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Das Theater der englischen Renaissance wurde auf dem Marktplatz geboren und entwickelt, der sein nationales britisches Flair und seine Demokratie bestimmte. Die beliebtesten Genres auf den Bühnen des Areals waren Moral und Farcen. Während der Herrschaft von Elizabeth Tudor wurden die Mysterien verboten. Ab Beginn des 16. Jahrhunderts näherte sich die englische Theaterkunst einer neuen Etappe – dem Beginn der Entwicklung des humanistischen Dramas, die sich vor dem Hintergrund des politischen Kampfes zwischen der königlichen Macht und der katholischen Kirche abzuzeichnen begann.

Von der Theaterbühne klang unverstellt scharfe Kritik und Propaganda einer neuen humanistischen Ideologie, die sich in die Gewohnheit von Zwischenspielen und Moral kleidete. In dem Theaterstück des Humanisten John Rastell „Interlude on the Nature of the Four Elements“ (1519) kommen neben den für die Moral traditionellen Figuren folgende Charaktere vor: Wissensdurst, Lady Nature, Experience und als Opposition zu ihnen - der Teufel Unwissenheit und die Hure Lust auf Vergnügen. Der unversöhnliche Kampf dieser Figuren im Stück endet mit dem Sieg der Aufklärung über Obskurantismus und Ignoranz.

John Bale - eine prominente Figur der englischen Reformation und ein berühmter Schriftsteller, Autor des Stücks "King John". Indem er der Moral soziale Themen hinzufügte, legte er den Grundstein für die Dramaturgie im Genre der historischen Chronik.

Das neue Theater wurde aus einer mittelalterlichen Farce geboren. Der Hofdichter, Musiker und Organisator bunter Spektakel, John Gaywood, entwickelte die Farce, indem er satirische Zwischenspiele schrieb. Darin machte er sich über den Betrug der Mönche und Ablasshändler lustig, über die Intrigen des gewinnsüchtigen Klerus, über die listigen Tricks der Priester, die ihre Sünden mit demonstrativer Frömmigkeit kaschierten. Neben der Hauptfigur - einem Schurken - und negative Charaktere- Kirchenmänner - einfältige und gutmütige Bürger nahmen an kurzen Alltagsszenen teil. Die satirischen Zwischenspiele des frühen 16. Jahrhunderts wurden zum Bindeglied zwischen mittelalterlichem Farcentheater und dem aufkommenden dramatischen Theater.

Die Einführung des englischen Volkes zu Italienische Kultur und Kunst trugen zur aktiven Wahrnehmung und Popularisierung der antiken Kultur und der Errungenschaften der antiken Zivilisation bei. Verstärktes Lernen Latein und Kreativität von Seneca und Plautus führten zu Übersetzungen antiker Tragödien und Komödien ins Englische. Aufführungen, die auf diesen Übersetzungen basierten, wurden im aristokratischen und universitären Umfeld sehr beliebt.

Gleichzeitig bewunderten die Aristokraten und das aufgeklärte Publikum die Sonette von Petrarca und die Gedichte von Ariosto. Die Romane von Boccaccio und Bandello waren in einer Raznochin-Gesellschaft bekannt. Am königlichen Hof wurden Maskeraden als unterhaltsame Unterhaltungsveranstaltungen eingeführt, bei denen Szenen aus italienischen Pastoralen gespielt wurden.

Die ersten Beispiele nationaler Komödien und Tragödien erschienen Mitte des 16. Jahrhunderts auf der Bühne. Nicholas Udol, der Autor der ersten englischen Komödie, Ralph Royster Doyster (ca. 1551), war ein gebildeter Unterhaltungsorganisator am Hof ​​und versuchte, den Menschen durch seine Werke "gute Lebensregeln" beizubringen.

Das Gorboduk-Stück (1562) von Thomas Norton und Thomas Sequile wurde am Hofe von Queen Elizabeth uraufgeführt und gilt als die erste englische Tragödie. Es zeigt deutlich die Nachahmung der römischen Tragödie: Die Aufteilung des Stücks in 5 Akte, Chorgesang und Monologe von Boten, blutige Verbrechen, aber die Handlung basiert auf historische Tatsache aus der mittelalterlichen Geschichte. Die Moral der Tragödie lag in der allegorischen Pantomime und den Zwischenspielen, die die Schauspieler zwischen den Akten aufführten und die unerwartete Wendungen in der Handlung erklärten.

Nach mysteriösen Farcen und primitiven Farcen wurde auf der Grundlage der antiken und italienischen Dramaturgie eine neue englische Dramaturgie geboren, in der es eine kompositorische Grundlage, Proportionalität der Teile, Logik in der Entwicklung von Handlung und Charakteren gab.

Die Dramatiker der neuen Generation hatten fast alle eine Hochschulausbildung und kamen aus einem demokratischen Umfeld. Vereint ein kreatives Team"University Minds" genannt, versuchten sie in ihren Werken, High zu synthetisieren humanistische Kultur Aristokraten und Volksweisheit mit ihrer Folklore.

W. Shakespeares Vorgänger – der berühmte englische Dramatiker John Lily (ca. 1554-1606) – war ein Hofdichter. In seiner interessantesten Komödie „Alexander und Campaspe“ (1584), geschrieben nach der Erzählung des griechischen Historikers Plinius, zeigte er die Großzügigkeit Alexanders des Großen, der die Liebe seines Freundes, des Künstlers Apelles, für den Gefangenen sah Campaspe, gab ihrer Freundin nach. So hat im Kampf zwischen Pflicht und Gefühl die Pflicht gesiegt. Dem idealisierten Alexanderbild im Stück steht die skeptische Figur des Philosophen Diogenes gegenüber, Volksweisheit und dessen gesunder Menschenverstand über das Selbstbewusstsein und die Arroganz des Monarchen und seines Gefolges triumphiert.

John Lily legte den Grundstein für die sogenannte romantische Komödie. Er führte das lyrische Element in die dramatische Handlung ein und verlieh der Prosasprache eine helle poetische Note. Er wies den Weg für die zukünftige Verschmelzung der beiden Komödiengattungen Romantik und Farce.

Der wahre Vorfahr des englischen Renaissance-Dramas war Christopher Marlowe (1564-1593), ein bekannter Dramatiker, Autor von Werken philosophischen und atheistischen Inhalts. Der Sohn eines Schuhmachers, der durch seine Ausdauer den Grad des Master of Science erlangte, zeichnete sich durch Mut und Freidenker aus. K. Marlo zog die Arbeit eines Schauspielers in einer Theatertruppe der Karriere eines Priesters vor, die sich ihm nach seinem Abschluss an der Universität in Cambridge eröffnete. Sein erstes dramatisches Werk Tamerlane the Great war voller atheistischer Ideen. Dieses monumentale Werk wurde im Laufe von zwei Jahren in zwei Teilen geschrieben (Teil I 1587 und Teil II 1588). "Tamerlane the Great" ist eine dramatisierte Biografie des berühmten östlichen Eroberers des späten 14. Jahrhunderts, Timur. Marlo gab seinem Helden die Stärke und das Aussehen eines legendären Helden. Und, was besonders wichtig ist, er machte den edlen Feudalherrn, der Timur wirklich war, zu einem „niedriggeborenen Hirten“, der sich nur durch die Kraft seines Willens, seiner Energie und seines Verstandes über die legitimen Herrscher erhob.

Das Schauspiel von K. Marlo „Die tragische Geschichte des Doktor Faust“ (1588) ( Reis. 22) zeigt die andere Seite des menschlichen Lebens. Die Absage an asketische Prinzipien und die bedingungslose Unterwerfung unter die höchste Autorität um des Wissensdurstes und der Lebensfreude willen kleidet er in das Bild des Atheisten Dr. Faust. Das Drama des befreiten Bewusstseins von Dr. Faust und der darauffolgenden Einsamkeit führt ihn zur Buße und verdeutlicht die enorme Energie des Kampfes um die Freiheit des Denkens.

Die letzte Tragödie von K. Marlo "Edward II", geschrieben auf dem Material historischer Chroniken, wurde zur Grundlage des englischen Dramas, das W. Shakespeare erfolgreich in seinen Werken entwickelte.

Der König und sein Gefolge glaubten, dass K. Marlo und seine Werke eine ernsthafte Bedrohung für die Macht darstellten. In diesem Zusammenhang wurde eine Anordnung zur physischen Beseitigung des Dramatikers erlassen. Am 30. Mai 1593 wurde Marlowe von einem Agenten des königlichen geheimen Rates ermordet.

Gleichzeitig mit den Stücken von K. Marlowe wurden Stücke von anderen Dramatikern der University Minds-Gruppe auf der Bühne aufgeführt: Thomas Kyd – „The Spanish Tragedy“ (1587) und Robert Greene – „Monk Bacon and Monk Bongay“, „James IV “ und „George Green, Feldwächter von Weckfield“ (1592).

Die kreative Gemeinschaft von Dramatikern der Gruppe University Minds ging einer neuen Phase in der Entwicklung des Nationaldramas voraus - der Geburt der Tragödie und Komödie der Renaissance. Allmählich entstand das Bild eines neuen Helden – kühn und mutig, dem humanistischen Ideal verpflichtet.

Ende des 16. Jahrhunderts versammelte das englische Volkstheater riesige Menschenmengen für seine Aufführungen, nahm alle revolutionären Ideen auf und ahmte die tapferen Helden nach, die ihre Menschenwürde im Kampf verteidigten. Die Zahl der Theatertruppen nahm stetig zu, die Aufführungen von Hotelhöfen und Stadtplätzen wurden in eigens dafür errichtete Theater verlegt.

1576 baute James Burbage in London das erste Theater, das „The Theatre“ genannt wurde. Es folgte der Bau mehrerer Theatergebäude auf einmal: "Curtain", "Blackfriars", "Rose" und "Swan" ( Reis. 23). Trotz der Tatsache, dass der City Council of Commons 1576 Theateraufführungen in London selbst verbot, befanden sich die Theater am Südufer der Themse, in einem Gebiet, das außerhalb der Macht des Council of Commons lag.

Große Holzgebäude öffentlicher Theater hatten verschiedene Formen: rund, quadratisch oder achteckig. Das Gebäude hatte kein Dach, nur ein kleines Vordach über der Bühne. Diese Theater boten Platz für bis zu 2.000 Zuschauer. Der Großteil des Publikums, das aus einfachen Leuten bestand, sah sich die Aufführung im Stehen an. Wohlhabende Bürger nahmen auf den Galerien Platz, die sich in drei Rängen in den runden Wänden des Theaters befanden.

1599 wurde das Globe Theatre gebaut, wo W. Shakespeare wirkte. Das Gebäude hatte eine achteckige Form, die Bühne war trapezförmig, ihr Sockel ragte in den Zuschauerraum hinein. Der Funktionsraum wurde in drei Teile geteilt: der vordere Teil der Bühne – das Proszenium; die Rückseite, die durch zwei Säulen mit einem Strohdach getrennt war; der obere ist der Balkon über der Backstage. Vervollständigt wurde dieses komplexe Bauwerk durch einen kleinen Turm, an dem während der Aufführung eine Fahne hing. Die Bühne war normalerweise mit Teppichen und Matten dekoriert, und der Vorhang konnte je nach Genre (Komödie oder Tragödie) blau oder schwarz sein. Das Gebäude des ersten Globe Theatre wurde 1613 durch einen Brand zerstört. Nach der Restaurierung dauerte es bis 1645 ( Reis. 24).

Die Schauspieler der Londoner Theater, abgesehen von den bekannten, die die Schirmherrschaft des Adels genossen, waren größtenteils einkommensschwache und entrechtete Menschen. Das königliche Dekret stellte Künstler mit obdachlosen Vagabunden gleich und sah die Bestrafung von Truppen vor, die keine wohlhabenden Gönner hatten. Trotz der strengen Haltung der Behörden gegenüber den Theatern stieg ihre Popularität von Jahr zu Jahr und ihre Zahl nahm zu.

Die damalige Organisationsform der Theatertruppen war zweierlei Art: eine Aktiengesellschaft von Schauspielern mit Selbstverwaltung und ein privates Unternehmen, das von einem Unternehmer geleitet wurde, der Requisiten besaß und die Rechte zur Aufführung eines Stücks von Dramatikern kaufte. Ein Privatunternehmer konnte jede Truppe anheuern und die Schauspieler seinen Launen unterwerfen.

Die Truppe unter der Leitung von W. Shakespeare ( Reis. 25) und sein Freund, der berühmte Schauspieler Richard Burbage ( Reis. 26), wurde "Servants of the Lord Chamberlain" genannt. Die Einnahmen der Truppe wurden zwischen dem Dramatiker und den führenden Schauspielern des Theaters entsprechend ihren Anteilen aufgeteilt.

Die quantitative Zusammensetzung der Truppe betrug nicht mehr als 10-14 Personen, die im Repertoire des Theaters mehrere Rollen spielen mussten. Die weiblichen Rollen wurden von hübschen jungen Männern gespielt, die mit Plastizität der Bewegungen und Lyrik der Stimme eine zuverlässige Leistung erzielten. Die allgemeine Spielweise der Schauspieler durchlief eine Übergangsphase von epischem Stil und erhabenem Pathos zu einer verhaltenen Form innerer Dramatik. Die führenden Schauspieler des tragischen Genres in der Ära von W. Shakespeare waren Richard Burbage und Edward Alleyn ( Reis. 27).

Richard Burbage, sein enger Freund und Assistent betraute W. Shakespeare die Hauptrollen in seinen Tragödien. Burbage, der seine Stimme souverän beherrschte, trug nicht nur gekonnt seine Monologe vor, sondern verstärkte mit Blicken und Gesten die emotionale Färbung der Rolle. Im Comedy-Genre sind die Schauspieler Robert Armin, William Kemp ( Reis. 28) und Richard Tarlton. Der charakteristischste Komiker war Robert Armin, der in Shakespeares „Wie es euch gefällt“ und „König Lear“ die Rolle eines Narren spielte, voller philosophischer Bedeutung und dramatischem Inhalt.

Als Dramatiker und Regisseur fasste W. Shakespeare in seinem Werk alle Errungenschaften der Theaterkunst zusammen, die vor ihm geschaffen wurden, und brachte diese Kunst zur Vollendung. Er bestimmte ihre Hauptrichtung, die darin bestand, eine Spiegelung des Wesens der menschlichen Natur zu erreichen, in welchen Formen sie sich auch manifestiert.

Für darstellende Künste Diese Zeit ist durch eine erhebliche emotionale Intensität des Handelns gekennzeichnet. Der Ton des Spiels wurde nicht durch lautes Rezitieren und aktive Gesten bestimmt, sondern durch die reiche Vorstellungskraft des Schauspielers und die Fähigkeit, den Zustand, den er durchmacht, zu vermitteln. Der Rat an Schauspieler, den W. Shakespeare durch Hamlet in seiner Tragödie zum Ausdruck brachte, ist ein ewiger Leitfaden für alle Generationen von Schauspielern, solange realistische Theaterkunst lebt. Im Werk des großen englischen Dramatikers erreichte das dramatische Theater der europäischen Renaissance den Höhepunkt seiner Entwicklung. Shakespeares Arbeit sprengte die üblichen Grenzen und zeigte den nächsten Generationen von Schauspielern die Wege, die dramatische Kunst in Richtung Offenlegung zu entwickeln und zu verbessern. Spirituelle Welt Person.

Mitte des 17. Jahrhunderts endete in England eine lange bürgerlich-puritanische Revolution, die zur Etablierung des Puritanismus in der Gesellschaft führte. Eines der puritanischen Dogmen, das besagte, dass sich ein Mensch nicht fatalistisch seinem Schicksal unterwerfen sollte, wurde zu seinem ideologischen Banner. Im Land herrschten damals laut Zeitgenossen Ausschweifungen und moralischer Verfall. Freundschaft, Gewissen und öffentliche Pflicht haben völlig an Bedeutung verloren. IN spätes XVII Zu Beginn des 18. Jahrhunderts wurde Libertinage oder Freidenken zur führenden Richtung in der englischen Philosophie, die Drama und Theater stark beeinflusste. Später nahm dieser Trend bestimmte Form und wurde als Witz bekannt. Nach der Restauration der Stuart-Monarchie in England wurde Witz im aristokratischen Umfeld recht hoch verehrt. Mit der Herausbildung einer neuen bürgerlichen Ideologie änderte sich allmählich auch die Einstellung zum Witz, er wurde immer kritischer. Dies musste sich in der Kunst widerspiegeln. Aus der Sicht der Anhänger des Witzes ist das Leben eine komplexe Kunst, die von einer Person Vorsicht und Einsicht erfordert. Lügen müssen geschickt mit der Wahrheit kombiniert werden, Ehrlichkeit und Direktheit mit List und Betrug. Die kirchliche Ehe galt als Fessel, die von der Sklaverei eines Mannes zeugte.

