Ang personalidad ng taong Renaissance ay nailalarawan sa pamamagitan ng ganap na pagkakaisa at integridad, ito ay wala ng pagiging kumplikado at pag-unlad. Personalidad - ang Renaissance - iginiit ang sarili alinsunod sa kalikasan, na kumakatawan sa isang mahusay na puwersa. Ang enerhiya ng isang tao, pati na rin ang kapalaran, ay tumutukoy sa kanyang landas sa buhay. Gayunpaman, ang "kamangha-manghang" humanismong ito ay hindi na angkop para sa bagong panahon, nang ang tao ay tumigil sa pagkilala sa kanyang sarili bilang sentro ng sansinukob, nang madama niya ang lahat ng pagiging kumplikado at mga kontradiksyon ng buhay, nang kailangan niyang magsagawa ng isang matinding pakikibaka laban sa pyudal-Katoliko na reaksyon.

Ang personalidad ng ika-17 siglo ay hindi mahalaga sa sarili nito, tulad ng personalidad ng Renaissance, ito ay palaging nakasalalay sa kapaligiran, sa kalikasan, at sa masa ng mga tao, kung kanino nais nitong ipakita ang sarili, humanga at kumbinsihin. Ang ugali na ito, sa isang banda, upang makuha ang imahinasyon ng masa, at sa kabilang banda, upang kumbinsihin sila, ay isa sa mga pangunahing tampok ng sining ng ika-17 siglo.

Ang sining ng ika-17 siglo, tulad ng sining ng Renaissance, ay nailalarawan sa pamamagitan ng kulto ng bayani. Ngunit ito ay isang bayani na nailalarawan hindi sa pamamagitan ng mga aksyon, ngunit sa pamamagitan ng mga damdamin at karanasan. Ito ay napatunayan hindi lamang ng sining, kundi pati na rin ng pilosopiya ng ika-17 siglo. Lumilikha si Descartes ng doktrina ng mga hilig, at itinuturing ni Spinoza ang mga pagnanasa ng tao na "parang mga linya, eroplano at katawan."

Ang bagong pananaw na ito ng mundo at ng tao ay maaaring magtungo sa dalawang direksyon sa ika-17 siglo, depende sa kung paano ito ginamit. Sa masalimuot, magkasalungat, multifaceted na mundo ng kalikasan at ang pag-iisip ng tao, ang magulo, hindi makatwiran, dinamiko at emosyonal na bahagi nito, ang ilusyon na kalikasan nito, ang mga senswal na katangian ay maaaring bigyang-diin. Ang landas na ito ay humantong sa istilong Baroque.

Ngunit ang diin ay maaari ding ilagay sa malinaw, natatanging mga ideya na kumikilala sa katotohanan at kaayusan sa kaguluhang ito, sa pag-iisip na nakikipaglaban sa mga salungatan nito, sa katwiran sa pagdaig sa mga hilig. Ang landas na ito ay humantong sa klasisismo.

Ang Baroque at klasisismo, na natanggap ang kanilang klasikal na disenyo sa Italya at Pransya, ayon sa pagkakabanggit, ay kumalat sa isang antas o iba pa sa lahat ng mga bansa sa Europa at ang nangingibabaw na mga uso sa kulturang sining noong ika-17 siglo.

Mga prinsipyo ng aesthetic ng Baroque

Ang istilong Baroque ay umusbong sa Italya, sa isang bansang nahati-hati sa maliliit na estado, sa isang bansang nakaranas ng kontra-repormasyon at isang malakas na reaksyong pyudal, kung saan ang mga mayayamang taong-bayan ay naging aristokrasya, sa isang bansa kung saan umunlad ang teorya at praktika ng mannerism. buong pamumulaklak at kung saan, sa parehong oras, sa lahat ng ningning nito ang pinakamayamang tradisyon ng artistikong kultura ng Renaissance ay napanatili. Kinuha ng Baroque mula sa Mannerism ang pagiging subject nito, mula sa Renaissance ang pagkahumaling nito sa katotohanan, ngunit pareho sa isang bagong estilistikong repraksyon. At kahit na ang mga labi ng mannerism ay patuloy na nakakaapekto sa una at maging sa ikalawang dekada ng ika-17 siglo, sa esensya, ang pagtagumpayan ng mannerism sa Italya ay maaaring ituring na natapos sa pamamagitan ng 1600.

Ang isa sa mga problemang katangian ng Baroque aesthetics ay ang problema ng kakayahang manghimok, na nagmula sa retorika. Ang retorika ay hindi nakikilala ang katotohanan sa pagiging totoo; bilang paraan ng panghihikayat, tila katumbas ang mga ito - at mula rito ay sumusunod ang ilusyon, hindi kapani-paniwala, subjectivism ng Baroque art, na sinamahan ng lihim ng pamamaraan ng "sining" ng gawa ng epekto, na lumilikha ng isang subjective, nakaliligaw na impression ng verisimilitude .

Batay sa katotohanan na ang pangunahing konsepto ng Baroque aesthetics ay ang kakayahang manghimok, ito ay nauunawaan bilang ang kakayahang kumbinsihin ang manonood sa tulong ng isang tiyak na instrumento ng impluwensya, na isang gawa ng sining. Pinalamutian ng retorika ang pananalita, nagbibigay ng mga konsepto at mga bagay na anyo na mas madaling madama. Ang retorika ay hindi mapaghihiwalay na nauugnay sa panitikan at tula, na kadalasang kinikilala ang sarili sa retorika. Ang kakayahan ng panghihikayat ay dapat kumbinsihin, hawakan, sorpresahin ang isa kung kanino ito nilayon. Ang may-akda, samakatuwid, ay dapat malaman hanggang sa pinakamaliit na detalye kung para kanino ang kanyang akda, dapat pag-aralan ang mga ito at gabayan ng kaalamang ito kapag lumilikha ng kanyang mga gawa.

Mayroon bang anumang kinikilala at ipinag-uutos na paraan ng pag-akit sa manonood, mambabasa, nakikinig dahil sa kanilang pagiging epektibo? Ang lahat ng mga pamamaraan ay angkop, sa kondisyon na nakamit nila ang kanilang pangunahing layunin - upang kumbinsihin ang tao kung kanino sila nilayon. Kaugnay nito, ang problema ng katotohanan o kamalian ng isang gawa ng sining ay ibinabalik sa background at nagiging hindi gaanong mahalaga. Ang pagiging ilusyon ay nagiging isang prinsipyo. Ang mambabasa at manonood ay dapat una sa lahat ay masindak at magulat, at ito ay maaaring gawin sa tulong ng isang mahusay na seleksyon ng mga kakaiba at hindi pangkaraniwang binubuo ng mga kuwadro na gawa.

Karamihan sa mga Baroque theorists ay mga manunulat, ngunit sa kanilang mga pahayag ay malinaw na nadarama ang pangunahing tendensya ng panahon ng Baroque - tungo sa rapprochement ng iba't ibang uri ng sining. Ang lahat ng sining ay magkakaugnay at may iisang diwa. Sila ay naiiba lamang sa mga paraan ng pagpapahayag.

Rationalism at normativism ng aesthetics ng classicism

Ang klasisismo ay isa sa pinakamahalagang larangan ng sining. Ang pagkakaroon ng itinatag ang sarili sa mga gawa at pagkamalikhain ng maraming henerasyon, na naglalagay ng isang napakatalino na kalawakan ng mga makata at manunulat, pintor at musikero, arkitekto, eskultor at aktor, ang klasisismo ay nag-iwan ng gayong mga milestone sa landas ng artistikong pag-unlad ng sangkatauhan bilang mga trahedya Corneille, Racine, Milton, Voltaire, komedya Moliere, musika Lully, mga tula Lafontaine, parke at architectural ensemble ng Versailles, mga painting ni Poussin.

Sinimulan ng Klasisismo ang kronolohiya nito noong ika-16 na siglo, nangingibabaw noong ika-17 siglo, at iginiit ang sarili nito nang malakas at tuloy-tuloy noong ika-18 at unang bahagi ng ika-19 na siglo. Kinukumpirma mismo ng kasaysayan ang sigla ng mga tradisyon ng sistema ng klasikal na sining at ang halaga ng mga konsepto ng mundo at pagkatao ng tao, pangunahin ang moral na kinakailangan na katangian ng klasisismo.

Ang salitang "classicism" (mula sa Latin classicus - kapuri-puri) ay naglalaman ng matatag na oryentasyon ng bagong sining patungo sa sinaunang "modelo". Gayunpaman, ang katapatan sa diwa ng sinaunang panahon ay hindi nangangahulugan para sa mga klasiko ng isang simpleng pag-uulit ng mga sinaunang modelong ito, o isang direktang pagkopya ng mga sinaunang teorya. Ang klasisismo ay repleksyon ng panahon ng absolutong monarkiya at ang marangal na burukratikong sistema kung saan ibinatay ang monarkiya. Ang pagbabalik sa sining ng Greece at Rome, na isa ring katangian ng Renaissance, ay hindi pa matatawag na klasisismo, bagama't naglalaman na ito ng marami sa mga tampok ng direksyong ito.

Sa kasaysayan ng France, ang absolutong monarkiya ay gumaganap ng dalawahang papel. Ang parehong duality ay nailalarawan sa kultural na patakaran ng absolute monarkiya at ang aesthetic doktrina nito - classicism. Ang mga korte ng monarkiya ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagnanais na ipailalim ang lahat ng mga puwersang masining sa isang sentralisadong organisasyon. Gumawa si Cardinal Richelieu ng isang opisyal na sentro sa larangan ng panitikan at wika - ang French Academy. Sa ilalim ni Louis XIV, nilikha ang Academy of Arts. Sa mga sentrong ito ng artistikong kultura, maraming gawain ang ginawa upang lumikha ng isang pinag-isang wikang pampanitikan, palayain ito mula sa mga katangiang panlalawigan at mga labi ng sinaunang panahon, bumuo ng tamang talumpating pampanitikan, pag-uri-uriin ang mga genre, at iba pa. Ang Academy of Arts, na pinag-isa ang mga pinakakilalang pintor at art theorists, ay nakikibahagi sa mga katulad na aktibidad. Sa pangkalahatan, ang lahat ng aktibidad na ito ay may progresibong kahalagahan.

Ayon sa mga code ng sining, ang artist ay unang kinakailangan na magkaroon ng "nobility of design." Ang balangkas ng larawan ay dapat na may nakapagpapatibay na halaga. Samakatuwid, ang lahat ng uri ng mga alegorya ay lalo na pinahahalagahan, kung saan higit pa o mas kaunti ang mga kumbensyonal na larawan ng buhay na direktang nagpahayag ng mga pangkalahatang ideya. Ang pinakamataas na genre ay itinuturing na "makasaysayan," na kinabibilangan ng sinaunang mitolohiya, mga kuwento mula sa mga sikat na akdang pampanitikan, mula sa Bibliya, at iba pa. Ang mga portrait, landscape, at eksena ng totoong buhay ay itinuturing na "mga minor na genre." Ang pinakawalang halagang genre ay buhay pa rin.

Sa tula, itinampok ng klasisismo ang makatwirang pag-unlad ng tema ayon sa mga kilalang tuntunin. Ang pinakakapansin-pansing halimbawa nito ay ang "Poetic Art" Boileau- isang treatise na itinakda sa magandang taludtod at naglalaman ng maraming kawili-wiling ideya. Iniharap ni Boileau ang kahilingan para sa primacy ng nilalaman sa poetic art, kahit na ang prinsipyong ito ay ipinahayag sa kanya sa isang napaka-panig na anyo - sa anyo ng isang abstract subordination ng pakiramdam sa pangangatwiran.

Aesthetics ng European Enlightenment

Ang mga aesthetic theories ng Enlightenment ay nabuo noong mga unang burgis na rebolusyon noong ika-17-18 siglo at bahagi ng ideolohiya at kultura ng kanilang panahon. Naniniwala ang mga Enlighteners na ang reorganisasyon ng isang lumang sistema ng lipunan ay dapat isagawa sa pamamagitan ng pagpapakalat ng mga advanced na ideya, sa pamamagitan ng paglaban sa kamangmangan, relihiyosong dope, medieval scholasticism, na may hindi makataong pyudal na moralidad, na may sining at aesthetics na nakakatugon sa mga pangangailangan ng nakatataas. strata ng pyudal-absolutist state.

Sa kabila ng lahat ng kanilang pag-unlad, ang mga enlighteners ay hindi maaaring lumampas sa mga hangganan ng kanilang panahon. Sa mga pakana ng isang maayos na lipunan, ang mga tagapagpaliwanag ay umasa sa isang abstract na "mamamayan", sa kanyang kamalayan sa pulitika at moral, at hindi sa lahat ng tunay na tao na aktwal na nabuo sa ilalim ng kapitalismo.

Ang mga enlightener, sa pamamagitan ng moral, politikal at aesthetic na edukasyon, ay sinubukang makamit ang pagbabago ng lipunan sa mga prinsipyo ng pagkakapantay-pantay at katarungan. Malinaw nilang batid ang katotohanan na may mga kontradiksyon sa pagitan ng pribado at pampublikong interes, sa pagitan ng personal na adhikain at tungkulin, sa pagitan ng indibidwal at lipunan. Inaasahan nilang maresolba ang mga kontradiksyong ito sa pamamagitan ng aesthetic education. Mula dito ay bumangon sila sa paniniwala na ang prinsipyo ng aesthetic ay may kakayahang palambutin ang likas na egoismo ng mga tao, na nagiging isang "indibidwal".

Mula sa pananaw ng pagtuturo ng isang "mamamayan", isang bagong tao, isinasaalang-alang ng mga enlightener ang mga pangunahing konsepto: kagandahan, kahanga-hanga, pagkakaisa, biyaya, panlasa ( Burke, Diderot ); Ang mga problema ng kakanyahan at panlipunang mga tungkulin ng sining, artistikong salungatan, karakter, katotohanan sa sining, at iba pa ay tinatrato sa parehong diwa. Ang leitmotif ng mga aesthetic na konsepto ng Enlightenment ay ang pagtatanggol ng sining ng mataas na civic pathos, ang mga prinsipyo ng realismo at humanismo. Tinalakay niya ang kaugnayan ng kagandahan at moralidad. Shaftesbury .

Sa pagbibigay-kahulugan sa mga kategorya ng aesthetics, nagpatuloy ang mga enlightener mula sa mga prinsipyo ng sensationalism, na isang direksyon sa teorya ng kaalaman, ayon sa kung saan ang sensuality ay ang pangunahing anyo ng maaasahang kaalaman. Ang klasikong pormula na nagpapakilala sa sensasyonalismo ay kabilang sa mga Stoics: "Walang anuman sa isip na wala sa mga pandama noon."

