Kapitel „Die Kunst Russlands. Skulptur". Abschnitt „Kunst des 18. Jahrhunderts“. Allgemeine Kunstgeschichte. Band IV. Kunst des 17. und 18. Jahrhunderts. Autor: I.M. Schmidt; unter der allgemeinen Herausgeberschaft von Yu.D. Kolpinsky und E.I. Rotenberg (Moskau, Staatsverlag „Kunst“, 1963)

Im Vergleich zur Architektur verlief die Entwicklung der russischen Bildhauerei im 18. Jahrhundert ungleichmäßiger. Die Errungenschaften der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts waren ungleich bedeutender und vielfältiger. Die relativ schwache Entwicklung der russischen bildenden Kunst in der ersten Hälfte des Jahrhunderts ist vor allem darauf zurückzuführen, dass es hier im Gegensatz zur Architektur keine so bedeutenden Traditionen und Schulen gab. Die Entwicklung der antiken russischen Skulptur, die durch die Verbote der orthodoxen christlichen Kirche eingeschränkt wurde, zeigte Wirkung.

Errungenschaften der russischen bildenden Kunst des frühen 18. Jahrhunderts. fast ausschließlich mit dekorativer Skulptur verbunden. Zuallererst sind die ungewöhnlich reiche Skulpturendekoration der Dubrovitsky-Kirche (1690-1704), des Menschikow-Turms in Moskau (1705-1707) und die Reliefs an den Wänden des Sommerpalastes von Peter I. in St. Petersburg (1714) hervorzuheben beachtet werden. Ausgeführt in den Jahren 1722–1726. Die berühmte Ikonostase der Peter-und-Paul-Kathedrale, die nach dem Entwurf des Architekten I. P. Zarudny von den Schnitzern I. Telegin und T. Ivanov geschaffen wurde, kann im Wesentlichen als Ergebnis der Entwicklung dieser Art von Kunst betrachtet werden. Die riesige geschnitzte Ikonostase der Peter-und-Paul-Kathedrale besticht durch ihre feierliche Pracht, die Virtuosität der Holzverarbeitung sowie den Reichtum und die Vielfalt der dekorativen Motive.

Im gesamten 18. Jahrhundert. Die volkstümliche Holzskulptur entwickelte sich vor allem im Norden Russlands weiterhin erfolgreich. Trotz der Verbote der Synode wurden weiterhin Werke religiöser Skulpturen für russische Kirchen im Norden geschaffen; Zahlreiche Holz- und Steinbildhauer, die große Städte bauten, brachten Traditionen und Traditionen mit kreative Techniken Volkskunst.

Der wichtigste Staat und kulturelle Transformationen, die unter Peter I. stattfand, eröffnete der russischen Bildhauerei Möglichkeiten, sich außerhalb des Rahmens kirchlicher Ordnungen zu entwickeln. Erscheint großes Interesse zu einer runden Staffelei-Skulptur und einer Porträtbüste. Eines der allerersten Werke der neuen russischen Skulptur war die Neptunstatue, die im Peterhof-Park aufgestellt wurde. Es wurde 1715-1716 aus Bronze gegossen und ist noch immer dem russischen Stil nahe Holzskulptur 17.-18. Jahrhundert.

Ohne darauf zu warten, dass sich die Kader seiner russischen Herren allmählich formierten, gab Peter den Auftrag, antike Statuen und Werke im Ausland zu kaufen moderne Skulptur. Insbesondere mit seiner tatkräftigen Mithilfe konnte eine bemerkenswerte Statue erworben werden, die „Venus von Taurid“ (heute in der Eremitage); Für die Paläste und Parks von St. Petersburg, den Sommergarten, wurden verschiedene Statuen und Skulpturenkompositionen bestellt; Ausländische Bildhauer wurden eingeladen.

Der prominenteste von ihnen war Carlo Bartolomeo Rastrelli (1675-1744), der 1716 nach Russland kam und hier bis zu seinem Lebensende blieb. Besonders berühmt ist er als Autor der bemerkenswerten Büste von Peter I., die 1723–1729 ausgeführt und in Bronze gegossen wurde. (Einsiedelei).

Das von Rastrelli geschaffene Bild von Peter I. zeichnet sich durch seine realistische Wiedergabe aus Porträtmerkmale und zugleich außergewöhnliche Feierlichkeit. Peters Gesicht drückt unbezwingbare Willenskraft aus, die Entschlossenheit des Großen Staatsmann. Noch zu Lebzeiten Peters I. entfernte Rastrelli die Maske von seinem Gesicht, was ihm sowohl zur Schaffung einer bekleideten Wachsstatue, der sogenannten „Wachsperson“, als auch für eine Büste diente. Rastrelli war ein typischer westeuropäischer Meister des Spätbarock. Allerdings unter den Bedingungen von Peters Russland größte Entwicklung erhielt die realistischen Aspekte seiner Arbeit. Unter Rastrellis späteren Werken ist die Statue der Kaiserin Anna Ioannowna mit einem kleinen schwarzen Mädchen (1741, Bronze; Leningrad, Russisches Museum) weithin bekannt. Auffallend an diesem Werk ist einerseits die unvoreingenommene Wahrhaftigkeit des Porträtmalers, andererseits die grandiose Pracht der Entscheidung und die Monumentalisierung des Bildes. Überwältigend in ihrer feierlichen Schwere, gekleidet in die kostbarsten Gewänder und Mäntel, wird die Figur der Kaiserin neben der kleinen Figur eines kleinen schwarzen Jungen, dessen Bewegungen mit ihrer Leichtigkeit ihre Schwere und Repräsentativität noch mehr betonen, noch eindrucksvoller und bedrohlicher wahrgenommen.

Rastrellis hohes Talent zeigte sich nicht nur in Porträtarbeiten, aber auch in der monumentalen und dekorativen Skulptur. Er beteiligte sich insbesondere an der Schaffung der dekorativen Skulptur von Peterhof und arbeitete am Reiterdenkmal von Peter I. (1723-1729), das erst im Jahr 1800 vor dem Michailowski-Schloss aufgestellt wurde.

Im Reiterdenkmal Peters I. setzte Rastrelli auf seine Weise zahlreiche Lösungen für Reiterstatuen um, die vom antiken „Markus Aurel“ bis zum typisch barocken Berliner Denkmal des großen Kurfürsten Andreas Schlüter reichen. Die Besonderheit von Rastrellis Lösung zeigt sich im zurückhaltenden und strengen Stil des Denkmals, in der Bedeutung des Bildes von Petrus selbst, das ohne übermäßigen Pomp betont wird, sowie in der hervorragend gefundenen räumlichen Ausrichtung des Denkmals.

Wenn die erste Hälfte des 18. Jahrhunderts. Die zweite Hälfte dieses Jahrhunderts ist geprägt von einer vergleichsweise weniger weit verbreiteten Entwicklung der russischen Bildhauerei und ist die Zeit des Aufstiegs der Bildhauerkunst. Es ist kein Zufall, dass die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts. und das erste Drittel des 19. Jahrhunderts. wird als „goldenes Zeitalter“ der russischen Bildhauerei bezeichnet. Eine brillante Galaxie von Meistern in der Person von Shubin, Kozlovsky, Martos und anderen reiht sich ein größte Vertreter Weltskulptur. Besonders herausragende Erfolge wurden im Bereich der skulpturalen Porträtmalerei, der monumentalen und monumental-dekorativen Skulptur erzielt. Letzteres war untrennbar mit dem Aufstieg der russischen Architektur, des Immobilien- und Städtebaus verbunden.

