Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Makabagong Sining mahirap husgahan o suriin, dahil sa una ay inaalis nito ang sarili sa saklaw ng gayong posibilidad. Buti naman meron Alexey Lifanov , na bagama't hindi eksperto sa Hapon, ay mas nakakaunawa sa sining kaysa sa akin. Sino, kung hindi Alexei, ang tutulong sa akin na maunawaan ang aking nakita?
Oo, ang mga Hapon ay kakaibang tao. Mga impression mula sa eksibisyon sa Gogol Boulevard.

Ang mga eksibit sa eksibisyon na "Double Perspective" ay maaaring nahahati sa tatlong bahagi (ayon sa mga paksang itinaas ng mga may-akda). Ang una ay nakatuon sa indibidwal at estado, ang papel ng ideolohiya sa privacy, ang dikta ng lipunan sa indibidwal. Ang pangalawang tema ay nauugnay: ang tao at ang kanyang impluwensya sa kalikasan (at maging sa loob ng balangkas ng isang eksibisyon iba't ibang artista nagpahayag ng magkasalungat na pananaw. Ang ikatlong paksa ay purong Hapon at nakatuon sa ideolohiya ng "loli" at iba pang ephebophilic na bagay na umuunlad sa lipunang Hapon.

1. Ang mga gawa ni Kenji Yanobe ay idinadawit sa post-apocalyptic aesthetics, habang, dapat itong pansinin, nang walang anumang "stalkerism". Ang kanyang trabaho ay napaka walang muwang sa antas ng pamamaraan. Ang "Child of the Sun" ay isang malakihan at nakakaantig na iskultura. Anong uri ng tao ang dapat upang labanan ang technogenic na mundo - matapang, determinado o direkta at walang muwang?

3. Pagpapatuloy ng tema sa isang mas pinalaking istilong walang muwang.

4. Si Motohiko Odani ay nagsasalita tungkol sa pagdadalaga, sekswalidad at sikolohiya nito. Sa tapat ng iskulturang ito ay isang mas nagpapahayag na pag-install ng video, ngunit kailangan mong makita ito sa iyong sariling mga mata.

5. Binuo ni Makoto Aida ang tema. Ang isang puno ng bonsai na may mga batang babae na ulo ay isang hyperbolic na simbolo ng pervert na pag-ibig. Ang simbolismo ay malinaw at halos hindi nangangailangan ng paliwanag.

6. Isa pa sa kanyang mga gawa na "Mga mag-aaral ng hara-kiri school". Graphically, ito ay simpleng kamangha-manghang.

7. Pagpapatuloy ng tema ng "mga bata" mula sa Yoshimoto Naro. Mga mukha ng mga bata at hindi pambata na emosyon.

8. Si Takahiro Iwasaki ay lumikha ng isang napakakondisyon na diorama ng isang partikular na lungsod mula sa lahat ng uri ng basura. Ang aesthetics ng lungsod, na talagang isang basurahan, ay hindi isang bagong ideya, ngunit kawili-wiling ipinatupad.

10. Mga pintura ni Tadanori Yokoo - isang collage ng mga allusion, quotes at archetypes. Kasabay nito, ang pangkulay ay kamangha-manghang.

11. Si Yayoi Kusama ay bumaling sa eksistensyal na estetika ng pagiging at di-pagiging, na lumilikha ng isang silid kung saan ang espasyo ay nabasag at nahuhulog.

12. Si Yasumasa Morimura ay gumawa ng isang patawa ng isang patawa. Hindi niya inilalarawan si Adolf Hitler, tulad ng tila, ngunit ang Adenoid ni Ginkel - isang karakter mula sa pelikula ni Chaplin na "The Great Dictator". Ang natitira sa kanyang mga gawa ay nakatuon na sa mga kagyat na pinuno at diktador, ngunit ang esensya ay malinaw - ang banta ng isang kabuuang ideolohiya.

13. Kakaunti ang mga manonood, ngunit ang mga masigasig na nagtalakay sa kanilang nakita. Sa pangkalahatan, mukhang talagang gusto ng mga bisita ang nangyayari.

14. Ito ang pinuno ni George Bush. Si George Bush ang kumanta ng US anthem. Ang ideya ay madaling maunawaan - tungkol sa pagsalakay sa ideolohiya at estado, kahit na sa personal na espasyo ng isang tao.

15. Daga-Pokemon. Ang paborito kong parte.

16. Bahagi ng eksibisyon - mga larawan. Minsan kawili-wili, minsan masyadong kilalang-kilala upang maunawaan.

18. Mga larawan ni Toshio Shibata. Narito ang ideya ng magkatugma na magkakasamang buhay ng tao at kalikasan ay nalutas sa anyo ng mga litrato, na mas malapit sa abstraction kaysa sa realismo - tulad ng isang mahusay na nababagay na geometry at komposisyon.

19. Isa sa mga pagbati kay Lenin.

Sa anumang kaso, ang mga eksibisyon ay nilikha upang dumalo sa kanila nang live, at hindi upang manood ng mga ulat ng larawan sa mga blog. Maraming mga gawa ang ganap na imposibleng suriin sa static at sa laki ng isang screen na larawan. Samakatuwid, mas mahusay na pumunta sa eksibisyon na "Double Perspective" sa iyong sarili.

