Mga painting ng mga European artist noong ika-19 na siglo. Mga dayuhang artista noong ika-19 na siglo: ang pinakakilalang mga pigura ng pinong sining at ang kanilang pamana
Ang ika-19 na siglo ay nag-iwan ng hindi maalis na mga marka sa lahat ng anyo ng sining. Ito ay panahon ng pagbabago ng mga pamantayan at pangangailangan ng lipunan, napakalaking pag-unlad sa arkitektura, konstruksiyon at industriya. Ang mga reporma at rebolusyon ay aktibong isinasagawa sa Europa, ang mga organisasyon ng pagbabangko at pamahalaan ay ginagawa, at lahat ng mga pagbabagong ito ay direktang nakaapekto sa mga artista. Mga dayuhang artista Ang ika-19 na siglo ay nagdala ng pagpipinta sa isang bago, higit pa modernong antas, unti-unting nagpapakilala ng mga uso gaya ng impresyonismo at romantikismo, na kailangang dumaan sa maraming pagsubok bago kinilala ng lipunan. Ang mga artista ng nakalipas na mga siglo ay hindi nagmamadali na bigyan ang kanilang mga karakter ng marahas na emosyon, ngunit inilalarawan sila bilang higit o mas pinipigilan. Ngunit ang impresyonismo ay may mga tampok na walang pigil at matapang na mundo ng pantasiya, na malinaw na sinamahan ng romantikong misteryo. Noong ika-19 na siglo, nagsimulang mag-isip ang mga artista sa labas ng kahon, ganap na tinatanggihan ang mga tinanggap na pattern, at ang katatagan ng loob na ito ay naihatid sa mood ng kanilang mga gawa. Sa panahong ito, maraming mga artista ang nagtrabaho, na ang kanilang mga pangalan ay itinuturing pa rin nating mahusay at ang kanilang mga gawa ay walang katulad.
France
Espanya
Ang Iberian Peninsula ay nagbigay din sa amin ng maraming sikat na pangalan, kabilang ang:
Netherlands
Si Vincent van Gogh ay isa sa mga pinakakilalang Dutchmen. Tulad ng alam ng lahat, si Van Gogh ay nagdusa mula sa malubhang sakit sa isip, ngunit hindi ito nakakaapekto sa kanyang panloob na henyo. Isinagawa sa hindi pangkaraniwang pamamaraan, ang kanyang mga ipininta ay naging tanyag lamang pagkatapos ng pagkamatay ng pintor. Ang pinakasikat: " Starlight Night", "Irises", "Sunflowers" ay kasama sa listahan ng mga pinakamahal na gawa ng sining sa buong mundo, kahit na si Van Gogh ay walang espesyal na edukasyon sa sining.
Norway
Si Edvard Munch ay tubong Norway, sikat sa kanyang pagpipinta. Ang gawain ni Edvard Munch ay malinaw na nakikilala sa pamamagitan ng melancholicity at isang tiyak na kawalang-ingat. Ang pagkamatay ng kanyang ina at kapatid na babae sa pagkabata at hindi gumaganang mga relasyon sa mga kababaihan ay lubos na nakaimpluwensya sa estilo ng pagpipinta ng artist. Halimbawa, ang kilalang akda na "The Scream" at ang hindi gaanong sikat na "Sick Girl" ay nagdadala ng sakit, pagdurusa at pang-aapi.
USA
Si Kent Rockwell ay isa sa mga sikat na American landscape painters. Pinagsasama ng kanyang mga gawa ang pagiging totoo at romantiko, na napakatumpak na naghahatid ng mood ng taong inilalarawan. Maaari mong tingnan ang kanyang mga landscape nang maraming oras at bigyang-kahulugan ang mga simbolo nang iba sa bawat oras. Ilang artista ang nakapaglarawan ng kalikasan ng taglamig sa paraang tunay na nararamdaman ng mga taong tumitingin dito ang lamig. Ang saturation at contrast ng kulay ay nakikilalang istilo ng Rockwell.
Ang ika-19 na siglo ay mayaman sa mga mahuhusay na manlilikha na gumawa ng napakalaking kontribusyon sa sining. Ang mga dayuhang artista noong ika-19 na siglo ay nagbukas ng mga pintuan sa ilang mga bagong kilusan, tulad ng post-impressionism at romanticism, na, sa katunayan, ay naging isang mahirap na gawain. Karamihan sa kanila ay walang sawang pinatunayan sa lipunan na ang kanilang pagkamalikhain ay may karapatang umiral, ngunit marami ang nagtagumpay, sa kasamaang-palad, pagkatapos lamang ng kamatayan. Ang kanilang walang pigil na karakter, tapang at kahandaang lumaban ay pinagsama sa pambihirang talento at kadalian ng pang-unawa, na nagbibigay sa kanila ng bawat karapatang sakupin ang isang makabuluhan at makabuluhang cell.
Pluralidad masining na direksyon noong ika-19 na siglo ay bunga ng proseso ng modernisasyon. Ang masining na buhay ng lipunan ay natukoy na ngayon hindi lamang ng mga dikta ng simbahan at ng paraan ng mga bilog ng korte. Ang pagbabago sa istrukturang panlipunan ay nagsasangkot ng pagbabago sa pang-unawa ng sining sa lipunan: ang mga bagong strata ng lipunan ng mga mayayaman at edukadong tao ay umuusbong, na may kakayahang malayang suriin ang mga gawa ng sining, na nakatuon lamang sa mga pangangailangan ng panlasa. Ito ay noong ika-19 na siglo na ang Kultura ng masa; ang mga pahayagan at magasin, na naglathala ng mahahabang nobela na may nakakaaliw na balangkas mula sa isyu hanggang sa isyu, ay naging prototype ng mga serye sa telebisyon sa sining ng ika-20 siglo.
Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo, ang pag-unlad ng lunsod sa isang hindi pa naganap na sukat ay nabuksan sa Europa. Karamihan sa mga European capitals - Paris, St. Petersburg, Berlin - ay nakuha ang kanilang katangian na hitsura; sa kanilang arkitektura ensembles Ang papel ng mga pampublikong gusali ay tumaas. Ang simbolo ng Paris ay ang sikat na Eiffel Tower, na itinayo noong 1889 para sa pagbubukas ng World Exhibition. Ang Eiffel Tower ay nagpakita ng mga teknikal na kakayahan ng isang bagong materyal - metal. Gayunpaman, ang orihinal na solusyon sa sining ay hindi agad nakilala; tinawag nila ang tore na gibain at tinawag na napakapangit.
Neoclassicism sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. nakaranas ng huli na kaarawan, ngayon ay natatanggap nito ang pangalang Imperyo (mula sa Pranses na "imperyo"), ang istilong ito ay nagpahayag ng kadakilaan ng imperyo na nilikha ni Napoleon. Sa kalagitnaan ng siglo, ang pangunahing problema ng arkitektura ng Europa ay ang paghahanap ng istilo. Bilang resulta ng romantikong pagkahumaling sa sinaunang panahon, sinubukan ng maraming mga master na buhayin ang mga tradisyon ng arkitektura ng nakaraan - ito ay kung paano lumitaw ang neo-Gothic, neo-Renaissance, at neo-Baroque. Ang mga pagsisikap ng mga arkitekto ay madalas na humantong sa eclecticism - isang mekanikal na kumbinasyon ng mga elemento ng iba't ibang mga estilo, luma at bago.
SA masining na buhay una kalahati ng ika-19 na siglo siglo, nanaig ang romantikismo, na sumasalamin sa pagkabigo sa ideolohiya ng Enlightenment. Ang Romantisismo ay naging isang espesyal na pananaw sa mundo at paraan ng pamumuhay. Ang romantikong ideal ng isang tao na hindi naiintindihan ng lipunan ay humuhubog sa kanyang pag-uugali itaas na sapin. Ang romantikismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng pagsalungat ng dalawang mundo: ang tunay at ang haka-haka. Ang tunay na realidad ay nakikita bilang hindi espirituwal, hindi makatao, hindi karapat-dapat sa tao at laban sa kanya. Ang "prosa ng buhay" ng totoong mundo ay kaibahan sa mundo ng "poetic reality", ang mundo ng ideal, pangarap at pag-asa. Nakikita ang isang mundo ng mga bisyo sa kontemporaryong katotohanan, sinusubukan ng romantikismo na makahanap ng isang paraan para sa tao. Ang paglabas na ito ay kasabay ng pag-alis sa lipunan sa iba't ibang paraan: ang bayani ay napupunta sa kanyang sariling panloob na mundo, lampas sa mga hangganan ng totoong espasyo, at sa ibang panahon. Nagsisimulang gawing ideyal ng Romantisismo ang nakaraan, lalo na ang Middle Ages, na nakikita dito ang katotohanan, kultura, at mga halaga.
Ang pinuno ng French romanticism sa pagpipinta ay nakalaan na maging Eugene Delacroix (1798-1863). Ang hindi mauubos na imahinasyon ng artist na ito ay lumikha ng isang buong mundo ng mga imahe na nabubuhay pa rin sa canvas sa kanilang matinding buhay, puno ng pakikibaka at pagnanasa. Si Delacroix ay madalas na gumuhit ng mga motif mula sa mga gawa ni William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott, at bumaling sa mga kaganapan ng Great French Revolution at iba pang mga yugto pambansang kasaysayan(“Labanan ng Poitiers”). Nakuha ni Delacroix ang maraming larawan ng mga tao sa Silangan, pangunahin ang mga Algerians at Moroccan, na nakita niya sa kanyang paglalakbay sa Africa. Sa kanyang akdang “The Massacre on the Island of Chios” (1824), sinasalamin ni Delacroix ang pakikibaka ng mga Griyego laban sa pamamahala ng Turko, na noon ay nag-aalala sa buong Europa. Inihambing ng pintor ang grupo ng nagdurusa na mga bihag na Griyego sa harapan ng larawan na may isang babaeng nalilito sa kalungkutan at isang bata na gumagapang patungo sa dibdib ng isang patay na ina na may mga mapagmataas at malupit na pigura ng mga puwersang nagpaparusa; Ang isang nasusunog, nawasak na lungsod ay makikita sa malayo. Ang larawan ay namangha sa mga kontemporaryo sa parehong nakamamanghang kapangyarihan ng pagdurusa ng tao at ang hindi pangkaraniwang matapang at matingkad na kulay nito.
