Mga arkitekto noong ika-18 siglo. Arkitektura ng ika-18 siglo sa Russia
Sa sining ng Kanlurang Europa noong ika-17-18 siglo. ang pangunahing artistikong direksyon at paggalaw ay baroque at classicism. Sa maraming mga bansang Europeo Ang Academy of Arts and Architecture ay nilikha. Ngunit wala sa mga istilong ito ang umiral sa sining ng Inglatera noong ika-17-18 siglo. sa dalisay nitong anyo, dahil dumating sila sa lupang Ingles nang mas huli kaysa sa ibang mga bansa.
Ang sining ng Ingles sa panahong ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pansin sa emosyonal na buhay ng mga tao, lalo na ang portraiture. Bilang karagdagan, ang English Enlightenment ay nagbigay ng espesyal na pansin sa mga ideya ng moral na edukasyon ng indibidwal, mga problema ng etika at moralidad. Ang isa pang nangungunang genre ng pagpipinta ng Ingles sa panahong ito ay ang pang-araw-araw na genre. Napag-usapan namin ang tungkol sa mga pinakasikat na artista (T. Gainsborough, D. Reynolds, W. Hogarth) sa aming website.
Arkitektura
Noong ika-17 at ika-18 siglo. Ang England ay isa sa pinakamalaking sentro Arkitekturang Europeo. Ngunit iba't ibang mga istilo at uso sa arkitektura kung minsan ay umiral dito nang sabay-sabay.
Sa pinagmulan ng tradisyon ng arkitektura ng Britanya ay nakatayo Inigo Jones(1573-1652), arkitekto, taga-disenyo at artista ng Ingles.
Posthumous portrait ni Inigo Jones ni William Hogarth (batay sa lifetime portrait ni Van Dyck)
Si Inigo Jones ay ipinanganak noong 1573 sa London sa pamilya ng isang clothier. Noong 1603-1605 Nag-aral si Jones ng pagguhit at disenyo sa Italya. Pagbalik sa kanyang tinubuang-bayan, siya ay nakikibahagi sa paglikha ng mga tanawin para sa mga palabas sa teatro;
Noong 1613-1615 Si Jones ay bumalik sa Italya, pinag-aaralan ang mga gawa ni Andrea Palladio, sinaunang at Renaissance na arkitektura. Noong 1615, si Jones ay naging punong tagapag-alaga ng mga maharlikang gusali, at sa Greenwich hindi nagtagal ay sinimulan niya ang pagtatayo ng country mansion ni Queen Anne, asawa ni James I.
Bahay ng Reyna
Ang dalawang palapag na Queens House ay isang monolithic cube, ganap na puti at halos walang dekorasyong arkitektura. Mayroong loggia sa gitna ng façade ng parke. Ang Queens House ay ang unang gusaling Ingles sa istilong klasiko.
Tulip staircase sa Queens House, Greenwich
Ang sumunod na gawain ng arkitekto ay ang Banqueting House sa London (1619-1622). Ang dalawang palapag na harapan nito ay halos natatakpan ng dekorasyong arkitektura. Sa loob, ang isang two-tier colonnade ay nagpaparami ng hitsura ng isang sinaunang templo. Ang mga gusali ni Jones ay naaayon sa panlasa ng korte ng Ingles noong panahong iyon. Ngunit ang gawa ni Jones ay pinahahalagahan lamang noong ika-18 siglo: ito ay muling natuklasan ng mga tagahanga ng Palladio, at ang kanyang mga gawa ay naging mga modelo para sa mga gusali ng English Palladianism.
Banqueting house
Sa pagtatapos ng ika-16 at simula ng ika-17 siglo. Ang mga pagtatanghal sa teatro ("mga maskara") ay may mahalagang papel sa kasaysayan ng palasyo. Lalo na sikat ang mga set at costume na nilikha ni Inigo Jones, isang mahuhusay na theater designer.
Ang banqueting house ay 34 m ang haba, 17 m ang lapad at pareho ang taas. Dalawang palapag ang tumaas sa itaas ng mataas na base. Ang mga malalawak na bintana ay nakaayos nang ritmo sa kahabaan ng harapan. Ang gitna ng gusali ay na-highlight ng 8 column ng Ionic order sa ibabang row, Corinthian - sa itaas. Sa itaas ng mga bintana sa itaas na palapag ay mayroong isang frieze sa anyo ng mga garland na inukit sa bato. Isang eleganteng balustrade ang kumukumpleto sa buong komposisyon. Ang tanging bulwagan ng gusaling ito ay pinalamutian ni Rubens.
Sa pagtatapos ng ika-19 na siglo. Ang gusali ay naglalaman ng isang eksposisyon ng museo ng kasaysayan ng militar.
Ang isang bagong yugto sa kasaysayan ng arkitekturang Ingles ay nagsimula noong ikalawang kalahati ng ika-17 siglo, nang lumitaw ang mga unang gusali. Sir Christopher Wren(1632-1723), isa sa pinakatanyag at iginagalang na arkitekto ng Ingles.
Gottfried Kneller "Portrait of Christopher Wren" (1711)
Si Sir Christopher Wren, isang arkitekto at matematiko, ay muling itinayo ang sentro ng London pagkatapos ng malaking sunog noong 1666. Nilikha niya ang pambansang istilo ng arkitekturang Ingles - Wren classicism.
Si Ren ay isang siyentipiko, nag-aral ng matematika at astronomiya, at bumaling sa arkitektura noong siya ay higit sa tatlumpu. Sa paglipas ng isang mahaba at mabungang karera, natupad niya ang halos lahat ng kanyang mga plano. Nagtayo siya ng mga palasyo at templo, mga aklatan at mga teatro, mga ospital at mga bulwagan ng bayan, at bumuo ng mga lugar ng tirahan ng London. Kung pinagsama-sama, ang maraming gusali ni Ren ay maaaring bumuo ng isang katamtamang laki ng lungsod. Pagkatapos ng "malaking apoy" noong 1666, aktibong bahagi si Wren sa pagpapanumbalik ng London: muling itinayo niya ang mahigit 50 sa 87 nasunog na simbahan. Ang pinakamataas na tagumpay ng aktibidad na ito ay ang engrande at marilag na Cathedral ng St. Paul, na naging pinakamalaking relihiyosong gusali ng mundo ng mga Protestante.
Matatagpuan sa pampang ng Thames, ang Royal Hospital sa Greenwich ang huling pangunahing gusali ng Christopher Wren. Ang malaking hospital complex ay binubuo ng 4 na gusali, na bumubuo ng mga hugis-parihaba na patyo na may maluwag na lugar sa pagitan ng mga gusali sa harap, mga portiko ng mga facade na nakaharap sa ilog. Ang malalawak na hakbang, na nasa gilid ng mga maringal na may domed na gusali, ay humahantong sa pangalawang parisukat sa pagitan ng pangalawang pares ng mga courtyard. Ang colonnade ng twin columns na nag-frame sa parisukat ay bumubuo ng isang napaka-kahanga-hangang tanawin na nagtatapos sa Inigo Jones's Queens House. Nakibahagi rin ang arkitekto sa pagtatayo ng Greenwich Hospital Nicholas Hawksmoor(1661-1736). Nagsimula siyang magtrabaho noong nabubuhay pa si Ren at ipinagpatuloy ito pagkatapos ng kamatayan ng arkitekto.
Sinundan ni Ren ang landas ni Inigo Jones. Ngunit hinihigop ni Jones ang diwa ng Renaissance ng Italya, at nilikha ni Wren sa istilo ng klasisismo.
Nagpatuloy ang mga tradisyon ni Christopher Wren James Gibbs(1682-1754) - ang pinaka-kapansin-pansin at orihinal na pigura ng arkitekturang Ingles noong unang kalahati ng ika-18 siglo, isa sa ilang mga kinatawan ng istilong Baroque sa arkitektura ng Britanya. Nagtayo din siya sa istilong Palladian, na humiram ng mga indibidwal na elemento mula dito.
A. Soldi "Portrait of James Gibbs"
Ang pinakamalaking impluwensya ni Gibbs ay ang gawa ni Christopher Wren, ngunit unti-unting binuo ni Gibbs ang kanyang sariling istilo. Ang kanyang sikat na Radcliffe Library sa Oxford, mahigpit at monumental, ay mataas ang ranggo sa mga pinakamahusay na monumento ng arkitekturang Ingles.
Ang aklatan ang pinakamahalaga sa mga gusali ng Gibbs sa sukat at artistikong merito. Ang kakaibang sentrik na istraktura na ito ay binubuo ng isang 16-panig na base, isang cylindrical na pangunahing bahagi at isang simboryo. Ang plinth ay pinutol sa pamamagitan ng malaking arched door at window openings; ang bilog na pangunahing bahagi ay hinati ng mga nakapares na mga haligi sa 16 na mga pier, kung saan ang mga bintana at niches ay nakaayos sa dalawang tier na kahalili. Ang isang simboryo na may parol ay tumataas sa itaas ng balustrade.
Ang aklatan ay isa sa pinakamagandang monumento ng arkitekturang Ingles.
Ang isa pang obra maestra ng Gibbs ay ang Church of St. Martin in the Fields.
Simbahan ng St Martin sa Fields
Pinalamutian nito ang Trafalgar Square sa London. Sa St. Martin's in the Fields, makikita ang impluwensya ni Christopher Wren, ngunit ang bell tower ay hindi isang hiwalay na gusali, ito ay bumubuo ng isang solong kabuuan kasama ang gusali ng simbahan. Noong una, pinuna ng mga kontemporaryo ang desisyong ito ng arkitekto, ngunit nang maglaon ay naging modelo ang simbahan para sa maraming simbahang Anglican sa England at higit pa.
English Palladianism
Ang English Palladianism ay nauugnay sa pangalan William Kent(c. 1684-1748), arkitekto, arkeologo, pintor at publisher.
Villa sa Chiswick (1723-1729)
Ang villa ay itinayo ni Lord Burlington na may direktang partisipasyon William Kent. Ito ang pinakatanyag na gusali ng English Palladianism. Halos literal na inuulit nito ang Villa Rotunda ni Andrea Palladio, maliban sa mga facade.
Villa park sa Chiswick
Ang facade ng parke ay pinalamutian ng portico na may pediment na humahantong sa portico. Ang villa ay hindi inilaan para sa pamumuhay, walang mga silid-tulugan o kusina, mayroon lamang mga silid para sa mga koleksyon ng sining ng Burlington.
Salamat sa pagtangkilik ni Lord Burlington, nakatanggap si Kent ng mga order para sa pagtatayo ng mga pampublikong gusali sa London, halimbawa, Horse Guards.
Mga Bantay ng Kabayo
Ang Horse Guards ay ang barracks ng Horse Guards sa London. Ito ang pinaka-mature na trabaho ni William Kent.
Nagtayo si William Kent ng ilang palasyo sa London. Nagsagawa siya ng mga order para sa panloob na disenyo ng mga tirahan ng bansa ng maharlikang Ingles. Pangunahing trabaho Ang ari-arian ni Kent ay naging Holkham Hall sa Norfolk.
Holkham Hall sa Norfolk
Ito ay inilaan para sa koleksyon ng sining ni Lord Leicester. Lalo na sikat ang mga interior ng Holkham Hall, na puno ng sutla, pelus at pagtubog. Ginawa rin ang muwebles ayon sa mga guhit ni Kent.
English park
Ang Landscape English park ay isang mahalagang tagumpay ng arkitekturang Ingles noong ika-18 siglo. Ang landscape park ay lumikha ng ilusyon ng tunay, hindi nagalaw na kalikasan ang pagkakaroon ng tao at modernong sibilisasyon ay hindi naramdaman dito.
Ang unang landscape park ay itinayo noong panahon ng Palladian sa ari-arian ng makata na si Alexander Pope sa Twickenham (isang suburb ng London). Ang regular na parke ng Pransya ay tila sa kanya ang personipikasyon ng paniniil ng estado, na kahit na nasakop ang kalikasan (Versailles Park). Itinuring ng makata ang England bilang isang malayang bansa. Isang innovator sa landscape art ng England ay William Kent. Nilikha niya ang pinakamagandang landscape park noong panahong iyon: ang parke ng Chiswick House villa, ang Champs Elysees park sa Stowe sa Central England.
Champs Elysees Park
Ang partikular na kahanga-hanga ay ang artipisyal, espesyal na itinayong mga guho na tinatawag na Temple of Modern Virtue. Tila, ang mga guho ay sumasagisag sa pagbaba ng moral sa modernong lipunan at ikinukumpara sa marangyang Temple of Ancient Virtue, na itinayo ni W. Kent sa sinaunang istilo.
Ang Temple of Ancient Virtue, na itinayo ni W. Kent sa sinaunang istilo, ay isang bilog na domed na gusali na napapalibutan ng isang colonnade ng 16 na makinis na Ionic column na naka-mount sa isang mababang podium. Ang templo ay may dalawang pasukan sa anyo ng mga arched openings, na ang bawat isa ay naabot ng isang 12-step na hagdanan. Sa loob ng templo mayroong 4 na niches kung saan naka-install ang mga estatwa ng mga sinaunang Greek celebrity na kasing laki ng tao.
Nasa kalagitnaan na ng ika-18 siglo. pangkaraniwan ang mga landscape park sa England, France, Germany, at Russia.
Ang huling pangunahing kinatawan ng Palladianism sa arkitekturang Ingles ay William Chambers(1723-1796) - arkitekto ng Scottish, kinatawan ng klasisismo sa arkitektura.
F. Kotes "Portrait of W. Chambers"
Malaki ang kontribusyon ng Chambers sa pag-unlad ng sining ng landscape gardening. Salamat sa Chambers, lumitaw ang mga kakaibang (Chinese) na motif sa tradisyonal na English landscape park.
Malaking pagoda- ang unang gusali sa espiritu Arkitekturang Tsino sa Europa. Ito ay itinayo sa Richmond's Kew Gardens noong 1761-1762. dinisenyo ng arkitekto ng korte na si William Chambers alinsunod sa kagustuhan ng ina ni King George III na si Augusta. Ang taas ay 50 m, ang diameter ng mas mababang baitang ay 15 m Sa loob ng pagoda ay may isang hagdanan ng 243 na mga hakbang, ang bubong ay naka-tile.
Ang mga imitasyon ng pagoda sa Kew ay lumitaw sa English Garden sa Munich at iba pang bahagi ng Europa. Sa kagustuhan ni Catherine II, ang kababayan ni Chambers, si Charles Cameron, ay nagdisenyo ng katulad na istraktura sa gitna ng nayon ng Tsina ng Tsarskoe Selo, ngunit ang proyekto ay hindi nabuhay. Ngunit itinayo pa rin ang mga bahay ng mga Intsik.
mga bahay na Intsik. Chinese village sa Alexander Park ng Tsarskoe Selo
Neoclassical na arkitektura
Noong nasa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Ang mga unang archaeological excavations ng mga sinaunang monumento ay nagsimula sa Italya ang lahat ng mga pangunahing kinatawan ng English neoclassicism ay pumunta sa Roma upang makita ang mga guho ng mga sinaunang gusali. Ang ibang mga arkitekto ng Ingles ay naglakbay sa Greece upang pag-aralan ang mga sinaunang gusali ng Greek. Sa England, ang neoclassicism ay nakikilala sa pamamagitan ng katotohanan na pinagtibay nito ang kagaanan at kagandahan mula sa unang panahon, lalo na sa mga neoclassical interior ng Ingles. sa kabaligtaran, ang lahat ng mga gusali ay mas magaan at mas eleganteng.