Unmoralische Grundsätze lösten berechtigte Empörung bei angesehenen Bürgern sowie bei Schriftstellern und Philosophen aus. Als die Macht der Bourgeoisie erstarkte und ihr Einfluss zunahm, begann sie aktiv, die „Witzigen“ anzugreifen. Dies drückte sich vor allem in ihrer Auseinandersetzung mit dem englischen Theater aus.

Vor der Wiederherstellung der Monarchie in England, während der Regierungszeit von Cromwell, wurde das Theater durch einen besonderen parlamentarischen Erlass verboten. Die puritanische Regierung betrachtete das Theater als Nährboden für Unmoral, Sündhaftigkeit und Laster. Gemeinderäte erhoben zahlreiche Vorwürfe gegen Theatertruppen, die manchmal weder mit den Schauspielern noch mit den Stücken etwas zu tun hatten. Der Ruf der Theater war so gering, dass die Stadtbewohner sie nicht mehr besuchten. Um nicht an Hunger zu sterben, mussten die Schauspieler die Städte in abgelegene Provinzen verlassen, wo sie etwas verdienen konnten. Theatertruppen und Schulen lösten sich auf, Lehrer für Rede- und Bühnenkunst, Musik und Tanz verließen die Stadt. Die Landesbehörden hielten den Laiendarbietungen, die von den Besitzern der Burgen aufgeführt wurden, treu. Und in den Städten wurde das Theater in musikalischen und dramatischen Aufführungen (Maskeraden) wiederbelebt.

Nach der Wiederherstellung der Stuart-Monarchie in England kam eine günstige Zeit für die Wiederbelebung des Theaters. Das Publikum der Stadttheater war ausschließlich der Adel und der städtische Adel. Die dramatische Kunst drückte den danach ausbrechenden antipuritanischen und antibürgerlichen Geist aus für lange Jahre Verfolgung und erzwungenes Schweigen. In zahlreichen satirische Komödien die Rolle des dummen Einfaltspinsels oder des betrogenen Ehemanns wurde ausnahmslos dem unglücklichen Bourgeois zugewiesen.

Das Theater der Restaurierungszeit wurde lange Zeit restauriert, und die Veränderungen, die in dieser Zeit daran vorgenommen wurden, waren bedeutend. In England wurde ein Theatermonopol gebildet. Ein königliches Patent wurde für das Recht erteilt, eine Theatertruppe zu organisieren und ein Theater zu gründen. Und der Lord Chamberlain war für die Zensur zuständig, die sich auf die Aktivitäten der Theatertruppe erstreckte. Die Anzahl der Schauspielfirmen und Theaterräume in London wurde von der britischen Regierung kontrolliert und reguliert. Besonderes Augenmerk wurde auf das Repertoire der Theater gelegt.

Während der Restauration in England wurde ein spezielles Gebäude gebaut, um Aufführungen zu demonstrieren und die Theatertruppe und Requisiten unterzubringen. Es war ein rechteckiger überdachter Raum von beträchtlicher Größe, in dem sich das Publikum im Vergleich zur Zeit vor der Restaurierung in angenehmeren Bedingungen befand. Hinter der Bühne und im Theater erschien ein Proszenium, das in das Parkett hineinragte und von einer doppelten Reihe von Logen umgeben war. Anfangs saßen in solchen Theatern besonders edle Zuschauer in Sesseln direkt auf der Bühne, in unmittelbarer Nähe zu den Schauspielern. Dies führte zu einigen Unannehmlichkeiten für die Darsteller.

Für die Inszenierung von Aufführungen wurden speziell Kulissen sowie verschiedene Geräte angefertigt, mit denen Flüge und verschiedene Transformationen simuliert werden konnten. Schauspielerinnen traten in weiblichen Rollen auf der Bühne auf, um die jungen Männer des Shakespeare-Theaters zu ersetzen. Unter den talentiertesten weiblichen Schauspielerinnen der Restaurationszeit kann Nell Guin unterschieden werden ( Reis. 29), Mary Knapp, Elizabeth Barry (Abb. 30), Elinor Lee und andere revolutionäre Schauspielerinnen. Auch der Umfang der Theateraufführung selbst ist größer geworden. Zusätzlich zum traditionellen Drama könnten Pantomime oder Farce in die Aufführung eingeführt werden. Musikalische Tanzpausen waren sehr beliebt. Später wurden Balladenopern zum Repertoire des Theaters hinzugefügt. Klassische Tragödien hatten in dieser Zeit großen Erfolg.

Verschiedene Veränderungen im politischen und gesellschaftlichen Leben, die England in dieser Zeit erlebte, spiegelten sich wiederum im Repertoire der Londoner Theater wider. Die Bourgeoisie kam selbstbewusst an die Macht, und das Publikum des dritten Standes kam ins Theater. Dieses Publikum, das die meisten der billigen Plätze im Saal besetzte, konnte seine Meinung zur Aufführung entschieden und laut äußern, sie billigen oder ausbuhen.

In der Gesellschaft regte sich immer häufiger Empörung über Darbietungen, die menschliche Laster und Unsittlichkeit in ein attraktives Licht rückten. Das Buch des reaktionären Predigers Jeremy Collier, A Brief Essay on the Immorality and Impiety of the English Stage, löste im Theaterumfeld eine Flut von Reaktionen und Empörung aus. Trotz der Tatsache, dass das Buch von Theaterfiguren scharf kritisiert wurde, lieferte es greifbare positive Ergebnisse. Das Repertoire hat sich geändert und umfasst jetzt dramatische Werke mit Themen, die bürgerliche Tugenden bekräftigen: Frömmigkeit, Genügsamkeit und Integrität.

Zivilgesellschaften zur Wiedergutmachung der Moral kontrollierten streng den Inhalt der Werke, die von den Londoner Theatern aufgeführt wurden. Die Aufführungen wurden von Spezialagenten besucht, die die Aufführung beobachteten und alle Angriffe auf die Moral aufzeichneten. Die Zensoren brachten Unternehmer und Schauspieler für diese Verstöße vor Gericht. Aus den Texten der Stücke wurden nicht nur Stücke, die seitens der Zensur Misstrauen erregten, sondern ganze Akte rücksichtslos herausgeschnitten. Der Hauptdarsteller der englischen Bühne der Restaurationszeit, Thomas Betterton ( Reis. 31), dem wegen sittenwidrigen Verhaltens Repressalien angedroht wurden, war gezwungen, seine Interpretation vieler Rollen zu überdenken, damit sie dem neuen Wertesystem entsprechen.

Zu Beginn des 18. Jahrhunderts veränderte sich das englische Theater und überdachte seine moralischen und ethischen Werte. Die größte Aufmerksamkeit wurde nicht nur den menschlichen Lastern geschenkt, sondern auch den Versuchen, ihren Ursprung und ihre soziale Basis zu verstehen. Im Theater konnte man über die unbeholfenen Aristokraten und aufstrebenden Bürger, Hofheuchler und neureichen Kaufleute lachen. Als der Zuschauer das Leben eines anderen auf der Bühne beobachtete, dachte er über sein eigenes nach, und dann wurden die notwendigen Antworten auf viele wichtige Fragen gefunden.

Das Theater war eine Art Schule, in der der Zuschauer lernte, den wahren Wohltäter und Laster zu erkennen. An den Beispielen dramatischer Helden arbeitete er seine Lebensstellung und Haltung heraus. Das Theater dieser Ära war ein wesentlicher Bestandteil der nationalen Kultur Englands. Der Appell an das soziale Thema, die Auseinandersetzung mit den kleinsten Details menschlicher und staatlicher Laster ist zu einer Tradition des englischen Theaters geworden, die bis in unsere Tage reicht. In dieser Tradition sahen die großen englischen Dramatiker und Theaterfiguren ihren Ursprung und ihre genetischen Wurzeln.

In England entwickelten sich in der Zeit nach der Wiederherstellung der Stuart-Monarchie das Theater und die Arbeit der Dramatiker in mehrere Richtungen, von denen die Hauptrichtung der Klassizismus war. Nur formal alte Werke nachahmend, charakterisierten englische Dramatiker die Handlung emotionaler, sättigten die Stücke mit alltäglichen Feinheiten, betonten die nationalen Charakterzüge und unnötige Details der Herkunft der Helden dieser Stücke. Auch Reflexionen über die Wandelbarkeit ihrer Ziele, Wünsche und Stimmungen wurden hier gegeben.

Der prominenteste Klassiker dieser Zeit kann John Dryden (1631-1700) genannt werden - ein Dichter, Dramatiker und Literaturkritiker ( Reis. 32). Er schrieb 27 Theaterstücke, darunter Tragödien, Komödien und Tragikomödien. Er gilt auch als Schöpfer des Genres des Heldendramas. Er drückte seine kritische Sicht auf das Drama hauptsächlich in Versvor- und Nachworten zu seinen eigenen und fremden Stücken aus.

Drydens Stücke brodelten vor heftiger Leidenschaft, atmeten Freiheit und erhabene Bestrebungen. Er verglich Dramaturgie mit antiker Skulptur. Dramaturgie, die Natur widerspiegelnd, muss seiner Ansicht nach übertroffen werden, damit sie in der Bühnenperspektive vom Zuschauer richtig wahrgenommen wird.

In der Zeit von 1664 bis 1675 schrieb er die besten Beispiele des englischen Heldendramas: „Königin der Indianer“, „Kaiser der Indianer oder die Eroberung Mexikos durch die Spanier“, „Tyrannische Liebe“ und „Die Eroberung Granadas“. von den Spaniern" mit einer ziselierten Versform des Textes und der Darlegung seiner Begriffe von Ehre und Pflicht. Mehrere Tragödien des Dramatikers berühren das Thema der Eitelkeit des Seins und der Illusion irdischen Glücks.

Eines seiner besten Stücke – „Don Sebastian“ – thematisiert das illusorische Liebesglück und die Täuschung des Liebesglücks. Der junge portugiesische König Sebastian, der gefangen genommen wurde, verliebte sich in die Barbarenkönigin Almeida. Die Liebe ließ ihn alles vergessen. Bald erfuhr Sebastian, dass diejenige, die ihm das Glück der Liebe schenkte und ihn aus der Gefangenschaft befreite, sich als seine eigene Schwester herausstellte. Die Illusion des Glücks verschwand, und die unglücklichen Liebenden zogen sich freiwillig ins Kloster zurück.

Neben Drydens Stücken gehörten zum Repertoire jedes englischen Theaters zwangsläufig die Werke von zwei weiteren berühmten Schauspielern und Dramatikern – Nathaniel Lee (1653-1692) und Thomas Otway (1652-1685). Einen starken Eindruck auf den russischen Kaiser Peter I. während seines Aufenthalts in London im Jahr 1698 machte N. Lees Stück „Rivalisierende Königinnen oder der Tod Alexanders des Großen“. Beliebt waren auch seine Dramen Mithridates und Theodosius.

Thomas Otway ist in die Geschichte des englischen Theaters als Autor von „domestic tragedies“ aus dem Leben der Mittelschicht eingegangen. Die bekanntesten von ihnen sind The Orphan oder The Unhappy Marriage und Venice Saved oder The Conspiracy Revealed. Otways Kunst bestand darin, die Macht der Leidenschaften und die für den Menschen verheerende Blindheit der Gefühle darzustellen.

Die Stücke des kreativen Duetts John Fletcher (1579-1625) und Francis Beaumont (1584-1616) waren sehr beliebt. Die erste Ausgabe einer Sammlung ihrer Stücke mit 34 Stücken stammt aus dem Jahr 1647. Die Stücke "Filastre", "Der König und nicht der König", "Die Tragödie des Mädchens" wurden mehrmals nachgedruckt. Diese Stücke zeigten meisterhaft die Liebe und alle sie begleitenden menschlichen Leidenschaften. Die Komödien dieser Autoren waren wirklich lustig, und die Tragödien machten mich zusammen mit den Helden traurig und beunruhigend.

Die englische Sprache wurde in den Werken von Beaumont und Fletcher perfektioniert. Darüber wurde später noch oft diskutiert. Literaturkritiker der glaubte, dass all die Worte, die nach dem Tod dieser Dramatiker in die Alltagssprache kamen, überflüssig seien. Seit 40 Jahren laufen ihre Stücke mit konstantem Erfolg auf den Bühnen englischer Theater. Gleichzeitig gehörten zu ihrem Repertoire in jeder neuen Theatersaison sicherlich die Stücke „Der eigensinnige Zenturio“, „Wie man eine Frau führt“, „Die Jagd nach dem Jäger“, „Der König und nicht der König“, „Filaster“. “, die im Original gespielt wurden, ohne Kürzungen oder Änderungen.

Im 18. Jahrhundert gab es in England eine zweideutige Haltung gegenüber W. Shakespeare. Hervorragende Pädagogen Joseph Addison ( Reis. 33) und Richard Stil ( Reis. 34), der für die Bildung eines nationalen englischen Theaters und gegen die Dominanz ausländischer, insbesondere italienischer Oper kämpfte, verteidigte sein kreatives Erbe. Aber einige Kritiker, wie Thomas Reimer, nannten seine Tragödie "eine Farce ohne Geschmacksverzerrung".

Daher wurden viele Shakespeare-Stücke von den Autoren geändert, um sie dem modernen Geschmack anzupassen. T. Otway hat Shakespeares Stück „Romeo und Julia“ neu aufgelegt und den Titel in „The Life and Fall of Kai Maria“ geändert, und D. Dryden – „Antony and Cleopatra“ („All for Love“). Und obwohl Shakespeares Name weiterhin auf den Plakaten zu sehen war, war die Textänderung des Stücks so bedeutsam, dass die Aufführung nichts mehr mit dem Original zu tun hatte. Viele Theaterstücke berühmter Dramatiker Auf den Londoner Bühnen liefen sie in derselben Spielzeit sowohl im Original als auch in einer Neuverfilmung, und das Publikum genoss es, beide Fassungen des Stücks „Romeo und Julia“ zu sehen: mit dem tragischen Ende von W. Shakespeare und dem glücklichen Ende von James Howard .

Auch die gesellschaftssatirische Sittenkomödie gehörte zum Repertoire des englischen Theaters. Ein früher Vertreter Diese Art von Kreativität kann George Etheridge (1634-1691) genannt werden, der als Spötter der Sitten des Jahrhunderts galt und mehrere Stücke schuf, die in die Geschichte der Theaterkunst Englands eingingen: „Comic Revenge, or Love in a Barrel “, „Sie würde, wenn sie könnte“ und „Slave of Fashion“. Später wurde diese Art von Komödie in der Theaterwissenschaft als "Komödie der Restaurationszeit" bezeichnet.

Komödien waren in dieser Zeit sehr beliebt. Schauspieler spielten besonders gerne in den Aufführungen von William Wycherley (1640-1716) ( Reis. 35), die sich durch Humor und lebendige Bühnenpräsenz auszeichneten. In manchen Spielzeiten führten gleich mehrere Theater sein Stück „Die Dorffrau“ auf, und dann entbrannte zwischen den Theaterbesitzern ein regelrechter Konkurrenzkampf um das Publikum. Zu den Komödien von William Congreve ( Reis. 36), die beim Publikum immer wieder Erfolge feierten, verfeinerten ihre Bühnenkünste für viele Generationen englischer Schauspieler. In den Stücken „Der alte Junggeselle“, „Doppelspiel“ und „Liebe für die Liebe“ steht die Gesellschaftsanalyse anhand gezielter Alltagsmerkmale an erster Stelle.

Congreves neueste Komödie „So machen sie es in der Welt“ zeigt das Porträt eines Mannes der Neuzeit – Mirabella. Der Vorteil des Helden liegt in seiner vernünftigen Argumentation, nicht ohne Logik und spiritueller Freundlichkeit. Die Sprache des Stücks ist sehr elegant, es gibt keine leeren Wortspiele und bombastischen Phrasen.

Im 18. Jahrhundert erweiterte sich das Repertoire der Schauspielhäuser erheblich. Die Aufführungen bestanden aus mehreren Akten und wurden nach der Aufführung durch Farce, Pantomime, musikalisches Divertissement oder Darbietungen von Clowns und Akrobaten ergänzt. Das Ende der Aufführung könnte auch mit einer Parodie auf ein beliebtes Stück oder eine Oper geschmückt werden. Viele Jahre lang wurden die gleichen berühmten Possen gespielt, unabhängig vom Programm des ganzen Abends. Musikalische Divertissements oder Zwischenspiele waren im Theaterrepertoire am beliebtesten Instrumentalkonzerte oder Gesangsdarbietungen, die literarische Plots mit humoristischem Inhalt waren, vertont und mit den scherzhaften Namen „Liebe und ein Bierkrug“, „Ein beschämter Dandy“, „Professor der Humorwissenschaften“ etc.

Neben der Balladenoper, Farcen und Zwischenspielen trat im 18. Jahrhundert ein solches Phänomen in der Theateraufführung als „lebende Bilder“ und „zeremonielle Prozessionen“ auf Prozession “, die die feierliche Zeremonie der Krönung von Anne Boleyn darstellte, die zweite Gemahlin von König Heinrich VIII. Diese hervorragend inszenierte Show mit luxuriösen Kostümen der Schauspieler wurde bald zu einer eigenständigen Konzertnummer, die beim Publikum ungeheure Popularität erlangte und unabhängig vom Thema der an diesem Tag stattfindenden Aufführungen aufgeführt wurde.