Ang kasosyo sa proyekto, ang Sony, ay nagsasagawa ng kumpetisyon at nagpapa-raffle ng isang laptop at iba pang mga premyo! Kung pupunta ka sa eksibisyon, siguraduhing kumuha ng mga larawan ng mga eksibit at isulat ang iyong maikling impresyon. Ibahagi para makapasok sa kompetisyon

Na sumasaklaw sa maraming mga diskarte at estilo. Sa buong kasaysayan nito, ito ay dumaan malaking bilang ng mga pagbabago. Ang mga bagong tradisyon at genre ay idinagdag, at ang orihinal na mga prinsipyo ng Hapon ay nanatili. Kasama ni kamangha-manghang kwento Ang pagpipinta ng Japan ay handa na ring magpakita ng maraming kakaiba at kawili-wiling mga katotohanan.

sinaunang japan

Ang mga unang istilo ay lumilitaw sa pinaka sinaunang makasaysayang panahon ng bansa, bago pa man si Kristo. e. Noon, medyo primitive ang sining. Una, noong 300 B.C. e., nagkaroon ng iba't-ibang mga geometric na numero na ginawa sa palayok na may mga patpat. Ang gayong paghahanap ng mga arkeologo bilang isang dekorasyon sa mga bronze na kampanilya ay nabibilang sa ibang pagkakataon.

Maya-maya pa, nasa 300 AD na. e., lumilitaw ang mga kuwadro ng kuweba, na mas magkakaibang geometric na palamuti. Ang mga ito ay ganap nang mga larawang may mga larawan. Natagpuan ang mga ito sa loob ng mga crypt, at malamang na ang mga taong nakapinta sa kanila ay inilibing sa mga libingan na ito.

Noong ika-7 siglo A.D. e. Pinagtibay ng Japan ang script na nagmula sa China. Sa paligid ng parehong oras, ang mga unang kuwadro na gawa mula doon. Pagkatapos ay lilitaw ang pagpipinta bilang isang hiwalay na globo ng sining.

edo

Si Edo ay malayo sa una at hindi sa huling pagpipinta, ngunit siya ang nagdala ng maraming bagong bagay sa kultura. Una, ito ay ang ningning at ningning na idinagdag sa karaniwang pamamaraan, na ginanap sa itim at kulay abong mga tono. Karamihan natatanging artista Ang istilong ito ay itinuturing na Sotasu. Gumawa siya ng mga klasikong pagpipinta, ngunit ang kanyang mga karakter ay napakakulay. Nang maglaon, lumipat siya sa kalikasan, at karamihan sa mga landscape ay ginawa laban sa background ng pagtubog.

Pangalawa, noong panahon ng Edo, lumabas ang exotic, ang genre ng namban. Gumamit ito ng modernong European at Chinese na mga diskarte, na pinagsama sa mga tradisyonal na istilo ng Hapon.

At pangatlo, lumilitaw ang paaralang Nang. Sa loob nito, ang mga artista ay unang ganap na ginagaya o kahit na kinokopya ang mga gawa ng mga Chinese masters. Pagkatapos ay lilitaw ang isang bagong sangay, na tinatawag na bunjing.

Panahon ng modernisasyon

Pinapalitan ng panahon ng Edo ang Meiji, at ngayon pagpipinta ng Hapon pinilit pumunta sa bagong yugto pag-unlad. Sa oras na ito, ang mga genre tulad ng kanluran at mga katulad ay nagiging popular sa buong mundo, kaya ang modernisasyon ng sining ay naging isang karaniwang estado ng mga gawain. Gayunpaman, sa Japan, isang bansa kung saan iginagalang ng lahat ng tao ang mga tradisyon, sa binigay na oras ibang-iba ang mga bagay sa nangyari sa ibang bansa. Dito, ang kumpetisyon sa pagitan ng mga European at lokal na technician ay sumiklab nang husto.

Ang gobyerno sa yugtong ito ay nagbibigay ng kagustuhan sa mga batang artista na naglilingkod malaking pag-asa upang mapabuti ang mga kasanayan sa mga istilong Kanluranin. Samakatuwid, ipinapadala nila ang mga ito sa mga paaralan sa Europa at Amerika.

Ngunit ito ay sa simula lamang ng panahon. Ang katotohanan ay ang mga kilalang kritiko ay lubos na pinuna ang sining ng Kanluranin. Para maiwasan ang maraming hype sa isyung ito, Mga istilong European at ang mga diskarte ay nagsimulang ipagbawal sa mga eksibisyon, ang kanilang pagpapakita ay tumigil, pati na rin ang kanilang kasikatan.

Ang paglitaw ng mga istilo ng Europa

Pagkatapos ay dumating ang panahon ng Taisho. Sa oras na ito, ang mga batang artista na umalis upang mag-aral sa mga dayuhang paaralan ay bumalik sa kanilang sariling bayan. Naturally, nagdadala sila ng mga bagong estilo ng pagpipinta ng Hapon, na halos kapareho sa mga European. Lumilitaw ang impresyonismo at post-impresyonismo.

Sa yugtong ito, maraming mga paaralan ang nabubuo kung saan ang mga sinaunang mga istilo ng Hapon. Ngunit hindi posible na ganap na mapupuksa ang mga hilig sa Kanluran. Samakatuwid, ito ay kinakailangan upang pagsamahin ang ilang mga diskarte upang masiyahan ang parehong mga mahilig sa mga classics at mga tagahanga ng modernong European pagpipinta.

Ang ilang mga paaralan ay pinondohan ng estado, salamat sa kung saan marami sa mga pambansang tradisyon ay napanatili. Ang mga pribadong mangangalakal, sa kabilang banda, ay napipilitang sumunod sa pamumuno ng mga mamimili na nais ng bago, sila ay pagod sa mga klasiko.

pagpipinta ng WWII

Matapos ang pagsisimula ng panahon ng digmaan, ang pagpipinta ng Hapon ay nanatiling malayo sa mga kaganapan sa loob ng ilang panahon. Ito ay binuo nang hiwalay at nakapag-iisa. Ngunit hindi ito maaaring magpatuloy nang ganito magpakailanman.

Sa paglipas ng panahon kung kailan kalagayang politikal ang bansa ay lumalala, mataas at iginagalang na mga numero ay umaakit ng maraming mga artista. Ang ilan sa kanila, kahit na sa simula ng digmaan, ay nagsisimulang lumikha sa mga istilong makabayan. Ang natitira ay nagsisimula lamang sa prosesong ito sa pamamagitan ng utos ng mga awtoridad.

