Tulong sa Tele2, mga taripa, mga tanong

Ipadala ang iyong mabuting gawa sa base ng kaalaman ay simple. Gamitin ang form sa ibaba

Ang mga mag-aaral, nagtapos na mga estudyante, mga batang siyentipiko na gumagamit ng base ng kaalaman sa kanilang pag-aaral at trabaho ay lubos na magpapasalamat sa iyo.

Nai-post sa http://www.allbest.ru/

Panimula

Mga tampok ng mga istraktura ng fret

Ang pagka-orihinal ng mga istrukturang modal sa musika ng ikadalawampu siglo

Frets D.D. Shostakovich

Konklusyon

Bibliograpiya

Panimula

Dmitry Dmitrievich Shostakovich - kompositor ng ika-20 siglo. Tulad ng lahat na kailangang lumikha sa oras na ito, nahaharap siya sa problema ng wika, ang pagpili sa pagitan ng "luma" at "bago", isang problema na nalutas sa iba't ibang panahon ng pagkamalikhain at sa iba't ibang mga gawa sa iba't ibang paraan. Kapag nakikilala ang kanyang mga gawa, kahit na ang mga hindi pinaka matapang sa mga paraan ng pagpapahayag, maraming mga kontemporaryo, batay sa isang oryentasyon patungo sa mga pamantayan ng akademikong sining ng nakaraan o patungo sa mga genre ng masa, sinisiraan si Shostakovich dahil sa pagiging kumplikado, hindi maunawaan, at tila. malayo sa kanila. Lumipas ang oras, at, kasama ang pagkilala sa publiko, iba pa, direktang kabaligtaran, lumitaw ang mga akusasyon: konserbatismo, labis na pagiging simple. Ito ay eksakto kung ano ang hitsura ng wika ni Shostakovich sa pamamagitan ng mga mata (mas tiyak, ang mga tainga!) Ng mga tagasunod, halimbawa, ng paaralan ng Novovenskaya at, higit pa, mga kinatawan ng "avant-garde". Siya mismo, hindi kasama ang mga paghahanap sa huling bahagi ng 1920s, ay tila hindi itinuring na ang sinasadyang "bagong-bago" ay ang kanyang gawain.

Ang mga linya mula sa sulat ni D.D. ay nagpapahiwatig. Shostakovich mula Marso 22, 1950 hanggang sa napakabata E.V. Denisov. Lubos na pinahahalagahan ang talento ng kompositor, si Shostakovich, gayunpaman, ay sumulat: "Lahat ng iyong mga gawa na ipinadala mo sa akin ay hindi pa moderno at sapat na malalim.<…>…Ang iyong personalidad bilang isang kompositor ay halos hindi nakikita sa iyong mga gawa: walang indibidwalidad ng kompositor (para sa kapakanan ng Diyos, huwag hanapin ito sa tulong ng mga maling tala). Hindi iyon ang ibig sabihin ng indibidwalidad. Darating ito sa iyo... na may mga taon at karanasan." Tulad ng nakikita natin, kung isasaalang-alang ang kakulangan ng "modernity" bilang isang kawalan, agad niyang binalaan si Denisov laban sa "mga maling tala." At bagama't pinag-uusapan natin ang tungkol sa paghahanap para sa indibidwalidad, batay sa konteksto ng liham, maaaring ipagpalagay na ang pangungusap na ito ay dapat na maunawaan nang mas malawak, kabilang ang nauugnay sa pagiging bago ng wika. Kapansin-pansin din na si Shostakovich, na lubos na pinahahalagahan ang "pagsasanay" ng kompositor (ito ay nakasaad, sa partikular, sa sinipi na liham), ay nagsusulat tungkol sa sariling katangian sa halip na isang hindi sinasadyang nakuha na resulta ng pagsusumikap, sa halip na isang bagay na napapailalim sa makatwirang pagkalkula at nangangailangan ng mulat na "pag-imbento."

Katangian din na ang kompositor (hindi tulad, halimbawa, A. Schoenberg, P. Hindemith, O. Messiaen) ay hindi kailanman sinubukang ipakita ang kanyang wika sa anyo ng isang teoretikal na sistema at sa pangkalahatan ay hindi nais na pag-usapan ang tungkol sa kanyang mga gawa, kabilang ang kanilang teknolohikal na bahagi. Ito ay kilala na ang mga musicologist na bumaling sa kanya para sa paglilinaw ay palaging nabigo. Bukod dito, malalim ang lumikha indibidwal na sistema modal thinking, naniwala si Shostakovich na sa buong buhay niya ay isinulat niya sa major at minor.

Layunin ng gawain: pag-aralan ang istraktura at sistematiko ng sistema ng mode ng D. D. Shostakovich.

Ang mga sumusunod na gawain ay iniharap sa gawain:

Pag-aralan ang panitikan sa mga problema ng pagkakaisa;

Tukuyin ang mga tampok ng musikal na wika ng D. D. Shostakovich;

Ibuod ang mga harmonic technique na ginamit ng kompositor sa loob ng balangkas ng theoretical modal system.

Mga tampok ng mga istraktura ng fret

Ang isang partikular na melody at isang piraso ng musika sa kabuuan ay palaging nakabatay sa isang tiyak na pagkakatugma.

Ang "Lad" ay isang salitang Ruso na nangangahulugang panloob na istraktura ng anumang sistema, ang pagkakasunud-sunod, ang prinsipyong pinagbabatayan ng mga ugnayan ng mga elemento nito. Pinag-uusapan nila ang tungkol sa pagkakasundo sa pamilya, tungkol sa pagkakasundo sa komunidad ng mga magsasaka, tungkol sa pagkakasundo sa pangkat. Kaugnay ng musika, ang konseptong ito ay ipinakilala sa paggamit ng Russian musicologist na si Modest Dmitrievich Rezviy (1806?1853).

Ang mga tunog ng musika mismo ay mga elemento lamang kung saan, sa isang tiyak na organisasyon, ang isa o ibang modal system ay maaaring mabuo. Sa pagitan ng mga tunog na bumubuo ng anumang sistema ng mode, hindi lamang pitch (interval) kundi pati na rin ang tinatawag na mode-functional na relasyon ay palaging lumitaw: ang bawat tunog, na nagiging isang tiyak na antas ng mode, ay tiyak na nakakakuha ng pag-aari ng katatagan o kawalang-tatag at, alinsunod sa na may ganitong kahulugan, gumaganap ng isa o ibang papel - function - sa mode, na tumutukoy sa mismong pangalan ng antas na ito (bilang karagdagan sa pangalan ng musikal nito).

Ang pag-andar ay isa sa mga pangunahing katangian ng mga elemento ng tunog sa musika, na ipinakita sa kanilang kakayahang pumasok sa mga semantikong relasyon sa iba pang mga elemento ng mode. Ang tinatawag na modal gravity na lumitaw ay hindi dapat ituring na isang pag-aari ng mga degree at chord mismo. Ang lakas ng conjugation ng mga elemento ng fret at ang kanilang direksyon ay hindi pare-pareho at nag-iiba sa loob ng kapansin-pansin na mga limitasyon. Nakadepende sila sa maraming kundisyon, pangunahin sa posisyon ng tunog o katinig sa sistema ng temporal na relasyon. Upang masuri ang direksyon at intensity ng mga koneksyon sa tonal, kinakailangan na magkaroon ng isang mahusay na pag-unawa sa organisasyon ng oras ng musika. Ang istraktura ng musikal na oras ay isa sa mga pangunahing pundasyon ng pagkakaroon at pag-unlad ng musikal na wika. Ito ay hindi ibinibigay minsan at para sa lahat; ang mga prinsipyo nito ay kapansin-pansing naiiba sa iba't ibang pambansang kultura at, ngunit sa iba't ibang yugto ng makasaysayang pag-unlad, tulad ng kaso sa lahat ng iba pang mga elemento ng musikal na wika.

Sa kaibahan sa mga terminong modality at tonality na pinagtibay sa Europa, na nagsasaad ng sunud-sunod na mga prinsipyo ng modal na organisasyon, ang kahulugan ng terminong mode sa modernong pag-unawa ay pinagsasama ang parehong modal na batayan - ang sukat ng istruktura ng modal, at ang tonal system - ang functional na mga relasyon ng mga bumubuo nitong elemento ng tunog.

Sa musika ng iba't ibang mga makasaysayang panahon, ang mode ay ipinahayag sa maraming tiyak na paraan ng organisasyon - mga uri ng mga istruktura ng mode, na maaaring maiuri ayon sa mga sumusunod na pamantayan:

Ayon sa uri ng function carrier:

· mga mode ng melodic nature, kung saan ang mga function ay ipinahayag ng mga tunog na pumapasok sa mga relasyon sa iba pang mga tunog na bumubuo sa melodic line;

· mga mode ng harmonic na kalikasan (ang mga function ay ipinahayag ng mga chord na pumapasok sa mga relasyon sa iba pang mga chord sa isang harmonic sequence).

Ayon sa istruktura ng iskala na bumubuo sa modal na batayan nito:

· diatonics ng iba't ibang uri: dalisay (mahigpit), kumpleto, hindi kumpleto, kondisyonal (alterational), octave, non-octave;

· chromaticity;

· simetriko frets ng iba't ibang uri.

Ayon sa istraktura ng sistema ng pag-andar:

simple (pagkakaroon ng isang tonic at isang kaukulang sukat);

kumplikado, nahahati din sa iba't ibang uri:

1. mga variable batay sa isang pagbabago sa mga pundasyon na may pare-parehong modal na batayan;

2. "variant", na naglalaman ng iba't ibang bersyon ng mga indibidwal na hakbang na may parehong tonic;

3. pagsasama-sama ng pagkakaiba-iba sa pagkakaiba-iba sa isang istraktura;

4. multifaceted, batay sa polytonality ng melodic foundations at ang contrast ng modal na batayan sa iba't ibang layer ng tela.

Modal scale bilang batayan ng modal structure

Ang mga pagkakaiba sa istruktura ng mga modal na kaliskis ay tumutukoy sa likas na katangian ng melodic o harmonic na koneksyon na lumitaw sa pagitan ng mga elemento ng tunog, ang kanilang lakas at lakas, kadalian o kahirapan.

Ang pangunahing uri ng mga kaliskis ng modal ay diatonic (mula sa Griyego na "dia" - sa pamamagitan ng, "tonos" - pag-igting, pag-igting). Ang terminong ito ay tumutukoy sa isang sukat na nailalarawan sa pamamagitan ng partikular na kadalian ng melodic na koneksyon at ang posibilidad ng malayang pagbabago ng mga pundasyon dahil sa magkaparehong atraksyon ng lahat ng antas ng sukat.

Kilala ang iba't ibang uri ng diatonic:

· dalisay (mahigpit). Kabilang dito ang lahat ng octave na "white-key" na kaliskis - natural major at minor, pati na rin ang kanilang mga variant: Dorian, Phrygian, Lydian, Mixolydian at Locrian.

· kondisyonal (alterational). Kabilang dito ang harmonic, melodic major at minor, gayundin ang lahat ng iba pang pitong-hakbang na bersyon ng mga ito, na naglalaman ng mga pagbabago ng mga indibidwal na walang hinto, kabilang ang mga bumubuo ng tumaas na segundo.

· hindi kumpleto - dichords, trichords, tetrachords, pentachords, na tila kumakatawan sa mga fragment ng diatonic na kaliskis ng iba't ibang uri.

· non-octave - isang sukat na nabuo sa pamamagitan ng kumbinasyon ng mga trichords, tetrachords, pentachord ng pareho o ibang istraktura. Ang isang tampok ng mga non-octave na kaliskis ay ang pagkakaiba sa taas ng mga hakbang sa iba't ibang octave.

Ang pentatonic scale ay napakalawak na kinakatawan sa katutubong at propesyonal na musika mula sa iba't ibang mga bansa at rehiyon ng mundo - isang sukat kung saan walang mga semitone at degree na bumubuo ng isang tritone. Tulad ng diatonic scale, ang pentatonic scale ay maaaring hindi kumpleto o non-octave.

Ang pentatonic scale ay kabilang sa anhemitonic (half-tone) scales, tulad ng whole-tone scale. Gayunpaman, ang mga koneksyon sa intonasyon ng mga degree batay sa pentatonic scale, dahil sa pagkakaroon ng purong fourths at fifths, ay lumitaw nang madali at simple, habang sa buong sukat ng tono ang lahat ng ikaapat at ikalima ay nadagdagan.

Ang isang espesyal na uri ng modal scales ay nabuo sa pamamagitan ng chromatics (Greek "chromatos" - makulay, maraming kulay). Ito ay isang sukat kung saan sa isang oktaba mayroong iba't ibang mga bersyon ng parehong hakbang, na nabuo sa pamamagitan ng pagbabago - pagtaas o pagbaba ng mga hakbang ng sukat.

Ang Chromatics ay maaaring intratonal, kung saan ang mga hindi matatag na hakbang lamang ng sukat ay binago, at modulasyon, na humahantong sa modulasyon, i.e. pagbabago ng tono. Dito, posible rin ang mga pagbabago ng mga matatag na yugto ng orihinal na tonality, na bumubuo ng isang paggalaw patungo sa mga pundasyon sa isang bagong tonality.

Salamat sa pag-apruba ng pantay na pag-uugali, ang mga kompositor, simula sa ika-19 na siglo, ay natuklasan at pinagkadalubhasaan ang maraming mga bagong uri ng mga kaliskis batay sa paghahati ng octave sa pantay na mga bahagi - ang tinatawag na artipisyal o simetriko na mga mode ("mga mode ng limitadong transposisyon"):

Kaya, ang paghahati ng isang oktaba sa 4 na bahagi ay bumubuo ng isang pinaliit na ikapitong chord, ang pagpuno nito ay nagbibigay sa mga kaliskis ng tono-semitone o semitone-tono;

Ang paghahati ng oktaba sa tatlong bahagi ay bumubuo ng isang pinalaki na triad, na pinupunan ng alinman sa isang buong-tono na sukat o sa pamamagitan ng tono-semitone, semitone-tono-semitone, semitone-semitone-tonong mga kaliskis.

Ang karunungan ng melodic at harmonic system ng mga kaliskis na ito sa musika noong ika-19-20 na siglo ay humantong sa pagtuklas ng modal technique - mga bagong pamamaraan ng pag-aayos ng musikal na tela, na nagpapahintulot sa isa na ipakita ang kagandahan at kayamanan ng parehong pamilyar, luma at mga bagong variant ng modal na batayan ng mode.

Ang orihinalidad ng mga istrukturang modal sa musika noong ika-20 siglo

Isang matalim na pagbabago ang naganap sa modal na pag-iisip ng mga kompositor ng ika-20 siglo: sa unang pagkakataon, ang mga anyo ng modal, naiiba sa genesis, saklaw, istraktura, interpretasyon, mga pamamaraan ng pakikipag-ugnayan at, siyempre, sa kanilang pagpapahayag, ay ipinakita sa gayong kasaganaan. at pagkakaiba-iba.

Sa modernong musika, na nagpapahintulot sa pagkilala ng isang mode na may isang tiyak na hanay ng mga intonasyon, ang mode ay nakakakuha ng katayuan ng isang elemento na gumaganap bilang isang aktibong nagpapahayag at nakabubuo na paraan. Ang kumpletong kalayaan mula sa magkatulad na mga canon ng istruktura ay humahantong sa katotohanan na ang mga modernong porma ng modal ay naging ganap na indibidwal.

Ang isang qualitatively different stage sa modal thinking ay nauugnay sa pagpapayaman ng mga istrukturang prinsipyo. Ang isang alternatibo sa paglapit sa mode bilang isang holistic, panloob na pinag-isang istraktura ay ang suporta ng mode formation sa generative function ng mode cell. Ang prinsipyo ng isang modal matrix ay lumitaw, na bumubuo ng isang modal model, at ang "paglaki" ng mga kaliskis ay nangyayari sa pamamagitan ng pagsasama-sama ng mga cell. Ang pagtrato sa fret cell bilang pangunahing elemento ng istruktura ay humahantong sa isang kamalayan sa likas na produksyon ng sukat, na pinagsama-sama sa batayan ng isang invariant at ang kabuuan ng mga pagbabago nito. Ang diskarteng ito ay makabuluhang nagbabago sa likas na katangian ng mga hugis ng mode. Ang kanilang mga matatag na uri, na katangian ng mga nakaraang panahon, ay nagbibigay-daan sa mga indibidwal, mobile na istruktura, na may gumagalaw na hanay ng mga indibidwal na kaliskis mula 3-4 na tunog hanggang sa ilang octaves at may iba't ibang functional na pagkakakilanlan ng mga tono (oktaba, ikaapat, pangatlo, tritone, atbp. ).

Sa lahat ng iba't ibang mga mode sa musika ng ika-20 siglo, tatlong mga mode ang nagpapakita sa ilang lawak ng magkasalungat na mga poste ng artistikong aesthetics ng panahon. Ito ay diatonic, na naging batayan ng intonasyon-semantiko sa mahabang panahon at sa huling siglo ay umabot sa malaking kumplikado at mga bunga; tempered chromatics, na sa mahabang panahon, na kumikilos bilang isang derivative area ng diatonics, binago ang katayuan nito, lumipat mula sa isang superstructural phenomenon sa isang basic, na pinayaman ng maraming independiyenteng mga anyo; microchromatics - untempered at tempered, na bumubuo sa pagiging tiyak ng modernong modal na pag-iisip.

Kaugnay ng pangkalahatang pagkahilig sa chromatization ng mga istruktura ng modal, kung saan ang bilang ng mga ratio ng semitone ay tumigil na maging isang unibersal na tagapagpahiwatig ng mode, ang ideya ng diatonic at chromatics ay nagbabago. Inilalarawan namin ang mga mode na pangunahing nakatuon sa ikaapat-ikalimang koordinasyon ng mga tono bilang diatonic sa genesis; Ang mga mode na may nangingibabaw na koordinasyon ng tritone ay parang mga chromatic.

Ang untempered microchromatics ay kinakatawan ng ecmelica. Ekmelika (Greek - extra-melodic) - isang sliding, intervalally undifferentiated intonation system. Ito ay ginagamit sa loob ng ibang mga sistema bilang elemento ng speech intonation, isang espesyal na istilo ng pagganap batay sa mga prinsipyo ng glissanding. Ang mga tempered microchromatics ay batay sa quarter-tone na mga relasyon at kumakatawan sa isang bagong uri ng ugali (neotemperament) sa Western European na musika. Nagagawa niyang ihatid ang mga banayad na pagbabago sa emosyonal at sensual na istraktura ng musika, at magkakaibang mga nuances ng intonasyon.

Ang lahat ng tatlong uri ng mga istrukturang modal ay may maraming mga intermediate na uri na lumitaw mula sa isang kumbinasyon ng mga pangunahing anyo. Ang pagkonekta sa mga nangungunang uso sa pag-unlad ng modal - ang pagpapayaman ng komposisyon ng tunog, ang pangkalahatang chromatization at indibidwalisasyon nito - ginagawa nila ang modernong panorama ng modal na ibig sabihin ay napakaraming kulay at malawak.