Zentraler Kern einer einstündigen Theateraufführung ist seit jeher ein Stück, das überwiegend von der Theatertruppe ausgewählt und lange einstudiert wurde. Aufgrund des zunehmenden Wettbewerbs versuchten die Theaterbesitzer, die Bedürfnisse des Massenpublikums zu berücksichtigen. Bis 1868 wurde das Repertoire zwischen den Theatern vom Lord Chamberlain verteilt, der für den Haushalt des königlichen Hofes verantwortlich war und die Genehmigung zur Aufführung des Stücks erteilte. Dieses System ermöglichte es den Theatern, einen individuellen Stil zu entwickeln. Das Duke's Theatre in London war berühmt für sein gemischtes Repertoire, während am Royal Theatre W. Shakespeare und B. Johnson bevorzugt wurden ( Reis. 3 7). Die Autoren neuer Stücke waren sowohl professionelle Dramatiker als auch Amateure, die Stücke nicht nur für Geld, sondern auch aus Liebe zum Theater schrieben. Ein Gentleman-Dramatiker, der nicht im Theater diente, also ein „fremder Autor“, überarbeitete im Auftrag des Theaters berühmte Stücke oder verfasste Prologe und Epiloge für Aufführungen. Jedes Theater hatte seine eigenen Dramatiker und „fremde Autoren“. Viele bekannte Schauspieler komponierten auch neue Aufführungen, an denen die Truppe gerne teilnahm.

Ziemlich oft bestellten Monarchen Theaterstücke und boten ihre Handlungen an, die manchmal spontan und manchmal auf Anraten von Hofadligen entstanden waren. Neben talentierten und seriösen Stücken brachten die Theater eine große Anzahl von Manuskripten mit minderwertiger Dramaturgie, die einem strengen Auswahlverfahren unterzogen wurden, was bei vielen Autoren zu Unzufriedenheit führte.

Das von der Theatergruppe genehmigte Stück musste von der königlichen Zensur genehmigt werden, um im Theater aufgeführt zu werden. Am königlichen Hof wurden die Aufgaben des Oberzensur dem Lord Chamberlain und dem Oberzeremonienmeister übertragen, der die Institution der staatlichen Zensur leitete. Theaterstücke könnten verboten werden, wenn sie den gewaltsamen Tod von Monarchen oder die unangemessene Verwendung von Bibelzitaten darstellen. Eine Szene, die von Bestechung sprach, die am königlichen Hof blühte und von der Zensur zugelassen wurde, konnte den Zorn des Königs erregen und die Inhaftierung des Zensors nach sich ziehen, der den Aufruhr verpasst hatte. Solche Fälle waren in der Geschichte des englischen Dramas.

Als sich Ende des 17. Jahrhunderts die Aktivitäten zahlreicher Gesellschaften zur Sittenkorrektur verstärkten, verschärfte sich auch die Theaterzensur, die in der Zeit der Verschärfung des politischen Kampfes zwischen Whigs und Tories im Land extreme Formen annahm . 1737 verabschiedete die Regierung das Zensurgesetz. Es wurde zum Gesetz über Theaterlizenzen, nach dem nur solche Theater existieren durften, die eine königliche Lizenz hatten. Alle Stücke mussten ausnahmslos vom Lord Chamberlain zensiert werden. In den Stücken war es den Autoren verboten, politische Themen zu berühren und Regierungsbeamte zu kritisieren.

Als Ergebnis eines solchen Gesetzes entstand ein staatliches Theatermonopol, dh alle Theater in London wurden geschlossen, mit Ausnahme der zentralen - Covent Garden und Drury Lane. Das Repertoire aktueller und kritischer Natur verschwand von der Bühne, es gab keine Improvisationsstücke mehr, die außen- oder innenpolitische Probleme berührten. Aber trotz aller Zensurmaßnahmen vermittelten Dramatiker und Schauspieler mit spezifischen Theatertechniken und Allegorien dem Zuschauer, was sie nicht offen ausdrücken konnten.

Zwei Kunstberater von König Georg II., die berühmten Dramatiker und Unternehmer William Davenant (1606–1683) und Thomas Killigru (1612–1683), die 1660 ein königliches Patent für das Monopolrecht zur Eröffnung von Theatern erhalten hatten, teilten die Londoner Schauspieler unter sich auf . Die Truppe von Killigru wurde als die Truppe des Königs bekannt, und die Truppe von Davenant wurde die Truppe des Herzogs von York. Diese Truppen hatten keine eigenen Gebäude und besetzten verschiedene Räumlichkeiten, die für Aufführungen geeignet waren.

Ganz am Anfang des 17. Jahrhunderts wurde das Red Bull Theatre am südöstlichen Stadtrand von London an der St. John Street errichtet. Es war ein offener Theatertyp ohne Dach, was die Arbeit der Truppe von Wetterbedingungen abhängig machte. Dieser Raum wurde von verschiedenen Truppen gemietet, einige von ihnen hatten keine Lizenzen, und das Theater wurde regelmäßig wegen Gesetzesverstößen geschlossen. In der theatralischen Umgebung des "Red Bull" herrschten Unordnung und Ausschweifung, und Hunderte von Zuschauern versammelten sich nicht im Zuschauerraum. Schauspieler in schlechten Kostümen spielten mittelmäßig und manchmal völlig mittelmäßig. In den 70er Jahren hörte der „Red Bull“ auf zu existieren und das Gebäude ging an den Fechtverein über.

Auch der Bau des Cockpit Theatre geht auf den Beginn des 17. Jahrhunderts zurück. Es war ein ziemlich geräumiges Backsteingebäude im zentralen Bereich der Drury Lane. Seinen zweiten Namen – „Phönix“ – erhielt das Theater nach einem Brand im Jahr 1617 und einer schnellen Restaurierung. Das Theater bestand etwa 60 Jahre und wurde abgerissen, da es den heutigen Anforderungen nicht mehr genügte.

In den frühen Jahren der Restauration, nämlich 1629, wurde das dritte Theater in London, Salisbury Court, gebaut. 1652 wurde die prominente Theaterfigur Englands, William Beeston, Eigentümer, der trotz eines strengen Verbots während des harten Regimes von Oliver Cromwell mehrere Aufführungen inszenieren konnte und als einer der besten Theaterlehrer galt. Er nahm den Wiederaufbau des Theatergebäudes auf, das während der Revolution in einen erbärmlichen Zustand gebracht wurde. Gemäß seinem Projekt wurde das Dach um 30 Fuß angehoben und im Raum über der Bühne ein Tanzkurs eingerichtet. Die Logen und Stände, die die Galerien umgaben, wurden erheblich erweitert. Das Theatergebäude blieb nach dem Brand von London 1666 nicht erhalten.

Am 7. Mai 1663 wurde das berühmte englische Theater „Drury Lane“ eröffnet, das heute das führende Londoner Theater ist. Die erste Aufführung, die auf seiner Bühne stattfand, war die Aufführung von F. Beaumont und D. Fletcher „The Wayward Centurion“. Das Theater wurde zwischen Drury Lane und Bridges Street gebaut.

Das Gebäude hatte eine runde Form. Das Theater hatte ein geräumiges Parkett und üppig geschmückte Logen. Der Bogen des Proszeniums war mit exquisiter Dekoration geschmückt. Trotz der zu großen Entfernung von der Bühne zu den Logen, der engen Gänge im Parkett und der ungünstigen Lage des Orchesters hatte dieses Theater gegenüber seinen Vorgängern deutliche Vorteile. Im Parkett waren die Bänke in konzentrischen Halbkreisen angeordnet und bildeten ein Amphitheater. Das Parterre war von zwei Reihen von Kisten umgeben, die durch Trennwände getrennt waren und mehrere Reihen enthielten. bequeme Stühle. Zu diesem Zeitpunkt durften Frauen mit Männern in Lodges übernachten.

Der größte Teil des Publikums saß im Parkett, das tagsüber von einer riesigen Glaskuppel gekrönt wurde oberer Teil Gebäude. Bei einem der heftigen Regengüsse fielen Wasserstrahlen auf die Köpfe der Zuschauer, was eine heftige Empörung des Publikums auslöste. Abends wurde das Parterre von Kerzen beleuchtet. Die Bänke der Stände waren mit grünem Tuch bedeckt.

In der Mitte der unteren Reihe des Parketts befand sich die königliche Loge, die mit einer vergoldeten Figur des Apollo und dem Staatswappen Englands geschmückt war. Wenn Mitglieder der königlichen Familie bei der Aufführung nicht anwesend waren, wurden Tickets für die königliche Loge an alle verkauft.

Am 25. November 1672 brach im Theater ein Feuer aus, das sowohl das Theatergelände als auch die angrenzenden Gebäude vollständig zerstörte. Das Royal Theatre, das mehrere Jahre gezwungen war, Geld für einen Neubau aufzubringen, erhielt erst 1674 ein Gebäude, das von dem berühmten Architekten Christopher Wren entworfen wurde. Das Zimmer war nichts Besonderes und war einfach und schlicht. Das Parterre hatte die Form eines Amphitheaters, in dem die Zuschauer auf stoffbezogenen Bänken ohne Rückenlehne Platz nahmen. Die Leute saßen alle zusammen: edle Damen und Herren sowie Damen von leichter Tugend, die während der Aufführung flirteten und redeten; einige spielten Karten und ignorierten die Schauspieler. Direkt vor der Bühne, unter dem Baldachin der unteren Empore, waren die teuersten Plätze platziert, und die ärmsten Zuschauer drängten sich auf der oberen Empore.

Für die Truppe des Herzogs von York wurde 1671 nach dem Projekt desselben Christopher Wren im Londoner Stadtteil Dorset Garden ein Theater gebaut, in dem sich das Schauspiel- und das Opernhaus befanden. Es zeichnete sich durch seine Architektur und luxuriöse Dekoration aus. Die Fassade des Theaters überblickte das Ufer der Themse und war mit dem Wappen des Herzogs von York geschmückt. Das oberste Stockwerk war für die Wohnungen berühmter englischer Schauspieler vorgesehen.

Das Theater bot Platz für etwa 1200 Zuschauer und erstaunte mit der Schönheit des Innenraums. Der Bogen des Proszeniums wurde vom berühmten Holzschnitzer Grinling Gibbons im Barockstil gefertigt und aufwendig vergoldet. Das Innere des Auditoriums war viel schöner als die besten Theaterinterieurs in Frankreich und verfügte über eine komfortablere Aufteilung. Im Parkett, das die Form eines Amphitheaters hatte, gab es fast keinen Lärm. Das Parterre war von sieben Logen umgeben, die 20 Personen aufnehmen konnten, gefolgt von 7 Logen der ersten Reihe und noch höher - einem Rayek.

Ganz am Anfang des 18. Jahrhunderts, 1705, in London, der Dramatiker John Vanbrugh ( Reis. 38) wurde das erste Opernhaus gebaut, das zu Ehren von Queen Anne als Queen's Opera House bekannt wurde. Die für diese Vorstellungen riesige Bühne und die spezifische Akustik waren für dramatische Darbietungen nicht geeignet, so dass sich Sänger und Musiker im Theater niederließen. Dieses Theater besteht seit fast 85 Jahren. Es entging dem Schicksal vieler Londoner Theater nicht und wurde am 17. Juni 1789 durch ein Feuer zerstört, das in seinen Lagerhäusern ausbrach.

Während der Zeit der Restauration und der weiteren kulturellen Entwicklung in England zu Beginn des 18. Jahrhunderts veränderten sich die Theater erheblich. Ihre Architektur ist entsprechend den gestiegenen Anforderungen komplexer geworden. Theaterinterieur u Innenausstattung spiegelten den Reichtum ihrer Besitzer wider. Das Design der Bühne kombinierte die Shakespeare-Bühnenplattform und die Bühnenloge mit einem Portal, das sie vom Publikum trennte. Der vordere, in den Zuschauerraum hineinragende Teil der Bühne wurde oval. Backstage und von Künstlern gemalte Kulissen erschienen.

Der Hauptteil der Aufführung fand auf dem Proszenium statt. Näher am Finale mussten die Schauspieler nach vorne kommen, zum ovalen Teil der Bühne, der näher am Zuschauer war und viel besser beleuchtet war. Der innere Teil der Bühne, wo sich die Kulissen befanden, lag in der Dämmerung, was während der gesamten Aufführung ein Gefühl von Mystik erzeugte. Kerzen, die für eine ausreichende Beleuchtung eine sehr große Menge benötigten, waren teuer und ein Luxus, den sich Theaterbesitzer nur zum Wohle der Mitglieder der königlichen Familie leisteten. Das schwach flackernde Licht, das Schwanken der Schatten an den Wänden erweckte in der theatralischen Handlung ein Gefühl von etwas Übernatürlichem. Die Ebene der Bühne selbst hatte eine leichte Neigung zum Proszenium, das mit einem vorderen geschnitzten Bogen verziert war, wo Flachreliefs und Skulpturen installiert waren und geschickte Handwerker komplizierte Ornamente schnitzten, und all dies war mit Vergoldung bedeckt. In der Ära der Restauration galten englische Schauspieler offiziell als in königlichen Diensten. Die Schauspieler des königlichen Theaters trugen die Uniform der königlichen Dienerschaft aus rotem, mit rotem Samt besetztem Tuch, galten aber tatsächlich als Vertreter der untersten Gesellschaftsschicht. Sie erhielten ein kleines Gehalt, für das sie hart arbeiten mussten.

Die Schauspieler mussten die körperliche Ausdauer haben, um viele Stunden der Proben und Aufführungen zu überstehen. Die Räume, in denen sich zwischen den Vorstellungen mehrere Personen aufhielten, waren nicht beheizt. Nur in Ausnahmefällen wurde ein separater Raum mit Kamin zur Verfügung gestellt. Oft musste die Schauspieltruppe unmittelbar nach einer gelungenen Premiere die Aufführung am späten Abend im Hoftheater des königlichen Schlosses wiederholen. Nur mit einem hervorragenden Gedächtnis konnte sich der Schauspieler in kurzer Zeit die Texte mehrerer Rollen in einer Aufführung oder diverser Rollen mehrerer Aufführungen einprägen.

Während der Theatersaison, die für den Sommer unterbrochen wurde, als die königliche Familie London verließ, war es nicht möglich, Geld zu verdienen. Die Arbeit wurde aufgrund von Epidemien, Bränden, Überschwemmungen, religiösen Feiertagen oder Trauer in der königlichen Familie unterbrochen. Im Zusammenhang mit der Zensur oder einfach mit der Bemerkung des Königs oder des Oberkämmerers wurde auch das Theater auf unbestimmte Zeit geschlossen.

Die meisten Schauspieler mieteten eine Unterkunft in der Nähe des Theaters, um kein Geld für Reisen auszugeben. Reiche Schauspieler konnten es sich leisten, in prestigeträchtigen Gegenden Londons zu leben. Wenn die Eigentümer des Theaters an einem bestimmten Schauspieler interessiert waren (und meistens waren es Schauspielerinnen), befanden sich die Wohnungen für sie im Theatergebäude selbst oder in den angrenzenden Gebäuden.

Das englische Recht war schon immer auf der Seite reicher Leute in ihren Kämpfen oder Duellen mit Schauspielern, obwohl die Fälle, die vor Gericht verhandelt wurden, durch ihr Verschulden entstanden sind. Nichts war es wert, den Schauspieler zu beleidigen oder zu demütigen. Dies galt in der Adelsklasse als normal.

Während der Restauration traten Schauspielerinnen auf der Bühne des englischen Theaters auf und ersetzten verweichlichte junge Menschen in Frauenkleidern. Um weibliche Rollen spielen zu können, mussten junge Männer dies mehrere Jahre lernen. Willensstärke und Zivilcourage mussten die ersten Schauspielerinnen aufbringen, um in einem so puritanischen Land wie England auf die Bühne zu gehen und das Frauenbild in all seinem Charme zu präsentieren.

Die ersten Schauspielerinnen kamen aus privaten Pensionen ans Theater. Sie alle stammten aus einfachen Verhältnissen und lernten in Internaten Alphabetisierung, Diktion, Musik und Tanz. Auf Empfehlung von Tanzlehrern und Leitern privater Chöre kamen Mädchen aus der bürgerlichen Klasse ans Theater. Viele große Schauspielerinnen sind aus der Schauspielwelt gekommen. In einer Zeit, in der die Bildung von Frauen auf einem sehr niedrigen Niveau war, begann der Beruf der Schauspielerin vielen Mädchen vielversprechend und verlockend zu erscheinen.