Die Gründung der St. Petersburger Akademie der Künste spielte eine unschätzbare Rolle bei der Entwicklung der russischen bildenden Künste.

Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts. in der europäischen Kunst - Zeit hohe Entwicklung Porträtkunst. Auf dem Gebiet der Skulptur waren Gudon und F.I. Shubin die größten Meister der psychologischen Porträtbüste.

Fedot Iwanowitsch Schubin (1740–1805) wurde in einer Bauernfamilie in der Nähe von Kholmogory am Ufer des Weißen Meeres geboren. Seine bildhauerischen Fähigkeiten manifestierten sich zunächst in der im Norden weit verbreiteten Knochenschnitzerei Volkshandwerk. Wie sein großer Landsmann M. V. Lomonosov ging Shubin als junger Mann nach St. Petersburg (1759), wo seine Fähigkeiten als Bildhauer die Aufmerksamkeit von Lomonosov auf sich zogen. Im Jahr 1761 gelang es Schubin mit der Unterstützung von Lomonossow und Schuwalow, der Akademie der Künste beizutreten. Nach seiner Fertigstellung (1766) erhielt Shubin das Recht, ins Ausland zu reisen, wo er hauptsächlich in Paris und Rom lebte. In Frankreich traf Shubin J. Pigal und befolgte seinen Rat.

Als Shubin 1773 nach St. Petersburg zurückkehrte, schuf er im selben Jahr eine Gipsbüste von A. M. Golitsyn (die Marmorkopie, die sich in der Tretjakow-Galerie befindet, wurde 1775 angefertigt; siehe Abbildung). Die Büste von A. M. Golitsyn verherrlichte sofort den Namen des jungen Meisters. Im Porträt nachgebildet typisches Bild Vertreter der höchsten Aristokratie der Zeit Katharinas. In dem leichten Lächeln, das über seine Lippen gleitet, in der energischen Drehung seines Kopfes, in dem intelligenten, wenn auch eher kalten Gesichtsausdruck von Golitsyn, kann man die weltliche Raffinesse und gleichzeitig die innere Sättigung eines vom Schicksal verwöhnten Mannes spüren .

Im Jahr 1774 wurde Shubin wegen seiner vollendeten Büste Katharinas II. in die Akademie gewählt. Er wird regelrecht mit Befehlen bombardiert. Einer der meisten fruchtbare Zeiten Kreativität des Meisters.

In den 1770er Jahren bezieht sich auf eines der besten Frauenporträts von Shubin – eine Büste von M. R. Panina (Marmor; Tretjakow-Galerie), das der Büste von A. M. Golitsyn ziemlich nahe kommt: Vor uns liegt auch das Bild eines aristokratisch gebildeten und gleichzeitig müden und abgestumpften Mannes. Allerdings interpretiert Shubin Panina mit etwas größerer Sympathie: Der Ausdruck von etwas gespielter Skepsis, der in Golitsyns Gesicht erkennbar ist, wird in Paninas Porträt durch einen Hauch lyrischer Nachdenklichkeit und sogar Traurigkeit ersetzt.

Shubin verstand es, das Bild einer Person nicht in einem, sondern in mehreren Facetten zu offenbaren, was es ermöglichte, tiefer in das Wesen des Modells einzudringen und die Psychologie der dargestellten Person zu verstehen. Er verstand es, den Gesichtsausdruck einer Person scharf und genau einzufangen, Mimik, Blick, Drehung und Kopfhaltung zu vermitteln. Es ist unmöglich, nicht darauf zu achten, welche unterschiedlichen Gesichtsausdrücke der Meister aus verschiedenen Blickwinkeln offenbart, wie gekonnt er die Gutmütigkeit oder kalte Grausamkeit, die Steifheit oder Einfachheit, den inneren Inhalt oder die selbstzufriedene Leere eines Menschen spüren lässt .

Zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts. war eine Zeit glänzender Siege für die russische Armee und Marine. Mehrere Shubin-Büsten verewigen die bedeutendsten Feldherren seiner Zeit. Die Büste von Z. G. Chernyshev (Marmor, 1774; Tretjakow-Galerie) zeichnet sich durch großen Realismus und unprätentiöse Einfachheit des Bildes aus. Shubin strebte nicht nach einer auffälligen Lösung der Büste und verzichtete auf Vorhänge. Er richtete die gesamte Aufmerksamkeit des Betrachters auf das Gesicht des Helden – mutig offen, mit großen, leicht rauen Gesichtszügen, denen es jedoch nicht an Spiritualität und innerem Adel mangelte. Das Porträt von P. A. Rumyantsev-Zadunaisky (Marmor, 1778; Russisches Museum) wurde anders gestaltet. Zwar greift Shubin hier nicht auf die Idealisierung des Gesichts des Helden zurück. Die Gesamtgestaltung der Büste ist jedoch ungleich beeindruckender: Der stolz erhobene Kopf des Feldmarschalls, sein nach oben gerichteter Blick, das auffällige breite Band und die hervorragend gearbeitete Draperie verleihen dem Porträt Züge feierlicher Pracht.

Nicht umsonst galt Shubin an der Akademie als der erfahrenste Spezialist in der Marmorbearbeitung – seine Technik war erstaunlich frei. „Seine Büsten sind lebendig; der Körper in ihnen ist ein vollkommener Körper...“, schrieb 1826 einer der ersten Russen Kunstkritiker W. I. Grigorowitsch. Shubin wusste, wie man die lebendige Ehrfurcht und Wärme des menschlichen Gesichts perfekt vermittelt, und stellte Accessoires ebenso gekonnt und überzeugend dar: Perücken, leichte oder schwere Kleidungsstoffe, dünne Spitze, weiches Fell, Schmuck und Orden der Dargestellten. Die Hauptsache blieb für ihn jedoch immer menschliche Gesichter, Bilder und Charaktere.

Im Laufe der Jahre liefert Shubin eine tiefere und manchmal strengere psychologische Beschreibung der Bilder, beispielsweise in der Marmorbüste des berühmten Diplomaten A. A. Bezborodko (die meisten Forscher datieren dieses Werk auf das Jahr 1797; Russisches Museum) und insbesondere in der St. Petersburger Polizeichef E. M. Chulkov (Marmor, 1792; Russisches Museum), in dessen Bild Shubin das Unhöfliche intern nachbildete begrenzte Person. Das auffälligste Werk von Shubin in dieser Hinsicht ist die Büste von Paul I. (Marmor im Russischen Museum; Abb., Bronzegüsse im Russischen Museum und in der Tretjakow-Galerie), die Ende der 1790er Jahre geschaffen wurde. Darin grenzt die kühne Wahrhaftigkeit ans Groteske. Die Büste von M. V. Lomonosov wird als von großer menschlicher Wärme durchdrungen wahrgenommen (sie kam in Gips zu uns – das Russische Museum, Marmor – Moskau, Akademie der Wissenschaften und auch in Bronzeguss, der auf das Jahr 1793 datiert ist – Cameron Gallery).