G. Wilson "Larawan ni Robert Adam"
Nag-play ng isang espesyal na papel sa arkitektura ng English neoclassicism Robert Adam(1728-1792), Scottish architect mula sa Palladian Adam dynasty, ang pinakamalaking kinatawan ng British classicism noong ika-18 siglo. Si Adan ay umasa sa pag-aaral ng sinaunang arkitektura at gumamit ng mahigpit na mga klasikal na anyo. Napakalawak ng aktibidad ng arkitektura ni Adan. Kasama ang kanyang mga kapatid na sina James, John at William, nagtayo siya ng mga manor house at pampublikong gusali, na nagtayo ng mga buong kalye, mga parisukat, at mga bloke ng lungsod ng London. Ang kanyang malikhaing pamamaraan- rasyonalismo, nakadamit sa mga anyo ng sinaunang Griyego.
Bahay sa estate ng Syon House sa London. Arch. R. Adam (1762-1764). Pagtanggap. London, Great Britain)
Ang reception room sa Syon House ay isa sa pinakasikat na interior ni Adam. Ang silid ay pinalamutian ng labindalawang asul na haligi ng marmol na may ginintuan na mga kapital at mga eskultura sa itaas. Ang mga putot ng mga haligi na ito ay tunay na antigo - sila ay natagpuan sa ilalim ng Tiber River sa Roma, habang ang mga kabisera at mga eskultura ay ginawa ayon sa mga guhit ni Adan mismo. Ang mga haligi dito ay hindi sumusuporta sa kisame, ngunit inilalagay lamang sa dingding, ngunit binibigyan nila ang silid ng isang marilag na hitsura.
Kahit na sa panahon ng buhay ng master, marami ang nag-isip sa interior ni Adan pinakamataas na tagumpay Arkitekturang Ingles. Ang mga tradisyon ng kanilang sining ay nagpapanatili ng kanilang kahalagahan sa arkitektura ng Ingles sa loob ng mahabang panahon.
Ngunit sa neoclassicism ng ika-18 siglo. Mayroong dalawang arkitekto na ang istilo ay naiiba sa "estilo ni Adan": George Dance the Younger(1741-1825) at Sir John Soane(1753-1837). Ang pinakatanyag na gusali ng sayaw ay ang Newgate Prison sa London (hindi napreserba). Si John Soane ay higit na sumunod sa istilo ng Sayaw, ay ang punong arkitekto ng gusali ng Bank of England (1795-1827) at inilaan ang isang makabuluhang bahagi ng kanyang buhay sa pagtatayo nito.
"Gothic Revival" (neo-Gothic)
Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo. Sa England, lumitaw ang mga gusali na gumamit ng mga motif arkitektura ng gothic: matulis na mga arko, matataas na bubong na may matarik na mga dalisdis, mga stained glass na bintana. Ang panahong ito ng sigasig para sa Gothic ay karaniwang tinatawag na "Gothic Revival" (neo-Gothic). Nagpatuloy ito hanggang sa simula ng ika-20 siglo. at naging sikat na istilo hanggang ngayon: sa Inglatera ang mga gusali ay madalas na itinayo sa istilong Gothic).
Ang nagtatag ng Gothic Revival ay si Count Horace Walpole(1717-1797) – manunulat, may-akda ng unang horror novel na “The Castle of Otranto”. Noong 1746-1790 itinayo niya muli ang kanyang villa sa Strawberry Hill estate (Twickenham, isang suburb ng London) sa istilong Gothic.
Villa
Ang Font Hill Abbey sa Central England ay itinayo sa pagitan ng 1796 at 1807. arkitekto James Wyeth (1746-1813).
Font Hill Abbey (hindi nabubuhay)
Nasa ika-19 na siglo na. Ang istilong Gothic ay naging istilo ng estado. Sa ganitong istilo noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Ang mga Bahay ng Parlamento ay itinatayo sa London (arkitekto na si Charles Barry) - isa sa mga pangunahing gusali ng arkitekturang Ingles noong panahong iyon.
A.V.Chekmarev
Trinity Cathedral
Alexander Nevsky Lavra
bilang isang iconographic na halimbawa
Bahagi 2. Bagong dambana ng kabisera
Ang artikulo ay nai-publish sa koleksyon na "St. Petersburg at ang arkitektura ng Russia. Arkitektura sa kasaysayan ng kulturang Ruso." Vol. 7. M., 2007. pp. 317-362.
Trinity Cathedral ng Alexander Nevsky Lavra. Kanluraning harapan. Larawan mula sa simula ng ika-20 siglo
Ang panahon ng Elizabethan ay naglagay ng mga bagong ideyal ng arkitektura ng templo. Sa hitsura ng Transfiguration Cathedral sa kabisera, na may kahalagahan ng isang monumento sa pag-akyat ng Empress sa trono, muling nabuhay ang ideya ng tradisyonal na istraktura ng limang-domed na Ruso. Ang kumbinasyon ng pambansang "Greek" na uri ng templo na may mga prinsipyo ng Baroque ay nagbunga ng isang buong pangkat ng mga gusali sa mga gawa ni P. A. Trezzini at F. B. Rastrelli, na itinayo ayon sa mga utos ng empress mismo at mga tao mula sa kanyang bilog. Laban sa background na ito ng Orthodox Renaissance, ang pagiging dayuhan ng hindi natapos na Schwertfeger Cathedral ay naging mas malinaw. Ang radikalismo ng Petrine na may kaugnayan sa orihinal na mga simbolo ng Orthodox ay malinaw na hindi nakahanap ng suporta sa korte ni Elizabeth, na iginagalang mga tradisyong panrelihiyon. Gayunpaman, ang ideya ng ganap na pag-abandona sa Trinity Cathedral sa dati nitong anyo ay malamang na hindi agad nabuo. Ang pag-disassembly sa una ay itinuturing na isang sapilitang teknikal na panukala. May dahilan upang maniwala na pagkatapos ay binalak na muling itayo ang katedral sa parehong mga anyo, na may ilang mga menor de edad na susog. Kung hindi, mahirap ipaliwanag ang hitsura noong 1748 ng isang ukit ni G. Kachalov (batay sa isang guhit ni M. Makhaev) na may tanawin ng Alexander Nevsky Monastery, na kinomisyon ni Archimandrite Theodosius.
Tingnan ang Alexander Nevsky Monastery. Pagguhit ni M.I. Makhaeva. 1747
St. Alexander Nevsky (na may panorama ng Alexander Nevsky Monastery). icon mula sa 1740s OIRK GE
Ito ay medyo nakakagulat na makita ang isang direktang replika ng Trinity Cathedral sa mga order ng simbahan ni Empress Elizabeth mismo. Ang disenyo ng Church of the Resurrection of the Word para sa royal estate sa Pokrovsky-Rubtsov malapit sa Moscow ay nagsimula noong 1752.
Ang pagiging may-akda nito ay nauugnay sa F.-B Rastrelli, na gumanap ng iba pang mga gawa para sa tirahan na ito, at ang pagguhit mismo ay kabilang sa "mag-aaral ng arkitektura ng Opisina ng Hepe ng Pulisya" na si Vasily Zabolotsky.
Proyekto ng Church of the Resurrection of the Word sa nayon ng palasyo ng Pokrovskoye-Rubtsovo. Pagguhit ni V. Zabolotsky. 1752 GNIMA im. A.V. Shchuseva
Ang iminungkahing templo, kapwa sa pagpaplano at volumetric na disenyo nito, ay inuulit ang modelong Schwertfeger, sa pinaliit at pinasimpleng anyo lamang. Ang pambihira ng proyektong ito laban sa backdrop ng arkitektura ng templo ng Elizabethan ay maipaliwanag lamang ng isang pangyayari - ang paggalang ng anak na babae sa personalidad ng kanyang ama at, bilang kinahinatnan, ang mga simbolo na nauugnay sa kanya. Ang isa sa kanila, walang alinlangan, ay ang Trinity Cathedral ng Alexander Nevsky Monastery. Ang lahat ng ito ay nagpapatunay na ang nahatulang tao noong unang bahagi ng 1740s. Bukod dito, ang templo, na kung saan ay mariin na makabago sa arkitektura, ay nagpapanatili ng kaugnayan nito sa loob ng mahabang panahon. Ang kulto ng pagsamba sa unang emperador kahit na noon ay nagbigay ng istraktura, kakaiba para sa pang-unawa ng Ruso, isang pang-alaala na karakter. Gayunpaman, noong 1755 ang katedral ay nabuwag. Sa ilalim ni Elizabeth, ang usapin ay hindi kailanman nauwi sa isang pag-renew.
Bilang karagdagan sa mga halimbawang tinalakay, isang proyekto lamang ng isang simbahan na may dalawang kampana sa arkitektura ng Russia noong panahon ng pre-Catherine ang kilala. Ginawa ni P.A. Trezzini noong 1751 para sa metochion ng Trinity-Sergius Lavra sa St. Petersburg, hinangad niyang ikompromiso ang uri ng two-bell church, na nagmumula sa Roman church of Sant'Agnese ni C. Borromini, kasama ang Russian five -domed pangunahing dami.
Proyekto ng isang simbahan na may dalawang kampana para sa Fountain Metochion ng Trinity-Sergius Lavra sa St. Petersburg. Pagguhit ni P.A. Trezzini. 1751
Ito at, marahil, ang umiiral na iba pang mga plano na nasa labas ng pangunahing linya ng pagtatayo ng templo ng Russia at walang suporta sa mga makabuluhang pagkukusa ng ideolohiya ni Peter the Great, ay hindi nag-iwan ng alinman sa isang matatag na tradisyon sa arkitektura ng Russia, o kahit na ang mga natanto na monumento mismo. . Dapat ding tandaan na ang paghugpong ng two-tower typology sa gusali ng simbahang Orthodox, na dalawang beses na isinagawa sa mga katedral ng kabisera ni Peter mismo, ay nagkaroon lamang ng mahinang echo. Ang kawalan ng mga katulad na proyekto at mga gusali pagkatapos ng 1752 ay nagpapatunay sa halos kumpletong pagkawala ng temang ito ng arkitektura sa Russia. Gayunpaman, ang kapangyarihan ng awtoridad ng St. Alexander Nevsky at Peter the Great, pinarami ng mga ideyang pampulitika ni Empress Catherine II , ginawang posible na buhayin ang uri ng Orthodox two-bell church, muli sa pagkukunwari ng Trinity Cathedral ng monasteryo ng pangunahing kabisera. At ang ikatlong pagbabakuna na ito ay naging pinakamatagumpay.
Ang ideya ng pagkumpleto ng Alexander Nevsky Monastery ay dumating kay Catherine II na noong 1763. Sa simula ng 1764, ang rektor, si Arsobispo Gabriel, ay nagsumite ng isang tala para sa pinakamataas na pagsasaalang-alang "sa istraktura ng Alexander Nevsky Monastery, kung ano, sa opinyon ng obispo, ang dapat na itayo muli sa loob nito at kung ano ang dapat naitama mula sa dating istraktura para sa lakas at kaginhawahan para sa buhay. Inuna ni Gabriel ang tanong ng pagtatayo ng simbahang katedral. Ang pagbuo ng proyekto para sa bagong katedral ay ipinagkatiwala sa halos lahat ng mga pangunahing arkitekto ng St. Petersburg - J.-B Wallen-Delamot, Y. M. Felten, A. F. Wiest at iba pa. Sa kasamaang palad, ang mga guhit na ipinakita sa oras na iyon ay hindi alam, walang nakatanggap ng pag-apruba, at ang pagtatayo ng templo ay ipinagpaliban ng mahabang panahon. Anong uri ng katedral ang gustong makita ng empress ay nananatiling isang misteryo. Gayunpaman, ang isang detalye sa mga tuntunin ng order ay nagmumungkahi na ito ay kabilang sa two-bell typology. Ang gusali ay dapat na itayo sa mga lumang pundasyon (kasama ang kanilang pagpapalakas), iyon ay, upang ulitin ang mga sukat at istraktura ng nabuwag na templo ng Schwertfeger.
Ang muling paglikha ng katedral ay simbolikong nagpapahiwatig ng pagpapatuloy ng bagong pamahalaan sa mga inisyatiba ni Peter, na kalaunan ay ipinahayag sa makabuluhang tesis ni Catherine: "Ang sinimulan ay natapos na." Ang pagbabalik sa hitsura ng dambana ng kapital, na personal na inaprubahan ni Peter, laban sa background ng mabilis na pagbabawas ng pagtatayo ng Smolny Monastery (ang pangunahing proyekto ng simbahan ng nakaraang paghahari) ay maaari ding bigyang-kahulugan bilang isang pagsisi sa yumaong Elizabeth. , na sa ilalim niya ay para bang “nasira ang koneksyon ng mga panahon” at nagkaroon ng pagbabalik sa mga simulain bago ang Petrine. EkaterinaII dahil sa kanyang pinagmulan at pagpapalaki, sila ay dayuhan, at ang panahon ng Petrine (ipinahayag, bukod sa iba pang mga bagay, sa mga simbolo ng arkitektura) naging para sa kanya sa una ang pangunahing sanggunian sa kasaysayan ng Russia. Ang pagpapanumbalik noong 1760s ay makabuluhan. sa dating anyo nito, ang Peter and Paul Cathedral, na nasunog matapos tamaan ng kidlat noong 1756. Sa kabila ng pagkakaroon ng iba't ibang proyekto na nagpapanatili pangkalahatang komposisyon gusali, ngunit ginagawang moderno ang mga anyo ng arkitektura nito, ang hitsura ng katedral ay dinala nang mas malapit hangga't maaari sa orihinal. Alinsunod sa "pamana ng arkitektura" ng unang emperador ay namamalagi ang plano ni Catherine para sa Trinity Cathedral ng Alexander Nevsky Monastery. Noong kalagitnaan ng 1770s, nang magpasya silang ipatupad ito muli, ang konsepto ay pinayaman ng ilang mga bagong nauugnay na ideya na lumitaw sa loob ng balangkas ng tinatawag na. "Proyektong Greek"
Noong 1774, ang disenyo ng Trinity Cathedral ay ipinagkatiwala kay I.E. Starov, na kilala sa empress para sa kanyang trabaho sa mga ari-arian ng kanyang iligal na anak na si A.G. Bobrinsky. Pagkaraan ng dalawang taon, noong Pebrero 26, 1776, lubos na inaprubahan ang proyekto at pagtatantya, at pagkaraan ng dalawang taon ay taimtim na inilatag ang templo. Ang seremonya ay naganap noong Agosto 30, 1778, ang araw ng pagdiriwang ng paglipat ni Peter the Great ng mga labi ni Alexander Nevsky. Bilang karagdagan sa Empress, naroroon si Grand Duke Pavel Petrovich at ang kanyang asawa at isang malaking retinue. Ang bubong ng pavilion na itinayo para sa okasyon ay pinalamutian ng monogram ni Alexander Nevsky na may ningning at isang korona. Sa pundasyon ng templo, inilagay ng empress sa isang pilak na kabaong ang isang butil ng mga labi ng Apostol na si Andrew ang Unang Tinawag, ang makalangit na patron. Imperyong Ruso. Sa ilalim ng pamumuno ni Starov, isang kahoy na modelo ang ginawa, na naging posible na isipin ang hinaharap na gusali nang detalyado.