Alinsunod dito, ang mga sining ng Hapon sa panahon ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig ay hindi napaunlad lalo na. Samakatuwid, para sa pagpipinta maaari itong tawaging stagnant.

Walang hanggang Suibokuga

Ang Japanese sumi-e painting, o suibokuga, ay nangangahulugang "ink drawing". Tinutukoy nito ang estilo at pamamaraan sining. Nagmula ito sa China, ngunit nagpasya ang mga Hapon na bigyan ito ng kanilang sariling pangalan. At sa una ang pamamaraan ay walang anumang aesthetic side. Ginamit ito ng mga monghe para sa pagpapabuti ng sarili habang nag-aaral ng Zen. Bukod dito, sa una ay gumuhit sila ng mga larawan, at nang maglaon ay sinanay nila ang kanilang konsentrasyon habang tinitingnan ang mga ito. Naniniwala ang mga monghe na ang mga mahigpit na linya, hindi malinaw na mga tono at mga anino ay nakakatulong sa pagpapabuti - lahat ng tinatawag na monochrome.

Ang Japanese ink painting, sa kabila ng iba't ibang uri ng mga painting at technique, ay hindi kasing kumplikado na tila sa unang tingin. Ito ay batay sa 4 na plots lamang:

1. Chrysanthemum.
2. Orchid.
3. sanga ng plum.
4. Kawayan.

Ang isang maliit na bilang ng mga plot ay hindi ginagawang mabilis ang pag-unlad ng teknolohiya. Ang ilang mga masters ay naniniwala na ang pag-aaral ay tumatagal ng panghabambuhay.

Sa kabila ng katotohanan na sumi-e lumitaw ang isang mahabang panahon ang nakalipas, ito ay palaging in demand. Bukod dito, ngayon ay maaari mong matugunan ang mga masters ng paaralang ito hindi lamang sa Japan, ito ay laganap din malayo sa mga hangganan nito.

Makabagong panahon

Pagkatapos ng Ikalawang Digmaang Pandaigdig, ang sining sa Japan ay umunlad lamang sa mga pangunahing lungsod, ang mga taganayon at taganayon ay may sapat na pag-aalala. Para sa karamihan, sinubukan ng mga artista na talikuran ang mga pagkatalo ng digmaan at ilarawan ang modernong buhay sa kalunsuran kasama ang lahat ng mga palamuti at tampok nito sa canvas. Ang mga ideyang European at American ay matagumpay na pinagtibay, ngunit ang kalagayang ito ay hindi nagtagal. Maraming mga master ang nagsimulang unti-unting lumayo sa kanila patungo sa mga paaralang Hapon.

Ito ay palaging nananatiling sunod sa moda. Samakatuwid, ang modernong pagpipinta ng Hapon ay maaaring magkakaiba lamang sa pamamaraan ng pagpapatupad o mga materyales na ginamit sa proseso. Ngunit karamihan sa mga artista ay hindi nakikita ng mabuti ang iba't ibang mga inobasyon.

Not to mention fashionable modernong mga subkultura tulad ng anime at mga katulad na istilo. Sinusubukan ng maraming artista na palabuin ang linya sa pagitan ng mga klasiko at kung ano ang hinihiling ngayon. Para sa karamihan, ang kalagayang ito ay dahil sa komersiyo. Mga klasiko at tradisyonal na mga genre sa katunayan, hindi sila bumibili, samakatuwid, hindi kapaki-pakinabang na magtrabaho bilang isang artista sa iyong paboritong genre, kailangan mong umangkop sa fashion.

Konklusyon

Walang alinlangan, ang Japanese painting ay isang treasure trove ng sining biswal. Marahil ang bansang pinag-uusapan ay nanatiling isa lamang na hindi sumunod sa mga uso sa Kanluran, hindi umangkop sa fashion. Sa kabila ng maraming suntok sa oras ng pagdating ng mga bagong pamamaraan, nagawa pa rin ng mga artista ng Japan na ipagtanggol pambansang tradisyon sa maraming genre. Ito marahil ang dahilan kung bakit, sa modernong panahon, ang mga kuwadro na gawa sa mga klasikal na istilo ay lubos na pinahahalagahan sa mga eksibisyon.

Tadasu Takamine. "God Save America", 2002. Video (8 min. 18 seg.)

Dobleng Pananaw: Japanese Contemporary Art
Mga Curator na sina Elena Yaichnikova at Kenjiro Hosaka

Unang bahagi: "Reality/Ordinaryong Mundo". Moscow Museum of Modern Art, mga bundok. Moscow, Ermolaevsky lane, 17
Ikalawang bahagi: "Imaginary World/Fantasy". Moscow Museum of Modern Art, mga bundok. Moscow, Gogolevsky Boulevard, 10

Ang Moscow Museum of Modern Art, kasama ang Japan Foundation, ay nagtatanghal ng eksibisyon na "Double Perspective: Japanese Contemporary Art", na idinisenyo upang kilalanin ang pangkalahatang publiko sa mga kontemporaryong Japanese artist.
Ang dobleng pananaw ay mula sa dalawang tagapangasiwa iba't-ibang bansa, dalawang site ng museo at dalawang bahagi na istraktura ng proyekto. Na-curate nina Elena Yaichnikova at Kenjiro Hosaka, pinagsasama-sama ng eksibisyon ang mga gawa ng higit sa 30 artist ng iba't ibang istilo na nagtrabaho mula 1970s hanggang sa kasalukuyan. Ang proyekto ay binubuo ng dalawang bahagi - "The Real World / Everyday Life" at "Imaginary World / Fantasies" - na matatagpuan sa museo grounds sa 17 Ermolaevsky Lane at 10 Gogolevsky Boulevard.