Das Theater öffnete ihnen den Weg in eine Welt frei von häuslicher Tyrannei und bot erhebliche Möglichkeiten zur persönlichen Entfaltung. Aber zusammen mit diesem junge Talente, die sich nicht mit einem Existenzminimum versorgen konnten, gerieten unter den Einfluss reicher Herren und wurden zu ihren Frauen. Eine Schauspielerin auf der Gehaltsliste eines wohlhabenden Herrn - dieses Phänomen war weit verbreitet und völlig legal. Junge Schauspielerinnen selbst strebten danach, Frauen zu werden, und oft verließen Mädchen, die mehrere Jahre lang Schauspielunterricht im Theater erhalten hatten, das Theater für 1–2 Jahre dieser Wartung, wonach sie in den meisten Fällen in Londoner Bordellen Unterschlupf fanden. Auf der Bühne blieben nur diejenigen, die sich mit ganzem Herzen ihrem Schauspielberuf widmeten. Meist waren es die Ehefrauen der Schauspieler.

Englische Schauspieler mussten oft in andere Länder reisen, um ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Manchmal waren diese Reisen sehr lebensbedrohlich. Schauspieler mussten oft hungern und allerlei Entbehrungen durchmachen. Sie traten in der Regel auf Plätzen und Märkten auf offener Himmel. Trotz des Sprachunterschieds wurden englische Schauspieler in verschiedenen Ländern Europas sehr gut aufgenommen, ihr klassischer Schauspielstil und ihre schauspielerischen Fähigkeiten wurden von ihren Zeitgenossen bewundert. Während der Renaissance zeigten englische Schauspieler ihre Kunst in Deutschland, Holland, Dänemark und Frankreich.

Neben dramatischen Schauspielern gingen englische Akrobaten, Pantomimen und Tänzer auf Tournee nach Frankreich. Die Woolton-Brüder eröffneten mit Genehmigung der französischen Regierung einen Zirkus in Dijon. Der berühmte Schauspieler Thomas Betterton besuchte Frankreich im Auftrag der britischen Regierung. Er musste sich mit dem Repertoire und Arrangement von Theatern vertraut machen.

Französische Schauspieler kamen auch auf Tournee nach England, aber das anspruchsvolle Londoner Publikum behandelte ihre Auftritte mit einiger Verachtung. Theaterrequisiten und das Gefolge der Gastdarsteller waren unprätentiös, und die Aufführungen erwiesen sich als langweilig und uninteressant. Dies lag daran, dass hauptsächlich einkommensschwache Schauspieler auf Tournee gingen.

Puppentheaterkünstler waren die ersten, die aus Italien nach England kamen. Ihre Darbietung beeindruckte den König sehr, und er verlieh dem Hauptdarsteller der Marionettentruppe eine Medaille und eine goldene Kette. Italienische Schauspieler, die auf Tournee kamen, genossen die besondere Gunst des Königs. Für Auftritte wurden sie mit Whitehall in versorgt königlicher Palast. Im 18. Jahrhundert fasste die italienische Oper in London Wurzeln, die hauptsächlich vom Londoner Adel besucht wurde. Ihr auf den feinen Geschmack der englischen Aristokratie zugeschnittenes Repertoire eroberte die säkularen Kreise Londons.

Opern wurden zuerst auf Englisch aufgeführt, aber dies erschwerte die Aufführung, was zu einer Diskrepanz im musikalischen Thema und führte englische Übersetzung Italienischer Text. Später sangen englische und italienische Interpreten Arien in ihrer eigenen Sprache, und noch später wurden alle Arien auf Italienisch gesungen. Das Publikum hatte wenig Verständnis für den Inhalt und empfand das Geschehen auf der Bühne nur als mechanischen Spaß, der weder Sympathie noch Nachdenken hervorrief. Viele prominente englische Pädagogen betrachteten die italienische Oper als eine Invasion der Oper Nationalkultur ihr erheblichen Schaden zufügt.

Neue Stücke in handschriftlicher Fassung wurden direkt ins Theater zur Prüfung und Genehmigung gebracht. Normalerweise wurden die ersten Lesungen vom Autor durchgeführt. Die Wahrnehmung des neuen Stücks durch die Schauspieler hing weitgehend von seinen dramatischen Fähigkeiten ab. Einige Stücke musste der Autor mehrfach lesen, um den Schauspielern seine Idee und das Pathos des Werkes zu vermitteln. Nach den Lesungen des Autors mussten viele Stücke von den berühmten Schauspielern bearbeitet und verbessert werden, die die Rollen willkürlich umschrieben und sie an die Manieren oder Charaktere ihrer Kameraden anpassten. Manchmal verbesserten solche Bearbeitungen die Stücke erheblich, und manchmal wurden die Stücke fast vollständig neu geschrieben, um sie mit "Live-Inhalten" zu füllen.

Die Rollenverteilung erfolgte unter direkter Beteiligung des Theaterbesitzers, der meist selbst einer der Hauptdarsteller war. Eine in dieser Zeit beliebte Schauspielerin wurde der Hauptrolle zugeteilt, unabhängig davon, ob sie dieser Rolle gewachsen war oder nicht. Manchmal verdarb die Aufführung einer für ihre Rolle ungewöhnlichen Rolle durch eine beliebte Schauspielerin den Eindruck der Aufführung vollständig. Aber es kam vor, dass der König selbst an der Rollenverteilung teilnahm.

Anerkannt talentierte Dramatiker hatte das Recht, Schauspieler auszuwählen, die an ihren Aufführungen teilnehmen sollten. Ja, und sie haben Theaterstücke geschrieben, die bereits berücksichtigt haben, wer genau diese Rolle spielen wird. Aber die Hauptrolle des Schauspielers spielte in dieser Angelegenheit immer noch eine entscheidende Rolle. Das Publikum entwickelte ein bestimmtes Stereotyp der Figur, und das Publikum konnte im Theater einen Aufstand arrangieren, wenn nicht der Hauptdarsteller an der Aufführung beteiligt war, sondern seine Zweitbesetzung. Dann musste die Vorstellung abgebrochen werden, weil allerlei Gegenstände auf die Bühne flogen, darunter auch brennende Kerzen.

Es dauerte mindestens einen Monat, um die Premiere vorzubereiten. Eine Regie als solche gab es damals noch nicht, und während der Proben konnte der Text diversen unerlaubten Änderungen unterzogen werden. Nachdem sie sich solche Aufführungen angesehen hatten, beschwerten sich Dramatiker darüber, dass ihnen mindestens tausend Zeilen geraubt worden seien. Oft übernahm der Dramatiker die Funktion des Regisseurs des Stückes. Er kümmerte sich um die Inszenierung und Organisation der Arbeit an den Rollen. Er entwickelte auch Inszenierungen und Bewegungen von Figuren im Bühnenraum bis hin zu Gestik und Plastizität.

Die Proben begannen morgens und endeten vor der Aufführung. Sie fanden auf unterschiedliche Weise statt, oft lärmend und dumm, aber manchmal stellten sie sich als ziemlich professionell heraus. Die Abendzeit nach den Aufführungen war dem Auswendiglernen neuer Texte und dem Erlernen von Tänzen gewidmet. Deutlich weniger Zeit und Mühe der Schauspieler wurden für die Wiederaufnahme des zuvor gespielten Stücks in das Theaterrepertoire aufgewendet. Dies dauerte nicht länger als zwei Wochen.

Manchmal führte eine zu hastige Vorbereitung von Aufführungen dazu, dass die Schauspieler den Text nicht gut kannten. Dann trugen sie einen solchen Gag auf die Bühne, dass ihre Kameraden nicht anders konnten, als laut zu lachen, und als sie das Bild verließen, störten sie die Aufführung. In Theatertruppen mangelte es oft an strenger Disziplin und an der mangelnden Bereitschaft mancher Schauspieler, an ihrer Diktion zu arbeiten. Infolgedessen verursachte ihr Spiel Ärger und Unzufriedenheit des Publikums, weil es im Saal unmöglich war, ein einziges Wort von dem zu verstehen, was ein solcher Schauspieler sagte.

Einige Schauspieler erlaubten sich, die Texte des Autors mit kunstvollen Ausdrücken ihrer eigenen Komposition zu dekorieren. Ganze Passagen solcher Laienautoren fügten Aufführungen irreparablen Schaden zu und ruinierten den Ruf des Dramatikers. Einer dieser eifrigen Schauspieler, John Lacy, wurde auf Befehl des Königs verhaftet. Dies geschah, weil er willkürlich Reden mit großem Pathos hielt und das Register der städtischen Laster in dem Stück "Change of Crowns" erweiterte, an dem Karl II. teilnahm. Einige Schauspieler Comic-Genre erlaubten sich, einige Minuten mit der Öffentlichkeit zu sprechen. Es war sinnlos, sie zu verbieten, und die Autoren schrieben unter Berücksichtigung der Eigenschaften solcher Schauspieler in den Bemerkungen des Autors: "Im gleichen Geiste fortfahren" oder "Nach Ermessen des Darstellers".

Die Vorbereitung des Stücks blieb über viele Jahrzehnte der Schwachpunkt des englischen Dramas. Bezahlte Generalproben von Theaterstücken mit Einladung des Publikums wurden im 18. Jahrhundert praktiziert. Zuerst wurden sie von Opernhäusern und später von Schauspielhäusern eingeführt.

Das Schicksal der Aufführung hing von vielen Umständen ab, aber der Erfolg wurde vollständig am Tag der Premiere bestimmt. Die reichsten Gagen erhielt das Theater in der Zeit von November bis Februar. Der Tag der Premiere wurde extra gewählt. Sie sahen nach, ob es an diesem Tag andere öffentliche Veranstaltungen in London gab, die das Theater dazu bringen könnten, dass es keine Zuschauer mehr in der Halle gibt. Der Samstag galt als bester Tag für die Premiere.

Dem Souffleur wurde bei der Vorbereitung der Aufführung ein ziemlich wichtiger Platz eingeräumt. Er schrieb für die Schauspieler jede Rolle einzeln leserlich um und verband die Blätter gegen eine Gebühr in Form eines Buches mit Umschlag. Auf den Seiten dieser Bücher machten Souffleure Notizen und Kommentare für die Schauspieler und nahmen ihre eigenen Anpassungen am Verlauf der Aufführung vor. Im Inventar des Souffleurs befand sich neben Papier, Stiften und Tinte auch immer ein Schnickschnack. Durch den Klang der Pfeife wurde die Szenerie in Bewegung gesetzt und übertragen, und die Glocke benachrichtigte das Orchester von der musikalischen Einführung.

Musik war ein wichtiges strukturelles Element der Aufführung. Sie schuf eine besondere emotionale Atmosphäre und vereinte die Darsteller mit dem Publikum. Das musikalische Thema des Werks während der Aufführung zu ändern, war möglich, ihm verschiedene semantische Schattierungen zu geben. Viele Dramatiker haben speziell mit Komponisten zusammengearbeitet, um Musiknummern für ihre Stücke zu erstellen, da sie erkannten, wie wichtig die Rolle der Musik und der Klang einzelner Musikinstrumente sind.

Die Dramatiker liebten besonders Geige, Flöte und Oboe. Die Londoner Aristokratie bevorzugte die Gitarre, die in Theaterstücken von weltlichen Nachtschwärmern und Frauenhelden gespielt wurde. Die Zahl der Geigen in Theaterorchestern erreichte manchmal 24. Ein Cembalo war immer vorhanden.

Der Standort des Orchesters im Theater wechselte mehrmals. Zuerst wurde es über der Bühne in der Tiefe platziert Bühnenraum. Das Publikum konnte die Musiker nicht sehen. Der Ort, an dem sich die Musiker befanden, wurde „Musikdachboden“ genannt. Später bewegte er sich nach unten und ließ sich zwischen der Bühne und dem Parkett nieder, und noch später sank er auf die untere Ebene unter die Bühne. Der Platz des Orchesters im Theater wechselte mehrmals und bewegte sich von der unteren Ebene nach oben und zurück.

Aber keine einzige Aufführung fand ohne musikalische Begleitung statt. Wo es die geringste Gelegenheit gab, in der Aufführung eine musikalische Nummer zu machen, wurde sie definitiv genutzt. Musikalische Einlagen, Vokalarien und Tanzszenen tauchten in den Stücken von Shakespeare und anderen, früheren Autoren auf. Der Einsatz von Musik erweckte das Stück zum Leben. Um die Aufführung zu dekorieren, schrieben die Dramatiker speziell die Rollen von Zigeunern, wandernden Sängern oder fröhliche Gäste die sangen und tanzten und eine freudige Erweckung des Publikums verursachten.

Vor Beginn der Aufführungen wurde immer angenehme Musik gespielt, um dem Publikum die Langeweile des Wartens zu ersparen. Viele Zuschauer waren extra angereist, um die wunderbare Darbietung musikalischer Werke zu genießen.

Eine musikalische Ouvertüre (notwendigerweise "im französischen Stil") ging dem Prolog der Aufführung voraus. Curtain Melody beendete jeden Akt. Diese Melodie begann während der letzten Zeilen der Charaktere. Der nächste Akt begann mit einer musikalischen Einleitung. Das Ende der Aufführung wurde oft gefeiert allgemeiner Tanz Schauspieler, die in England den beliebten Chaconne-Tanz tanzten. Die Musik begleitete die Verbeugungen der Schauspieler und der abgehenden Zuschauer, bis niemand mehr im Zuschauerraum war.

Die Anzahl der Musiknummern in der Aufführung variierte je nach Genre des Stücks. Die Tragödie umfasste nicht mehr als zwei Lieder, die Komödie mehr als fünf. Unbedingt musste in den Szenen des Festes, der Hochzeit und der Beerdigung musiziert werden. In der Komödie von Thomas Durfey gab es mehr als zwanzig Musiknummern. In dieser Zeit entstand eine neue Art von dramatischer Aufführung, die in unserer Zeit "Operette" genannt wird.

Liebhaber litten unter Serenaden, Diener komponierten satirische Verse über ihre Herren, epische Helden sangen Balladen und Straßenjungen parodierten die Reichen. All dies verschob die Grenzen des Genres, bereicherte die Präsentation mit neuen Details und brachte zusätzliche Farbigkeit in das Spiel der Schauspieler. Die Musik, funktional verflochten mit den Dialogen der Figuren, spielte die Rolle des psychologischen Höhepunkts der Aufführung. Eine solche Aufführung musste die tiefsten Gefühle eines Menschen berühren und gleichzeitig sein Denken erwecken.

Dasselbe Bestandteil Dramatische Darbietungen waren wie Musik Tanzminiaturen. Und es spielt keine Rolle, ob es eine Tragödie oder eine Komödie, eine gewöhnliche Farce oder ein Parodiespiel war. Diese Tanzminiaturen wurden später zum Ballett weiterentwickelt, das zu einer eigenständigen Form der Schauspielkunst wurde.

Dramatiker und Theaterbesitzer gaben sehr wichtig Tanzrepertoire von nicht nur Aufführungen, sondern auch Pausen. Während der Pausen, die das Publikum mit Brandmelodien anlockten, bewahrte die Verwaltung eine friedliche Atmosphäre im Theater und lenkte so die eifrigsten Zuschauer von den unvermeidlichen Schlägereien ab.

Die Londoner Plakate gaben zusammen mit dem Namen des Stücks die Namen der Tänze an, die der Öffentlichkeit angeboten werden würden. Nationale Tänze waren beliebt, darunter schottische, spanische, irische Jig- und Comic-Tänze, die besondere Aufmerksamkeit genossen. Choreographie war ein wesentlicher Bestandteil der Fähigkeiten eines dramatischen Schauspielers. Und der Zuschauer zog es zunehmend vor, ein fröhliches Musikspektakel mit Liedern und Tänzen zu sehen, ohne auf die Handlung des Stücks zu achten. Der Hauptzweck des Theaters – Gefühle zu schulen und das Denken zu entwickeln – wich Spaß und Unterhaltung.

Im Mittelalter liefen einige Tage vor Beginn der Aufführung Fahnenträger oder Herolde mit Erkennungsfahnen durch die Stadt und riefen den Namen des Wunderspiels, das von einer reisenden Theatertruppe aufgeführt werden sollte. Lange Zeit blieb die mündliche Form von Einladungsdurchsagen erhalten, deren Texte gereimt und zur Begleitung von Musikinstrumenten ausgesprochen wurden. In London waren laute Soundeffekte bei Theateransagen verboten, aber in Provinzstädten versammelten Herolde mit Trompete und Trommel immer weit mehr Zuschauer in ihren Theatern, als eine Kirchenglocke Gemeindemitglieder in die Kirche brachte. Mehr als tausend Zuschauer könnten sich in wenigen Minuten zu einer Aufführung wandernder Schauspieler versammeln.

Die alten Traditionen der Ankündigung einer bevorstehenden Theateraufführung wurden bis zum Ende des 18. Jahrhunderts bewahrt. Der Trommler und der Ausrufer waren ein wesentlicher Bestandteil des Flairs des ländlichen Englands dieser Zeit. Während der Trommler mit einem kunstvollen Trommelwirbel die Aufmerksamkeit der Einwohner der Stadt auf sich zog, rief der Herold alle Informationen über die bevorstehende Aufführung und verteilte Programmhefte, auf denen der Name des Stücks und die Beginnzeit der Aufführung angegeben waren.