Ang mga kaganapan ng Rebolusyon ng Hulyo ng 1830, na nagtapos sa pagkatalo ng rebolusyon at ang pagpapanumbalik ng monarkiya, ay nagbigay inspirasyon kay Delacroix na lumikha ng kilalang pagpipinta na "Liberty on the Barricades" (1830). Ang babaeng nagtaas ng tatlong kulay na bandila ng French Republic ay kumakatawan sa kalayaan. Ang imahe ng kalayaan sa mga barikada ay ang personipikasyon ng pakikibaka.
Isang sikat na kinatawan ng romantikismo sa buong mundo ang artistang Espanyol na si Francisco Goya (1746–1828). pangunahing artista medyo late. Ang kanyang unang makabuluhang tagumpay ay dinala sa kanya ng dalawang serye (1776-1791) ng maraming tapiserya na nilikha para sa Royal Manufactory ng Santa Barbara sa Madrid (“The Umbrella”, “The Blind Guitar Player”, “The Crockery Seller”, “The Game of Blind Man's Bluff", "The Wedding"). Noong dekada 90 Noong ika-18 siglo, sa gawain ni Goya, ang mga katangian ng trahedya at poot sa pyudal-clerical na Espanya ng "lumang pagkakasunud-sunod" ay lumago. Inihayag ng Goya ang kapangitan ng moral, espirituwal at pampulitikang mga pundasyon nito sa isang kataka-takang-trahedya na anyo, na nagpapakain sa mga pinagmulan ng alamat, sa isang malaking serye ng mga ukit na "Caprichos" (80 mga sheet na may mga komento ng artist); ang matapang na novelty ng masining na wika, ang matalas na pagpapahayag ng mga linya at stroke, mga kaibahan ng liwanag at anino, ang kumbinasyon ng katawa-tawa at katotohanan, alegorya at pantasya, panlipunang pangungutya at matino na pagsusuri ng katotohanan ay nagbukas ng mga bagong paraan para sa pag-unlad ng European engraving. Noong 1790s - unang bahagi ng 1800s, ang portraiture ni Goya ay umabot sa isang pambihirang pamumulaklak, kung saan ang isang nakababahala na pakiramdam ng kalungkutan (portrait ni Senora Bermudez), matapang na paghaharap at hamon sa kapaligiran (portrait ni F. Guillemardet), ang bango ng misteryo at nakatagong sensuality. (Si Maja ay nagbihis " at "Makha na nakahubad"). SA kamangha-manghang kapangyarihan Nakuha ng artista ang pagmamataas, pisikal at espirituwal na kapahamakan ng maharlikang pamilya sa larawan ng grupo na "Ang Pamilya ni Charles IV." Napuno ng malalim na historicism at marubdob na protesta malalaking painting Goya, na nakatuon sa pakikibaka laban sa interbensyong Pranses ("Pag-aalsa noong Mayo 2, 1808 sa Madrid", "Pagpapatay sa mga rebelde noong gabi ng Mayo 3, 1808"), isang serye ng mga ukit na "Mga Sakuna ng Digmaan" (82 na mga sheet , 1810–1820) pilosopikal na pagbibigay kahulugan sa kapalaran ng mga tao.
Francisco Goya “Caprichos”
Kung sa panitikan ang subjectivity ng pang-unawa ng artist ay nagpapakita ng simbolismo, kung gayon sa pagpipinta ng isang katulad na pagtuklas ay ginawa ng impresyonismo. Impressionism (mula sa French impression - impression) - isang direksyon sa European painting, na nagmula sa France noong kalagitnaan ng ika-19 na siglo. Iniwasan ng mga impresyonista ang anumang mga detalye sa pagguhit at sinubukang makuha ang pangkalahatang impresyon ng kung ano ang nakikita ng mata sa isang partikular na sandali. Nakamit nila ang epektong ito gamit ang kulay at texture. Ang masining na konsepto ng impresyonismo ay binuo sa pagnanais na natural at natural na makuha ang mundo sa paligid natin sa pagkakaiba-iba nito, na naghahatid ng ating panandaliang mga impression. Ang mga artista ng paaralan ng Barbizon ay naghanda ng matabang lupa para sa pagbuo ng impresyonismo: sila ang unang nagpinta ng mga sketch mula sa buhay. Ang prinsipyo ng "pagpinta kung ano ang nakikita mo sa liwanag at hangin" ay naging batayan ng plein air painting ng mga Impresyonista.
Noong 1860s, sinubukan ng mga batang artista ng genre na sina E. Manet, O. Renoir, E. Degas na huminga sa pagiging bago ng pagpipinta ng Pranses at spontaneity ng pagmamasid sa buhay, paglalarawan ng mga instant na sitwasyon, kawalang-tatag at kawalan ng balanse ng mga anyo at komposisyon, hindi pangkaraniwang mga anggulo at punto ng tingnan . Ang pagtatrabaho sa labas ay nakatulong na lumikha sa mga canvases ng pakiramdam ng kumikinang na niyebe, ang yaman ng mga natural na kulay, ang pagkatunaw ng mga bagay sa kapaligiran, ang vibration ng liwanag at hangin. Espesyal na atensyon Ang mga impresyonistang artista ay nagbigay-pansin sa kaugnayan ng isang bagay sa kapaligiran nito, na pinag-aaralan ang mga pagbabago sa kulay at tono ng isang bagay sa nagbabagong kapaligiran. Hindi tulad ng mga romantiko at realista, hindi na sila hilig na ilarawan ang makasaysayang nakaraan. Ang kanilang lugar ng interes ay modernidad. Ang buhay ng mga maliliit na cafe sa Paris, maingay na kalye, magagandang mga bangko ng Seine, mga istasyon ng tren, mga tulay, ang hindi kapansin-pansing kagandahan ng mga rural na landscape. Hindi na gustong tugunan ng mga artista ang mga pressing social issues.
Ang gawain ni Edouard Manet (1832-1883) ay nauna sa isang bagong direksyon sa pagpipinta - impresyonismo, ngunit ang artist mismo ay hindi sumali sa kilusang ito, kahit na medyo binago niya ang kanyang malikhaing istilo sa ilalim ng impluwensya ng mga impresyonista. Ipinahayag ni Manet ang kanyang programa: "Upang mabuhay ang iyong oras at ilarawan kung ano ang nakikita mo sa harap mo, pagtuklas ng tunay na kagandahan at tula sa pang-araw-araw na daloy ng buhay." Kasabay nito, sa karamihan ng mga gawa ni Manet ay walang aksyon, kahit isang maliit na balangkas. Nagiging pare-pareho ang motif ng Paris sa gawain ni Manet: ang karamihan ng tao sa lungsod, mga cafe at sinehan, ang mga lansangan ng kabisera.
Edouard Manet "Bar sa Folies Bergere"
Edourd Manet "Music in the Tuileries"
Ang mismong pangalan ng impresyonismo ay dahil sa pinagmulan nito sa tanawin ni Claude Monet (1840-1926) “Impresyon. pagsikat ng araw".
Sa trabaho ni Monet nangungunang halaga nakuha ang elemento ng liwanag. Pagsapit ng dekada 70. XIX na siglo Kabilang dito ang kamangha-manghang "Boulevard des Capucines", kung saan ang mga brush na inihagis sa canvas ay naghahatid ng pananaw ng isang abalang kalye na umuurong sa malayo, isang walang katapusang daloy ng mga karwahe na gumagalaw sa kahabaan nito, at isang masayang maligayang pulutong. Nagpinta siya ng maraming mga pagpipinta na may pareho, ngunit naiiba ang iluminadong bagay ng pagmamasid. Halimbawa, isang haystack sa umaga, sa tanghali, sa gabi, sa panahon ng buwan, sa ulan, at iba pa.
Maraming mga tagumpay ng impresyonismo ang nauugnay sa gawain ni Pierre Auguste Renoir (1841-1919), na bumaba sa kasaysayan ng sining bilang "pintor ng kaligayahan." Talagang nilikha niya sa kanyang mga pagpipinta ang isang espesyal na mundo ng mapang-akit na kababaihan at matahimik na mga bata, masayang kalikasan at magagandang bulaklak. Sa buong buhay niya, nagpinta si Renoir ng mga landscape, ngunit ang kanyang bokasyon ay nanatiling paglalarawan ng mga tao. Gustung-gusto niyang magpinta ng mga pagpipinta ng genre, kung saan sa kamangha-manghang linaw ay muling nilikha niya ang pagmamadali ng mga kalye at boulevard ng Paris, ang katamaran ng mga cafe at sinehan, ang kasiglahan ng mga paglalakad sa bansa at mga pista opisyal sa ilalim ng araw. bukas na hangin. Ang lahat ng mga kuwadro na ito, na ipininta sa bukas na hangin, ay nakikilala sa pamamagitan ng sonority ng kulay. Ang pagpipinta na "Moulin de la Galette" (ang people's ball sa hardin ng Montmarte dance hall) ay isang obra maestra ng impresyonismo ni Renoir. Dito makikita ang masiglang ritmo ng sayaw, ang pagkislap ng mga batang mukha. Walang mga biglaang paggalaw sa komposisyon, at ang pakiramdam ng dynamics ay nilikha ng ritmo ng mga spot ng kulay. Ang spatial na organisasyon ng pagpipinta ay kawili-wili: ang foreground ay ibinigay mula sa itaas, ang mga nakaupo na figure ay hindi nakakubli sa mga mananayaw. Maraming mga larawan ang pinangungunahan ng mga bata at batang babae; ang mga larawang ito ay nagpapakita ng kanyang husay: "Boy with a Cat", "Girl with a Fan".