Als hauptsächlich Porträtmaler arbeitete Shubin auch in anderen Bereichen der Bildhauerei und schuf allegorische Statuen sowie monumentale und dekorative Reliefs architektonische Strukturen(hauptsächlich für den Innenbereich) sowie für Landschaftsparks. Am bekanntesten sind seine Statuen und Reliefs für den Marmorpalast in St. Petersburg sowie die Bronzestatue der Pandora, die im Ensemble der Großen Brunnenkaskade in Peterhof (1801) aufgestellt wurde.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Einer der bedeutendsten französischen Meister, den Diderot hoch schätzte, arbeitete in Russland – Etienne Maurice Falconet (1716–1791), der von 1766 bis 17781 in St. Petersburg lebte. Der Zweck von Falconets Besuch in Russland war die Errichtung eines Denkmals für Peter I., an dem er zwölf Jahre lang arbeitete. Das Ergebnis langjähriger Arbeit war eines der berühmtesten Denkmäler der Welt. Wenn Rastrelli in dem oben erwähnten Denkmal für Peter I. seinen Helden als Kaiser darstellte – beeindruckend und mächtig, dann legt Falcone den Schwerpunkt darauf, das Bild von Peter als dem größten Reformator seiner Zeit, einem mutigen und mutigen Staatsmann, wiederherzustellen.

Diese Idee steht im Mittelpunkt von Falcones Plan, der in einem seiner Briefe schrieb: „... Ich werde mich auf die Statue eines Helden beschränken und ihn nicht als großen Kommandanten und Sieger darstellen, obwohl er es natürlich war.“ beide. Die Persönlichkeit des Schöpfers, des Gesetzgebers steht viel höher ...“ Das tiefe Bewusstsein des Bildhauers für die historische Bedeutung Peters I. hat sowohl den Entwurf als auch die gelungene Lösung des Denkmals weitgehend vorbestimmt.

Peter wird im Moment eines schnellen Starts auf einen Felsen dargestellt – einen natürlichen Steinblock, der wie eine riesige Erhebung behauen ist Meereswelle. Er stoppt das Pferd in voller Geschwindigkeit und streckt seine rechte Hand nach vorne aus. Abhängig vom Standpunkt des Denkmals verkörpert Peters ausgestreckte Hand entweder harte Unbeugsamkeit, dann weisen Befehl und schließlich ruhigen Frieden. Bemerkenswerte Integrität und plastische Perfektion erreichte der Bildhauer in der Figur des Reiters und seines mächtigen Pferdes. Beide sind untrennbar zu einem Ganzen verschmolzen, entsprechend einem bestimmten Rhythmus, allgemeine Dynamik Kompositionen. Unter den Füßen eines galoppierenden Pferdes windet sich eine von ihm zertrampelte Schlange und verkörpert die Mächte des Bösen und der Täuschung.

Die Frische und Originalität des Denkmalkonzepts, die Ausdruckskraft und Aussagekraft des Bildes (in der Schöpfung). Porträtbild Peter Falcone wurde von seinem Studenten M.-A. unterstützt. Collo), eine starke organische Verbindung zwischen der Reiterfigur und dem Sockel, die Berücksichtigung der Sichtbarkeit und ein ausgezeichnetes Verständnis der räumlichen Anordnung des Denkmals über ein riesiges Gebiet – all diese Vorteile machen Falcones Schöpfung aus ein wahres Meisterwerk monumentale Skulptur.

Nachdem Falconet Russland verlassen hatte, wurde der Abschluss der Arbeiten (1782) zum Bau des Denkmals für Peter I. von Fjodor Gordejewitsch Gordejew (1744-1810) überwacht.

Im Jahr 1780 schuf Gordeev den Grabstein von N. M. Golitsyna (Marmor; Moskau, Architekturmuseum der Akademie für Bauwesen und Architektur der UdSSR). Dieses kleine Basrelief erwies sich als wegweisendes Werk der russischen Gedenkskulptur – aus dem Gordeev-Relief sowie aus den ersten Grabsteinen von Martos entwickelte sich der Typus der russischen klassischen Gedenkskulptur des späten 18. – frühen 19. Jahrhunderts. (Werke von Kozlovsky, Demut-Malinovsky, Pimenov, Vitali). Gordeevs Grabsteine ​​unterscheiden sich von den Werken von Martos durch ihre geringere Verbindung zu den Prinzipien des Klassizismus, den Prunk und die „Pracht“ der Kompositionen sowie die weniger klare und ausdrucksstarke Anordnung der Figuren. Als monumentaler Bildhauer legte Gordeev sein Hauptaugenmerk auf skulpturale Reliefs, von denen die Reliefs des Ostankino-Palastes in Moskau sowie die Reliefs der Portiken der Kasaner Kathedrale in St. Petersburg die bekanntesten sind. Daran hielt Gordeev deutlich fest größere Strenge Stil als bei Grabsteinen.

Das Werk von Michail Iwanowitsch Koslowski (1753–1802) erscheint uns als hell und vollblütig, der wie Shubin und Martos (Das Werk von I.P. Martos wird im fünften Band dieser Veröffentlichung besprochen) ein bemerkenswerter Meister der russischen Sprache ist Skulptur.

In Kozlovskys Werk sind zwei Linien deutlich zu erkennen: Einerseits sind es seine Werke wie „Der Hirte mit dem Hasen“ (bekannt als „Apollo“, 1789; Russisches Museum und Tretjakow-Galerie), „Schlafender Amor“ ( Marmor, 1792; Russisches Museum), „Amor mit Pfeil“ (Marmor, 1797; Tretjakow-Galerie). Sie demonstrieren die Eleganz und Raffinesse der plastischen Form. Eine weitere Linie sind Werke heroisch-dramatischer Natur („Polykrates“, Gips, 1790, Abb. und andere).

Ganz am Ende des 18. Jahrhunderts, als große Arbeiten zum Wiederaufbau des Peterhof-Brunnen-Ensembles und zum Ersatz heruntergekommener Bleistatuen durch neue begannen, wurde M. I. Kozlovsky der verantwortungsvollste und ehrenvollste Auftrag übertragen: die zentrale Skulpturenkomposition zu formen der Großen Kaskade in Peterhof - die Figur des Samson, der sich das Maul des Löwen zerreißt

Die in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts errichtete Samsonstatue war direkt den Siegen Peters I. über die schwedischen Truppen gewidmet. Das neu aufgeführte „Samson“ von Kozlovsky, das im Prinzip die alte Komposition wiederholt, wird auf eine erhabenere heroische und bildlich bedeutsame Weise gelöst. Samsons titanischer Körperbau, die starke räumliche Umkehrung seiner Figur, die aus verschiedenen Blickwinkeln betrachtet werden soll, die Intensität des Kampfes und zugleich die Klarheit seines Ausgangs – all das vermittelte Kozlovsky mit wahrer Meisterschaft kompositorischer Lösungen . Die temperamentvolle, außerordentlich energische Bildhauerkunst des Meisters hätte für dieses Werk nicht besser geeignet sein können.