Teoretikal na disenyo ng paksa ng aesthetics

Ang nagtatag ng aesthetics ng Aleman ng Enlightenment at ang "ninong" ng isang independiyenteng sangay ng kaalaman sa pilosopikal ay Baumgarten . Ang kanyang epistemological system ay nahulog sa dalawang seksyon: aesthetics at logic. Ang una ay isang teorya ng "mas mababang", pandama na kaalaman, ang pangalawa - ng mas mataas, "intelektwal" na kaalaman. Upang tukuyin ang mas mababang kaalaman, pinili niya ang terminong "aesthetics," na sabay-sabay na binibigyang kahulugan bilang pandamdam, pakiramdam at katalusan. Dahil dito, kung ang lohika ay ang agham ng intelektwal na kaalaman, iyon ay, ang mga batas at anyo ng pag-iisip, kung gayon ang aesthetics ay ang agham ng pandama na kaalaman. Alinsunod dito, mayroong dalawang uri ng paghatol: "lohikal" at "sensitibo" (sensual). Ang una ay nakasalalay sa malinaw na mga ideya, ang pangalawa sa mga malabo. Tinatawag niya ang mga batay sa malinaw na ideya na mga paghatol ng katwiran, at ang mga batay sa hindi malinaw na mga ideya ay mga paghatol ng panlasa. Ang mga paghatol ng katwiran ay nagbibigay sa atin ng katotohanan, ang mga paghatol ng panlasa ay nagbibigay sa atin ng kagandahan. Ang layunin na batayan ng paghatol ng katwiran at paghatol ng panlasa ay pagiging perpekto, iyon ay, ang pagkakatugma ng mga bagay sa kanilang konsepto.

Ang kakanyahan at panlipunang layunin ng sining sa Panahon ng Enlightenment

Nakita ng German enlightener ang kakanyahan ng sining bilang panggagaya sa kalikasan. Winkelmann. Ang imitasyon ng kagandahan sa kalikasan ay maaaring idirekta sa isang bagay, o maaari itong magsama-sama ng mga obserbasyon ng isang buong serye ng mga indibidwal na bagay. Sa unang kaso, ang isang katulad na kopya, isang larawan, ay nakuha, sa pangalawa - isang perpektong imahe. Itinuturing ni Winkelmann na mas mabunga ang pangalawang landas. Dito ang artista ay hindi kumikilos bilang isang copyist, ngunit bilang isang tunay na tagalikha, dahil bago lumikha ng isang imahe, siya ay bumubuo ng isang pangkalahatang konsepto ng kagandahan at pagkatapos ay sumusunod sa prototype nito. Ang perpektong kagandahan ay nalampasan ang mga ordinaryong anyo ng bagay at nalampasan ang kanilang mga limitasyon.

Sa unang kalahati ng ika-20 siglo, nabuo ang isa sa pinakasikat na kultural at aesthetic na paaralan ng ating siglo - ang Freudianism. Ang tagapagtatag nito, ang Austrian philosopher at psychiatrist na si Sigmund Freud (1856-1939), ay nagpakilala ng paliwanag ng subconscious mula sa punto ng view ng sekswal na buhay ng isang tao sa intuitionist theories ng kanyang mga kasamahan. At kahit na ang mga gawa ng pilosopo ay hindi naglalaman ng isang sistematikong pagtatanghal ng aesthetic theory, ang mga indibidwal na paghuhusga sa mga isyu ng aesthetics at artistikong kultura ay nakapaloob sa kanyang "Lectures on Introduction to Psychoanalysis" (1918), sa aklat na "Dissatisfaction with Culture" (1930) , gayundin sa mga artikulong “Leonardo da Vinci. A Study on Psychosexuality" (1910), "Dostoevsky and Parricide" (1928), "The Poet and Fantasy" (1911). Ang pagtuturo ni Freud tungkol sa likas na walang malay na mga istruktura-instincts ay may malaking impluwensya sa pagsasagawa ng tinatawag na "kulturang masa" na nabuo sa simula ng ika-20 siglo. Sa katunayan, sa kanyang teorya ng walang malay, ang pilosopo ay nagpatuloy mula sa katotohanan na ang kakanyahan ng tao ay ipinahayag sa kalayaan mula sa mga instinct. Ang pangunahing impluwensya ng Freudianism sa "Kultura ng masa" ay nakasalalay sa paggamit ng mga instincts ng takot, kasarian at pagiging agresibo. Ang psychoanalysis ni Freud ay lumikha ng isang napakarepresentadong paaralan na umiiral pa rin hanggang ngayon. Ang isang espesyal na papel sa pag-unlad ng pagtuturo ng Freudian ay kabilang sa O. Rank, G. Sachs at lalo na K.G. Jung. Noong ika-20 siglo, ang mga ideya ng mga nag-iisip ng huling siglo na sina A. Schopenhauer at F. Nietzsche ay buod sa elite aesthetic na konsepto ng pilosopong Espanyol na si José Ortega y Gasset (1883-1955). Noong 1925, ang kanyang pinakatanyag na gawa, na pinamagatang "Dehumanization of Art," ay inilathala sa Europa, na nakatuon sa problema ng pagkakaiba sa pagitan ng luma at bagong sining. Ang pangunahing pagkakaiba sa pagitan ng bagong sining at luma, ayon kay Ortega y Gasset, ay ang pagtugon nito sa mga piling tao ng lipunan, at hindi sa masa nito.

Ang aklat ni Ortega y Gasset na "The Dehumanization of Art" ay nararapat na naging isang tunay na manifesto ng avant-gardeism. Ang pilosopo ay pumanig sa bahaging iyon ng European creative intelligentsia ng simula ng siglo na sinubukang lumikha ng isang bagong sining. Kaugnay nito, kinakailangang pag-aralan ang mga pinakakapansin-pansing masining na paggalaw, uso at istilo na nagpahayag ng kanilang sarili sa makasaysayang panahon na ito.

Ang Avant-garde (mula sa French avant-garde vanguard) ay isang konsepto na pinag-isa ang iba't ibang mga paaralan at paggalaw ng European art noong 10-20s ng ika-20 siglo sa mga prinsipyo ng radikal na pag-renew ng artistikong kasanayan. Ang terminong "avant-garde" ay itinatag ang sarili sa aesthetics pagpuna sa sining noong 20s Ang pangunahing pangkat ng mga paaralang avant-garde (futurism, dadaism, cubism, expressionism, suprematism) ay nagpahayag ng kanilang sarili na may matinding nihilismo, ang sukdulang antas ng pagtanggi sa nakaraang kultural na tradisyon ng klasikal na karanasang masining. Ang praktikal na pagpapatupad ng avant-garde ay katangian ng iba't ibang uri ng sining: panitikan (L. Aragon, V. Khlebnikov, V. Mayakovsky), teatro (W. Meyerhold, B. Brecht, G. Kaiser), musika (M. Ciurlionis, A. Schoenberg, A. Scriabin). Gayunpaman, ang avant-garde ay pinaka-malinaw na natanto sa fine arts. Ang pagpipinta ng iba't ibang mga paggalaw ng avant-garde ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtanggi sa masining na pagkakahawig sa buhay. Ang avant-garde art, na may mga bihirang eksepsiyon (cubism, na conventionally geometrizes nature, abstract art with its purely fantastic geometry), ay non-figurative. Ang pagtanggi sa kawalang-kinikilingan at ang pagbabago ng mga masining na paraan tulad ng kulay, komposisyon, at pagkakayari sa kanilang mga sarili ay dinidiktahan ng isang pakiramdam ng krisis sa modernong sibilisasyon.

Sa ikalawang kalahati ng ika-20 siglo, ang mga malikhaing paghahanap, mapangahas na mga eksperimento ay nagpatuloy sa European aesthetics at sining, mga maimpluwensyang ideya, mga bagong paaralan ng sining, at makabuluhang promising na mga pagtuklas ay lumitaw. Ang mga usong eksistensyalista, istrukturalista, sociocultural aesthetic, na kinakatawan ng mga pangalan ng J.-P., ay nagsisimulang tumunog sa isang bagong paraan. Sartre, A. Camus, C. Levi-Strauss, R. Barthes, T. Adorno at iba pa. Pinaka makabuluhan aesthetic na paaralan, na nabuo noong 40-50s sa France, ay kabilang sa eksistensyal na kilusan at malinaw na ipinakita ang sarili sa mga gawa nina J. P. Sartre at A. Camus. Dapat alalahanin na ang tagapagtatag ng philosophical existentialism na si Soren Kierkegaard (1813-1855), ay itinuturing na pilosopiya bilang pag-iisip tungkol sa pagiging batayan ng personal na pag-iral ng tao - "pag-iral". Ang aesthetic na konsepto ng existentialism ay kinikilala rin bilang totoo lamang ang indibidwal na pag-iral ng tao at ang posibilidad na malaman ang "existence" sa tulong ng imahinasyon at emosyon ng tao, na siya namang ang pinakamahalagang aspeto ng artistikong pagkamalikhain.

Ang pilosopo at manunulat ng Pransya na si Jean-Paul Sartre (1905-1980) sa kanyang mga akda na "Imagination" (1936), "Essay on the Theory of Emotions" (1939), "Imaginary" (1940) ay tinatalakay nang lubusan ang iba't ibang katangian. kamalayan ng tao. Binibigyang-kahulugan ni Sartre ang kamalayan ng tao bilang transendental, iyon ay, lampas sa anumang karanasan at pagiging pinagmulan batayan ng buhay, kabilang ang malikhaing aktibidad ng tao. Sa pananaw ng pilosopo, ang mga gawa ng sining ay hindi direktang pagmuni-muni ng tunay na realidad, samakatuwid ang tinatawag na "mapanlikhang kamalayan" ng sinumang artista ay may malikhaing katangian, dahil ito ay bumangon sa sarili nitong at libre mula sa lahat ng mga pagpapakita ng katotohanan. . Ang pagpapahayag ng mga aesthetic na pananaw ni Albert Camus (1913-1960) ay ang huling kabanata ng kanyang pilosopikal na gawain na "The Myth of Sisyphus" (1942), kung saan binuo niya ang pangunahing ideya ng kanyang trabaho - tungkol sa kahangalan ng tao. pag-iral sa mundo. "Ang walang katotohanan," ang pakiramdam ng kalungkutan at pagkalayo sa labas ng mundo, ang omnipotence ng kamatayan ay naging pare-pareho sa drama, prosa at aesthetics ni Camus. Ayon kay Camus, ang isang gawa ng sining ay nabibilang din sa walang katotohanan. Gayunpaman, ang mismong gawa ng artistikong pagkamalikhain ay nagpapahintulot sa isang tao na mapanatili ang kamalayan sa isang mundo ng kaguluhan. Kasunod nito, ang "Aesthetics of the Absurd" ng pilosopo ay nabuo sa "Aesthetics of Rebellion." Noong 1951, nai-publish ang pampulitika na sanaysay na "The Rebel Man", kung saan nagsasalita si Camus laban sa mga sukdulan sa sining, parehong ideolohikal at puro pormalistiko. Parehong sa "The Rebellious Man" at sa kanyang mga talumpati noong siya ay ginawaran ng Nobel Prize (1957), binibigyang-diin ni Camus na ang tunay na sining ay sumasalamin sa kapalaran ng tao at nagsusumikap na makabisado ang tadhana.

Noong 50s, ang intuitionist at existentialist na mga konsepto sa Western European aesthetics ay nawala sa background, na nagbigay daan sa structuralism. Ang kakanyahan ng estrukturalismo ay ipinahayag ng pangunahing teorista nitong si Claude Lévi-Strauss (ipinanganak 1908). Binumula niya ang mga pangunahing yugto ng pagsusuri sa istruktural na pananaliksik: "pagbabasa" ng teksto, microanalysis, interpretasyon, decoding at panghuling pagmomodelo nito. Ang Structuralism ay naging batayan ng isang napakapopular na kilusang pampanitikan at aesthetic noong dekada 60, na tinatawag na " Bagong kritisismo"pinamumunuan ng propesor ng Paris na si Roland Barthes (1915-1980). Sa aklat na "Criticism and Truth" (1966), inilagay niya ang posisyon na ang agham ng panitikan ay hindi dapat mag-alala sa paglilinaw ng kahulugan ng mga gawa, ngunit dapat lumikha ng mga unibersal na batas para sa pagbuo ng anyong pampanitikan.

Noong 60-70s, ang mga konseptong sosyolohikal na kinakatawan ng mga pangalan ni T. Adorno, G. Marcuse, E. Fromm ay malawakang kumalat sa Kanlurang Europa at USA. Ang mga pangalang ito ay ipinaliwanag sa pamamagitan ng pagnanais na galugarin ang mga sulat ng panloob na immanent na mga istruktura ng mga gawa ng sining sa ilang mga uri ng umiiral na mga relasyon sa lipunan.

ESTETIKA ang agham ng kaalaman sa pandama, na nakakaintindi at lumilikha ng kagandahan at ipinahayag sa mga larawan ng sining.

Ang konsepto ng "aesthetics" ay ipinakilala sa siyentipikong paggamit noong kalagitnaan ng ika-18 siglo. German enlightenment pilosopo Alexander Gottlieb Baumgarten ( Estetika, 1750). Ang termino ay nagmula sa salitang Griyego

aisthetikos pandama, nauukol sa pandama na pandama. Iniisa-isa ni Baumgarten ang aesthetics bilang isang independiyenteng pilosopikal na disiplina. PAKSANG-ARALIN NG AESTHETICS Matagal nang pinag-aaralan ang sining at kagandahan. Sa loob ng higit sa dalawang milenyo, nabuo ang mga estetika sa loob ng balangkas ng pilosopiya, teolohiya, kasanayang masining at kritisismong masining.

Sa proseso ng pag-unlad, ang paksa ay naging mas kumplikado at pinayaman aesthetics. Sa panahon ng unang panahon, ang mga aesthetics ay humipo sa mga pangkalahatang pilosopikal na tanong ng kalikasan ng kagandahan at sining; Ang teolohiya ay may malaking impluwensya sa medieval aesthetics, na nagsilbing isa sa mga kasangkapan sa pagkilala sa Diyos; Sa panahon ng Renaissance, ang aesthetic na pag-iisip ay nabuo pangunahin sa larangan ng artistikong kasanayan, at ang paksa nito ay naging artistikong pagkamalikhain at ang koneksyon nito sa kalikasan. Sa simula ng modernong panahon, hinahangad ng mga estetika na hubugin ang mga pamantayan ng sining. Malaki ang epekto ng pulitika sa aesthetics ng Enlightenment, na nakatuon sa panlipunang layunin ng artistikong pagkamalikhain, sa moral at nagbibigay-malay na kahalagahan nito.