Kaya, ang ika-20 siglo ay kumakatawan sa isang makabuluhan makasaysayang yugto sa ebolusyon ng modal thinking. Ang mga bagong impulses ng mga proseso ng modal ay naging napakabunga para sa karagdagang pag-unlad ng musikal na sining.

Mga tampok ng musikal na wika ng D.D. Shostakovich

Wikang pangmusika D.D. Ang gawain ni Shostakovich sa kabuuan ay motley at magkakaibang, na sumasalamin din sa kumplikadong ebolusyon ng estilo ng kompositor. Gayunpaman, ang uri ng sistema ng wika na pinagsama sa isang tiyak na pangkulay ng intonasyon ay nananatiling pareho, na nagbibigay-daan sa amin na pag-usapan ang tungkol sa pagkakaisa ng istilo sa magkakaibang mga pagpapakita tulad ng Seventh Symphony, ang Ikalabintatlong String Quartet, at ang mass song na "Song of the Mundo.” Ang esensya ng ganitong uri ay ang paglipat nang walang kapansin-pansing pagbabago sa wika ng ika-20 siglo ng masalimuot at magkakaugnay na mga elemento ng wika tulad ng pag-unlad nito sa nakaraang panahon. Ang nagbago ay ang nilalaman ng kung ano ang saklaw ng sistema ng wika, hindi ang sistema mismo. Ang sistema ng mga sangkap ng wikang musikal ni Shostakovich ay medyo tradisyonal, sa kaibahan sa sitwasyon sa gawain ng kanyang mga kontemporaryo - I.F. Stravinsky (sa unang bahagi ng panahon, bigla niyang isulong ang kadahilanan ng isang bagong ritmo, at kalaunan ay dumating sa dodecaphony), O Messiaen (umaasa sa isang bagong sistema ng mga mode at ritmo), A. Webern, hindi sa banggitin ang mga kompositor ng ibang panahon.

Sa musika ni Shostakovich, ang mga pangkalahatang batas ng pagkakaisa ng ikadalawampu siglo ay nalalapat, tulad ng pangunahing pagtanggap ng kalayaan ng dissonance at halos anumang chord bilang isang independiyenteng chord sa loob ng isang naibigay na sistema (tonality), pati na rin ang mga bagong prinsipyo ng harmonic functionality, sa karagdagan sa mga lumang functional formula (D-T, S-D-T, atbp.). P.). Sa kabuuan ng mga paraan ng wika ni Shostakovich, ang pangingibabaw ng tonal na prinsipyo ng pagkakaisa ay naaayon sa mga musikal na anyo ng klasikal na uri na natural para dito, na may kumplikado ng mga istrukturang pag-andar ng mga bahagi at ang mga kinakailangang pamamaraan ng kanilang maharmonya. pagtatanghal. Pinagsasama ng harmonic na pag-iisip ng kompositor ang mga pattern na malayo sa isa't isa bilang elementary tonal-functional na koneksyon ng tertian chords, mga relasyon sa sobrang pinalawak (chromatic) tonality at sa tinatawag na "free atonality", sa polyphonic harmony, horizontal connections ng mga tunog ( hindi consonances) sa modal scales, hemitonic scales ng quasi-serial type, sonorous harmony. Ang iba't ibang mga harmonic na istruktura sa Shostakovich ay maaaring mabawasan sa isang solong kabuuan kung iisipin natin ang hemitonic (kalahating-tono) na serye, ang tunog na "musika ng mga sonoridad" bilang matinding mga lugar ng pinalawak. sistema ng tonal o mga katabing lugar dito bilang "borderline" na mga phenomena na naging autonomous mula sa buong sistema.

Ang uri ng tonality ni Shostakovich ay karaniwang nailalarawan sa pamamagitan ng pamamayani ng isang diin sa pabago-bagong lakas ng sentralisasyon ng mga functional na koneksyon at, sa parehong oras, ang paggamit ng lahat ng uri ng iba pang mga epekto, kabilang ang mga hindi kasama ang sentralisasyon at katiyakan ng pandamdam ng tonic. . Sa kaibahan sa pinakamainam at generalization ng tonal na istraktura ng ika-18-19 na siglo, ang tonality ng bawat kompositor ng ika-20 siglo ay indibidwal, ngunit bilang isang estilo ay nagpapakita ito ng pagkakatulad sa ilan at pagkakaiba sa iba. Ang tonality at harmonic system sa kabuuan sa Shostakovich ay typologically katulad sa kaukulang mga parameter ng musika ng S.S. Prokofiev, N.Ya. Myaskovsky, at, sa isang mas malaking lawak, B. Bartok, P. Hindemith, A. Honegger.

Ang isa sa mga pangunahing lugar ng musika ng ikadalawampu siglo ay modal music, batay sa linear-melodic na prinsipyo ng ilang mga antas at mode. Ang isa sa pinakamahalagang katangian ng musikal na wika ni Shostakovich ay ang pag-iisip sa mga kategoryang monomodal (modal, at hindi lamang chord-harmonic).

Gayundin, ang isa sa mga kapansin-pansin na phenomena ng musikal na wika ng kompositor ay labindalawang-tono - isang kababalaghan salamat sa kung saan ang isang partikular na malinaw na linya ay iginuhit sa pagitan ng ikadalawampu siglo at ng nakaraang panahon (sa kabila ng mga indibidwal na kaso ng labindalawang tono sa F. Liszt, N. A. Rimsky-Korsakov, R. Strauss). Twelve-tone ay nagbibigay ng marami iba't ibang pamamaraan disenyo nito. Bilang karagdagan sa dodecaphony ng A. Schoenberg at A. Webern, kabilang dito ang twelve-tone chords, twelve-tone fields at ilang iba pang technique. Sa Shostakovich, ang diskarte sa isa sa mga uri ng hindi pangkaraniwang bagay na ito ay nangyayari pangunahin sa ilang mga gawa ng 20s (ang opera na "The Nose") at sa huli na panahon ng pagkamalikhain (ang Ika-labing-apat at Ikalabinlimang symphony).

Iskala ng Shostakovich

Frets D.D. Shostakovich

Si Shostakovich mismo ay nagsalita nang pabiro tungkol sa pag-aaral ng kanyang harmonic na wika bilang isang sistema: "Ako, walang muwang, naisip na sa buong buhay ko ay sumulat lamang ako sa major at minor." Ngunit nang masuri nang mabuti ang maraming mga fragment ng musika ng kompositor, dapat hindi sumang-ayon ang isa sa kanyang opinyon. Walang sinuman ang maaaring tanggihan ang pagkakaroon sa kanyang trabaho, halimbawa, ng modal heptatonics. Sa mga artikulo ni A.N. Dolzhansky, na siyang unang nag-aral ng harmonic na wika ng Shostakovich at lumikha ng teorya ng "mga mode" noong 1940s, sa halimbawa ng musikal mula sa coda ng unang bahagi ng Tenth Symphony, ang mode na e- semitone-tone, o pinaliit - karaniwang tinatanggap, ay mahigpit na pinananatili bilang isa sa mga uri ng mode; sa kasong ito, ang "Shostakovich mode" (kasama ang diatonic) ay dapat ituring na isang mode. Sa kabila ng katotohanan na ang "Shostakovich mode" ay may bahagyang naiibang kalikasan, hindi maitatanggi na ang mga ito ay hindi gaanong madalas na ginagamit, tulad ng diatonic heptatonics.

Ang "iba't ibang kalikasan" ng mga frets ay makikita sa katotohanan na sila ay madalas na makitid sa dami. Hindi sila maaaring tumayo sa parehong antas ng "full-component" octave scales ng Lydian o Ionian mode, kaya ang tanong ay lumitaw: ang mga ito ba ay mga mode o mga cell ng lokal na mode na random na lumabas sa loob ng isang pinalawig, multi-component mode? Marahil ito ang dahilan kung bakit si Shostakovich mismo ay hindi isinasaalang-alang ang gayong mga pormasyon na mga frets.

Ang mga mode ni Shostakovich ay nabibilang sa isang linya ng pag-unlad na halos naantala sa panahon ng chordal harmony - sa isang modality na ang sentral na elemento ay hindi isang chord, ngunit isang sukat ng mga kaliskis.

Tertian tetrachord (4/3)

Bumaling tayo sa linear na "unang katinig" (quarta-tetrachord) [Fig. 1]. Ang lahat ng tatlong posibleng kumbinasyon ng mga diatonic na segundo ay kinakailangang makagawa ng pinaliit na ikaapat sa halip na ang orihinal na major third. Gayunpaman, sa musika ng ika-20 siglo, ang enharmonic na fes-e ay lumalabas na hindi naghahati, ngunit nagkokonekta (ang pinaliit na ikaapat na c-fes ay gumaganap bilang isang pangunahing ikatlong c-e). Ito ay maaaring natanto sa anyo ng isang chord na kinasasangkutan ng mga enharmonic na tunog, o ipinahiwatig, dahil ang mga triadic na koneksyon ay palaging ipinahiwatig sa mayor at minor na sistema ng ika-19 na siglo (ang prinsipyo ng enharmonic na "pagsasara" ng matalim at patag na "mga gilid ” ng mode). Samakatuwid ang maginoo na pinaikling notasyon ng isang tetrachord sa frame ng isang natural na pangatlo (3) - 4/3 ("tertian tetrachord").

Bagama't ang mga pagitan sa pagkakasunud-sunod ay pangunahing naririnig bilang diatonic, ang resultang sukat sa kabuuan ay hindi diatonic. Dapat tukuyin ang genus nito bilang myxodiatonic (mixed-diatonic), i.e. pagsasama-sama ng dalawa o higit pang diatonic na mga cell [Larawan 2]. Ang diatonicity ng mga cell ay nagpapanatili ng koneksyon nito sa mga lumang mode, ngunit ang isang paggalaw patungo sa chromaticity (half-tone scale) ay nagsisimula nang madama. Ang apat na hakbang na istraktura sa loob ng pangunahing ikatlong ay hindi na nagpapahintulot sa sukat na bawasan sa isang trichord at dapat na itinalaga bilang isang tetrachord. Ngunit sa modernong enharmonic scale, dapat palaging ibigay ang posibilidad ng natural (pangunahing) ikatlong 5:4, na maaaring italaga ng terminong "diton" (i.e. isang pagitan na katumbas ng dalawang tono). Kaya ang espesyal na termino para sa mga mode ni Shostakovich, tertian tetrachord, o dionic tetrachord.

Ang mode na ito ay makikita sa gilid na bahagi ng reprise ng unang paggalaw ng Seventh Symphony (bassoon solo) [Fig. 3]. Ang partikular na bahagi ng fret ay fis. Ito ay ibinibigay sa kumbinasyon ng tradisyonal na Aeolian (itaas na tetrachord).

Ito ay katangian ng mga mode ni Shostakovich na halos palaging binibigyang-kahulugan ng kompositor ang mga ito bilang mga menor de edad, bukod pa rito, ng isang darker mode na pangkulay kaysa sa menor de edad mismo. Ginamit ni Yu.N. Kholopov ang terminong "super minor" upang tukuyin ang hindi pangkaraniwang bagay na ito.

Ikalimang hexachord (5/6)

Sa pagbuo ng mode na ito, ginagamit ang prinsipyo ng karagdagan - isang ikatlong tetrachord na may pagdaragdag ng dalawa pang hakbang. Ang resulta ay isang ikalimang hexachord, i.e. anim na hakbang na sukat na may mga tono sa gilid ng mga fifth. Sa sistema ng notasyon, ang tertian tetrachord ay maaaring markahan ng numero 4, na sinusundan ng alinman sa 1.2 o 2.1 [Fig. 4]. Ang enharmonicity ay gumagana din dito [Larawan 4, B]. Gayunpaman, kahit na magkasunod halos imposibleng marinig ang pinaliit na ikaanim, dahil ang perpektong katinig ng ikalima ay naririnig. Samakatuwid, para sa isang pinaliit na ikaapat, ang terminong "diton" ay maaaring tukuyin, na hindi nagsasalita ng isang hakbang, at para sa isang pinaliit na ikaanim na ito ay hindi kinakailangan.

Sa teorya, ang isa pang istraktura ng ikalimang hexachord ay posible, kapag ang dionic tetrachord ay nakakabit sa itaas na tunog ng ikalimang mula sa ibaba [Larawan 5].

Tulad ng sa 4/3, ang pinaka-natural na sukat ay 6/5 -1.2.1.2.1, i.e. pinababang mode ("Rimsky-Korsakov mode" o "octatonic").

Ang ikalimang hexachord ay makikita sa unang paggalaw ng Seventh Quartet [Larawan 6].

Hemioctave (8/7, 9/7)

Ang ikatlong mode ay nabuo sa isang hanay ng 11 semitones, o hemioctave. Sa terminolohikal, hindi na kailangan para sa nominological uniformity (ang nakaraang dalawang kahulugan ng mode ay nagpapahiwatig ng bilang ng mga hakbang sa loob ng isang naibigay na pagitan ng ikatlo o ikalimang), dahil ang bilang ng mga hakbang ay maaaring lumampas sa pitong hakbang na heptatonic ng 1, 2, kahit na 3 unit. Samakatuwid, ang simbolikong pag-aayos ng mga variant ng hakbang ng hemioctave ay 8/7 (i.e., walong hakbang sa halip na pito), 9/7, at posibleng 10/7.

Sa esensya, pinagsasama lamang ng hemioctave ang 4/3 at 6/5. Kung ang dalawang Shostakovich mode ay pinagsama, maaaring mayroong mga pagpipilian 6/5+4/3 (madalas na ganito ito), o (bihirang) 4/3+6/5 [Larawan 7].

Ang isang halimbawa ng unang uri ng hemioctave (6/5+4/3) ay matatagpuan sa I movement ng Twelfth Symphony [Fig. 8]. Ang recording ng kompositor ay patuloy na hindi kasama ang pinalawig na prima interval - kahit saan ay may mga diatonic interval lang. Bilang resulta, ang sukat, sa halip na ang octave, ay sarado na may pinaliit na nota (fis-ges).

Ang isang halimbawa ng pangalawang uri ng hemioctave (4/3+6/5) ay ang sikat na passacaglia mula sa opera na "Katerina Izmailova" [Fig. 9].

Maraming halimbawa ng hemioctaves: Prelude cis-moll, finale ng Second Piano Sonata (8/7) at ang pangunahing tema ng I part nito (8/7), coda to the I part ng Ninth Symphony (tatlo bar bago ang numero 60; 8/7), mabagal na paggalaw ng Ninth Symphony (9/7), First Cello Concerto, IV movement (9/7).

Mode heterogeneity

Sa loob ng balangkas ng fifths at hemioctave maaaring magkaroon ng pinaghalong mga mode ng Shostakovich na may mga conventional diatonic na elemento - mga agwat at submode [Larawan 10]. Sa halimbawa [Larawan 10, A], depende sa interpretasyon, ang hemiolics (isang sukat na may tumaas na pangalawang d-es-fes-g) ay maaari ding kasangkot. Sa esensya, ito ay isang tertian quartet na may hindi tiyak na pagpapalawak nito. Sa halimbawa [Larawan 10, B], ang sukat sa kabuuan ay maaaring tunog tulad ng isang tipikal na mode ng Shostakovich - hemioctave, sa kabila ng katotohanan na ang itaas na submode nito ay ang karaniwang Fes Ionian.

Ang lahat ng frets ay maaaring iposisyon alinman mula sa 1 hakbang pataas o mula sa 5 hakbang pataas.

Major sa superminor

Walang mga layuning dahilan para sa "mga super mode" na may tumaas na bilang ng mga pangunahing hakbang upang maging super minor at hindi super major. Ang tanging makabuluhang bagay ay ang pagnanais ni Shostakovich na magawa sa mga diatonic na segundo lamang, na inilalagay sa unang lugar ang mga antas ng patag na bahagi, na itinuturing na "mababa", samakatuwid ay menor de edad. Isang nakakahimok na kontra-argumento: ang pinaliit na pang-apat sa isang tonal na konteksto ay itinutumbas sa major third. Kaya, ang super minor ay isang malayang pagpili ng kompositor. Ito ay halos kasabay ng ang malaking larawan mode sa Shostakovich at ang pagsalungat sa pagitan ng minor mode sa kanya at major mode sa S.S. Prokofiev. Ang nangingibabaw na "Prokofievian" ay tiyak na nailalarawan sa pamamagitan ng mataas, "super-major" na antas ng sukat.

Sa musika ni Shostakovich makakahanap ng napakabihirang mga halimbawa ng major mode na may parehong pattern ng Shostakovich mode. Ang isa sa kanila ay ang trio ng ikatlong kilusan ng Eighth Symphony [Fig. 11]. Ang halimbawang ito ay nagpapakita na ang prinsipyo ng diatonicity ay ganap na sinusunod: Ang Fis-dur ay nagtatapos sa Ges-dur. Ang tertian tones ng ais at b mode ay elementarily equalized enharmonically.

Konklusyon

"Ang kalikasan ay nagsusumikap para sa magkasalungat at mula sa kanila, at hindi mula sa mga katulad (mga bagay), ang pagkakatugma ay nabuo. Ang musika ay lumilikha ng isang solong pagkakatugma sa pamamagitan ng paghahalo ng mataas at mababa, hugot at maiikling tunog sa (pinagsamang pag-awit) ng iba't ibang tinig,” - Heraclitus gaya ng inilarawan ni Aristotle). Ang karunungan na ito na pinarangalan ng panahon ay nananatiling ganap na nauugnay sa ngayon. Direkta rin itong nauugnay sa modal na organisasyon sa musika.

Sa lahat ng iba't ibang mga mode sa musika ng ika-20 siglo, tatlong mga mode - diatonic, chromatic at microchromatic - ay nagpapakita sa ilang mga lawak ng mga kabaligtaran na pole ng artistikong aesthetics ng panahon. Ang lahat ng tatlong uri ng mga istrukturang modal ay may maraming mga intermediate na uri na lumitaw mula sa isang kumbinasyon ng mga pangunahing anyo. Kumokonekta sa mga nangungunang uso sa pag-unlad ng modal: pagpapayaman ng komposisyon ng tunog, pangkalahatang chromatization at indibidwalisasyon nito, ginagawa nila ang modernong panorama ng modal na ibig sabihin na napakaraming kulay at malawak.

Sa gawaing ito, natukoy ang iba't ibang uri ng mode scales - pentatonic, chromatic, symmetrical mode. Ang karunungan ng melodic at harmonic system ng mga kaliskis na ito sa musika noong ika-19 at ika-20 siglo ay humantong sa pagtuklas ng modal technique - mga bagong pamamaraan para sa pag-aayos ng musikal na tela.

Gayundin sa gawaing ito, ang mga pangunahing pamamaraan ng musikal na wika ng D. D. Shostakovich ay isinasaalang-alang: mga kumbinasyon ng mga diskarte sa komposisyon ng mga nakaraang siglo na may pag-imbento ng mga bago, na itinatag at binuo sa buong ika-20 siglo.

