Musikinstrumente Ost- und Zentralasiens. Einzigartige Musikinstrumente Zentralasiens

Dutar. Du - zwei. Teer - Schnur. Ein Instrument mit festen Bünden und zwei Sehnensaiten. Denken Sie, je weniger Saiten, desto einfacher ist das Spielen?

Dann hören Sie sich das Spiel eines der besten Dutar-Spieler an – Abdurakhim Khait, einem Uiguren aus Xinjiang, China.
Es gibt auch ein turkmenisches Dutar. Die Saiten und Bünde der turkmenischen Dutar sind aus Metall, der Korpus ist ausgehöhlt, aus einem Stück Holz gefertigt, der Klang ist sehr hell und klangvoll. Die turkmenische Dutar ist seit drei Jahren eines meiner Lieblingsinstrumente, und die auf dem Foto gezeigte Dutar wurde mir erst kürzlich aus Taschkent mitgebracht. Erstaunliches Werkzeug!

Aserbaidschanische Saz. Die neun Saiten sind in drei Gruppen unterteilt, die jeweils im Einklang gestimmt sind. Ein ähnliches Instrument heißt in der Türkei Baglama.

Hören Sie sich unbedingt an, wie dieses Instrument in den Händen eines Meisters klingt. Wenn Sie wenig Zeit haben, schauen Sie mindestens ab 14:30 Uhr zu.
Abgeleitet von Saz und Baglama Griechisches Instrument Bouzouki und seine irische Variante.

Oud oder al-ud, wenn man dieses Instrument auf Arabisch nennt. Aus dem arabischen Namen dieses Instruments leitet sich der Name der europäischen Laute ab. Al-ud – Laute, Laute – hörst du? Ein normales Oud hat keine Bünde – die Bünde dieses Exemplars aus meiner Sammlung sind auf meine Initiative entstanden.

Hören Sie, wie ein Meister aus Marokko Oud spielt.

Aus der chinesischen zweisaitigen Violine Erhu mit einem einfachen Resonanzkörper und einer kleinen Membran aus Leder ging die zentralasiatische Gijak hervor, die im Kaukasus und in der Türkei Kemancha genannt wurde.

Hören Sie, wie die Kamancha klingt, wenn Imamyar Khasanov sie spielt.

Rubab hat fünf Saiten. Die ersten vier sind gedoppelt, jedes Paar ist unisono gestimmt und es gibt eine Basssaite. Der lange Hals hat Bünde, die der chromatischen Tonleiter von fast zwei Oktaven entsprechen, und einen kleinen Resonator mit einer Ledermembran. Was bedeuten Ihrer Meinung nach die nach unten gebogenen Hörner, die vom Hals zum Instrument hin verlaufen? Erinnert Sie seine Form nicht an einen Widderkopf? Aber okay, was für ein Sound! Sie hätten den Klang dieses Instruments hören sollen! Es vibriert und bebt trotz seines massiven Halses; es erfüllt den gesamten Raum mit seinem Klang.

Lauschen Sie dem Klang des Kashgar Rubab. Aber mein Rubab klingt ehrlich gesagt besser.

Der iranische Teer hat einen doppelt ausgehöhlten Körper aus einem einzigen Stück Holz und eine Membran aus dünner Fischhaut. Sechs gepaarte Saiten: zwei Stahlsaiten, dann eine Kombination aus Stahl und dünnem Kupfer, und das nächste Paar ist auf eine Oktave gestimmt – die dicke Kupfersaite ist eine Oktave tiefer als die dünne Stahlsaite gestimmt. Der iranische Teer weist aufdringliche Bünde aus Adern auf.

Hören Sie sich an, wie sich iranischer Teer anhört.
Der iranische Teer ist der Vorfahre mehrerer Instrumente. Einer davon ist der indische Setar (se – drei, tar – Saite), und auf die anderen beiden werde ich weiter unten eingehen.

Der aserbaidschanische Teer hat nicht sechs, sondern elf Saiten. Sechs sind die gleichen wie beim iranischen Tar, ein weiterer zusätzlicher Bass und vier Saiten, die nicht gespielt werden, aber beim Spielen mitschwingen, was dem Klang ein Echo verleiht und ihn länger hält. Tar und Kemancha sind vielleicht die beiden Hauptinstrumente der aserbaidschanischen Musik.

Hören Sie ab 10:30 Uhr oder zumindest ab 1:50 Uhr einige Minuten lang zu. Sie haben das noch nie gehört und konnten sich nicht vorstellen, dass eine solche Aufführung auf diesem Instrument möglich ist. Dies wird von Imamyar Khasanovs Bruder Rufat gespielt.