„Samson“ von Kozlovsky ist eines der bemerkenswertesten Werke der monumentalen und dekorativen Parkskulptur. Bis zu einer Höhe von zwanzig Metern ergoss sich ein Wasserstrahl, der aus dem Maul des Löwen strömte, entweder zur Seite getragen oder in tausenden Spritzern auf die vergoldete Oberfläche der Bronzefigur zerbrach. „Samson“ erregte schon von weitem die Aufmerksamkeit der Zuschauer, da er ein wichtiges Wahrzeichen und zentraler Punkt in der Komposition der Großen Kaskade war (dieses wertvollste Denkmal wurde von den Nazis während des Großen Vaterländischen Krieges 1941-1945 weggenommen). Nach dem Krieg „Samson“ wurde aus erhaltenen Fotografien und Dokumentationsmaterialien des Leningrader Bildhauers V. Simonov nachgebildet.

„Herkules zu Pferd“ (Bronze, 1799; Russisches Museum) sollte als das Werk angesehen werden, das der Errichtung des Denkmals für A. V. Suworow unmittelbar vorausging. Im Bild des Herkules – eines nackten jungen Reiters, unter dessen Füßen Felsen, ein Bach und eine Schlange abgebildet sind (ein Symbol des besiegten Feindes) – verkörperte Kozlovsky die Idee von A. V. Suvorovs unsterblichem Übergang die Alpen.

Kozlovskys herausragendste Schöpfung war das Denkmal für den großen russischen Feldherrn A. V. Suworow in St. Petersburg (1799–1801). Bei der Arbeit an diesem Denkmal wollte der Bildhauer keine Porträtstatue, sondern ein verallgemeinertes Bild des weltberühmten Kommandanten schaffen. Ursprünglich hatte Kozlovsky vor, Suworow als Mars oder Herkules darzustellen. In der endgültigen Entscheidung sehen wir jedoch immer noch keinen Gott oder antiken Helden. Voller Bewegung und Energie stürmt die schnelle und leichte Gestalt eines Kriegers in Rüstung mit der unbezwingbaren Geschwindigkeit und Furchtlosigkeit vorwärts, die die Heldentaten und Heldentaten der von Suworow angeführten russischen Armeen auszeichnete. Dem Bildhauer gelang es, ein inspiriertes Denkmal für den unvergänglichen militärischen Ruhm des russischen Volkes zu schaffen.

Wie fast alle Werke Kozlovskys zeichnet sich auch die Suworow-Statue durch ihre hervorragend gelungene Raumstruktur aus. Um den Kommandanten besser zu charakterisieren, verlieh Kozlovsky seiner Figur sowohl Gelassenheit als auch Dynamik; Die gemessene Kraft des Schrittes des Helden verbindet sich mit dem Mut und der Entschlossenheit des Schwungs seiner rechten Hand, die das Schwert hält. Gleichzeitig weist die Figur des Kommandanten nicht die für die Bildhauerei des 18. Jahrhunderts charakteristischen Merkmale auf. Anmut und Leichtigkeit der Bewegung. Die Statue ist wunderschön auf einem hohen Granitsockel in Form eines Zylinders montiert. Die bronzene Flachreliefkomposition, die die Genies von Glory und Peace mit den entsprechenden Attributen darstellt, wurde vom Bildhauer F. G. Gordeev angefertigt. Ursprünglich wurde das Denkmal für A.V. Suworow in den Tiefen des Champ de Mars, näher am Schloss Michailowski, errichtet. 1818-1819 Das Suworow-Denkmal wurde verlegt und in der Nähe des Marmorpalastes aufgestellt.

Kozlovsky arbeitete auch auf dem Gebiet der Gedenkskulptur (Grabsteine ​​von P. I. Melissino, Bronze, 1800 und S. A. Stroganova, Marmor, 1801-1802).

Ende des 18. Jahrhunderts. eine Reihe bedeutender Bildhauer entstehen schnell, kreative Tätigkeit die auch fast das gesamte erste Drittel des 19. Jahrhunderts andauerte. Zu diesen Meistern zählen F. F. Shchedrin und I. P. Prokofjew.

Feodosia Fedorovich Shchedrin (1751-1825), Bruder des Malers Semyon Shchedrin und Vater des berühmten Landschaftsmalers Sylvester Shchedrin, wurde 1764 gleichzeitig mit Kozlovsky und Martos in die Akademie aufgenommen. Mit ihnen wurde er nach Abschluss seines Studiums nach Italien und Frankreich geschickt (1773).

Zur Nummer frühe Werke F. Shchedrin umfasst kleine Figuren „Marsyas“ (1776) und „Schlafender Endymion“ (1779), die von ihm in Paris ausgeführt wurden (die im Russischen Museum und in der Tretjakow-Galerie erhältlichen Bronzegüsse wurden zu Beginn des 20. Jahrhunderts auf der Grundlage dieser Statuen angefertigt die erhaltenen authentischen Modelle von F. Shchedrin). Sowohl inhaltlich als auch in der Art der Ausführung handelt es sich um völlig unterschiedliche Werke. Die Figur der Marcia, die ruhelos im Todeskampf liegt, wird mit großer Dramatik dargestellt. Die extreme Anspannung des Körpers, die hervortretenden Muskelberge und die Dynamik der gesamten Komposition vermitteln das Thema des menschlichen Leidens und seines leidenschaftlichen Befreiungsdrangs. Im Gegenteil, die in Schlaf versunkene Figur des Endymion strahlt idyllische Ruhe und Gelassenheit aus. Der Körper des jungen Mannes ist relativ allgemein geformt, mit wenigen Licht- und Schattendetails, die Umrisse der Figur sind glatt und melodisch. Die Entwicklung des Schaffens von F. Shchedrin insgesamt fiel völlig mit der Entwicklung der gesamten russischen Skulptur in der zweiten Hälfte des 18. – frühen 19. Jahrhunderts zusammen. Dies lässt sich am Beispiel solcher Werke des Meisters wie der Statue „Venus“ (1792; Russisches Museum), der allegorischen Figur „Newa“ für die Peterhof-Brunnen (Bronze, 1804) und schließlich den monumentalen Karyatidengruppen erkennen für die Admiralität in St. Petersburg (1812). Wenn das erste der genannten Werke von Shchedrin, sein Marmorstatue Venus, sowohl in Bezug auf die exquisite Anmut der Bewegungen als auch in Bezug auf die Raffinesse des Bildes – ein typisches Werk eines Bildhauers aus dem 18. Jahrhundert, dann in einem späteren Werk, das zu Beginn des 19. Jahrhunderts entstand – in der Statue der Newa – wir Ich sehe zweifellos eine größere Einfachheit in der Lösung und Interpretation des Bildes, Klarheit und Strenge in der Modellierung der Figur und in ihren Proportionen.