Ang mga mode ni Shostakovich ay maaaring ituring na isa sa mga prinsipyo ng indibidwalisasyon ng mga istrukturang tonal-harmonic na lumaganap (dahil sa pangangailangan para sa modernong pag-iisip) sa ikadalawampu siglo. Sa pangkalahatan, ang prinsipyo ng indibidwalisasyon ng isang mode ("modus") sa isang hiwalay na gawain ay maaaring tawaging "indibidwal na mode." Kaugnay ng gawain ni Shostakovich, na sumasaklaw sa malawak na hanay ng mga phenomena, maaari nating gamitin ang terminong "mga mode ng Shostakovich," na ginamit sa buong gawaing ito. Ang serye ng mga mode na ito ay maaaring katulad na ihambing sa "Scriabin mode" (sa kanyang huli na trabaho).

Kaya, ang mga mode ni Shostakovich ay kinuha ang kanilang nararapat na lugar sa tabi ng natitirang mga mode ng kompositor dahil sa kanilang hitsura sa isang malaking bilang ng mga gawa, ang kanilang pagkakapareho sa pitong hakbang na mga mode, ngunit, sa parehong oras, ang kanilang sariling natatangi.

Bibliograpiya

1. Alekseev B., Myasoedov A. Elementary theory of music. - M., 1986.

2. Vakhromeev V. A. Elementarya na teorya ng musika. - M., 1961.

3. Vyantskus, A. Fret formations. Polymodality at polytonality // Mga Problema agham ng musika. Vol. 2. - M.: 1973.

4. Dolzhansky A. Sa modal na batayan ng mga gawa ni Shostakovich. - M.: "Soviet Music", 1947.

5. Dyachkova L. Harmony sa musika ng ikadalawampu siglo. - M., 1994.

6. Kyuregyan T. Mga Ideya ni Yu.N. Kholopov noong XXI century. - M.: “Muzizdat”, 2008.

7. Paisov Yu. Polytonality sa mga gawa ng Sobyet at dayuhang kompositor noong ikadalawampu siglo. - M., 1977.

8. Sereda V. Lohika ng classical tonal system. - M.: Publishing house na “Classics-XXI”, 2011.

9. Sposobin I. Elementary theory of music. - M., 1985. Teorya ng musika // Na-edit ni T. Bershadskaya. - St. Petersburg. - 2003.

10. Kholopov Yu. Mga sanaysay sa modernong pagkakaisa. - M.: "Musika", 1974.

Nai-post sa Allbest.ru

Mga katulad na dokumento

Talambuhay at malikhaing landas ni Shostakovich - kompositor ng Sobyet, pianista, guro at pampublikong pigura. Ang ikalimang symphony ni Shostakovich, na nagpatuloy sa tradisyon ng mga kompositor tulad nina Beethoven at Tchaikovsky. Mga akda mula sa mga taon ng digmaan. Prelude at Fugue sa D major.

pagsubok, idinagdag noong 09/24/2014


Mga katangian ng talambuhay at pagkamalikhain ni D. Shostakovich - isa sa pinakamalaking kompositor panahon ng Sobyet, na ang musika ay nakikilala sa pamamagitan ng kayamanan ng matalinghagang nilalaman. Ang hanay ng genre ng gawa ng kompositor (vocal, instrumental sphere, symphony).

abstract, idinagdag noong 01/03/2011


Ang mga taon ng pagkabata ng kompositor ng Russian Soviet, natitirang pianista, guro at pampublikong pigura na si Dmitry Dmitrievich Shostakovich. Nag-aral sa Commercial Gymnasium ng Maria Shidlovskaya. Unang mga aralin sa piano. Ang mga pangunahing gawa ng kompositor.

pagtatanghal, idinagdag noong 05/25/2012


Mga anyo ng ugnayan sa pagitan ng mga tono sa musika. Kahulugan at pangkalahatang konsepto musical mode. Ang ratio ng katatagan at kawalang-tatag bilang ang pinakakaraniwang anyo ng mga functional na relasyon para sa lahat ng mga modal system. Ang paggamit ng diatonic mode sa musika ni B. Bartok.

abstract, idinagdag noong 11/21/2010


Pelikula ng musika sa mga gawa ni D.D. Shostakovich. Ang trahedya ni W. Shakespeare. Kasaysayan ng paglikha at buhay sa sining. Ang kasaysayan ng paglikha ng musika para sa pelikula ni G. Kozintsev. Musical embodiment ng mga pangunahing larawan ng pelikula. Ang papel ng musika sa dramaturgy ng pelikulang "Hamlet".

course work, idinagdag 06/23/2016


Diatonic mode at mode formations gamit ang halimbawa ng musika ni Bela Bartok. Pag-aaral ng mga katangian ng Barthian diatonics. Pagsusuri ng mga istrukturang modal gamit ang halimbawa ng mga modernong piyesa ng piano mula sa siklo ng Microcosmos. Pag-aaral ng mga tampok ng alamat ng Russia.

course work, idinagdag noong 01/14/2015


Mga paggalaw ng alamat sa musika noong unang kalahati ng ika-20 siglo at ang gawa ni Bela Bartok. Mga ballet score ni Ravel. Mga gawa sa teatro ni D.D. Shostakovich. Piano gawa ni Debussy. Mga symphonic na tula ni Richard Strauss. Pagkamalikhain ng mga kompositor ng pangkat na "Anim".

cheat sheet, idinagdag noong 04/29/2013


Pag-uuri ng mga anyo ng musika ayon sa mga komposisyon na gumaganap, layunin ng musika at iba pang mga prinsipyo. Mga detalye ng istilo iba't ibang panahon. Dodecachonic na pamamaraan ng komposisyon ng musikal. Natural na major at minor, mga tampok ng pentatonic scale, ang paggamit ng mga katutubong mode.

abstract, idinagdag noong 01/14/2010


Ang pag-aaral ng mga kakaiba ng musikal na pagkamalikhain ng Prokofiev, na ang inspirasyon, maaraw na musika, na puno ng umaapaw na mahahalagang enerhiya, ay naging pag-aari ng kasaysayan. Modal multi-component tonality, polymodality sa pagkakaroon ng isang solong tonal center.

abstract, idinagdag 07/09/2011


Mga uri ng kahirapan sa intonasyon sa mga gawang musikal, pamamaraan at tampok ng kanilang mga solusyon. Mga dahilan para sa hindi tumpak na intonasyon sa modernong musika. Ang proseso ng pagtatrabaho sa mga paghihirap sa intonasyon ng mga musikal na gawa sa isang folk choir ng mag-aaral.

Ang pangalan ni D. D. Shostakovich ay kilala sa buong mundo. Isa siya sa mga pangunahing artista XX siglo. Ang kanyang musika ay naririnig sa lahat ng mga bansa sa mundo, ito ay pinakikinggan at minamahal ng milyun-milyong tao ng iba't ibang nasyonalidad.
Si Dmitry Dmitrievich Shostakovich ay ipinanganak noong Setyembre 25, 1906 sa St. Petersburg. Ang kanyang ama, isang chemical engineer, ay nagtrabaho sa Main Chamber of Weights and Measures. Si Nanay ay isang magaling na piyanista.
Sa edad na siyam, nagsimulang tumugtog ng piano ang batang lalaki. Noong taglagas ng 1919, pumasok si Shostakovich sa Petrograd Conservatory. Ang gawaing diploma ng batang kompositor ay ang First Symphony. Ang matunog na tagumpay nito - una sa USSR, pagkatapos ay sa mga banyagang bansa - minarkahan ang simula ng malikhaing landas ng isang bata, maliwanag na matalinong musikero.

Ang gawain ni Shostakovich ay hindi mapaghihiwalay mula sa kanyang kontemporaryong panahon, mula sa mga dakilang kaganapan noong ika-20 siglo. Sa pamamagitan ng napakalaking dramatikong kapangyarihan at mapang-akit na pagnanasa, nakuha niya ang napakalaking mga salungatan sa lipunan. Sa kanyang musika, ang mga larawan ng kapayapaan at digmaan, liwanag at kadiliman, sangkatauhan at poot ay nagbanggaan.
Mga taon ng militar 1941–1942. Sa "mga bakal na gabi" ng Leningrad, na pinaliwanagan ng mga pagsabog ng mga bomba at mga shell, lumilitaw ang Seventh Symphony - "Symphony of All-Conquering Courage," kung tawagin ito. Ito ay ginanap hindi lamang dito, kundi pati na rin sa Estados Unidos, France, England at iba pang mga bansa. Noong mga taon ng digmaan, pinalakas ng gawaing ito ang pananampalataya sa tagumpay ng liwanag laban sa pasistang kadiliman, ng katotohanan sa itim na kasinungalingan ng mga panatiko ni Hitler.

Ang panahon ng digmaan ay naging isang bagay ng nakaraan. Isinulat ni Shostakovich ang "Song of the Forests". Ang pulang-pula na liwanag ng apoy ay napalitan ng isang bagong araw ng mapayapang buhay - ang musika ng oratorio na ito ay nagsasalita tungkol dito. At pagkatapos na lumitaw ang mga choral poems, preludes at fugues para sa piano, bagong quartets, symphony.

Ang nilalamang makikita sa mga gawa ni Shostakovich ay nangangailangan ng bago nagpapahayag na paraan, mga bagong masining na pamamaraan. Natagpuan niya ang mga paraan at pamamaraan na ito. Ang kanyang estilo ay nakikilala sa pamamagitan ng malalim na indibidwal na pagka-orihinal at tunay na pagbabago. Ang kahanga-hangang kompositor ng Sobyet ay isa sa mga artista na sumusunod sa mga landas na hindi naaalis, nagpapayaman sa sining at nagpapalawak ng mga kakayahan nito.
Sumulat si Shostakovich ng isang malaking bilang ng mga gawa. Kabilang sa mga ito ang labinlimang symphony, concerto para sa piano, violin at cello na may orkestra, quartets, trio at iba pang mga instrumental na gawa sa silid, ikot ng boses"Mula sa Jewish Folk Poetry", ang opera na "Katerina Izmailova" batay sa kwento ni Leskov na "Lady Macbeth ng Mtsensk", mga ballet, operetta na "Moscow, Cheryomushki". Isinulat niya ang musika para sa mga pelikulang "The Golden Mountains", "The Counter", "The Great Citizen", "The Man with a Gun", "The Young Guard", "Meeting on the Elbe", "The Gadfly", "Hamlet", atbp. Ang kanta sa mga tula ni B. Kornilov mula sa pelikulang "Papalapit" - "Binabati tayo ng umaga nang may lamig."

Pinangunahan din ni Shostakovich ang isang aktibong buhay panlipunan at mabungang gawaing pagtuturo.

Institusyong pang-edukasyon sa badyet ng estado

Gymnasium No. 271 ng Krasnoselsky district ng St. Petersburg

lecture-concert

"D. D. Shostakovich. personalidad ng artista"

Melnik S. M. /guro ng karagdagang edukasyon/

Saint Petersburg

2009

Target : kakilala sa gawain ni D. D. Shostakovich, ang kahalagahan nito sa kasaysayan ng salot na artistikong kultura.

Mga layuning pang-edukasyon:

Pagpapalawak ng kaalaman tungkol sa gawain ni D. D. Shostakovich;

Pagpapayaman sa musikal at pandinig na karanasan ng mga mag-aaral.

Mga gawain sa pag-unlad:

Pag-unlad ng emosyonal na pagtugon sa musika;

Pag-unlad ng interes sa musika;

Pag-unlad ng matalinghaga at associative na pag-iisip.

Mga gawaing pang-edukasyon:

Paglinang ng personal na kahalagahan ng moral at aesthetic na katangian ng musika ni Shostakovich;

Paggalang sa kasaysayan at kultura ng musika.

Logistics:

I. Paggamit ng photographic na materyales:

1. Dmitry Shostakovich kasama ang Glazunov Quartet
2. "Shostakovich sa iskor"
3. "Konsyerto sa Great Hall ng Leningrad Philharmonic, conductor E. A. Mravinsky"
4. "Shostakovich sa rehearsal"
5. "Sa mga anak na sina Maxim at Galya, late 40s."

II. Paggamit ng mga materyales sa video(mga fragment ng pelikula):

1. "Shostakovich. Ikalimang Symphony. Konduktor E. A. Mravinsky"
2. "Shostakovich. Ikawalong Symphony. Konduktor M. L. Rostropovich"
3. "Viola Sonata". Direktor A. Sokurov

III. Paggamit ng mga audio materials:

1. Shostakovich. Ikawalong Quartet. Ginampanan ng Emerson string quartet.
2. Shostakovich. Preludes. "Nakamamanghang sayaw" Ginawa ni E. Lieberman.

IV. Paggamit ng panitikan:

1. Gakkel L. Hindi ako natatakot, isa akong musikero // “Hell! Nasaan ang iyong tagumpay? - St. Petersburg, 1993.
2. Lukyanova N. Dmitry Dmitrievich Shostakovich. - M., 1980.
3. Meyer K. Shostakovich. Buhay. Paglikha. Oras. - St. Petersburg, 1998.
4. Fried G. Musika at kabataan. M., 1991.

Ginanap ang lecture-concert para sa mga estudyante sa grade 6–7.

Sa screen ay isang portrait ng kompositor sa kanyang desk. Naglalaro ang Eighth Quartet, second movement. Sa pisara ay ang monogram D-Es-C-H.

Si D. D. Shostakovich ay isang mahusay na kompositor ng ika-20 siglo. Ang kanyang musika ay ang pinakamalakas na artistikong sagisag ng ating panahon. Ang kapalaran ng bansa, ang sariling kapalaran ng kompositor, ay humantong sa paglikha ng mga gawa ng kamangha-manghang kapangyarihan. Nagsalita si Shostakovich tungkol sa kung ano ang nangyayari sa ating bansa at sa buong mundo na may kalubhaan ng personal na karanasan. Alalahanin natin kung ano ang ika-20 siglo. Maraming mga trahedya na kaganapan sa kasaysayan ng ating bansa at mundo - rebolusyon, Stalinist repressions, ang Great Patriotic War. Ang musika ni Shostakovich na may mahusay na puwersa ay tinutuligsa ang lahat ng laban sa tao - kawalang-katarungan, karahasan, kalupitan, pagsupil sa dignidad ng tao.

Isang mahalagang bahagi ng personalidad ng kompositor ang pagkamamamayan. Ang budhi ng may-akda at ang kanyang moral na kahulugan ay puno ng habag at sakit para sa mga biktima ng karahasan at barbarity. Malinaw na ipinahayag ang civic position ni Shostakovich. Talagang nararamdaman niya ang espirituwal at moral na responsibilidad para sa mga kaganapan sa paligid niya. Naririnig natin ang moral na pagdurusa na idinudulot nila sa kanyang musika, puno ng lalim at damdamin. “... Wala ni isang siglo, ni isang kultura ang nakakaalam ng isang kompositor na hahabulin tulad ni Shostakovich... Ipinanganak sa Russia noong ika-20 siglo, nalutas ni Shostakovich ang isang problema na hindi pa nalutas ng mga kompositor... Ang musika ay hindi kailanman naging dokumentaryo. Ang Shostakovich ay dokumentaryo. Ngunit ang layunin ng dokumento ay ebidensya. Ang ika-20 siglo ay ang siglo ng katibayan; ito ang tunay na nagsilang ng paggawa ng pelikula at pag-record ng tunog; ito ang mga bayani nito - mga chronicler na kumukuha ng pelikula sa ilalim ng mga bala. Alam kung gaano kadalas naririnig ang musika ni Shostakovich sa mga dokumentaryo at kadalasan kapag wala sa screen - ang karahasan.

Noong Setyembre 25, 1906, dapat ipanganak si Dmitry Shostakovich sa Russia, dahil alam ng Russia kung ano ang naghihintay dito at nangangailangan ng isang napakatalino na saksi ng musikero" (L. Gakkel).

Paano isinasalin ng isang kompositor sa mga tunog ang nangyayari sa kanyang paligid? Ano ang ipinahihiwatig nito sa musika? Marahil ang personalidad ni Shostakovich, ang kanyang malikhain at landas sa buhay ay makapagsasabi sa atin ng sagot.

Mga larawan:

"Maria, Mitya at Zoya Shostakovich, 1913."

"Marata Street, 9 - ang bahay ng pagkabata at kabataan"

"Dmitri Shostakovich-estudyante, 1923"

Musika: Preludes. "Nakamamanghang Pagsasayaw"

Ang malikhaing talambuhay ni D. D. Shostakovich ay malapit na konektado sa St. Petersburg. Siya ay nanirahan sa aming lungsod hanggang 1942, nagsulat ng ilan sa kanya pinakamahusay na mga gawa. Marami sa kanyang mga komposisyon ang unang gumanap dito.

Si D. D. Shostakovich ay ipinanganak sa St. Petersburg noong Setyembre 25, 1906. Nagtrabaho si Tatay, isang inhinyero ng kemikal Pangunahing Kamara Weights and Measures, na itinatag ni D.I. Mendeleev, at isa sa mga malapit na katuwang ng scientist. Si Inay ay isang mahusay na guro ng piano para sa mga nagsisimula. Sa ilalim ng kanyang pamumuno, ang hinaharap na kompositor at ang kanyang dalawang kapatid na babae ay nagsimulang mag-aral ng musika.

Mula sa pagkabata, si Shostakovich ay lumaki at pinalaki sa isang musikal na kapaligiran. Ang pagtugtog ng musika sa bahay ng Shostakovich, tulad ng sa maraming matatalinong bahay sa St. Petersburg, ay isang natural at organikong bahagi ng buhay pamilya. Ang aking ama ay kusang kumanta kasama ang gitara, ang aking ina ay nakaupo sa piano nang mahabang panahon. Sa likod ng dingding, sa susunod na apartment, may nakatirang isang cellist, at kung minsan ay nabuo ang isang grupo - isang quartet o trio. Sina Haydn at Mozart, Tchaikovsky at Borodin ay naglaro nang may sigasig at kagalakan. Ang lahat ng ito ay malalim na nakatatak sa musikal na memorya ng batang lalaki.

Ang isang mahusay na edukasyon ay hindi maiisip nang walang musika, at sa edad na siyam na si Mitya ay nagsimulang mag-aral ng piano sa ilalim ng gabay ng kanyang ina. Ang mga tagumpay ay lumitaw nang napakabilis na pagkatapos ng ilang buwan ang batang lalaki ay dinala sa isang bahay sa Vladimirsky Prospekt, kung saan matatagpuan ang mga kurso ng piano ni I. Glyasser. Ang simula ng aking pag-aaral sa mga kurso ay minarkahan din ang aking unang pagnanais na magsulat, na agad na naging matiyaga at walang patid. Marahil ang unang pagtatangka sa komposisyon ng Shostakovich na alam natin ay ang piyesa ng piano na "Kawal".