Tingnan ang Alexander Nevsky Lavra. May kulay na ukit ni I.A. Ivanova. Maagang ika-19 na siglo
Modelo ng Trinity Cathedral. NIMRAH
Ang katedral mismo ay halos itinayo noong 1786. Ang pagtatalaga nito ay naganap noong Agosto 30, 1790 sa presensya ni Catherine at ng buong pamilya ng imperyal.
Kapansin-pansin na ang Starov ay hindi napigilan ng pangangailangan na magkasya sa mga sukat ng nakaraang gusali ay nakatayo sa mga bagong pundasyon. Muli nitong pinatutunayan ang hindi nangangahulugang utilitarian na katangian ng pag-uulit ng istrukturang may dalawang tore. Ang Empress ay muling ginawa ang basilica na disenyo na may dalawang-kampanang balkonahe na nagmula kay Peter, na pinupuno ang imahe ng arkitektura ng bagong nilalaman. Ang direktang pagsunod sa mga utos ni Pedro ay pinagsama dito sa isang qualitatively bagong tunog ng Romanong tema.
Ang mga geopolitical na plano para sa pananakop ng Ottoman Empire at ang pagpapalaya ng mga mamamayang Orthodox Balkan ay may layunin na muling likhain ang Byzantium - ang pangalawang Roma. Malaking disenyo tumugon sa arkitektura ni Catherine na may ilang mga proyekto at mga gusali na makasagisag na nagpahayag ng bagong misyon ng korona ng Russia. Ang mga transparent na parunggit (hindi lamang semantiko, ngunit purong arkitektura), na nagpapahiwatig ng pagpapatuloy ng Russia mula sa ikalawang Roma - Constantinople (at higit pa - mula sa Sinaunang Hellas), nabuo ang batayan ng marahil ang pinaka-textbook ensemble ng "proyektong Griyego" - ang lungsod ng Sofia sa Tsarskoe Selo kasama ang katedral nito na may parehong pangalan. Ang St. Joseph's Cathedral sa Mogilev, ang bagong country residence ng Pell, ang Tsarskoye Selo baths kasama ang Cameron Gallery at iba pang mga plano ng Empress ay nagpapakita rin ng malapit na koneksyon sa ideological program na ito. Ang Trinity Cathedral ng Alexander Nevsky Monastery ay organikong isinama din dito, na ang imahe ay direktang umapela sa unang Roma, na nakatayo sa pinagmulan ng imperyal na ideya at European Christianity.
Ang mga asosasyon sa Roman Cathedral of St. Peter, na hindi direktang naroroon sa unang proyekto ng Schwertfeger, ay tumindi na ngayon. Ang Classicism, na may pag-asa sa pamana ng antiquity at ang Renaissance, ay nagbigay ng pagkakatulad ng higit na pagtitiyak - sa pangkalahatang domed silhouette, sa paggamit ng mga order at panloob na disenyo. Ito ay humantong sa isang kapansin-pansing pagbabago sa diin sa komposisyon ng gusali - ang pangingibabaw ng multi-tiered baroque bell tower ay pinalitan sa plano ni Starov sa pamamagitan ng primacy ng dome na may medyo mababang tower. Ang parunggit sa sikat na Romanong prototype ay kitang-kita dito, lalo na dahil sa St. Petersburg, na naghahangad ng papel ng kabisera ng napaliwanagan na Europa, ang tema ng isang monumental na simboryo na tumatakip sa lungsod ay hindi pa naipakita noon. Sa ganitong paraan, natalo siya hindi lamang sa "walang hanggang lungsod", kundi pati na rin sa iba pang mga kabisera - London kasama ang St. Paul's Cathedral nito, Paris kasama ang Cathedral of the Invalides, Vienna kasama ang Karlskirche. Ang domed basilica, na tumataas sa itaas ng Nevsky Monastery, na nag-aayos ng isang panorama ng complex mula sa ilog, muling binigyang-diin ang paglahok ng Russia sa proseso. kasaysayan ng Europa, kabilang ang arkitektura. Ang lungsod ay nakakuha ng isang iconic na simbolo, mahalaga para sa imperyal na ideolohiya at ang pagtatatag ng klasikal na istilo ng arkitektura. Ayon sa mga mananaliksik ng trabaho ni Starov, ang katedral ay "ang pinakamahalagang gusali ng relihiyon sa mga tuntunin ng monumentalidad sa kabisera at walang mga karibal hanggang sa pagtatayo ng Kazan Cathedral ni Voronikhin at St. Isaac's Cathedral ni Montferrand." Mahalaga na ang parehong simbahang binanggit dito ay makabuluhang nakabuo ng Romanong tema sa St. Petersburg, na sinimulan nang malinaw ng Trinity Lavra Cathedral.
Tingnan ang: T.P.Fedotova. Sa problema ng limang domes sa arkitektura ng Baroque ng unang kalahati ng ika-18 siglo // Russian Baroque Art. Mga materyales at pananaliksik. Ed. T.V. Alekseeva. M., 1977. P.70-87.
Sa pag-uutos sa pagtatanggal ng Trinity Cathedral, tinukoy ng Senado na "magtayo ng isang katedral na simbahan sa parehong lugar at ayon sa parehong plano at harapan ayon sa modelo, upang gumawa ng ulat sa Her Imperial Majesty mula sa Senado, at kapag ang natanggap ang utos, kung gayon ang buong halaga Kung may pangangailangan para sa gusaling iyon, pagkatapos ay magsumite ng isang ulat mula sa Opisina ng mga Gusali sa Senado, ayon sa kung saan ang pagpapalabas ng pera at ang pagpapasiya ay gagawin" (Holy Trinity Alexander Nevsky Lavra. Aklat 2. P. 86).
Ang isang order sa Academy of Sciences para sa paggawa ng isang ukit ay natanggap mula sa Arsobispo Theodosius noong Abril 1747. Una, si E. Grimmel ay nagsagawa ng isang guhit na naglalarawan sa katedral ayon sa disenyo ni D. Trezzini. Iniutos ni Theodosius na "magtayo ng isang katedral na simbahan ayon sa kasalukuyang istraktura." Noong Hulyo 1747, nagsagawa si M. Makhaev ng isang bagong bersyon na may tanawin ng Trinity Cathedral ni T. Schwertfeger. Batay dito, gumawa si G.A Kachalov ng isang ukit na naglalarawan sa St. noong 1748. Alexander Nevsky at ang kanyang kapatid na si Fyodor na may panorama ng Alexander Nevsky Monastery sa kanilang paanan. Tingnan ang: M.A. Alekseeva. Mikhailo Makhaev. Master ng landscape drawing noong ika-18 siglo. St. Petersburg, 2003. P.64-67.
A.G. Pobedinskaya. Mga tampok ng Baroque sa pagpipinta ng icon ng Russia noong ika-18-19 na siglo (batay sa mga materyales mula sa koleksyon ng OIRK) // Russian Baroque Art. Mga bagong materyales at pananaliksik. Digest ng mga artikulo. St. Petersburg, 1998. pp. 111-126. Mga arkitekto ng Moscow mula sa panahon ng Baroque at Classicism. (1700-1820s). Comp. A.V. Krasheninnikov. M., 2004. P. 95.
Sa timog na kalasag, na inatasan ni Elizabeth Petrovna, mayroong isang dambana ng St. Si Alexander Nevsky ay mayroong isang inskripsiyon: "Ang pinakamakapangyarihang Elizabeth, isang tagatulad ng paternal veneration para sa mga santo, masigasig para sa kanya sa kabanalan, deigned na itayo ang dambanang ito na pinalamutian ng tapang at kabanalan ng kanyang mga gawa mula sa pilak na unang nakuha sa ilalim ng kanyang pinagpalang kapangyarihan. sa tag-araw ng 1750” (Holy Trinity Alexander Nevsky Lavra. Book 2. P. 195.
Mga paunang pagpapalagay na ito ay mga opsyon sa proyekto Simbahang Katoliko sa Nevsky Prospekt, pinabulaanan sa aklat: A.N. S.I. Chevakinsky at St. Petersburg na arkitektura ng kalagitnaan ng ika-18 siglo // arkitektura ng Russia noong unang kalahati ng ika-18 siglo. Pananaliksik at materyales. Sa pamamagitan ng ed. I.E. M., 1954. P.362-363; G.I.Vzdornov. Ang arkitekto na si Pietro Antonio Trezzini at ang kanyang mga gusali // sining ng Russia noong ika-18 siglo. Mga materyales at pananaliksik. Ed. T.V. Alekseeva. M., 1968. P.81-82.
Ang bell tower ng katedral ay nasira ng isang bagyo noong Abril 30, 1756. Hanggang sa pagkamatay ni Elizabeth Petrovna, ang pagpapanumbalik ng katedral ay hindi nagsimula. Noong 1765, inutusan ni Catherine II ang katedral na muling itayo alinsunod sa bagong proyekto. Iniharap nina Chevakinsky, Wallen-Delamot, Rinaldi, Felten, Volkov, at Wiest ang kanilang mga panukala. Gayunpaman, wala sa mga proyekto ang naaprubahan, at noong Agosto 21, 1766, iniutos ng empress na ibalik ang kampanilya "katulad ng dati." Natapos ang gawain noong 1780. Tingnan: E.N. Pagpapanumbalik ng Peter and Paul Cathedral pagkatapos ng sunog noong 1756 // Mga tala ng lokal na kasaysayan. Pananaliksik at materyales. Isyu 2... P.87-112.
Tingnan ang: D.O. Shvidkovsky. Arkitektura at pulitika sa panahon ni Catherine II // Arkitektura sa kasaysayan ng kulturang Ruso. Isyu 3. Ninanais at aktuwal. M., 2001. P.99-108; E.I. "Greek na proyekto" ni Catherine II sa espasyo ng arkitektura ng Imperyo ng Russia // ika-18 siglo - pagpupulong ng sining... P.244-260; E.I. Kirichenko. Ang proyektong Greek ni Catherine II sa espasyo ng mga kabisera ng Russia at ang kanilang mga kapaligiran // Arkitektura sa kasaysayan ng kulturang Ruso. Isyu 3. Ninanais at aktuwal. P.109-123.
Sa artikulong ito ay pag-uusapan ko ang tungkol sa mga obra maestra ng dayuhang arkitektura ng ika-18 siglo.
Marahil alam mo ang mga pangalan ng mga kahanga-hangang masters tulad ng V.I Bazhenov, M.F. Kokorinov , A.F. Kokorinov ay isang kayamanan ng arkitektura ng mundo Ngunit sa artikulong ito nais kong pag-usapan ang mga obra maestra ng dayuhang arkitektura ng ika-18 siglo.
Ang ika-18 siglo ay ang siglo ng Enlightenment, ang siglo ng Voltaire at D. Diderot, J.-J Rousseau at C. Montesquieu Noong ika-18 siglo, lumitaw ang dalawang ganap na bagong istilo - Rococo at Baroque sa France, sa maagang XVIII Isinalin mula sa French, ang Rococo ay nangangahulugang "BATO" o "SHELL." Kasama sa mga katangian ng Rococo ang pagiging sopistikado, isang malaking bilang ng iba't ibang mga palamuti, pag-alis sa totoong mundo, paglubog sa pantasya, at isang tendensyang maglarawan ng mga paksang mitolohiya.
Ang ITALY ay itinuturing na lugar ng kapanganakan ng istilong BAROQUE huli XVII ang simula ng ika-18 na siglo na isinalin mula sa Italyano, ang ibig sabihin ng Baroque ay "KAKAIBANG", "Mga TATAK". klasisismo at rasyonalismo.
Ang pinakamalaking arkitekto ng ika-18 siglo ay itinuturing na A. Rinaldi, C. I. Rossi, B. F. Rastrelli, D. Trezzini.
ITALIAN at ENGLISH ARCHITECTURE noong ika-18 siglo.
Ang Baroque ay lumitaw sa Italya pagkatapos ng Renaissance na Italian Baroque ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagkalikido ng mga kumplikadong anyo, isang kasaganaan ng mga eskultura sa mga facade ng mga gusali, at ang pagiging kumplikado ng mga anyo ng simboryo ay nanaig lamang sa kalagitnaan ng ika-18 siglo , ang kakaibang istilo na ito ay napalitan ng mas makatwirang KLASISISMO Ang pinakamalaking Italian na si F. Yuvara ay itinuturing na isang arkitekto at kinatawan ng yumaong Baroque Sa Lisbon, itinayo ni F. Yuvara ang Palasyo ng Ajuda. Ang isa pang Italyano na arkitekto na si L. Vanvitelli ay lumikha ng sikat na palasyo sa Caserta . Ang istilo ng fountain ay Baroque.
Sa Inglatera, ang Baroque ay hindi naging kasing laki ng sa Italya Ang mga pangunahing tauhan ng arkitektura ng Baroque sa Inglatera ay sina J. Vanbrugh at N. Hawksmoor Ang pangunahing proyekto ng J. Vanbrugh-Seaton Delaval, at ang pinakatuktok ng pagkamalikhain ni N. Hawksmoor. ang Spitalfields Church of Christ.
ARKITEKTURA NG PRANSES at PORTUGUESE NOONG 18TH CENTURY.
Ang estilo ng Rococo ay lumitaw sa France sa panahon ng Philippe d'Orléans Ngunit ang pinakadakilang pamumulaklak ng Rococo ay dumating sa panahon ng paghahari ni Haring Louis XV Ang mga pinakakilalang arkitekto noong panahong iyon ay sina J. A. Gabriel at J. J. Soufflot Ang Unang Royal Architect na si Gabriel ay itinuturing na Square Concorde sa Paris Ang parehong parisukat ay pinangalanan sa Louis XV na nagtayo ng Lyon Opera, ang Parisian Pantheon at ang treasury ng Notre Dame Cathedral Rococo Hotel Soubise sa Paris Ang interior ng hotel ay nilikha ng arkitekto na si J. Boffrand noong 1704-1705 Noong 1780s. Ang KLASISISISMO ay naging laganap sa France Sa kalagitnaan ng ika-18 siglo, sinakop ng teatro ang Paris sa pagitan ng 1779-1782. Sa Paris, ang teatro ng ODEON ay itinayo ayon sa disenyo ng mga arkitekto na sina C. de Wailly at M.-J.
Sa Portugal, lumitaw ang Rococo noong mga 1726. Ang isa sa pinakamahalagang gusali sa istilong Rococo ng Portuges ay ang Palasyo ng Queluz, ang tinatawag na “Portuguese Versailles.” Ang gusali ng Lisbon Theater ng São Carlos ay itinayo noong 1793. Noong 1750 , natapos ang pagtatayo ng Necessidades Palace.
GERMAN at ASTRIAN ARCHITECTURE NOONG 18TH CENTURY.