Ein interessanter und einzigartiger Meister war Iwan Prokofjewitsch Prokofjew (1758-1828). Nach seinem Abschluss an der Akademie der Künste (1778) wurde I. P. Prokofjew nach Paris geschickt, wo er bis 1784 lebte. Für seine an der Pariser Akademie der Künste eingereichten Arbeiten erhielt er insbesondere mehrere Auszeichnungen Goldmedaille für das Relief „Die Auferstehung der auf die Knochen des Propheten Elisa geworfenen Toten“ (1783). Ein Jahr zuvor, 1782, schuf Prokofjew die Statue „Morpheus“ (Terrakotta; Russisches Museum). Prokofjew gibt die Figur des Morpheus in kleinem Maßstab wieder. In diesem frühen Werk des Bildhauers kommen seine realistischen Bestrebungen und sein einfacher, nicht so raffinierter Stil (im Vergleich zum Beispiel zum frühen Kozlovsky) deutlich zum Ausdruck. Man hat das Gefühl, dass Prokofjew in „Morpheus“ mehr nach einer Nachbildung suchte echtes Bild eher eine schlafende Person als ein mythologisches Bild.

Im Jahr seiner Rückkehr nach St. Petersburg führte I. P. Prokofjew in kürzester Zeit eines seiner besten Werke in runder Skulptur auf – die Komposition „Actaeon“ (Bronze, 1784; Russisches Museum und Tretjakow-Galerie). Die Figur eines schnell rennenden jungen Mannes, der von Hunden verfolgt wird, hat der Bildhauer mit hervorragender Dynamik und außergewöhnlicher Leichtigkeit der räumlichen Gestaltung ausgeführt.

Prokofjew war ein ausgezeichneter Meister des Zeichnens und der Komposition. Und es ist kein Zufall, dass er dem skulpturalen Relief so viel Aufmerksamkeit schenkte – in diesem Bereich der Kreativität kommt dem kompositorischen und zeichnerischen Wissen eine besondere Bedeutung zu. 1785 - 1786 Prokofjew schafft eine umfangreiche Serie von Reliefs (Gips), die für das Haupttreppenhaus der Akademie der Künste bestimmt sind. Prokofjews Reliefs für den Bau der Akademie der Künste sind ein ganzes System thematischer Werke, in denen Ideen umgesetzt werden pädagogischen Wert„Wissenschaften und bildende Kunst“. Dies sind die allegorischen Kompositionen „Malerei und Skulptur“, „Zeichnung“, „Kithared und die drei edelsten Künste“, „Mercy“ und andere. Aufgrund ihrer Ausführung handelt es sich um typische Werke des frühen russischen Klassizismus. Der Wunsch nach ruhiger Klarheit und Harmonie verbindet sich in ihnen mit einer sanften, lyrischen Bildinterpretation. Die Verherrlichung des Menschen hat noch nicht den gleichen gesellschaftlichen und zivilen Pathos und die gleiche Strenge erreicht wie damals reifer Klassizismus erstes Drittel des 19. Jahrhunderts.

Bei der Gestaltung seiner Reliefs berücksichtigte der Bildhauer subtil die Besonderheiten ihres Standorts, unterschiedliche Formate und Sichtverhältnisse. In der Regel bevorzugte Prokofjew das Flachrelief, aber in Fällen, in denen es darum ging, eine monumentale Komposition mit deutlichem Abstand zum Betrachter zu schaffen, nutzte er mutig die Hochrelief-Darstellungsmethode und verstärkte die Licht- und Schattenkontraste deutlich. Dies ist sein kolossales Relief „Kupferschlange“, das über dem Durchgang der Kolonnade der Kasaner Kathedrale angebracht ist (Pudozh-Stein, 1806-1807).

Zusammen mit den führenden Meistern der russischen Bildhauerei des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts. Prokofjew beteiligte sich an der Schaffung von Werken für das Peterhof-Brunnenensemble (Statuen von Alcides, Wolchow, einer Gruppe von Tritonen). Er wandte sich auch der Porträtskulptur zu; insbesondere besitzt er zwei nicht unbedeutende Terrakottabüsten von A.F. und A.E. Labzin (Russisches Museum). Beide wurden zu Beginn des 19. Jahrhunderts ausgeführt und stehen in ihrer Tradition immer noch näher an den Werken Shubins als an den Porträts des russischen Klassizismus des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts.

Nach den 1720er und 1730er Jahren war „die Zeit Palastputsche„Und die Ära des „Bironowismus“ beginnt, ein neuer Aufstieg des nationalen Selbstbewusstseins, verstärkt durch den Kampf gegen die Fremdherrschaft. Die Thronbesteigung von Elizaveta Petrovna, der Tochter von Peter I., wurde von der russischen Gesellschaft als Beginn der Wiederbelebung Russlands und als Fortsetzung von Peters Traditionen wahrgenommen. Unter ihr wurden die Moskauer Universität und die Akademie der drei bedeutendsten Künste gegründet, die später eine große Rolle bei der Ausbildung von Hauspersonal im Bereich Wissenschaft und Kunst spielen sollten.

Einer der ersten Professoren der neu eröffneten Akademie der Künste war Französischer Bildhauer Nicolas François Gillet – ein Vertreter des Spätbarock, der den Schülern professionelle Meisterschaft beibrachte verschiedene Arten Bildende Kunst, Lehrer vieler später berühmter Meister.

Andreas Schlüter (1660/1665-1714)

Conrad Osner (1669-1747)

Bartolomeo Carlo Rastrelli (1675-1744)

Der bedeutendste Meister der russischen Bildhauerei des Ersten Hälfte des XVIII Jahrhundert gab es einen gebürtigen Italiener, Graf Bartolomeo Carlo Rastrelli. Ohne in Italien und Frankreich etwas Bedeutendes getan zu haben, kam er 1716 nach St. Petersburg, wo er begann, große Taten zu vollbringen staatliche Anordnungen zuerst für Peter I., dann für Anna Ioannovna und Elizaveta Petrovna.

Der Bildhauer arbeitete bis zu seinem Tod in Russland und schuf eine Reihe herausragender Werke der Monumental-, Dekorations- und Staffeleiskulptur.

Mit Beginn des 18. Jahrhunderts begann sich Russland dramatisch zu verändern. Die Reformen Kaiser Peters betrafen alle Lebensbereiche, auch die Kunst. Der Bau der neuen Hauptstadt, Parks und Anwesen erforderte neue Fähigkeiten von Bauherren und Architekten. Alle Veränderungen fanden auf dem Höhepunkt der Popularität des Barockstils in Europa statt. Die noch immer auf die Kirche ausgerichteten Traditionen der russischen Bildhauerei erwiesen sich unter den neuen Bedingungen als unbeansprucht. Daher wurden die wichtigsten Meisterwerke Russlands in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts von Ausländern geschaffen. Man kann nur Ivan Zarudny nennen, der den Altar der Peter-und-Paul-Kathedrale in St. Petersburg geschaffen hat. Sein Beitrag ist jedoch in der Architektur stärker spürbar als in der Skulptur.