Isang aktibong kalahok sa lahat ng mga eksibisyon, si Edgar Degas (1834 - 1917) ay malayo sa lahat ng mga prinsipyo ng mga Impresyonista: siya ay isang kalaban ng plein air, hindi nagpinta mula sa buhay, at hindi nagsusumikap na makuha ang katangian ng iba't ibang estado ng kalikasan. Ang isang makabuluhang lugar sa trabaho ni Degas ay inookupahan ng isang serye ng mga painting na naglalarawan ng isang hubad na katawan ng babae. Marami sa kanyang mga painting mga nakaraang taon nakatuon sa "babae sa likod ng banyo." Sa maraming mga gawa, ipinakita ni Degas ang katangian ng pag-uugali at hitsura ng mga tao, na nabuo ng mga kakaibang katangian ng kanilang buhay, ay nagpapakita ng mekanismo ng isang propesyonal na kilos, pustura, paggalaw ng isang tao, ang kanyang plastik na kagandahan ("Mga Babaeng Pamplantsa", "Mga Babaeng Panglaba na may Linen ”). Ang pagpapatibay ng aesthetic na kahalagahan ng buhay ng mga tao at ang kanilang pang-araw-araw na gawain ay sumasalamin sa natatanging humanismo ng gawain ni Degas. Ang sining ni Degas ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang kumbinasyon ng maganda, kung minsan ay hindi kapani-paniwala, at ang prosaic: paghahatid ng maligaya na diwa ng teatro sa maraming mga eksena ng ballet ("Ballet Star", "Ballet School", "Dancing Lesson").
Sinasaklaw ng Post-Impresyonismo ang panahon mula 1886, kung kailan ginanap ang huling eksibisyon ng Impresyonista, kung saan unang ipinakita ang mga gawa ng Neo-Impresyonista, hanggang sa 1910s, na nagpahayag ng pagsilang ng isang ganap na bagong sining sa mga anyo ng Cubism at Fauvism. Ang terminong "post-impressionism" ay ipinakilala sa Ingles ng Ingles na kritiko na si Roger Fry, na nagpapahayag ng kanyang pangkalahatang impresyon sa eksibisyon ng kontemporaryong sining na inorganisa niya sa London noong 1910. sining ng Pranses, na nagtampok ng mga gawa nina Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cezanne at iba pang mga artista.
Ang mga post-impressionist, na marami sa kanila ay dati nang sumunod sa impresyonismo, ay nagsimulang maghanap ng mga paraan ng pagpapahayag hindi lamang ng kagyat at lumilipas - bawat sandali, sinimulan nilang maunawaan ang mga pangmatagalang estado ng nakapaligid na mundo. Ang Post-Impresyonismo ay nailalarawan sa pamamagitan ng iba't ibang mga malikhaing sistema at pamamaraan na nakaimpluwensya sa kasunod na pag-unlad sining biswal. Inaasahan ng mga gawa ni Van Gogh ang pagdating ng Expressionism, si Gauguin ang nagbigay daan para sa Art Nouveau.
Si Vincent Van Gogh (1853-1890) ay lumikha ng pinakamatingkad na artistikong mga imahe sa pamamagitan ng synthesis (kumbinasyon) ng pagguhit at kulay. Ang pamamaraan ni Van Gogh ay mga tuldok, kuwit, patayong linya, solidong batik. Ang mga kalsada, kama at mga tudling nito ay talagang tumatakbo sa malayo, at ang mga palumpong ay nasusunog sa lupa na parang apoy. Hindi niya inilarawan ang isang nakuhang sandali, ngunit isang pagpapatuloy ng mga sandali. Hindi niya inilarawan ang ibinigay na epekto ng isang puno na nabaluktot ng hangin, ngunit ang mismong paglaki ng isang puno mula sa lupa. Alam ni Van Gogh kung paano baguhin ang lahat ng random sa cosmic. Hinihiling ng kaluluwa ni Van Gogh Matitingkad na kulay, palagi siyang nagrereklamo sa kanyang kapatid tungkol sa hindi sapat na lakas ng kahit na ang paborito niyang maliwanag na dilaw na kulay.
Ang Starry Night ay hindi ang unang pagtatangka ni Van Gogh na ilarawan ang kalangitan sa gabi. Noong 1888, sa Arles, ipininta niya ang Starry Night sa ibabaw ng Rhone. Nais ni Van Gogh na ilarawan ang isang mabituing gabi bilang isang halimbawa ng kapangyarihan ng imahinasyon, na maaaring lumikha ng isang mas kamangha-manghang kalikasan kaysa sa kung ano ang maaari nating makita kapag tumitingin sa totoong mundo.
Ang isang mas mataas na pang-unawa sa katotohanan at kawalang-tatag ng isip ay humantong kay Van Gogh sa sakit sa isip. Dumating si Gauguin upang manatili sa Arles, ngunit ang mga pagkakaiba sa pagkamalikhain ay nagdudulot ng away. Binato ni Van Gogh ang isang baso sa ulo ng artista, pagkatapos, pagkatapos ipahayag ni Gauguin ang kanyang balak na umalis, sinugod siya ng isang labaha. Sa sobrang kabaliwan sa gabi ng parehong araw, pinutol ng artista ang kanyang tainga ("Self-Portrait na may Bandaged Ear").
Ang gawain ni Paul Gauguin (1848-1903) ay hindi mapaghihiwalay sa kanyang malagim na kapalaran. Ang pinakamahalagang bagay sa istilong konsepto ni Gauguin ay ang kanyang pag-unawa sa kulay. Tungkol sa. Tahiti, kung saan umalis ang artista noong 1891, sa ilalim ng impluwensya ng mga primitive na anyo ng sining ng Polynesian, nagpinta siya ng mga pintura na nailalarawan sa pamamagitan ng dekorasyon, mga flat na hugis at pambihirang mga purong kulay. Ang "exotic" na mga pintura ni Gauguin - "Nagseselos ka ba?", "Ang kanyang pangalan ay Vairaumati", "Babae na may hawak na prutas" - hindi gaanong sumasalamin sa mga likas na katangian ng mga bagay, ngunit emosyonal na kalagayan artista at simbolikong kahulugan ang mga imaheng kanyang naisip. Ang kakaiba ng estilo ng pagpipinta ni Gauguin ay nakasalalay sa maliwanag na dekorasyon nito, ang pagnanais na magpinta ng malalaking ibabaw ng canvas na may isang kulay, at ang pag-ibig sa dekorasyon, na naroroon sa mga tela, damit, karpet, at mga background ng landscape.
Paul Gauguin "Kailan ikakasal" "Babae na may hawak na prutas"
Malaking tagumpay XIX kultura V. ay ang paglitaw ng sining ng potograpiya at disenyo. Ang unang camera sa mundo ay ginawa noong 1839 ni Louis Jacques Mande Daguerre.
Ang mga maagang pagtatangka ni Daguerre na gumawa ng gumaganang camera ay hindi nagtagumpay. Noong 1827, nakilala niya si Joseph Niepce, na sinubukan din (at pagkatapos ay nakamit ng kaunti higit na tagumpay) imbentuhin ang camera. Pagkalipas ng dalawang taon ay naging magkasosyo sila. Namatay si Niépce noong 1833, ngunit patuloy na nagsumikap si Daguerre. Noong 1837, sa wakas ay nakabuo siya ng isang praktikal na photographic system na tinatawag na daguerreotype. Ang imahe (daguerreotype) ay nakuha sa isang pilak na plato na ginagamot sa singaw ng yodo. Pagkatapos ng pagkakalantad sa loob ng 3-4 na oras, ang plato ay binuo sa mercury vapor at naayos na may mainit na solusyon ng table salt o hyposulfite. Ang mga Daguerreotype ay ibang-iba mataas na kalidad mga larawan, ngunit isang larawan lamang ang maaaring makuha.
Noong 1839, inilathala ni Daguerre ang kanyang imbensyon, ngunit hindi nag-aplay para sa isang patent. Bilang tugon, iginawad sa kanya at sa anak ni Niepce ang mga pensiyon na panghabambuhay na pensiyon. Ang anunsyo ng imbensyon ni Daguerre ay nagdulot ng isang mahusay na sensasyon. Si Daguerre ay naging bayani ng araw, ang katanyagan ay nahulog sa kanya, at ang daguerreotype na paraan ay mabilis na nakahanap ng malawak na aplikasyon.
Ang pag-unlad ng photography ay humantong sa isang rebisyon ng masining na mga prinsipyo ng graphics, pagpipinta, iskultura, at pinagsamang artistry at dokumentaryo, na hindi matamo sa ibang mga anyo ng sining. Ang batayan para sa disenyo ay inilatag ng International Industrial Exhibition sa London noong 1850. Ang disenyo nito ay minarkahan ang rapprochement ng sining at teknolohiya at minarkahan ang simula ng isang bagong uri ng pagkamalikhain.
Louis Daguerre, Nicéphore Niepce at Niepce's Camera Obscura
Joseph Nicephore Niepce. Ang unang litrato sa mundo na kinunan gamit ang isang haluang metal na lata at tingga, 1826.
Larawan ng Daguerre "The Artist's Studio", 1837
Noong 1870s, dalawang imbentor, sina Elisha Gray at Alexander Graham Bell, ay nakapag-iisa na nakabuo ng mga device na maaaring magpadala ng pagsasalita sa pamamagitan ng kuryente, na kalaunan ay tinawag na telepono. Pareho silang nagsumite ng kani-kanilang mga patent sa mga opisina ng patent, ang pagkakaiba sa oras ng pag-file ay ilang oras lamang. Gayunpaman, unang nakatanggap ng patent si Alexander Graham Bell.