Ang Baroque sa arkitektura ng Aleman ay nagsimulang umunlad pagkalipas ng isang daang taon kaysa sa Italya at Pransya Mula noong 1725, ang arkitekto ng Pranses na si F. Cuvillier ay nagtrabaho sa istilo ng isang namumulaklak, malago at malago na Rococo sa Nymphenburg Ang pinakamalaking arkitekto sa Germany , kinatawan ng Baroque at Rococo I.B. Neumann ay lumikha ng mga obra maestra tulad ng Basilica sa Gosweinstein, ang palasyo ng paninirahan sa Wurzburg, ang Simbahang Katoliko sa Gaibach Ang nagtatag ng Dresden Baroque M.D. Peppelman -1722. Zwinger Palace (“Citadel”) Master ng Rococo interiors, German arkitekto XVIII siglo, itinayo ni G. Knobelsdorff ang gusali ng opera house sa Berlin (1750) Ngunit ang kanyang pangunahing nilikha ay ang isang palapag na Sans Souci Palace (palasyo ng Prussian king Frederick II the Great) sa maharlikang hardin ng Potsdam (1745-). 1747)
Ang Austrian na arkitekto na si I. B. Fischer von Erlach, ang nagtatag ng Habsburg Baroque, ay nagtrabaho para sa dalawang bansa: Ang mga kilalang proyekto ni Fischer ay ang Schönbrunn Palace, ang Catholic Church of Karlskirche at ang Winter Palace ni Eugene ng Savoy ang Austrian architect I. L. von Hildebrandt , na nagtrabaho sa Vienna at Salzburg Ang kanyang mga pangunahing gusali ay Mirabell Castle, Belvedere Palace, Vienna Palace of Eugene ng Savoy.
Ang kultura at sining ng daigdig ay maganda at may iba't ibang aspeto. Palagi silang nabighani at namamangha, na may parehong puwersa at sa lahat ng oras, maging ito noong unang panahon o pop art.
Tatiana Ponka
Arkitektura. Ang nangungunang direksyon sa arkitektura ng ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. Nagkaroon ng klasisismo, na kung saan ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang apela sa mga imahe at anyo ng sinaunang arkitektura (ang sistema ng pagkakasunud-sunod na may mga haligi) bilang isang perpektong pamantayan ng aesthetic.
Isang makabuluhang kaganapan sa arkitektura noong 60-80s. ay ang disenyo ng Neva embankments. Isa sa mga atraksyon ng St. Petersburg ay ang Summer Garden. Noong 1771 - 1786 Ang hardin ng tag-araw mula sa gilid ng pilapil ng Neva ay nabakuran ng isang sala-sala, ang may-akda nito ay si Yu.M. Felten (1730–1801) at ang kanyang katulong na si P. Egorov. Ang sala-sala ng Summer Garden ay ginawa sa istilo ng klasisismo: ang patayo ay nangingibabaw dito: ang mga patayong nakatayo na mga taluktok ay nagsalubong sa mga hugis-parihaba na kuwadro, ang pantay na ipinamahagi na malalaking pylon ay sumusuporta sa mga frame na ito, na binibigyang-diin sa kanilang ritmo ang pangkalahatang pakiramdam ng kamahalan at kapayapaan. Noong 1780-1789 dinisenyo ng arkitekto A.A. Kvasov, granite embankments at descents at approach sa ilog ay binuo.
Tulad ng maraming kontemporaryo, si Yu.M. Kasangkot si Felten sa pag-remodel ng mga interior ng Great Peterhof Palace (White Dining Room, Throne Room). Bilang karangalan sa maluwalhating tagumpay ng armada ng Russia laban sa Turkish sa Chesma Bay noong 1770, ang isa sa mga bulwagan ng Great Peterhof Palace ay si Yu.M. Na-convert ito ni Felten sa Chesme Hall. Ang pangunahing palamuti ng bulwagan ay 12 canvases na isinagawa noong 1771–1772. ng pintor ng Aleman na si F. Hackert, na nakatuon sa mga laban ng armada ng Russia kasama ang Turkish. Bilang parangal sa Labanan ng Chesma Yu.M. Itinayo ni Felten ang Chesme Palace (1774-1777) at ang Chesme Church (1777-1780) 7 versts mula sa St. Petersburg sa daan patungo sa Tsarskoe Selo. Ang palasyo at simbahan, na itinayo sa istilong Gothic, ay lumikha ng isang solong grupo ng arkitektura.
Ang pinakadakilang master ng Russian classicism ay si V. I. Bazhenov (1737/38–1799). Lumaki siya sa Moscow Kremlin, kung saan ang kanyang ama ay isang sexton ng isa sa mga simbahan, at nag-aral sa gymnasium sa Moscow University. Ang pagtapos mula sa Academy of Arts noong 1760, V.I. Nagpunta si Bazhenov bilang isang pensiyonado sa France at Italy. Nakatira siya sa ibang bansa, nasiyahan siya sa katanyagan kaya nahalal siyang propesor sa Roman Academies at miyembro ng Florence at Bologna Academies. Noong 1762, sa pagbabalik sa Russia, natanggap niya ang pamagat ng akademiko. Ngunit sa Russia malikhaing tadhana trahedya ang buhay ng arkitekto.
Sa panahong ito, inisip ni Catherine ang pagtatayo ng Grand Kremlin Palace sa Kremlin, at V.I. Si Bazhenov ay hinirang na punong arkitekto nito. Project V.I. Ang ibig sabihin ng Bazhenov ay ang muling pagtatayo ng buong Kremlin. Ito ay, sa esensya, isang proyekto para sa isang bagong sentro ng Moscow. Kasama rito ang palasyo ng hari, ang Collegium, ang Arsenal, ang Teatro, at isang parisukat na dinisenyo tulad ng isang sinaunang forum, na may mga stand para sa mga pampublikong pagpupulong. Ang Kremlin mismo, salamat sa katotohanan na nagpasya si Bazhenov na ipagpatuloy ang tatlong kalye na may mga daanan sa teritoryo ng palasyo, ay konektado sa mga lansangan ng Moscow. Para sa 7 taon V.I. Bumubuo si Bazhenov ng mga proyekto, naghahanda para sa pagtatayo, ngunit noong 1775 iniutos ni Catherine na ang lahat ng trabaho ay bawasan (opisyal - dahil sa kakulangan ng pondo, hindi opisyal - dahil sa negatibong saloobin ng publiko sa proyekto).
Lumipas ang ilang buwan, at ang V.I. Si Bazhenov ay ipinagkatiwala sa paglikha ng isang palasyo at park complex ng mga gusali sa nayon ng Chernaya Gryaz (Tsaritsyno) malapit sa Moscow, kung saan nagpasya si Catherine II na magtayo ng kanyang tirahan sa bansa. Pagkalipas ng sampung taon, natapos ang lahat ng pangunahing gawain. Noong Hunyo 1785, dumating si Catherine sa Moscow at siniyasat ang mga gusali ni Tsaritsyn, pagkatapos noong Enero 1786 ay naglabas siya ng isang utos: ang palasyo at lahat ng mga gusali ay dapat gibain, at ang V.I. Dapat tanggalin si Bazhenov nang walang bayad o pensiyon. "Ito ay isang bilangguan, hindi isang palasyo," ang konklusyon ng empress. Ang alamat ay nag-uugnay sa demolisyon ng palasyo sa nakapanlulumong hitsura nito. Ipinagkatiwala ni Catherine ang pagtatayo ng bagong palasyo kay M.F. Kazakov. Ngunit hindi rin natapos ang palasyong ito.
Noong 1784-1786. SA AT. Nagtayo si Bazhenov ng isang estate para sa mayamang may-ari ng lupa na si Pashkov, na kilala bilang bahay ng P.E. Pashkova. Ang Pashkov House ay matatagpuan sa dalisdis ng isang mataas na burol, sa tapat ng Kremlin, sa tagpuan ng Neglinka sa Moscow River at isang obra maestra ng arkitektura ng Classical na panahon. Ang ari-arian ay binubuo ng isang gusaling tirahan, isang arena, mga kuwadra, serbisyo at mga gusali at isang simbahan. Ang gusali ay nakikilala sa pamamagitan ng antigong kalubhaan at solemnidad na may puro Moscow patterning.
Ang isa pang mahuhusay na arkitekto ng Russia na nagtrabaho sa istilo ng klasiko ay si M. F. Kazakov (1738–1812). Si Kazakov ay hindi isang pensiyonado at nag-aral ng mga sinaunang monumento at Renaissance mula sa mga guhit at modelo. Malaking paaralan para sa kanya mayroong magkasanib na trabaho kasama si Bazhenov, na nag-imbita sa kanya, sa proyekto ng Kremlin Palace. Noong 1776, ipinagkatiwala ni Catherine ang M.F. Si Kazakov ay gumuhit ng isang proyekto para sa isang gusali ng gobyerno sa Kremlin - ang Senado. Ang lugar na inilaan para sa gusali ng Senado ay isang hindi maginhawang pahaba na tatsulok na hugis, na napapalibutan sa lahat ng panig ng mga lumang gusali. Kaya ang gusali ng Senado ay nakatanggap ng isang pangkalahatang triangular na plano. Ang gusali ay may tatlong palapag at gawa sa ladrilyo. Ang sentro ng komposisyon ay looban, kung saan mayroong isang entrance-arch na may simboryo. Nang makapasa sa may arko na pasukan, ang pumasok ay natagpuan ang kanyang sarili sa harap ng isang maringal na rotunda, na nakoronahan ng isang makapangyarihang simboryo. Ang Senado ay dapat maupo sa maliwanag na bilog na gusaling ito. Ang mga sulok ng tatsulok na gusali ay pinutol. Dahil dito, ang gusali ay hindi nakikita bilang isang patag na tatsulok, ngunit bilang isang solidong napakalaking dami.
M.F. Ang Kazakov ay nagmamay-ari din ng gusali ng Noble Assembly (1784-1787). Ang kakaiba ng gusaling ito ay nasa gitna ng gusali ang inilagay ng arkitekto Hall of Colums, at sa paligid nito ay maraming sala at bulwagan. Ang gitnang espasyo ng Hall of Columns, na nilayon para sa mga seremonya, ay na-highlight ng isang Corinthian colonnade, at ang estado ng kasiyahan ay pinahusay ng kislap ng maraming chandelier at ang iluminado na kisame. Pagkatapos ng rebolusyon, ang gusali ay ibinigay sa mga unyon ng manggagawa at pinalitan ng pangalan ang House of Unions. Simula sa libing ni V.I. Lenin, ang Column Hall ng House of Unions ay ginamit bilang isang silid ng pagluluksa para sa pamamaalam sa mga estadista at tanyag na tao. Sa kasalukuyan, ang mga pampublikong pagpupulong at konsiyerto ay ginaganap sa Hall of Columns.
Ang ikatlong pinakamalaking arkitekto ng ikalawang kalahati ng ika-18 siglo ay si I. E. Starov (1744–1808). Nag-aral muna siya sa gymnasium sa Moscow University, pagkatapos ay sa Academy of Arts. Ang pinakamahalagang gusali ng Starov ay ang Tauride Palace (1782-1789) - isang malaking estate ng lungsod ng G.A. Potemkin, na nakatanggap ng pamagat na Tauride para sa pagpapaunlad ng Crimea. Ang batayan ng komposisyon ng palasyo ay isang hall-gallery, na naghahati sa buong complex ng mga interior sa dalawang bahagi. Mula sa harap na pasukan ay may isang serye ng mga silid na katabi ng octagonal domed hall. Sa kabilang panig ay may malaking hardin ng taglamig. Ang labas ng gusali ay napakahinhin, ngunit itinatago nito ang nakasisilaw na karangyaan ng mga interior.
Mula noong 1780, ang Italian Giacomo Quarenghi (1744–1817) ay nagtatrabaho sa St. Petersburg. Ang kanyang karera sa Russia ay napaka-matagumpay. Ang mga likhang arkitektura sa Russia ay kumakatawan sa isang napakatalino na kumbinasyon ng mga tradisyon ng arkitektura ng Russia at Italyano. Ang kanyang kontribusyon sa arkitektura ng Russia ay na siya, kasama ang Scotsman na si Charles Cameron, ay nagtakda ng mga pamantayan para sa arkitektura ng St. Petersburg noong panahong iyon. Ang obra maestra ni Quarenghi ay ang gusali ng Academy of Sciences, na itinayo noong 1783-1789. Ang pangunahing sentro ay naka-highlight sa pamamagitan ng isang walong hanay na Ionic portico, ang ningning nito ay pinahusay ng isang tipikal na balkonahe ng St. Petersburg na may hagdanan na may dalawang "mga shoots". Noong 1792-1796. Itinayo ni Quarenghi ang Alexander Palace sa Tsarskoe Selo, na naging susunod niyang obra maestra. Sa Alexander Palace, ang pangunahing motif ay ang makapangyarihang colonnade ng Corinthian order. Ang isa sa mga kahanga-hangang gusali ng Quarenghi ay ang gusali ng Smolny Institute (1806–1808), na may malinaw, makatuwirang layout alinsunod sa mga kinakailangan ng institusyong pang-edukasyon. Ang plano nito ay tipikal ng Quarenghi: ang gitna ng harapan ay pinalamutian ng isang maringal na walong haligi na portico, ang harap na patyo ay limitado ng mga pakpak ng gusali at isang bakod.
Sa pagtatapos ng dekada 70, dumating sa Russia ang arkitekto na si Charles Cameron (1743–1812), isang Scot. Dinala sa European classicism, naramdaman niya ang lahat ng pagka-orihinal ng arkitektura ng Russia at umibig dito. Ang talento ni Cameron ay nahayag pangunahin sa mga katangi-tanging palasyo at park country ensembles.
Noong 1777, ang anak ni Catherine na si Pavel Petrovich ay nagsilang ng isang anak na lalaki - ang hinaharap na Emperador Alexander I. Ang nalulugod na Empress ay nagbigay kay Pavel Petrovich ng 362 ektarya ng lupa sa tabi ng Slavyanka River - ang hinaharap na Pavlovsk. Noong 1780, sinimulan ni Charles Cameron ang paglikha ng ensemble ng palasyo at parke ng Pavlovsk. Ang mga natitirang arkitekto, eskultor, at artista ay nakibahagi sa pagtatayo ng mga istruktura ng parke, palasyo at parke, ngunit ang unang yugto ng pagbuo ng parke sa ilalim ng pamumuno ni Cameron ay napakahalaga. Inilatag ni Cameron ang pundasyon ng pinakamalaki at pinakamahusay na landscape park sa Europe sa istilong Ingles noon - isang parke na mariing natural at naka-landscape. Pagkatapos ng maingat na pagsukat, inilatag nila ang mga pangunahing arterya ng mga kalsada, eskinita, daanan, at mga inilalaang lugar para sa mga grove at clearing. Ang mga kaakit-akit at maaliwalas na sulok ay magkakasamang nabubuhay dito kasama ang maliliit, magaan na gusali na hindi nakakagambala sa pagkakaisa ng grupo. Ang tunay na perlas ng gawa ni Charles Cameron ay ang Pavlovsk Palace, na itinayo sa isang mataas na burol. Kasunod ng mga tradisyong Ruso, nagawa ng arkitekto na "magkasya" ang mga istruktura ng arkitektura sa kaakit-akit na lugar, na pinagsasama ang gawa ng tao na kagandahan na may natural na ningning. Ang Palasyo ng Pavlovsk ay walang pagpapanggap;
Ang huling arkitekto ng ika-18 siglo. Si V. Brenna (1747–1818) ay nararapat na itinuturing na paboritong arkitekto nina Pavel at Maria Feodorovna. Matapos umakyat sa trono noong 1796, inalis ni Paul I si Charles Cameron mula sa posisyon ng punong arkitekto ng Pavlovsk at hinirang si V. Brenna sa kanyang lugar. Mula ngayon, pinamamahalaan ni Brenna ang lahat ng mga gusali sa Pavlovsk at nakikilahok sa lahat ng mahahalagang gusali noong panahon ni Pavlovsk.