Es gibt eine Hypothese, dass der Teer der Vorfahre der modernen europäischen Gitarre ist.

Als ich kürzlich über den elektrischen Kessel sprach, wurde mir vorgeworfen, dass ich dem Kessel die Seele entziehe. Wahrscheinlich wurde ungefähr das Gleiche zu der Person gesagt, die vor 90 Jahren die Idee hatte, einen Tonabnehmer in eine Akustikgitarre einzubauen. Etwa dreißig Jahre später entstanden die besten E-Gitarren, die bis heute der Standard sind. Ein weiteres Jahrzehnt später erschienen die Beatles, die Rolling Stones und nach ihnen Pink Floyd.
Und all dieser Fortschritt hat die Hersteller nicht behindert Akustikgitarren und klassische Gitarrenkünstler.

Aber Musikinstrumente verbreiteten sich nicht immer von Ost nach West. Beispielsweise wurde das Akkordeon im 19. Jahrhundert in Aserbaidschan zu einem äußerst beliebten Instrument, als die ersten deutschen Siedler dort ankamen.

Mein Akkordeon wurde von demselben Meister hergestellt, der auch Instrumente für Aftandil Israfilov geschaffen hat. Hören Sie, wie ein solches Instrument klingt.

Die Welt der orientalischen Musikinstrumente ist groß und vielfältig. Ich habe Ihnen noch nicht einmal einen Teil meiner Sammlung gezeigt, und sie ist noch lange nicht vollständig. Aber ich muss Ihnen unbedingt noch von zwei weiteren Tools erzählen.
Eine Pfeife mit einer Glocke an der Spitze wird Zurna genannt. Und das Instrument darunter heißt Duduk oder Balaban.

Im Kaukasus, in der Türkei und im Iran beginnen Feiern und Hochzeiten mit Zurna-Klängen.

So sieht ein ähnliches Instrument in Usbekistan aus.

In Usbekistan und Tadschikistan wird Zurna Surnay genannt. In Zentralasien und im Iran werden die Klänge von Surnay und Tamburinen notwendigerweise durch die anhaltenden Klänge eines anderen Instruments – des Karnay – ergänzt. Karnai-surnai ist eine stabile Phrase, die den Beginn des Feiertags bezeichnet.

Es ist interessant, dass es in den Karpaten ein mit der Carnai verwandtes Instrument gibt, dessen Name vielen bekannt ist – Trembita.

Und die zweite Pfeife, die auf meinem Foto zu sehen ist, heißt Balaban oder Duduk. In der Türkei und im Iran wird dieses Instrument auch Mei genannt.

Hören Sie, wie Alikhan Samedov Balaban spielt.

Wir werden zum Balaban zurückkehren, aber zunächst möchte ich über das sprechen, was ich in Peking gesehen habe.
Wie Sie wissen, sammle ich Musikinstrumente. Und sobald ich während meiner Reise nach Peking eine freie Minute hatte, ging ich sofort in einen Musikinstrumentenladen. Was ich mir in diesem Laden gekauft habe, erzähle ich euch ein anderes Mal. Und nun zu dem, was ich nicht gekauft habe und was ich furchtbar bereue.
Auf der Vitrine stand eine Pfeife mit Glocke, deren Design genau an eine Zurna erinnerte.
- Wie heißt es? - Ich habe über den Übersetzer gefragt.
„Sona“, antworteten sie mir.
„Wie ähnlich es zu „sorna – surnay – zurna“ ist – dachte ich laut. Und der Übersetzer bestätigte meine Vermutung:
- Die Chinesen sprechen den Buchstaben r nicht mitten im Wort aus.

Erfahren Sie mehr über die chinesische Sorte Zurna
Aber wissen Sie, Zurna und Balaban gehen Hand in Hand. Ihr Design hat viele Gemeinsamkeiten – vielleicht ist das der Grund. Und was denkst du? Neben dem Son-Instrument gab es ein weiteres Instrument – Guan oder Guanji. So sah er aus:

So sieht er aus. Leute, Kameraden, Herren, das ist Duduk!
Wann ist er dort angekommen? Im achten Jahrhundert. Daher können wir davon ausgehen, dass es aus China stammt – Zeitpunkt und Geographie stimmen überein.
Bisher ist lediglich dokumentiert, dass sich dieses Instrument von Xinjiang nach Osten ausbreitete. Nun, wie spielt man dieses Instrument im modernen Xinjiang?

Sehen und hören Sie ab der 18. Sekunde! Hören Sie sich einfach den luxuriösen Klang des uigurischen Balaman an – ja, hier heißt er genauso wie in der aserbaidschanischen Sprache (es gibt auch eine solche Aussprache des Namens).