Unang Bahagi: "Reality/Ordinaryong Mundo"

Ang unang bahagi ng eksibisyon na "The Real World/Everyday Life" ay nagpapakita ng pananaw ng mga Japanese artist sa mundo sa paligid natin sa pamamagitan ng pag-apila sa kasaysayan ng mundo noong ika-20 siglo (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa at Yuken Teruya), mga repleksyon sa aparato modernong lipunan(Dumb Type at Tadasu Takamine), pakikipag-ugnayan sa urban space (contact Gonzo and ChimPom) at ang paghahanap ng tula sa pang-araw-araw na buhay (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi at Tetsuya Umeda). Si Yasumasa Morimura sa serye ng mga gawa sa video na "Requiem" ay muling nagkatawang-tao sa iba't ibang mga makasaysayang karakter: Chaplin, manunulat na si Yukio Mishima at maging si Lenin - at muling nililikha ang mga yugto mula sa kanilang buhay. Ang isa pang kalahok sa proyekto, si Tetsuya Umeda, ay lumilikha ng mga pag-install mula sa mga improvised na paraan, mga ordinaryong bagay - kaya, ang pinaka-banal na pang-araw-araw na buhay ay nagiging sining. Ang eksibisyon ay magtatampok ng mga gawa ni Yoko Ono - ang sikat na "Cut Piece" sa bersyon ng 1965 at 2003 at ang sound installation na "Cough Piece" (1961). Ang eksibisyon ay magpapakita ng mga gawa ni Kishio Suga, isa sa mga sentral na kinatawan ng kilusang Mono-Ha (Mono-Ha, isinalin bilang "School of things"), na nag-aalok ng alternatibong Hapon sa Kanluraning modernismo. Ipapakita sa seksyon ng larawan ang gawa nina Toshio Shibata, Takashi Homma at Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. "Narito ako ngunit wala kahit saan", 2000. Mixed media. Pag-install sa Maison de la culture du Japon, Paris.
Koleksyon ng may-akda

Ang mga gawa na bumubuo sa ikalawang bahagi ng proyekto ay magpapakita sa publiko ng isang libre, haka-haka na mundo kung saan ang lahat ay umiiral na hindi natin nakikita sa totoong buhay, lahat ng nasa labas nito. Ang mga gawa ng mga artista ng bahaging ito ng eksibisyon ay tumutukoy sa kulturang pop ng Hapon, ang mundo ng pantasya, kawalang-muwang, mga alamat at mga pagmumuni-muni sa istruktura ng kosmogonikong mundo. Ang bawat kalahok ng eksibisyon ay naglalagay ng kanyang sariling kahulugan sa konsepto ng "imahinasyon". Kaya ang artist na si Tadanori Yokoo, sa kanyang relasyon sa haka-haka na mundo, ay ginagawa Pangunahing tema ng pagkawala ng kanyang mga gawa, o sa halip ay "pagkawala sa sarili". Ang isang katulad na motif ay maaaring masubaybayan sa gawa ni Yayoi Kusama: sa pamamagitan ng pagpapakita ng kanyang mga pantasya sa katotohanan, lumilikha siya ng isang mundo na puno ng mga kakaibang pattern. Ang higanteng iskultura na "Child of the Sun" (2011) ni Kenji Yanobe ay nilikha sa isang kakila-kilabot na oras kapag nagkaroon ng pagsabog sa nuclear power plant"Fukushima-1". Ang kanyang monumental na bagay ay nagiging isang punto ng intersection ng mga imahinasyon. Nauunawaan ng artist na ang karanasan na naranasan sa hangganan ng tunay ay magiging isang impetus para sa paglikha ng isang bagong mundo. Nagtatampok din ang Imaginary World/Fantasy part ng mga gawa ni Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa at marami pa.
Ang ilan sa mga gawa ay partikular na nilikha para sa eksibisyon. Ang artist na si Yoshinori Niva ay dumating sa Moscow para sa kanyang proyekto na "Vladimir Lenin ay pinaghahanap sa mga apartment ng Moscow" (2012) upang makahanap ng mga artifact na may kaugnayan sa personalidad ng rebolusyonaryo sa mga apartment ng Muscovites. Ang kanyang trabaho ay isang video na dokumentasyon ng kanyang mga paghahanap at paglalakbay sa paligid ng Moscow. Ang artist na si Tetsuya Umeda, na ang trabaho ay ipapakita nang sabay-sabay sa dalawang lugar, ay pupunta sa Moscow upang mapagtanto ang kanyang mga pag-install sa site.
Ang dalawang ito, sa unang sulyap, hindi maihahambing na mga bahagi ng eksibisyon ay idinisenyo upang ipakita ang dalawang poste ng sining ng Hapon, na sa katotohanan ay hindi mapaghihiwalay sa isa't isa.
Sa loob ng balangkas ng eksibisyon, pinlano din na magdaos ng mga bukas na master class at malikhaing pagpupulong sa mga kalahok sa proyekto. Magkakaroon ng mga lecture ng Japanese curator na si Kenjiro Hosaka at artist na si Kenji Yanobe. Para sa Russia, ang eksibisyon na ito sa unang pagkakataon sa gayong sukat ay kumakatawan sa moderno sining ng Hapon.