In London wurde an dem Tag, an dem die Aufführung stattfinden sollte, eine Flagge über dem Theatergebäude gehisst. Die Trompete kündigte die Zeit ihres Beginns an, und der Trompeter aus dem Dachfenster des Theaters blies dreimal in regelmäßigen Abständen.

Das erste Theaterplakat erschien in Frankreich in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts. In England erschienen Plakate viel später, erst 1564. Handgeschriebene Plakate wurden normalerweise an Stangen in der Nähe des Theaters, an den Toren der Hochschulen und aufgehängt Bildungsinstitutionen, in dicht besiedelten Gebieten. Auf dem Plakat prangte in großen Lettern der Name des Theaters und der Aufführung. In seinem oberen Teil befand sich das Staatswappen mit der lateinischen Inschrift "Es lebe der König!" Im 18. Jahrhundert begann der Theaterzettel, die Zusammensetzung der an der Aufführung beteiligten Schauspieler und die Startzeit der Aufführung anzugeben. Der Name des Dramatikers erschien erstmals 1699 auf einem Plakat. Es war der Name des Autors der Komödie „Double Play“ William Congreve. Im Jahr 1700 verbot der Grand Court of London den Theatern, ihre Plakate in und um die Stadt herum aufzuhängen.

Ankündigungen über bevorstehende Aufführungen, ihre Autoren und Schauspieler begannen, Zeitungen zu drucken. An derselben Stelle war neben Werbeinformationen auch die Adresse einer Buchhandlung zu finden, die den Text des Stücks verkaufte. Die Tageszeitung The Daily Courant platzierte 1702 regelmäßig solche Anzeigen, später, in den 1920er Jahren, wurden sie von der Daily Post und dem Daily Journal gedruckt. Theaterankündigungen enthielten damals neben Angaben zur Aufführung selbst auch Angaben wie auf wessen Wunsch (eine der königlichen Personen oder eine adlige Dame) die Aufführung erfolgte, Preise für Sitzplätze im Parkett, auf den Logen und auf den Rängen, usw. In einigen Fällen baten die Eigentümertheater die Verleger, einige Zeilen zu platzieren, die die Darbietung der Schauspieler charakterisieren oder sich auf den Inhalt des Stücks beziehen.

1702 wurde das Verbot der Anbringung von Theaterplakaten in London aufgehoben. Auf den Straßen der Stadt tauchten wieder schwarze und rote Plakate auf. Rote kosten mehr und wurden in der Regel am Tag der Uraufführung oder Benefizvorstellung gedruckt.

Auf der Straße konnte man bei einem Orangenhändler ein kleines Plakat kaufen, das gegen eine kleine Gebühr über die neuesten Theaternachrichten berichtete oder einer der Schauspielerinnen einen Brief überbrachte. Theaterbesitzer beauftragten diese Verkäufer eigens mit dem Verkauf von Obst und Süßigkeiten in den Pausen und verlangten dafür eine bestimmte Gebühr. Solche Händler waren die wertvollsten Informationsquellen über das Leben hinter den Kulissen des Theaters, und die Geschicktesten und Einfallsreichsten von ihnen konnten durch Handel und Geschäfte mit Zeitungsleuten ein beträchtliches Vermögen anhäufen.

Theaterprogramme in Londoner Theatern erschienen in den 60er Jahren des 18. Jahrhunderts nach der nächsten Tournee französischer Schauspieler. Ihr farbenfroh gestaltetes 18-seitiges Programmheft beschreibt ausführlich die Maschinerie, mit der der Held des Stücks, Orpheus, in die Hölle hinabsteigt. Der Text auf dem Cover besagt, woher die Handlung entlehnt wurde, sowie wer und wo genau diese Aufführung präsentieren wird. Um Zeit zu sparen, konnten englische Sendungen die Texte langer Briefe enthalten, mit denen sich das Publikum im Voraus vertraut machen konnte, und die Handlung des Stücks auf diese Weise belästigte das Publikum nicht mit erzwungenen langweiligen Szenen. Manchmal wurden Prolog und Epilog des Stücks auf separaten Blättern gedruckt und vor Beginn der Aufführung verkauft. Am Ende jeder Aufführung wurde eine Ankündigung über die nächste Aufführung gemacht. Die Reaktion des Publikums (Zustimmung oder Empörung) auf den Vorschlag der Theaterleitung bestimmte das Schicksal der bevorstehenden Aufführung.

Die Theaterzeitung Chronik beschrieb bis ins kleinste Detail alles, was sich auf den Bühnen der Theater und hinter den Kulissen abspielte. Auch das Geschehen im Zuschauerraum bis hin zu Prügeleien beschwipster Nachtschwärmer stand im Fokus. Auch die Dekrete des Lord Chamberlain und die Äußerungen der königlichen Zensoren wurden dort abgelegt, und auch Theaterbesuche hochrangiger ausländischer Persönlichkeiten, die häufige Gäste der Londoner Theater waren, wurden erfasst.

Der mit Menschen gefüllte Zuschauerraum des Theaters war ein Spiegelbild der englischen Gesellschaft. Es war ein Ort für Geschäftstreffen und Liebesdaten. Junge Menschen konnten sich ihrer Tugenden und Talente rühmen, und Eltern konnten ihre Töchter für das heiratsfähige Alter zeigen. Der Besuch bei reichen Landbewohnern, die genug von den Fashionistas der Hauptstadt gesehen hatten, brachte neue Eindrücke und modische Outfits in ihre Häuser.

Das Theater versammelte, manchmal in den unerwartetsten und buntesten Kombinationen, Menschen aus verschiedenen Klassen, die sich leidenschaftlich und aufrichtig für die dramatische Kunst begeisterten. Beste Orte Die Stände waren immer von Adligen und Kritikern besetzt. In den Ständen war das Publikum gemischt, und daher wurden die Stände oft zu einem Ort für lautstarke Streitigkeiten und Kämpfe, die sich oft in Duelle verwandelten.

Die mittlere Galerie war den leichtfüßigen Frauen vorbehalten, die mit maskenverhüllten Gesichtern im Theater auftraten. Die obere Empore beherbergte die Dienerschaft, die die Herren und freien Zuschauer begleitete.

Die Reaktion eines so bunt gemischten Publikums auf die Aufführung war schwer vorstellbar, und umso schwieriger war die Aufgabe der Schauspieler, die Aufmerksamkeit des Publikums zu unterwerfen. Aber das ist wahrscheinlich die magische Wirkung der Theaterkunst, wenn das Können und die Emotionen der Schauspieler dieses Parterre faszinieren und in den Raum der Aufführung tragen, das manchmal in seiner Leidenschaft ungezügelt ist, und eine Galerie, die weit entfernt von raffinierten Gefühlen ist.

Wenn Sie das Theater lieben, sind Sie in London. Hier sehen Sie die besten Inszenierungen von Oper und Ballett, die besten Musicals und das beste Schauspiel – immerhin hat der Autor der besten dramatischen Inszenierungen aller Zeiten, William Shakespeare, seine Stücke in London aufgeführt.

Aber der Reihe nach.

Das Royal Opera House „Covent Garden“ ist eines der ältesten Opernhäuser der Welt. Hier finden die besten Aufführungen statt, sowohl von der lokalen Truppe als auch von Gastkünstlern, zum Beispiel von der Mailänder Scala oder dem Bolschoi-Theater in Moskau. Wenn Sie von April bis Mai in London sind und die Oper lieben, rate ich Ihnen, sich unbedingt Verdis La Traviata (19. April - 20. Mai 2014) oder Puccinis Tosca (10. Mai - 26. Juni 2014) anzusehen. Wenn Sie im Sommer nach London kommen, dann schauen Sie sich eine andere Puccini-Oper an, La bohème. Und für Liebhaber des russischen Balletts tourt das Mariinsky Theatre im Juli und August durch London und präsentiert drei klassische Ballettproduktionen von Romeo und Julia, Schwanensee und Aschenputtel (vom 28. Juli bis 16. August).

Das Royal Opera House „Covent Garden“ ist bei Briten vor allem aus höchsten Kreisen sehr beliebt. Hier trifft man oft auf berühmte Politiker und die englische Aristokratie. Als das Royal Opera House 2009 eine Hundertjahrfeier von Sergej Djagilews Ballets Russes inszenierte, konnte ich neben der verstorbenen Margaret Thatcher im Parkett sitzen.

Eintrittskarten für das Royal Opera House müssen im Voraus gekauft werden – am besten mehrere Monate im Voraus. Sie können direkt auf der Website des Theaters gekauft werden, indem Sie mit einer Bankkarte bezahlen. Opernkarten kosten durchschnittlich 120-200 Pfund pro Person, Ballettkarten sind etwas billiger - 70-110 Pfund.

Es ist unmöglich, das berühmte Londoner West End zu ignorieren - den Geburtsort aller Londoner Musicals. Es ist eines der größten Musicals Zentren der Welt nach dem Broadway in New York. Das West End wurde im 19. Jahrhundert zu einem Theaterzentrum, weshalb viele Produktionen noch immer in den Innenräumen des viktorianischen Gebäudes aufgeführt werden. Eine große Anzahl von Musicals basiert auf der Musik moderner (und nicht so) Interpreten. Wenn Sie also beispielsweise ein Fan von Michael Jackson, den Beatles, Queen oder Abba sind, kaufen Sie unbedingt ein Ticket, Sie werden es nicht tun bereue es. Dies ist ein Unterhaltungstheater, das ist das Theater, das Sie verlassen, aufgeladen mit der Energie von Musik und Tanz. Da ich kein großer Fan von Michael Jackson bin, habe ich es irgendwie geschafft, das Musical Thriller zu besuchen. Für den größten Teil der Produktion tanzte ich an einem Stuhl vorbeisowie die meisten anderen Zuschauer. MITGehen war unmöglich!

Es gibt eine Kategorie von Musicals, die so beliebt sind, dass sie seit Jahren in den Kinos laufen. Zum Beispiel das Musical Ausgestoßene “ („Les Miserables“) dauert 28 Jahre, und „ Phantom der Oper “ („Das Phantom der Oper“) seit 27 Jahren. Die Kosten für Eintrittskarten für Musicals betragen im Durchschnitt 50 - 100 Pfund pro Person. Tickets für diese und weitere Musicals können erworben werden.

Musical "Les Misérables" im Queen's Theatre in London

Ein seltenes Musical bleibt mehr als ein paar Jahre auf der Bühne. Aber die englische Produktion von Les Misérables feiert im nächsten Jahr ihr 30-jähriges Bestehen....

Englisches Theater

Im 19. Jahrhundert erfuhr das Theater, wie alle anderen Bereiche der englischen Kultur, eine neue Entwicklung. Der talentierteste tragische Schauspieler Edmund Kean (1787-1833) verkörperte den romantischen Trend in der Theaterkunst.

Edmund Keane ( Reis. 58) wurde in eine Schauspielfamilie hineingeboren. Seine Eltern starben, als er noch ein Kind war. Gezwungen, seinen Lebensunterhalt zu verdienen, zog der junge Mann mit einer Wandertruppe durch englische Städte und Dörfer. Diese Wanderungen sind zu einer guten Schule geworden junger Künstler, der im Alter von zwanzig Jahren viele Teile Englands bereist hatte. Auf die Frage, was es braucht, um ein großartiger Schauspieler zu werden, antwortete der bereits berühmte Keane: „Know how to hunger.“

Reis. 58. Keane als Shylock

Edmund reiste mit einem reisenden Theater und versuchte sich in einer Vielzahl von Rollen und Stücken verschiedener Genres.

In Armut aufgewachsen, hatte der Schauspieler Verachtung für faule Aristokraten und Herrscher, die sich wenig um ihr eigenes Volk kümmerten. Das Lebens-Credo des jungen Keane drückte sich in den Worten aus: „Ich hasse alle Lords, außer Lord Byron.“ Die High Society konnte eine solche Einstellung zu sich selbst nicht verzeihen und verfolgte Keane ständig und nannte ihn einen Schauspieler der Menge.

Auf der Bühne der Provinz berühmt geworden, erhielt der Schauspieler 1914 eine Einladung, in London am Drury Lane Theatre aufzutreten, das in jenen Jahren schwere Zeiten durchmachte. Sein Debüt am Theater der Hauptstadt war die Rolle des Shylock in Shakespeares Der Kaufmann von Venedig. Die Führung von Drury Lane, die sich auf einen Provinzschauspieler stützte, scheiterte nicht: Mit seiner großartigen Leistung eroberte Keane einfach das verwöhnte Londoner Publikum.

Shakespeare wurde Keenes Lieblingsdramatiker. Der Schauspieler fühlte sich von den Eigenschaften angezogen, die er selbst besaß: eine tragische Haltung, ein gesteigertes Gefühl der Ungerechtigkeit, die Ablehnung einer Welt, in der die einen ein elendes Dasein fristen, während die anderen in Luxus baden.

Es war Shakespeare, der Edmund berühmt machte. Der Schauspieler verkörperte die Bilder von Shylock, Richard III, Romeo, Macbeth, Hamlet, Othello, Iago, Lear. Kritiker nannten sein großartiges Spiel den besten Kommentar zum Werk des berühmten Dramatikers, und der Dichter Coleridge argumentierte: „Keanes Spiel zu sehen, ist, als würde man Shakespeare blitzartig lesen.“

Das Bild von Shylock, das Keane in Shakespeares „Der Kaufmann von Venedig“ schuf, hinterließ einen großen Eindruck auf das englische Publikum. Sein Held verbindet überraschenderweise eine ironische Haltung gegenüber den Menschen um ihn herum und ein bitteres Gefühl von Einsamkeit, tiefer Sehnsucht und seelenzerreißendem Hass, versteckt hinter äußerer Demut. The Merchant of Venice, aufgeführt in der Drury Lane, brachte den gestrigen Provinzruhm als bester Schauspieler Englands.

Keane betrachtete die Rollen von Hamlet und Othello als seine bedeutendsten Werke. Sein Prinz von Dänemark, traurig und melancholisch, versteht, dass es unmöglich ist, gegen das Böse zu kämpfen, das in der Welt herrscht. Othello ist von Natur aus ungewöhnlich vertrauensvoll, aufrichtig und ganzheitlich und stellt die Liebe über alles, und daher bedeutet ihr Tod für ihn den vollständigen Zusammenbruch all seiner Bestrebungen.

Großen Erfolg brachte Keane die Rolle des Pfandleihers Overrich in das Stück „ Neuer Weg alte Schulden bezahlen“ von F. Messinger. Das Publikum, gefesselt von der Darbietung des Schauspielers, konnte seine Tränen nicht zurückhalten. Es wird gesagt, dass Byron, der die Aufführung besuchte, so geschockt war, dass er in Ohnmacht fiel.

Um das Verständnis des Zuschauers zu erreichen, hat Keane sorgfältig und lange an jeder Rolle gearbeitet. Er hat alle Bewegungen und Mimik vor dem Spiegel ausgearbeitet, immer wieder an den schwierigsten Episoden zurückgegriffen, gefeilt die kleinsten Details seine Rolle. Der Sport verhalf ihm zu einer außergewöhnlichen Plastizität (Kane galt damals als einer der besten Fechter Englands).

Das letzte Werk des großen Schauspielers war die Rolle des Othello. Nachdem der 46-jährige Schauspieler den Satz „Othellos Werk ist beendet“ ausgesprochen hatte, verlor er das Bewusstsein und stürzte. Drei Wochen später war er weg. Keanes Tod markierte das Ende der romantischen Richtung im englischen Theater.

Edmund Keanes Sohn, Charles Keane (1811-1868), der hauptsächlich in Melodramen spielte, war ebenfalls Schauspieler.

Die viktorianische Ära brachte ihre eigenen Veränderungen in das kulturelle Leben Englands. Für die Literatur waren diese Jahre die Zeit der Entstehung Kritischer Realismus(George Eliot, William Thackeray, Charles Dickens).

Der Name des Schriftstellers Charles Dickens (1812-1870) ist mit dem Übergang des englischen Theaters vom Klassizismus zum modernen Drama verbunden. Für das Theater wurden melodramatische Stücke geschrieben (Country Coquettes, 1836; The Lampmaker, erstmals 1879 veröffentlicht, etc.).

Großen Erfolg für den Dramatiker Dickens brachte die exzentrische Komödie The Strange Gentleman, die auf einer der Handlungen des Essays Essays von Boz basiert. Alle Stücke von Dickens, mit Ausnahme von The Lampmaker, wurden in der Saison 1836-1837 im St. James Theatre aufgeführt. Neben ihnen schuf der Schriftsteller eine Inszenierung seines Romans „ Große Hoffnungen“, aber das Stück wurde nicht aufgeführt.

Dickens' Stücke waren nicht nur in England, sondern auch im Ausland beliebt. Die Handlungen mehrerer seiner Romane bilden die Grundlage für eine Reihe von Opern.