Der unbestreitbare Vorrang in der russischen Plastikkunst der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts gehört Carlo Rastrelli. Unter seinen Werken kann man besonders das skulpturale Porträt von Peter dem Großen hervorheben. Der Autor ist ungewöhnlich genau darin, Porträtähnlichkeiten wiederzugeben und akribisch in Details. Sein Porträt erwies sich als eines der realistischsten Bilder des ersten russischen Kaisers. Der Zuschauer erhält ein umfassendes Bild von Peters Charakter, seiner inneren Energie und Entschlossenheit.

Das zeremonielle Denkmal für Peter, das in der Nähe des Michailowski-Schloss in St. Petersburg errichtet wurde, wurde in Übereinstimmung mit den europäischen Traditionen königlicher Reiterstatuen geschaffen. Die majestätische Landung, stilisierte Kleidung, antike Sandalen – alles in diesem Werk ist darauf ausgelegt, den göttlichen Ursprung der Macht des Herrschers, seine Verbindung zu betonen alte Geschichte Befugnisse. Vor dem Betrachter steht nicht das Bild eines gewöhnlichen lebenden Menschen, sondern eines Herrschers, ideal, mächtig und gerecht.

Das skulpturale Marmorporträt von Alexander Menschikow kann zweifellos als Erfolg des Autors bezeichnet werden. Der Staatsmann und treue Begleiter des Kaisers ist etwas idealisiert. Aber Rastrelli schaffte es, die Liebe seines Helden zum Luxus anzudeuten. Man muss nur auf die Fülle an Auszeichnungen und die sorgfältig gefertigte Perücke des Helden achten.

Skulpturale Komposition„Anna Ioannowna mit einem kleinen Araber“, das einen der Säle schmückt, ist ein Beispiel für prächtige barocke Skulpturen, üppig und emotional.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts wurden einige Anpassungen an den ästhetischen Vorstellungen vorgenommen, darunter tauchten auch russische Namen auf berühmte Künstler. Zu diesem Zeitpunkt veröffentlichte die Kaiserliche Akademie der Künste solche berühmte Meister wie Shubin, Shchedrin, Gordeev, Martos, Kozlovsky. Allerdings dominieren weiterhin Ausländer.

Shubins skulpturale Porträts zeichnen sich durch Realismus, Temperament und besondere Plastizität aus. Porträts von Golizyn, Lomonossow, Orlow und Paul dem Ersten sind Meisterwerke nicht nur der russischen, sondern auch der Weltskulptur.

Das Ende des 18. Jahrhunderts brachte es mit sich neuer Stil in der Kunst - Klassizismus. Die Bildhauer Koslowski (Polykrates, Jakow Dolgoruki, Wolchow und Newa usw.), Schtschedrin (Venus, Diana) sowie Prokofjew (Morpheus, Aktäon der Verfolgte) arbeiteten an der neuen Ästhetik. Die neue Ästhetik verlangte von den Künstlern eine Verherrlichung der Vernunft und bürgerlicher Tugenden. Emotionalität und Dekorativität des Barock waren nicht mehr gefragt.

E. Falcone. Peter I

Im Gegensatz zu anderen Kunstarten hatte die Bildhauerei in Russland keine so lange und starke Tradition. Von den ersten Schritten an kombiniert die Bildhauerei Porträtmalerei, monumentale Statue, dekorative Flachreliefs und Medaillonarbeiten. Damals wurden hauptsächlich Wachs- und Bronzeguss verwendet, seltener weißer Stein und Marmor. Stuckarbeiten und Holzschnitzereien aus Alabaster verbreiteten sich. Eine große Rolle bei der Entwicklung der russischen Bildhauerkunst spielten die Reisen der Menschen ins Ausland. Sie trafen sich antike Skulptur und brachten es sogar mit nach Russland. Die Verwendung von Skulpturen zu dekorativen Zwecken begann bereits seit der Zeit Peters des Großen; insbesondere wurden Triumphgebäude, Fassaden des Sommerpalastes usw. mit Flachreliefs verziert.

In der 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts kam es zu einem bemerkenswerten Aufschwung der russischen Bildhauerei. Die brillanten Meister dieser Zeit – F. Shubin, F. Gordeev, I. Prokofjew, F. Shchedrin, I. Martos – stehen den ausländischen Bildhauern ihrer Zeit in nichts nach und übertreffen sie in mancher Hinsicht. Obwohl jeder russische Meister auf seine Weise individuell ist, basieren sie alle auf gemeinsamen kreativen Prinzipien. Dies erklärt sich aus der Tatsache, dass alle Bildhauer die St. Petersburger Akademie der Künste absolvierten und bei dem hervorragenden Lehrer, dem Franzosen Nicolas Gillet, studierten. Auch der Klassizismus spielte eine große Rolle, was eine eingehende Auseinandersetzung mit antiken Denkmälern erforderte. Geschichten im Zusammenhang mit antike Mythologie, biblische Legenden, historische Ereignisse. Es wird wichtig, den hohen Ideen der Staatsbürgerschaft und des Patriotismus zu folgen. Unter dem Einfluss der Antike verherrlichen Bildhauer die heroische, männliche Schönheit des Nackten menschlicher Körper, häufiger männlich, seltener weiblich.

BARTOLOMEO - CARLO RASTELLI (1675 - 1744)

Er war der Beste bedeutender Bildhauer dieser Zeit. Rastrelli kam 1716 nach Russland und arbeitete hier bis zu seinem Lebensende. Rastrelli schuf eine prächtige Skulptur von Peter I.

Porträt von Peter I. (1723 -1729)

In der komplexen Drehung des Kopfes, im kühnen Anheben des Mantels vermittelte der Bildhauer die Ungestümheit und Emotionalität von Peters Charakter, die Bedeutung und Beeindruckung seiner Persönlichkeit. Dies hinterließ Spuren sowohl im Barock- als auch im Klassizismus-Stil, was sich zwangsläufig auf Rastrellis Werk auswirkte. Hier verschmelzen die Pracht der Erscheinung des Königs und die Unbeugsamkeit des Charakters des Staatsmannes.

B.-K. Rastrelli. Porträt von Anna Ioannovna mit einem kleinen schwarzen Arap

Kaiserin Anna Ioannowna wird in einem prächtigen Krönungskleid erscheinen, begleitet von einem kleinen Schwarzen, der ihr den Reichsapfel überreicht. Vor uns liegt keine Statue, sondern eine ganze Gruppe, bei der jede Figur einen eigenen Sockel hat. Die Skulptur ist für eine Rundumbetrachtung konzipiert. Rastrelli hat die Skulptur im Barockstil ausgeführt, daher gibt es hier ein Oppositionsprinzip: sehr große Anna Ioannovna und die kleine Arapochka, eine sehr statische, majestätische Kaiserin und ein lebhafter, aktiver Junge, der Kontrast der glänzenden Oberfläche von Gesicht, Schultern, Händen und der matt schimmernden, fleckigen Oberfläche Edelsteine und Nähen der Oberfläche des Kleides der Kaiserin. Groß und korpulent, mit einem Gesicht, wie Zeitgenossen sagten, „eher männlich als weiblich“, macht Anna Ioannowna einen starken, fast beängstigenden Eindruck. Dies ist jedoch nicht die Wirkung von Entblößung, sondern eine deutliche Erhebung in den Rang von Pracht und Majestät.