"Ang mga kaganapan ng Unang Digmaang Pandaigdig, ang mga rebolusyon ng Pebrero at Oktubre ay nakahanap ng mainit na tugon sa aming pamilya. Samakatuwid, hindi nakakagulat na sa mga sanaysay ng mga bata na isinulat sa mga taong ito, ang aking pagnanais na kahit papaano ay sumasalamin sa buhay. Ang gayong mga walang muwang na pagtatangka na "magpakita ng buhay" ay ang aking mga piyesa para sa piano - "Kawal", "Hymn to Freedom", "Funeral March in Memory of the Victims of the Revolution", na isinulat sa edad na siyam hanggang labing-isang taong gulang. .

Ang mismong mga pamagat ng mga dula ay nagpapakita ng kumpletong katiyakan ng mga intensyon at interes ng batang may-akda. Ipinanganak siya isang taon at kalahati pagkatapos ng Bloody Sunday at labing isang taon bago Rebolusyong Oktubre. Walang kasiguraduhan at kalinawan sa mundo... Una Digmaang Pandaigdig snapped sa matapang na mga headline ng pahayagan, dugo, maruming paikot-ikot ng mga taong may kapansanan sa mga lansangan. Hindi malinaw ang lahat ng nangyayari, ngunit tumpak na nakuha ng batang lalaki ang nakakagulat na pulso ng oras, at ang "pagnanais na kahit papaano ay sumasalamin sa buhay," sa kabila ng kawalang-interes ng mga resulta nito, ay naging isang pagnanais - totoo at malinaw. Siya ay hinihigop at naunawaan ang pabagu-bagong mundo na may parang bata na kuryusidad, at ang kanyang memorya, na may parang bata na katatagan, ay unti-unting naipon ang mga tunog at kulay ng mga nagbabantang araw.

Lahat ng nakarinig sa kanya noon ay masigasig sa batang composer-pianist. Ang kanyang paglalaro ay hindi malilimutan at pinilit ang mga matatanda na makinig nang mabuti sa musika na ipinanganak sa ilalim ng mga daliri ng mga bata. Ganito inilarawan ito ni Konstantin Fedin: “Napakagandang mapabilang sa mga panauhin nang ang isang payat na batang lalaki, na may manipis na mga labi, isang makitid, bahagyang humpbacked na ilong, nakasuot ng salamin... ganap na walang imik, tumawid sa malaking silid na parang isang galit na beech. at, umaangat sa mga tiptoes, umupo sa malaking piano. Kahanga-hanga - dahil ayon sa ilang hindi maintindihan na batas ng kontradiksyon, ang payat na batang lalaki sa piano ay isinilang na muli sa isang napaka-matapang na musikero, na may isang panlalaking welga ng daliri, na may isang kapana-panabik na paggalaw ng ritmo. Tinugtog niya ang kanyang mga komposisyon, nag-uumapaw sa mga impluwensya ng bagong musika, hindi inaasahan at naranasan mo ang tunog na parang isang teatro, kung saan ang lahat ay halata hanggang sa tawanan o luha. Ang kanyang musika ay nakipag-usap, nakikipag-chat, kung minsan ay medyo pilyo. Bigla, sa kanyang nalilitong dissonance, natuklasan niya ang isang himig na ikinataas ng kilay ng lahat. At ang bata ay tumayo mula sa piano at tahimik, nahihiyang pumunta sa kanyang ina...”

... Ang stack ng scribbled music paper sa Diederichs piano ay patuloy na lumalaki at lumalaki. Ang mga pagtatangkang gumawa ng sulat ay hindi tumigil, at pinayuhan ako ng mga kaibigan na makipag-ugnayan kay Glazunov, direktor ng Petrograd Conservatory.

Para sa kahanga-hangang pagsusulit, naghanda ang labintatlong taong gulang na musikero ng ilang prelude ng piano. Ang pagsusulit ay naganap sa opisina ni A. Glazunov at, ayon sa tradisyon, ay isinaayos nang napaka solemne. Ang lahat ng mga tagasuri, nang walang pagbubukod, ay napansin ang kanyang talento. Sa sheet ng pagsusuri, ibinigay ni Glazunov kay Shostakovich ang sumusunod na paglalarawan: "Isang pambihirang maliwanag, maagang umuunlad na talento. Karapat-dapat sa sorpresa at paghanga..."

Sa bilog ng mga kompositor ng konserbatoryo, pinasaya ni Shostakovich ang kanyang mga kasama sa kanyang mga gawa, lalo na ang kapansin-pansing theatrical na "Fantastic Dances" para sa piano. Ang mga konserbatibong gawa ni Shostakovich ay malinaw na na-highlight ang mga katangian ng kanyang talento: isang masigla at nakakatawang scherzo, isang interes sa banggaan ng magkakaibang mga imahe - "mataas" at "mababa" - at isang pagkahilig sa hindi nagmamadali, puro pagmuni-muni. Nag-aral si Shostakovich sa conservatory na may malaking sigasig. Nang maglaon ay nagsalita siya nang may pasasalamat tungkol sa kanyang mga guro - M. O. Steinberg (klase ng komposisyon) at L. V. Nikolaev (klase ng piano). Puno siya ng pasasalamat kay A.K. Glazunov, na hindi lamang interesado sa kanyang mga malikhaing tagumpay, ngunit nagmamalasakit din sa kanyang mga kondisyon sa pamumuhay.

Ang bilang ng mga gawa na isinulat ni Shostakovich sa panahon ng kanyang mga taon ng konserbatoryo ay malaki. May mga romance, piano piece, at symphonic score. Sa mga ito, ang pinakamalaki ay ang First Symphony, ang graduation work ni Shostakovich.

Tulad ng alam mo, ang isang symphony ay isa sa pinakamahirap na genre instrumental na musika. Bihira para sa isang kompositor sa edad na 18 o 19 na lumikha ng isang makabuluhang gawain ng ganitong uri. Ngunit ito mismo ang nangyari kay Shostakovich. Ang pagtatanghal ng kanyang symphony noong Mayo 12, 1926 ay isang kaganapan buhay musikal Leningrad. Sa isang liham sa ina ng kompositor mababasa natin: “... Ang pinakadakilang tagumpay ay nahulog sa kapalaran ni Mitya. Sa pagtatapos ng symphony, paulit-ulit na tinawag si Mitya. Nang lumitaw sa entablado ang ating batang kompositor, na tila isang batang lalaki, ang mabagyong sigasig ng publiko ay naging isang palakpakan. Sa lalong madaling panahon ang symphony ay nilalaro sa Moscow. At noong Nobyembre 1927, ang thesis ng conservator ay ginanap sa unang pagkakataon sa ilalim ng baton ni Bruno Walter sa Berlin.

Ang sanaysay na ito ay lubos na malinaw na nagpakita ng mga kahanga-hangang kakayahan ng batang may-akda. Hanggang ngayon, ang symphony ay nakakaakit sa kanyang talino at pambihirang kasanayan sa compositional technique. Hindi lamang lumikha si Shostakovich ng isang major symphonic form na may katangian ng kalayaan ng isang bihasang master, ngunit, ang pinakamahalaga, ipinahayag niya ang kanyang sariling istilo, napaka indibidwal at katangian. Ang sariling katangian ay nahayag lalo na sa globo ng himig, pagkakaisa, gayundin sa isang malawak na hanay ng emosyonal - mula sa tiyak na katawa-tawa na katatawanan ng scherzo hanggang sa ganap na umaagos na mga liriko ng mabagal na paggalaw.

Ang ikalawang bahagi - ang scherzo - ay nakikilala sa pamamagitan ng pinakadakilang pagka-orihinal. Binuo ayon sa tradisyunal na three-movement scheme, nakakaakit ito ng kakaiba, katawa-tawa at ironic na katatawanan sa matinding paggalaw, kung saan ang kapansin-pansin, hindi pangkaraniwang paggamit ng piano ay nararapat na espesyal na pansin. Ang gitnang kilusan, salamat sa napaka orihinal nitong melodic na linya at mga kulay ng orkestra, ay kumakatawan sa isa sa mga pinakamahusay na fragment ng buong symphony.

Pinuri ni M. O. Steinberg ang symphony bilang "isang pagpapakita ng pinakamataas na talento." Ang symphony noonpamumuhay sa modernidad ng musika,dahil natagpuan niya ang kanyang sarili sa pinakadulo ng artistic breakdown na nararanasan ng lahat ng sining ng Russia. Ang mga ideya at paghatol ay nagbago, ang mga imahe at paraan ay nagbago, ang mga masining na prinsipyo at pamamaraan ay nagbago, ngunit ang symphony ni Shostakovich ay hindi nakatayo sa panig na iyon, ngunit sa bagong panig na ito. "Pakiramdam ko ay nakabukas ako ng isang bagong pahina sa kasaysayan symphonic music bago mahusay na kompositor» .

Musika: fragment ng Piano Concerto sa Spanish. Shostakovich.

Mga larawan: "Shostakovich kasama ang Beethoven Quartet."

Ang talento ni Shostakovich ay hinasa at napabuti. Noong kalagitnaan ng 30s, ang mga dramatikong ideya na nag-aalala sa kompositor ay natagpuang ekspresyon sa tatlong natatanging symphony: ang Ikaapat, Ikalima, at Ikaanim.

Ang klasikal na natapos na Fifth Symphony ay isa sa mga tuktok sa trabaho ni Shostakovich. Una itong ginanap noong Nobyembre 21, 1937 sa bulwagan ng Leningrad Philharmonic sa ilalim ng direksyon ng batang conductor na si Evgeniy Mravinsky. Simula noon, si Mravinsky ay naging unang tagapalabas ng marami sa mga pangunahing gawa ng kompositor. Ang Fifth Symphony ni Shostakovich ay nagpatuloy sa tradisyon nina Beethoven at Tchaikovsky, mga dakilang masters na tiningnan ang symphony bilang isang instrumental na drama. Ito ang symphony na may kakayahang ibunyag at isama ang mga salungatan ng Mabuti at Masama, Buhay at Kamatayan. Ang isang symphony ay isang multifaceted na pagtatanghal, kung saan ang katotohanan - kahit na ang pinakamapait - ay inihayag lamang sa halaga ng matinding pakikibaka. Posible ang tagumpay. Posible rin ang pagkatalo.

Ang ikalimang symphony ay ipinanganak mula sa matinding karanasan at pagmuni-muni sa kung ano ang nangyayari sa mundo sa paligid natin. Ang dekada 30 ay panahon ng matinding panunupil sa ating bansa at paglaganap ng pasismo sa mga bansang Europeo. Isa pang trahedya. Muli ay nagpupumiglas at nawalan ng pag-asa. Tense mag-isip. Ngunit kapag ang kasamaan ng kawalan ng espirituwalidad sa anyo ng isang mekanikal na martsa ay lumalapit na may isang mapurol at bulag na puwersa na handang tangayin ang lahat ng nabubuhay na bagay at lahat ng tao, kung gayon ang isip at damdamin ay tumaas na parang pader upang labanan ito. Ang musika ng Fifth Symphony ay muling binuhay ang kabayanihan ng Beethoven at dinadala sa isang bagong yugto sa kasaysayan ng kultura ang klasikal na ideya ng "sa pamamagitan ng pakikibaka sa tagumpay." Ang musika ng finale ay masigla at hindi mapakali, na nagmamadali patungo sa huling tagumpay na nota hanggang sa huling mga bar. Ang finale ay hindi isang pagdiriwang ng tagumpay, ngunit tagumpay kanya. Ang symphony ay nakakaakit sa klasikal na pagiging perpekto ng lahat ng mga linya, lahat ng anyo, na tumataas bilang isang mahigpit at simpleng obelisk sa katapangan ng tao. Nagsalita ang kompositor tungkol sa kahulugan ng musikang ito: “... Ang tema ng aking simponya ay ang pagbuo ng pagkatao. Ang lalaking kasama ng lahat ng kanyang mga karanasan ang nakita ko sa gitna ng konsepto ng gawaing ito.”

Musika: Fifth Symphony. Fragment ng finale sa Espanyol. E. Mravinsky at L. Bernstein.

Pagkatapos ng Fifth Symphony, ang genre ng dramatic symphony ang naging pokus ng atensyon ng kompositor.

Halos walang iba komposisyon ng musika Ang ika-20 siglo ay nakatanggap ng pansin at interes gaya ng Shostakovich's Seventh, "Leningrad" Symphony. Nagigingdokumento ng kasaysayan ng bansa, nagdulot ito ng hindi pa naganap na sigaw ng publiko sa buong mundo. Ang mga konsepto ng pagkamamamayan, katapangan, kabayanihan, pakikibaka at tagumpay - lahat ay puro sa mga salitang "Leningrad Symphony".

Musika: Seventh Symphony. Fragment ng part 1 na may tema ng invasion - ang tema ng kasamaan.

Ang nagpapahayag na kapangyarihan ng musika ng unang kilusan ay napakalaki. Ang mga pangunahing tema nito ay lubos na kitang-kita at kongkreto - ang mahinahong marilag na tema ng Inang Bayan, na iginiit ang sarili nang may dignidad, at ang mariin na mekanistikong tema ng pagsalakay (ang tema ng kasamaan), pagsipol sa mga dulo ng mga parirala. Sa isang banda - epic power, full-blooded orchestral sound ng warm timbres of strings and courage brass voices, wide, unconstrained breathing of phrases, clear support for song intonations. Sa kabilang banda, mayroong isang hindi natural, nakamamatay na kumbinasyon ng isang piccolo flute at isang snare drum, ang walang kaluluwang automatism ng isang walang katapusang paulit-ulit na maikling rhythmic cue, na nagre-reproduce ng beat ng isang military signal. Ang mga kaganapan ng trahedya na nangyayari sa harap ng mga tagapakinig ay napakapangit. Napakapangit at kakila-kilabot ang kapangyarihan na biglang lumaki mula sa isang tila halos hindi nakakapinsalang hit na himig sa sikat na "episode ng pagsalakay." Sa pamamagitan ng paraan ng musika - musika lamang!.. - nagsasalita ang kompositor tungkol sa pasismo. Nagsasalita siya nang may pagsinta, galit, sakit... At pagkatapos ay malungkot na tumunog ang tahimik na monologo ng bassoon - "isang martsa ng libing o, sa halip, isang requiem para sa mga biktima ng digmaan" (Shostakovich).

Ang ikalawang bahagi ng symphony ay isang larawan ng mapayapang nakaraan ng bansa na nababalutan ng elegiac haze; ang ikatlo ay isang kalmadong pagmuni-muni na puno ng matataas na kalunos-lunos; ang wakas ay muling nabuhay - sa pamamagitan ng pakikibaka, sa pamamagitan ng kamatayan at pagdurusa - ang paunang tema ng unang kilusan, ang tema ng Inang Bayan, at sa mga huling bar ng simponya ay hinuhulaan nito ang darating na tagumpay.

Ang unang tatlong paggalaw ng symphony ay binubuo sa kinubkob na Leningrad na literal sa ilalim ng dagundong ng mga sumasabog na bomba.

Mga larawan:

"Sa kinubkob na Leningrad, si Shostakovich ay gumaganap ng Leningrad Symphony, 1941."

"Nagtatrabaho si Shostakovich sa Leningrad Symphony, 1941."

V. Bogdanov-Berezovsky tungkol sa Ikapito, "Leningrad" symphony:

"Isang gabi ng Setyembre (1941) ilang mga kompositor ng Leningrad, mga kaibigan ni Shostakovich, ay inanyayahan sa kanyang lugar upang makinig sa dalawang bahagi. bagong symphony. Ang malalaking sheet ng score, na nakabukas sa desk, ay nagpahiwatig ng kadakilaan ng orkestra na komposisyon: sa sandali ng kasukdulan, ang malaking symphony orchestra ay sinamahan ng tinatawag na "gang" - isang karagdagang brass band, na agad na nag-quadruple sa malakas at buong sonority ng symphony composition.

Naglaro si Shostakovich nang may kaba, na may sigasig. Tila sinusubukan niyang kunin ang lahat ng mga kakulay ng orchestral sonority mula sa piano. Biglang narinig mula sa kalye ang matatalim na tunog ng sirena, at, sa dulo ng unang bahagi, sinimulan ng may-akda na "ilikas" ang kanyang asawa at mga anak sa isang bomb shelter, ngunit iminungkahi na huwag matakpan ang pagtugtog ng musika. Ang pangalawang bahagi ay nilalaro sa mapurol na pagsabog ng mga baril na anti-sasakyang panghimpapawid, ang mga sketch ng pangatlo ay ipinakita, pagkatapos, sa pangkalahatang paggigiit, ang lahat ng dati nang nilalaro ay naulit. Sa pagbabalik, nakita namin ang isang ningning mula sa tram - isang bakas ng mapanirang gawain ng mga pasistang barbaro."

Ang pangwakas ay natapos sa Kuibyshev. Iniwan ni Shostakovich ang kanyang bayan sa pamamagitan lamang ng pagsunod sa utos ng paglikas.

Ang premiere ng Seventh Symphony ay naganap noong Marso 5, 1942 sa Kuibyshev. Ang mga performer - ang orkestra ng Bolshoi Theater ng USSR at conductor na si S. Samosud - ay inihanda ito sa pinakamaikling posibleng panahon. Kasunod ng matagumpay na premiere sa Kuibyshev, ang Symphony ay ginanap sa Moscow. Noong Hulyo 1, isang eroplano na may dalang microfilm ng score ang lumapag sa New York. Noong Hunyo 22, ang anibersaryo ng digmaan, ito ay ginanap sa London sa ilalim ng baton ni Henry Wood, at ang New York premiere ay naka-iskedyul para sa Hulyo 19 sa ilalim ng baton ni A. Toscanini.

At pinangarap ni Shostakovich na ang Seventh Symphony ay gaganapin sa Leningrad. Ang lahat ng mga musikero at mahilig sa musika na naroroon ay nais ding marinig ito sa lalong madaling panahon. Samakatuwid, ang marka ay ipinadala ng isang espesyal na eroplano, na ligtas na tumawid sa linya ng blockade at pumasok sa lungsod.

Mga larawan:

"Rehearsal ng Leningrad Philharmonic Orchestra sa ilalim ng direksyon ni K.I. Eliasberg"

"Sa kalye kinubkob ang Leningrad. Poster na nagpapahayag ng ikatlo at ikaapat na pagtatanghal ng Seventh Symphony, 1942."

Sa Leningrad, ang premiere ay naka-iskedyul para sa Agosto 9, 1942, ang araw na nilayon ng mga Nazi na pumasok sa lungsod. Ang marka ng symphony - apat na malalaking hardcover na notebook - ay dumating sa Leningrad noong Mayo, ngunit sa una ay tila imposibleng i-play ito dito: wala kahit kalahati ng bilang ng mga orchestral na manlalaro na kinakailangan ng iskor. At pagkatapos ay ang mga orkestra ng militar ay tumulong sa lungsod - ang bayani ng symphony, na nagpadala ng kanilang pinakamahusay na mga musikero sa ilalim ng utos ni Karl Ilyich Eliasberg.