Suchen wir nach zusätzlichen Informationen in unabhängigen Quellen, zum Beispiel in der Iranica-Enzyklopädie:
BĀLĀBĀN
CH. ALBRIGHT
ein etwa 35 cm langes Blasinstrument mit zylindrischer Bohrung und doppeltem Rohrblatt, sieben Grifflöchern und einem Daumenloch, das im Osten Aserbaidschans im Iran und in der Republik Aserbaidschan gespielt wird.

Oder sympathisiert Iranika mit Aserbaidschanern? Nun, das TSB sagt auch, dass das Wort Duduk türkischen Ursprungs ist.
Haben Aserbaidschaner und Usbeken die Compiler bestochen?
Okay, Sie werden die Bulgaren bestimmt nicht verdächtigen, mit den Türken zu sympathisieren!
auf einer sehr seriösen bulgarischen Website für das Wort duduk:
duduk, dudyuk; duduk, dudyuk (aus dem türkischen düdük), pishchalka, svorche, glasnik, zusätzlich - Volks-Djerven-Musikinstrument vom Typ auf Aerophonit, halbgeschlossener Trubi.
Sie verweisen erneut auf den türkischen Ursprung des Wortes und nennen es ihr Volksinstrument.
Wie sich herausstellte, ist dieses Tool vor allem unter Menschen weit verbreitet Turkvölker oder unter Völkern, die mit den Türken in Kontakt standen. Und jede Nation betrachtet es zu Recht als ihre nationale, nationales Instrument. Aber nur einer würdigt seine Entstehung.

Schließlich haben nur die Faulen nicht gehört, dass „Duduk ein altes armenisches Instrument ist“. Gleichzeitig weisen sie darauf hin, dass der Duduk vor dreitausend Jahren – also in der unbeweisbaren Vergangenheit – geschaffen wurde. Aber Fakten und elementare Logik zeigen, dass dem nicht so ist.

Gehen Sie zurück zum Anfang dieses Artikels und werfen Sie einen weiteren Blick auf die Musikinstrumente. Fast alle dieser Instrumente werden auch in Armenien gespielt. Aber es ist völlig klar, dass alle diese Instrumente bei viel zahlreicheren Völkern mit einer klaren und verständlichen Geschichte auftauchten, unter denen die Armenier lebten. Stellen Sie sich ein kleines Volk vor, das verstreut unter anderen Nationen mit eigenen Staaten und Reichen lebt. Werden solche Leute einen kompletten Satz Musikinstrumente für ein ganzes Orchester herstellen?
Ich muss zugeben, ich dachte auch: „Okay, das waren große und komplexe Instrumente, lassen wir sie mal beiseite. Aber konnten die Armenier überhaupt eine Pfeife entwickeln?“ Aber es stellt sich heraus: Nein, sie haben es sich nicht ausgedacht. Wenn sie darauf gekommen wären, dann hätte diese Pfeife einen rein armenischen Namen und nicht den poetischen und metaphorischen Tsiranopokh (Seele des Aprikosenbaums), sondern einen einfacheren, populäreren Namen mit einer Wurzel oder sogar Lautmalerei. Inzwischen weisen alle Quellen auf die türkische Etymologie des Namens dieses Musikinstruments hin, und die Geographie und die Daten der Verbreitung zeigen, dass die Verbreitung des Duduk von Zentralasien aus begann.
Nun gut, lassen Sie uns noch eine Annahme treffen und sagen, dass der Duduk aus dem alten Armenien nach Xinjiang kam. Aber wie? Wer hat es dorthin gebracht? Welche Völker zogen um die Jahrtausendwende vom Kaukasus nach Zentralasien? Es gibt keine solchen Nationen! Doch die Türken zogen ständig von Zentralasien nach Westen. Sie hätten dieses Instrument durchaus im Kaukasus, auf dem Gebiet der heutigen Türkei und sogar in Bulgarien verbreiten können, wie aus den Dokumenten hervorgeht.

Ich erwarte ein weiteres Argument von Verteidigern der Version des armenischen Ursprungs des Duduk. Man sagt, dass echter Duduk nur aus Aprikosenholz hergestellt wird, das auf Lateinisch Prúnus armeniáca heißt. Aber erstens sind Aprikosen in Zentralasien nicht weniger verbreitet als im Kaukasus. Der lateinische Name weist nicht darauf hin, dass sich dieser Baum aus dem Gebiet mit dem geografischen Namen Armenien in die ganze Welt verbreitet hat. Es ist nur so, dass es von dort aus nach Europa gelangte und vor etwa dreihundert Jahren von Botanikern beschrieben wurde. Im Gegenteil, es gibt eine Version, dass sich die Aprikose aus dem Tien Shan verbreitet hat, der zum Teil in China und zum Teil in Zentralasien liegt. Zweitens zeigt die Erfahrung sehr talentierter Menschen, dass dieses Instrument sogar aus Bambus hergestellt werden kann. Und mein Lieblingsbalaban ist aus Maulbeere und klingt viel besser als die Aprikosen, die ich auch habe und die in Armenien hergestellt wurden.