Ang telepono at telegrapo ay mga sistemang elektrikal batay sa mga kawad. Ang tagumpay ni Alexander Bell, o sa halip ang kanyang pag-imbento, ay medyo natural, dahil, sa pamamagitan ng pag-imbento ng telepono, sinisikap niyang pagbutihin ang telegrapo. Nang magsimulang mag-eksperimento si Bell sa mga de-koryenteng signal, ang telegrapo ay ginamit na bilang isang paraan ng komunikasyon sa loob ng halos 30 taon. Bagama't ang telegraph ay isang medyo matagumpay na sistema para sa pagpapadala ng impormasyon batay sa Morse code na may pagpapakita ng mga titik gamit ang mga tuldok at gitling, gayunpaman, ang malaking kawalan ng telegrapo ay ang impormasyon ay limitado sa pagtanggap at pagpapadala ng isang mensahe sa isang pagkakataon.
Si Alexander Bell ay nagsasalita sa unang modelo ng telepono
Ang unang telepono, na nilikha ni Alexander Graham Bell, ay isang aparato kung saan ang mga tunog ng pagsasalita ng tao ay ipinadala gamit ang kuryente (1875). Noong Hunyo 2, 1875, si Alexander Graham Bell, na nag-eksperimento sa kanyang pamamaraan, na tinawag niyang "harmonic telegraph," ay natuklasan na nakakarinig siya ng tunog sa isang wire. Tunog iyon ng orasan.
Ang pinakamalaking tagumpay ni Bell ay nakamit noong Marso 10, 1876. Habang nakikipag-usap sa pamamagitan ng telepono sa kanyang katulong, si Thomas Watson, na nasa katabing silid, binibigkas ni Bell ang mga salitang kilala na ngayon ng lahat bilang “Mr. Watson - halika rito - gusto kitang makita” (Mr. Watson - come here - I want to see you). Sa oras na ito, hindi lamang ang telepono ang ipinanganak, kundi pati na rin ang maramihang telegraph ay namatay. Ang potensyal ng komunikasyon sa pagpapakita na ang kuryente ay maaaring makipag-usap ay ibang-iba sa kung ano ang maaaring mag-alok ng telegrapo, kasama ang sistema ng mga tuldok at gitling nito.
Ang konsepto ng sinehan ay unang lumitaw sa Pranses na bersyon nito - "cinematograph", na nagsasaad ng isang sistema ng paglikha at pagpapakita ng mga pelikulang binuo ng magkapatid na Louis Jean at Auguste Lumière. Ang unang pelikula ay kinunan gamit ang isang camera ng pelikula ng Pranses na si Louis Aimé Augustin Le Prinesy (1842–1890) noong Nobyembre 1888 sa Great Britain at binubuo ng dalawang fragment: sa una - 10-12 larawan bawat segundo, sa pangalawa - 20 mga larawan bawat segundo. Ngunit opisyal na itinuturing na ang sinehan ay nagmula noong Disyembre 28, 1895. Sa araw na ito, sa Indian salon na "Grand Café" sa Boulevard des Capucines (Paris, France) naganap ang pampublikong screening ng "The Cinematograph of the Lumière Brothers". Noong 1896, ang mga kapatid ay gumawa ng isang pandaigdigang paglilibot sa kanilang imbensyon, na bumisita sa London, New York, at Bombay.
Si Louis Jean Lumiere ay nagtapos mula sa isang pang-industriyang paaralan, ay isang photographer at nagtrabaho sa isang pabrika ng photographic materials na pag-aari ng kanyang ama. Noong 1895, nag-imbento si Lumière ng isang camera ng pelikula para sa paggawa ng pelikula at pag-project ng "mga gumagalaw na litrato." Ang kanyang kapatid na si Auguste Lumière ay naging aktibong bahagi sa kanyang trabaho upang mag-imbento ng sinehan. Ang aparato ay patented at tinatawag na cinematography. Ang mga unang programa sa pelikula ng Lumiere ay nagpakita ng mga eksenang kinunan sa lokasyon: "Paglabas ng mga Manggagawa mula sa Pabrika ng Lumiere," "Pagdating ng isang Tren," "Almusal ng Bata," "Tubig" at iba pa. Kapansin-pansin, ang salitang lumiere ay nangangahulugang "liwanag" sa Pranses. Marahil ito ay isang aksidente, o marahil ang kapalaran ng mga gumagawa ng pelikula ay napagpasyahan nang maaga.
 |
Ang pintor ng Aleman na si Franz Xaver Winterhalter ay kilala sa kanyang mga larawan ng magagandang babae noong ika-19 na siglo. Ipinanganak siya noong 1805 sa Alemanya, ngunit pagkatapos matanggap bokasyonal na edukasyon lumipat sa Paris, kung saan siya ay hinirang na court artist sa royal court. Isang buong serye ng mga larawan ng isang mataas na lipunan na pamilya ang naging dahilan ng pagiging sikat ng artist. At lalo siyang naging tanyag sa mga kababaihan sa lipunan, dahil mahusay niyang pinagsama ang pagkakahawig ng larawan sa kakayahang "ipakita" ang bagay ng kanyang trabaho. Gayunpaman, ang mga kritiko ay tinatrato siya nang napaka, napaka-cool, na, gayunpaman, ay hindi pumigil sa kanya na maging lalong popular sa mga kababaihan ng mataas na lipunan hindi lamang sa France, kundi sa buong mundo. Sinabi ito ni Alexandre Dumas tungkol sa kanya
Ang mga kababaihan mula sa Russia ay hindi nakatakas sa parehong kapalaran. |
Kabilang sa kanyang pinakatanyag na mga gawa ay ang mga larawan ni Empress Eugenie (ang kanyang paboritong modelo).
at Empress Elisabeth ng Bavaria (1865).
Dito kailangan nating huminto at huminto...
Paano konektado ang lahat sa mundong ito! Ang Habsburgs at ang buhay ni Elizabeth, ang kanyang relasyon sa kanyang biyenan, ang kapalaran ng kanyang anak na si Rudolf at ang pelikulang "Mayerling", ang kasaysayan ng Austria-Hungary at ang papel ni Ava Gardner, at ako, isang maliit na probinsiya. babae na nangongolekta ng mga portrait ni Franz at marubdob na nakatingin sa monitor ng computer...
Nabasa ko sa encyclopedia ang tungkol sa buhay ni Sissy, tungkol sa kanyang mga anak, naalala ang pelikula at tumingin sa mga portrait at litrato...
Sa katunayan, ang pagpipinta ay isang bintana sa makalupang mundo at sa mundo ng kaalaman...
Si Franz Xaver Winterhalter ay ipinanganak noong Abril 20, 1805 sa maliit na nayon ng Mensenschwad sa Black Forest, Baden. Siya ang ikaanim na anak sa pamilya ni Fidel Winterhalter, isang magsasaka at tagagawa ng resin, at ang kanyang asawang si Eva Meyer, na nagmula sa matandang pamilyang Menzenschwand. Sa walong kapatid ni Franz, apat lang ang nakaligtas.
Ang kanyang ama, kahit na nagmula sa magsasaka, ay may malaking impluwensya sa buhay ng artista.
Sa buong buhay niya, malapit na nauugnay si Winterhalter sa kanyang pamilya, lalo na sa kanyang kapatid na si Hermann (1808–1891), na isa ring artista.
Pagkatapos mag-aral sa monasteryo ng Benedictine sa Blazin noong 1818, ang labintatlong taong gulang na si Winterhalter ay umalis sa Menzenschwand upang mag-aral ng pagguhit at pag-ukit.
Nag-aral siya ng lithography at pagguhit sa Freiburg sa studio ni Karl Ludwig Schuler (1785-1852). Noong 1823, noong siya ay labing walong taong gulang, sa suporta ng industriyalistang Baron von Eichtal, umalis siya patungong Munich.
Noong 1825, siya ay iginawad ng isang iskolar mula sa Grand Duke ng Baden at nagsimula ng isang kurso ng pag-aaral sa Munich Academy of Arts sa ilalim ng direksyon ni Peter Cornelius, ngunit hindi nagustuhan ng batang artista ang kanyang mga pamamaraan sa pagtuturo, at si Winterhalter ay nakahanap ng isa pa. guro na maaaring magturo sa kanya ng sekular na sining. pagpipinta ng portrait, at ito ay si Joseph Stieler.
Kasabay nito, si Winterhalter ay nabubuhay bilang isang lithographer.
Ang pagpasok ni Winterhalter sa mga bilog ng korte ay naganap noong 1828 sa Karlsruhe, nang siya ay naging guro sa pagguhit ng Countess Sophia ng Baden. Ang isang kanais-nais na pagkakataon na ipakilala ang kanyang sarili sa malayo mula sa timog Alemanya ay dumating sa artist noong 1832, nang, sa suporta ni Grand Duke Leopold ng Baden, nagkaroon siya ng pagkakataong maglakbay sa Italya (1833-1834).
Sa Roma, nagpinta siya ng mga larawan ng romantikong genre sa istilo ni Louis-Leopold Robert at naging malapit sa direktor ng French Academy na si Horace Vernet.
Sa kanyang pagbabalik sa Karlsruhe, nagpinta si Winterhalter ng mga larawan ni Grand Duke Leopold ng Baden at ng kanyang asawa at naging pintor ng ducal court.
Gayunpaman, iniwan niya ang Baden at lumipat sa France,
kung saan sa eksibisyon ng 1836 ay naakit ang pansin ng kanyang genre na pagpipinta na "Il dolce Farniente",
at makalipas ang isang taon, pinuri rin ang Il Decameron. Ang parehong mga gawa ay mga akademikong pagpipinta sa estilo ni Raphael.