"Ginawa ng hukbo ang pangwakas na paghahanda para sa konsiyerto... May nakakuha ng starched collar para sa evening shirt ng conductor: na may tailcoat ay hindi ito kasing hirap ng patatas. Dumating ang mga musikero sa uniporme ng militar, ngunit nagpalit ng damit sa wardrobe. Ang mga kapote at sinturon ng militar ay isinabit sa mga hanger, ang mga riple at mga pistola ay nakatayong nagyelo sa mga dingding. Nasa malapit ang mga instrument case...

Ang mga tao ay nagtipon sa mga grupo at indibidwal. Naglakad sila sa mga landas na tinatahak mula sa pinakamalayong dulo ng lungsod, malayong umiiwas sa mga karatula na may nakasulat na: "Sa panahon ng paghihimay, ang bahaging ito ng kalye ang pinakamapanganib." Naglakad kami sa kabilang, ligtas na gilid ng kalye at minasdan ang pagbagsak ng plaster at cornice, at ang mga durog na bato ay bumubuhos mula sa mga bahay na binasag ng mga shell. Maingat silang lumakad, nakikinig sa mga tinig ng artilerya sa harapan, nagbabantay sa mga kalapit na pagsabog, sa takot na baka hindi sinasadyang matabunan ng alon ng paghihimay ang bahagi ng mismong kalye kung saan sila nagmamadali patungo sa konsiyerto sa White-columned Great. Hall.”

Ang kumander ng Leningrad Front, Army General L.A. Govorov, ay nag-utos ng apoy ng 42nd Army na mga baterya upang maiwasan ang pag-shell ng kaaway, na maaaring makagambala sa pagpapatupad. Ang operasyon ay tinawag na "Squall". Ang sundalong si Nikolai Savkov, na nakatayo sa likod ng baril sa Pulkovo Heights noong gabing iyon, ay nagsulat ng mga nakaaantig na tula:

... At nang bilang tanda ng simula

Tumaas ang baton ng konduktor

Sa itaas ng front edge, parang kulog, marilag

Nagsimula na ang isa pang symphony, -

Ang symphony ng aming mga bantay na baril,

Upang hindi salakayin ng kaaway ang lungsod,

Upang ang lungsod ay makinig sa Seventh Symphony...

... At sa bulwagan ay may unos,

At may unos sa harap...

... At nang pumunta ang mga tao sa kanilang mga apartment,

Puno ng mataas at mapagmataas na damdamin,

Ibinaba ng mga sundalo ang kanilang mga baril,

Pagprotekta sa Arts Square mula sa paghihimay.

Ang konsiyerto ay nai-broadcast ng lahat ng istasyon ng radyo ng Sobyet. Si Bogdanov-Berezovsky, na naroroon dito, ay sumulat: "Ang pagtatanghal ay mabagyo at masigla, tulad ng isang rally, nakapagpapasigla at solemne, tulad ng isang pambansang pagdiriwang." "Shostakovich hindi lamang sa ngalan ng Great Russia, kundi pati na rin sa ngalan ng lahat ng sangkatauhan", "Symphony of anger and struggle", "Heroic of our days" - ito ang mga headline ng masigasig na artikulo na inilathala sa iba't ibang bansa sa mundo.

Nakuha ng symphony ang hindi pa naganap na katanyagan nito salamat sa hindi pangkaraniwang mga kondisyon kung saan ito nilikha. Ito ay dapat na maging at naging isang simbolo ng tagumpay sa hinaharap, isang artistikong at pampulitikang kaganapan. Ang Seventh Symphony ay madalas na inihambing sa mga dokumentaryong gawa tungkol sa digmaan, na tinatawag na "chronicle", "dokumento" - ito ay tumpak na naghahatid ng diwa ng mga kaganapan. Inihayag ni Shostakovich ang labanan ng mga mamamayang Sobyet na may pasismo bilang isang pakikibaka sa pagitan ng dalawang mundo: ang mundo ng paglikha, pagkamalikhain, katwiran at ang mundo ng pagkawasak at kalupitan; tao at sibilisadong barbaro; mabuti at masama.

Musika: Eighth Symphony, III kilusan, tema ng takot.

Dalawang taon pagkatapos ng Ikapito, natapos ni Shostakovich ang Eighth Symphony, isang napakagandang malikhaing tula tungkol sa digmaan. Isinulat niya ito, na nabigla sa pagdurusa at pagkamatay ng milyun-milyong tao. Pagkatapos ng unang pagtatanghal ng Symphony, nakita ng ilang tagapakinig na ito ay masyadong madilim at malupit. Ngunit ang musika ba na nagsasabi tungkol sa mga kampo ng kamatayan, tungkol sa gawain ng infernal na makina ng Majdanek o Auschwitz, tungkol sa pagdurusa, tungkol sa malaking galit at lakas ng Tao na lumalaban sa kasamaan, ay nakalulugod sa pandinig? Ang Eighth Symphony ay hindi nagpapahintulot sa isa na makalimutan ang trahedya ng digmaan. Pinaalab nito ang damdamin ng mga tao sa pagkamuhi sa pasismo - ang tunay na halimaw ng ika-20 siglo.

Ang lahat ng limang paggalaw ng Symphony ay nakatuon sa pagdurusa at pakikibaka ng kaluluwa ng tao sa mga mahihirap na taon ng pagsubok. Kailangan mong dumaan sa galit na galit na hiyawan, pakikibaka at sakit ng unang bahagi, sa pamamagitan ng mga kakila-kilabot na pag-atake ng sikolohikal na martsa ng ikalawa at ikatlong bahagi, kailangan mong makaligtas sa kamatayan sa pamamagitan ng pag-awit ng nahulog na requiem sa ikaapat, kailangan mong pumunta sa pamamagitan ng maraming yugto ng galit na galit na pakikibaka muli sa finale upang sa wakas ay makita sa code ang isang mahiyain at mahina pa ring kumikislap na liwanag - ang liwanag ng pag-asa, pag-ibig at tagumpay.

Ang unang pagtatanghal ng Symphony sa ilalim ng direksyon ni Mravinsky ay naganap noong Nobyembre 4, 1943 sa Moscow. Ang Eighth Symphony ni Shostakovich ay naging isa sa mga pinakadakilang monumento sa sining ng mundo sa katapangan ng mga tao sa Digmaang Patriotiko.

"... Ang ikawalong apatan ay binubuo sa loob ng tatlong araw sa Dresden, habang nagtatrabaho sa pelikulang "5 araw, 5 gabi"... Tila, hindi lamang magsulat, ngunit mag-record lamang ng isang akda sa limang bahagi para sa isang chamber ensemble sa napakaikling panahon! Ang pelikula... ay nagbabalik sa atin sa tema ng huling digmaan. At ang bagong string quartet, na isinulat ni Shostakovich sa ilalim ng impluwensya ng materyal na kinunan para sa pelikula, ay inilaan ng kompositor sa memorya ng mga biktima ng digmaan at pasismo..."

Inihayag ng quartet ang tema ng digmaan sa isang bagong paraan. Ang pagbuo ng quartet ay hindi karaniwan. Ang pangunahing tema kung saan ito nagsisimula, ang pangalan ng may-akda na nakasulat sa mga tala: D-Es-C-H (D. Sch...), iyon ay, ang mga tunog ng D-E flat-Do-B. Ang buong quartet ay batay sa pampakay na materyal mula sa iba't ibang mga gawa ni Shostakovich mismo.

Sa unang bahagi - mabagal, puno ng malalim na pag-iisip, naririnig namin ang musika ng simula ng Unang Symphony at ang tema mula sa Fifth Symphony. Ang pangalan ng may-akda - D. Sch... ay lumilitaw ng ilang beses sa bahaging ito. Ang ikalawang bahagi ay mabilis na nasasabik, na may matalas, biglaang chord accent, na humahantong sa amin sa mga larawan ng panahon ng digmaan. Sa kasukdulan, ang musika ng piano Trio, na nilikha noong 1944, ay pumutok nang dalawang beses. At dito maririnig natin ang tema ng D. Sch.. ilang beses... Ang pangatlong kilusan ay parang waltz-scherzo, na binuo sa parehong tema ng D. Sch.., sa pagkakataong ito ay may malungkot-nakakagulat na karakter. Ang musika ng Unang Cello Concerto, 1959 ay hinabi dito. Ang ika-apat na kilusan ay mabagal, puro, na may mabibigat na kuwerdas: muling mga larawan ng digmaan, kapahamakan, kasamaan... Sa gitna ng kilusan ay naroon ang himig ng rebolusyonaryong awit na "Pinahirapan ng Mabigat na Pagkabihag." Ang huling ikalimang bahagi ay ganap na binuo sa tema ng D. Sch...

Sa lahat ng nasabi ay malinaw na sentral na imahe ang buong komposisyon ay ang tema ng D. Sch..., ibig sabihin, ang may-akda mismo ay napapaligiran ng musikang isinulat niya sa iba't ibang panahon ng kanyang malikhaing gawain. Itoself-portrait ng kompositor. Parehong ang dedikasyon na "To the Memory of the Victims of Fascism" at ang digmaan ay nagsasalita tungkol sa malapit na pagkakaugnay ng kapalaran ng may-akda sa mga kaganapan sa panahon at panahon.

Mga larawan: "Kasama ang mga anak na sina Maxim at Galya"

Sa mundo ng napakagandang pilosopikal na mga konsepto ng mga symphony ni Shostakovich, kasunod ng mga nakamamanghang paghahayag ng mga quartet at sonata, kabilang sa mga kuwadro na naglalarawan sa laganap na napakalaking puwersa ng kawalan ng katarungan, karahasan, kasinungalingan at ang kabayanihan ng mga pagsisikap ng tao na mapanatili ang buhay at pananampalataya sa isip ng sangkatauhan, tila walang ganap na lugar para sa inosenteng saya ng isang bata, mga kalokohan, mga laro, walang malasakit na pagtawa ng mga bata. Ngunit kahit na sa karamihan mga trahedya na gawa Biglang maririnig ni Dmitry Shostakovich ang isang walang muwang na kanta ng mga bata at kumikislap ng isang pilyong ngiti: nangangahulugan ito na patuloy ang buhay!

Nananatili sa kanyang sarili, alam ng mahusay na musikero kung paano makipag-usap sa mga bata tungkol sa mga bagay na naiintindihan at kawili-wili sa kanila. “Mahalin at pag-aralan ang mahusay na sining ng musika,” sabi niya, na tinutugunan ang mga kabataan. – Ito ay magbubukas sa iyo sa isang buong mundo ng matataas na damdamin, hilig, pag-iisip. Ito ay kahanga-hanga, ito ay gagawin kang espirituwal na mas mayaman, dalisay, mas perpekto. Salamat sa musika, makakahanap ka ng mga bagong lakas sa iyong sarili na dati ay hindi mo alam. Makikita mo ang buhay sa mga bagong tono at kulay."

Ang kompositor ay nagbigay ng partikular na kahalagahan sa pagpapakilala ng magandang musika sa pang-araw-araw na buhay ng mga tao at ang pagbuo ng home music-making. "Inilalagay ko ang malaking kahalagahan sa musical amateurism. Dapat nating ganap na suportahan ang mismong ideya ng pagtugtog ng musika sa bahay. Hayaan ang musika na pumasok sa mga tahanan hindi lamang sa radyo, telebisyon, sa isang record o sa isang tape, ngunit hayaan itong tumunog sa orihinal nito, tulad ng isang quartet o trio, tulad ng isang keyboard arrangement ng isang opera, ballet o symphony, tulad ng isang kanta o romansa sa isang magiliw na partido." isinulat ni Shostakovich.

Kilalang-kilala gumaganang piano tulad ng "Dancing Dolls" at "Children's Notebook". Kapansin-pansin na isinulat ng kompositor ang mga piraso na nakolekta sa "Children's Notebook" noong 1944–1945 para sa kanyang anak na babae na si Galya Shostakovich, na noon ay nag-aaral sa isang paaralan ng musika. Noong Mayo 1945, sa okasyon ng kanyang kaarawan, isinulat ang huling, ikapitong dula sa cycle, na tinatawag na "Birthday."

Ang isang espesyal na lugar sa gawain ng batang kompositor ay inookupahan ng mga gawa para sa piano: preludes, "Fantastic Dances", Sonata para sa dalawang piano, dalawang scherzos, iba't ibang mga miniature. Ito ay kilala na sa kanyang kabataan Shostakovich, isang mag-aaral ng L.V. Nikolaev, ay pinatunayan ang kanyang sarili na isang kahanga-hangang pianista. Sa mga taong iyon ay nag-alinlangan pa siya panghuling pagpipilian propesyon, at nagpasya na maging isang kompositor, gumanap siya nang mahabang panahon bilang isang pianist ng konsiyerto.

Sa musikang ito, siyempre, walang mga trahedya na banggaan at sikolohikal na katalinuhan na katangian ng malalaking instrumental na anyo. Ngunit ang pag-master ng katangian ng musikal na wika, istilo at imahe ni Shostakovich ay makakatulong sa mga bata na makapasok sa malaki at kumplikadong mundo ng kanyang sining, kung wala ito imposibleng isipin ang kultura ng tao noong ika-20 siglo.

Programa ng konsiyerto "D. Shostakovich para sa mga bata"

1. Marso (Espanyol: Egorova Polina)
2. Wind-up na manika (Espanyol: Starovoitova Dasha)
3. Polka (Spanish Lanshakov Sasha)
4. Sayaw (Spanish Litvinova Dasha)
5. Sharmanka (Spanish Omelnichenko Sonya)
6. Dance D major (Spanish Alexandrova Nadya)
7. Gavotte (Espanyol: Alena Sidorova)
8. Waltz-joke (Spanish Zhadanova Lera)
9. Romansa mula sa pelikulang "Gadfly" (Espanyol: Natasha Makarova, M. V. Bubnova)

D. Shostakovich - klasiko ng musika ng ika-20 siglo. Wala sa mga dakilang panginoon nito ang malapit na nauugnay sa mahirap na tadhana ang kanyang sariling bansa, ay hindi nagawang ipahayag nang may ganoong lakas at pagsinta ang sumisigaw na mga kontradiksyon ng kanyang panahon, upang suriin ito nang may malupit na moral na paghatol. Ito ay sa pakikipagsabwatan ng kompositor sa sakit at kasawian ng kanyang mga tao na nakasalalay ang pangunahing kahalagahan ng kanyang kontribusyon sa kasaysayan ng musika sa siglo ng mga digmaang pandaigdig at mga enggrandeng kaguluhan sa lipunan, na hindi pa nalaman ng sangkatauhan.

Si Shostakovich sa likas na katangian ay isang artista ng unibersal na talento. Walang kahit isang genre kung saan hindi niya sinabi ang kanyang mabigat na salita. Nakipag-ugnayan din siya sa ganoong uri ng musika na minsan ay mayabang na tinatrato ng mga seryosong musikero. Siya ang may-akda ng isang bilang ng mga kanta na kinuha ng masa ng mga tao, at hanggang ngayon ang kanyang makikinang na mga adaptasyon ng sikat at jazz na musika, na lalo niyang kinagigiliwan sa panahon ng pagbuo ng estilo - noong 20-30s , ay hinahangaan. Ngunit ang pangunahing lugar ng aplikasyon ng mga malikhaing pwersa para sa kanya ay ang symphony. Hindi dahil ang iba pang mga genre ng seryosong musika ay ganap na dayuhan sa kanya - pinagkalooban siya ng hindi maunahang talento ng isang tunay na kompositor ng teatro, at ang trabaho sa sinehan ay nagbigay sa kanya ng pangunahing paraan ng pamumuhay. Ngunit ang bastos at hindi patas na pagpuna na isinagawa noong 1936 sa isang editoryal na artikulo sa pahayagan ng Pravda sa ilalim ng pamagat na "Pagkagulo sa halip na musika" ay nagpapahina sa kanya ng mahabang panahon mula sa pagsali sa operatic genre - ang mga pagtatangka na ginawa (ang opera na "Mga Manlalaro" ni N. Gogol) ay nanatiling hindi natapos, at ang mga plano ay hindi umabot sa yugto ng pagpapatupad.

Marahil ito ay tiyak kung saan ang mga katangian ng pagkatao ni Shostakovich ay makikita - sa likas na katangian ay hindi siya hilig na magbukas ng mga anyo ng pagpapahayag ng protesta, madali siyang sumuko sa patuloy na mga nonentities dahil sa kanyang espesyal na katalinuhan, delicacy at kawalan ng pagtatanggol laban sa matinding paniniil. Ngunit ito lamang ang nangyari sa buhay - sa kanyang sining ay tapat siya sa kanyang malikhaing mga prinsipyo at pinagtibay ang mga ito sa genre kung saan naramdaman niyang ganap na malaya. Samakatuwid, ang konseptwal na symphony, kung saan maaari niyang hayagang sabihin ang katotohanan tungkol sa kanyang oras, nang hindi gumagawa ng mga kompromiso, ay naging sentro ng paghahanap ni Shostakovich. Gayunpaman, hindi siya tumanggi na lumahok sa mga artistikong negosyo na ipinanganak sa ilalim ng presyon ng mahigpit na mga kahilingan sa sining na ipinataw ng command-administrative system, tulad ng pelikula ni M. Chiaureli na "The Fall of Berlin," kung saan ang walang pigil na papuri sa kadakilaan at ang karunungan ng “ama ng mga bansa” ay naging sukdulan. Ngunit ang pakikilahok sa ganitong uri ng mga monumento ng pelikula, o iba pa, kung minsan kahit na ang mga mahuhusay na gawa na binaluktot ang makasaysayang katotohanan at lumikha ng isang alamat na nakalulugod sa pamumuno sa pulitika, ay hindi nagpoprotekta sa artista mula sa malupit na paghihiganti na ginawa noong 1948. Ang nangungunang ideologo ng rehimeng Stalinist , A. Zhdanov, inulit ang mga magaspang na pag-atake na nilalaman sa isang lumang artikulo sa pahayagan ng Pravda at inakusahan ang kompositor, kasama ang iba pang mga masters ng musikang Sobyet noong panahong iyon, ng pagsunod sa anti-pambansang pormalismo.

Kasunod nito, sa panahon ng Khrushchev "thaw", ang mga naturang singil ay ibinaba at ang mga natitirang gawa ng kompositor, ang pampublikong pagganap na kung saan ay ipinagbawal, ay natagpuan ang kanilang paraan sa nakikinig. Ngunit ang dramatikong personal na kapalaran ng kompositor, na nakaligtas sa isang panahon ng hindi makatarungang pag-uusig, ay nag-iwan ng isang hindi maalis na bakas sa kanyang pagkatao at tinukoy ang direksyon ng kanyang malikhaing paghahanap, na tinutugunan ang mga problema sa moral ng pagkakaroon ng tao sa lupa. Ito ay at nananatiling pangunahing bagay na nagpapakilala kay Shostakovich sa mga tagalikha ng musika noong ika-20 siglo.