1951 eröffnete der Schriftsteller ein Laientheater, dessen Repertoire aus klassischen und zeitgenössischen Werken bestand. Viele junge englische Dramatiker begannen ihre kreative Karriere in diesem Theater. Dickens, der über hervorragende schauspielerische Fähigkeiten verfügte, spielte in seinem Theater die Rolle des Shallow in „Die lustigen Weiber von Windsor“. Große Popularität erlangte der Schriftsteller auch als ausgezeichneter Vorleser, der seine eigenen Werke auf der Bühne aufführte.

Im gleichen Alter wie Dickens begann der englische Dichter und Dramatiker Robert Browning (1812-1889) im Alter von 22 Jahren für das Theater zu arbeiten. 1835 erschien sein erstes Schauspiel Paracelsius. Dann kamen die für das Covent Garden Theatre geschriebenen historischen Dramen Strafford (1837), The Return of the Druze (1839), King Victor and King Charles (1842). Die Hauptrollen in diesen Produktionen spielte der Schauspieler W. Macready.

1843 inszenierte Covent Garden Brownings The Spot on the Coat of Arms. Und 1853 wurde ein weiteres Stück dieses Autors, Columbus' Birthday, auf seiner Bühne aufgeführt.

Brownings romantische Werke stehen wie seine historischen Stücke in der Tradition des poetischen Dramas von J. G. Byron und P. B. Shelley. Zu einer Zeit, als das Melodrama die englische Bühne dominierte, versuchte Browning, die Aufmerksamkeit der Öffentlichkeit auf eine ernsthafte, bedeutungsvolle Darbietung zu lenken. Von Zeitgenossen missverstanden, bewegte sich der Autor allmählich vom Bühnendrama zum Genre des sogenannten Lesestücks.

Auch das Werk des englischen Schriftstellers und Dramatikers Edward Bulwer-Lytton (1803-1873), der auch eine bekannte politische Persönlichkeit war, ist von der Nähe zum modernen realistischen Theater geprägt. Seine bevorzugten Genres waren Romane und Dramen mit historischen Themen. Gleichzeitig beraubten melodramatische Motive und Methoden der äußeren Prunkhaftigkeit Bulwer-Lyttons Werke des echten Historismus.

Die Dramen „Die Schöne von Lyon“ (1838) und „Richelieu“ (1839) machten den Dramatiker berühmt. Politisch gefragt und zugleich unterhaltsam, szenisch und voller Dynamik erregten diese Stücke sofort die Aufmerksamkeit der großen englischen Regisseure der damaligen Zeit. "Richelieu", inszeniert von Henry Irving, verließ die Bühne des Lyceum Theatre der Hauptstadt lange nicht. Und in den 1840er - 1860er Jahren konnte das russische Publikum das Bulwer-Litton-Drama sehen (die Hauptfiguren wurden von den Schauspielern V. V. Samoilov und N. K. Miloslavsky gespielt).

Edward Bulwer-Lytton wurde nicht nur von historischen Stücken angezogen, sondern auch von Komödien, die die Sitten der viktorianischen Gesellschaft lächerlich machten – „Wir sind nicht so schlecht, wie wir scheinen“ und „Geld“ (1840). Obwohl der Dramatiker sich nicht damit befasste Sozialkritik, zog der Realismus seiner Werke die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich. Die Bulwer-Lytton-Komödien gehörten viele Jahre zum Repertoire englischer Theater.

Der historische Roman Rienzi von Bulwer-Lytton interessierte den berühmten deutschen Komponisten Richard Wagner, der seine Handlung auf der gleichnamigen Oper basierte, die 1840 dem Publikum präsentiert wurde.

Ende des 19. Jahrhunderts begann der berühmte englische Schriftsteller, Prosaist und Dramatiker George Bernard Shaw (1856-1950) seine schöpferische Tätigkeit ( Reis. 59). Er wurde in Dublin in der Familie eines armen Angestellten geboren. Im Alter von zwanzig Jahren zog Shaw nach London, wo er einer der Gründer der Fabian Society wurde. Als Musik- und Theaterkritiker schrieb Bernard mehrere obskure Romane. Sein erstes Stück „Das Haus des Witwers“ erschien 1892. Das Stück berührte wichtige soziale und ethische Themen und kritisierte scharf Vermieter, die Wohnungen in den Slums vermieten. Der Dramatiker forderte seine Leser auf, sich zu verbessern und die Welt um sie herum zu verändern. Das im Independent Theatre aufgeführte Stück „Witwerhaus“ wurde vom Publikum kühl begrüßt und nach zwei Vorstellungen von der Bühne entfernt.

Reis. 59. George Bernard Shaw

In den folgenden sechs Jahren schrieb der Dramatiker neun Theaterstücke (darunter einen Einakter). Das traurige Drama „Heartbreaker“ (1893), das von einer einträglichen Ehe erzählt, die im völligen Scheitern endete, wurde von keinem Theater der Hauptstadt zur Produktion angenommen. 1894 erschien das Drama „Mensch und Waffe“, das die Unmenschlichkeit und Grausamkeit des Krieges aufdeckte. 1897 entstand das Theaterstück „The Devil’s Disciple“ und 1898 erschien die zweibändige Sammlung „Pleasant and Unpleasant“, die Stücke aus verschiedenen Jahren umfasste („Mrs. Warren’s Profession“, 1894; „Man and Weapon“ , "Candida", 1897; "Die Auserwählte des Schicksals", 1897; "Wait and see", 1899 usw.). Das Stück „Mrs. Warren’s Profession“, das das Thema Prostitution aufgreift, wurde von der Zensur verboten, durfte aber später, als es dennoch aufgeführt werden durfte, erst 1902 die Theaterbühnen verlassen. Candida war 1903 in New York ein Riesenerfolg. Und in seiner Heimat erfreute sich Shaw noch keiner Beliebtheit. Die wahre Anerkennung des englischen Publikums erlangte er 1904, als er zusammen mit seiner Frau sowie dem Schauspieler und Regisseur Harley Grenville-Barker das Gebäude des Royal Court Theatre mietete. Shaws Stücke wurden von Grenville-Barker und John Vedrenn inszeniert. Von den 988 Aufführungen, die zwischen 1904 und 1907 auf der Bühne des Royal Court gespielt wurden, wurden mehr als 700 auf der Grundlage von Shaws Werken aufgeführt.

Zu den besten Werken des Dramatikers gehört das Stück „Man and Superman“ (1905) – eine philosophische Komödie, die dem Zuschauer die Einstellung des Autors zu Religion, Ehe und Familie vor Augen führt. Die Entwicklung der menschlichen Gesellschaft wird durch die Auseinandersetzungen von Don Juan, der sich in der Unterwelt wiederfand, mit dem Teufel gezeigt.

Shaws berühmtestes Stück war Pygmalion (1913), eine antiromantische Komödie, die speziell für die Schauspielerin Patrick Campbell geschrieben wurde. Nach dem Tod der Dramatikerin schufen Frederick Lowe und Alan Jay Lerner aus ihren Motiven das Musical My Fair Lady.

Zu Shaws späteren Stücken gehören Heartbreak House (1919), Back to Methusalah (1922), historisches Drama"Saint Joan" (1923), "Apple Cart" (1930) usw.

Die Show, die zum Inbegriff englischen Witzes geworden ist, hat mehr als 50 Werke für das Theater geschaffen. Als der große Dramatiker starb, schalteten Theater in vielen Teilen der Welt in Trauer ihre Lichter aus.

Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung des englischen Theaters leistete der Schriftsteller Oscar Wilde (1854-1900). Wie Shaw wurde er als Sohn eines renommierten Chirurgen in Dublin geboren. Ausgebildet an der Universität Oxford. Wildes erste Werke waren das Gedicht „Ravenna“ (1878) und die Sammlung „Poems“ (1881).

Der Schriftsteller wurde berühmt durch seine lyrischen Geschichten und Märchen („Star Boy“ usw.), den philosophischen Roman „Das Bildnis des Dorian Gray“. Für das Theater schuf Wilde eine Reihe von Stücken mit gesellschaftskritischem Fokus (Lady Windermere's Fan, 1892; An Ideal Husband, 1895; The Importance of Being Earnest, 1899). An Französisch Das Stück „Salome“ wurde geschrieben, 1894 in England veröffentlicht, übersetzt von Alfred Douglas mit Illustrationen des Künstlers Aubrey Beardsley. Dieses Stück bildete die Grundlage für die berühmte gleichnamige Oper von Richard Strauss (1904).

Ende des 19. Jahrhunderts begann der englische Dramatiker Henry Arthur Jones (1851-1929) für das Theater zu schreiben. Aus einer armen Bauernfamilie stammend, verdiente er seinen Lebensunterhalt mit der Schauspielerei.

Als Schauspieler nicht berühmt geworden, wandte sich Jones dem Schreiben von Theaterstücken zu, aber auch seine ersten Stücke brachten nicht den gewünschten Erfolg. Die Theater weigerten sich, seine Werke anzunehmen, und erst 1878 wurde in einem der Provinztheater Jones' Stück "It's just around the corner" zur Produktion angenommen.

Der lang ersehnte Erfolg kam dem Dramatiker, nachdem sein Silver King im Princess Theatre aufgeführt wurde. Zu den bedeutendsten Werken von John zählen die Stücke "Saints and Sinners", "The Dancer", "Rebellious Susanna", "The Triumph of the Hypnots", "Michael and His Lost Angel", "Protection of Mrs. Dane". ". Viele von Jones' Dramen prangern die scheinheilige Moral der viktorianischen Gesellschaft an (The Liars, 1897; The Lies, 1914), obwohl eine Faszination für melodramatische Techniken ihre Bedeutung etwas mindert. Aber trotzdem kann man mit Sicherheit sagen, dass die Arbeit von Jones einen Einfluss auf die Bildung einer realistischen Richtung in der Theaterkunst Englands am Ende des 19. Jahrhunderts hatte. Jones arbeitete mit Bernard Shaw zusammen, und dieser schätzte seine Arbeiten sehr.

Die englische Bühnenkunst des späten 19. Jahrhunderts ist mit dem Namen des Schauspielers und Unternehmers Arthur Voucher (1863-1927) verbunden. 1884 wurde der junge Schauspieler, der in Eton und später in Oxford ausgebildet wurde, einer der Gründer der Oxford University Dramatic Society. Auf seiner Bühne spielte er in Shakespeares Stücken ("Heinrich IV", "Zwölfte Nacht", "Die lustigen Weiber von Windsor", "Julius Caesar").

Vouchers Debüt war die Rolle des Jacques in Shakespeares Komödie As You Like It, die 1889 auf der professionellen Bühne in Wolverhampton aufgeführt wurde. Die Aufführung machte den Schauspieler berühmt, und 1889-1894 spielte er in verschiedenen englischen und amerikanischen Theatern.

1895-1896 leitete Voucher das Royal Theatre, und seine Frau E. Vanbrugh war eine Hauptdarstellerin, die die Hauptrollen in Komödien und Farcen spielte. Zwischen 1900 und 1906 war Voucher künstlerischer Leiter des Garrick Theatre. Zu dieser Zeit spielte er viele Rollen in den Stücken von Shakespeare (Shylock, Macbeth), A. Pinero, J. Gilbert, G. A. Jones. 1910 schloss sich der Schauspieler der Truppe von Beerbom Tree (Hiz majestis tietr) an, wo er die Bilder von Henry VIII und der Foundation in Shakespeares Stücken Henry VIII und A Midsummer Night's Dream verkörperte. Als sehr temperamentvoller und emotionaler Künstler spielte Voucher besonders erfolgreich helle, charakteristische Rollen (John Silver in „Die Schatzinsel“ nach dem Roman von R. L. Stevenson).

Ende des 19. Jahrhunderts begann der Schauspieler und Unternehmer Gerald Hubert Edouard Busson Du Maurier (1873-1934) seine Laufbahn im Theater. Er debütierte als Fritz in Grnadis Stück „The Old Jew“, das 1895 im Garrick Theatre aufgeführt wurde. Im selben Jahr schloss er sich der Truppe Beerbom Three an und ging mit ihr auf Tournee in den Vereinigten Staaten. 1899-1901 besuchte er erneut Amerika, diesmal zusammen mit der berühmten englischen Schauspielerin Patrick Campbell.

Die bedeutendste Bühnenarbeit des Schauspielers zu dieser Zeit war die Rolle von Sandford Cleave in The Famous Mrs. Ebbsmith und Captain Ardale in Pineros The Second Mrs. Tanqueray. 1902 wurde Du Maurier Unternehmer in der Truppe von Ch. Froman („Duke of York Theatre“), wo er die Bilder von Ernest Wooller („Delightful Crichton“ von J. Barry), Hook and Darling („ Peter Pan vom selben Autor).

Vor allem in komödiantischen Rollen war Du Maurier erfolgreich. Die Fähigkeit, sich natürlich, aufrichtig und einfach zu verhalten, half dem Schauspieler, die Liebe des Publikums zu gewinnen. Seine besten Werke waren die Bilder von Montgomery Brewster in McCachons Brewster's Millions und Hugh Drummond in Bulldog Drummond, einer Dramatisierung von McNeils Roman.

In der Zeit von 1910 bis 1925 leitete Du Maurier zusammen mit F. Curzon das Wyndhams Theatre und von 1925 bis 1929 zusammen mit G. Miller das St. James Theatre. Die Bühnenproduktion von Lonsdales Stück The Last Days of Mrs. Cheney (1925) brachte dem Theater großen Erfolg. In der Zukunft inszenierte Du Maurier mehrere weitere Aufführungen in verschiedenen Theatern (Wallace's Bell Ringer, 1926, Wyndham's Theatre; Maugham's Letter, 1927, Playhouse Theatre; Mortons Alibi nach Christies Roman, 1928, Prince of Wells tietr "; "Doctor Pygmalion" Owen, 1932, "Playhouse tietr" usw.).

Eine prominente Figur im englischen Theater des späten 19. bis frühen 20. Jahrhunderts war der Schauspieler, Regisseur und berühmte Lehrer Frank Robert Benson (1858-1939). Schon in jungen Jahren nahm er aktiv an allen Arten von Amateuraufführungen teil. Seine erste professionelle Bühne war das Londoner Theater „Lyceum“, geleitet von G. Irving. Ein Jahr später eröffnete der junge Schauspieler sein eigenes mobiles Theater, das nicht nur in London, sondern auch in Stratford und anderen Provinzstädten auftrat.

Bensons Lieblingsdramatiker war Shakespeare. In nur wenigen Jahren inszenierte der Regisseur fast alle Stücke des großen Dramatikers, mit Ausnahme von Titus Andronicus und Troilus und Cressida. Von 1886 bis 1919 spielte die Kompanie unter der Leitung von Benson im Shakespeare Memorial Theatre in Stratford-on-Avon. In der Heimat von Shakespeare fanden mit ihrer Teilnahme jährliche Festivals von Shakespeares Stücken statt.

Als wunderbarer Schauspieler und Regisseur war Benson auch ein talentierter Lehrer, der viele wunderbare Künstler ausbildete. Er ist der Autor der Arbeit an schauspielkünste. Schrieb Benson und ein Buch mit Memoiren. In den letzten Jahren seines Lebens beschäftigte er sich mit dem Filmemachen.

Als Schauspieler begann der berühmte englische Schauspieler, Regisseur und Dramatiker Harley Grenville-Barker (1877-1946) seine Theaterkarriere. 1891 trat er der Truppe von S. Thorne in Marget bei. Im folgenden Jahr trat Grenville-Barker bereits im London Comedy Theatre auf.

Von 1904 bis 1907 leitete Grenville-Barker zusammen mit dem Dramatiker Bernard Shaw das Royal Court Theatre, Teil der freien Theaterbewegung, die sich auf ernstes realistisches Drama konzentrierte.

Grenville-Barker, der den Bühnenrealismus förderte, träumte von einer Eröffnung nationales Theater mit einem festen Repertoire, aber leider war der Versuch, es zu schaffen, nicht erfolgreich.

Unter den Werken von Grenville-Barker nehmen Aufführungen nach Shakespeares Stücken einen wichtigen Platz ein. Der Regisseur veröffentlichte ein 5-bändiges Werk „Vorwort zu Shakespeare“, in dem er ausführlich die schwierigsten Shakespeare-Stücke für die szenische Umsetzung analysierte und gab praktische Ratschläge in ihrer Inszenierung im modernen Theater. Grenville-Barkers Stücke The Marriage of Anna Leith (1902), Voisey's Inheritance (1905), Madras House (1910), Weather in Khen und andere waren weithin bekannt.

Nach dem Ersten Weltkrieg erhielt England eine Reihe deutscher Kolonien und einen Teil der Länder des Nahen Ostens, die zur Türkei gehörten. Die vom Krieg geschwächte britische Wirtschaft begann sich zu erholen, aber das hielt nicht lange an. Bereits 1921 setzte ein inflationäres Wachstum und ein Sinken des Lebensstandards der Bevölkerung ein.