Sa Salon ng 1838 ipinakita nila ang isang larawan ng Prinsipe ng Wagram kasama ang kanyang anak na babae.
Ang mga pagpipinta ay isang tagumpay, at ang karera ni Franz bilang isang portrait artist ay natiyak.
Isang taon ay pininturahan niya si Louise Marie d'Orléans, Reyna ng Belgium at ang kanyang anak.
Marahil salamat sa pagpipinta na ito, nakilala si Winterhalter kay Maria Amalia ng Naples, Reyna ng Pransya, ina ng reyna ng Belgian.
Kaya, sa Paris, mabilis na naging sunod sa moda ang Winterhalter. Siya ay hinirang na court artist kay Louis Philippe, Hari ng France, na ipinagkatiwala sa kanya ang paglikha ng mga indibidwal na larawan ng kanyang malaking pamilya. Kailangang kumpletuhin ni Winterhalter ang higit sa tatlumpung order para sa kanya.
Ang tagumpay na ito ay nakakuha ng reputasyon sa artist bilang isang dalubhasa sa dynastic at aristokratikong portraiture: mahusay na pinagsama ang tumpak na pagkakahawig ng portrait na may banayad na pambobola, ipinakita niya ang karangyaan ng estado sa isang buhay na buhay, modernong paraan. Sunod-sunod ang mga utos...
Gayunpaman, sa mga artistikong lupon ay tinatrato si Winterhalter nang iba.
Ang mga kritiko na pinuri ang kanyang debut sa 1936 Salon ay ibinasura siya bilang isang artista na hindi maaaring seryosohin. Ang saloobin na ito ay nagpatuloy sa buong karera ni Winterhalter at itinakda ang kanyang trabaho sa hierarchy ng pagpipinta.
Winterhalter ang kanyang sarili ay isinasaalang-alang ang kanyang una utos ng gobyerno bilang isang pansamantalang yugto bago bumalik sa pagpipinta ng bagay at pagpapanumbalik ng awtoridad sa akademiko; siya pala ay naging biktima ng kanyang sariling tagumpay, at para sa kanyang sariling kapayapaan ng isip kailangan niyang magtrabaho halos eksklusibo sa portrait genre. Ito ay isang lugar kung saan hindi lamang siya sanay at matagumpay, ngunit nagawa rin niyang yumaman.
Ngunit ang Winterhalter ay nakatanggap ng internasyonal na katanyagan at ang pagtangkilik ng royalty.
Kabilang sa kanyang maraming maharlikang modelo ay si Reyna Victoria. Unang bumisita si Winterhalter sa England noong 1842 at bumalik doon ng ilang beses upang magpinta ng mga larawan ni Victoria, Prince Albert at ng kanilang lumalaking pamilya, na lumikha ng kabuuang 120 na gawa para sa kanila. Karamihan sa mga painting ay nasa Royal Collection at bukas para ipakita sa Buckingham Palace at iba pang museo.
Nagpinta rin si Winterhalter ng ilang larawan ng mga kinatawan ng aristokrasya ng Ingles, na karamihan ay bahagi ng bilog ng korte.
Ang pagbagsak ni Louis Philippe noong 1848 ay walang epekto sa reputasyon ng artist. Lumipat si Winterhalter sa Switzerland at nagtrabaho sa mga order sa Belgium at England.
Ang Paris ay nananatiling bayan ng artist: ang isang pahinga sa mga order para sa mga larawan sa France ay nagpapahintulot sa kanya na bumalik sa pampakay na pagpipinta at bumaling sa mga alamat ng Espanyol.
Ito ay kung paano lumitaw ang pagpipinta na "Florinda" (1852, Metropolitan Museum of Art, New York), na isang masayang pagdiriwang ng kagandahan ng babae.
Sa parehong taon ay iminungkahi niya ang kasal, ngunit tinanggihan; Si Winterhalter ay nanatiling bachelor, na nakatuon sa kanyang trabaho.
Matapos ang pag-akyat ni Napoleon III sa trono, ang katanyagan ng artista ay kapansin-pansing lumago. Mula sa oras na ito, si Winterhalter ay naging pangunahing pintor ng larawan ng imperyal na pamilya at ang korte ng Pransya.
Ang magandang Frenchwoman na si Empress Eugenie ay naging paborito niyang modelo at tinatrato niya ang artista.
Noong 1855, ipininta ni Winterhalter ang kanyang obra maestra na "Empress Eugenie na napapalibutan ng kanyang ladies-in-waiting," kung saan inilalarawan niya siya sa isang rural na setting, na pumipitas ng mga bulaklak kasama ang kanyang mga babaeng naghihintay. Ang pagpipinta ay mahusay na natanggap, ipinakita para sa pampublikong pagtingin, at hanggang sa araw na ito ay nananatiling marahil ang pinakatanyag na gawa ng master.
Noong 1852 naglakbay siya sa Espanya upang ipinta si Reyna Isabella II, na nagtatrabaho para sa maharlikang pamilya ng Portugal. Ang mga kinatawan ng aristokrasya ng Russia na dumating sa Paris ay natutuwa din na matanggap ang kanilang larawan mula sa sikat na master.
Bilang isang maharlikang artista, si Winterhalter ay palaging hinihiling sa mga korte ng Britain (mula noong 1841), Spain, Belgium, Russia, Mexico, Germany at France.
Ang Klasisismo noong ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo (sa kasaysayan ng sining ng dayuhan ay madalas itong tinatawag na neoclassicism), na naging isang pan-European na istilo, ay nabuo din pangunahin sa dibdib ng kulturang Pranses, sa ilalim ng malakas na impluwensya ng mga ideya ng Enlightenment. Sa arkitektura, tinukoy ang mga bagong uri ng isang eleganteng mansyon, isang seremonyal na pampublikong gusali, isang bukas na plaza ng lungsod (Gabriel Jacques Ange at Soufflot Jacques Germain), ang paghahanap para sa bago, walang kaayusan na mga anyo ng arkitektura, ang pagnanais para sa matinding pagiging simple sa gawain ng Inaasahan ni Ledoux Claude Nicolas ang arkitektura ng huling yugto ng klasisismo - Imperyo. Ang mga sibil na pathos at lyricism ay pinagsama sa plastic na sining (Pigal Jean Baptiste at Houdon Jean Antoine), mga pandekorasyon na tanawin (Robert Hubert). Ang matapang na dramatismo ng makasaysayang at portrait na mga imahe ay likas sa mga gawa ng kabanata Klasisismo ng Pranses, pintor na si Jacques Louis David. Noong ika-19 na siglo, ang pagpipinta ng klasisismo, sa kabila ng mga aktibidad ng mga indibidwal na pangunahing master, tulad ni Jean Auguste Dominique Ingres, ay bumagsak sa opisyal na apologetic o mapagpanggap na erotikong salon art. International Center Klasisismo sa Europa Ang ika-18 - unang bahagi ng ika-19 na siglo ay ang Roma, kung saan ang mga tradisyon ng akademya na may katangiang kumbinasyon ng maharlika ng mga anyo at malamig na idealisasyon (pintor ng Aleman na si Anton Raphael Mengs, mga iskultor: Italian Canova Antonio at Dane Thorvaldsen Bertel) ang pangunahing nangibabaw. Ang arkitektura ng German classicism ay nailalarawan sa pamamagitan ng mahigpit na monumentalidad ng mga gusali ni Karl Friedrich Schinkel, habang ang contemplative at elegiac painting at sculpture ay nailalarawan sa pamamagitan ng mga portrait ni August at Wilhelm Tischbein, at ang sculpture ni Johann Gottfried Schadow. Sa English classicism, ang mga antigong istruktura ni Robert Adam, ang Palladian-style park estates ng William Chambers, ang katangi-tanging mahigpit na mga guhit ni J. Flaxman at ang mga keramika ng J. Wedgwood ay namumukod-tangi. Sariling bersyon ng klasisismo na binuo sa masining na kultura ng Italy, Spain, Belgium, Scandinavian na bansa, at USA; Ang klasikong Ruso noong 1760s–1840s ay sumasakop sa isang kilalang lugar sa kasaysayan ng sining ng daigdig.
Sa pagtatapos ng unang ikatlo ng ika-19 na siglo, ang nangungunang papel ng klasisismo halos saanman ay nauwi sa wala; ito ay pinalitan ng iba't ibang anyo ng arkitektural na eclecticism. Nabubuhay masining na tradisyon classicism sa neoclassicism ng huling bahagi ng ika-19 - unang bahagi ng ika-20 siglo.
Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Pranses na pintor, karaniwang kinikilalang pinuno ng akademikong Europeo noong ika-19 na siglo.
Sa trabaho ni Ingres mayroong paghahanap para sa dalisay na pagkakaisa.
Nag-aral sa Toulouse Academy sining. Pagkatapos ng pagtatapos mula sa akademya, lumipat siya sa Paris, kung saan noong 1797 siya ay naging estudyante ni Jacques-Louis David. Noong 1806-1820 nag-aral siya at nagtrabaho sa Roma, pagkatapos ay lumipat sa Florence, kung saan gumugol siya ng isa pang apat na taon. Noong 1824 bumalik siya sa Paris at nagbukas ng isang paaralan ng pagpipinta. Noong 1835 bumalik siya sa Roma bilang direktor ng French Academy. Mula 1841 hanggang sa katapusan ng kanyang buhay ay nanirahan siya sa Paris.
Ang akademiko (French academisme) ay isang direksyon sa pagpipinta ng Europa noong ika-17-19 na siglo. Ang akademikong pagpipinta ay lumitaw sa panahon ng pag-unlad ng mga akademya ng sining sa Europa. Ang estilistang batayan ng akademikong pagpipinta sa maagang XIX siglo ay classicism, sa ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo - eclecticism.