Ipinagkatiwala ni Paul I kay Brenna ang pamamahala ng trabaho sa kanyang pangalawang tirahan sa bansa, ang Gatchina. Ang Brenna's Gatchina Palace ay may katamtaman, kahit ascetic na Spartan na hitsura, ngunit ang panloob na dekorasyon ay marilag at maluho. Kasabay nito, nagsimula ang trabaho sa Gatchina Park. Sa baybayin ng mga lawa at isla mayroong isang malaking bilang ng mga pavilion na mukhang napakasimple mula sa labas, ngunit ang kanilang mga interior ay kahanga-hanga: ang Venus Pavilion, ang Birch House (na mukhang isang log ng birch firewood), Porta Masca at ang Pavilion ng Magsasaka.
Paul I nagpasya na bumuo ng isang palasyo sa St. Petersburg sa kanyang sariling panlasa - sa diwa ng militar aesthetics. Ang proyekto ng palasyo ay binuo ni V.I. Bazhenov, ngunit dahil sa kanyang kamatayan, ipinagkatiwala ni Paul I ang pagtatayo ng palasyo kay V. Brenna. Palaging gustong manirahan ni Pavel kung saan siya ipinanganak. Noong 1797, sa Fontanka, sa site ng Summer Palace ni Elizabeth Petrovna (kung saan ipinanganak si Pavel), naganap ang pundasyong bato ng isang palasyo bilang parangal kay Arkanghel Michael, ang patron ng makalangit na hukbo, naganap - ang Mikhailovsky Castle. Ang St. Michael's Castle ay naging pinakamahusay na nilikha ni Brenna, na binigyan niya ng hitsura ng isang kuta. Ang hitsura ng kastilyo ay isang quadrangle na napapalibutan ng isang batong pader, na may mga kanal na hinukay sa magkabilang panig sa paligid ng palasyo. Posibleng makapasok sa palasyo sa pamamagitan ng mga drawbridge na inilagay sa iba't ibang lugar sa paligid ng palasyo. Sa una, ang labas ng kastilyo ay puno ng mga dekorasyon: mayroon mga estatwa ng marmol, mga plorera, mga figure. Ang palasyo ay may malawak na hardin at parade ground, kung saan ginaganap ang mga parada at parada sa anumang panahon. Ngunit pinamamahalaang lamang ni Pavel na manirahan sa kanyang minamahal na kastilyo sa loob ng 40 araw. Noong gabi ng Marso 11-12, siya ay sinakal. Matapos ang pagkamatay ni Paul I, ang lahat ng nagbigay sa palasyo ng katangian ng isang kuta ay nawasak. Ang lahat ng mga estatwa ay inilipat sa Winter Palace, ang mga kanal ay napuno ng lupa. Noong 1819, ang inabandunang kastilyo ay inilipat sa Main Engineering School, at ang pangalawang pangalan nito ay lumitaw - Engineering Castle.
Paglililok. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. nagsisimula ang tunay na pag-usbong ng iskulturang Ruso, na nauugnay, una sa lahat, sa pangalan ni F. I. Shubin (1740–1805), kababayan M.V. Lomonosov. Nagtapos mula sa Academy na may malaking gintong medalya, nagpunta si Shubin sa isang paglalakbay sa pagreretiro, una sa Paris (1767-1770), at pagkatapos ay sa Roma (1770-1772). Sa ibang bansa noong 1771, nilikha ni Shubin ang isang bust ni Catherine II, hindi mula sa buhay, kung saan, sa pagbalik sa kanyang tinubuang-bayan noong 1774, natanggap niya ang pamagat ng akademiko.
Ang unang gawa ni F.I. Shubin pagkatapos ng kanyang pagbabalik - bust of A.M. Si Golitsyn (1773, Russian Museum) ay isa sa pinakamatalino na gawa ng master. Sa hitsura ng isang edukadong maharlika, mababasa ng isang tao ang katalinuhan, awtoridad, pagmamataas, ngunit kasabay nito ang pagpapakumbaba at ugali ng maingat na "paglangoy" sa mga alon ng pabagu-bagong kapalaran sa politika. Sa imahe ng sikat na kumander na si A. Rumyantsev-Zadunaisky, sa likod ng ganap na hindi kabayanihan na hitsura ng isang bilog na mukha na may nakakatawang nakataas na ilong, ang mga tampok ng isang malakas at makabuluhang personalidad ay inihatid (1778, State. Museo ng Sining, Minsk).
Sa paglipas ng panahon, nawawala ang interes kay Shubin. Isinagawa nang walang pagpapaganda, ang kanyang mga larawan ay paunti-unting nagustuhan ng mga customer. Noong 1792, mula sa memorya, lumikha si Shubin ng bust ng M.V. Lomonosov (Museo ng Estado ng Russia, Academy of Sciences). Sa katauhan ng dakilang siyentipikong Ruso ay walang katigasan, o marangal na pagmamataas, o labis na pagmamataas. Ang isang bahagyang mapanuksong tao ay tumitingin sa amin, matalino na may makamundong karanasan, na namuhay nang maliwanag at kumplikado. Kasiglahan ng isip, espirituwalidad, maharlika, sa parehong oras - kalungkutan, pagkabigo, kahit na pag-aalinlangan - ito ang mga pangunahing katangian na likas sa mahusay na siyentipikong Ruso, na si F.I. Alam na alam ni Shubin.
Isang obra maestra ng portrait art ni F.I. Si Shubin ay isang bust ni Paul I (1798, State Russian Museum; 1800, Tretyakov Gallery). Nagawa ng eskultor na ihatid ang lahat ng pagiging kumplikado ng imahe: pagmamataas, lamig, sakit, lihim, ngunit sa parehong oras, ang pagdurusa ng isang tao na, mula sa pagkabata, ay nakaranas ng lahat ng kalupitan ng isang nakoronahan na ina. Paul Nagustuhan ko ang trabaho. Ngunit halos wala nang mga order. Noong 1801, nasunog ang bahay ng F.I. Shubin at isang workshop na may mga gawa. Noong 1805, ang iskultor ay namatay sa kahirapan, ang kanyang kamatayan ay hindi napansin.
Kasabay nito, ang Pranses na iskultor na si E.-M. Falconet (1716-1791; sa Russia - mula 1766 hanggang 1778). Nagtrabaho si Falconet sa korte ng hari ng Pransya na si Louis XV, pagkatapos ay sa Paris Academy. Sa kanyang mga gawa, sinunod ni Falcone ang rococo fashion na nanaig sa korte. Isang tunay na obra maestra naging kanyang akda na "Winter" (1771). Ang imahe ng isang nakaupo na batang babae, na nagpapakilala sa taglamig at tinatakpan ang mga bulaklak sa kanyang mga paa na may maayos na pagbagsak ng mga fold ng kanyang damit, tulad ng isang snow cover, ay puno ng tahimik na kalungkutan.
Ngunit palaging pinangarap ni Falcone na lumikha ng isang monumental na gawain, at natupad niya ang pangarap na ito sa Russia. Sa payo ni Diderot, inatasan ni Catherine ang iskultor na lumikha ng isang monumento ng equestrian kay Peter I. Noong 1766, dumating si Falconet sa St. Petersburg at nagsimulang magtrabaho. Inilarawan niya si Peter I na nakasakay sa isang rearing horse. Ang ulo ng emperador ay nakoronahan ng isang laurel wreath - isang simbolo ng kanyang kaluwalhatian at mga tagumpay. Ang kamay ng Tsar, na tumuturo sa Neva, ang Academy of Sciences at ang Peter at Paul Fortress, ay simbolikong nagsasaad ng mga pangunahing layunin ng kanyang paghahari: edukasyon, kalakalan at kapangyarihang militar. Ang iskultura ay tumataas sa isang pedestal sa anyo ng isang granite na bato na tumitimbang ng 275 tonelada. Ang pagbubukas ng monumento ay naganap noong 1782, nang wala na si Falcone sa Russia. Apat na taon bago ang pagbubukas ng monumento sa E.-M. Si Falcone ay nagkaroon ng mga hindi pagkakasundo sa empress, at ang iskultor ay umalis sa Russia.
Sa gawain ng kahanga-hangang iskultor ng Russia na si M.I. Pinagsasama ng Kozlovsky (1753 -1802) ang mga tampok ng Baroque at Classicism. Isa rin siyang pensiyonado sa Rome, Paris. Noong kalagitnaan ng 90s, sa pagbabalik sa kanyang tinubuang-bayan, nagsimula ang pinakamabungang panahon sa gawain ni Kozlovsky. Ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa ay mula pa noong unang panahon. Mula sa kanyang mga gawa ang mga batang diyos, kupido, at magagandang pastol ay dumating sa iskultura ng Russia. Ito ang kanyang "Shepherdess with a Hare" (1789, Pavlovsk Palace Museum), "Sleeping Cupid" (1792, State Russian Museum), "Cupid with an Arrow" (1797, Tretyakov Gallery). Sa estatwa na "The Vigil of Alexander the Great" (ikalawang kalahati ng 80s, Russian Museum), nakuha ng iskultor ang isa sa mga yugto ng pagsasanay ng kalooban ng hinaharap na kumander. Ang pinakamahalaga at pinakamalaking gawain ng artist ay ang monumento sa mahusay na kumander ng Russia na si A.V. Suvorov (1799-1801, St. Petersburg). Ang monumento ay walang direktang pagkakahawig sa larawan. Ito ay sa halip ay isang pangkalahatang imahe ng isang mandirigma, isang bayani, na ang kasuutan ng militar ay pinagsasama ang mga elemento ng mga sandata ng isang sinaunang Romano at isang medieval na kabalyero. Ang enerhiya, katapangan, maharlika ay nagmumula sa buong anyo ng komandante, mula sa kanyang mapagmataas na pagbaling ng kanyang ulo, ang matikas na kilos kung saan itinaas niya ang kanyang espada. Isa pang natitirang gawain ng M.I. Si Kozlovsky ay naging estatwa na "Pinaghiwalay ni Samson ang bibig ng isang leon" - sa gitna ng Great Cascade ng Peterhof fountains (1800-1802). Ang estatwa ay nakatuon sa tagumpay ng Russia laban sa Sweden sa Northern War. Ipinakilala ni Samson ang Russia, at ang leon na kumakatawan sa bagsak ng Sweden. Ang makapangyarihang pigura ni Samson ay ibinigay ng artista sa isang kumplikadong pagliko, sa tense na paggalaw.
Sa panahon ng Great Patriotic War, ang monumento ay ninakaw ng mga Nazi. Noong 1947, ang iskultor na si V.L. Nilikha ito muli ni Simonov batay sa mga nakaligtas na dokumentong photographic.
Pagpipinta. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. Lumilitaw ang isang makasaysayang genre sa pagpipinta ng Russia. Ang hitsura nito ay nauugnay sa pangalang A.P. Losenko. Nagtapos siya sa Academy of Arts, pagkatapos ay ipinadala sa Paris bilang isang pensiyonado. A.P. Pag-aari ni Losenko ang unang gawain mula sa kasaysayan ng Russia - "Vladimir at Rogneda". Sa loob nito, pinili ng artist ang sandali kung kailan Prinsipe ng Novgorod Si Vladimir ay "humihingi ng kapatawaran" mula kay Rogneda, ang anak na babae ng prinsipe ng Polotsk, na ang lupain ay inatake niya ng apoy at tabak, pinatay ang kanyang ama at mga kapatid, at puwersahang kinuha siya bilang kanyang asawa. Si Rogneda ay nagdurusa sa dula-dulaan, itinaas ang kanyang mga mata; Theatrical din si Vladimir. Ngunit ang mismong apela sa kasaysayan ng Russia ay napaka katangian ng panahon ng mataas na pambansang paglago sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo.
Ang mga makasaysayang tema sa pagpipinta ay binuo ni G.I. Ugryumov (1764-1823). Ang pangunahing tema ng kanyang mga gawa ay ang pakikibaka ng mamamayang Ruso: kasama ang mga nomad ("Ang Pagsubok ng Lakas ni Jan Usmar", 1796-1797, Russian Russian Museum); kasama ang mga kabalyerong Aleman ("Ang seremonyal na pagpasok sa Pskov ni Alexander Nevsky pagkatapos ng kanyang tagumpay laban sa mga kabalyerong Aleman," 1793, Museo ng Russia); para sa seguridad ng kanilang mga hangganan ("Capture of Kazan", 1797-1799, Russian Museum), atbp.
Ang pinakamalaking tagumpay ng pagpipinta ay noong ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. nakakamit sa portrait genre. Sa pinaka-kahanga-hangang phenomena ng kulturang Ruso sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo. nabibilang sa gawa ng pintor na si F.S. Rokotova (1735/36–1808). Siya ay nagmula sa mga serf, ngunit natanggap ang kanyang kalayaan mula sa kanyang may-ari ng lupa. Natutunan niya ang sining ng pagpipinta mula sa mga gawa ni P. Rotary. Sa batang artista Mapalad, ang kanyang patron ay ang unang pangulo ng Academy of Arts I.I. Shuvalov. Sa rekomendasyon ng I.I. Shuvalova F.S. Noong 1757, nakatanggap si Rokotov ng isang order para sa isang mosaic na larawan ni Elizaveta Petrovna (mula sa orihinal ni L. Tokke) para sa Moscow University. Ang larawan ay isang tagumpay na ang F.S. Nakatanggap si Rokotov ng isang order para sa mga larawan ng Grand Duke Pavel Petrovich (1761), Emperor Pedro III(1762). Nang umakyat si Catherine II sa trono, si F.S. Malawak na ang Rokotov sikat na artista. Noong 1763, pininturahan ng artist ang Empress sa buong taas, sa profile, kasama ng isang magandang setting. Nagpinta rin si Rokotov ng isa pang larawan ng empress, isang kalahating haba. Ang Empress ay labis na nagustuhan sa kanya; Ibinigay ni Catherine ang larawan sa Academy of Sciences, kung saan nananatili ito hanggang ngayon. Kasunod ng mga naghaharing tao, ang mga larawan ni F.S. Nais ng mga Orlov at Shuvalov na magkaroon ng Rokotov. Minsan nilikha niya ang buong mga gallery ng mga larawan ng mga kinatawan ng parehong pamilya sa iba't ibang henerasyon nito: ang Baryatinskys, Golitsyns, Rumyantsevs, Vorontsovs. Hindi hinahangad ni Rokotov na bigyang-diin ang mga panlabas na pakinabang ng kanyang mga modelo, ang pangunahing bagay para sa kanya ay panloob na mundo tao. Kabilang sa mga gawa ng artist, ang larawan ni Maykov (1765) ay namumukod-tangi. Sa hitsura ng isang pangunahing opisyal ng gobyerno, sa likod ng matamlay na kaselanan, makikita ang pananaw at isang balintuna na pag-iisip. Ang kulay ng portrait, batay sa kumbinasyon ng berde at pula, ay lumilikha ng impresyon ng buong dugo, sigla ng imahe.