Ang klasiko ng pilosopiyang Aleman na si Immanuel Kant ay tradisyonal na isinasaalang-alang ang paksa ng aesthetics bilang maganda sa sining. Ngunit ang aesthetics, ayon kay Kant, ay hindi nag-aaral ng mga bagay ng kagandahan, ngunit ang mga paghatol lamang tungkol sa kagandahan, i.e. ay isang kritika ng aesthetic faculty of judgment. Tinukoy ni Georg Hegel ang paksa ng aesthetics bilang pilosopiya ng sining o ang pilosopiya ng artistikong aktibidad at naniniwala na ang aesthetics ay tumatalakay sa pagtukoy sa lugar ng sining sa sistema ng mundong espiritu.

Kasunod nito, ang paksa ng aesthetics ay pinaliit sa teoretikal na pagbibigay-katwiran ng isang tiyak na direksyon sa sining, ang pagsusuri ng artistikong istilo, halimbawa, romanticism (Novalis), realism (V. Belinsky, N. Dobrolyubov), existentialism (A. Camus, J.-P. Sartre). Binigyang-kahulugan ng mga Marxist ang aesthetics bilang agham ng kalikasan at mga batas ng estetikong pag-unlad ng realidad at kulturang masining ng lipunan.

Itinuring ni A.F. Losev ang paksa ng aesthetics bilang isang mundo ng mga nagpapahayag na anyo na nilikha ng tao at kalikasan. Naniniwala siya na ang aesthetics ay hindi lamang nag-aaral ng maganda, kundi pati na rin ang pangit, ang trahedya, ang komiks, atbp., samakatuwid ito ay ang agham ng pagpapahayag sa pangkalahatan. Batay dito, ang aesthetics ay maaaring tukuyin bilang ang agham ng pandama na pang-unawa ng mga nagpapahayag na anyo ng nakapaligid na mundo. Sa ganitong kahulugan, ang konsepto ng artistikong anyo ay kasingkahulugan ng isang gawa ng sining. Mula sa lahat ng nasabi, maaari nating tapusin na ang paksa ng aesthetics ay mobile at nababago, at mula sa isang makasaysayang pananaw ang problemang ito ay nananatiling bukas.

AESTHETIC ACTIVITY Ang mga gawa ng sining ay nilikha bilang isang resulta ng artistikong aktibidad, na kumakatawan sa pinakamataas na anyo ng aktibidad ng aesthetic ng tao. Ngunit ang globo ng aesthetic exploration ng mundo ay mas malawak kaysa sa mismong sining. Ito rin ay nakakaapekto sa mga aspeto ng isang praktikal na kalikasan: disenyo, kultura ng paghahardin, pang-araw-araw na kultura, atbp. Ang mga phenomena na ito ay tinatalakay ng teknikal at praktikal na aesthetics. Ang teknikal na aesthetics ay ang teorya ng disenyo, ang paggalugad ng mundo ayon sa mga batas ng kagandahan gamit ang pang-industriya na paraan. Ang mga ideya ng teknikal na aesthetics ay nagmula sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. sa England. John Ruskin sa kanyang mga gawa Pre-Raphaelitism(1851) at Ang Politikal na Ekonomiya ng Art(1857) ipinakilala ang konsepto ng aesthetically mahalagang mga produkto. William Morris sa Teoretikal (mga gawa Mga sining ng dekorasyon, ang kanilang kaugnayan sa modernong buhay, 1878;Balita mula sa kung saan, o ang Age of Happiness, 1891 at iba pa) at praktikal (paglikha ng isang artistikong at industriyal na kumpanya) na mga antas, nabuo niya ang mga problema sa labor aesthetics, ang katayuan ng artistikong industriya, disenyo, pandekorasyon at inilapat na sining, at ang aesthetic na organisasyon ng kapaligiran. Ang Aleman na arkitekto at art theorist na si Gottfried Semper noong 1863 ay naglathala ng "An Experience in Practical Aesthetics," isang sanaysay. Estilo sa teknikal at tectonic na sining, kung saan, taliwas sa pilosopikal na idealismo ng kanyang panahon, binigyang-diin niya ang pangunahing kahalagahan ng pagbuo ng istilo ng mga materyales at teknolohiya.

Mga estetika ng pang-araw-araw na buhay, pag-uugali ng tao, pagkamalikhain sa siyensya, palakasan, atbp. ay nasa larangan ng pananaw ng praktikal na estetika. Ang lugar na ito ng aesthetic na kaalaman ay maliit pa rin na binuo, ngunit mayroon itong magandang hinaharap, dahil ang saklaw ng mga interes nito ay malawak at magkakaibang.

Kaya, ang aesthetic na aktibidad ay isang mahalagang bahagi ng praktikal-espirituwal na kasanayan ng isang tao sa katotohanan.

Ang aesthetic na aktibidad ay naglalaman ng mahahalagang malikhain at mapaglarong mga prinsipyo at nauugnay sa walang malay na mga elemento ng psyche ( Tingnan din WALANG MALAY). Ang konsepto ng "laro" bilang isa sa mga mahahalagang katangian ng aesthetic na aktibidad ay ipinakilala sa aesthetics ni I. Kant at binuo ni F. Schiller. Binuo ni Kant ang dalawang pinakamahalagang konsepto ng aesthetic: "aesthetic appearance" at "free play". Sa una, naunawaan niya ang globo ng pagkakaroon ng kagandahan, sa pangalawa, ang pagkakaroon nito nang sabay-sabay sa tunay at kondisyonal na mga eroplano. Pagbuo ng ideyang ito, Schiller Mga liham sa aesthetic na edukasyon ng isang tao(1794) ay sumulat na ang kagandahan, na umiiral sa layunin ng mundo, ay maaaring muling likhain, ay maaaring maging "isang bagay ng pagganyak para sa paglalaro." Ang isang tao, ayon kay Schiller, ay ganap na tao lamang kapag siya ay naglalaro. Ang paglalaro ay hindi pinipigilan ng likas na pangangailangan o obligasyong panlipunan; ito ay ang sagisag ng kalayaan. Sa panahon ng laro, ang isang "aesthetic na hitsura" ay nilikha, na lumalampas sa katotohanan, ay mas perpekto, eleganteng at emosyonal kaysa sa mundo sa paligid natin. Ngunit habang tinatangkilik ang sining, ang isang tao ay nagiging kasabwat sa laro at hindi nakakalimutan ang dalawahang katangian ng sitwasyon. Tingnan din ISANG LARO.

Masining na aktibidad . Ang pinakamataas, puro, walang utilitarian na uri ng aesthetic na aktibidad ay masining na aktibidad. Ang layunin ng artistikong pagkamalikhain ay lumikha ng isang tiyak na gawa ng sining. Ito ay nilikha ng isang espesyal na tao isang manlilikha na may mga kakayahan sa sining ( Tingnan din CREATIVE PERSONALITY). Kinikilala ng Aesthetics ang isang hierarchy ng artistikong kakayahan, na ganito ang hitsura: talented, talento, henyo.

Henyo. Noong unang panahon, ang henyo ay naunawaan bilang isang hindi makatwirang kababalaghan. Halimbawa, ipinaliwanag ni Plotinus ang henyo ng artist bilang isang daloy ng malikhaing enerhiya na nagmumula sa mga ideyang pinagbabatayan ng mundo. Sa panahon ng Renaissance, nagkaroon ng kulto ng henyo bilang isang malikhaing indibidwal. Pinagtibay ng rasyonalismo ang ideya ng pagsasama-sama ng likas na henyo ng artista sa disiplina ng isip. Isang natatanging interpretasyon ng henyo ang nakalagay sa treatise ni Abbot Jean-Baptiste Dubos (16701742) Mga kritikal na pagninilay sa tula at pagpipinta(1719). Itinuring ng may-akda ng treatise ang problema sa aesthetic, psychological at biological na antas. Ang isang henyo, sa kanyang pananaw, ay hindi lamang may masiglang espiritu at malinaw na imahinasyon, kundi pati na rin ang isang kanais-nais na komposisyon ng dugo. Inaasahan ang mga pangunahing probisyon ng kultural-kasaysayang paaralan ng Hippolyte Taine, isinulat ni Dubos na ang oras at lugar, pati na rin ang klima, ay napakahalaga para sa paglitaw ng henyo. Inilagay ni Kant ang espesyal na kahulugan sa konsepto ng "henyo". Ang henyo ni Kant ay espirituwal na pagiging eksklusibo, ito ay artistikong talento kung saan naiimpluwensyahan ng kalikasan ang sining, na nagpapakita ng karunungan nito. Ang isang henyo ay hindi sumusunod sa anumang mga patakaran, ngunit lumilikha ng mga pattern kung saan maaaring makuha ang ilang mga patakaran. Tinukoy ni Kant ang henyo bilang ang faculty ng perception aesthetic na mga ideya, ibig sabihin. mga larawang hindi naa-access sa pag-iisip.

Inspirasyon. Ang mga makasaysayang pananaw sa likas na katangian ng henyo ay patuloy na umunlad alinsunod sa pag-unlad ng pag-unawa sa proseso ng malikhaing mismo at isa sa mga pangunahing elemento nito - inspirasyon. Higit pang Plato sa diyalogo At siya sinabi na sa sandali ng malikhaing gawa ang makata ay nasa estado ng siklab ng galit, siya ay hinihimok ng banal na kapangyarihan. Binigyang-diin ni Kant ang hindi makatwirang sandali ng pagkamalikhain. Napansin niya ang hindi alam ng malikhaing gawa. Ang pamamaraan ng trabaho ng artista, isinulat niya Pagpuna sa paghatol, ay hindi maintindihan, isang misteryo sa karamihan ng mga tao, at kung minsan kahit sa artist mismo.

Kung kinikilala ng mga hindi makatwirang teorya ng pagkamalikhain ang likas na katangian ng malikhaing pagkilos bilang isang espesyal na pagpapakita ng espiritu, kung gayon ang positivist-oriented na aesthetic na tradisyon ay tiningnan ang inspirasyon bilang isang alam na kababalaghan, na hindi naglalaman ng anumang bagay na mystical o supernatural. Ang inspirasyon ay ang resulta ng matinding nakaraang trabaho, isang mahabang malikhaing paghahanap. Pinagsasama ng gawa ng inspirasyon ang talento at kasanayan ng artista, ang kanyang karanasan sa buhay at kaalaman.

Masining na intuwisyon. Para sa inspirasyon, ang artistikong intuwisyon ay isang partikular na mahalagang elemento. Ang problemang ito ay binuo ng Pranses na siyentipiko na si Henri Bergson. Naniniwala siya na ang artistikong intuwisyon ay isang walang interes na mystical na pagmumuni-muni at ganap na walang utilitarian na mga prinsipyo. Ito ay umaasa sa walang malay sa isang tao. Isinasagawa Malikhaing ebolusyon (Salin sa Ruso 1914) Isinulat ni Bergson na ang sining, sa pamamagitan ng artistikong intuwisyon, ay nagmumuni-muni sa mundo sa kabuuan, sa tuluy-tuloy na pagbuo nito sa natatanging singularidad ng mga phenomena. Ang malikhaing intuwisyon ay nagpapahintulot sa artist na maglagay ng pinakamataas na pagpapahayag sa kanyang trabaho. Ang immediacy ng perception ay nakakatulong sa kanya na maiparating ang kanyang nararamdaman. Ang pagkamalikhain, bilang patuloy na pagsilang ng bago, ay, ayon kay Bergson, ang kakanyahan ng buhay, sa kaibahan sa aktibidad ng pag-iisip, na hindi kayang lumikha ng bago, ngunit pinagsasama lamang ang luma.

Sa intuitionist aesthetics ni Benedetto Croce, pinaka-ganap na kinakatawan sa trabaho Aesthetics bilang isang agham ng pagpapahayag at bilang pangkalahatang linggwistika(1902) ang sining ay walang iba kundi liriko na intuwisyon. Binibigyang-diin ang malikhain, mapaghugis na katangian ng hindi makatwiran na intuwisyon, na nakakakuha (kumpara sa mga konsepto), ang natatangi, ang walang katulad. Ang sining ni Croce ay walang malasakit sa intelektwal na kaalaman, at ang kasiningan ay hindi nakasalalay sa ideya ng akda.

Masining na imahe. Sa proseso ng artistikong pagkamalikhain, kung saan ang pag-iisip, imahinasyon, pantasya, karanasan, inspirasyon, at intuwisyon ng artist ay lumahok, isang masining na imahe ay ipinanganak. Kapag gumagawa ng masining na imahe, sinasadya o hindi sinasadya ng lumikha ang epekto nito sa publiko. Ang isa sa mga elemento ng naturang impluwensya ay maaaring isaalang-alang ang kalabuan at pagmamaliit ng masining na imahe.

Ang understatement ay nagpapasigla sa mga kaisipan ng perceiver at nagbibigay ng saklaw para sa malikhaing imahinasyon. Ang isang katulad na paghatol ay ipinahayag ni Schelling sa isang kurso ng mga lektura Pilosopiya ng sining(18021805), kung saan ipinakilala ang konsepto ng "infinity of unconsciousness". Sa kanyang opinyon, inilalagay ng artista ang kanyang trabaho, bilang karagdagan sa plano, "isang tiyak na kawalang-hanggan", hindi naa-access sa anumang "may hangganang dahilan". Ang anumang gawa ng sining ay nagbibigay-daan para sa isang walang katapusang bilang ng mga interpretasyon. Kaya, ang buong pag-iral ng isang masining na imahe ay kumakatawan hindi lamang sa pagpapatupad ng isang masining na konsepto sa isang natapos na gawain, kundi pati na rin ang aesthetic na pang-unawa nito, na isang kumplikadong proseso ng pakikilahok at co-paglikha ng perceiving na paksa.

Pagdama. Ang mga isyu sa pagtanggap (pang-unawa) ay nasa larangan ng pananaw ng mga theorists ng "Constance school" (H.R. Jauss, W. Iser, atbp.), na lumitaw sa Germany noong huling bahagi ng 1960s. Salamat sa kanilang mga pagsisikap, ang mga prinsipyo ng receptive aesthetics ay nabuo, ang mga pangunahing ideya kung saan ay upang maunawaan ang makasaysayang pagkakaiba-iba ng kahulugan ng isang akda, na resulta ng pakikipag-ugnayan ng perceiving na paksa (tatanggap) at ng may-akda.

Malikhaing imahinasyon. Ang isang kinakailangang kondisyon para sa parehong paglikha at pang-unawa ng isang gawa ng sining ay malikhaing imahinasyon. Binigyang-diin ni F. Schiller na ang sining ay maaari lamang malikha sa pamamagitan ng malayang kapangyarihan ng imahinasyon, at samakatuwid ang sining ay ang paraan upang madaig ang pagiging pasibo.

Bilang karagdagan sa praktikal at masining na anyo Ang aktibidad ng aesthetic ay may mga panloob, espirituwal na anyo: emosyonal at intelektwal, pagbuo ng mga aesthetic na impression at ideya, aesthetic na panlasa at mithiin, pati na rin ang teoretikal, pagbuo ng mga aesthetic na konsepto at pananaw. Ang mga anyo ng aesthetic na aktibidad na ito ay direktang nauugnay sa konsepto ng "aesthetic consciousness".