Ang akademya ay lumago sa pamamagitan ng pagsunod sa mga panlabas na anyo klasikal na sining. Inilalarawan ng mga tagasunod ang istilong ito bilang pagmuni-muni sa anyo ng sining ng sinaunang sinaunang mundo at ng Renaissance.
Sinabi ni Engr. Mga larawan ng pamilya Riviere. 1804-05
Romantisismo
Romantisismo- isang kababalaghang nabuo ng sistemang burges. Bilang pananaw sa mundo at istilo ng artistikong pagkamalikhain, sinasalamin nito ang mga kontradiksyon nito: ang agwat sa pagitan ng kung ano ang dapat at kung ano ang, perpekto at katotohanan. Ang kamalayan ng hindi napagtanto ng mga humanistic na mithiin at mga halaga ng Enlightenment ay nagbigay ng dalawang alternatibong posisyon sa ideolohiya. Ang kakanyahan ng una ay ang hamakin ang batayang katotohanan at umatras sa shell ng mga dalisay na mithiin. Ang kakanyahan ng pangalawa ay kilalanin ang empirikal na katotohanan at itapon ang lahat ng haka-haka tungkol sa ideal. Ang panimulang punto ng romantikong pananaw sa mundo ay bukas na pagtanggi sa katotohanan, pagkilala sa hindi malulutas na agwat sa pagitan ng mga mithiin at tunay na pag-iral, ang hindi makatwiran ng mundo ng mga bagay.Ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang negatibong saloobin sa realidad, pesimismo, interpretasyon ng mga puwersang pangkasaysayan bilang nasa labas ng tunay na pang-araw-araw na realidad, mistipikasyon at mythologization. Ang lahat ng ito ay nag-udyok sa paghahanap para sa isang resolusyon ng mga kontradiksyon na wala tunay na mundo, ngunit sa mundo ng pantasya.
Ang romantikong pananaw sa mundo ay sumasaklaw sa lahat ng mga larangan ng espirituwal na buhay - agham, pilosopiya, sining, relihiyon. Ito ay ipinahayag sa dalawang paraan:
Ang una - sa loob nito ang mundo ay lumitaw bilang isang walang katapusang, walang mukha, cosmic subjectivity. Ang malikhaing enerhiya ng espiritu ay kumikilos dito bilang simula na lumilikha ng pagkakaisa sa mundo. Ang bersyon na ito ng romantikong pananaw sa mundo ay nailalarawan sa pamamagitan ng isang pantheistic na imahe ng mundo, optimismo, dakilang damdamin.
Ang pangalawa ay ang pagiging subject ng tao ay itinuturing na indibidwal at personal, na nauunawaan bilang ang panloob, self-absorbed na mundo ng isang tao na sumasalungat sa labas ng mundo. Ang saloobing ito ay nailalarawan sa pamamagitan ng pesimismo, isang liriko na malungkot na saloobin sa mundo.
Ang orihinal na prinsipyo ng romantisismo ay "dalawang mundo": paghahambing at kaibahan ng tunay at haka-haka na mundo. Ang paraan upang ipahayag ang dalawahang mundong ito ay simbolismo.
Ang romantikong simbolismo ay kumakatawan sa isang organikong kumbinasyon ng mga ilusyon at tunay na mundo, na ipinakita ang sarili sa hitsura ng metapora, hyperbole, at patula na paghahambing. Ang romantikismo, sa kabila ng malapit na kaugnayan nito sa relihiyon, ay nailalarawan sa pamamagitan ng katatawanan, kabalintunaan, at panaginip. Idineklara ng Romantisismo ang musika bilang modelo at pamantayan para sa lahat ng larangan ng sining, kung saan, ayon sa mga romantiko, ang mismong elemento ng buhay, ang elemento ng kalayaan at ang tagumpay ng damdamin, ay tumunog.
Ang paglitaw ng romantikismo ay dahil sa isang bilang ng mga kadahilanan. Una, socio-political: ang Rebolusyong Pranses noong 1769-1793, ang Napoleonic Wars, ang Digmaan ng Kalayaan Latin America. Pangalawa, pang-ekonomiya: ang rebolusyong industriyal, ang pag-unlad ng kapitalismo. Pangatlo, ito ay nabuo sa ilalim ng impluwensya ng klasikal na pilosopiyang Aleman. Pang-apat, ito ay binuo sa batayan at sa loob ng balangkas ng umiiral mga istilong pampanitikan: paliwanag, sentimentalismo.
Umunlad ang romantikismo sa pagitan ng 1795 at 1830. - ang panahon ng mga rebolusyong Europeo at mga kilusang pambansang pagpapalaya, at ang romantikismo ay nagpakita ng sarili lalo na malinaw sa kultura ng Germany, England, Russia, Italy, France, at Spain.
Nagkaroon ng romantikong uso malaking impluwensya sa larangan ng humanitarian, at positivist - sa natural na agham, teknolohiya at kasanayan.
Jean Louis André Theodore Gericault (1791-1824).
Isang mag-aaral sa maikling panahon ni C. Vernet (1808-1810), at pagkatapos ay si P. Guerin (1810-1811), na nabalisa sa kanyang mga pamamaraan ng paghahatid ng kalikasan na hindi alinsunod sa mga prinsipyo ng paaralan ni Jacques-Louis David at ang kanyang pagkahilig para kay Rubens, ngunit kalaunan ay kinilala ang rasyonalidad na adhikain ng Gericault.
Habang naglilingkod sa mga royal musketeer, pangunahing ipininta ni Gericault ang mga eksena sa labanan, ngunit pagkatapos maglakbay sa Italya noong 1817-19. nagsagawa siya ng isang malaki at kumplikadong pagpipinta na "The Raft of the Medusa" (na matatagpuan sa Louvre, Paris), na naging ganap na pagtanggi sa direksyon ni David at isang mahusay na pangangaral ng realismo. Ang pagiging bago ng balangkas, ang malalim na drama ng komposisyon at katotohanan sa buhay Ang mahusay na nakasulat na gawaing ito ay hindi agad pinahahalagahan, ngunit sa lalong madaling panahon ay nakatanggap ito ng pagkilala kahit na mula sa mga tagasunod ng istilong pang-akademiko at dinala sa artista ang katanyagan ng isang may talento at matapang na innovator.
Kalunos-lunos na tensyon at drama. Noong 1818, ginawa ni Géricault ang pagpipinta na "The Raft of the Medusa," na minarkahan ang simula ng French romanticism. Si Delacroix, na nagpapanggap para sa kanyang kaibigan, ay nasaksihan ang pagsilang ng isang komposisyon na sumisira sa lahat ng karaniwang ideya tungkol sa pagpipinta. Kalaunan ay naalala ni Delacroix na nang makita niya ang natapos na pagpipinta, siya ay "sa tuwa ay nagsimulang tumakbo na parang baliw at hindi makahinto hanggang sa pauwi."
Ang balangkas ng pelikula ay batay sa isang tunay na insidente na nangyari noong Hulyo 2, 1816 sa baybayin ng Senegal. Pagkatapos, sa Argen Shoal, 40 liga mula sa baybayin ng Africa, bumagsak ang frigate Medusa. 140 pasahero at tripulante ang nagtangkang tumakas sa pamamagitan ng pagsakay sa balsa. 15 lamang sa kanila ang nakaligtas at sa ikalabindalawang araw ng kanilang paglalagalag ay dinampot sila ng brig Argus. Ang mga detalye ng paglalakbay ng mga nakaligtas ay nagulat sa modernong kasaysayan. opinyon ng publiko, at ang pag-crash mismo ay naging isang iskandalo sa gobyerno ng France dahil sa kawalan ng kakayahan ng kapitan ng barko at hindi sapat na mga pagtatangka upang iligtas ang mga biktima.
Matalinghagang solusyon
Ang napakalaking canvas ay humahanga sa kanyang nagpapahayag na kapangyarihan. Nakagawa si Gericault maliwanag na imahe, pinagsasama sa isang larawan ang mga patay at ang buhay, pag-asa at kawalan ng pag-asa. Ang larawan ay nauna sa isang napakalaking gawaing paghahanda. Gumawa si Gericault ng maraming sketch ng mga namamatay na tao sa mga ospital at ang mga bangkay ng mga pinatay. Ang "The Raft of the Medusa" ay ang huli sa mga natapos na gawa ni Gericault.
Noong 1818, nang si Géricault ay nagtatrabaho sa pagpipinta na "The Raft of the Medusa," na minarkahan ang simula ng French romanticism, si Eugene Delacroix, na nag-pose para sa kanyang kaibigan, ay nasaksihan ang pagsilang ng isang komposisyon na sinira ang lahat ng karaniwang mga ideya tungkol sa pagpipinta. Kalaunan ay naalala ni Delacroix na nang makita niya ang natapos na pagpipinta, siya ay "sa tuwa ay nagsimulang tumakbo na parang baliw at hindi makahinto hanggang sa pauwi."
Reaksyon ng publiko
Nang ipakita ni Géricault ang "The Raft of the Medusa" sa Salon noong 1819, ang pagpipinta ay pumukaw ng galit ng publiko, dahil ang artist, na salungat sa mga pamantayang pang-akademiko noong panahong iyon, ay hindi gumamit ng ganoong kalaking format upang ilarawan ang isang heroic, moralizing o classical. paksa.
Ang pagpipinta ay nakuha noong 1824 at kasalukuyang nasa silid 77 sa unang palapag ng Denon Gallery sa Louvre.
Eugene Delacroix(1798 - 1863) - Pranses na pintor at graphic artist, ulo romantikong direksyon sa pagpipinta ng Europa.