Yoshitomo Nara. "Candy-blue night", 2001. 1166.5 x 100 cm. Acrylic sa canvas
Larawan: Yoshitaka Uchida

Kisio Suga "Space of Separation", 1975. Mga sanga at kongkretong bloke. 184 x 240 x 460 cm
Larawan: Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. "Child of the Sun", 2011. Fiberglass, steel, neon, atbp. 620 x 444 x 263 cm. Pag-install sa memorial park Ezpo"70
Larawan: Thomas Swab

Sining at disenyo

3946

01.02.18 09:02

Ang eksena sa sining ngayon sa Japan ay napaka-magkakaibang at nakakapukaw: pagtingin sa mga gawa ng mga masters mula sa Bansa sumisikat na araw Iisipin mong nakarating ka sa ibang planeta! Ito ay tahanan ng mga innovator na nagbago ng tanawin ng industriya sa isang pandaigdigang saklaw. Narito ang isang listahan ng 10 kontemporaryong Japanese artist at ang kanilang mga likha, mula sa hindi kapani-paniwalang mga nilalang ni Takashi Murakami (na nagdiriwang ng kanyang kaarawan ngayon) hanggang sa makulay na uniberso ng Kusama.

Mula sa mga futuristic na mundo hanggang sa mga dotted constellation: mga kontemporaryong Japanese artist

Takashi Murakami: tradisyonal at klasiko

Magsimula tayo sa bayani ng okasyon! Si Takashi Murakami ay isa sa mga pinaka-iconic na kontemporaryong artist ng Japan, nagtatrabaho sa mga pagpipinta, malalaking eskultura at fashion. Ang istilo ni Murakami ay naiimpluwensyahan ng manga at anime. Siya ang nagtatag ng kilusang Superflat, na sumusuporta sa Hapon masining na tradisyon at kultura pagkatapos ng digmaan. Si Murakami ay nag-promote ng marami sa kanyang mga kasabayan, makikilala rin natin ang ilan sa kanila ngayon. Ang mga "subcultural" na gawa ni Takashi Murakami ay ipinakita sa fashion at art art markets. Ang kanyang provocative na My Lonesome Cowboy (1998) ay naibenta sa New York sa Sotheby's noong 2008 para sa isang record na $15.2 milyon. Nakipagtulungan si Murakami sa buong mundo mga sikat na tatak Marc Jacobs, Louis Vuitton at Issey Miyake.

Si Tycho Asima at ang kanyang surreal na uniberso

Isang miyembro ng art production company na Kaikai Kiki at ng Superflat movement (parehong itinatag ni Takashi Murakami), kilala si Chiho Ashima sa kanyang mga fantasy cityscape at kakaibang pop creature. Lumilikha ang artist ng mga surrealistic na pangarap na pinaninirahan ng mga demonyo, multo, mga batang dilag na inilalarawan laban sa backdrop ng kakaibang kalikasan. Ang kanyang mga gawa ay karaniwang malakihan at nakalimbag sa papel, katad, plastik. Noong 2006, lumahok ang kontemporaryong Japanese artist na ito sa Art on the Underground sa London. Gumawa siya ng 17 sunud-sunod na arko para sa platform - ang mahiwagang tanawin ay unti-unting lumiliko mula araw hanggang gabi, mula sa lunsod hanggang sa kanayunan. Ang himalang ito ay namumulaklak sa Gloucester Road tube station.

Chiharu Shima at Infinite Threads

Ang isa pang artist, si Chiharu Shiota, ay nagtatrabaho sa malakihang visual installation para sa mga partikular na landmark. Siya ay ipinanganak sa Osaka, ngunit ngayon ay nakatira sa Alemanya - sa Berlin. Mga sentral na tema ang kanyang gawain ay limot at alaala, mga pangarap at katotohanan, nakaraan at kasalukuyan, at isa ring paghaharap ng pagkabalisa. Ang pinakasikat na mga gawa ni Chiharu Shiota ay ang hindi masisirang mga sapot ng itim na sinulid na bumabalot sa maraming gamit sa bahay at personal tulad ng mga lumang upuan, Damit Pangkasal, nasunog na piano. Noong tag-araw ng 2014, ikinonekta ni Shiota ang higit sa 300 sapatos at bota na nag-donate sa kanya ng mga sinulid ng pulang sinulid at isinabit ang mga ito sa mga kawit. Ang unang eksibisyon ni Chiharu sa kabisera ng Aleman ay ginanap sa Berlin Art Week noong 2016 at nagdulot ng isang pandamdam.

Hoy Arakawa: kahit saan, hindi kahit saan

Ang Ei Arakawa ay inspirasyon ng mga estado ng pagbabago, mga panahon ng kawalang-tatag, mga elemento ng panganib, at ang kanyang mga instalasyon ay kadalasang sumasagisag sa mga tema ng pagkakaibigan at kolektibong paggawa. Kredo ng moderno artistang Hapones ay tinukoy ng performative na hindi tiyak na "kahit saan ngunit wala kahit saan". Lumilitaw ang kanyang mga nilikha sa mga hindi inaasahang lugar. Noong 2013, ipinakita ang gawa ni Arakawa sa Venice Biennale at sa eksibisyon ng kontemporaryong sining ng Hapon sa Mori Art Museum (Tokyo). Ang pag-install ng Hawaiian Presence (2014) ay isang pakikipagtulungan sa artist na nakabase sa New York na si Carissa Rodriguez at itinampok sa Whitney Biennale. Noong 2014 din, si Arakawa at ang kanyang kapatid na si Tomu, na gumaganap bilang isang duet na tinatawag na United Brothers, ay nag-alok sa mga bisita sa Frieze London ng kanilang "trabaho" na "The This Soup Taste Ambivalent" na may "radioactive" Fukushima daikon roots.

Koki Tanaka: Relasyon at Pag-uulit

Noong 2015, si Koki Tanaka ay pinangalanang Artist of the Year. Nag-explore si Tanaka pangkalahatang karanasan pagkamalikhain at imahinasyon, hinihikayat ang pagpapalitan sa pagitan ng mga kalahok sa proyekto at nagtataguyod ng mga bagong panuntunan para sa pakikipagtulungan. Ang kanyang pag-install sa Japanese pavilion sa 2013 Venice Biennale ay binubuo ng mga video ng mga bagay na ginagawang isang plataporma para sa pagpapalitan ng sining ang espasyo. Ang mga pag-install ni Koki Tanaka (hindi dapat malito sa kanyang buong pangalan na aktor) ay naglalarawan ng kaugnayan sa pagitan ng mga bagay at aksyon, halimbawa, ang video ay naglalaman ng isang recording ng mga simpleng kilos na ginawa gamit ang mga ordinaryong bagay(pagputol ng kutsilyo ng gulay, ibinubuhos ang beer sa baso, binubuksan ang payong). Walang makabuluhang mangyayari, ngunit obsessive na pag-uulit at atensyon sa ang pinakamaliit na detalye gawing pahalagahan ng manonood ang makamundo.