Aesthetic na kamalayan. Ang pagtitiyak ng aesthetic consciousness ay na ito ay ang pang-unawa ng pagkakaroon at lahat ng mga anyo at uri nito sa mga tuntunin ng aesthetics sa pamamagitan ng prisma aesthetic ideal. Ang aesthetic consciousness ng bawat panahon ay sumisipsip ng lahat ng reflections na umiiral dito tungkol sa kagandahan at sining. Kabilang dito ang mga kasalukuyang ideya tungkol sa kalikasan ng sining at wika nito, artistikong panlasa, pangangailangan, mithiin, aesthetic na konsepto, masining na pagtatasa at pamantayan na nabuo ng aesthetic na kaisipan.

Ang pangunahing elemento ng aesthetic consciousness ay aesthetic na pakiramdam. Ito ay maaaring ituring bilang ang kakayahan at emosyonal na reaksyon ng isang indibidwal na nauugnay sa karanasan ng pagdama ng isang aesthetic na bagay. Ang pag-unlad ng aesthetic sense ay humahantong sa aesthetic pangangailangan, ibig sabihin. sa pangangailangang madama at madagdagan ang kagandahan sa buhay. Ang mga aesthetic na damdamin at pangangailangan ay ipinahayag sa aesthetic na lasa ang kakayahang mapansin ang aesthetic na halaga ng isang bagay. Ang problema ng panlasa ay sumasakop sa isang sentral na lugar sa aesthetics ng Enlightenment. Si Diderot, na tinatanggihan ang isa sa pinakamahalagang probisyon ng Cartesian aesthetics tungkol sa likas na panlasa, ay naniniwala na ang lasa ay nakuha sa pang-araw-araw na pagsasanay. Ang lasa bilang isang kategorya ng aesthetic ay tinalakay din nang detalyado ni Voltaire. Tinukoy niya ito bilang kakayahang makilala ang maganda at pangit. Ang ideal ng isang artista ay isang tao na ang henyo ay pinagsama sa panlasa. Ang lasa ay hindi isang eksklusibong subjective na kalidad. Ang mga paghatol sa panlasa ay karaniwang may bisa. Ngunit kung ang lasa ay may layunin na nilalaman, kung gayon, samakatuwid, maaari itong turuan. Nakita ni Voltaire ang solusyon sa antinomy ng mabuti at masamang lasa sa edukasyon ng lipunan.

Ang mga sikolohikal na tampok ng mga paghatol ng panlasa ay pinag-aralan ng pilosopong Ingles na si David Hume. Sa karamihan ng kanyang mga gawa ( Tungkol sa pamantayan ng panlasa,Tungkol sa trahedya,Sa pagpipino ng lasa at epekto at iba pa) nakipagtalo siya na ang lasa ay nakasalalay sa natural, emosyonal na bahagi ng isang buhay na organismo. Inihambing niya ang katwiran at panlasa, sa paniniwalang ang katwiran ay nagbibigay ng kaalaman sa katotohanan at kasinungalingan, ang panlasa ay nagbibigay ng pang-unawa sa kagandahan at kapangitan, kasalanan at kabutihan. Iminungkahi ni Hume na ang kagandahan ng isang akda ay hindi nakasalalay sa sarili nito, kundi sa pakiramdam o panlasa ng nakakakita. At kapag ang isang tao ay pinagkaitan ng damdaming ito, hindi niya nauunawaan ang kagandahan, kahit na siya ay komprehensibong pinag-aralan. Ang lasa ay may kilalang pattern na maaaring pag-aralan at baguhin sa pamamagitan ng argumento at pagmuni-muni. Ang kagandahan ay nangangailangan ng aktibidad ng mga intelektwal na kakayahan ng isang tao, na dapat "maghanda ng daan" para sa tamang pakiramdam.

Ang problema ng panlasa ay sinakop ang isang espesyal na lugar sa aesthetic reflection ni Kant. Napansin niya ang antinomy ng panlasa, isang kontradiksyon na, sa kanyang opinyon, ay likas sa anumang pagtatasa ng aesthetic. Sa isang banda, walang pagtatalo tungkol sa panlasa, dahil ang paghatol ng panlasa ay napaka-indibidwal, at walang katibayan ang maaaring pabulaanan ito. Sa kabilang banda, ito ay tumutukoy sa isang bagay na karaniwan na umiiral sa pagitan ng mga panlasa at nagpapahintulot sa kanila na talakayin. Kaya, ipinahayag niya ang kontradiksyon sa pagitan ng indibidwal at pampublikong panlasa, na sa panimula ay hindi malulutas. Sa kanyang opinyon, ang magkahiwalay, magkasalungat na mga paghatol ng panlasa ay maaaring umiral nang magkasama at magkaparehong totoo.

Noong ika-20 siglo ang problema ng aesthetic taste ay binuo ni H.-G. Gadamer. Isinasagawa Katotohanan at Pamamaraan(1960) iniuugnay niya ang konsepto ng "lasa" sa konsepto ng "fashion". Sa fashion, ayon kay Gadamer, ang sandali ng social generalization na nakapaloob sa konsepto ng panlasa ay nagiging isang tiyak na katotohanan. Ang fashion ay lumilikha ng isang social addiction na halos imposible upang maiwasan. Dito nakasalalay ang pagkakaiba sa pagitan ng fashion at panlasa. Kahit na ang panlasa ay nagpapatakbo sa isang katulad na panlipunang globo bilang fashion, ito ay hindi napapailalim dito. Kung ikukumpara sa paniniil ng fashion, ang lasa ay nananatiling pinigilan at libre.

Ang aesthetic taste ay isang generalization ng aesthetic na karanasan. Ngunit ito ay higit sa lahat ay isang subjective na kakayahan. Isinasaalang-alang ang aesthetic practice nang mas malalim aesthetic ideal. Ang problema ng ideyal bilang isang teoretikal na suliranin ng aesthetics ay unang inihain ni Hegel. SA Mga lektura sa aesthetics tinukoy niya ang sining bilang pagpapakita ng isang ideyal. Ang isang aesthetic ideal ay isang ganap na nakapaloob sa sining, kung saan ang sining ay nagsusumikap at unti-unting umakyat. Ang kahalagahan ng aesthetic ideal sa proseso ng malikhaing ay napakahusay, dahil sa batayan nito ang panlasa ng artist at ang panlasa ng publiko ay nabuo.

MGA KATEGORYA NG AESTHETIC Ang pangunahing kategorya ng aesthetics ay ang kategoryang "aesthetic". Ang aesthetic ay gumaganap bilang isang komprehensibong generic na unibersal na konsepto para sa aesthetic science, bilang isang "metacategory" na may kaugnayan sa lahat ng iba pang mga kategorya nito.

Ang pinakamalapit na kategorya sa kategoryang "aesthetic" ay ang kategoryang "maganda". Ang maganda ay isang halimbawa ng isang sensually contemplated form, isang ideal na alinsunod sa kung saan ang iba pang mga aesthetic phenomena ay isinasaalang-alang. Kung isasaalang-alang ang kahanga-hanga, trahedya, komiks, atbp., ang maganda ay nagsisilbing sukatan. Napakaganda isang bagay na lumalampas sa panukalang ito. Kalunos-lunos isang bagay na nagpapahiwatig ng pagkakaiba sa pagitan ng ideal at realidad, na kadalasang humahantong sa pagdurusa, pagkabigo, at kamatayan. Komiks isang bagay na nagpapatunay din sa pagkakaiba ng ideal at realidad, tanging ang pagkakaibang ito ay nareresolba ng pagtawa. Sa modernong teorya ng aesthetic, kasama ang mga positibong kategorya, ang kanilang mga antipode ay nakikilala - pangit, base, kakila-kilabot. Ginagawa ito batay sa pagpili positibong halaga ang anumang mga katangian ay nagpapahiwatig ng pagkakaroon ng mga kabaligtaran. Kaya naman, Siyentipikong pananaliksik dapat isaalang-alang ang mga aesthetic na konsepto sa kanilang ugnayan.

PANGUNAHING YUGTO SA PAG-UNLAD NG ESTETIKONG PAG-IISIP. Ang mga elemento ng aesthetic reflection ay matatagpuan sa mga kultura ng Sinaunang Egypt, Babylon, Sumer at iba pang mga tao ng Sinaunang Silangan. Ang kaisipang aesthetic ay nakatanggap lamang ng sistematikong pag-unlad mula sa mga sinaunang Griyego.

Ang mga unang halimbawa ng doktrinang aesthetic ay nilikha ng mga Pythagorean (ika-6 na siglo BC). Ang kanilang mga aesthetic na pananaw ay nabuo sa tradisyon ng cosmological philosophy, batay sa malapit na relasyon sa pagitan ng tao at ng uniberso. Ipinakilala ni Pythagoras ang konsepto ng espasyo bilang isang nakaayos na pagkakaisa. Ang pangunahing pag-aari nito ay pagkakaisa. Mula sa mga Pythagorean ay nagmula ang ideya ng pagkakaisa bilang pagkakaisa ng magkakaibang, ang kasunduan ng magkasalungat.

Si Pythagoras at ang kanyang mga tagasunod ay lumikha ng tinatawag na doktrina ng "ang pagkakaisa ng mga globo," i.e. musikang nilikha ng mga bituin at planeta. Binuo din nila ang doktrina ng kaluluwa, na kumakatawan sa pagkakaisa, o sa halip, pagkakatugma, batay sa digital na ugnayan.

Ang pagtuturo ng mga Sophist, na nag-ambag sa paglitaw ng aesthetics, ay lumitaw noong ika-5 siglo. BC. Sa wakas ay binuo ni Socrates at ipinaliwanag ng kanyang mga mag-aaral, ito ay antropolohikal sa kalikasan.

Batay sa paninindigan na ang kaalaman ay banal, naiintindihan niya ang kagandahan bilang kagandahan ng kahulugan, kamalayan, at katwiran. Ang pinakamahalagang kinakailangan para sa kagandahan ng mga bagay ay ang kanilang pagiging angkop at pagganap na katwiran.

Siya ay dumating sa ideya na ang kagandahan sa kanyang sarili ay naiiba sa mga indibidwal na magagandang bagay. Si Socrates ang unang nakilala ang kagandahan bilang isang perpektong unibersal mula sa real-life manifestation nito. Siya ang unang humipo sa problema ng siyentipikong epistemolohiya sa aesthetics at bumalangkas ng tanong: ano ang ibig sabihin ng konsepto ng "maganda" mismo?

Inilalagay ni Socrates ang imitasyon bilang isang prinsipyo ng artistikong pagkamalikhain ( mimesis), na itinuturing na isang imitasyon ng buhay ng tao.

Ang anthropological aesthetics ay nagbangon ng mga tanong para sa pilosopiya, ang mga sagot na makikita natin sa Plato at Aristotle. Ang pinalawak na aesthetic na pagtuturo ni Plato ay ipinakita sa mga gawaing tulad ng Pista,Phaedrus,At siya, Hippias the Greater,Estado atbp Ang isang mahalagang punto sa Platonic aesthetics ay ang pag-unawa sa kagandahan. Ang kagandahan sa kanyang pang-unawa ay isang espesyal na uri ng espirituwal na diwa, isang ideya. Ang ganap, supersensible na ideya ng kagandahan ay lampas sa oras, espasyo, at pagbabago. Dahil ang maganda ay isang ideya (eidos), hindi ito maiintindihan ng pakiramdam. Ang kagandahan ay naiintindihan sa pamamagitan ng isip, intelektuwal na intuwisyon. SA Pira Si Plato ay nagsasalita tungkol sa isang uri ng hagdan ng kagandahan. Sa tulong ng enerhiya ng eros, ang isang tao ay umakyat mula sa kagandahan ng katawan tungo sa kagandahang espirituwal, mula sa kagandahang espirituwal tungo sa kagandahan ng moral at mga batas, pagkatapos ay sa kagandahan ng pagtuturo at agham. Ang kagandahan na nahayag sa pagtatapos ng paglalakbay na ito ay isang ganap na kagandahan na hindi maipahayag sa ordinaryong mga salita. Ito ay lampas sa pagiging at kaalaman. Ang pagpapalawak ng hierarchy ng kagandahan sa ganitong paraan, dumating si Plato sa konklusyon na ang kagandahan ay isang pagpapakita ng banal na prinsipyo sa tao. Ang kakaiba ng maganda sa Plato ay na ito ay kinuha sa kabila ng mga hangganan ng sining. Ang sining, mula sa kanyang pananaw, ay isang imitasyon ng mundo ng mga bagay na pandama, at hindi ang tunay na mundo ng mga ideya. Dahil ang mga tunay na bagay ay mga kopya mismo ng mga ideya, kung gayon ang sining, na ginagaya ang pandama na mundo, ay isang kopya ng mga kopya, isang anino ng mga anino. Pinatunayan ni Plato ang kahinaan at di-kasakdalan ng sining sa landas tungo sa kagandahan.

Si Aristotle, sa kabila ng pagpapatuloy ng mga aesthetic na pananaw, ay lumikha ng kanyang sariling aesthetic theory, naiiba sa Platonism. Sa kanyang mga treatise Tungkol sa makatang sining (Poetics),Retorika,Patakaran,Metaphysics inilalahad ang mga tekstong may kaugnayan sa estetika sa isang tiyak na paraan. Sa kanila ay nagbibigay siya ng isang kahulugan ng kagandahan, ang mga unibersal na katangian na kung saan ay sukat at kaayusan. Ngunit ang kagandahan ni Aristotle ay hindi lamang nababawasan sa mga palatandaang ito. Hindi sila maganda sa kanilang sarili, ngunit may kaugnayan lamang sa pang-unawa ng tao, kapag sila ay proporsyonal sa mata at tainga ng tao. Hinahati ang aktibidad ng tao sa pag-aaral, pagkilos at paglikha, inuri nito ang sining bilang paglikha batay sa mga tuntunin. Kung ikukumpara kay Plato, pinalawak niya nang malaki ang doktrina ng imitasyon (mimesis), na naiintindihan niya bilang isang imahe ng heneral.