Ngunit ang mga tunay na unibersidad para sa Delacroix ay ang Louvre at komunikasyon sa batang pintor na si Theodore Gericault. Sa Louvre, nabighani siya sa mga gawa ng mga matandang masters. Sa oras na iyon, ang isang tao ay maaaring makakita ng maraming mga pintura doon na nakuha sa panahon ng Napoleonic Wars at hindi pa naibabalik sa kanilang mga may-ari. Ang naghahangad na artista ay higit na naakit sa mga dakilang colorist - Rubens, Veronese at Titian. Ngunit si Theodore Gericault ay may pinakamalaking impluwensya kay Delacroix.
Noong Hulyo 1830, naghimagsik ang Paris laban sa monarkiya ng Bourbon. Si Delacroix ay nakiramay sa mga rebelde, at ito ay makikita sa kanyang "Kalayaang Nangunguna sa Bayan" (sa ating bansa ang gawaing ito ay kilala rin bilang "Kalayaan sa mga Barikada"). Ipinakita sa Salon ng 1831, ang pagpipinta ay pumukaw ng malakas na pag-apruba mula sa publiko. Binili ng bagong gobyerno ang pagpipinta, ngunit agad na iniutos na tanggalin ito; tila napakadelikado nito.
Sa sining ng unang kalahati ng ika-19 na siglo. naimpluwensyahan ng Great French Revolution (1789–1799), ang digmaan kay Napoleon, at ang digmaan sa Espanya. Sa panahong ito nagkaroon ng malaking pag-unlad sa agham. Pangunahing istilo: Estilo ng imperyo, romantikismo, realismong Pranses.
Sa arkitektura ng unang kalahati ng ika-19 na siglo, naranasan ng neoclassicism ang huling kasaganaan nito. Sa kalagitnaan ng siglo, ang pangunahing problema ng arkitektura ng Europa ay ang paghahanap ng istilo. Bilang resulta ng romantikong pagkahumaling sa unang panahon, sinubukan ng maraming mga master na buhayin ang mga tradisyon ng arkitektura ng nakaraan - ito ay kung paano lumitaw ang neo-Gothic, neo-Renaissance, at neo-Baroque. Ang mga pagsisikap ng mga arkitekto ay madalas na humantong sa eclecticism - isang mekanikal na kumbinasyon ng mga elemento ng iba't ibang mga estilo, luma at bago. Ang arkitektura ay pinangungunahan ng pagtatayo ng mga pabrika, mga opisina, mga gusali ng tirahan, mga department store, mga bulwagan ng eksibisyon, mga aklatan, mga istasyon ng tren, mga sakop na pamilihan, mga bangko, atbp. Ang mga bangko ay pinalamutian ng sinaunang mga portiko ng Greece, mga department store - na may mga Gothic lancet na bintana at mga tore . Ang mga pabrika ay binibigyan ng hitsura ng mga kastilyo.
19.1.1 Sining ng France
Arkitektura. Sa panahon ng Dakila Rebolusyong Pranses Wala ni isang matibay na istraktura ang itinayo sa France. Ito ang panahon ng mga pansamantalang gusali, kadalasang gawa sa kahoy. Sa simula ng rebolusyon, ang Bastille ay nawasak at ang mga monumento ng mga hari ay giniba. Noong 1793, ang mga royal academies, kabilang ang Academy of Architecture, ay isinara. Sa halip, lumitaw ang National Jury of Arts at ang Republican Club of Arts, na ang mga pangunahing gawain ay ang organisasyon ng mga pagdiriwang ng masa at ang disenyo ng mga kalye at mga parisukat ng Paris.
Isang pavilion ang itinayo sa Place de la Bastille na may nakasulat na: "Sila ay sumayaw dito." Ang Place Louis XV ay pinangalanang Place de la Revolution at kinumpleto ng mga triumphal arches, estatwa ng Liberty, at mga fountain na may mga sagisag. Ang Champs de Mars ay naging isang lugar ng mga pampublikong pagtitipon kung saan ang Altar ng Fatherland sa gitna. Ang Invalides at ang Cathedral nito ay naging templo ng sangkatauhan. Ang mga kalye ng Paris ay pinalamutian ng mga bagong monumento.
Sa mga taon din ng Rebolusyong Pranses, nabuo ang Komisyon ng mga Artista, na nakikibahagi sa pagpapabuti ng lungsod at binalak ang mga pagbabago sa hitsura nito. Naglaro siya malaki ang bahagi sa kasaysayan ng arkitektura.
Ang istilo ng Imperyo ay nangibabaw sa sining ng Napoleonic France. Ang pangunahing gawaing arkitektura ni Napoleon ay ang muling pagtatayo ng Paris: nilayon nitong ikonekta ang medieval quarters sa isang sistema ng mga daan na tumatawid sa lungsod kasama ang silangan-kanlurang axis. Ang mga sumusunod ay itinayo: Avenue des Champs Eysées, Rue de Rivoli, triumphal column sa Place Vendôme (1806–1810, arkitekto Jean Baptiste Leper, Jacques Gondoin), entrance gate ng Tuileries Palace (1806–1807, architects C. Percier, P. F. L. Fontaine), triumphal arch ng Grand Army (1806–1837, arkitekto Jean François Challen at iba pa).
Pagpipinta. Sa unang kalahati ng ika-19 na siglo. paaralang Pranses ang pagpipinta ay nagpatibay sa pagiging pangunahin nito sa sining ng Kanlurang Europa. Nauuna ang France sa iba mga bansang Europeo at sa demokratisasyon ng buhay-sining. Mula noong 1791, ang sinumang may-akda ay nakatanggap ng karapatang lumahok sa mga eksibisyon sa Louvre Salon, anuman ang kanilang pagiging miyembro sa mga akademya. Mula noong 1793, ang mga bulwagan ng Louvre ay binuksan sa pangkalahatang publiko. Ang akademikong edukasyon ng estado ay pinalitan ng pagsasanay sa mga pribadong workshop. Ang mga awtoridad ay gumamit ng mas nababaluktot na pamamaraan ng artistikong patakaran: ang pamamahagi ng mga malalaking order para sa dekorasyon ng mga pampublikong gusali ay nakakuha ng isang espesyal na saklaw.
Ang mga kinatawan ng French romanticism painting ay sina David, Ingres, Gericault, Delacroix, Gros.
Jacques Louis David (1748–1825) - ang pinaka-pare-parehong kinatawan ng neoclassicism sa pagpipinta. Nag-aral sa Royal Academy of Painting and Sculpture, 1775–1779. bumisita sa Italya. Noong 1781, tinanggap si David bilang miyembro ng Royal Academy at natanggap ang karapatang lumahok sa mga eksibisyon nito - ang Louvre Salons. Noong 1792, si David ay nahalal bilang isang kinatawan sa Convention, ang pinakamataas na lehislatibo at executive body ng Unang Republika.
Noong unang bahagi ng 1776, binuo ang isang programa ng pamahalaan na nag-udyok sa paglikha ng malalaking pintura. Nakatanggap si David ng isang order para sa isang pagpipinta tungkol sa gawa ng tatlong magkakapatid mula sa marangal na pamilyang Horatii - "Ang Panunumpa ng Horatii" (1784). Ang pagkilos ng larawan ay nagaganap sa patyo ng isang sinaunang bahay ng Roma: isang stream ng liwanag ang bumubuhos mula sa itaas papunta sa mga bayani ng larawan, na may olive-grey na takip-silim sa paligid nila. Ang buong komposisyon ay batay sa bilang ng tatlo: tatlong arko (isa o higit pang mga figure ang nakasulat sa bawat isa sa mga arko), tatlong grupo ng mga character, tatlong anak na lalaki, isang hanay ng tabak, tatlong babae. Ang makinis na mga balangkas ng babaeng grupo ay kaibahan sa mga hinahabol na linya ng mga pigura ng mandirigma.
Noong 1795–1799 Si David ay nagtrabaho sa pagpipinta kasama ang kanyang mga estudyante "Ang mga babaeng Sabine ay huminto sa labanan sa pagitan ng mga Romano at mga Sabine". Ang artista ay muling pumili ng isang balangkas na kaayon sa modernong panahon: ang alamat ng mga kababaihan na huminto sa digmaan sa pagitan ng mga Romano (kanilang asawa) at mga Sabines (kanilang mga ama at kapatid) ay tumunog sa France noong panahong iyon bilang isang panawagan para sa kapayapaang sibil. Gayunpaman, ang malaking larawan, na puno ng mga numero, ay nagdulot lamang ng panunuya mula sa madla.
Noong 1812 umalis siya patungong Brussels, kung saan siya nanirahan hanggang sa kanyang kamatayan. Nagpinta siya ng mga portrait at gumagawa mga antigong kwento - "The Death of Marat" (1793), "Portrait of Madame Recamier" (1800). Ang pagpipinta na "The Death of Marat" ay nakumpleto ng artist sa mas mababa sa tatlong buwan at nag-hang sa meeting room ng Convention. Si Marat ay sinaksak hanggang mamatay sa kanyang apartment ng isang maharlikang babae na nagngangalang Charlotte Corday. Sa oras ng kanyang kamatayan, si Marat ay nakaupo sa paliguan: dahil sa isang sakit sa balat, napilitan siyang magtrabaho at tumanggap ng mga bisita. Ang mga pinagtagpi-tagping sheet at ang simpleng kahoy na kahon na pumalit sa mesa ay hindi imbento ng artista. Gayunpaman, si Marat mismo, na ang katawan ay napinsala ng sakit, sa ilalim ng brush ni David ay naging isang marangal na atleta, katulad ng isang sinaunang bayani. Ang pagiging simple ng setting ay nagbibigay sa spectacle ng isang espesyal na trahedya solemnity.