Ang kanyang landas sa buhay ay hindi kaganapan. Matapos makapagtapos mula sa Leningrad Conservatory na may isang napakatalino na debut - ang kahanga-hangang First Symphony, sinimulan niya ang buhay ng isang propesyonal na kompositor, una sa lungsod sa Neva, pagkatapos ay sa panahon ng Great Patriotic War sa Moscow. Ang kanyang aktibidad bilang isang guro sa konserbatoryo ay medyo maikli - iniwan niya ito hindi sa kanyang sariling kalooban. Ngunit hanggang ngayon, napanatili ng kanyang mga mag-aaral ang memorya ng mahusay na master, na gumanap ng isang mapagpasyang papel sa pagbuo ng kanilang pagkamalikhain. Nasa First Symphony (1925), ang dalawang katangian ng musika ni Shostakovich ay malinaw na napapansin. Ang isa sa kanila ay nakaapekto sa pagbuo ng isang bagong istilo ng instrumental na may likas na kadalian, ang kadalian ng kompetisyon sa pagitan ng mga instrumento ng konsiyerto. Ang isa pa ay ipinakita sa patuloy na pagnanais na bigyan ang musika ng pinakamataas na kahulugan, upang ipakita sa pamamagitan ng paraan ng symphonic genre ang isang malalim na konsepto ng pilosopikal na kahulugan.

Marami sa mga gawa ng kompositor na sumunod sa napakatalino na simula ay sumasalamin sa magulong kapaligiran noong panahong iyon, kung saan isang bagong istilo Ang panahon ay huwad sa pakikibaka ng mga magkasalungat na saloobin. Kaya sa Pangalawa at Ikatlong Symphonies ("Oktubre" - 1927, "May Day" - 1929) si Shostakovich ay nagbigay pugay sa poster ng musikal; malinaw na sinasalamin nila ang impluwensya ng martial, propaganda art noong 20s. (hindi sinasadya na kasama ng kompositor ang mga fragment ng koro batay sa mga tula ng mga batang makata na sina A. Bezymensky at S. Kirsanov). Kasabay nito, nagpakita rin sila ng maliwanag na theatricality, na nakakaakit sa mga produksyon ng E. Vakhtangov at Vs. Meyerhold. Ang kanilang mga pagtatanghal ang nakaimpluwensya sa estilo ng unang opera ni Shostakovich na "The Nose" (1928), na isinulat batay sa sikat na kuwento ni Gogol. Dito nagmumula hindi lamang matalas na panunudyo at patawa, na umaabot sa punto ng katarantaduhan sa paglalarawan ng mga indibidwal na karakter at ang mapanlinlang na pulutong na mabilis na nahuhulog sa gulat at mabilis na husgahan, kundi pati na rin ang matinding intonasyon ng "tawa sa pamamagitan ng luha", na tumutulong sa amin na makilala ang isang tao kahit na sa ganoong kabastusan at halatang isang nonentity, tulad ni Gogol's Major Kovalev.

Ang estilo ni Shostakovich ay hindi lamang nakakuha ng mga impluwensya na nagmumula sa karanasan ng kulturang pangmusika ng mundo (narito ang pinakamahalaga para sa kompositor ay sina M. Mussorgsky, P. Tchaikovsky at G. Mahler), ngunit nasisipsip din ang mga tunog ng buhay musikal noong panahong iyon - na popular na kultura ng "light" genre , na kumokontrol sa kamalayan ng masa. Ang saloobin ng kompositor dito ay ambivalent - kung minsan ay pinalalaki niya, pinapatawa ang mga katangian ng mga naka-istilong mga kanta at sayaw, ngunit sa parehong oras ay nagpapalaki sa kanila, itinaas ang mga ito sa taas ng tunay na sining. Ang saloobing ito ay partikular na malinaw na makikita sa mga unang ballet na "The Golden Age" (1930) at "Bolt" (1931), sa First Piano Concerto (1933), kung saan ang solong trumpeta ay naging isang karapat-dapat na karibal sa piano kasama ang orkestra. , at kalaunan sa scherzo at finale ng Sixth symphony (1939). Ang makikinang na birtuosidad at mapangahas na eccentricities ay pinagsama sa gawaing ito na may madamdamin na mga lyrics at ang kamangha-manghang pagiging natural ng paglalahad ng "walang katapusang" melody sa unang bahagi ng symphony.

At sa wakas, hindi maiiwasan ng isang tao na banggitin ang kabilang panig ng aktibidad ng malikhaing batang kompositor - marami siyang nagtrabaho at patuloy sa sinehan, una bilang isang ilustrador para sa pagpapakita ng mga tahimik na pelikula, pagkatapos ay bilang isa sa mga tagalikha ng sound cinema ng Sobyet. Ang kanyang kanta mula sa pelikulang "Oncoming" (1932) ay nakakuha ng katanyagan sa buong bansa. Kasabay nito, ang impluwensya ng "batang muse" ay nakaapekto rin sa estilo, wika, at mga prinsipyo ng komposisyon ng kanyang konsiyerto at mga philharmonic na gawa.

Ang pagnanais na isama ang pinaka matinding mga salungatan ng modernong mundo kasama ang napakalaking kaguluhan at mabangis na sagupaan ng mga magkasalungat na pwersa ay lalo na makikita sa mga pangunahing gawa ng master noong 30s. Ang isang mahalagang hakbang sa landas na ito ay ang opera na "Katerina Izmailova" (1932), na isinulat sa balangkas ng kuwentong "Lady Macbeth ng Mtsensk" ni N. Leskov. Ang imahe ng pangunahing karakter ay nagpapakita ng isang kumplikadong panloob na pakikibaka sa kaluluwa ng isang likas na katangian na mahalaga at mayamang likas na likas - sa ilalim ng pamatok ng "mga tingga na kasuklam-suklam sa buhay", sa ilalim ng kapangyarihan ng bulag, walang katwiran na pagnanasa, siya ay gumagawa ng seryoso krimen, na sinusundan ng malupit na paghihiganti.

Gayunpaman, nakamit ng kompositor ang kanyang pinakadakilang tagumpay sa Fifth Symphony (1937) - ang pinakamahalaga at pangunahing tagumpay sa pagbuo ng Soviet symphony noong 30s. (Ang pagliko sa isang bagong kalidad ng istilo ay nakabalangkas sa naunang isinulat, ngunit pagkatapos ay hindi narinig, Ikaapat na Symphony - 1936). Ang lakas ng Fifth Symphony ay nakasalalay sa katotohanan na ang mga karanasan ng kanyang liriko na bayani ay ipinahayag sa pinakamalapit na koneksyon sa buhay ng mga tao at, sa mas malawak, ng lahat ng sangkatauhan sa bisperas ng pinakamalaking pagkabigla na naranasan ng mga tao ng mundo - ang Ikalawang Digmaang Pandaigdig. Tinukoy nito ang binibigyang-diin na drama ng musika, ang likas na pinataas na pagpapahayag nito - ang liriko na bayani ay hindi nagiging passive contemplator sa symphony na ito, hinuhusgahan niya kung ano ang nangyayari at kung ano ang darating sa pinakamataas na moral na hukuman. Ang civic position ng artist at ang humanistic orientation ng kanyang musika ay makikita sa kanyang kawalang-interes sa kapalaran ng mundo. Maaari din itong maramdaman sa maraming iba pang mga gawa na kabilang sa mga genre ng chamber instrumental creativity, kung saan namumukod-tangi ang piano Quintet (1940).

Sa panahon ng Great Patriotic War, si Shostakovich ay naging isa sa mga unang hanay ng mga artista na lumalaban sa pasismo. Ang kanyang Seventh (“Leningrad”) Symphony (1941) ay nakita sa buong mundo bilang ang buhay na tinig ng isang lumalaban na mga tao na pumasok sa isang buhay-at-kamatayang labanan sa ngalan ng karapatang umiral, bilang pagtatanggol sa pinakamataas na halaga ng tao. . Sa gawaing ito, tulad ng sa Eighth Symphony na nilikha nang maglaon (1943), ang antagonismo ng dalawang magkasalungat na kampo ay natagpuan ng direkta, agarang pagpapahayag. Kailanman sa sining ng musika ang mga puwersa ng kasamaan ay nalantad nang napakalinaw, hindi kailanman nalantad ang mapurol na mekanikal ng abalang pasistang "makina ng pagsira" nang may gayong galit at pagsinta. Ngunit ang espirituwal na kagandahan at kayamanan ay malinaw na kinakatawan sa "militar" na mga symphony ng kompositor (tulad ng sa isang bilang ng kanyang iba pang mga gawa, halimbawa, sa piano Trio sa memorya ng I. Sollertinsky - 1944). panloob na mundo isang taong nagdurusa sa mga kaguluhan sa kanyang panahon.

Sa mga taon pagkatapos ng digmaan, ang malikhaing aktibidad ni Shostakovich ay nabuo nang may panibagong lakas. Tulad ng dati, ang nangungunang linya ng kanyang artistikong pakikipagsapalaran ay ipinakita sa monumental symphonic canvases. Matapos ang medyo mas magaan na Ninth (1945), isang uri ng intermezzo, gayunpaman, malinaw na mga dayandang ng kamakailang natapos na digmaan, nilikha ng kompositor ang inspiradong Tenth Symphony (1953), na nagtaas ng tema ng trahedya na kapalaran ng artist, ang mataas na antas ng kanyang responsibilidad sa modernong mundo. Gayunpaman, ang bago ay higit sa lahat ay resulta ng mga pagsisikap ng mga nakaraang henerasyon - kung kaya't ang kompositor ay labis na naaakit sa mga kaganapan ng isang pagbabago sa kasaysayan ng Russia. Ang rebolusyon ng 1905, na minarkahan ng Bloody Sunday noong Enero 9, ay nabuhay sa monumental na programa ng Eleventh Symphony (1957), at ang mga tagumpay ng matagumpay na 1917 ay nagbigay inspirasyon kay Shostakovich na lumikha ng Twelfth Symphony (1961).

Ang mga pagmumuni-muni sa kahulugan ng kasaysayan, sa kahalagahan ng mga gawa ng mga bayani nito, ay makikita rin sa isang bahagi ng vocal-symphonic na tula na "The Execution of Stepan Razin" (1964), na batay sa isang fragment mula sa E. Yevtushenko's tula na "Bratsk Hydroelectric Power Station". Ngunit ang mga kaganapan sa ating panahon, na sanhi ng matinding pagbabago sa buhay ng mga tao at sa kanilang pananaw sa mundo, na ipinahayag ng ika-20 Kongreso ng CPSU, ay hindi nagpabaya sa dakilang master ng musikang Sobyet na walang malasakit - ang kanilang buhay na hininga ay nadarama sa Ikalabintatlo. Symphony (1962), na isinulat din sa mga salita ni E. Yevtushenko. Sa Ika-labing-apat na Symphony, ang kompositor ay bumaling sa mga tula ng mga makata ng iba't ibang panahon at mga tao (F. G. Lorca, G. Apollinaire, V. Kuchelbecker, R. M. Rilke) - naakit siya ng tema ng transience ng buhay ng tao at ang kawalang-hanggan ng mga likha ng tunay na sining, bago pa man ang makapangyarihang kamatayan. Ang parehong tema ay naging batayan para sa disenyo ng isang vocal-symphonic cycle batay sa mga tula ng mahusay na artistang Italyano na si Michelangelo Buonarroti (1974). At sa wakas, sa huling, Fifteenth Symphony (1971), ang mga imahe ng pagkabata ay muling nabuhay, muling nilikha sa harap ng mga mata ng isang matalinong manlilikha na nakaalam ng tunay na di-masusukat na sukat ng pagdurusa ng tao.

Sa kabila ng lahat ng kahalagahan ng symphony sa post-war work ni Shostakovich, hindi nito nauubos ang lahat ng pinakamahalagang bagay na nilikha ng kompositor sa huling tatlumpung taon ng kanyang buhay at malikhaing landas. Binigyan niya ng espesyal na pansin ang mga genre ng instrumental ng konsiyerto at silid. Gumawa siya ng dalawang violin concerto (at 1967), dalawang cello concerto (1959 at 1966), at isang pangalawang piano concerto (1957). Ang pinakamahusay na mga gawa ng genre na ito ay naglalaman ng malalim na mga konsepto ng pilosopikal na kahalagahan na maihahambing sa mga ipinahayag nang may kahanga-hangang puwersa sa kanyang mga symphony. Ang kalubhaan ng banggaan sa pagitan ng espiritwal at di-espirituwal, ang pinakamataas na impulses ng henyo ng tao at ang agresibong pagsalakay ng kabastusan, ang sinadyang primitiveness ay mahahalata sa Second Cello Concerto, kung saan ang isang simple, "kalye" na tune ay binago nang hindi na makilala, na nagpapakita ng kanyang hindi makataong diwa.

Gayunpaman, kapwa sa mga konsyerto at sa chamber music, ang virtuoso skill ni Shostakovich sa paglikha ng mga komposisyon ay inihayag, na nagbubukas ng espasyo para sa libreng kompetisyon sa mga music artist. Narito ang pangunahing genre na nakakaakit ng pansin ng master ay ang tradisyunal na string quartet (sinulat ng kompositor ang marami sa kanila bilang symphony - 15). Ang mga quartet ni Shostakovich ay humanga sa kanilang iba't ibang mga solusyon, mula sa mga multi-movement cycle (Ika-11 - 1966) hanggang sa mga komposisyon na nag-iisang kilusan (Thirteenth - 1970). Sa isang bilang ng kanyang mga gawa sa silid (sa Eighth Quartet - 1960, sa Sonata para sa Viola at Piano - 1975), ang kompositor ay bumalik sa musika ng kanyang mga nakaraang gawa, na binibigyan ito ng bagong tunog.

Kabilang sa mga gawa ng iba pang mga genre ay maaaring pangalanan ang monumental na cycle ng Preludes at Fugues para sa piano (1951), na inspirasyon ng mga pagdiriwang ni Bach sa Leipzig, at ang oratorio na "Song of the Forests" (1949), kung saan sa unang pagkakataon sa musika ng Sobyet. itinaas ang tema ng pananagutan ng tao sa pangangalaga sa kalikasan sa paligid niya. Maaari mo ring pangalanan ang Ten Poems para sa isang cappella choir (1951), ang vocal cycle na "Mula sa Jewish Folk Poetry" (1948), mga siklo batay sa mga tula ng mga makata na si Sasha Cherny ("Satires" - 1960), Marina Tsvetaeva (1973).

Ang trabaho sa sinehan ay nagpatuloy din sa mga taon pagkatapos ng digmaan - ang musika ni Shostakovich para sa mga pelikulang "The Gadfly" (batay sa nobela ni E. Voynich - 1955), pati na rin para sa mga adaptasyon ng pelikula ng mga trahedya ni W. Shakespeare na "Hamlet" ( 1964) at "King Lear" (1971) ay naging malawak na kilala. ).

Ang Shostakovich ay may malaking epekto sa pag-unlad ng musikang Sobyet. Hindi ito gaanong naipakita sa direktang impluwensya ng istilo ng master at sa kanyang katangiang artistikong paraan, ngunit sa pagnanais para sa isang mataas na nilalaman ng musika, ang koneksyon nito sa mga pangunahing problema ng buhay ng tao sa lupa. Humanistic sa kakanyahan nito, tunay na masining sa anyo, ang gawa ni Shostakovich ay nanalo ng pagkilala sa buong mundo at naging malinaw na pagpapahayag ng bago na ibinigay ng musika ng Land of the Soviets sa mundo.

Noong tagsibol ng 1926, ang Leningrad Philharmonic Orchestra, na isinagawa ni Nikolai Malko, ay naglaro sa unang pagkakataon ng First Symphony of Dmitry Dmitrievich Shostakovich (1906 - 1975). Sa isang liham sa Kyiv pianist na si L. Izarova, isinulat ni N. Malko: "Kakabalik ko lang mula sa isang konsyerto. Isinagawa ko ang symphony ng batang Leningrader na si Mitya Shostakovich sa unang pagkakataon. Nararamdaman ko na nagbukas ako ng isang bagong pahina sa kasaysayan ng musikang Ruso."

Ang pagtanggap sa symphony ng publiko, orkestra, at press ay hindi matatawag na isang tagumpay lamang, ito ay isang tagumpay. Ganoon din ang kanyang prusisyon sa pinakasikat na symphonic stages sa mundo. Otto Klemperer, Arturo Toscanini, Bruno Walter, Hermann Abendroth, Leopold Stokowski ay yumuko sa iskor ng symphony. Para sa kanila, mga conductor-thinkers, ang ugnayan sa pagitan ng antas ng kasanayan at edad ng may-akda ay tila hindi kapani-paniwala. Natamaan ako ng kumpletong kalayaan kung saan itinapon ng labinsiyam na taong gulang na kompositor ang lahat ng mga mapagkukunan ng orkestra upang mapagtanto ang kanyang mga ideya, at ang mga ideya mismo ay tumama sa pagiging bago ng tagsibol.

Ang symphony ni Shostakovich ay tunay na unang symphony mula sa bagong mundo, kung saan tumama ang bagyo sa Oktubre. Ang kaibahan ay kapansin-pansin sa pagitan ng musika, puno ng kagalakan, ang masiglang pamumulaklak ng mga kabataang pwersa, banayad, mahiyain na liriko at ang madilim na ekspresyonistang sining ng marami sa mga dayuhang kapanahon ni Shostakovich.

Paglampas sa karaniwang yugto ng kabataan, si Shostakovich ay may kumpiyansa na humakbang sa kapanahunan. Ang napakahusay na paaralang ito ang nagbigay sa kanya ng kumpiyansa. Isang katutubo ng Leningrad, siya ay tinuruan sa loob ng mga dingding ng Leningrad Conservatory sa mga klase ng pianista na si L. Nikolaev at kompositor na si M. Steinberg. Si Leonid Vladimirovich Nikolaev, na nagpalaki ng isa sa pinakamabungang sangay ng Soviet pianistic school, bilang isang kompositor ay isang mag-aaral ni Taneyev, na siya namang mag-aaral ng Tchaikovsky. Si Maximilian Oseevich Steinberg ay isang mag-aaral ng Rimsky-Korsakov at isang tagasunod ng kanyang mga prinsipyo at pamamaraan ng pedagogical. Mula sa kanilang mga guro sina Nikolaev at Steinberg ay nagmana ng isang kumpletong pagkapoot sa amateurism. Sa kanilang mga klase mayroong isang diwa ng malalim na paggalang sa trabaho, para sa kung ano ang gustong italaga ni Ravel sa salitang metier - craft. Iyon ang dahilan kung bakit ang kultura ng karunungan ay napakataas na sa unang pangunahing gawain ng batang kompositor.

Maraming taon na ang lumipas mula noon. Labing-apat pa ang idinagdag sa First Symphony. Labinlimang quartets, dalawang trio, dalawang opera, tatlong ballet, dalawang piano, dalawang violin at dalawang cello concerto, mga siklo ng pag-iibigan, mga koleksyon ng piano preludes at fugues, cantatas, oratorio, musika para sa maraming pelikula at mga dramatikong pagtatanghal.