Noong 1765, lumipat ang artista sa Moscow. Ang Moscow ay nakikilala sa pamamagitan ng higit na kalayaan ng pagkamalikhain kaysa sa opisyal na St. Petersburg. Sa Moscow, isang espesyal, "Rokotov" na estilo ng pagpipinta ay umuusbong. Lumilikha ang artist ng isang buong gallery ng magagandang larawan ng babae, kung saan ang pinaka-kapansin-pansin ay ang larawan ni A.P. Stuyskoy (1772, Tretyakov Gallery). Isang payat na pigura sa isang mapusyaw na kulay-abo-pilak na damit, mataas na latigo na may pulbos na buhok, isang mahabang kulot na bumabagsak sa kanyang dibdib, isang pinong hugis-itlog na mukha na may maitim na mga mata na hugis almond - lahat ay naghahatid ng misteryo at tula sa imahe ng dalaga. Ang katangi-tanging scheme ng kulay ng portrait - swamp green at golden brown, faded pink at pearl grey - ay nagpapaganda ng impresyon ng misteryo. Noong ika-20 siglo Inialay ng makata na si N. Zabolotsky ang magagandang tula sa larawang ito:
Ang kanyang mga mata ay parang dalawang ulap,
Kalahating ngiti, kalahating pag-iyak,
Ang kanyang mga mata ay parang dalawang panlilinlang,
Mga kabiguan na natatakpan ng kadiliman.
Ang matagumpay na sagisag ng imahe ni A. Struyskaya sa portrait ay nagsilbing batayan para sa alamat, ayon sa kung saan ang artist ay hindi walang malasakit sa modelo. Sa katunayan, ang pangalan ng napiling S.F. Kilala si Rokotov, at si A.P. Si Struyskaya ay masayang kasal sa kanyang asawa at isang ordinaryong may-ari ng lupa.
Ang isa pang pinakadakilang pintor noong ika-18 siglo ay si D.G. Si Levitsky (1735-1822) ay ang lumikha ng parehong ceremonial portrait at ang dakilang master ng chamber portrait. Ipinanganak siya sa Ukraine, ngunit mula sa pagliko ng 50-60s, nagsimula ang buhay ni Levitsky sa St.
Sa kanyang mga modelo, hinahangad niyang bigyang-diin ang pagka-orihinal at ang pinaka-kapansin-pansing mga tampok. Isa sa pinakatanyag na gawa ng artist ay ang ceremonial portrait ng P.A. Demidov (1773, Tretyakov Gallery). Isang kinatawan ng isang sikat na pamilya ng pagmimina, P.A. Si Demidov ay isang napakayamang tao, isang kakaibang sira-sira. Sa ceremonial portrait, na orihinal ang konsepto, inilalarawan si Demidov na nakatayo sa isang nakakarelaks na pose laban sa backdrop ng isang colonnade at draperies. Nakatayo siya sa isang desyerto na pormal na bulwagan, sa bahay, sa isang nightcap at isang iskarlata na dressing gown, na itinuturo na may kilos sa kanyang mga amusement - isang watering can at isang palayok ng mga bulaklak, kung saan siya ay isang magkasintahan. Sa kanyang pananamit, sa kanyang pose, may hamon sa panahon at lipunan. Ang lahat ay halo-halong sa taong ito - kabaitan, pagka-orihinal, ang pagnanais na mapagtanto ang kanyang sarili sa agham. Nagawa ni Levitsky na pagsamahin ang mga tampok ng karangyaan sa mga elemento ng isang seremonyal na larawan: mga haligi, drapery, tanawin na tinatanaw ang Orphanage sa Moscow, para sa pagpapanatili kung saan nag-donate si Demidov ng malalaking halaga.
Noong unang bahagi ng 1770s. Si Levitsky ay gumaganap ng pitong larawan ng mga marangal na dalaga mula sa Smolny Institute - "Smolyankas" (lahat sa State Russian Museum), sikat sa kanilang musika. Ang mga larawang ito ay naging pinakamataas na tagumpay ng artist. Ang husay ng artista ay lubos na ipinakita sa kanila. E.N. Khovanskaya, E.N. Khrushchova, E.I. Si Nelidov ay inilalarawan sa mga kasuotan sa teatro sa kanilang pagtatanghal ng isang eleganteng pastoral. Sa mga larawan ng G.I. Alymova at E.I. Si Molchanova, isa sa mga pangunahing tauhang babae ay tumutugtog ng alpa, ang isa ay ipinapakita na nakaupo sa tabi ng isang instrumentong pang-agham na may isang libro sa kanyang kamay. Inilagay nang magkatabi, ang mga larawang ito ay nagpapakilala sa mga benepisyo ng "mga agham at sining" para sa isang makatwiran, nag-iisip na tao.
Pinakamataas na punto mature na pagkamalikhain Ang master ay naging sikat na allelological portrait ni Catherine II, ang mambabatas sa Temple of Justice, na inulit ng artist sa ilang mga bersyon. Ang gawaing ito ay tumatagal espesyal na lugar sa sining ng Russia. Nilalaman nito ang matataas na ideya ng panahon tungkol sa pagkamamamayan at pagkamakabayan, tungkol sa huwarang pinuno - isang naliwanagang monarko na walang kapagurang nagmamalasakit sa kapakanan ng kanyang mga nasasakupan. Inilarawan mismo ni Levitsky ang kanyang gawain tulad ng sumusunod: "Ang gitna ng larawan ay kumakatawan sa loob ng templo ng diyosa ng hustisya, bago kung saan, sa anyo ng Tagapagbigay ng Batas, h.i.v., na nagsusunog ng mga bulaklak ng Poppy sa altar, ay nag-aalay ng kanyang mahalagang kapayapaan para sa pangkalahatang kapayapaan.”
Noong 1787, umalis si Levitsky sa pagtuturo at umalis sa Academy of Arts. Ang isa sa mga dahilan para dito ay ang pagkahilig ng artista para sa mga mystical na paggalaw, na naging laganap sa Russia sa pagtatapos ng ika-18 siglo. at ang kanyang pagpasok sa Masonic lodge. Hindi nang walang impluwensya ng mga bagong ideya sa lipunan, noong mga 1792, isang larawan ng kaibigan at tagapagturo ni Levitsky sa Freemasonry N.I. Novikova (Tretyakov Gallery). Ang kamangha-manghang kasiglahan at pagpapahayag ng kilos at titig ni Novikov, na hindi katangian ng mga bayani ng mga larawan ni Levitsky, isang fragment ng landscape sa background - lahat ng ito ay nagtataksil sa pagtatangka ng artist na makabisado ang isang bago, mas modernong visual na wika, na likas na sa iba pang mga sistema ng sining.
Ang isa pang kahanga-hangang artista sa panahong ito ay si V. L. Borovikovsky (1757–1825). Ipinanganak siya sa Ukraine, sa Mirgorod, at nag-aral ng icon painting kasama ang kanyang ama. Noong 1788 V.L. Dinala si Borovikovsky sa St. Petersburg. Nag-aaral siyang mabuti, hinahasa ang kanyang panlasa at kasanayan, at sa lalong madaling panahon ay naging isang kinikilalang master. Noong 90s, lumikha siya ng mga portrait na ganap na nagpahayag ng mga tampok ng isang bagong direksyon sa sining - sentimentalism. Ang lahat ng "sentimental" na larawan ni Borovikovsky ay mga larawan ng mga tao sa isang silid, sa mga simpleng damit na may mansanas o bulaklak sa kanilang mga kamay. Ang pinakamaganda sa kanila ay ang portrait ng M.I. Lopukhina. Madalas itong tinatawag na pinakamataas na tagumpay ng sentimentalismo sa pagpipinta ng Russia. Isang batang babae ang tumingin mula sa larawan. Ang kanyang pose ay relaxed, ang kanyang simpleng damit ay bumagay sa kanyang baywang, ang kanyang sariwang mukha ay puno ng alindog at kagandahan. Sa larawan, ang lahat ay magkasundo, magkasundo sa isa't isa: isang makulimlim na sulok ng parke, mga cornflower sa mga tainga ng hinog na rye, kumukupas na mga rosas, ang matamlay, bahagyang nanunuya na hitsura ng batang babae. Sa larawan ni Lopukhina, naipakita ng artista ang tunay na kagandahan - espirituwal at liriko, likas sa mga kababaihang Ruso. Ang mga katangian ng sentimentalismo ay lumitaw sa V.L. Borovikovsky kahit na sa paglalarawan ng Empress. Ngayon ito ay hindi isang kinatawan na larawan ng isang "mambabatas" na may lahat ng imperyal na regalia, ngunit isang imahe ng isang ordinaryong babae sa isang dressing gown at cap sa paglalakad sa Tsarskoye Selo park kasama ang kanyang minamahal na aso.
Sa pagtatapos ng ika-18 siglo. lumilitaw sa pagpipinta ng Russia bagong genre- tanawin. Isang bagong klase ng landscape ang binuksan sa Academy of Arts, at si S. F. Shchedrin ang naging unang propesor ng klase ng landscape. Siya ang naging tagapagtatag ng tanawin ng Russia. Si Shchedrin ang unang gumawa ng compositional scheme para sa landscape, na naging huwaran sa mahabang panahon. At sa ibabaw nito S.F. Nagturo si Shchedrin ng higit sa isang henerasyon ng mga artista. Ang pagkamalikhain ni Shchedrin ay umunlad noong 1790s. Kabilang sa kanyang mga gawa, ang pinakasikat ay isang serye ng mga tanawin ng Pavlovsk, Gatchina at Peterhof park, mga tanawin ng Kamenny Island. Nakuha ni Shchedrin ang mga tiyak na uri ng mga istruktura ng arkitektura, ngunit itinalaga ang pangunahing papel hindi sa kanila, ngunit sa nakapaligid na kalikasan, kung saan ang tao at ang kanyang mga nilikha ay natagpuan ang kanilang mga sarili sa maayos na pagsasanib.
Inilatag ni F. Alekseev (1753/54-1824) ang pundasyon para sa tanawin ng lungsod. Kabilang sa kanyang mga gawa noong 1790s. lalo na sikat ang "View of the Peter and Paul Fortress and the Palace Embankment" (1793) at "View of the Palace Embankment from the Peter and Paul Fortress" (1794). Lumilikha si Alekseev ng isang kahanga-hanga at kasabay na buhay na imahe ng isang malaki, marilag, indibidwal sa kagandahan ng lungsod, kung saan ang isang tao ay nakadarama ng kaligayahan at kalayaan.
Noong 1800, binigyan ni Emperor Paul I si Alekseev ng gawain ng pagpipinta ng mga tanawin ng Moscow. Ang artista ay naging interesado sa lumang arkitektura ng Russia. Nanatili siya sa Moscow nang higit sa isang taon at nagdala mula doon ng ilang mga kuwadro na gawa at maraming mga watercolor na may mga tanawin ng mga kalye ng Moscow, monasteryo, mga suburb, ngunit higit sa lahat ay iba't ibang mga imahe ng Kremlin. Ang mga uri na ito ay lubos na maaasahan.
Ang trabaho sa Moscow ay nagpayaman sa mundo ng artista at pinahintulutan siyang tingnan ang buhay ng kabisera nang bumalik siya doon. Sa kanyang mga landscape sa St. Petersburg ang genre ay tumindi. Ang mga pilapil, mga daanan, mga barge, at mga bangka ay puno ng mga tao. Isa sa pinakamahusay na mga gawa ng panahong ito - "Tingnan ang English Embankment mula sa Vasilyevsky Island" (1810s, Russian Museum). Naglalaman ito ng sukatan, isang maayos na ugnayan sa pagitan ng tanawin at mismong arkitektura. Ang paglikha ng pagpipinta na ito ay nakumpleto ang pagbuo ng tinatawag na tanawin ng lungsod.
Pag-uukit. Sa ikalawang kalahati ng siglo, nagtrabaho ang magagandang master engraver. Ang "tunay na henyo ng pag-ukit" ay si E. P. Chemesov. Ang artista ay nabuhay lamang ng 27 taon, humigit-kumulang 12 mga gawa ang nanatili mula sa kanya. Si Chemesov ay pangunahing nagtrabaho sa genre ng portrait. Ang nakaukit na larawan ay nabuo nang napakaaktibo sa pagtatapos ng siglo. Bilang karagdagan sa Chemesov, maaari mong pangalanan ang G.I. Skorodumov, sikat sa kanyang mga tuldok na ukit, na lumikha ng mga espesyal na posibilidad para sa "pictorial" interpretasyon (I. Selivanov. Portrait of Grand Duchess Alexandra Pavlovna mula sa orihinal ni V.P. Borovikovsky, mezzotint; G.I. Skorodumov. self-portrait, pen drawing).
Mga sining at sining. Sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, ang Gzhel ceramics - mga produkto ng ceramic crafts ng rehiyon ng Moscow, ang sentro nito ay ang dating Gzhel volost - ay umabot sa isang mataas na antas ng artistikong. Sa simula ng ika-17 siglo. Ang mga magsasaka ng mga nayon ng Gzhel ay nagsimulang gumawa ng mga brick, plain light colored pottery, at mga laruan mula sa lokal na luad. Sa pagtatapos ng ika-17 siglo. pinagkadalubhasaan ng mga magsasaka ang produksyon ng "ant", i.e. natatakpan ng maberde o kayumangging glaze. Ang mga clay ng Gzhel ay nakilala sa Moscow, at noong 1663, inutusan ni Tsar Alexei Mikhailovich na magsimula ang pag-aaral ng mga clay ng Gzhel. Isang espesyal na komisyon ang ipinadala kay Gzhel, na kinabibilangan ni Afanasy Grebenshchikov, ang may-ari ng isang pabrika ng seramik sa Moscow at D.I. Vinogradov. Si Vinogradov ay nanatili sa Gzhel sa loob ng 8 buwan. Sa pamamagitan ng paghahalo ng Orenburg clay sa Gzhel (chernozem) clay, nakakuha siya ng tunay na dalisay, puting porselana (porselana). Kasabay nito, ang mga manggagawa ng Gzhel ay nagtrabaho sa mga pabrika ng A. Grebenshchikov sa Moscow. Mabilis nilang pinagkadalubhasaan ang paggawa ng majolica at nagsimulang gumawa ng mga kvass na kaldero, pitsel, tabo, tasa, plato, pinalamutian ng mga pandekorasyon at paksang pagpipinta sa berde, dilaw, asul at lila-kayumanggi na mga kulay sa isang puting field. Mula sa katapusan ng ika-18 siglo. sa Gzhel mayroong isang paglipat mula sa majolica hanggang semi-faience. Ang pagpipinta ng mga produkto ay nagbabago din - mula sa maraming kulay, katangian ng majolica, hanggang sa solong kulay na asul (cobalt) na pagpipinta. Ang mga pagkaing Gzhel ay laganap sa buong Russia, Central Asia, at Middle East. Sa panahon ng kasagsagan ng industriya ng Gzhel, mayroong humigit-kumulang 30 pabrika na gumagawa ng mga pinggan. Kabilang sa mga sikat na tagagawa ay ang magkakapatid na Barmin, Khrapunov-novy, Fomin, Tadin, Rachkins, Guslins, Gusyatnikovs at iba pa.