Sa isang engrandeng larawan "Koronasyon ni Napoleon I at Empress Josephine sa Notre Dame Cathedral, Disyembre 2, 1804." (1807) Gumawa si David ng isa pang alamat - ang ningning ng altar at ang ningning ng mga damit ng mga courtier ay nakakaapekto sa manonood na hindi mas masahol pa kaysa sa mga kaawa-awang kasangkapan at lumang mga sheet ng Marat.
Jean Auguste Dominique Ingres(1780–1867) ay isang tagasuporta ng mga klasikal na mithiin, isang orihinal na pintor, alien sa anumang kasinungalingan, pagkabagot at gawain. Noong 1802 siya ay iginawad sa Rome Prize at natanggap ang karapatang maglakbay sa Italya. Noong 1834 siya ay naging direktor ng French Academy sa Roma. Nakarating na ang pinakamataas na kasanayan sa portrait genre - "Larawan ng Riviera".
Sinubukan ni Ingres na ihatid sa pagpipinta ang mga pandekorasyon na posibilidad ng iba't ibang uri ng lumang sining, halimbawa, ang pagpapahayag ng mga silhouette ng sinaunang pagpipinta ng plorera ng Griyego - "Oedipus at ang Sphinx" (1808) At "Jupiter at Thetis" (1811).
Sa isang monumental na canvas "Vow of Louis XIII, humihingi ng proteksyon ng Our Lady for the Kingdom of France" (1824), ginaya niya ang painting style ni Raphael. Ang larawan ay nagdala kay Ingres ng kanyang unang malaking tagumpay. Sa larawan "Odalisque at ang Alipin" (1839) pumili ng komposisyon na malapit sa "Algerian Women in Their Chambers" ni Delacroix at nilutas ito sa sarili niyang paraan. Ang motley, maraming kulay na kulay ng canvas ay lumitaw bilang isang resulta ng pagkahilig ng artist para sa mga oriental na miniature. Noong 1856, natapos ni Ingres ang pagpipinta "Pinagmulan", ipinaglihi niya noong 20s. sa Italya. Ang katawan ng matikas na namumulaklak na batang babae ay sumasalamin sa kadalisayan at pagkabukas-palad ng natural na mundo.
Theodore Gericault(1791–1824) - tagapagtatag ng rebolusyonaryong romantikismo sa pagpipinta ng Pransya. Ang unang gawa na ipinakita sa Salon ay "Opisyal ng naka-mount na mga tanod ng imperyal na guwardiya na sumasalakay" ("Portrait of Lieutenant R. Dieudonne", 1812). Ang magara na mangangabayo sa canvas ay hindi nagpo-pose, ngunit nakikipaglaban: ang mabilis na dayagonal ng komposisyon ay nagdadala sa kanya ng malalim sa larawan, sa mala-bughaw-lilang init ng labanan. Sa oras na ito, nalaman ang tungkol sa pagkatalo ng hukbo ni Napoleon Bonaparte sa Russia. Ang damdamin ng mga Pranses, na alam ang kapaitan ng pagkatalo, ay makikita sa isang bagong larawan batang artista - "Nasugatan na Cuirassier na Umalis sa Battlefield" (1814).
Noong 1816–1817 Si Gericault ay nanirahan sa Italya. Ang artista ay lalo na nabighani sa karera ng kabayo sa Roma. Sa pictorial series "Pagtakbo ng Libreng Kabayo" (1817) ang parehong nagpapahayag na katumpakan ng pag-uulat at pinigilan na kabayanihan sa neoclassical na espiritu ay magagamit. Sa mga obrang ito ay nabuo sa wakas ang kanyang indibidwal na istilo: ang makapangyarihan, magaspang na mga anyo ay inihahatid ng malalaking gumagalaw na mga batik ng liwanag.
Pagbalik sa Paris, lumikha ang artist ng isang pagpipinta "Ang Balsa ng Medusa" (1818–1819). Noong Hulyo 1816, malapit sa Cape Verde Islands, ang barkong Medusa, sa ilalim ng utos ng isang walang karanasan na kapitan na nakatanggap ng isang posisyon sa ilalim ng pagtangkilik, ay sumadsad. Pagkatapos ang kapitan at ang kanyang mga kasama ay naglayag sa mga bangka, iniwan ang balsa kasama ang isang daan at limampung mga mandaragat at mga pasahero sa awa ng kapalaran, kung saan labinlimang tao lamang ang nakaligtas. Sa pelikula, hinahangad ni Gericault ang maximum verisimilitude. Sa loob ng dalawang taon, hinanap niya ang mga taong nakaligtas sa trahedya sa karagatan, gumawa ng mga sketch sa mga ospital at morge, at nagpinta ng mga sketch ng dagat sa Le Havre. Ang balsa sa kanyang pagpipinta ay itinaas ng isang alon, agad na nakita ng manonood ang lahat ng mga tao na nagsisiksikan dito. Sa harapan ay mga pigura ng mga patay at nalilito; sila ay ipininta sa laki ng buhay. Ang mga pananaw ng mga hindi pa nawalan ng pag-asa ay ibinaling sa dulong gilid ng balsa, kung saan ang isang Aprikano, na nakatayo sa isang nanginginig na bariles, ay nagwagayway ng pulang panyo sa mga tauhan ng Argus. Alinman sa kawalan ng pag-asa o pag-asa ang mga kaluluwa ng mga pasahero sa balsa ng Medusa.
Noong 1820–1821 Bumisita si Gericault sa England. Naimpluwensyahan ng mga gawa ni Constable, sumulat siya "Ang Mga Karera sa Epsom" (1821). Ang larawan ay napuno ng paggalaw: ang mga kabayo ay nagmamadali, halos hindi nakadikit sa lupa, ang kanilang mga pigura ay pinagsama sa isang mabilis na linya; ang mababang ulap ay gumagalaw, ang kanilang mga anino ay gumagalaw sa wet field. Ang lahat ng mga contour sa landscape ay malabo, ang mga kulay ay malabo. Ipinakita ni Gericault ang mundo habang nakikita ito ng hinete na nakasakay sa kabayong tumatakbo.
Eugene Deacroix(1798–1863) - Pintor ng Pranses. Ang batayan ng pagpipinta ni Delacroix ay mga makukulay na batik na bumubuo ng isang maayos na pagkakaisa; Ang bawat lugar, bilang karagdagan sa sarili nitong kulay, ay may kasamang mga kakulay ng mga kapitbahay nito.
Ipininta ni Delacroix ang kanyang unang pagpipinta batay sa balangkas ng "Divine Comedy" ni Dante - "Dante and Virgil" (Dante's Boat) (1822). Gumawa ng painting si Delacroix "Masacre ng Chios" (1824) naimpluwensyahan ng mga kaganapan ng rebolusyon sa pagpapalaya sa Greece 1821–1829. Noong Setyembre 1821, sinira ng mga puwersang pamparusa ng Turko ang sibilyang populasyon ng Chios. Sa harapan ng larawan ay ang mga pigura ng napapahamak na mga Chian na nakasuot ng makukulay na basahan; ang background ay ang madilim na silhouette ng mga armadong Turks. Karamihan sa mga bihag ay walang malasakit sa kanilang kapalaran, ang mga bata lamang ang walang kabuluhang nagsusumamo sa kanilang mga magulang na protektahan sila. Ang isang Turkish na mangangabayo na kinaladkad ang isang batang Griyego sa likod niya ay mukhang isang uri ng simbolo ng pagkaalipin. Ang iba pang mga pigura ay hindi gaanong sinasagisag: isang hubad na sugatang Griyego - ang kanyang dugo ay napupunta sa tuyong lupa, at isang putol na punyal at isang bag na nalaman ng mga magnanakaw ay nasa malapit.
Matapos ang mga kaganapan noong Hulyo 1830 sa Paris, lumikha si Delacroix ng isang pagpipinta "Kalayaang Namumuno sa Bayan (Hulyo 28, 1830)". Ang artist ay nagbigay ng isang simpleng yugto ng pakikipaglaban sa kalye ng isang walang-hanggan, epic na tunog. Ang mga rebelde ay bumangon sa barikada na nakuhang muli mula sa maharlikang hukbo, at sila mismo ang pinamumunuan ni Liberty. Itinuring siya ng mga kritiko bilang "isang krus sa pagitan ng isang mangangalakal at isang sinaunang diyosa ng Greece." Mayroong isang romantikong istilo dito: Ang Liberty ay inilalarawan bilang ang diyosa ng tagumpay, itinaas niya ang tatlong kulay na banner ng French Republic; Isang armadong pulutong ang sumusunod. Ngayon silang lahat ay mga sundalo ng Kalayaan.
Noong 1832, sinamahan ni Delacroix ang isang diplomatikong misyon sa Algeria at Morocco. Sa pagbabalik sa Paris, lumikha ang pintor ng isang pagpipinta "Mga babaeng Algeria sa kanilang mga silid" (1833). Ang mga figure ng kababaihan ay nakakagulat na nababaluktot. Ang mga ginintuang-madilim na mukha ay mahinang nakabalangkas, ang mga braso ay maayos na nakakurbada, ang mga makukulay na damit ay namumukod-tanging maliwanag laban sa background ng makinis na mga anino.
Antoine Gros (1771–1835) - Pranses na pintor, portraitist. Tumanggi si Gro mga klasikong kwento- naakit siya sa modernong kasaysayan. Lumikha ng isang serye ng mga painting na nakatuon sa Egyptian-Syrian expedition ng Napoleonic army (1798–1799) - "Bonaparte na bumibisita sa sinaktan ng salot sa Jaffa" (1804). Iba pang mga pagpipinta na nakatuon kay Napoleon - "Napoleon sa Arcole Bridge" (1797), "Napoleon sa Battlefield ng Eyau" (1808). Nakumpleto ni Gros ang pagpipinta ng simboryo ng Pantheon sa Paris noong 1825, na pinapalitan ang imahe ni Napoleon ng pigura ni Louis XVIII.