Catharsis(Griyego

katarsis paglilinis). Bumalik sa sinaunang Pythagoreanism, na nagrekomenda ng musika upang linisin ang kaluluwa. Si Heraclitus, ayon sa mga Stoics, ay nagsalita tungkol sa paglilinis sa pamamagitan ng apoy. Iniharap ni Plato ang doktrina ng catharsis bilang pagpapalaya ng kaluluwa mula sa katawan, mula sa mga hilig, mula sa mga kasiyahan. Binuo ni Aristotle ang doktrina ng catharsis bilang batayan ng aesthetic na karanasan. Ang artistikong pagkamalikhain, ayon kay Aristotle, ay nakakamit ang layunin nito sa pamamagitan ng panggagaya sa magagandang anyo na nilikha nito. Ang anyo na nilikha ng lumikha ay nagiging isang bagay ng kasiyahan para sa receptive viewer. Ang enerhiya na namuhunan sa isang trabaho na nakakatugon sa lahat ng mga kinakailangan ng tunay na pagkakayari at magandang anyo ay nagbubunga ng bagong enerhiya emosyonal na aktibidad ng receptive soul. Ang problema ng kasiyahan ay isang mahalagang bahagi ng aesthetics ni Aristotle. Ang kasiyahan sa sining ay tumutugma sa isang makatwirang ideya at may makatwirang batayan. Ang kasiyahan at emosyonal na paglilinis ay ang tunay na layunin ng sining, catharsis.

Kalokagathia. Binuo din ni Aristotle ang doktrina ng kalokagathia (mula sa Griyego.

kalos maganda at agathos mabuti, perpekto sa moral) ang pagkakaisa ng etikal na "mabuti" at aesthetically "maganda". Ang Kalokagathia ay naisip bilang isang bagay na buo at malaya. Naiintindihan ng pilosopo ang "mabuti" bilang panlabas na mga bagay sa buhay (kapangyarihan, kayamanan, katanyagan, karangalan), at "maganda" bilang panloob na mga birtud (katarungan, katapangan, atbp.) Dahil ang kalokagathia ni Aristotle ay isang kumpleto at huling pagsasama ng "maganda" at " mabuti” , pagkatapos ay mawawala ang anumang pagkakaiba sa pagitan nila. Ang Kalokagathia, ayon kay Aristotle, ay isang panloob na pagkakaisa ng moralidad at kagandahan batay sa paglikha, paggamit at pagpapabuti ng mga materyal na kalakal.

Entelechy(mula sa Greek

entelecheia tapos na, kumpleto). Ang Entelechy ay ang proseso ng pagbabago ng walang anyo na bagay sa isang bagay na holistic at nakaayos. Ang lahat ng nakapaligid sa isang tao, pinaniniwalaan ng pilosopo, ay nasa isang estado ng kaguluhan. Ang mekanismo ng entelechy ay nagpapahintulot, sa proseso ng malikhaing aktibidad, na baguhin ang hindi maayos na "bagay ng buhay" sa inayos na "bagay ng anyo". Isinasagawa ng sining ang prosesong ito sa pamamagitan ng artistikong anyo, kaayusan at pagkakaisa, pagbabalanse ng mga hilig, catharsis. Maraming mga ideya na ipinahayag ni Aristotle ang natagpuan ang kanilang karagdagang pag-unlad sa kasunod na mga teoryang aesthetic sa Europa.

Sa pagtatapos ng unang panahon bagong konsepto kagandahan at sining ang iniharap ni Plotinus. Ang kanyang Neoplatonism sa mga huling antigong estetika ay isang pag-uugnay sa pagitan ng antiquity at Kristiyanismo. Tinawag ang mga nakolektang gawa ng pilosopo Enneads. Ang mga aesthetics ni Plotinus ay hindi palaging ipinahayag nang hayag sa kanyang mga gawa. Ito ay ipinahayag sa pangkalahatang pilosopikal na konsepto ng nag-iisip. Para kay Plotinus, ang kagandahan ay nakapaloob sa visual at auditory perceptions, sa kumbinasyon ng mga salita, melodies at ritmo, sa kilos, kaalaman, at birtud ng tao. Ngunit ang ilang mga bagay ay maganda sa kanilang sarili, habang ang iba ay maganda lamang dahil sa kanilang pakikilahok sa ibang bagay. Ang kagandahan ay hindi lumitaw sa mismong bagay, ngunit ito ay isang tiyak na hindi materyal na kakanyahan, o eidos (ideya). Ang eidos na ito ay nag-uugnay sa magkakaibang mga bahagi at humahantong sa kanila sa pagkakaisa, hindi panlabas at mekanikal, ngunit panloob. Ang Eidos ang criterion ng lahat ng aesthetic assessments.

Itinuro ni Plotinus na ang tao ay bumangon mula sa pangunahing pinagmumulan ng lahat ng pag-iral, ang ganap na kabutihan, ang una at ang tanging. Mula sa pinagmulang ito mayroong isang emanation (paglabas) ng walang hanggan na enerhiya ng una hanggang sa sariling katangian, na unti-unting humihina, dahil sa kanyang paraan ay nakatagpo ito ng paglaban mula sa madilim na inert matter, walang anyo na hindi pag-iral. Ang isang indibidwal na tao ay isang naputol mula sa kanyang lugar sa una. Samakatuwid, patuloy niyang nararamdaman ang pagnanais na bumalik sa bahay, kung saan mas malakas ang enerhiya. Ang metapisiko na landas na ito ng pilgrim ay nagsisilbi sa pilosopiya ni Plotinus bilang paliwanag ng moral at aesthetic na karanasan. Ang pag-ibig sa kagandahan ay nauunawaan bilang isang metapisiko na pananabik ng kaluluwa para sa dating tirahan nito. Nagsusumikap siya para sa kanyang dating tirahan - para sa kabutihan, para sa Diyos at para sa katotohanan. Kaya, ang pangunahing ideya ng aesthetic na pagtuturo ni Plotinus ay ang lumayo sa pag-unawa sa kagandahan mula sa senswal na kasiyahan hanggang sa pagsasama sa hindi maintindihan na una. Ang kagandahan ay nakakamit lamang bilang resulta ng pakikibaka ng espiritu sa pandama na bagay. Ang kanyang ideya tungkol sa pagala-gala ng isang hindi mapakali na kaluluwa na umalis sa kanyang tirahan at ang kanyang pagbabalik ay may malaking impluwensya sa mga gawa ni Augustine, Thomas Aquinas, ang gawain ni Dante at ang buong pilosopiko at aesthetic na kaisipan ng Middle Ages.

Estetika ng Byzantium. Ang pagbuo ng Byzantine aesthetics ay nangyayari sa ika-4-6 na siglo. Ito ay batay sa mga turo ng mga kinatawan ng Eastern patristics Gregory ng Nazianzus, Athanasius ng Alexandria, Gregory ng Nyssa, Basil the Great, John Chrysostom, pati na rin ang mga gawa ni Pseudo-Dionysius the Areopagite Areopagitica, na nagkaroon ng malaking impluwensya sa medieval aesthetics ng parehong Silangan at Kanluran. Ang ganap na transendental na kagandahan sa mga aesthetic na aral na ito ay kinakatawan ng Diyos, na umaakit sa kanyang sarili at nagpukaw ng pag-ibig. Ang pagkakilala sa Diyos ay nagagawa sa pamamagitan ng pag-ibig. Isinulat ni Pseudo-Dionysius na ang kagandahan, bilang pangwakas na dahilan, ay ang limitasyon ng lahat at ang layunin ng pag-ibig. Ito rin ay isang modelo, dahil alinsunod dito ang lahat ay tumatanggap ng katiyakan. Ibinahagi ng mga nag-iisip ng Byzantine ang konsepto ng transendental at makalupang kagandahan, na iniuugnay ito sa hierarchy ng makalangit at makalupang mga nilalang. Ayon kay Pseudo-Dionysius, sa unang lugar ay ganap na banal na kagandahan, sa pangalawa ang kagandahan ng mga makalangit na nilalang, sa pangatlo ang kagandahan ng mga bagay ng materyal na mundo. Ang saloobin ng mga Byzantine tungo sa materyal, ang kagandahang nakikita ng senswal na kagandahan ay ambivalent. Sa isang banda, ito ay iginagalang bilang resulta ng banal na paglikha, sa kabilang banda, ito ay hinatulan bilang pinagmumulan ng senswal na kasiyahan.

Ang isa sa mga pangunahing problema ng Byzantine aesthetics ay ang problema ng imahe. Nakakuha ito ng partikular na pangangailangan ng madaliang pagkilos kaugnay ng mga iconoclastic na pagtatalo (8-9 na siglo). Naniniwala ang mga iconoclast na ang imahe ay dapat na kaayon ng prototype, i.e. maging perpektong kopya niya. Ngunit dahil ang prototype ay kumakatawan sa ideya ng banal na prinsipyo, hindi ito maaaring ilarawan gamit ang mga anthropomorphic na imahe.

Juan ng Damascus sa isang sermon Laban sa mga tumatanggi sa mga banal na icon at Fedor Studite (759826) sa Mga pagtanggi ng mga iconoclast iginiit ang pagkakaiba sa pagitan ng imahe at ng prototype, na nangangatwiran na ang imahe ng banal na archetype ay dapat na kapareho nito hindi "sa esensya," ngunit "sa pangalan." Ang icon ay isang imahe ng perpektong nakikitang anyo (internal eidos) ng prototype. Ang interpretasyong ito ng ugnayan sa pagitan ng imahe at ng prototype ay batay sa pag-unawa sa kumbensyonal na katangian ng imahe. Ang imahe ay naunawaan bilang isang kumplikadong artistikong istraktura, bilang isang "hindi katulad ng pagkakahawig."

Liwanag. Ang isa sa pinakamahalagang kategorya ng Byzantine aesthetics ay ang kategorya ng liwanag. Walang ibang kultura ang nagbigay ng ganoong kahalagahan sa liwanag. Ang problema ng liwanag ay pangunahing binuo sa loob ng balangkas ng mga aesthetics ng asetisismo na binuo sa mga Byzantine monasticism. Ang panloob na aesthetics na ito (mula sa lat.

panloob panloob) ay may etikal-mystical na oryentasyon at ipinangaral ang pagtalikod sa mga kasiyahang senswal, isang sistema ng mga espesyal na espirituwal na pagsasanay na naglalayong pag-isipan ang liwanag at iba pang mga pangitain. Ang mga pangunahing kinatawan nito ay sina Macarius ng Egypt, Nil ng Ancyra, John Climacus, at Isaac na Syrian. Ayon sa kanilang pagtuturo, maganda ang liwanag. Mayroong dalawang uri ng liwanag: nakikita at espirituwal. Ang nakikitang liwanag ay nagtataguyod ng organikong buhay, ang espirituwal na liwanag ay nagkakaisa ng mga espirituwal na puwersa, nagpapalit ng mga kaluluwa sa tunay na pag-iral. Ang espirituwal na liwanag ay hindi nakikita sa kanyang sarili; ito ay nakatago sa ilalim ng iba't ibang mga imahe. Ito ay nakikita sa pamamagitan ng mga mata ng isip, ng mata ng isip. Ang liwanag sa tradisyon ng Byzantine ay lumilitaw na isang mas pangkalahatan at mas espirituwal na kategorya kaysa sa kagandahan.

Kulay. Ang isa pang pagbabago ng kagandahan sa Byzantine aesthetics ay kulay. Ang kultura ng kulay ay bunga ng mahigpit na canonicity sining ng Byzantine. Sa pagpipinta ng simbahan, isang mayamang simbolismo ng kulay ang nabuo at isang mahigpit na hierarchy ng kulay ang naobserbahan. Ang bawat kulay ay nagtatago ng isang malalim na kahulugan ng relihiyon.

Binabago ng Byzantine aesthetics ang sistema ng mga kategorya ng aesthetic at binibigyang diin ang lugar na ito nang iba kaysa sa mga sinaunang aesthetics. Hindi niya gaanong binibigyang pansin ang mga kategorya tulad ng pagkakasundo, sukat, at kagandahan. Kasabay nito, sa sistema ng mga ideya na naging laganap sa Byzantium, magandang lugar sumasakop sa kategorya ng kahanga-hanga, pati na rin ang mga konsepto ng "imahe" at "simbolo".

Simbolismo ay isa sa mga pinaka-katangiang phenomena ng medyebal na kultura ng parehong Silangan at Kanluran. Ang mga simbolo ay ginamit upang mag-isip sa teolohiya, panitikan, at sining. Ang bawat bagay ay itinuturing na isang imahe ng isang bagay na katumbas nito sa isang mas mataas na globo, at naging isang simbolo ng mas mataas na ito. Sa Middle Ages, ang simbolismo ay unibersal. Ang pag-iisip ay ang walang hanggang pagtuklas ng mga nakatagong kahulugan. Ayon sa konsepto ng patristic, ang Diyos ay transcendent, at ang Uniberso ay isang sistema ng mga simbolo at palatandaan (signs) na tumuturo sa Diyos at sa espirituwal na globo ng pag-iral. Sa aesthetic medieval consciousness, ang pandama na mundo ay pinalitan ng isang perpekto, simbolikong mundo. Ang simbolismo ng Medieval ay nauugnay sa buhay na mundo ng pag-aari ng pagiging mapanimdim, ilusyon. Dito nagmula ang kabuuang simbolismo ng Kristiyanong sining.

Tradisyunal na aesthetics ng Silangan. India. Ang batayan ng mga ideyang aesthetic Sinaunang India nagsilbi bilang isang mythopoeic na tradisyon, na natagpuan ang pagpapahayag sa matalinghagang sistema ng Brahmanism. Ang doktrina ng Brahman, ang unibersal na ideyal, ay binuo sa mga Upanishad, na ang pinakauna ay mula pa noong ika-8-6 na siglo. dati. AD Posibleng "malaman" si Brahman sa pamamagitan lamang ng pinakamalakas na karanasan sa pagkakaroon (aesthetic contemplation). Ang supersensible na pagmumuni-muni na ito ay tila ang pinakamataas na kaligayahan at direktang nauugnay sa aesthetic na kasiyahan. Ang estetika at simbolismo ng mga Upanishad ay may malaking impluwensya sa imahe at estetika ng mga tulang epiko ng India. Mahabharata At Ramayana at sa lahat ng karagdagang pag-unlad ng aesthetic na pag-iisip sa India.

Ang isang tampok na katangian ng aesthetic reflection ng medieval India ay ang kawalan ng interes sa mga tanong tungkol sa aesthetic sa kalikasan at buhay. Ang paksa ng pagninilay ay nagiging sining lamang, pangunahin ang panitikan at teatro. Ang pangunahing layunin ng isang likhang sining ay damdamin. Ang aesthetic ay nagmula sa emosyonal. Ang sentral na konsepto ng lahat ng aesthetic na pagtuturo ay ang konsepto ng "lahi" (literal na "panlasa"), na sa kasaysayan ng sining ay nagpapahiwatig ng masining na damdamin. Ang doktrina ng lahi na ito ay lalo na binuo ng mga teorista ng paaralan ng Kashmir, kung saan ang pinakatanyag ay ang Anandavardhana (ika-9 na siglo), Shankuka (ika-10 siglo), Bhatta Nayaka (ika-10 siglo) at Abhinavagupta (10-11 siglo). Interesado sila sa mga detalye ng aesthetic na damdamin, na hindi malito sa ordinaryong pakiramdam. Ang rasa, hindi bilang isang tiyak na pakiramdam, ay isang karanasan na lumitaw sa perceiving na paksa at naa-access lamang sa panloob na kaalaman. Ang pinakamataas na yugto ng aesthetic na karanasan ay ang pagtikim ng rasa, o kung hindi man, katahimikan sa kamalayan nito, ibig sabihin, aesthetic na kasiyahan.