Mariko Mori at mga naka-streamline na hugis

Ang isa pang kontemporaryong Japanese artist, si Mariko Mori, ay "nag-conjure" ng mga bagay na multimedia, pinagsasama ang mga video, larawan, mga bagay. Mayroon siyang minimalist na futuristic na pananaw at makinis, surreal na anyo. Ang paulit-ulit na tema sa akda ni Mori ay ang pagkakatugma ng Western legend sa Kanluraning kultura. Noong 2010, itinatag ni Mariko ang Fau Foundation, isang kultural na pang-edukasyon non-profit na organisasyon, kung saan gumawa siya ng serye ng kanyang mga art installation bilang parangal sa anim na kontinente. Kamakailan lamang, ang permanenteng pag-install ng Foundation, The Ring: One with Nature, ay itinaas sa isang magandang talon sa Resende malapit sa Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda: Synthesis ng Tunog at Video

Si Ryoji Ikeda ay isang bagong media artist at kompositor na ang trabaho ay pangunahing nauugnay sa tunog sa iba't ibang "raw" na estado, mula sa sinusoidal na tunog hanggang sa mga ingay na gumagamit ng mga frequency sa gilid ng pandinig ng tao. Kasama sa kanyang mga nakamamanghang pag-install ang mga tunog na binuo ng computer na biswal na binago sa mga projection ng video o mga digital na template. Ang mga audiovisual art object ng Ikeda ay gumagamit ng sukat, liwanag, anino, lakas ng tunog, mga elektronikong tunog at ritmo. Ang sikat na test object ng artist ay binubuo ng limang projector na nagpapailaw sa isang lugar na 28 metro ang haba at 8 metro ang lapad. Ang unit ay nagko-convert ng data (teksto, mga tunog, mga larawan at mga pelikula) sa isang barcode at binary pattern ng mga zero at isa.

Tatsuo Miyajima at mga LED counter

Ang modernong Japanese sculptor at montage artist na si Tatsuo Miyajima ay gumagamit ng mga electrical circuit, video, computer at iba pang gadget sa kanyang sining. Ang mga pangunahing konsepto ng Miyajima ay inspirasyon ng mga ideyang makatao at mga turong Budista. Ang mga LED counter sa kanyang setup ay patuloy na kumikislap sa isang pag-uulit ng 1 hanggang 9, na sumasagisag sa paglalakbay mula sa buhay hanggang sa kamatayan, ngunit iniiwasan ang finality na kinakatawan ng 0 (zero ay hindi kailanman lumalabas sa trabaho ni Tatsuo). Ang lahat ng mga numero sa grids, tower, at diagram ay nagpapahayag ng interes ni Miyajima sa mga ideya ng pagpapatuloy, kawalang-hanggan, koneksyon, at ang daloy ng oras at espasyo. Hindi pa katagal, ang Arrow of Time object ni Miyajima ay ipinakita sa inaugural exhibition na "Incomplete Thoughts Visible in New York".

Nara Yoshimoto at ang Masasamang Bata

Gumagawa si Nara Yoshimoto ng mga painting, eskultura, at mga guhit ng mga bata at aso, mga paksang nagpapakita ng pagkabagot at pagkadismaya ng bata, at ang matinding pagsasarili na natural sa mga paslit. Ang aesthetic ng gawa ni Yoshimoto ay nakapagpapaalaala sa tradisyonal mga ilustrasyon ng libro, ay pinaghalong hindi mapakali na tensyon at pagmamahal ng artist sa punk rock. Noong 2011, ang Asian Society Museum sa New York ay nag-host ng unang solong eksibisyon ni Yoshitomo na pinamagatang "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", na sumasaklaw sa 20-taong karera ng isang kontemporaryong Japanese artist. Ang mga eksibit ay malapit na konektado sa mga world youth subcultures, ang kanilang alienation at protesta .

Yayoi Kusama at ang espasyo na lumalaki na may kakaibang anyo

Nakakatamad malikhaing talambuhay Ang Yayoi Kusama ay tumatagal ng pitong dekada. Sa panahong ito, isang kamangha-manghang babaeng Hapones ang nakapag-aral ng mga larangan ng pagpipinta, graphics, collage, eskultura, sinehan, pag-ukit, sining sa kapaligiran, pag-install, pati na rin ang panitikan, fashion at disenyo ng damit. Nakabuo si Kusama ng isang natatanging istilo ng dot art na naging trademark niya. Ang mga ilusyong pangitain na ipinakita sa mga gawa ng 88-taong-gulang na si Kusama - nang ang mundo ay tila natatakpan ng lumalaganap na mga kakaibang anyo - ay resulta ng mga guni-guni na naranasan niya mula pagkabata. Ang mga silid na may mga makukulay na tuldok at "walang katapusang" salamin na sumasalamin sa kanilang mga naipon ay nakikilala, hindi sila malito sa anumang bagay.

Ano ang anime at manga? Ang pinakasimpleng kahulugan ay ganito:
Ang Manga ay Japanese comics.
Ang anime ay Japanese animation.