Ang maagang panahon ng pagkamalikhain ni Shostakovich ay nag-tutugma sa pagtatapos ng twenties, isang oras ng pinainit na mga talakayan sa mga pangunahing isyu ng kulturang sining ng Sobyet, kapag ang mga pundasyon ng pamamaraan at istilo ng sining ng Sobyet - sosyalistang realismo - ay nag-kristal. Tulad ng maraming mga kinatawan ng mga kabataan, at hindi lamang ang nakababatang henerasyon ng mga artistikong intelihente ng Sobyet, si Shostakovich ay nagbibigay pugay sa kanyang pagkahilig para sa mga eksperimentong gawa ng direktor na si V. E. Meyerhold, ang mga opera ng Alban Berg ("Wozzeck"), Ernst Kshenek ("Jumping" Over the Shadow", "Johnny") , pagtatanghal ng ballet Fedora Lopukhov.

Ang kumbinasyon ng acute grotesqueness na may malalim na trahedya, tipikal ng maraming phenomena ng expressionist art na nagmula sa ibang bansa, ay nakaakit din ng atensyon ng batang kompositor. Kasabay nito, ang paghanga kay Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Glinka, at Berlioz ay laging nabubuhay sa kanya. Sa isang pagkakataon ay nag-aalala siya tungkol sa engrandeng symphonic epic ni Mahler: ang lalim ng mga problemang etikal na nakapaloob dito: ang artist at lipunan, ang artist at modernity. Ngunit wala sa mga kompositor ng mga nakaraang panahon ang nakakagulat sa kanya gaya ni Mussorgsky.

Sa pinakadulo simula ng malikhaing karera ni Shostakovich, sa oras ng paghahanap, libangan, at pagtatalo, ang kanyang opera na "The Nose" (1928) ay ipinanganak - isa sa mga pinaka-kontrobersyal na gawa ng kanyang malikhaing kabataan. Sa opera na ito batay sa balangkas ni Gogol, sa pamamagitan ng mga nasasalat na impluwensya ng "The Government Inspector" ni Meyerhold at pagkasira ng musika, makikita ang mga maliliwanag na tampok na ginagawang katulad ng "The Nose" ni Mussorgsky ang opera na "Marriage". Ang "The Nose" ay may mahalagang papel sa malikhaing ebolusyon ni Shostakovich.

Ang simula ng 30s ay minarkahan sa talambuhay ng kompositor ng isang stream ng mga gawa ng iba't ibang genre. Narito ang mga ballet na "The Golden Age" at "Bolt", musika para sa paggawa ni Meyerhold ng dula ni Mayakovsky na "The Bedbug", musika para sa ilang mga pagtatanghal ng Leningrad Theater of Working Youth (TRAM), at sa wakas, ang unang pagpasok ni Shostakovich sa cinematography, ang paglikha ng musika para sa mga pelikulang "Alone", "Golden Mountains", "Counter"; musika para sa iba't-ibang at circus performance ng Leningrad Music Hall na "Conditionally Killed"; malikhaing komunikasyon sa mga kaugnay na sining: ballet, drama theater, sinehan; ang paglitaw ng unang siklo ng pag-iibigan (batay sa mga tula ng mga makatang Hapones) ay katibayan ng pangangailangan ng kompositor na ikonkreto ang matalinghagang istruktura ng musika.

Ang gitnang lugar sa mga gawa ni Shostakovich noong unang kalahati ng 30s ay inookupahan ng opera na "Lady Macbeth ng Mtsensk" ("Katerina Izmailova"). Ang batayan ng dramaturgy nito ay ang gawa ni N. Leskov, ang genre kung saan itinalaga ng may-akda ang salitang "sanaysay," na parang binibigyang-diin ang pagiging tunay, pagiging maaasahan ng mga kaganapan, at ang portrait na karakter ng mga character. Ang musika ng "Lady Macbeth" ay isang trahedya na kuwento tungkol sa isang kakila-kilabot na panahon ng paniniil at kawalan ng batas, nang ang lahat ng tao sa isang tao, ang kanyang dignidad, pag-iisip, adhikain, damdamin, ay pinatay; kapag ang mga primitive instincts ay binubuwisan at pinamamahalaan ang mga aksyon at buhay mismo, nakagapos, lumakad sa walang katapusang mga highway ng Russia. Sa isa sa kanila, nakita ni Shostakovich ang kanyang pangunahing tauhang babae - isang dating asawa ng mangangalakal, isang convict, na nagbayad ng buong presyo para sa kanyang kriminal na kaligayahan. Nakita ko ito at tuwang-tuwa kong sinabi ang kanyang kapalaran sa aking opera.

Ang pagkamuhi sa lumang mundo, ang mundo ng karahasan, kasinungalingan at kawalang-katauhan ay makikita sa marami sa mga gawa ni Shostakovich, sa iba't ibang genre. Siya ang pinakamalakas na antithesis ng mga positibong larawan, mga ideya na tumutukoy sa artistikong at panlipunang kredo ni Shostakovich. Paniniwala sa hindi mapaglabanan na kapangyarihan ng Tao, paghanga sa kayamanan kapayapaan ng isip, pakikiramay sa kanyang pagdurusa, matinding uhaw na lumahok sa pakikibaka para sa kanyang maliliwanag na mithiin - ito ang pinakamahalagang katangian ng kredo na ito. Ito manifests mismo lalo na ganap sa kanyang susi, milestone gumagana. Kabilang sa mga ito ang isa sa pinakamahalaga, ang Fifth Symphony, na lumitaw noong 1936, na nagsimula ng isang bagong yugto sa malikhaing talambuhay ng kompositor, isang bagong kabanata sa kasaysayan ng kulturang Sobyet. Sa symphony na ito, na maaaring tawaging isang "optimistic na trahedya," ang may-akda ay dumating sa isang malalim problemang pilosopikal pagbuo ng personalidad ng kanyang kontemporaryo.

Sa paghusga sa musika ni Shostakovich, ang genre ng symphony ay palaging para sa kanya na isang platform kung saan ang pinakamahalaga, pinaka-apoy na talumpati, na naglalayong makamit ang pinakamataas na layunin sa etika, ay dapat maihatid. Ang symphony platform ay hindi itinayo para sa mahusay na pagsasalita. Ito ay isang pambuwelo para sa militanteng pilosopikal na pag-iisip, nakikipaglaban para sa mga mithiin ng humanismo, tinutuligsa ang kasamaan at kawalang-hanggan, na parang muling pinaninindigan ang sikat na posisyon ng Goethean:

Siya lamang ang karapat-dapat sa kaligayahan at kalayaan, at araw-araw ay pumupunta siya sa labanan para sa kanila! Mahalaga na wala ni isa sa labinlimang symphony na isinulat ni Shostakovich ang umalis sa modernidad. Ang Una ay nabanggit sa itaas, ang Pangalawa ay isang symphonic na dedikasyon sa Oktubre, ang Pangatlo ay "May Day". Sa kanila, ang kompositor ay bumaling sa tula nina A. Bezymensky at S. Kirsanov upang mas malinaw na ihayag ang kagalakan at kataimtiman ng mga rebolusyonaryong pagdiriwang na nagliliyab sa kanila.

Ngunit mayroon nang Fourth Symphony, na isinulat noong 1936, ang ilang dayuhan, masamang puwersa ay pumasok sa mundo ng masayang pag-unawa sa buhay, kabutihan at kabaitan. Siya ay kumuha ng iba't ibang mga guises. Sa isang lugar siya ay halos tumapak sa lupa na natatakpan ng tagsibol na halaman, na may isang mapang-uyam na ngiti ay dinudungisan niya ang kadalisayan at katapatan, siya ay nagagalit, siya ay nagbabanta, siya ay nagbabadya ng kamatayan. Ito ay panloob na malapit sa madilim na mga tema na nagbabanta sa kaligayahan ng tao mula sa mga pahina ng mga marka ng huling tatlong symphony ni Tchaikovsky.

Sa parehong Fifth at II na paggalaw ng Sixth Symphony ni Shostakovich, ang mabigat na puwersang ito ay nagpaparamdam sa sarili. Ngunit sa Ikapito lamang, Leningrad Symphony, ito ay tumaas sa buong taas nito. Biglang, isang malupit at kakila-kilabot na puwersa ang sumalakay sa mundo ng mga pilosopikong pag-iisip, dalisay na pangarap, lakas ng atleta, at mala-Levitan na mala-tula na mga tanawin. Siya ay dumating upang walisin ang dalisay na mundong ito at itatag ang kadiliman, dugo, kamatayan. Sa madaling sabi, mula sa malayo, naririnig ang halos hindi maririnig na kaluskos ng isang maliit na tambol, at sa malinaw na ritmo nito ay isang matigas, angular na tema ang lumilitaw. Inuulit ang sarili nang labing-isang beses na may mapurol na mekanikal at pagkakaroon ng lakas, ito ay nakakakuha ng paos, ungol, kahit papaano ay mabahong mga tunog. At ngayon, sa lahat ng nakakatakot na kahubaran nito, ang hayop na tao ay humahakbang sa lupa.

Sa kaibahan sa "tema ng pagsalakay," ang "tema ng katapangan" ay lumalabas at lumalakas sa musika. Ang monologo ng bassoon ay labis na puspos ng kapaitan ng pagkawala, na nagpapaalala sa mga linya ni Nekrasov: "Ito ang mga luha ng mga mahihirap na ina, hindi nila malilimutan ang kanilang mga anak na namatay sa madugong larangan." Ngunit gaano man kalungkot ang mga pagkalugi, iginiit ng buhay ang sarili bawat minuto. Ang ideyang ito ay tumatagos sa Scherzo - Part II. At mula rito, sa pamamagitan ng pagmuni-muni (Bahagi III), ito ay humahantong sa isang matagumpay na pagtatapos.

Isinulat ng kompositor ang kanyang maalamat na Leningrad Symphony sa isang bahay na patuloy na inalog ng mga pagsabog. Sa isa sa kanyang mga talumpati, sinabi ni Shostakovich: "Na may sakit at pagmamalaki ay tiningnan ko ang aking minamahal na lungsod. At ito ay tumayo, pinaso ng apoy, tumigas sa labanan, na naranasan ang malalim na pagdurusa ng isang mandirigma, at mas maganda pa sa kanyang mahigpit. Kadakilaan. Paanong hindi mo ito mamahalin ang lungsod na itinayo ni Pedro ay hindi makapagsasabi sa buong mundo tungkol sa kaluwalhatian nito, tungkol sa katapangan ng mga tagapagtanggol nito... Ang sandata ko ay musika."

Marubdob na napopoot sa kasamaan at karahasan, tinutuligsa ng kompositor ng mamamayan ang kaaway, ang naghahasik ng mga digmaan na naglulubog sa mga bansa sa bangin ng kapahamakan. Iyon ang dahilan kung bakit ang tema ng digmaan ay nakakaakit sa mga iniisip ng kompositor sa mahabang panahon. Ito ay tunog sa Ikawalo, engrande sa sukat, sa lalim ng mga trahedya na salungatan, na binubuo noong 1943, sa Ikasampu at Ikalabintatlong symphony, sa piano trio, na isinulat sa memorya ng I. I. Sollertinsky. Ang temang ito ay tumagos din sa Eighth Quartet, sa musika para sa mga pelikulang "The Fall of Berlin", "Meeting on the Elbe", "Young Guard". Sa isang artikulo na nakatuon sa unang anibersaryo ng Victory Day, isinulat ni Shostakovich: " Ang tagumpay ay nag-oobliga ng hindi bababa sa digmaan ", na isinagawa sa ngalan ng tagumpay. Ang pagkatalo ng pasismo ay isang yugto lamang sa hindi mapigilang opensibong kilusan ng tao, sa pagpapatupad ng progresibong misyon ng mamamayang Sobyet."

Ang Ninth Symphony, ang unang gawain ni Shostakovich pagkatapos ng digmaan. Ito ay ginanap sa unang pagkakataon noong taglagas ng 1945; sa ilang mga lawak, ang symphony na ito ay hindi naabot ang mga inaasahan. Walang monumental na solemnidad dito na maaaring isama sa musika ang mga imahe ng matagumpay na pagtatapos ng digmaan. Ngunit may iba pa dito: agarang kagalakan, biro, pagtawa, na parang isang malaking bigat ang nahulog mula sa mga balikat ng isang tao, at sa unang pagkakataon sa napakaraming taon ay posible na buksan ang ilaw nang walang mga kurtina, nang walang pagdidilim, at ang lahat ng bintana ng mga bahay ay lumiwanag sa tuwa. At tanging sa penultimate na bahagi lamang lumilitaw ang isang malupit na paalala ng naranasan. Ngunit naghahari ang kadiliman sa loob ng maikling panahon - muling nagbabalik ang musika sa mundo ng liwanag at saya.

Walong taon ang naghihiwalay sa Tenth Symphony mula sa Ninth. Walang ganoong pahinga sa symphonic chronicle ni Shostakovich. At muli ay nasa harapan natin ang isang gawaing puno ng mga kalunus-lunos na banggaan, malalim na mga problema sa ideolohikal, nakakabighaning kasama ang mga kalunos-lunos na salaysay nito tungkol sa isang panahon ng malalaking kaguluhan, isang panahon ng malaking pag-asa para sa sangkatauhan.

Ang Eleventh at Twelfth ay sumasakop sa isang espesyal na lugar sa listahan ng mga symphony ni Shostakovich.

Bago bumaling sa Eleventh Symphony, na isinulat noong 1957, kailangang alalahanin ang Sampung Tula para sa halo-halong koro (1951) batay sa mga salita ng mga rebolusyonaryong makata noong ika-19 at unang bahagi ng ika-20 siglo. Ang mga tula ng mga rebolusyonaryong makata: L. Radin, A. Gmyrev, A. Kots, V. Tan-Bogoraz ay nagbigay inspirasyon kay Shostakovich na lumikha ng musika, ang bawat bar na kung saan ay binubuo niya, at kasabay nito ay katulad ng mga kanta ng rebolusyonaryo. sa ilalim ng lupa, mga pagtitipon ng mga mag-aaral, na narinig sa mga piitan na Butyrok, at sa Shushenskoye, at sa Lynjumo, sa Capri, sa mga kanta na at tradisyon ng pamilya sa bahay ng mga magulang ng kompositor. Ang kanyang lolo, si Boleslav Boleslavovich Shostakovich, ay ipinatapon dahil sa pakikilahok sa pag-aalsa ng Poland noong 1863. Ang kanyang anak na si Dmitry Boleslavovich, ang ama ng kompositor, taon ng mag-aaral at pagkatapos ng graduating mula sa St. Petersburg University, siya ay malapit na nauugnay sa pamilya Lukashevich, isa sa mga miyembro, kasama si Alexander Ilyich Ulyanov, ay naghahanda ng isang pagtatangkang pagpatay kay Alexander III. Si Lukashevich ay gumugol ng 18 taon sa kuta ng Shlisselburg.

Ang isa sa pinakamalakas na impresyon sa buong buhay ni Shostakovich ay napetsahan noong Abril 3, 1917, ang araw ng pagdating ni V.I. Lenin sa Petrograd. Ganito ang pag-uusap ng kompositor tungkol dito. "Nasaksihan ko ang mga kaganapan ng Rebolusyong Oktubre, ay kabilang sa mga nakinig kay Vladimir Ilyich sa plaza sa harap ng Finlyandsky Station sa araw ng kanyang pagdating sa Petrograd. At, bagaman napakabata ko noon, ito ay walang hanggan na nakatatak sa ang aking alaala.”

Ang tema ng rebolusyon ay pumasok sa laman at dugo ng kompositor kahit sa kanyang pagkabata at matured sa kanya kasabay ng paglaki ng kamalayan, naging isa sa kanyang mga pundasyon. Nag-kristal ang temang ito sa Eleventh Symphony (1957), na tinatawag na "1905". Ang bawat bahagi ay may sariling pangalan. Mula sa kanila ay malinaw mong maiisip ang ideya at dramaturhiya ng gawain: "Palace Square", "Enero 9", "Eternal Memory", "Alarm". Ang symphony ay napuno ng mga intonasyon ng mga kanta ng rebolusyonaryong underground: "Makinig", "Prisoner", "Nabiktima ka", "Rage, tyrants", "Varshavyanka". Binibigyan nila ang mayamang musikal na salaysay ng isang espesyal na kaguluhan at pagiging tunay ng isang makasaysayang dokumento.

Nakatuon sa alaala ni Vladimir Ilyich Lenin, ang Twelfth Symphony (1961) - isang gawa ng epikong kapangyarihan - nagpapatuloy sa instrumental na kuwento ng rebolusyon. Tulad ng sa Eleventh, ang mga pangalan ng programa ng mga bahagi ay nagbibigay ng isang ganap na malinaw na ideya ng nilalaman nito: "Rebolusyonaryong Petrograd", "Razliv", "Aurora", "Liwayway ng Sangkatauhan".

Ang Thirteenth Symphony (1962) ni Shostakovich ay malapit sa genre sa oratorio. Ito ay isinulat para sa isang hindi pangkaraniwang komposisyon: orkestra ng symphony, bass choir at bass soloist. Ang batayan ng teksto ng limang bahagi ng simponya ay ang mga taludtod ng Evg. Yevtushenko: "Babi Yar", "Humor", "In the Store", "Fears" at "Career". Ang ideya ng symphony, ang kalunos-lunos nito ay ang pagtuligsa sa kasamaan sa ngalan ng paglaban para sa katotohanan, para sa tao. At ang symphony na ito ay nagpapakita ng aktibo, nakakasakit na humanismo na likas sa Shostakovich.

Pagkatapos ng pitong taong pahinga, noong 1969, nilikha ang Ika-labing-apat na Symphony, na isinulat para sa isang chamber orchestra: mga string, isang maliit na bilang ng pagtambulin at dalawang boses - soprano at bass. Ang simponya ay naglalaman ng mga tula nina Garcia Lorca, Guillaume Apollinaire, M. Rilke at Wilhelm Kuchelbecker. Nakatuon kay Benjamin Britten, isinulat ang symphony, ayon sa may-akda nito, sa ilalim ng impluwensya ng "Songs and Dances of Death" ni M. P. Mussorgsky. Sa kahanga-hangang artikulong "Mula sa Kalaliman ng Kalaliman", na nakatuon sa Ika-labing-apat na Symphony, isinulat ni Marietta Shaginyan: "... Ang Ika-labing-apat na Symphony ni Shostakovich, ang paghantong ng kanyang trabaho. Ang Ika-labing-apat na Symphony, - Gusto kong tawagan itong una "Mga Pagnanasa ng Tao" ng bagong panahon, - sabi nang nakakumbinsi, kung gaano kailangan ng ating panahon ang parehong malalim na interpretasyon ng mga kontradiksyon sa moral at isang trahedya na pag-unawa sa mga espirituwal na pagsubok ("mga hilig") kung saan dumaraan ang sangkatauhan."