1924 kam die Labour-Regierung an die Macht, aber trotz aller Bemühungen änderte sich die wirtschaftliche und politische Situation im Land nicht, und die Konservativen, die die Labour-Anhänger ersetzten, verschlimmerten die Situation noch mehr. Im Mai 1924 begann in England ein Generalstreik. Werke und Fabriken wurden komplett stillgelegt, Eisenbahnen und Minen funktionierten nicht mehr. Der Regierung gelang es einige Zeit, die Spannungen im Land abzubauen, aber bereits 1929 brach eine schwere Wirtschaftskrise aus.

Die 1930er Jahre waren auch unruhig. Hitler kam in Deutschland an die Macht, und in England nahm die British Union of Fascists mit der Duldung von Baldwin und Chamberlain, die ihn ersetzten, ihre Aktivitäten auf.

Als der Zweite Weltkrieg begann, stellte sich heraus, dass England darauf völlig unvorbereitet war. Nach der Niederlage bei Dünkirchen verließ das britische Expeditionskorps den Kontinent. Nachdem die Nazis Frankreich besetzt hatten, bereiteten sie bereits eine Invasion der britischen Inseln vor, wurden jedoch durch die von britischen Flugzeugen gewonnene Schlacht um Großbritannien daran gehindert und begannen dann Kampf gegen die UdSSR.

Am 26. Mai 1942 unterzeichneten England und die UdSSR ein Abkommen über ein militärisches Bündnis und eine Zusammenarbeit in Friedenszeiten, aber Churchill verzögerte einige Zeit die Eröffnung einer zweiten Front. Am Ende des Zweiten Weltkriegs enttäuschte die Politik der Konservativen das Volk endgültig, und bei den Wahlen von 1945 errang die Labour Party einen vernichtenden Sieg.

Die soziale Situation des Landes musste sich im englischen Drama der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts widerspiegeln. In diesen Jahren arbeiteten so berühmte Schriftsteller wie Somerset Maugham und John Boynton Priestley im Land.

Reis. 60. Somerset Maugham

Englischer Schriftsteller William Somerset Maugham (1874-1965) ( Reis. 60) wurde in Paris in der Familie des Rechtsberaters der englischen Botschaft geboren. Im Alter von zehn Jahren wurde er ohne Eltern zurückgelassen und wuchs in England bei Verwandten auf. An Tuberkulose erkrankt, ließ sich Maugham in Südfrankreich nieder und zog dann nach Deutschland, wo er Volontär an der Universität Heidelberg wurde. In Deutschland kam der zukünftige Schriftsteller Ibsen nahe

und Wagner. Es waren Ibsens Stücke, die in Maugham den Wunsch weckten, Dramatiker zu werden.

Nach seiner Rückkehr nach England begann Maugham an einer medizinischen Fakultät zu studieren. Drei Jahre lang arbeitete er als Sanitäter in einem Krankenwagen, wodurch er das Leben der einfachen Leute kennenlernte (als Teil seines Berufs besuchte Somerset die ärmsten Viertel Londons). Sein 1897 geschriebener Roman Lisa of Lambeth erzählt von den Londoner Slums. Er brachte dem jungen Schriftsteller den ersten Ruhm. Anschließend schuf Maugham eine Reihe von Romanen, die ein breites Panorama des Lebens der englischen Gesellschaft zeichnen (The Burden of Human Passions, 1915; Theatre, 1937).

Das Theater hat Maugham schon immer angezogen, aber es war nicht einfach, auf diesem Gebiet erfolgreich zu sein. Der Wunsch nach einer realistischen Wiedergabe der Realität schreckte Unternehmer manchmal vom Autor ab. Trägte nicht zur Popularität des Schriftstellers in der Gebrauchsgrafik und zur Produktion seines Stücks "Man of Honor" (1903) bei.

1907 gelang es Maugham schließlich, die vom Publikum begeistert aufgenommene Komödie Lady Frederick zu inszenieren. Danach öffneten die Londoner Theater dem Dramatiker ihre Türen, und im selben Jahr, 1907, erschienen drei weitere Aufführungen, die auf seinen Stücken basierten.

Der Dramatiker schuf eine Spielart, die er „klug“ nannte. Die moderne Realität seiner Arbeit wird durch ein Aufeinanderprallen von Charakteren gezeigt, und die Handlung wird oft unterbrochen, damit die Charaktere die Situation diskutieren können. Bei der Erstellung seiner Stücke verwendet Maugham oft die Techniken, die für die Werke von Shaw und Ibsen charakteristisch sind, aber meistens wendet er sich der englischen Komödie der Restaurationszeit zu. Aus der Dramaturgie der zweiten Hälfte des 16. bis frühen 18. Jahrhunderts stammt die Kunst der Charaktere und Intrigen, die in den Werken von Maugham vorhanden sind. In vielen seiner Stücke findet sich auch ein Interesse an den Traditionen des französischen Theaters.

Maughams frühe Stücke "Lady Frederick", "Mrs. Dot", "Jack Straw", die 1907 in Londoner Theatern aufgeführt wurden, waren im Stil der Salonkomödie geschrieben. In Zukunft entfernte sich der Dramatiker von leichter Satire und wandte sich ernsten realistischen Dramen über "Menschen, die alles wissen" zu. 1913 erschien The Promised Land und erzählte vom Schicksal des armen Mädchens Nora. In einem bürgerlichen englischen Umfeld aufgewachsen, verschlägt es sie nach Kanada zu ihrem Bauernbruder. Sie ist arbeitsunfähig und versucht, sich wie eine Dame zu benehmen, und verärgert die Frau ihres Bruders. Doch nachdem Nora die Frau eines benachbarten Bauern geworden ist, ändert sie sich allmählich und als ihr die Gelegenheit geboten wird, in ihr früheres Leben in London zurückzukehren, weigert sie sich, da sie erkennt, dass sie nicht länger unter Faulenzern und wertlosen Menschen leben kann.

Das Thema des englischen Nachkriegslebens ist das Thema des Stücks The Hearth and the Beautiful Wife (1919). Der Erste Weltkrieg endete und der Major kehrte nach Hause zurück, den alle für tot halten. Seine Frau Victoria heiratete seinen Freund, ebenfalls Major. Freunde konkurrieren im Adel und geben sich gegenseitig das Recht, bei der schönen Victoria zu bleiben, aber sie lässt sich von beiden scheiden und wird die Frau eines Spekulanten, der ein Vermögen mit Militärgütern gemacht hat. Dieser von der Front entflohene Geldbeutel fährt einen Cadillac und hat die Möglichkeit, sich irgendwelche Lebensmittel zu besorgen. Beide ex Mann Die unvergleichliche Victoria behauptet, sie habe immer über ihre Gemeinheit und Gier geahnt. Dies ist der Herd, für den die Briten im Krieg gekämpft haben.

Das Thema der Ehe in der bürgerlichen Gesellschaft wird von Maughams berühmtem Stück The Circle (1919) fortgesetzt. Elizabeth, die Frau eines jungen Politikers, ist enttäuscht von ihrem Mann und bewundert seine Mutter, die sie nie gesehen hat: In ihrer Jugend lief sie mit seinem Freund Lord Proteus, der für das Amt des Premierministers kandidierte, vor ihrem Mann davon. Aber nach einer solchen Tat wurde den Liebenden der Zugang zur Gesellschaft verschlossen, und nur Elizabeth lud sie heimlich zu sich ein. Was war ihre Enttäuschung, als sie statt eines romantischen Paares eine sich verjüngende alte Frau und einen ungezogenen, bösen alten Mann sah. Vieles wurde der jungen Frau klar, aber sie gab ihre Liebe nicht auf und verließ das Haus eines wohlhabenden Mannes, um mit einem jungen Kolonialbeamten ins ferne Malaya zu gehen.

Zwischen 1928 und 1933 erschienen vier weitere Maugham-Stücke: The Sacred Flame (1928), The Breadwinner (1930), Military Merit (1932) und Sheppey (1933). Der Provinzanwalt im Drama „For Military Merit“ glaubt, dass Gerechtigkeit und Wohlstand in der Gesellschaft herrschen, obwohl seine eigene Familie unter dem Druck der Umstände stirbt.

Sohn Sydney kam blind aus dem Krieg zurück, und eine der Schwestern kümmert sich um ihn, obwohl es sie belastet und quält. Sie träumt davon, ihr Schicksal mit einem Mann zu vereinen, der ebenfalls kürzlich von der Front zurückgekehrt ist, aber ihr Verlobter, der sich in dieser Gesellschaft nicht wiederfinden kann, begeht Selbstmord, und das unglückliche Mädchen verliert den Verstand. Ihre Schwester wird die Frau eines demobilisierten Offiziers - einer arroganten und ungezogenen Person. Tragisch ist auch das Schicksal der dritten Tochter. Um einer düsteren Situation zu entkommen, rennt sie mit einem wohlhabenden Spekulanten, der sein Vermögen mit schmutzigen Geschäften gemacht hat, von zu Hause weg. Der Krieg brach das Schicksal aller Familienmitglieder. Sidneys Worte sind voller Bitterkeit: „Ich weiß, dass wir alle Marionetten in den Händen mittelmäßiger Narren waren, die unsere Länder regierten. Ich weiß, dass wir alle ihrer Eitelkeit, Gier und Dummheit geopfert wurden. Und das Schlimmste ist, dass sie, soweit ich weiß, nichts gelernt haben.“

Die Geschichte des Protagonisten aus dem Drama „Sheppy“ ist traurig. Sheppey, ein Friseur mittleren Alters, wurde stolzer Besitzer eines großen Gewinns.

Er träumt davon, Bedürftigen zu helfen, aber seine Tochter und ihr Verlobter glauben, dass dieses Geld ihnen helfen wird, hineinzukommen große Politik, und suche die Anerkennung von Sheppey verrückt.

Die nichtkommerzielle Kunstproduktion von Sheppey scheiterte und Maugham beschloss, das Schreiben von Theaterstücken aufzugeben und nie wieder für das Theater zu arbeiten.

Reis. 61. John BoyntonPriestley

John Boynton Priestley (1894-1984) ( Reis. 61) wurde in der Stadt Bradford (Yorkshire) in der Familie eines Lehrers geboren. 1914 wurde er Student an der Cambridge University, meldete sich aber bei Ausbruch des Ersten Weltkriegs freiwillig an die Front. Priestley schloss sein Studium an der Universität nach Kriegsende ab. Als Essayist, Literaturwissenschaftler und Kritiker erlangte er bald Berühmtheit. Der 1929 geschriebene Roman The Good Companions, der den Leser in das Leben umherziehender Schauspieler einführt, brachte Priestley großen Erfolg. Erster und Außergewöhnlicher gute Erfahrung Autor der Dramaturgie war das Theaterstück „Dangerous Turn“, das 1932 inszeniert wurde.

Genau wie Maugham war Priestley in der Lage, menschliche Typen genau zu vermitteln und Intrigen zu erzeugen. Gleichzeitig sind seine Stücke problematischer als die Werke von Maugham und Shaw.

In „A Dangerous Turn“ enthüllt Priestley wie Maugham, was sich hinter dem äußeren Wohlbefinden des Lebens verbirgt. Was hinter den Schichten von Lügen und Betrug erscheint, ist wirklich schrecklich. Der Dramatiker baut Theaterstücke nach dem Prinzip des „Detektivs im geschlossenen Raum“. Im engen Bekanntenkreis ist ein Mord begangen worden, jeder steht unter Verdacht, und gleichzeitig werden alle zu Hobbydetektiven.

Allmählich entspinnt sich eine Kette von Enthüllungen, begonnen durch versehentlich fallengelassene Worte auf einer Party beim Verleger Robert Kaplan, der erfährt, dass sein geliebter Bruder Martin ein Sexwahnsinniger war und nicht, wie offiziell angenommen, Selbstmord begangen hat, sondern von einer Frau getötet wurde . Fast alle seine Verwandten waren an seinem Tod beteiligt. Als Robert die schreckliche Wahrheit erfuhr, nahm er sich das Leben. Dies ist jedoch nur eine hypothetische Version der Ereignisse. Die darauffolgende Dunkelheit löst sich auf und die Atmosphäre des ersten Akts erscheint wieder vor den Augen des Zuschauers. Die Charaktere führen dasselbe Gespräch, und der Satz, der als Beginn der Belichtung diente, wird nicht entwickelt. "Gefährliche Wende" sicher bestanden, die Party geht weiter. Doch was sich eigentlich hinter dem ruhigen Lebenslauf verbirgt, ist dem Betrachter bereits bekannt.

1937 erschien Priestleys Theaterstück Time and the Conway Family, in dem der Autor die Turn-of-Events-Technik anwendet. Die Handlung beginnt 1919 Familienurlaub. Eine freundliche und wohlhabende Familie feiert Kates Geburtstag. Das Mädchen ist einundzwanzig Jahre alt, voller Hoffnung auf eine glückliche Zukunft und träumt davon, Schriftstellerin zu werden.

Der zweite Akt bezieht sich auf das Jahr 1937. Die Charaktere sind die gleichen, aber sie sind alle unglücklich. Eine Party, die vor vielen Jahren stattfand, war ein Ereignis, das das Leben der Familie in eine Richtung lenkte, die alle ihre Mitglieder zu einem traurigen Ergebnis führte.

Der dritte Akt bezieht sich wieder auf das Jahr 1919, doch nun wirkt das Familienfest auf den Zuschauer, der viele Jahre später erfahren hat, nicht heiter und fröhlich.

Auch in seinen weiteren Stücken thematisierte Priestley das Motiv der Zeit: „I was here before“ (1937), „Music at night“ (1938), „Johnson beyond the Jordan“ (1939). Um die Eigenschaften seiner Figuren zu vertiefen, versetzt der Autor sie in eine ungewöhnliche Umgebung, die enthüllt, was zuvor nicht nur anderen, sondern auch ihnen selbst verborgen war.

In einer Reihe von Stücken verwendet Priestley kühne Experimente. So treten in dem Drama "From Paradise Times" (1939), das auf den Bühnen der Theater in vielen europäischen Ländern stattfand, die Schauspieler direkt vor den Augen des Publikums in die Figur ein und wechseln sogar die Rollen.

Der englische Dramatiker schätzte Tschechows Werk sehr. Am deutlichsten wird sein Einfluss in dem Stück „Eden End“ (1934). Eden End, das an Tschechows Der Kirschgarten erinnert, erzählt die Geschichte einer Frau, die vor vielen Jahren vom Haus ihrer Eltern weglief, um Schauspielerin zu werden. Jetzt kehrte sie in das ruhige und gemütliche Zuhause ihres Vaters zurück und träumte davon, sich wieder glücklich zu fühlen. Aber die Vergangenheit kann nicht zurückgebracht werden, und die Figuren des Stücks, so sehr sie es auch mögen würden, können kein neues Leben beginnen.

Comedy nimmt einen wichtigen Platz in Priestleys Dramaturgie ein. In diesem Genre hat der Schriftsteller eine Reihe ungewöhnlich witziger Werke geschaffen, die das Leben der Gesellschaft kritisieren. Seine Komödien waren in europäischen Ländern äußerst beliebt, brachten dem Dramatiker in seiner Heimat jedoch keinen großen Erfolg.

Die Komödie The Rocket Grove (1933) war weithin bekannt. Ein unauffälliger und bescheidener Besitzer eines kleinen Schreibwarenlagers gesteht seiner Familie plötzlich, dass er tatsächlich eine Bande von Fälschern anführt. Verwandte, die davon gehört haben, zeigen ihm jeden Respekt, obwohl sie ihn zuvor mit Verachtung behandelt haben. Sie alle glauben, dass er nicht schlimmer ist als die großen Finanzmagnaten, die ihn während der Wirtschaftskrise bankrott gemacht und zum Verbrecher gemacht haben.

Einige Komödien zeugen von Priestleys Interesse am Leben von Vertretern bestimmter Berufe (Love by the Light of Jupiter, 1936; Good Night, Kids, 1941).

Etwas abseits steht das Theaterstück „Bienen an Bord eines Schiffes“ (1936), das der Autor selbst „eine possenhafte Tragödie in zwei Akten“ und „eine politische Satire in Form einer Farce“ nannte. Die Besatzung, die auf einem während der Wirtschaftskrise von ihren Eignern ihrem Schicksal überlassenen Ozeandampfer ausgesetzt wurde, versucht ihr Schiff vor allerlei Attentatsversuchen zu retten. Im Finale stirbt das Schiff durch eine Explosion, die von der Firma - dem Eigentümer des Liners - organisiert wurde.

Ungewöhnlich ist auch Priestleys utopisches Drama They Came to the City (1943), inspiriert von dem utopischen Roman News from Nowhere, or the Age of Happiness (1891) des englischen Künstlers und Schriftstellers William Morris. Die Helden von Priestleys Stück leben in einer Stadt, in der es kein Privateigentum gibt, sie sind glücklich und fröhlich. Mit der Technik des „Shift in Time“ führt der Autor Charaktere aus verschiedenen Schichten der modernen englischen Gesellschaft in das Stück ein, die die ungewöhnliche Stadt und ihre Bewohner unterschiedlich wahrnahmen.

Zwei weitere Stücke von Priestley wurden mit großem Interesse aufgenommen: The Inspector Came (1945) und The Linden Family (1947).