Tsina.Ang pag-unlad ng tradisyonal na kaisipang aesthetic sa China ay direktang naimpluwensyahan ng dalawang pangunahing kilusan ng pilosopiyang Tsino: Confucianism at Taoism. Ang mga aesthetic na turo ni Confucius (552/551479 BC) at ng kanyang mga tagasunod ay nabuo sa loob ng balangkas ng kanilang socio-political theory. Ang gitnang lugar dito ay inookupahan ng mga konsepto ng "katauhan" at "ritwal", na nakapaloob sa pag-uugali " marangal na tao" Ang layunin ng mga kategoryang moral na ito ay upang mapanatili ang mga prinsipyong etikal sa lipunan at ayusin ang isang maayos na kaayusan sa mundo. Malaki ang kahalagahan ng sining, na nakita bilang isang landas tungo sa pagpapabuti ng moral at ang paglinang ng pagkakaisa ng espiritu. Isinailalim ng Confucianism ang mga aesthetic na pangangailangan sa mga etikal. Para kay Confucius, ang "maganda" mismo ay kasingkahulugan ng "mabuti," at ang aesthetic ideal ay itinuturing bilang ang pagkakaisa ng maganda, mabuti at kapaki-pakinabang. Dito nagmumula ang isang malakas na didaktikong simula sa tradisyonal na aesthetics ng China. Ang aesthetic na tradisyon na ito ay nagtaguyod ng pagiging tunay at makulay ng sining. Itinuring niya ang pagkamalikhain bilang ang tuktok ng propesyonal na kasanayan, at ang artist bilang isang tagalikha ng sining.

Ang isa pang linya ay nauugnay sa mga turo ng Taoist. Ang mga ninuno nito ay itinuturing na Lao Tzu (6th century BC) at Zhuang Tzu (4th-3rd century BC). Kung ang mga Confucian ay nagbigay ng pangunahing atensyon sa kanilang pagtuturo sa etikal na prinsipyo, kung gayon ang mga Taoista ay nagbigay ng pangunahing pansin sa aesthetic na prinsipyo. Ang sentral na lugar sa Taoism ay inookupahan ng teorya ng "Tao" - ang landas, o ang walang hanggang pagkakaiba-iba ng mundo. Ang isa sa mga katangian ng Tao, na may aesthetic na kahulugan, ay ang konsepto ng "ziran" - naturalness, spontaneity. Pinagtibay ng tradisyong Taoist ang spontaneity ng artistikong pagkamalikhain, ang pagiging natural ng artistikong anyo at ang pagkakaugnay nito sa kalikasan. Kaya't ang hindi pagkakahiwalay ng aesthetic at natural sa tradisyonal na aesthetics ng China. Ang pagkamalikhain sa Taoism ay itinuturing na paghahayag at inspirasyon, at ang artist bilang isang instrumento na nagsasagawa ng "paglikha sa sarili" ng sining.

Hapon. Ang pag-unlad ng tradisyonal na Japanese aesthetics ay naiimpluwensyahan ng Zen Buddhism. Ang paniniwalang ito ay nagbibigay ng malaking kahalagahan sa pagmumuni-muni at iba pang mga pamamaraan ng psychotraining na nagsisilbi upang makamit ang satori - isang estado ng panloob na kaliwanagan, kapayapaan ng isip at balanse. Ang Zen Buddhism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pagtingin sa buhay at ang materyal na mundo bilang isang bagay na panandalian, nababago at malungkot sa kalikasan. Ang mga tradisyonal na estetikang Hapones, na pinagsasama ang mga impluwensyang Confucian na nagmula sa Tsina at ang paaralang Japanese ng Zen Buddhism, ay nakabuo ng mga espesyal na prinsipyo na mahalaga sa sining ng Hapon. Kabilang sa mga ito, ang pinakamahalaga ay ang "wabi" - ang aesthetic at moral na prinsipyo ng pagtamasa ng isang mahinahon at hindi nagmamadaling buhay, malaya sa makamundong alalahanin. Ito ay nagpapahiwatig ng simple at dalisay na kagandahan at isang malinaw, mapagnilay-nilay na estado ng pag-iisip. Ang seremonya ng tsaa, ang sining ng pag-aayos ng bulaklak, at sining ng paghahardin ay nakabatay sa prinsipyong ito. Ang isa pang prinsipyo ng Japanese aesthetics, "sabi," na nauugnay sa umiiral na kalungkutan ng isang tao sa isang walang katapusang uniberso, ay bumalik sa Zen Buddhism. Ayon sa tradisyong Budista, ang kalagayan ng kalungkutan ng tao ay dapat tanggapin nang may tahimik na pagpapakumbaba at matagpuan dito ang isang mapagkukunan ng inspirasyon. Ang konsepto ng "yugen" (ang kagandahan ng malungkot na kalungkutan) sa Budismo ay nauugnay sa isang malalim na nakatagong katotohanan na hindi mauunawaan ng intelektwal. Ito ay muling binibigyang kahulugan bilang isang aesthetic na prinsipyo, ibig sabihin ay isang misteryosong "otherworldly" na kagandahan, puno ng misteryo, kalabuan, katahimikan at inspirasyon.

Estetika ng Kanlurang Europa Middle Ages malalim na teolohiko. Ang lahat ng mga pangunahing aesthetic na konsepto ay nahahanap ang kanilang pagkumpleto sa Diyos. Sa aesthetics ng maagang Middle Ages, kinakatawan ni Augustine Aurelius ang pinaka-holistic na aesthetic theory. Naimpluwensyahan ng Neoplatonism, ibinahagi ni Augustine ang ideya ni Plotinus tungkol sa kagandahan ng mundo. Ang mundo ay maganda dahil ito ay nilikha ng Diyos, na siya mismo ang pinakamataas na kagandahan at pinagmumulan ng lahat ng kagandahan. Ang sining ay hindi lumilikha tunay na mga imahe ng kagandahang ito, ngunit ang mga materyal na anyo lamang nito. Samakatuwid, naniniwala si Augustine, hindi dapat magustuhan ng isa ang mismong gawa ng sining, kundi ang banal na ideyang nakapaloob dito. Kasunod ng sinaunang panahon, ang St. Nagbigay si Augustine ng kahulugan ng kagandahan batay sa mga palatandaan ng pormal na pagkakaisa. Sa sanaysay Tungkol sa Lungsod ng Diyos nagsasalita siya ng kagandahan bilang proporsyonalidad ng mga bahagi na sinamahan ng kaaya-aya ng kulay. Iniuugnay din niya sa konsepto ng kagandahan ang mga konsepto ng proporsyonalidad, anyo at kaayusan.

Ang bagong interpretasyon ng kagandahan sa medieval ay ang pagkakaisa, pagkakaisa, at pagkakasunud-sunod ng mga bagay ay maganda hindi sa kanilang sarili, ngunit bilang isang salamin ng pinakamataas na pagkakaisa na parang diyos. Ang konsepto ng "pagkakaisa" ay isa sa mga sentral sa aesthetics ni Augustine. Isinulat niya na ang anyo ng lahat ng kagandahan ay pagkakaisa. Kung mas perpekto ang isang bagay, mas may pagkakaisa ito. Ang maganda ay iisa, dahil ang pagkakaroon mismo ay iisa. Ang konsepto ng aesthetic unity ay hindi maaaring lumabas mula sa pandama na persepsyon. Sa kabaligtaran, ito mismo ang tumutukoy sa pang-unawa ng kagandahan. Kapag nagsimula ng isang aesthetic na pagsusuri, ang isang tao ay mayroon na sa kaibuturan ng kanyang kaluluwa ang konsepto ng pagkakaisa, na pagkatapos ay hinahanap niya sa mga bagay.

Ang pagtuturo ni Augustine sa mga contrasts at opposites ay may malaking impluwensya sa medieval aesthetics. Sa treatise Tungkol sa Lungsod ng Diyos isinulat niya na ang mundo ay nilikha bilang isang tula, pinalamutian ng mga antitheses. Ang pagkakaiba at pagkakaiba-iba ay nagbibigay ng kagandahan sa bawat bagay, at ang kaibahan ay nagbibigay ng espesyal na pagpapahayag sa pagkakaisa. Para maging kumpleto at perpekto ang pang-unawa sa kagandahan, ang tamang relasyon ay dapat mag-ugnay sa tumitingin ng kagandahan sa mismong panoorin. Ang kaluluwa ay bukas sa mga sensasyon na naaayon dito, at tinatanggihan ang mga sensasyon na hindi naaangkop para dito. Upang malasahan ang kagandahan, dapat magkaroon ng kasunduan sa pagitan ng magagandang bagay at kaluluwa. Kinakailangan para sa isang tao na magkaroon ng walang pag-iimbot na pagmamahal sa kagandahan.

Thomas Aquinas sa kanyang pangunahing gawain Kabuuan ng mga Teolohiya aktwal na summed up Western medieval aesthetics. Isinaayos niya ang mga pananaw ni Aristotle, Neoplatonists, Augustine, at Dionysius the Areopagite. Ang unang katangian ng tanda ng kagandahan, na sinalita ni Thomas Aquinas, ay anyo, na nakikita ng mataas na pandama ng tao (pangitain, pandinig). Ang kagandahan ay nakakaapekto sa pakiramdam ng kagalingan ng isang tao sa pamamagitan ng organisasyon nito. Siya ay lubos na nagpapatunay ng mga konsepto na nauugnay sa mga layunin na katangian ng kagandahan bilang "kaliwanagan", "integridad", "proporsyon", "pagkakaugnay-ugnay". Ang proporsyon, sa kanyang pananaw, ay ang relasyon sa pagitan ng espirituwal at materyal, panloob at panlabas, ideya at anyo. Sa pamamagitan ng kalinawan, naunawaan niya kapwa ang nakikitang ningning at ningning ng isang bagay, at ang panloob, espirituwal na ningning nito. Ang pagiging perpekto ay nangangahulugang walang mga kapintasan. Ang Kristiyanong pananaw sa mundo ay kinakailangang kasama ang konsepto ng mabuti sa konsepto ng kagandahan. Ang bago sa aesthetics ni Thomas Aquinas ay ang pagpapakilala ng pagkakaiba sa pagitan nila. Nakita niya ang pagkakaibang ito sa katotohanan na ang mabuti ay ang layunin at layunin ng patuloy na hangarin ng tao, ang kagandahan ay isang nakamit na layunin kapag ang talino ng isang tao ay napalaya mula sa lahat ng mga hangarin ng kalooban, kapag nagsimula siyang makaranas ng kasiyahan. Ang layunin na katangian ng mabuti, sa kagandahan, kumbaga, ay tumigil na maging isang layunin, ngunit ito ay isang dalisay na anyo, kinuha sa sarili nito, nang walang interes. Ang pag-unawa sa kagandahan ni Thomas Aquinas ay nagpapahintulot kay F. Losev na maghinuha na ang gayong kahulugan ng paksa ng aesthetics ay ang orihinal na simula ng lahat ng aesthetics ng Renaissance.

Renaissance Aesthetics indibidwalistikong aesthetics. Ang pagiging tiyak nito ay nakasalalay sa kusang pagpapatibay sa sarili ng isang tao na nag-iisip at kumikilos nang masining, nauunawaan ang kalikasan na nakapaligid sa kanya at makasaysayang kapaligiran bilang isang bagay ng kasiyahan at imitasyon. Ang aesthetic na doktrina ng Renaissance ay puno ng mga motibo na nagpapatunay sa buhay at mga kabayanihan. Nanaig dito ang anthropocentric tendency. Ang pag-unawa sa maganda, dakila, at kabayanihan ay nauugnay din sa anthropocentrism sa aesthetics ng Renaissance. Ang isang tao, ang kanyang katawan, ay nagiging isang halimbawa ng kagandahan. Sa tao nakikita nila ang isang pagpapakita ng titanic, ang banal. Siya ay may walang limitasyong mga posibilidad ng kaalaman at sumasakop sa isang pambihirang posisyon sa mundo. Ang isang programatikong gawain na may malaking impluwensya sa masining na pag-iisip ng panahon ay ang treatise Pico della Mirandola Tungkol sa dignidad ng tao(1487). Ang may-akda ay bumubuo ng isang ganap na bagong konsepto ng pagkatao ng tao. Sinabi niya na ang tao mismo ang lumikha, ang panginoon ng kanyang sariling imahe. Binibigyang-katwiran nito ang isang bagong saloobin patungo sa artist. Ito ay hindi na isang medieval artisan, ngunit isang komprehensibong edukadong personalidad, isang kongkretong pagpapahayag ng ideyal ng isang unibersal na tao.

Sa panahon ng Renaissance, naitatag ang pagtingin sa sining bilang pagkamalikhain. Itinuring ng mga sinaunang at medieval na estetika ang sining bilang aplikasyon sa bagay ng isang handa na anyo, na dati nang umiiral sa kaluluwa ng artist. Sa aesthetics ng Renaissance, lumitaw ang ideya na ang artist mismo ay lumilikha, muling lumilikha ng mismong anyo na ito. Isa sa mga unang bumalangkas ng ideyang ito ay si Nikolai Kuzansky (14011464) sa kanyang treatise Tungkol sa isip. Isinulat niya na ang sining ay hindi lamang ginagaya ang kalikasan, ngunit ito ay likas na malikhain, na lumilikha ng mga anyo ng lahat ng bagay, umaayon at nagwawasto sa kalikasan.

Mayaman masining na pagsasanay Ang Renaissance ay nagbunga ng maraming mga treatise sa sining. Ito ang mga sinulat Tungkol sa pagpipinta, 1435; Tungkol sa iskultura, 1464; Tungkol sa arkitektura, 1452 Leona-Battista Alberti; Tungkol sa banal na proporsyon Luca Pacioli (14451514); Aklat tungkol sa pagpipinta Leonardo da Vinci. Sa kanila, kinilala ang sining bilang pagpapahayag ng isip ng makata at artista. Ang isang mahalagang katangian ng mga treatise na ito ay ang pagbuo ng teorya ng sining, mga problema ng linear at pananaw sa himpapawid, chiaroscuro, proporsyonalidad, simetrya, komposisyon. Ang lahat ng ito ay nakatulong upang gawing stereoscopic ang paningin ng artist, at ang mga bagay na inilarawan niya ay kaginhawahan at nakikita. Ang masinsinang pag-unlad ng teorya ng sining ay pinasigla ng ideya ng paglikha ng isang ilusyon ng totoong buhay sa isang gawa ng sining.