Ngunit ang pinakamaswerteng magkapatid ay sina Terenty at Anisim Kuznetsov. Ang kanilang pabrika ay lumitaw sa simula ng ika-19 na siglo. sa nayon ng Novo-Kharitonovo. Mula sa kanila, ipinagpatuloy ng dinastiya ang negosyo ng pamilya hanggang sa rebolusyon, na bumili ng higit pang mga halaman at pabrika. Sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. May unti-unting pagkawala ng Gzhel craft na may hand molding at painting, malalaking pabrika na lang ang natitira. Mula sa simula ng 1920, lumitaw ang hiwalay na mga pagawaan ng palayok at artel. Ang tunay na muling pagkabuhay ng produksyon ng Gzhel ay nagsimula noong 1945. Pinagtibay ang single-color blue underglaze (cobalt) painting.
Noong 1766, sa nayon ng Verbilki malapit sa Dmitrov malapit sa Moscow, itinatag ng Russified Englishman France Gardner ang pinakamahusay na pribadong pabrika ng porselana. Itinatag niya ang kanyang prestihiyo bilang una sa mga pribadong paggawa ng porselana, na nilikha noong 1778–1785, sa pamamagitan ng pagkakasunud-sunod ni Catherine II, apat na kahanga-hangang serbisyo ng order, na nakikilala sa pamamagitan ng kadalisayan at kalubhaan ng kanilang palamuti. Ang pabrika ay gumawa din ng mga pigurin ng mga Italian opera character. Simula ng ika-19 na siglo minarkahan ang isang bagong yugto sa pagbuo ng Gardner porselana. Iniwan ng mga artista ng pabrika ang direktang imitasyon ng mga modelong European at sinubukang maghanap ng kanilang sariling istilo. Ang mga tasa ni Gardner na may mga larawan ng mga bayani ng Digmaang Patriotiko noong 1812 ay nakakuha ng napakalaking katanyagan Noong 1820, nagsimula ang paggawa ng mga figurine ng genre, na naglalarawan ng mga uri ng katutubong batay sa mga guhit ng K.A. Zelentsov mula sa magazine na "Magic Lantern". Ang mga ito ay mga kalalakihan at kababaihan na nakikibahagi sa karaniwang gawaing magsasaka, mga batang magsasaka, mga manggagawa sa lunsod - mga manggagawa ng sapatos, mga janitor, mga mangangalakal. Ang mga pigurin ng mga taong naninirahan sa Russia ay ginawang etnograpiko nang tumpak. Ang mga figurine ni Gardner ay naging isang nakikitang paglalarawan ng kasaysayan ng Russia. F.Ya. Natagpuan ni Gardner ang kanyang sariling istilo ng mga produkto, kung saan pinagsama ang mga anyo ng imperyo sa mga motif ng genre at saturation ng kulay ng palamuti sa kabuuan. Mula noong 1891, ang halaman ay kabilang sa M.S. Kuznetsov. Matapos ang Rebolusyong Oktubre, ang halaman ay nagsimulang tawaging Dmitrov Porcelain Factory, at mula noong 1993 - "Verbilok Porcelain".
Miniature ng Fedoskino. Sa pagtatapos ng ika-18 siglo. sa nayon ng Fedoskino malapit sa Moscow, isang uri ng Russian lacquer miniature painting ang binuo mga pintura ng langis sa papier-mâché. Ang Fedoskino miniature ay lumitaw salamat sa isa bisyo, na karaniwan noong ika-18 siglo. Noong mga sinaunang panahon, napaka-istilong mag-snuff ng tabako, at ginawa ito ng lahat: mga maharlika, karaniwang tao, lalaki, babae. Ang tabako ay nakaimbak sa mga snuff box na gawa sa ginto, pilak, buto ng tortoiseshell, porselana at iba pang materyales. At kaya sa Europa nagsimula silang gumawa ng mga snuff box mula sa pinindot na karton, ibinabad sa langis ng gulay at pinatuyo sa temperatura hanggang 100°C. Ang materyal na ito ay naging kilala bilang papier-mâché (chewed paper). Ang mga snuff box ay natatakpan ng itim na primer at itim na barnis, at ang mga klasikal na paksa ay ginamit sa pagpipinta. Ang mga naturang snuff box ay napakapopular sa Russia, kaya noong 1796, sa nayon ng Danilkovo, 30 km mula sa Moscow, ang mangangalakal na P.I. Si Korobov ay nagsimulang gumawa ng mga bilog na snuff box, na pinalamutian ng mga ukit na nakadikit sa kanilang mga talukap. Ang mga ukit ay natatakpan ng transparent na barnisan. Mula noong 1819, ang pabrika ay pag-aari ng manugang ni Korobov na si P.V. Lukutin. Kasama ang kanyang anak na si A.P. Lukutin, pinalawak niya ang produksyon, inayos ang pagsasanay ng mga manggagawang Ruso, at sa ilalim niya ang produksyon ay inilipat sa nayon ng Fedoskino. Ang mga manggagawa ng Fedoskino ay nagsimulang palamutihan ang mga snuff box, bead box, mga kahon at iba pang mga produkto na may mga kaakit-akit na miniature na ginawa gamit ang mga pintura ng langis sa klasikal na paraan ng larawan. Sa mga produkto ng Lukutin noong ika-19 na siglo, mga tanawin ng Moscow Kremlin at iba pang mga monumento ng arkitektura, mga eksena mula sa buhay bayan. Lalo na sikat ang mga troika rides, kasiyahan o sayaw ng magsasaka, at pag-inom ng tsaa sa isang samovar. Salamat sa pagkamalikhain ng mga Russian masters, nakuha ng Lukutinsky varnishes ang pagka-orihinal at pambansang lasa, kapwa sa mga paksa at sa teknolohiya. Ang Fedoskino miniature ay pininturahan ng mga pintura ng langis sa tatlo hanggang apat na layer - shading (pangkalahatang sketch ng komposisyon), copywriting o muling pagpipinta (mas detalyadong trabaho), glazing (pagmomodelo ng imahe gamit ang mga transparent na pintura) at pag-highlight (pagkumpleto ng trabaho ) ay isinasagawa nang sunud-sunod mapusyaw na kulay, nagpapadala ng liwanag na nakasisilaw sa mga bagay). Ang orihinal na pamamaraan ng Fedoskino ay "sa pamamagitan ng pagsulat": isang mapanimdim na materyal - pulbos na metal, dahon ng ginto o ina-ng-perlas - ay inilapat sa ibabaw bago magpinta. Translucent sa pamamagitan ng mga transparent na layer ng glaze paint, ang mga lining na ito ay nagbibigay ng lalim ng imahe at isang kamangha-manghang glow effect. Bilang karagdagan sa mga snuff box, gumawa ang pabrika ng mga kahon, lalagyan ng case, lalagyan ng karayom, at mga takip para sa mga album ng pamilya, mga teapot, Mga itlog ng Pasko ng Pagkabuhay, mga tray at marami pang iba. Ang mga produkto ng Fedoskino miniaturists ay napakapopular hindi lamang sa Russia, kundi pati na rin sa ibang bansa.
Kaya, sa ikalawang kalahati ng ika-18 siglo - sa edad ng "Reason and Enlightenment" - isang kakaiba, sa maraming paraan, ang natatanging artistikong kultura ay nilikha sa Russia. Ang kulturang ito ay dayuhan pambansang makitid ang pag-iisip at paghihiwalay. Sa kamangha-manghang kadalian ay hinihigop niya at malikhaing naproseso ang lahat ng mahahalagang bagay na nilikha ng mga gawa ng mga artista mula sa ibang mga bansa. Isinilang ang mga bagong uri at genre ng sining, bagong artistikong direksyon, at maliliwanag na malikhaing pangalan.
A.I.Venediktov
Ang pinakamahalagang phenomena ng arkitekturang Ingles ng panahong sinusuri ay nagmula sa huling tatlumpung taon ng ika-17 siglo. Ang kahalili sa klasikong arkitekturang Ingles, si Inigo Jones, ay si Christopher Wren (1632-1723), na nanatiling nangungunang master ng arkitekturang Ingles sa buong unang quarter ng ika-18 siglo.
Nakatanggap si Ren ng napakalawak na edukasyon: bago siya bumaling sa arkitektura, nag-aral siya ng matematika at astronomiya. Nang maglakbay sa France noong 1665, nakilala niya si Jules Hardouin-Mansart at iba pang mga arkitekto ng Pransya at ang kanilang mga gawa, pati na rin si Bernini, na nagdala ng proyekto sa Louvre sa Paris.
Pagkatapos ng "Great Fire" noong 1666, na sumira sa karamihan ng London, lumikha si Wren ng isang proyekto para sa isang radikal na muling pagpapaunlad ng lungsod, na, gayunpaman, ay tinanggihan ng mga reaksyunaryong awtoridad. Kasabay nito, natanggap ni Wren ang pinakamalaking order para sa pagtatayo ng bagong Cathedral of St. Paul at upang gumuhit ng mga disenyo para sa isang daang nasunog na simbahan ng parokya, kung saan siya ay nagtayo ng higit sa limampu.
Katedral ng St. Ang St. Paul's sa London, na itinayo ni Wren sa loob ng tatlumpu't anim na taon (1675-1710), ay naging pinakamalaking relihiyosong gusali ng mundo ng mga Protestante (nahigitan nito ang Cologne Cathedral sa haba, ang taas ng bahagi ng dome - ang Florentine Cathedral ng Sanga Maria del Fiore). Roman Catholic Cathedral ng St. Peter's, na itinayo ng maraming arkitekto sa loob ng higit sa isang siglo at kalahati, ay, kumbaga, sadyang ikinukumpara sa London Protestant Cathedral, na itinayo ng isang master sa isang panahon ng konstruksiyon, sa loob lamang ng tatlo at kalahating dekada. Ang unang proyekto na iginuhit ni Wren na may sentrik na plano sa anyo ng isang equilateral cross na may vestibule ay tinanggihan ng konserbatibong klero. Ang pangalawa, natapos na proyekto ay may mas tradisyonal na pinahabang hugis na may pangunahing silid na hinati ng mga haligi at arko sa tatlong naves at isang maluwang na espasyo sa ilalim ng simboryo sa intersection ng naves na may transept.
Ang kaalaman sa matematika ni Ren ay naging kapaki-pakinabang sa mahirap na gawain ng paggawa ng isang simboryo, na nalutas niya nang mahusay, na may banayad at malalim na mga kalkulasyon. Ang disenyo ng triple dome na nakapatong sa walong mga haligi ay kumplikado at hindi pangkaraniwan: sa itaas ng hemispherical inner brick shell mayroong isang brick truncated cone, na nagdadala ng parol at krus na nagpapakoronahan sa katedral, pati na rin ang pangatlo, kahoy, na natatakpan ng tingga sa labas. shell ng simboryo.
Ang hitsura ng katedral ay kahanga-hanga. Dalawang paglipad ng malalawak na hakbang ang humahantong mula sa kanluran patungo sa anim na pares ng mga haligi ng Corinthian ng pasukan ng portiko, kung saan matatagpuan ang apat pang pares ng mga haligi na may pinagsama-samang mga kapital, na may pediment na may pangkat ng eskultura sa tympanum. Ang mas katamtamang kalahating bilog na portico ay inilalagay sa magkabilang dulo ng transept. Sa mga gilid ng pangunahing façade, ang mga payat na tore ay itinayo (isa para sa mga kampanilya, ang isa para sa mga orasan), sa likod ng mga ito, sa itaas ng gitnang krus ng katedral, ay tumataas ang isang malaking, marilag na simboryo. Ang tambol ng simboryo na napapaligiran ng mga haligi ay tila napakalakas dahil bawat ikaapat na intercolumnium ng colonnade (ang tinatawag na Stone Gallery) ay inilalagay sa bato. Sa itaas ng hemisphere ng dome mismo, ang pangalawa, tinatawag na Golden Gallery ay bumubuo ng isang circuit sa paligid ng isang parol na may krus. Ang matayog na grupo ng mga domes at tower na tinatanaw ang London ay walang alinlangan na ang pinakamatagumpay na bahagi ng katedral, ang pangunahing katawan nito ay mahirap makita sa kabuuan nito dahil ito ay nanatiling nakatago sa pamamagitan ng kalat ng pag-unlad ng lunsod (lubhang napinsala ng pambobomba noong Ikalawang Daigdig. digmaan).
Ang pagiging malikhain ni Ren ay ipinahayag nang hindi gaanong malinaw sa kanyang sariling mga gawa. mga gawa, gaya ng mga simbahan ng parokya sa London. Ang pagkakaiba-iba at talino ng mga parisukat, hugis-parihaba, hugis-itlog na mga plano ng mga gusaling ito, kadalasang maliit ang laki, ang mismong pagsasaayos na kung saan ay madalas na ipinaliwanag sa pamamagitan ng mahusay na paggamit ng masikip, hindi maginhawang mga site na inilaan para sa kanilang pagtatayo, ay kamangha-mangha. Ang arkitektura ng mga simbahan mismo at ang kanilang mga bell tower ay lubhang magkakaibang, minsan ay malapit sa anyo sa Gothic, minsan ay mahigpit na klasikal. Sapat na pangalanan ang domed church ni St. Stephen (1672-1679), orihinal sa komposisyon ng interior space nito, o ang simbahan ng St. Mary le Bow (1671-1680) na may payat na bell tower nito, na kapansin-pansin para sa ganda ng silhouette nito.
Sa mga gawaing sibil ni Wren, isa sa pinakamatalino ay ang mga bagong bahagi ng Hampton Court Palace. Noong 1689-1694. nagtayo sila ng mga gusali sa paligid ng tinatawag na courtyard na may fountain at façade na nakaharap sa parke. Sa orihinal na gawaing ito, ang arkitekto ay nagpakita ng mataas na kasanayan, mahigpit na panlasa at ang kakayahang epektibong gumamit ng mga materyales - brick at puting Portland na bato.
Isang mahusay na manggagawa, si Ren ay nagtayo ng higit pa sa mga palasyo at simbahan. Sa wakas ay binuo niya ang plano para sa Greenwich Hospital (ang orihinal na plano kung saan, tila, ay kay Inigo Jones), at nagtayo rin ng isa pang ospital sa Chelsea. Siya ang nagtayo ng Temple district sa London at nagtayo ng town hall sa Windsor. Sa Cambridge, nagmamay-ari siya ng gusali ng library ng Trinity College (Trinity College), ang prototype kung saan ay ang library ng St. Selyo sa Venice. Sa Oxford, kung saan nagturo si Wren ng astronomiya sa kanyang kabataan, itinayo niya ang tinatawag na Sheldon Theater - isang malaking bilog na silid para sa mga lektura at ulat, na gumagamit ng mga motif ng arkitektura mula sa sinaunang Roman Theater of Marcellus; doon niya itinayo ang library sa Queens College at ang courtyard sa Trinity College. Ang mga motif ng Venetian at Roman na arkitektura na ginamit sa mga gusaling ito ay nakatanggap ng orihinal na interpretasyon mula kay Wren at bumaba sa kasaysayan ng arkitekturang Ingles bilang paglikha ng isang pambansang henyo.