FEDOT IWANOWITSCH SCHUBIN (1740 - 1805)

Er stammt aus demselben Fischerdorf wie Lomonossow. Er studierte an der Akademie der Künste, sein Hauptlehrer war der Bildhauer Nicola Gillet. Er verbesserte seine Lehrtätigkeit im Ausland, in Frankreich und Italien, und studierte antike Denkmäler. Shubin schuf viele wundervolle skulpturale Bilder im Stil des Klassizismus und versuchte, sie im Menschen zu offenbaren verschiedene Gesichter seine Persönlichkeit, die versucht, äußerst objektiv, feinfühlig und herablassend zu sein. Manchmal gelang es ihm jedoch, die Besonderheiten des Modells abzuschwächen und zu veredeln.

Porträt von I. S. Baryshnikov

Dies ist ein hochrangiger Beamter – ein Geheimrat. Der Bildhauer betonte auf Baryshnikovs schlankem Gesicht einen arroganten, aber intelligenten Ausdruck und eine herrschaftliche Haltung. Man hat das Gefühl, dass dieser Mann seinen Wert kennt, weiß wie und bestrebt ist, die Aristokratie seines Aussehens hervorzuheben.

Katharina II. ist Gesetzgeberin. Marmor. 1789

Porträt von M. V. Lomonossow. Marmor. bis 1793

Porträt der Kaiserin Katharina II

E. Falcone. Peter I. („Der eherne Reiter“)

ÉTIENNE FALCONET (1716 - 1791)

E. M. Falcone steht in direktem Zusammenhang mit der Blüte der russischen Monumentalskulptur. In Frankreich galt er als Meister der Staffelei- und Kammerbildhauerei. Bereits im mittleren Alter wurde Falconet 1765 nach Russland eingeladen, um einen kaiserlichen Auftrag zu erfüllen – ein Denkmal für Peter I. Hier vollendete er in der Atmosphäre des aufkommenden russischen Klassizismus dieses monumentale Werk. Das berühmte Denkmal für Peter I Senatsplatz in St. Petersburg gilt zu Recht als die Idee der russischen Kultur.

Dies ist ein heroisches Bild, in dem die unbezwingbare, alles zerstörerische Energie und die Zielstrebigkeit des Willens im Vordergrund stehen. Ein mächtiges Pferd springt schnell auf einen riesigen Felsen und erstarrt mit hoch erhobenen Vorderbeinen. Peter streckt gebieterisch seine Hand nach vorne aus, als wolle er seinen Willen bekräftigen und das neue Russland bekräftigen, das er verwandelt hat. Peters Gesichtszüge betonen unzerstörbare Energie, inneres Feuer. Der wunderschön mit Haarringen umrahmte Kopf ist mit Lorbeerkränzen gekrönt. Die Gestalt des Kaisers ist sehr majestätisch. Er trägt lockere Kleidung, über die ein Umhang geworfen ist, der in großen, schönen Falten auf die Kruppe des Pferdes fällt.

Ein wichtiges Symbol ist hier die Schlange, die von einem Pferd mit Füßen getreten wird. Die Schlange gilt bei den europäischen Völkern seit langem als Verkörperung des Bösen und der Täuschung. Falcone drückte die Idee von neidischen Menschen, heimtückischen Verrätern, Feinden von allem Neuen aus, die Peter in seinen transformativen Aktivitäten störten.

Inschrift auf der Statue von Peter dem Großen.

Dieses Bild stellt einen weisen Helden dar, der sich um seiner Untertanen willen des Friedens beraubte,
Letzterer nahm den Rang an und diente als König, er selbst setzte seine Gesetze durch sein Beispiel fest,
Geboren zum Zepter, die Hände zur Arbeit ausgestreckt, verbarg der Monarch seine Macht, damit uns die Wissenschaft offenbart werden konnte.
Als er die Stadt baute, in Kriegen schwere Arbeit erduldete, in fernen Ländern war und über die Meere wanderte,
Er sammelte und trainierte Soldaten, in- und ausländische Gegner;
Und mit einem Wort: Siehe, da ist Petrus, der Vater des Vaterlandes; irdische Gottheit, Russland ehrt,
Und so viele Altäre brennen vor dieser Vision, da viele Herzen ihr verpflichtet sind.

Michail Lomonossow.1743 - 1747

M. Kozlovsky. Denkmal für A. V. Suworow in St. Petersburg. (1799 - 1801)

Michail Iwanowitsch Kozlowski (1753 - 1802)

Als sehr begabter Bildhauer absolvierte er wie Shubin die Akademie der Künste und besuchte Italien und Frankreich. Er schuf viele Skulpturenwerke verschiedener Genres. Er arbeitete im Genre des Klassizismus. Liebte es zu porträtieren antike Helden Sie modelliert fast nie weibliche Models.

Am meisten schätzt er die maskuline und jugendliche Natur. Gestreckte Proportionen eines zierlichen Körpers, Muskelrelief, matte Marmoroberfläche; anmutiger Gang der Figur, vorzüglich gesenkte Köpfe; Dicke Locken überschatten offene und kühne Gesichter.

Aber es gibt auch andere Werke: Kriegerhelden, die Verkörperung reifer Menschen männliche Schönheit; Ajax, immer noch nicht abgekühlt von der Schlacht, mit dem leblosen Körper des Patroklos; Herkules, leicht zu Pferd fliegend; Simson zerreißt dem Löwen das Maul.

Das Suworow-Denkmal wurde am Ende von Kozlovskys Leben errichtet. In diesem Denkmal vermittelt der Bildhauer ein verallgemeinertes Bild aller antiken Helden und verleiht dem Kommandanten eine gewisse Porträtähnlichkeit. Das Denkmal spiegelt weniger die Persönlichkeit des berühmten Kommandanten als vielmehr die Idee des militärischen Triumphs Russlands wider.
Suworows mutige Anmut verkörpert anschaulich das Verständnis des schönen 18. Jahrhunderts. Die Figur ist in einer anmutigen, fast tanzenden Position auf eine niedrige Plattform eines schlanken zylindrischen Sockels gehoben.

Suworow wird als Verteidiger der Gerechtigkeit dargestellt. Er steht mit einem nackten Schwert in der rechten Hand und bedeckt mit der linken Hand mit einem Schild den heiligen Altar mit den Emblemen der Staaten, zu deren Rettung die russische Armee 1799 nach Europa stürmte. Der Held trägt eine Rüstung mit Elementen antiker römischer und ritterlicher Waffen, sein Gesicht hat nur eine vage Ähnlichkeit mit dem Original, was ihn jedoch nicht daran hindert, im Bild eines Kommandanten die Züge eines nationalen Militärgenies wahrzunehmen.

Das Wichtigste, was an der Statue ins Auge fällt, ist der klare, kraftvolle Schritt nach vorne und der unwiderstehliche Schwung des Schwertes. Der schnelle Angriff, der in der Gestalt des Helden zum Leben erweckt wird, erinnert an Suworows glorreichen Spitznamen: „General Forward!“

A. M. Opekushin. Denkmal für A.S. Puschkin in Moskau

Alexander Michailowitsch Opekushin

(1838 - 1923)

Als Bildhauer erhielt er seine Ausbildung bei Professor Jensen und studierte anschließend an der Akademie der Künste, die ihm 1874 den Titel eines Akademikers verlieh.