17-18 siglo, Enlightenment. Para sa ika-17 siglo. nailalarawan sa pamamagitan ng pangingibabaw ng pilosopikal na estetika sa mga praktikal. Sa panahong ito, lumitaw ang mga pilosopikal na turo nina Francis Bacon, Thomas Hobbes, Rene Descartes, John Locke, at Gottfried Leibniz, na may malaking impluwensya sa estetikong pagmuni-muni ng Bagong Panahon. Ang pinaka holistic sistema ng aesthetic kinakatawan ang klasisismo, ang ideolohikal na batayan kung saan ay ang rasyonalismo ni Descartes, na nagtalo na ang batayan ng kaalaman ay ang katwiran. Ang klasiko ay, una sa lahat, ang pangingibabaw ng katwiran. Ang isa sa mga tampok na katangian ng aesthetics ng klasisismo ay maaaring tawaging pagtatatag ng mahigpit na mga patakaran ng pagkamalikhain. Ang isang gawa ng sining ay naunawaan hindi bilang isang natural na nagaganap na organismo, ngunit bilang isang artipisyal na kababalaghan, na nilikha ng tao ayon sa isang plano, na may isang tiyak na gawain at layunin. Ang hanay ng mga pamantayan at kanon ng klasisismo ay isang treatise sa taludtod ni Nicolas Boileau Makatang sining(1674). Naniniwala siya na upang makamit ang ideal sa sining ay dapat gumamit ng mahigpit na mga tuntunin. Ang mga alituntuning ito ay batay sa mga sinaunang prinsipyo ng kagandahan, pagkakaisa, kahanga-hanga, at kalunos-lunos. Ang pangunahing halaga ng isang gawa ng sining ay ang kalinawan ng ideya, ang maharlika ng konsepto at ang tiyak na naka-calibrate na anyo. Sa treatise ni Boileau, ang teorya ng hierarchy ng mga genre, ang panuntunan ng "tatlong pagkakaisa" (lugar, oras at aksyon), na binuo ng aesthetics ng classicism, at ang oryentasyon patungo sa isang moral na gawain ( Tingnan din UNITS (TATLO): ORAS, LUGAR, PAGKILOS).

Sa aesthetic na pag-iisip noong ika-17 siglo. Ang baroque na direksyon ay namumukod-tangi, hindi pormal sa isang magkakaugnay na sistema. Ang Baroque aesthetic ay kinakatawan ng mga pangalan tulad ng Baltasar Gracian y Marales (16011658), Emmanuele Tesauro (15921675) at Matteo Peregrini. Sa kanilang mga sinulat ( Wit, o ang Sining ng Mabilis na Isip(1642) Graciana; Spyglass Aristotle(1654) Tesauro; Treatise on Wit(1639) Peregrini) ay bumuo ng isa sa pinakamahalagang konsepto ng Baroque aesthetics - "wit", o "mabilis na pag-iisip". Ito ay itinuturing na pangunahing malikhaing puwersa. Ang Baroque wit ay ang kakayahang magsama-sama ng mga hindi pagkakatulad. Ang batayan ng pagpapatawa ay talinghaga, pag-uugnay ng mga bagay o ideya na tila walang katapusan na malayo. Ang Baroque aesthetics ay binibigyang diin na ang sining ay hindi isang agham, hindi ito batay sa mga batas lohikal na pag-iisip. Ang katalinuhan ay isang tanda ng henyo, na ibinigay ng Diyos, at walang teorya ang makakatulong upang makamit ito.

Baroque aesthetics lumilikha ng isang sistema ng mga kategorya kung saan ang konsepto ng kagandahan ay binabalewala, at sa halip na pagkakatugma ay inilalagay ang konsepto ng kawalan ng pagkakaisa at disonance. Ang pagtanggi sa ideya ng isang maayos na istraktura ng Uniberso, ang Baroque ay sumasalamin sa pananaw sa mundo ng isang tao ng maagang modernong panahon, na nauunawaan ang hindi pagkakapare-pareho ng pagkakaroon. Ang pananaw sa daigdig na ito ay partikular na kinakatawan ng Pranses na palaisip na si Blaise Pascal. Ang pilosopikal na pagmuni-muni ni Pascal at ang kanyang mga akdang pampanitikan ay sumasakop sa isang mahalagang lugar sa aesthetics ng ika-17 siglo. Hindi niya ibinahagi ang pragmatismo at rasyonalidad ng modernong lipunan. Ang kanyang pangitain sa mundo ay nakakuha ng isang malalim na trahedya na kulay. Ito ay nauugnay sa mga ideya ng "nakatagong Diyos" at ang "katahimikan ng mundo." Sa pagitan ng dalawang phenomena na ito, ang isang tao ay nakulong sa kanyang kalungkutan, na ang kalikasan ay tragically dual. Sa isang banda, siya ay dakila sa kanyang katalinuhan at pakikipag-isa sa Diyos, sa kabilang banda, siya ay hindi gaanong mahalaga sa kanyang pisikal at moral na kahinaan. Ang ideyang ito ay ipinahayag sa kanyang tanyag na kahulugan: "ang tao ay isang pag-iisip na tambo." Si Pascal sa formula na ito ay sumasalamin hindi lamang sa kanyang pangitain sa mundo, ngunit ipinarating pangkalahatang kalooban mga siglo. Ang kanyang pilosopiya ay tumatagos sa sining ng Baroque, na humahantong sa mga dramatikong plot na muling lumilikha ng isang magulong larawan ng mundo.

English aesthetics 17-18 siglo. ipinagtanggol ang mga prinsipyong sensualista, umaasa sa pagtuturo ni John Locke sa pandama na batayan ng pag-iisip. Ang empiricism at sensationalism ni Locke ay nag-ambag sa pagbuo ng mga ideya tungkol sa "panloob na sensasyon," pakiramdam, pagsinta, at intuwisyon. Ang ideya ng isang pangunahing malapit na koneksyon sa pagitan ng sining at moralidad, na naging nangingibabaw sa aesthetics ng Enlightenment, ay napatunayan din. Isinulat niya ang tungkol sa relasyon ng kagandahan at kabutihan sa kanyang trabaho Mga katangian ng tao, moral, opinyon at panahon(1711) kinatawan ng tinatawag na "moralizing aesthetics" A.E.K. Shaftesbury. Sa kanyang pilosopiyang moral, umasa si Shaftesbury sa sensualismo ni Locke. Naniniwala siya na ang mga ideya ng kabutihan at kagandahan ay may sensual na batayan at nagmumula sa moral na kahulugan na likas sa tao mismo.

Mga Ideya ng English Enlightenment nagkaroon ng malaking impluwensya sa Pranses na palaisip na si Denis Diderot. Tulad ng kanyang mga nauna, iniuugnay niya ang kagandahan sa moralidad. Si Diderot ang may-akda ng teorya ng realismong pang-edukasyon, na pinatunayan sa kanyang treatise Pilosopikal na pag-aaral sa pinagmulan at kalikasan ng kagandahan(1751). Naunawaan niya ang artistikong pagkamalikhain bilang isang may malay na aktibidad na may makatwirang layunin at nakabatay sa mga pangkalahatang tuntunin ng sining. Nakita ni Diderot ang layunin ng sining sa paglambot at pagpapabuti ng moralidad, sa paglinang ng kabutihan. Ang isang katangian ng teorya ng aesthetic ni Diderot ay ang pagkakaisa nito sa masining na pagpuna.

Ang pag-unlad ng aesthetics ng German Enlightenment ay nauugnay sa mga pangalan ni Alexander Baumgarten, Johann Winckelmann, Gotthold Lessing, Johann Herder. Sa kanilang mga gawa, sa unang pagkakataon, ang aesthetics ay tinukoy bilang isang agham, ang prinsipyo ng isang makasaysayang diskarte sa mga gawa ng sining ay nabuo, at ang pansin ay iginuhit sa pag-aaral. pambansang pagkakakilanlan masining na kultura at alamat (I. Herder Sa batik ng mga kritisismo, 1769;Sa impluwensya ng tula sa moral ng mga tao sa sinaunang at modernong panahon, 1778;Calligona, 1800), may posibilidad para sa isang paghahambing na pag-aaral ng iba't ibang uri ng sining (G. Lessing Laocoon, o sa mga hangganan ng pagpipinta at tula, 1766;Dramaturhiya sa Hamburg, 17671769), ang mga pundasyon ng teoretikal na kasaysayan ng sining ay nilikha (I. Winkelman Kasaysayan ng sinaunang sining, 1764).

Aesthetics sa German classical philosophy. Ang mga German enlighteners ay may malaking impluwensya sa kasunod na pag-unlad ng aesthetic thought sa Germany, lalo na sa klasikal na panahon nito. Ang klasikal na aesthetics ng Aleman (huli ng ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo) ay kinakatawan nina Immanuel Kant, Johann Gottlieb Fichte, Friedrich Schiller, Friedrich Wilhelm Schelling, Georg Hegel.

I. Inilarawan ni Kant ang kanyang mga aesthetic na pananaw sa Pagpuna sa paghatol, kung saan itinuring niya ang aesthetics bilang bahagi ng pilosopiya. Binuo niya nang detalyado ang pinakamahalagang problema ng aesthetics: ang doktrina ng panlasa, ang pangunahing mga kategorya ng aesthetic, ang doktrina ng henyo, ang konsepto ng sining at ang kaugnayan nito sa kalikasan, ang pag-uuri ng mga uri ng sining. Ipinaliwanag ni Kant ang katangian ng aesthetic na paghatol, na iba sa lohikal na paghatol. Ang aesthetic na paghuhusga ay isang paghatol ng panlasa; ang lohikal na paghatol ay ang layunin nito ang paghahanap ng katotohanan. Ang isang espesyal na uri ng aesthetic na paghatol ng panlasa ay kagandahan. Ang pilosopo ay nagha-highlight ng ilang mga punto sa pang-unawa ng kagandahan. Una, ito ay ang kawalan ng interes ng aesthetic na pakiramdam, na nagmumula sa purong paghanga sa bagay. Ang pangalawang tampok ng kagandahan ay na ito ay isang bagay ng unibersal na paghanga nang walang tulong ng kategorya ng katwiran. Ipinakilala rin niya sa kanyang aesthetics ang konsepto ng "purposiveness without purpose." Sa kanyang opinyon, ang kagandahan, bilang isang anyo ng pagiging layunin ng isang bagay, ay dapat makita nang walang ideya ng anumang layunin.

Si Kant ay isa sa mga unang nag-uuri ng mga uri ng sining. Hinahati niya ang sining sa berbal (ang sining ng mahusay na pagsasalita at tula), visual (eskultura, arkitektura, pagpipinta) at ang sining ng matikas na paglalaro ng mga sensasyon (musika).

Ang mga problema ng aesthetics ay sinakop ang isang mahalagang lugar sa pilosopiya ni G. Hegel. Isang sistematikong paglalahad ng aesthetic theory ni Hegel ang nakapaloob sa kanyang Mga lektura sa aesthetics(inilathala noong 18351836). Ang aesthetics ni Hegel ay isang teorya ng sining. Tinukoy niya ang sining bilang isang yugto sa pag-unlad ng ganap na diwa, kasama ng relihiyon at pilosopiya. Sa sining, alam ng ganap na espiritu ang sarili sa anyo ng pagmumuni-muni, sa relihiyon - sa anyo ng representasyon, sa pilosopiya - mga konsepto. Ang kagandahan ng sining ay nakahihigit sa likas na kagandahan dahil ang diwa ay nakahihigit sa kalikasan. Nabanggit ni Hegel na ang aesthetic na saloobin ay palaging anthropomorphic, ang kagandahan ay palaging tao. Iniharap ni Hegel ang kanyang teorya ng sining sa anyo ng isang sistema. Nagsusulat siya tungkol sa tatlong anyo ng sining: symbolic (East), classical (antiquity), romantiko (Christianity). Sa iba't ibang anyo ng sining ay iniuugnay niya ang isang sistema ng iba't ibang sining na naiiba sa materyal. Itinuring ni Hegel ang arkitektura bilang simula ng sining, na tumutugma sa simbolikong yugto ng pag-unlad ng artistikong pagkamalikhain. Ang klasikal na sining ay nailalarawan sa pamamagitan ng iskultura, at ang romantikong sining ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagpipinta, musika at tula.

Batay sa pilosopikal at aesthetic na mga turo ni Kant, si F.V. Schelling ay lumikha ng kanyang sariling aesthetic theory. Ito ay ipinakita sa kanyang mga sinulat Pilosopiya ng sining, ed. 1859 at Tungkol sa ugali sining sa kalikasan, 1807. Ang Art, sa pang-unawa ni Schelling, ay kumakatawan sa mga ideya na, bilang “walang hanggang mga konsepto,” ay nananahan sa Diyos. Samakatuwid, ang agarang simula ng lahat ng sining ay ang Diyos. Nakikita ni Schelling ang sining bilang isang emanation ng absolute. Ang artist ay may utang sa kanyang pagkamalikhain sa walang hanggang ideya ng tao, na nakapaloob sa Diyos, na konektado sa kaluluwa at bumubuo ng isang solong kabuuan kasama nito. Ang pagkakaroon ng banal na prinsipyo sa tao ay ang "henyo" na nagpapahintulot sa indibidwal na maging materyal ang perpektong mundo. Iginiit niya ang ideya ng higit na kahusayan ng sining sa kalikasan. Sa sining nakita niya ang pagkumpleto ng espiritu ng mundo, ang pag-iisa ng espiritu at kalikasan, layunin at subjective, panlabas at panloob, mulat at walang malay, pangangailangan at kalayaan. Ang sining para sa kanya ay bahagi ng pilosopikal na katotohanan. Itinaas niya ang tanong ng paglikha ng isang bagong lugar ng pilosopiya ng aesthetics ng sining at inilalagay ito sa pagitan ng banal na ganap at pilosopiyang dahilan.

Si Schelling ay isa sa mga pangunahing theorists ng Romantic aesthetics. Ang pinagmulan ng romanticism ay nauugnay sa paaralan ng Jena, na ang mga kinatawan ay ang magkapatid na August Schlegel at Friedrich Schlegel, Friedrich von Hardenberg (Novalis), Wilhelm Heinrich Wackenroder (1773-1798), Ludwig Tieck.

Ang mga pinagmulan ng pilosopiya ng romantikismo ay nasa subjective idealism ni Fichte, na nagpahayag ng subjective na "I" bilang panimulang prinsipyo. Batay sa konsepto ni Fichte ng libre, walang limitasyong malikhaing aktibidad, pinatutunayan ng mga romantiko ang awtonomiya ng artista kaugnay sa labas ng mundo. Panlabas na mundo sila ay pinalitan ng panloob na mundo ng isang makata na henyo. Sa aesthetics ng romanticism, ang ideya ng pagkamalikhain ay binuo, ayon sa kung saan ang artist sa kanyang trabaho ay hindi sumasalamin sa mundo kung ano ito, ngunit nilikha ito ayon sa nararapat sa kanyang isip. Alinsunod dito, ang papel ng artist mismo ay tumaas. Kaya, sa Novalis ang makata ay kumikilos bilang isang manghuhula at salamangkero na binuhay ang walang buhay na kalikasan. Ang Romantisismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagtanggi sa normativity ng artistikong pagkamalikhain at ang pag-renew ng mga artistikong anyo. Ang romantikong sining ay metaphorical, associative, polysemantic, ito ay gravitates patungo sa synthesis, patungo sa interaksyon ng mga genre, uri ng sining, patungo sa isang koneksyon sa pilosopiya at relihiyon.