Sa mga residential country at city house sa oras na ito, isang uri ng brick building na may puting bato na trim ang nilikha, na naging modelo para sa susunod na konstruksyon ng Ingles. Kasama sa mga halimbawa ang mga estate na iniuugnay kay Wren sa Groombridge Place sa Kent at Swan House sa Chichester.
Hindi tulad ni Inigo Jones, napagtanto ni Wren ang halos lahat ng kanyang mga plano sa kanyang mahaba at mabungang karera. Bilang isang tunay na humanista, nagtrabaho si Ren para sa edukasyon at sa mga tao hindi lamang siya nagtayo ng mga simbahan, kundi pati na rin ang mga ospital, mga aklatan, hindi lamang mga palasyo, kundi pati na rin ang mga katamtamang gusali ng tirahan. Sinundan ni Wren ang landas na ipinahiwatig ni Jones, ngunit, hindi katulad ni Jones, na sumisipsip sa diwa ng Renaissance sa Italya, ang makatuwirang prinsipyo ay mas malinaw na ipinahayag sa klasiko ni Wren, na nakaligtas sa panahon ng Puritanismo.
Sa arkitekturang Ingles noong ika-18 siglo. Malaki ang kahalagahan ng bagong gising na hilig sa gawain ni Palladio. Noong 1742, tatlong edisyon ng architectural treatise ni Palladio ang nai-publish na. Mula sa kalagitnaan ng siglo, nagsimula ang paglalathala ng independiyenteng pananaliksik sa sinaunang arkitektura. Robert Wood noong 1753-1757 naglathala ng aklat na nakatuon sa mga guho ng Palmyra at Baalbek, inilathala ni Robert Adam ang mga sketch at sukat ng palasyo ni Diocletian sa Split sa Dalmatia noong 1764. Ang lahat ng mga publikasyong ito ay nag-ambag sa pagbuo ng teorya ng arkitektura at naimpluwensyahan ang kasanayan sa arkitektura noong panahong iyon. Ang mga bagong ideya ay makikita sa mga pangunahing kaganapan sa pagpaplano ng lunsod, halimbawa, sa pagpaplano at pag-unlad ng lungsod ng Bath (1725-1780), na ang mga lugar ay kumakatawan sa pinaka kumpletong classicist ensembles sa England. Ang mga arkitekto noong ika-18 siglo ay, sa karamihan ng mga kaso, mga propesyonal at teorista.
Si John Vanbrugh (1664-1726) ay sumasakop sa isang intermediate na posisyon sa pagitan ng multi-talented at edukadong masters ng ika-17 siglo at ng makitid na mga espesyalista ng ika-18 siglo. Isang napakatalino na opisyal, isang court wit, isang fashionable playwright, siya ay nanatiling isang likas na matalinong baguhan sa arkitektura.
Ang kanyang pangunahing at pinakamalaking mga gawa ay itinayo sa mga unang taon ng ika-18 siglo. mga palasyo ng Howard (1699-1712) at Blenheim (1705-1724).
Nasa una sa kanila, sinusubukan na pagsamahin ang sukat ng Versailles sa kaginhawaan ng Ingles, humanga siya sa kanyang mga kontemporaryo lalo na sa laki ng kanyang gusali, ang haba nito ay 200 m, ang lalim ay halos 130 m, ang taas ng gitnang simboryo. lumampas sa 70 m Sa mas maringal na Palasyo ng Blenheim , na itinayo para sa sikat na kumander na Duke ng Marlborough (259 X 155 m), sinubukan ng arkitekto na pagbutihin ang medyo mahirap na plano ng unang gusali. Sa pagmamasid sa mahigpit na simetrya, naglagay siya ng dalawa pang patyo sa magkabilang panig ng malaking patyo, na konektado sa pangunahing gusali ng mga gallery na pinalamutian ng isang colonnade. Sa panlabas na arkitektura ng Blenheim Palace ay walang mabigat na portico ng pangunahing pasukan, o Triumphal Arch ang harapan ng parke, o ang angular, na tila built-on na mga tore ay hindi nakalulugod sa mata: ang mga anyo dito ay mabigat at magaspang. Ang loob ng palasyo ay hindi komportable at hindi komportable. Ang pagnanais para sa mahigpit na karangyaan na katangian ng klasisismo ay sa halip ay mekanikal na pinagsama sa Vanbrugh na may isang mababaw na karangyaan mula pa noong Baroque. Sa kanyang arkitektura, gaya ng sinabi ng isa sa kanyang mga kontemporaryo, "mabigat sa anyo at magaan sa esensya," hindi mahirap tuklasin ang mga halatang palatandaan ng eclecticism.
Si Nicholas Hawksmoor (1661-1736) ay isang mas katamtaman ngunit mas karapat-dapat na kahalili ni Wren. Pinangunahan niya ang pagtatayo ng mga simbahan sa London, kung saan ang pinaka-interesante ay ang Church of St. Mary Wulnos (1716-1719) na may facade na pinalamutian ng rustication at isang hugis-parihaba na bell tower na napapalibutan ng mga haligi, na kinumpleto ng dalawang turrets na may balustrade. Nagtrabaho si Hawksmoor pagkatapos ng kanyang guro sa Oxford, kung saan nagtayo siya ng isang bagong gusali ng Queens College na may monumental na courtyard facade at isang natatanging pasukan (1710-1719). Sa wakas, sa panahon ng buhay ni Wren at pagkatapos ng kanyang kamatayan, si Hawksmoor noong 1705-1715. patuloy na pagtatayo ng Greenwich Hospital. Matatagpuan sa pampang ng Thames, ang isa sa pinakamahalagang monumento ng arkitekturang Ingles sa laki at artistikong merito ay kinuha ang huling anyo nito sa ilalim ng Hawksmoor.
Ang malaking hospital complex, kung saan matatagpuan ang paaralan ng hukbong-dagat, ay binubuo ng apat na gusali na bumubuo ng mga hugis-parihaba na patyo na may maluwang na lugar sa pagitan ng mga gusali sa harap, mga portiko ng mga facade na nakaharap sa ilog. Ang malalawak na hakbang, na nasa gilid ng mga maringal na may domed na gusali, ay humahantong sa pangalawang parisukat sa pagitan ng pangalawang pares ng mga courtyard. Karapat-dapat na natapos ng Hawksmoor ang konstruksiyon na sinimulan ni Jones at ipinagpatuloy ni Wren.
Si William Kent (1684-1748) ay ang pinakakilalang English Palladian noong unang kalahati ng ika-18 siglo. Kasama si Lord Burlington, na gusto ang kanyang sarili na isang arkitekto, siya ay nagdisenyo at nagtayo ng isang villa sa Chiswick (1729), ang pinakamatagumpay sa maraming Ingles na bersyon ng Palladian Villa Rotunda. Nadama ni Kent na mas malaya sa panahon ng pagtatayo ng Holkham Hall Castle (1734), kung saan ang apat na pakpak (na may kapilya, silid-aklatan, kusina at mga kuwartong pambisita) ay organikong konektado sa gitnang gusali na nakabukas sa nakapalibot na parke. Napakahusay ng mga merito ni Kent sa landscape gardening, kung saan kilala siya bilang "ama ng modernong hardin."
Ang pinaka-matandang gawain ng arkitekto ay ang kalat-kalat na hugis, walang kaayusan na harapan ng kuwartel ng Horse Guards Regiment (Horse Guards, 1742-1751) sa London.
Ang arkitekto at arkitektural na teorista na si James Gibbs (1682-1765) ay ang pinakakapansin-pansing indibidwal sa arkitekturang Ingles noong unang kalahati ng ika-18 siglo. Nang mag-aral kasama si Philippe Juvara sa Turin, pinagkadalubhasaan din niya ang kaayusan at proporsyonal na sistema ni Palladio. Ang pinakamahalaga sa kanyang mga gusali, kapwa sa sukat at sa artistikong merito, ay ang tinatawag na Redcliffe Library sa Oxford (1737-1749), isang nakasentro na istraktura ng pambihirang pagka-orihinal, na binubuo ng isang labing-anim na panig na plinth, isang cylindrical na pangunahing bahagi at isang simboryo. Ang napakalaking rusticated plinth ay pinutol ng malalaking arched door at window openings; ang bilog na bahagi ay nahahati sa pamamagitan ng ipinares na tatlong-kapat na haligi sa labing-anim na pier na may dalawang tier ng mga alternating na bintana at niches. Sa itaas ng balustrade na kumukumpleto sa pangunahing cylindrical volume, isang simboryo na may parol na tumataas. Ganap na nagpapahayag ng layunin nito, ang mahigpit at monumental na library ng unibersidad ay walang alinlangan na sumasakop sa isa sa mga unang lugar sa mga pinakamahusay na monumento ng arkitekturang Ingles.
Ang mga simbahan sa London ni Gibbs, na ipinagpatuloy niya pagkatapos ng Wren at Hawksmoor, ay natatangi din - ang dalawang palapag na simbahan ng St. Mary le Strand (1714-1717) na may kalahating bilog na portico ng pasukan at isang payat na kampanilya at simbahan. ng St. Martin in the Fields (1721-1726) na may kahanga-hangang portico ng Corinthian.
Si William Chambers (1723-1796) ay isang pare-parehong kinatawan ng Palladianismo sa Inglatera noong ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, nang ang mas mababang arkitekto ng Ingles ay tinalikuran na ang mga hindi matagumpay na pagtatangka na iakma ang mga plano ng mga Palladian villa sa mga kondisyon ng klima ng Ingles at ang mga kinakailangan. ng kaginhawaan ng Ingles.
Binubuo ng Chambers ang nakaraang yugto ng arkitektura ng Ingles sa kanyang architectural treatise at ang kanyang pinakamalaking gusali, na kilala bilang Somerset House sa London (1776-1786). Ang monumental na gusaling ito, na itinayo sa mga arcade ng mga substructure, ay tinatanaw ang Strand at ang Thames embankment kasama ang rusticated facades nito (ang façade na nakaharap sa ilog ay idinagdag mamaya, noong ika-19 na siglo). Ang Royal Academy ay matatagpuan sa lugar ng Somerset House noong 1780.
Ang huling Palladian, Chambers ang unang kinatawan ng akademikong kilusan sa arkitekturang Ingles.
Ngunit ang Somerset House, lalo na ang harapan na may tatlong-arko na pasukan mula sa Strand at ang maringal na patyo ng gusali, ay karapat-dapat na nagtatapos sa isang malaki at napakatalino na panahon sa kasaysayan ng arkitekturang Ingles.
Hindi rin maikakaila ang mga merito ng Chambers sa larangan ng landscape architecture, kung saan itinaguyod niya ang English landscape park. Pagkatapos ng Kent, nagtrabaho siya sa Kew Park, kung saan, bilang karagdagan sa mga klasikal na pavilion, nagtayo siya ng isang Chinese pagoda bilang isang pagpupugay sa European fashion para sa "Chineseness" at bilang isang memorya ng kanyang paglalakbay sa Malayong Silangan sa kanyang kabataan.
Si Robert Adam (1728-1792), isa pang kilalang arkitekto ng Ingles noong ikalawang kalahati ng ika-18 siglo, ay kadalasang ikinukumpara sa Chambers. Habang ang konserbatibong Kamara ay isang mahigpit na tagapag-alaga ng mga tradisyon ng Palladian sa arkitektura, si Adam, isang mangangaral ng "mga bagong panlasa", ay sa isang tiyak na lawak ay isang innovator sa Ingles na sining. Ang pagkuha ng antiquity sa isang bagong paraan, habang binibigyang pansin ang mga pandekorasyon na motif, siya, sa kanyang sariling mga salita, ay "nagbagong palamuti." Ang mga nangungunang arkitekto ng Ingles noong panahong iyon, na pinamumunuan niya, ay gumawa ng maraming upang matiyak na ang mga bagong artistikong uso na hinabol niya ay kumalat mula sa interior decoration (ang kanilang halimbawa ay maaaring ang vestibule ng Wardour Castle sa Wiltshire, na nilikha ng arkitekto na si James Payne, tingnan ang ilustrasyon. ) sa muwebles, tela, at porselana.
Ang isang tipikal na halimbawa ng gawa ni Adan ay ang Kedleston Hall Castle (1765-1770), na itinayo at pinalamutian sa loob ayon sa isang Palladian na plano na iginuhit ng ibang mga arkitekto (na may kalahating bilog na mga pakpak na katabi ng gitnang gusali). Ngunit ang pinakamalaking mga seremonyal na silid ng kastilyo, na matatagpuan sa kahabaan ng pangunahing aksis, ay walang alinlangan na pag-aari ni Adan. Ang disenyo ng malaking bulwagan, kung saan sa likod ng mga haligi ng Corinthian na gawa sa artipisyal na marmol na sumusuporta sa stucco ceiling, may mga antigong estatwa sa mga niches ng mga dingding, at ang domed salon, na ang mga dingding nito ay hinihiwa-hiwalay ng mga niches at tabernacle, ay malamang. inspirasyon ng mga sinaunang monumento na nakilala ni Adan sa isang paglalakbay sa Dalmatia, kung saan pinag-aralan niya ang palasyo ni Diocletian sa Split. Sa pa sa mas malaking lawak Ang mga diskarte para sa dekorasyon ng iba, mas maliliit na silid - mga stucco na kisame at dingding, dekorasyon ng mga fireplace - tumugon sa bago, pinong panlasa. Ang magandang harapan ng Boodle Club sa London (1765) ay nagbibigay ng ideya kung paano nagpasya si Adam sa hitsura ng gusali.
Ang aktibidad ng arkitektura ni Robert Adam ay napakalawak. Kasama ang magkapatid na sina James, John at William, ang kanyang mga permanenteng empleyado, itinayo niya ang buong mga kalye, mga parisukat, at quarters ng London. Ang pagkakaroon ng pagtagumpayan ang nakaraang Palladian na paghihiwalay at paghihiwalay ng dami ng arkitektura, ang magkapatid na Adam ay bumuo ng mga pamamaraan para sa pagbuo ng mga integral na bloke ng lungsod (pangunahin ang mga gusali ng tirahan) batay sa isang solong grupo ng arkitektura. Ito ang Fitzroy Square, ang Adelphi quarter, na ipinangalan sa magkapatid na Adam mismo (“adelphos” ay Griyego para sa “kapatid na lalaki”). Bilang resulta ng muling pagpapaunlad at muling pagtatayo ng lungsod sa ibang pagkakataon (at pagkatapos din ng pambobomba sa himpapawid noong Ikalawang Digmaang Pandaigdig), kakaunti ang nakaligtas mula sa malawak na mga aktibidad sa pagtatayo ng magkapatid na Adam. Ngunit ang mga tradisyon ng kanilang sining ay nagpapanatili ng kanilang kahalagahan sa arkitektura ng Ingles sa loob ng mahabang panahon. Ang napakalakas na Helenisadong istilo ng magkapatid na Adam ay natagpuan ang pagpapatuloy nito sa tinatawag na "Greek Revival", na ang simula ay nagsimula noong katapusan ng ika-18 siglo, isang direksyon na hindi sapat na orihinal na malikhain at higit sa lahat ay eclectic. Naabot ng direksyong ito ang buong pag-unlad nito sa arkitektura ng Ingles sa mga unang dekada ng susunod, ika-19 na siglo.