Im ersten Stück wendet der Dramatiker wieder seine Lieblingstechnik der „Zeitverschiebung“ an. Die Familie des Industriellen Berling feiert die Verlobung ihrer Tochter. Plötzlich erscheint ein Polizeiinspektor im Haus, der den Selbstmord eines Mädchens namens Eva Smith untersucht. Es stellt sich heraus, dass alle Familienmitglieder an ihrem Tod schuld sind. Beurling feuerte sie aus seinem Unternehmen, seine Tochter sorgte dafür, dass Eva aus dem Laden geworfen wurde, und ihr Verlobter verführte und ließ die Unglücklichen zurück. Zu allem Überfluss sorgte Burlings Frau, die Einfluss auf die Wohltätigkeitsorganisation hatte, dafür, dass dem Mädchen die Hilfe verweigert wurde.

Nachdem der Inspektor alles herausgefunden hat, geht die Familie Berling, überrascht, dass sich ihre Handlungen auf dasselbe Mädchen beziehen, und beginnt, das Krankenhaus und die Polizei zu rufen. Sie erfahren, dass es keine Selbstmordfälle gab und der Kommissar mit diesem Namen nicht für die Polizei arbeitet. Die Berlings beruhigten sich, aber wie sich herausstellte, zu früh. Plötzlich klingelte das Telefon und dem Familienoberhaupt wurde mitgeteilt, dass ein Mädchen, das zuvor in seiner Fabrik gearbeitet hatte, im Krankenhaus gestorben sei und ein Polizeiinspektor käme, um die Todesumstände zu klären.

In den 1950er Jahren arbeitete Priestley weiterhin als Dramatiker, aber er konnte nichts Bedeutendes mehr schreiben.

Einen großen Beitrag zur Entwicklung des englischen Dramas leistete der Dichter Thomas Stearns Eliot (1888-1965) (Abb. 62), der davon träumte, ein neues poetisches Drama zu schaffen, das auf den Traditionen der antiken und mittelalterlichen Kunst basiert.

Reis. 62. Thomas StearnsEliot

Eliot wurde in den USA geboren. 1910 kam er nach Europa, um an der Sorbonne zu studieren. Seine Ausbildung als Schriftsteller erfolgte unter dem Einfluss modernistischer Strömungen, die zu Beginn des Jahrhunderts auftauchten. Unzufrieden mit der modernen bürgerlichen Kultur wandte sich Eliot bei seiner Suche dem Neoklassizismus zu, der auf den Traditionen der Antike und des Mittelalters basierte.

Eliots Übergang vom Liedtext zum Drama ist mit seinem brennenden Wunsch verbunden, „wahre Spiritualität“, die Ideale des Humanismus, zu vermitteln mehr von Leuten. Dieses Ziel verfolgen alle seine Stücke, die in den 1930er und dann in den 1940er und 1950er Jahren erschienen („Mord im Dom“, 1935; „Familientag“, 1938; „Cocktailparty“, 1949; „ persönlicher Sekretär", 1953; „Der ältere Staatsmann“, 1958).

Die Frage nach der persönlichen Verantwortung eines Menschen für alles, was in der Welt passiert, wird durch das Stück „Mord in der Kathedrale“ aufgeworfen, das ein anschauliches Beispiel für Eliots poetische Tragödie war. Der Dramatiker, der sein Werk in Friedenszeiten schuf, schien den kommenden Weltkrieg vorauszusehen, bis zu dem es noch fünf Jahre dauerte.

"Murder in the Cathedral" sollte beim Canterbury Festival gezeigt werden, wo auch andere Werke präsentiert wurden, die das Schicksal von Thomas Becket, dem Erzbischof von Canterbury, der im 12. Jahrhundert lebte, erzählen. Becket half Heinrich II. beim Kampf für eine zentralisierte Monarchie, wurde aber später zum Gegner des Königs, wofür er mit seinem Leben bezahlte. Nach seinem Tod wurde der Erzbischof von der Kirche als Heiliger heiliggesprochen. Die Persönlichkeit von Becket sorgt immer noch für Kontroversen unter Historikern und Schriftstellern. Eliot stellte seinen Helden als einen Mann dar, dessen Handlungen vom Wunsch nach hoher Spiritualität getrieben waren, weshalb er gegen die niederen Interessen des Monarchen und seiner Günstlinge kämpfte. Indem er das Martyrium akzeptierte, nahm Becket die Sünden der Menschheit auf sich und öffnete den Menschen den Weg zu Humanismus und Wahrheit.

Das Stück, das poetische Sprache mit Prosa verbindet, basiert nicht nur auf historischem Material, sondern auch auf den Realitäten der 1930er Jahre. So ähneln die Reden der Ritter, die den Erzbischof getötet haben, sehr den Reden der extremen Rechten mit der Drohung einer „Nacht der langen Messer“ an alle, die mit ihren Ideen nicht einverstanden sind.

Die größten Vertreter der englischen linken Dramaturgie waren der Dichter Whiston Hugh Auden (1907-1973) und der Romancier Christopher Isherwood (geb. 1904), die den Versuch unternahmen, ein modernes poetisches Drama zu schaffen, das auf den Traditionen des englischen Varietés basiert .

1933 schrieb Auden das Theaterstück Dance of Death, das das Ende der modernen bürgerlichen Gesellschaft voraussagte. 1936 wurde es von Regisseur Rupert Doone auf der Bühne des Londoner Group Theatre aufgeführt. In Zukunft arbeitete der Dramatiker mit Isherwood zusammen.

Auden und Isherwoods Stück The Dog Under the Skin (1935), das 1936 aufgeführt wurde, stieß auf Interesse. Dieses Werk, das Elemente der Parodie, der hohen Poesie, des Agitprop, der Märchen und des Expressionismus enthielt, hatte gleichzeitig eine stilistische Einheit.

Jedes Jahr schicken die Dorfbewohner von Pressen Embo einen der jungen Männer auf die Suche nach Sir Francis, dem plötzlich verschwundenen Erben des Anwesens. Die Reihe kam an Alan Norman, einen ehrlichen und einfachen Mann. Zusammen mit ihm erholt sich der Hund Francis, der in der einen oder anderen Familie lebt, unterwegs. Reisende besuchten viele Länder und trafen sich mit unterschiedliche Leute aber es wurde kein Nachfolger gefunden. Alan hatte bereits beschlossen, weitere Suchen einzustellen, als er herausfand, dass sein Hund der gesuchte Sir Francis war. Das Hundefell half ihm, viel zu lernen, zu verstehen, wie marode die gesellschaftlichen Grundlagen waren. Als Francis in sein Dorf zurückkehrte, sah er, dass die Ideen des Faschismus darin alle anderen überwogen. Zusammen mit einer Gruppe junger Menschen zieht der Erbe los, um gegen Ungerechtigkeit und Böses zu kämpfen.

Von großem Interesse ist das symbolträchtige Stück On the Border (1938) von Auden und Isherwood, das von zwei Familien erzählt, die im selben Raum leben. Zwischen ihnen liegt eine unsichtbare Linie, die sie in zwei Kriegsparteien verwandelt hat. Zu den Figuren des Stücks gehören junge Liebende, die diesen Familien angehören, die erst nach dem Tod vereint sind, der Kyniker, der die Natur des Faschismus erklärt (das Oberhaupt des Stahlkonzerns), und der Anführer, der Demagoge, der von der genährt wird Zyniker.

Anschließend wichen Auden und Isherwood von ihren früheren Ideen ab. 1966 wurde Isherwoods Roman Farewell to Berlin (1939), der von Deutschland vor der Machtübernahme durch die Nazis erzählt, im Musical Cabaret aufgeführt, und 1972 - der berühmte gleichnamige Film.

Der Erste Weltkrieg und die Zeit davor zerstörten das bereits im 19. Jahrhundert entstandene System der Theaterunternehmen, an deren Spitze die Schauspieler G. B. Tree, G. Irving, J. Alexander standen. Das kommerzielle Theater des West End trat im Theaterleben Englands in den Vordergrund und bot den kriegsmüden Menschen fröhliche und spektakuläre Spektakel. Farcen, Melodramen, leichte Komödien sowie Musikshows waren sehr beliebt.

Die Lage im Theaterweltänderte sich in den Nachkriegsjahren nicht. Auf der Bühne herrschten immer noch leichte Genres, und ernste Stücke von Strindberg, Ibsen, Tschechow waren nur auf den Bühnen kleiner Londoner Theater (Evryman, Barnes) und Theaterclubs zu sehen. Der amerikanische Kritiker T. Dickinson schrieb über das damalige englische Theater: „Die Britischen Inseln sind politisch isoliert. Das englische Theater befindet sich in ähnlicher Isolation. In den 1920er Jahren erwies sich das Theater Großbritanniens als weitgehend unfähig, auf die tiefen Impulse zu reagieren, die das Theater auf dem Kontinent leiteten.

Die englische Jugend, die die Traditionen der viktorianischen Ära ablehnte und eine amerikanisierte Lebensweise anstrebte, war gelangweilt von Shakespeare, dessen Dramen von der Bühne des West End verschwunden waren.

Die Aufführungen des Cambridge Festival Theatre, das von 1926 bis 1933 von Terence Gray geleitet wurde, wurden zu echten Parodien auf den großen Shakespeare. So hielt Portia in Der Kaufmann von Venedig ihren berühmten Monolog über die Barmherzigkeit mit gelangweiltem Blick und völlig ausdrucksloser Stimme, und die Richter, die vor ihr saßen, gähnten. Die Adligen in Henry VIII, inszeniert von Gray, sind in Kostüme von Kartenbuben und -königinnen gekleidet, und anstelle einiger Charaktere sah das Publikum Nachbildungen von Spielkarten.

Es ist interessant, dass sich die englischen Regisseure dieser Zeit oft der Komödie der Restaurationszeit zuwandten, wenn sie die Klassiker leugneten. Unter ihnen war der berühmte Schauspieler, Regisseur und Besitzer des Lyric Theatre in London, Nigel Playfair, der eine Reihe alter Komödien inszenierte. Auf der Lyrica-Bühne wurden auch Aufführungen nach Stücken von Komikern des 18. Jahrhunderts aufgeführt, die im Zeitgeist interpretiert wurden. So verlor beispielsweise John Gays Beggar's Opera, die drei Jahre lang die Lyric-Bühne nicht verlassen hatte, ihren satirischen Fokus und verwandelte sich in ein leichtes, fröhliches Spektakel. In Playfairs Interpretation repräsentierte Gays Stück ein sorgloses und fröhliches Zeitalter, dessen Atmosphäre dazu beitrug, die in den Kronleuchtern des Auditoriums angezündeten Kerzen, die Perücken der Musiker des Theaterorchesters sowie die Musik von Händel und Purcell zu vermitteln . N. Marshall beschrieb Playfairs stilistisches Können als Regisseur sehr treffend: „Im stillosen englischen Theater dieser Zeit gab er ein Beispiel für einen eleganten und ganzheitlichen Bühnenstil.“

Der Star des Lyric Theatre war die Schauspielerin Edith Evans (1888-1976), die während der Restauration mit den Rollen junger Comedy-Heldinnen begann. Ein großer Erfolg brachte ihr 1924 das Bild von Milliment in dem Stück "So tun sie in der Welt", das auf dem Stück von Congreve basiert. Milliment ist, genau wie Sallen in Farkers „Cunning Plan of the Dandies“, ein ungewöhnlich fröhliches und anmutiges Wesen, das danach strebt, alle Freuden des Lebens kennenzulernen.

Die Stücke von Bernard Shaw, gespielt auf den Bühnen des West End und in experimentellen kleinen Theatern, hatten großen Erfolg beim englischen Publikum der 1920er Jahre. "Saint Joan", inszeniert im New Theatre, brachte den Machern ein grandioses kommerzieller Erfolg. Die Aufführung verließ die Bühne lange Zeit nicht und hielt mehr als zweihundertvierzig Aufführungen stand. Die Rolle der Jeanne wurde von der berühmten Tragödin Sybil Thorndike (1886-1976) gespielt.

Die Rolle der Jeanne war von Bernard Shaw selbst für Sybil Thorndike vorgesehen. Er probte mit ihr und anderen Schauspielern und versuchte, ihnen den Eindruck zu vermitteln, dass sie ein modernes Stück spielten und kein Kostümdrama, das der Vergangenheit gewidmet war. Sybil Thorndike spielte eine Heldin, deren Hauptmerkmale nicht Romantik, sondern ein nüchterner Geist und moralische Stärke waren. Beim Anblick von Zhanna verstand das Publikum, dass dieses einfache Bauernmädchen, das sich in längst vergangenen Schlachten bewährt hatte, die Heldin des modernen Ersten Weltkriegs werden könnte.

Ende der 1920er Jahre in Theaterkreise Die Idee war geboren, jährliche Festivals der Stücke von Bernard Shaw in der kleinen Stadt Malvern zu veranstalten. Das erste Malvern Festival fand Anfang 1929 statt und wurde mit Shaws Theaterstück The Apple Cart eröffnet. Rolle Hauptfigur Schauspielerin Edith Evans spielte in dieser Aufführung. Das Festival dauerte bis zum Ausbruch des Zweiten Weltkriegs.

Barry Jackson (1879-1961), der das Birmingham Repertory Theatre leitete, spielte eine wichtige Rolle bei der Organisation des Malvern Festivals. Dieses Theater wurde 1913 eröffnet, etwa zur gleichen Zeit wie die Repertoiretheater von Bristol, Manchester und Liverpool. Im Gegensatz zu kommerziellen hatten sie eine feste Truppe und führten ernsthafte, problematische Stücke auf. Auf der Bühne des Birmingham Repertory Theatre gab es Aufführungen nach Werken von D. Galsworthy, A. Strindberg, B. Frank, G. Kaiser und natürlich B. Shaw. 1923 inszenierte Barry Jackson seine Pentalogie Back to Methusalah, in der berühmte Londoner Schauspieler, darunter Edith Evans, zusammen mit Vertretern der Birminghamer Theatertruppe spielten. Shaw nahm auch an den Proben teil.

1925 zeigte die Truppe von Barry Jackson in London "Hamlet" (Regisseur - G. Eilif). Das Londoner Publikum war noch nie so überrascht: Hamlet trug einen Trainingsanzug, Laertes in Oxford-Hose kam mit einem Koffer mit einem bunten Aufkleber auf die Bühne: "Passenger to Paris". Polonius trug einen Frack und Claudius einen Morgenmantel aus scharlachroter Seide. Die Höflinge des Königs spielten Bridge und tranken Whiskey. Das dänische Königreich hat sich mit seinen gut etablierten Traditionen zum modernen England entwickelt. In diese alte heuchlerische Welt trat Hamlet mit seiner Wahrheit ein, die er aus den Schützengräben des Ersten Weltkriegs mitgebracht hatte.

In den 1920er Jahren erschienen Tschechows Stücke im Repertoire der Theater in England. Eine bedeutende Rolle bei der Bekanntmachung des englischen Publikums mit Tschechows Werken spielte der Regisseur Fjodor Komissarzhevsky (1882-1954), der 1925 vom Unternehmer Philip Ridgway ins Barnes Theatre eingeladen wurde. Die erste Aufführung eines russischen Regisseurs auf der Bühne von Barnes war Ivanov (R. Farkerson spielte darin die Hauptrolle). Dann wurde Drei Schwestern (1926) inszeniert, von Komissarzhevsky als romantisch erhabenes und außergewöhnlich poetisches Spektakel interpretiert. Der Regisseur verwendete helle Licht- und Farbeffekte, die für Tschechows Stil ungewöhnlich sind. Im selben Jahr, 1926, sah das Publikum von "Barnes" zwei weitere Dramen von Tschechow - "Onkel Wanja" und "Der Kirschgarten".

In jenen Jahren wurden Tschechows Stücke nur in kleinen Theatern aufgeführt, und erst in den 1930er Jahren konnten sie fast das gesamte englische Publikum sehen. Zur gleichen Zeit erschien eine ganze Galaxie im Land talentierte Schauspieler. Zusammen mit den Stars der 1920er Jahre (Sybil Thorndike, Edith Evans etc.) glänzten Laurence Olivier, John Gielgud, Peggy Ashcroft, Ralph Richardson, Alec Guinness auf der englischen Bühne. Man konnte sie hauptsächlich im Old Vic und Gielgud's Entreprise in den New und Queens Theatres spielen sehen.

Das an der Waterloo Road gelegene Old Vic wurde im 19. Jahrhundert eröffnet, wurde aber vor dem Ersten Weltkrieg weithin bekannt. In den Jahren 1918-1923 wurden Shakespeares Stücke auf seiner Bühne aufgeführt, auf der die besten englischen Schauspieler spielten, die die hohen Gagen des West End um der echten Kunst willen ablehnten. Edith Evans wurde in alle Theater des West End eingeladen, aber sie zog ein kleines Gehalt im Old Vic vor. In Shakespeares Stücken spielte sie viele Rollen, darunter Katarina, Viola, Rosalind.

Shklovsky Viktor Borisovich