1920 na siglo Mula sa kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ang kaisipang aesthetic ng Kanlurang Europa ay nabuo sa dalawang direksyon. Ang una sa mga ito ay nauugnay sa pilosopiya ng positivism ni Auguste Comte, may-akda Positibong Kurso sa Pilosopiya(18301842). Ipinahayag ng Positivism ang priyoridad ng kongkretong kaalamang pang-agham kaysa sa pilosopiya at hinahangad na ipaliwanag ang mga aesthetic phenomena sa pamamagitan ng mga kategorya at ideya na hiniram mula sa natural na agham. Sa loob ng balangkas ng positivism, lumilitaw ang mga aesthetic na direksyon gaya ng aesthetics ng naturalism at social analysis.

Ang pangalawang direksyon ng positivist-oriented aesthetics ay kinakatawan sa mga gawa ni Hippolyte Taine, na naging isa sa mga unang espesyalista sa larangan ng sosyolohiya ng sining. Sinaliksik niya ang mga isyu ng ugnayan ng sining at lipunan, ang impluwensya ng kapaligiran, lahi, at sandali sa artistikong pagkamalikhain. Ang sining, sa pag-unawa ni Taine, ay isang produkto ng mga tiyak na makasaysayang kondisyon, at tinukoy niya ang isang gawa ng sining bilang isang produkto ng kapaligiran.

Ang Marxist aesthetics ay nagtataguyod din mula sa posisyon ng positivism. Itinuring ng Marxismo ang sining bilang sangkap isang pangkalahatang proseso ng kasaysayan, ang batayan kung saan nakita nila sa pag-unlad ng paraan ng produksyon. Iniuugnay ang pag-unlad ng sining sa pag-unlad ng ekonomiya, tiningnan ito nina Marx at Engels bilang pangalawang bagay na may kaugnayan sa batayan ng ekonomiya. Ang mga pangunahing probisyon ng aesthetic theory ng Marxism ay ang prinsipyo ng historical concreteness, ang cognitive role ng sining, at ang class character nito. Ang isang manipestasyon ng uri ng katangian ng sining, gaya ng pinaniniwalaan ng Marxist aesthetics, ay ang pagkahilig nito. Inilatag ng Marxismo ang mga pangunahing prinsipyo na natagpuan ang kanilang karagdagang pag-unlad sa aesthetics ng Sobyet.

Ang oposisyonal na direksyon sa positivism sa European aesthetic na kaisipan ng ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Nagkaroon ng kilusan ng mga artista na naglagay ng slogan na "art for art's sake." Ang aesthetics ng "purong sining" ay nabuo sa ilalim ng malakas na impluwensya ng pilosopiko na konsepto Arthur Schopenhauer. Isinasagawa Ang mundo bilang kalooban at representasyon (1844) binalangkas niya ang mga pangunahing elemento ng elitistang konsepto ng kultura. Ang pagtuturo ni Schopenhauer ay batay sa ideya ng aesthetic contemplation. Hinati niya ang sangkatauhan sa "mga tao ng henyo," na may kakayahang aesthetic na pagmumuni-muni at artistikong pagkamalikhain, at "mga tao ng utility," na nakatuon sa mga aktibidad na utilitarian. Ang henyo ay nagpapahiwatig ng isang namumukod-tanging kakayahang mag-isip ng mga ideya. Ang isang praktikal na tao ay palaging may mga pagnanasa; ang isang artist-henyo ay isang mahinahong tagamasid. Sa pamamagitan ng pagpapalit ng katwiran sa pagmumuni-muni, sa gayon ay pinapalitan ng pilosopo ang konsepto ng espirituwal na buhay ng konsepto ng pinong aesthetic na kasiyahan at nagsisilbing tagapagpauna ng aesthetic na doktrina ng "purong sining."

Ang mga ideya ng "sining para sa kapakanan ng sining" ay nabuo sa mga gawa nina Edgar Allan Poe, Gustav Flaubert, Charles Baudelaire, at Oscar Wilde. Sa pagpapatuloy ng romantikong tradisyon, ang mga kinatawan ng aestheticism ay nagtalo na ang sining ay umiiral para sa sarili nitong kapakanan at tinutupad ang layunin nito sa pamamagitan ng pagiging maganda.

Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Ang mga proseso ng radikal na rebisyon ng mga klasikal na anyo ng pilosopiya ay nagaganap sa pilosopiko at aesthetic na kaisipang Europeo. Tinanggihan at binago ni Friedrich Nietzsche ang mga klasikal na aesthetic na halaga. Inihanda niya ang pagbagsak ng tradisyonal na transcendental aesthetic na konsepto at makabuluhang naimpluwensyahan ang pagbuo ng postclassical na pilosopiya at aesthetics. Sa aesthetics ni Nietzsche, nabuo ang isang teorya Sining ng Apollonian at Dionysian. Sa sanaysay Ang pagsilang ng trahedya mula sa diwa ng musika (1872) niresolba niya ang antinomy ng Apollonian at Dionysian bilang dalawang magkasalungat, ngunit magkakaugnay na mga prinsipyo na sumasailalim sa bawat kultural na kababalaghan. Ang sining ng Apollonian ay nagsusumikap na ayusin ang mundo, upang gawin itong maayos na proporsyonal, malinaw at balanse. Ngunit ang prinsipyo ng Apollonian ay may kinalaman lamang sa panlabas na bahagi ng pag-iral. Ito ay isang ilusyon at patuloy na panlilinlang sa sarili. Ang pag-istruktura ng Apollonian ng kaguluhan ay laban sa pagkalasing ng Dionysian ng ecstasy. Ang prinsipyo ng sining ng Dionysian ay hindi ang paglikha ng mga bagong ilusyon, ngunit ang sining ng mga elemento ng buhay, labis, kusang kagalakan. Ang dionysian frenzy sa interpretasyon ni Nietzsche ay naging isang paraan upang madaig ang alienation ng tao sa mundo. Ang paglampas sa indibidwalistikong paghihiwalay ay tunay na pagkamalikhain. Ang mga tunay na anyo ng sining ay hindi yaong lumikha ng ilusyon, ngunit yaong nagpapahintulot sa isa na sumilip sa kailaliman ng sansinukob.

Ang mga aesthetic at pilosopiko na konsepto ni Nietzsche ay natagpuan ng malawak na aplikasyon sa teorya at praktika ng aesthetics ng modernismo noong huling bahagi ng ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang orihinal na pag-unlad ng mga ideyang ito ay sinusunod sa Russian aesthetics " panahon ng pilak" Una sa lahat, sa Vladimir Solovyov, sa kanyang pilosopiya ng "unibersal na pagkakaisa", batay sa mahinahong tagumpay ng walang hanggang tagumpay ng maliwanag na prinsipyo sa magulong kalituhan. at ang Nietzschean aesthetics ay nakaakit ng mga simbolistang Ruso. Kasunod ni Nietzsche, nakita nila ang mundo bilang isang aesthetic phenomenon na nilikha ng isang artist-theurgist.

Mga teoryang aesthetic noong ika-20 siglo. Mga isyung aesthetic noong ika-20 siglo. ay binuo hindi gaanong sa espesyal na pananaliksik tulad ng sa konteksto ng iba pang mga agham: sikolohiya, sosyolohiya, semiotika, linggwistika.

Kabilang sa mga pinaka-maimpluwensyang konsepto ng aesthetic, ang phenomenological aesthetics ay namumukod-tangi, batay sa pilosopikal na pagtuturo Edmund Husserl. Ang tagapagtatag ng phenomenological aesthetics ay maaaring ituring na pilosopo ng Poland na si Roman Ingarden (1893-1970). Ang pangunahing konsepto ng phenomenology ay intentionality (mula sa Latin na intentio desire, intention, direction), na nauunawaan bilang pagbuo ng isang bagay ng kaalaman sa pamamagitan ng kamalayan.

Isinasaalang-alang ng phenomenology ang isang gawa ng sining bilang isang self-sufficient phenomenon ng intensyonal na pagmumuni-muni nang walang anumang konteksto, batay sa sarili nito. Ang lahat ng maaaring malaman tungkol sa isang akda ay nakapaloob dito mismo; ito ay may sariling independiyenteng halaga, nagsasarili na pag-iral at itinayo ayon sa sarili nitong mga batas.

Si Nikolai Hartmann (1882-1950) ay nagsalita mula sa isang phenomenological na posisyon. Ang pangunahing kategorya ng aesthetics, ang maganda, ay nakikita sa isang estado ng ecstasy at dreaminess. Dahilan, sa kabaligtaran, ay hindi nagpapahintulot sa amin na sumali sa globo ng kagandahan. Samakatuwid, ang cognitive act at aesthetic contemplation ay hindi magkatugma.

Pinuna ni Michel Dufrenne (19101995) ang moderno kabihasnang Kanluranin, paghiwalayin ang isang tao mula sa kalikasan, ang kanyang sariling kakanyahan at ang pinakamataas na halaga ng pagkakaroon. Hinahangad niyang tukuyin ang mga pangunahing pundasyon ng kultura, na magpapahintulot sa pagtatatag ng maayos na relasyon sa pagitan ng tao at ng mundo. Ang pagkakaroon ng perceived ang pathos ng konsepto ng sining ni Heidegger bilang ang "katotohanan ng pagiging," Dufresne naghahanap tulad ng mga pundasyon sa kayamanan ng aesthetic karanasan, interpreted mula sa pananaw ng phenomenological ontology.

Ang phenomenological na pamamaraan ng pananaliksik ay sumasailalim sa pamamaraan ng Russian formalism, French structuralism at ang Anglo-American na "bagong kritisismo", na lumitaw bilang isang pagsalungat sa positivism. Sa mga sinulat ni J.K. Pantubos ( Bagong kritisismo, 1941), A. Teita ( Reaksyunaryong Sanaysay, 1936), C. Brooks at R. P. Warren ( Pag-unawa sa Tula, 1938; Pag-unawa sa prosa, 1943) inilatag ang mga pangunahing prinsipyo ng neo-kritikal na teorya: ang batayan para sa pag-aaral ay isang nakahiwalay na teksto na umiiral bilang isang bagay na independiyente sa artist-creator. Ang tekstong ito ay may organiko at holistic na istraktura na maaaring umiral bilang isang espesyal na organisasyon ng mga imahe, simbolo, at mito. Sa tulong ng gayong organikong anyo, naisasakatuparan ang kaalaman sa katotohanan (ang neocritical na konsepto ng "tula bilang kaalaman").

Sa iba pang mahahalagang direksyon ng aesthetic na pag-iisip noong ika-20 siglo. isama ang psychoanalytic concepts nina S. Freud at G. Jung, ang aesthetics ng existentialism (J.-P. Sartre, A. Camus, M. Heideger), ang aesthetics ng personalism (C. Péguy, E. Mounier, P. Ricoeur ), ang aesthetics ng structuralism at post-structuralism (C. Levi Strauss, R. Barthes, J. Derrida), sociological aesthetic concepts nina T. Adorno at G. Marcuse.

Ang modernong aesthetic na kaisipan ay umuunlad din alinsunod sa postmodernism (I. Hassan, J.F. Lyotard). Ang aesthetics ng postmodernism ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang sinasadyang pagwawalang-bahala sa anumang mga patakaran at mga paghihigpit na binuo ng nakaraang kultural na tradisyon, at, bilang resulta nito, isang balintuna na saloobin sa tradisyong ito.

Ang konseptwal na kagamitan ng aesthetics ay sumasailalim sa mga makabuluhang pagbabago, ang mga pangunahing kategorya ng aesthetics ay napapailalim sa makabuluhang muling pagsusuri, halimbawa, ang kahanga-hanga ay pinalitan ng kamangha-manghang, ang pangit ay natanggap ang katayuan nito bilang isang kategorya ng aesthetic kasama ang maganda, atbp. Ang tradisyonal na itinuturing na hindi aesthetic ay nagiging aesthetic o binibigyang kahulugan sa aesthetic. Tinutukoy nito ang dalawang linya ng pag-unlad modernong kultura: ang isang linya ay naglalayon sa pagpapatuloy ng tradisyonal na aesthetics (ang aestheticization ng pang-araw-araw na buhay ay itinuturing na matinding pagpapakita nito, kaya, halimbawa, hyperrealism, pop art, atbp.), ang isa ay mas pare-pareho sa epistemological aestheticization (cubism, surrealism, sining ng konsepto).

Ang isang espesyal na lugar sa modernong aesthetics ay ibinibigay sa tradisyon ng paglabag, pagpunta "sa labas ng aesthetic at artistikong mga pamantayan," i.e. marginal o walang muwang na pagkamalikhain, na kadalasang nakakakuha ng katayuang aesthetic pagkatapos ng mahabang panahon (ang kasaysayan ng kultura ay puno ng mga halimbawa ng gayong pagkamalikhain ng mga artista, musikero, at manunulat).

Ang iba't ibang mga teorya at konsepto ng aesthetic ng modernong aesthetic science ay nagpapatunay sa isang qualitatively bagong pag-unlad ng aesthetic na pag-iisip, kumpara sa klasikal na panahon. Ang paggamit ng karanasan ng maraming sangkatauhan sa modernong aesthetics ay nagpapahiwatig ng dakilang pangako ng agham na ito.

Lyudmila Tsarkova

PANITIKAN Kasaysayan ng aesthetic na pag-iisip, vol. 15. M., 19851990
Losev A.F. Form. Estilo. Pagpapahayag. M., 1995
Bransky V.P. Sining at pilosopiya. Kaliningrad, 1999
Bychkov V.V. 2000 taon ng kulturang Kristiyano sub specie aesthetica . Tt. 12. M. St. Petersburg, 1999
Gilbert K.E., Kuhn G. Kasaysayan ng aesthetics. St. Petersburg, 2000
Gulyga A.V. Aesthetics sa liwanag ng axicology. St. Petersburg, 2000
Croce B. Aesthetics bilang isang agham ng pagpapahayag at bilang pangkalahatang linggwistika. M., 2000
Mankovskaya N. Postmodern aesthetics. St. Petersburg, 2000
Adorno T. Teorya ng Aesthetic. M., 2001
Krivtsun O.A. Estetika. M., 2001
Yakovlev E.G. Estetika. M., 2001
Borev Yu.B. Estetika. M., 2002