Von seinen Werken sind einige Werke am bekanntesten, das berühmteste ist das Denkmal für A.S. Puschkin in Moskau.

Liegt am Puschkin-Platz in der Hauptstadt. Schon von weitem ist die Figur des Dichters auf einem hohen Sockel zu erkennen, an dessen vier Seiten Laternen angebracht sind, deren Form an Puschkins Zeit erinnert. Bei näherer Betrachtung erscheint der Dichter völlig lebendig. Er steht ruhig da, tief in Gedanken versunken. Mit leicht gesenktem Kopf scheint er die vorbeigehenden Menschen anzusehen, wodurch das Bild von Puschkin Wärme und Aufrichtigkeit erhält.

Vor uns steht ein Dichter-Denker, ein Dichter-Lyriker. Natürliche Einfachheit, lyrische Sanftheit und sogar Hinweise auf Intimität, die dem Bild des Dichters innewohnen, mindern nicht seine Bedeutung, die in einem Denkmal notwendig ist.

Die Gesichtszüge des Dichters sind so detailliert und gleichzeitig verallgemeinert herausgearbeitet, dass sie aus der Ferne deutlich sichtbar sind. Die Kleidung erzeugt gekonnt ein ausdrucksstarkes Volumen – der Umhang fällt von den Schultern und bedeckt den Rücken mit weichen, schweren Falten von ungleichmäßiger Länge, die die Form zusammenfassen und der Silhouette Malerische und Schönheit verleihen.

A. S. Puschkin

Millennium of Russia (Fragment)

Peter I

IN alte Rus' Skulpturen fanden im Gegensatz zur Malerei relativ wenig Verwendung, hauptsächlich als Dekoration architektonischer Strukturen. Im 18. Jahrhundert wurden die Aktivitäten der Bildhauer unermesslich vielseitiger und brachten die neuen, säkularen Ideale der Gesellschaft frei zum Ausdruck. Zunächst beginnt sich die monumentale dekorative Plastikkunst zu entwickeln, die eng mit der Architektur verbunden ist und alte Traditionen fortsetzt. Die Besonderheiten der dekorativen Plastizität kamen am deutlichsten in den Dekorationen des Peterhof-Palastes zum Ausdruck. Die ersten monumentalen Denkmäler entstanden in der Zeit Peters des Großen.

Tatsächlich war B. Rastrelli der erste Meister der Bildhauerei in Russland. Er und sein Sohn kamen 1746 auf Einladung von Peter I. aus Frankreich und fanden in Russland ihre neue Heimat, wo sie große Möglichkeiten zur Kreativität erhielten. Das Beste, was er gemacht hat, war ein skulpturales Porträt von Peter I. und eine Statue der Kaiserin Anna Ioannowna als kleine Schwarze. Die Bronzebüste von Petrus verewigte das Gesicht des grimmigen Reformators. In der unbezwingbaren Erscheinung steckt eine enorme Sprengkraft. Spektakulär ist auch die Anna-Statue auf barocke Art, ihre Erscheinung ist ebenfalls erschreckend, aber erschreckend auf eine andere Art: ein elegantes, mehrschweres Idol mit abstoßendem Gesicht Alte, das sich wichtig bewegt, ohne etwas um sich herum zu sehen. Ein seltenes Beispiel eines freizügigen Zeremonienporträts.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts erlangte die Bildhauerei große Erfolge. Alle Typen und Genres entwickeln sich. Russische Bildhauer schaffen monumentale Denkmäler, Porträts und Landschaftsskulpturen und schmücken zahlreiche architektonische Bauwerke. Der erste russische Bildhauer, der nach B. Rastrelli auftrat, war M. Pawlow. Pawlow besitzt die Flachreliefs von 1778 im Inneren der Kunstkammer. Eine herausragende Veranstaltung in der Öffentlichkeit und kulturelles Leben In Russland wurde 1782 das Denkmal für Peter I., den sogenannten „Bronzereiter“, eröffnet. Im Gegensatz zu B hat Rastrelli E. Falcone das Bild von Peter mit einem viel tieferen Inhalt gestaltet und ihn als Gesetzgeber und Umformer des Staates dargestellt. Der Bildhauer vermittelte die unkontrollierbar schnelle Bewegung des Reiters, die enorme und herrische Kraft seiner bestätigenden Geste seiner rechten Hand. Das Denkmal drückte metaphorisch und prägnant die politische Bedeutung der Aktivitäten von Peter aus, der Russland ein „Fenster nach Europa“ öffnete. Die Russische Akademie der Künste hat viele talentierte russische Bildhauer hervorgebracht – F. Shubin, F. Gordeev, M. Kozlovsky, I. Shchedrin.

F. Shubin wurde im Norden in eine Familie von Kholmogory-Bauern hineingeboren. Als Kind lernte er die Knochenschnitzerei kennen und so begann seine Liebe zur Kunst. Shubins Werk – in erster Linie ein Porträtmaler – entwickelte sich und blieb ungewöhnlich ganzheitlich und einheitlich. Er kannte die bildende Kunst des Barock, war für ihn aber vor allem da antike Kunst. Er nahm dieses Erbe kreativ auf und blieb ein origineller Künstler. Shubin hat die Büste des Fürsten A. Golitsin meisterhaft ausgeführt. Für die Büste von Golitsin schenkte Katharina II. dem Bildhauer eine goldene Schnupftabakdose. Für den russischen Adel war es eine Ehre, von Shubin dargestellt zu werden. Shubin hat eine brillante Seite in der Geschichte der russischen Bildhauerei geschrieben. M. Kozlovsky trat im Alter von dreißig Jahren in die Akademie der Künste ein. Hier zeichnete er sich nicht nur durch sein bildhauerisches, sondern auch zeichnerisches Talent aus. Für das Relief „Fürst Isjaslaw Mstislawowitsch auf dem Schlachtfeld“ wurde er mit der Großen Goldmedaille ausgezeichnet und als Rentner nach Italien geschickt. Im Jahr 1801 führte Kozlovsky seine auf berühmte Statue„Samson zerreißt das Maul des Löwen.“ Dieses Bild des biblischen Helden wurde als Denkmal für den unvergänglichen Ruhm der Russen in ihrem Kampf um ihre Unabhängigkeit und Freiheit wahrgenommen. Am Ende seines Lebens zeigte sich Kozlovsky am deutlichsten im Denkmal für A. Suworow. Die Ungestümheit der Bewegung, die energische Drehung des Kopfes im antiken Helm – alles unterstreicht den heroischen Charakter des Bildes des großen Kommandanten. Neueste Werke Kozlovsky schließt seine Suche nach russischen Bildhauern des 18. Jahrhunderts ab. Der heroische Charakter plastischer Bilder, der Wunsch nach Adel und Ausgeglichenheit scheinen die Merkmale der russischen Kunst des ersten Viertels des 19. Jahrhunderts vorwegzunehmen.