Madalas na pinaniniwalaan na ang mga terminong "manga" at "anime" ay limitado sa ilang mga genre (pantasya, pantasya) at mga graphic na istilo (makatotohanan, " malalaking mata"). Ito ay hindi totoo. Ang mga terminong "manga" at "anime" ay tumutukoy lamang sa pangunahing kultura kung saan nilikha ang mga kaukulang akda.
Walang ibang bansa sa mundo na nagbibigay ng ganoong atensyon sa komiks at animation. Ang mga tagalikha ng sikat na Japanese comics ay napakayamang tao (Si Takahashi Rumikom ay isa sa pinakamayamang babae sa Japan), ang pinakasikat sa kanila ay mga pambansang celebrity, ang manga ay bumubuo ng humigit-kumulang isang-kapat ng lahat ng naka-print na bagay na ginawa sa Japan at binabasa anuman ang edad at kasarian. Ang posisyon ng anime ay medyo mas katamtaman, ngunit medyo nakakainggit din. Halimbawa, walang bansa sa mundo kung saan ang mga aktor na nagbo-voice ng animation (seiyu) ay tatangkilikin ang gayong pagkilala, paggalang at pagmamahal. Hapon - ang tanging bansa sa mundo, hinirang para sa isang Oscar para sa full-length na cartoon na "Best Foreign Film."

Sa iba pang mga bagay, anime at manga - magandang paraan suriin hindi lamang kung paano sinasalamin at nararanasan ng modernong Hapon ang kanilang orihinal na mga tradisyon, kundi pati na rin kung paano makikita ang mga motibo at pakana ng ibang mga tao sa mga gawa ng Hapon. At hindi nangangahulugang ang una ay palaging mas kawili-wili kaysa sa pangalawa. Kailangan mong malaman ang wikang Hapon at teoryang pampanitikan upang tunay na maunawaan kung paano naiiba ang Japanese versification (at Japanese mentality) sa European. At para maunawaan kung paano naiiba ang mga duwende ng Hapon sa mga duwende ni Tolkien, manood lang ng isa o dalawang serye.
Kaya, ang anime at manga ay isang uri ng "pintuan sa likod" sa mundo ng kamalayan ng Hapon. At sa pagdaan sa daanan na ito, hindi mo lamang maiikli ang landas nang hindi nilalagpasan ang lahat ng mga bakod at balwarte na itinayo ng isa at kalahating libong taong gulang na "mataas na kultura" ng Japan (ang sining ng anime at manga ay mas bata, at may mas kaunting mga tradisyon dito), ngunit nakakakuha din ng malaking kasiyahan. Pagsasama-sama ng negosyo na may kasiyahan - ano ang maaaring maging mas mahusay?

Ngayon ng ilang partikular na tala tungkol sa manga at anime nang hiwalay.

Manga

Ang "Stories in Pictures" ay kilala na sa Japan mula nang ito ay mabuo. kasaysayang pangkultura. Kahit sa mga kofun mound (mga libingan ng mga sinaunang pinuno), ang mga arkeologo ay nakahanap ng mga guhit na medyo nakapagpapaalaala sa mga komiks sa ideolohiya at istraktura.
Ang pagkalat ng "mga kwento sa mga larawan" ay palaging pinadali ng pagiging kumplikado at kalabuan ng pagsulat ng Hapon. Kahit ngayon, ang mga batang Hapones ay nakakabasa na ng mga libro at pahayagan na "pang-adulto" pagkatapos ng graduation. elementarya(sa 12 taong gulang!). Halos kaagad pagkatapos ng paglitaw ng prosa ng Hapon, ang mga isinalarawan na muling pagsasalaysay nito ay lumitaw, kung saan mayroong maliit na teksto, at ang mga guhit ay gumaganap ng pangunahing papel.

Ang unang Japanese comics ay itinuturing na "Funny Pictures from the Life of Animals", na nilikha noong ika-12 siglo ng isang Buddhist na pari at artist na Kakuyu (isa pang pangalan ay Toba, taon ng buhay - 1053-1140). Ito ay apat na papel na scroll, na naglalarawan ng pagkakasunod-sunod ng itim-at-puti, mga larawang iginuhit ng tinta na may mga caption. Ang mga larawan ay nagkuwento tungkol sa mga hayop na naglalarawan sa mga tao, at tungkol sa mga Buddhist monghe na lumalabag sa charter. Ngayon ang mga scroll na ito ay itinuturing na isang sagradong relic at iniingatan sa monasteryo kung saan nakatira ang ascetic na Kakuyu.
Sa halos isang libong taon ng kasaysayan nito, ang "mga kuwento sa mga larawan" ay tumingin at tinawag na naiiba. Ang salitang "manga" (sa literal - "mga kakaibang (o nakakatawa) na mga larawan, mga grotesques") ay nilikha ng sikat na graphic artist na si Katsushika Hokusai noong 1814, at kahit na ginamit mismo ito ng artist para sa isang serye ng mga guhit "mula sa buhay", ang termino natigil sa pagtukoy sa komiks.
Ang pag-unlad ng manga ay lubhang naimpluwensyahan ng mga European cartoons at American comics, na naging tanyag sa Japan noong ikalawang kalahati ng ika-19 na siglo. Ang unang kalahati ng ika-20 siglo - ang oras ng paghahanap para sa isang lugar para sa mga komiks sa system Kultura ng hapon bagong panahon. Ang militaristang gobyerno, na ginamit sikat na kultura upang maimpluwensyahan ang populasyon. Pinondohan ng militar ang "tamang" manga (kahit na sa madaling sabi ay nagsimula itong lumitaw sa kulay) at ipinagbawal ang manga na may pampulitikang pagpuna, na pinipilit ang mga dating cartoonist na makabisado ang mga pakikipagsapalaran at mga plot ng pantasya (halimbawa, ang ideya ng isang "higanteng robot" ay unang lumitaw sa isang 1943 revanchist manga kung saan binasag ng naturang robot ang kinasusuklaman na USA). Sa wakas, sa panahon pagkatapos ng digmaan ang dakilang Tezuka Osamu, kasama ang kanyang mga gawa, ay gumawa ng isang tunay na rebolusyon sa mundo ng manga at, kasama ang kanyang mga mag-aaral at tagasunod, ginawa ang manga ang pangunahing agos ng kulturang masa.