Ang ikalabinlimang symphony ni D. Shostakovich ay binubuo noong tag-araw ng 1971. Pagkatapos ng mahabang pahinga, bumalik ang kompositor sa isang purong instrumental na marka para sa symphony. Ang liwanag na pangkulay ng "laruang scherzo" ng unang paggalaw ay nauugnay sa mga larawan ng pagkabata. Ang tema mula sa "William Tell" na overture ni Rossini ay "angkop" sa musika. Funeral music ng simula ng Part II sa madilim na tunog pangkat ng tanso nagbibigay ng pag-iisip ng pagkawala, ng unang kakila-kilabot na kalungkutan. Ang musika ng Part II ay puno ng nakakatakot na pantasya, na may ilang tampok na nakapagpapaalaala sa mundo ng fairytale ng "The Nutcracker." Sa simula ng Bahagi IV, muling ginamit ni Shostakovich ang panipi. Sa pagkakataong ito, ito ang tema ng kapalaran mula kay Valkyrie, na paunang tinutukoy ang kalunos-lunos na rurok ng karagdagang pag-unlad.

Labinlimang symphony ng Shostakovich ay labinlimang kabanata ng epikong salaysay ng ating panahon. Sumali si Shostakovich sa hanay ng mga aktibong at direktang nagbabago sa mundo. Ang kanyang sandata ay musika na naging pilosopiya, pilosopiya na naging musika.

Ang mga malikhaing adhikain ni Shostakovich ay sumasaklaw sa lahat ng umiiral na mga genre ng musika - mula sa mass song mula sa "The Counter" hanggang sa monumental na oratorio na "Song of the Forests", opera, symphony, at instrumental na konsiyerto. Ang isang makabuluhang seksyon ng kanyang trabaho ay nakatuon sa musika ng silid, na ang isa sa mga opus, "24 Preludes at Fugues" para sa piano, ay sumasakop sa isang espesyal na lugar. Pagkatapos ni Johann Sebastian Bach, ilang tao ang nangahas na hawakan ang isang polyphonic cycle ng ganitong uri at sukat. At hindi ito isang bagay ng pagkakaroon o kawalan ng naaangkop na teknolohiya, isang espesyal na uri ng kasanayan. Ang "24 Preludes and Fugues" ni Shostakovich ay hindi lamang isang katawan ng polyphonic na karunungan ng ika-20 siglo, sila ang pinakamalinaw na tagapagpahiwatig ng lakas at tensyon ng pag-iisip, na tumatagos sa kailaliman ng mga pinaka-kumplikadong phenomena. Ang ganitong uri ng pag-iisip ay katulad ng intelektwal na kapangyarihan ni Kurchatov, Landau, Fermi, at samakatuwid ang mga preludes at fugues ni Shostakovich ay humanga hindi lamang sa mataas na akademya ng pagbubunyag ng mga lihim ng polyphony ni Bach, ngunit higit sa lahat sa pilosopikal na pag-iisip na tunay na tumagos sa "kalaliman ng kalaliman" ng kanyang kontemporaryo, ang mga puwersang nagtutulak, mga kontradiksyon at kalunos-lunos na panahon ng mga dakilang pagbabago.

Sa tabi ng mga symphony, isang malaking lugar sa malikhaing talambuhay ni Shostakovich ay inookupahan ng kanyang labinlimang quartets. Sa ensemble na ito, katamtaman sa mga tuntunin ng bilang ng mga gumaganap, ang kompositor ay lumiliko sa isang pampakay na bilog na malapit sa kanyang pinag-uusapan sa kanyang mga symphony. Ito ay hindi nagkataon na ang ilang quartets ay lumilitaw halos sabay-sabay sa mga symphony, na kanilang orihinal na "mga kasama".

Sa mga symphony, ang kompositor ay tumutugon sa milyun-milyon, na nagpapatuloy sa ganitong kahulugan ng linya ng symphonism ni Beethoven, habang ang mga quartet ay naka-address sa isang mas makitid, silid na bilog. Sa kanya ibinabahagi niya kung ano ang nakaka-excite, nakalulugod, nakaka-depress, kung ano ang pinapangarap niya.

Wala sa mga quartet ang may espesyal na pamagat upang makatulong na maunawaan ang nilalaman nito. Walang iba kundi isang serial number. Gayunpaman, ang kanilang kahulugan ay malinaw sa lahat ng nagmamahal at marunong makinig ng chamber music. Ang unang quartet ay kapareho ng edad ng Fifth Symphony. Sa masayang istraktura nito, malapit sa neoclassicism, na may maalalahanin na sarabande ng unang kilusan, isang Haydnian sparkling finale, isang fluttering waltz at isang soulful na Russian viola chorus, hugot at malinaw, ang isang tao ay maaaring makadama ng paggaling mula sa mabibigat na pag-iisip na nanaig sa bayani ng Fifth Symphony.

Naaalala natin kung gaano kahalaga ang liriko sa mga tula, kanta, at liham noong mga taon ng digmaan, kung paano pinarami ng liriko na init ng ilang taimtim na parirala ang espirituwal na lakas. Ang waltz at romansa ng Ikalawang Quartet, na isinulat noong 1944, ay napuno nito.

Gaano kaiba ang mga larawan ng Third Quartet sa isa't isa. Naglalaman ito ng kawalang-ingat ng kabataan, at masakit na mga pangitain ng "puwersa ng kasamaan", at ang pag-igting sa larangan ng paglaban, at mga liriko na katabi ng pilosopikal na pagmuni-muni. Ang Fifth Quartet (1952), na nauna sa Tenth Symphony, at sa mas malaking lawak ang Eighth Quartet (I960) ay puno ng mga trahedya na pangitain - mga alaala ng mga taon ng digmaan. Sa musika ng mga quartet na ito, tulad ng sa Ikapito at Ikasampung symphony, ang mga puwersa ng liwanag at mga puwersa ng kadiliman ay mahigpit na sinasalungat. Ang pahina ng pamagat ng Eighth Quartet ay mababasa: "Sa pag-alaala sa mga biktima ng pasismo at digmaan." Ang quartet na ito ay isinulat sa loob ng tatlong araw sa Dresden, kung saan nagtungo si Shostakovich sa musika para sa pelikulang Five Days, Five Nights.

Kasama ang mga quartets, na sumasalamin sa " Malaking mundo"sa mga salungatan nito, mga kaganapan, mga banggaan sa buhay, ang Shostakovich ay may mga quartets na parang mga pahina ng isang talaarawan. Sa Una sila ay masayahin; sa Ika-apat ay pinag-uusapan nila ang tungkol sa pagpapalalim sa sarili, pagmumuni-muni, kapayapaan; sa Ikaanim - mga larawan ng pagkakaisa kasama ang kalikasan, ang malalim na kapayapaan ay ipinahayag; sa Ikapito at Ika-labing-isang - nakatuon sa memorya ng mga mahal sa buhay, ang musika ay umabot sa halos pandiwang pagpapahayag, lalo na sa mga trahedya na rurok.

Sa Ika-labing-apat na Quartet, ang mga tampok na katangian ng Russian melos ay lalong kapansin-pansin. Sa Bahagi I, ang mga musikal na imahe ay nakakabighani sa kanilang romantikong paraan ng pagpapahayag ng malawak na hanay ng mga damdamin: mula sa taos-pusong paghanga sa kagandahan ng kalikasan hanggang sa pagsabog ng kaguluhan sa isip, pagbabalik sa kapayapaan at katahimikan ng tanawin. Ang Adagio ng Ika-labing-apat na Quartet ay nagpapaalala sa diwa ng Russian ng viola chorus sa First Quartet. Sa III - ang huling bahagi - ang musika ay binalangkas ng mga ritmo ng sayaw, tunog nang higit pa o hindi gaanong malinaw. Ang pagtatasa sa Ika-labing-apat na Quartet ni Shostakovich, binanggit ni D. B. Kabalevsky ang "simula ng Beethoven" ng mataas na pagiging perpekto nito.

Ang ikalabinlimang quartet ay unang ginanap noong taglagas ng 1974. Ang istraktura nito ay hindi pangkaraniwan; ito ay binubuo ng anim na bahagi, sunod-sunod na walang pagkagambala. Ang lahat ng paggalaw ay nasa mabagal na tempo: Elehiya, Serenade, Intermezzo, Nocturne, Funeral March at Epilogue. Ang ikalabinlimang quartet ay humanga sa lalim ng pilosopiko na pag-iisip, kaya katangian ng Shostakovich sa maraming mga gawa ng genre na ito.

Ang quartet work ni Shostakovich ay kumakatawan sa isa sa mga tuktok ng pag-unlad ng genre sa post-Beethoven period. Tulad ng sa mga symphony, isang mundo ng matataas na ideya, kaisipan, pilosopikal na paglalahat. Ngunit, hindi tulad ng mga symphony, ang mga quartet ay mayroong intonasyon ng tiwala na agad na pumukaw ng emosyonal na tugon mula sa madla. Ang pag-aari na ito ng mga quartets ni Shostakovich ay ginagawa silang katulad ng mga quartets ni Tchaikovsky.

Sa tabi ng mga quartets, nararapat na isa sa mga pinakamataas na lugar sa genre ng kamara ay inookupahan ng Piano Quintet, na isinulat noong 1940, isang akda na pinagsasama ang malalim na intelektwalismo, lalo na makikita sa Prelude at Fugue, at banayad na emosyonalidad, sa isang lugar na nagpapaalala sa Levitan's mga landscape.

Ang kompositor ay bumaling sa chamber vocal music nang mas madalas sa mga taon pagkatapos ng digmaan. Lumilitaw ang anim na romansa batay sa mga salita ni W. Raleigh, R. Burns, W. Shakespeare; vocal cycle "Mula sa Jewish Folk Poetry"; Dalawang romansa batay sa mga tula ni M. Lermontov, Apat na monologo batay sa mga tula ni A. Pushkin, mga kanta at romansa batay sa mga tula ni M. Svetlov, E. Dolmatovsky, ang cycle na "Spanish Songs", Limang satires batay sa mga salita ni Sasha Cherny, Limang humoresque batay sa mga salita mula sa magazine na "Crocodile" ", Suite sa mga tula ni M. Tsvetaeva.

Ang ganitong kasaganaan ng vocal music batay sa mga teksto ng mga klasiko ng tula at mga makatang Sobyet ay nagpapatotoo sa malawak na hanay ng mga interes sa panitikan ng kompositor. Sa vocal music ni Shostakovich, ang isang tao ay tinamaan hindi lamang sa pamamagitan ng kapitaganan ng kahulugan ng istilo at ng sulat-kamay ng makata, kundi pati na rin ng kakayahang muling likhain. pambansang katangian musika. Ito ay lalo na matingkad sa "Spanish Songs", sa cycle na "Mula sa Jewish Folk Poetry", sa mga romansa batay sa mga tula ng mga makatang Ingles. Ang mga tradisyon ng Russian romance lyrics, na nagmumula sa Tchaikovsky, Taneyev, ay naririnig sa Five Romances, "Five Days" batay sa mga tula ni E. Dolmatovsky: "The Day of Meeting", "The Day of Confessions", "The Day of Mga hinanakit", "Ang Araw ng Kagalakan", "Ang Araw ng mga Alaala" .

Ang isang espesyal na lugar ay inookupahan ng "Satires" batay sa mga salita ni Sasha Cherny at "Humoresques" mula sa "Crocodile". Sinasalamin nila ang pagmamahal ni Shostakovich kay Mussorgsky. Lumitaw ito sa kanyang kabataan at unang lumitaw sa kanyang siklo na "Krylov's Fables", pagkatapos ay sa opera na "The Nose", pagkatapos ay sa "Katerina Izmailova" (lalo na sa Act IV ng opera). Tatlong beses na direktang bumaling si Shostakovich kay Mussorgsky, muling nag-orkestra at nag-edit ng "Boris Godunov" at "Khovanshchina" at nag-orkestra ng "Mga Kanta at Sayaw ng Kamatayan" sa unang pagkakataon. At muli ang paghanga kay Mussorgsky ay makikita sa tula para sa soloista, koro at orkestra - "The Execution of Stepan Razin" sa mga taludtod ni Evg. Yevtushenko.

Gaano dapat kalakas at kalalim ang pagkakaugnay kay Mussorgsky, kung, nagtataglay ng gayong maliwanag na sariling katangian, na hindi mapag-aalinlanganan na makikilala ng dalawa o tatlong parirala, si Shostakovich nang mapagpakumbaba, na may gayong pag-ibig - ay hindi ginagaya, hindi, ngunit tinatanggap at binibigyang-kahulugan ang istilo. ng pagsulat sa kanyang sariling paraan dakilang realistang musikero.

Noong unang panahon, hinahangaan ang henyo ni Chopin, na kalalabas lang sa European musical horizon, sumulat si Robert Schumann: "Kung buhay pa si Mozart, susulat sana siya ng Chopin concerto." Upang i-paraphrase si Schumann, masasabi natin: kung nabuhay si Mussorgsky, isinulat niya ang "The Execution of Stepan Razin" ni Shostakovich. Dmitry Shostakovich - isang natitirang master musika sa teatro. Malapit sa kanya iba't ibang genre: opera, ballet, musical comedy, variety show (Music Hall), drama theater. Kasama rin nila ang musika para sa mga pelikula. Pangalanan lamang natin ang ilang mga gawa sa mga genre na ito mula sa higit sa tatlumpung pelikula: "The Golden Mountains", "The Counter", "The Maxim Trilogy", "The Young Guard", "Meeting on the Elbe", "The Fall of Berlin ", "Ang Gadfly", "Limang araw - limang gabi", "Hamlet", "King Lear". Mula sa musika hanggang sa mga dramatikong pagtatanghal: “The Bedbug” ni V. Mayakovsky, “The Shot” ni A. Bezymensky, “Hamlet” at “King Lear” ni V. Shakespeare, “Salute, Spain” ni A. Afinogenov, “The Human Comedy” ni O. Balzac.

Gaano man kaiba ang genre at sukat ng mga gawa ni Shostakovich sa pelikula at teatro, pinagkakaisa sila ng isang bagay: karaniwang tampok- Ang musika ay lumilikha ng sarili nitong, kumbaga, "symphonic series" ng sagisag ng mga ideya at karakter, na nakakaimpluwensya sa kapaligiran ng pelikula o pagganap.

Ang kapalaran ng mga balete ay kapus-palad. Dito ang sisihin ay buo sa mababang scriptwriting. Ngunit ang musika, na pinagkalooban ng matingkad na imahe at katatawanan, na napakatalino sa orkestra, ay napanatili sa anyo ng mga suite at sumasakop sa isang kilalang lugar sa repertoire mga konsiyerto ng symphony. Ang ballet na "The Young Lady and the Hooligan" sa musika ni D. Shostakovich batay sa libretto ni A. Belinsky, na batay sa script ng pelikula ni V. Mayakovsky, ay ginaganap nang may mahusay na tagumpay sa maraming yugto ng mga teatro ng musikal ng Sobyet.

Si Dmitri Shostakovich ay gumawa ng isang mahusay na kontribusyon sa genre ng instrumental concerto. Unang isinulat konsiyerto ng piano sa C minor na may solong trumpeta (1933). Sa pamamagitan ng kabataan, kapilyuhan, at kaakit-akit na angularidad ng kabataan, ang konsiyerto ay nakapagpapaalaala sa Unang Symphony. Makalipas ang labing-apat na taon, isang violin concerto, malalim ang pag-iisip, kahanga-hanga sa saklaw, at virtuosic brilliance, ang lumitaw; na sinundan ng, noong 1957, ang Second Piano Concerto, na nakatuon sa kanyang anak na si Maxim, na dinisenyo para sa pagganap ng mga bata. Ang listahan ng mga literatura ng konsiyerto mula sa panulat ni Shostakovich ay nakumpleto ng cello concertos (1959, 1967) at ang Second Violin Concerto (1967). Ang mga konsiyerto na ito ay hindi gaanong idinisenyo para sa "pagkalasing sa teknikal na kinang." Sa mga tuntunin ng lalim ng pag-iisip at matinding drama, nasa tabi sila ng mga symphony.

Ang listahan ng mga gawa na ibinigay sa sanaysay na ito ay kinabibilangan lamang ng pinakakaraniwang mga gawa sa mga pangunahing genre. Dose-dosenang mga pamagat sa iba't ibang mga seksyon ng pagkamalikhain ang nanatili sa labas ng listahan.

Ang kanyang landas sa mundo kaluwalhatian - ang paraan isa sa pinakadakilang musikero ikadalawampu siglo, matapang na nagtatakda ng mga bagong milestone sa kulturang pangmusika ng mundo. Ang kanyang landas tungo sa katanyagan sa mundo, ang landas ng isa sa mga taong iyon kung saan mabubuhay ay nangangahulugan na maging sa kapal ng mga kaganapan ng lahat para sa kanyang oras, upang malalim na bungkalin ang kahulugan ng kung ano ang nangyayari, upang kumuha ng isang patas na posisyon sa mga hindi pagkakaunawaan, salungatan ng mga opinyon, sa pakikibaka at upang tumugon sa lahat ng mga puwersa ng kanyang napakalaking regalo para sa lahat ng bagay na ipinahayag sa isang mahusay na salita - Buhay.

Si Dmitry Shostakovich (1906 – 1975) ay isang pambihirang kompositor na Ruso, klasiko ng ika-20 siglo. Ang malikhaing pamana ay napakalaki sa dami at pangkalahatan sa saklaw nito sa iba't ibang genre. Si Shostakovich ay ang pinakamalaking symphonist ng ikadalawampu siglo (15 symphony). Ang pagkakaiba-iba at pagka-orihinal ng kanyang mga symphonic na konsepto, ang kanilang mataas na pilosopiko at etikal na nilalaman (4, 5, 7, 8, 13, 14, 15 symphony). Umaasa sa mga tradisyon ng mga klasiko (Bach, Beethoven, Tchaikovsky, Mahler) at matapang na mga makabagong insight.

Gumagana para sa musikal na teatro (opera "The Nose", "Lady Macbeth ng Mtsensk", ballets "Golden Age", "Bright Stream", operetta "Moscow - Cheryomushki"). Musika para sa mga pelikula (“Golden Mountains”, “Counter”, trilogy “Maxim's Youth”, “The Return of Maxim”, “Vyborg Side”, “Meeting on the Elbe”, “Gadfly”, “King Lear”, atbp.) .

Kamara-instrumental at vocal music, kasama "Twenty-four Preludes and Fugues", sonata para sa piano, violin at piano, viola at piano, dalawang piano trios, 15 quartets. Concerto para sa piano, violin, cello at orkestra.

Periodization ng trabaho ni Shostakovich: maaga (bago ang 1925), gitna (bago ang 1960s), huli (huling 10 -15 taon) na mga panahon. Mga kakaibang katangian ng ebolusyon at indibidwal na pagka-orihinal ng istilo ng kompositor: multiplicity ng mga elemento ng constituent na may pinakamataas na intensity ng kanilang synthesis (mga tunog na imahe ng musika ng modernong buhay, Russian folk song, pagsasalita, oratorical at arioso-romantic na intonasyon, mga elemento na hiniram mula sa mga klasikong musika, at ang orihinal na mode intonation structure ng musical speech ng may-akda) . Ang kultural at makasaysayang kahalagahan ng gawain ni D. Shostakovich.