Ang Manga ay halos palaging itim at puti, tanging mga pabalat at indibidwal na mga guhit ang iginuhit sa kulay. Karamihan sa manga ay "sequel" na serye na nakalimbag sa mga pahayagan o (mas madalas) sa lingguhan o buwanang mga magasin. Ang karaniwang dami ng isang seryeng bahagi sa isang lingguhang magasin ay 15-20 na pahina. Ang manga na sikat sa mga mambabasa ay muling inilimbag sa anyo ng magkahiwalay na volume - tankōbon. Mayroong, siyempre, parehong maikling kwento ng manga at manga na agad na inilathala bilang tankōbon.
Maraming manga magazine sa Japan. Ang bawat isa sa kanila ay naglalayon sa isang partikular na madla, halimbawa, mga mas batang teen na lalaki na interesado sa science fiction o mas lumang mga teen na babae na interesado sa ballet. Ang pinakamalakas na pagkakaiba ay sa pagitan ng mga babae at mga magasing panlalaki. Ang hanay ng mga madla para sa mga naturang magazine ay mula sa mga bata (naka-print ang manga para sa kanila nang walang pirma) hanggang sa nasa katanghaliang-gulang na mga lalaki at babae. Mayroon nang mga eksperimento sa larangan ng manga para sa mga matatanda. Siyempre, ang pagkakaiba-iba ng mga madla na ito ay nagbunga ng isang buong host ng mga estilo at genre, mula sa simbolismo hanggang sa photorealism at mula sa mga fairy tale hanggang sa mga gawaing pilosopikal at mga aklat-aralin sa paaralan.

Ang lumikha ng manga ay tinatawag na "mangaka". Karaniwang isang tao (madalas na may mga apprentice assistant) ang gumuhit ng komiks at nagsusulat ng mga teksto, ngunit mayroon ding pagkamalikhain ng grupo. Gayunpaman, higit sa tatlo o apat na tao ang karaniwang hindi gumagana sa isang manga. Ang artistikong integridad mula dito ay tumataas, at personal na kita - lumago. Bilang karagdagan sa propesyonal na manga, mayroon ding isang amateur - "doujinshi". Maraming mangaka ang nagsimula bilang mga tagalikha ng doujinshi (“doujinshika”). Sa malalaking lungsod, may mga espesyal na pamilihan kung saan ibinebenta ng dōjinshiki ang kanilang mga produkto at kung minsan ay nakakahanap ng mga seryosong publisher para sa kanilang trabaho.

Anime

Ang terminong "anime" ay tumagal lamang noong kalagitnaan ng 1970s, bago iyon ay karaniwang tinutukoy bilang "manga-eiga" ("komiks ng pelikula"). Ang mga Hapon ay nagsimulang mag-eksperimento sa animation noong kalagitnaan ng 1910s, at ang unang anime ay lumitaw noong 1917. Sa loob ng mahabang panahon, ang anime ay nasa likod-bahay ng sinehan, ngunit dito rin, ang mga militarista, na sumusuporta sa anumang "tamang" sining, ay gumaganap ng isang kapaki-pakinabang na papel. Kaya, ang unang dalawang malalaking pelikulang anime ay inilabas noong 1943 at 1945, ayon sa pagkakabanggit, at mga "laro" na propaganda na niluwalhati ang kapangyarihan ng hukbong Hapones. Tulad ng kaso ng manga, si Tezuka Osamu ay gumanap ng isang mapagpasyang papel sa kasaysayan ng anime, na nagmungkahi na talikuran ang walang kabuluhang kumpetisyon sa mga tampok na pelikula ng Walt Disney at magpatuloy sa paglikha ng mga serye sa TV na higit sa mga Amerikano hindi sa kalidad ng imahe, ngunit sa pag-akit sa mga Japanese audience.

Karamihan sa mga anime ay mga serye sa TV at serye na ginawa para sa pagbebenta sa video (serye ng OAV). Gayunpaman, mayroon ding maraming mga pelikula sa TV at full-length na anime. Sa mga tuntunin ng iba't ibang mga estilo, genre at madla, ang manga ay higit na nakahihigit sa anime, ngunit ang huli ay nakakakuha ng karibal nito bawat taon. Sa kabilang banda, maraming anime ay adaptasyon ng sikat na manga, at hindi sila nakikipagkumpitensya, ngunit komersyal na sumusuporta sa isa't isa. Gayunpaman, karamihan sa mga anime ay para sa mga bata at teenager, bagama't mayroon ding anime para sa mga young adult. Ang mga nasa katanghaliang-gulang na madla ay nasakop ng "anime ng pamilya" na pinapanood ng mga bata kasama ng kanilang mga magulang. Ang serye ay nagdidikta ng sarili nitong mga batas - ang mga tagalikha ng anime ay hindi gaanong hilig mga teknikal na eksperimento, ngunit bigyang pansin ang paglikha ng kaakit-akit at kawili-wiling mga larawan mga character (kaya ang kahalagahan ng mataas na kalidad na voice acting) at pagbuo ng plot. Ang mga taga-disenyo ng anime ay mas mahalaga kaysa sa mga animator.
Ang anime ay ginawa ng mga anime studio, kadalasang maliit at pinondohan ng mga panlabas na sponsor (mga channel sa TV, mga korporasyong laruan, mga publisher ng manga). Kadalasan, ang mga studio na ito ay lumilitaw sa paligid ng ilang mga natitirang tagalikha, at samakatuwid ang studio ay madalas na may isang partikular na "estilo ng studio" na itinakda ng mga nangungunang designer.