Hören Sie, wie ich in ein paar Jahren gelernt habe, dieses Instrument zu spielen. Habe an der Aufnahme teilgenommen Volkskünstler Turkmenistan Hasan Mamedov (Violine) und Volkskünstler der Ukraine, mein Landsmann in Fergana, Enver Izmailov (Gitarre).

Mit all dem möchte ich dem großen armenischen Duduk-Spieler Jivan Gasparyan meinen Tribut zollen. Es war dieser Mann, der die Duduk zu einem weltberühmten Instrument machte. Dank seiner Arbeit entstand in Armenien eine wunderbare Schule des Duduk-Spiels.
Aber rede“ Armenischer Duduk„ ist nur über bestimmte Instrumente legitim, wenn sie in Armenien hergestellt wurden, oder über die Art der Musik, die dank J. Gasparyan entstanden ist. Nur wer sich unbegründete Aussagen erlaubt, kann auf den armenischen Ursprung des Duduk hinweisen.

Bitte beachten Sie, dass ich selbst weder den genauen Ort noch den genauen Zeitpunkt des Erscheinens des Duduk angebe. Es ist wahrscheinlich unmöglich, dies festzustellen, und der Prototyp des Duduk ist älter als alle lebenden Völker. Aber ich baue meine Hypothese über die Verbreitung von Duduk auf, die auf Fakten und elementarer Logik basiert. Wenn mir jemand widersprechen möchte, möchte ich vorab bitten: Bitte verlassen Sie sich bei der Hypothesenbildung in gleicher Weise auf beweisbare und überprüfte Fakten aus unabhängigen Quellen, scheuen Sie sich nicht vor der Logik und versuchen Sie, eine andere verständliche Erklärung zu finden für die aufgeführten Fakten.

Seit der Antike nimmt Musik einen herausragenden Platz im Leben der Chinesen und anderer Völker ein. Das stellen Ethnographen und Musikwissenschaftler fest Frühstadien Menschheitsgeschichte Musik war eng mit Pantomimen und Tanz verbunden.

Der Ursprung und die Entwicklung der chinesischen Musikkunst

Aussehen Musikalische Werke Und die alten Chinesen assoziierten Instrumente in ihren Legenden mit Göttern. Ihnen zufolge betrachteten die Götter den Menschen erst dann als ihre vollständige Schöpfung, als sie ihm Musik beibrachten. Allerdings ein verlässliches Bild der Entwicklungsgeschichte des Chinesischen Musikkultur kann nur auf der Grundlage von Daten aus einer Reihe von Wissenschaften wiederhergestellt werden: Archäologie, Ethnographie, . Musikwissenschaft, Literaturkritik usw.

Die ältesten Musikinstrumente Chinas (Schlagmusikinstrumente – Steinplatten) wurden von Archäologen an neolithischen Stätten im Flusstal gefunden. Gelber Fluss. Die ältesten Saiteninstrumente (chuse - se von altes Königreich Chu) gehören zum V-III Jahrhundert. Chr e. Auf die Vielfalt der Musikinstrumente und unterschiedlichen musikalischen Darbietungen wird durch Inschriften auf Knochen und Muscheln hingewiesen. Im 2. Jahrtausend v. Chr. e. Es erschienen bronzene Musikinstrumente. Einige spätere Quellen weisen darauf hin, dass bereits in der Mitte des 2. Jahrtausends v. e. hu - Es wurden überfüllte Gesangs- und Tanzaufführungen organisiert, die offenbar rituellen Charakter hatten (sie waren dem Beginn und dem Ende der landwirtschaftlichen Arbeit gewidmet). Nach und nach löste sich das Lied als Musikstück vom Tanz. Und während der westlichen Zhou-Zeit (XI-VIII Jahrhundert v. Chr.) wurde erstmals eine Liedersammlung „Shijing“ („Buch der Lieder“) aus Volksliedern aus verschiedenen Regionen Chinas zusammengestellt. Aufnahmen antiker Lieder ermöglichen es, über Unterschiede in der Musik von Liedern aus verschiedenen Regionen des Landes zu sprechen (zum Beispiel die Musik von Liedern aus dem Königreich Chu).

Im alten China begannen sie zu erschaffen und Musikwissenschaft. Die älteste Abhandlung über Musik, „Yuejing“, war Teil eines Komplexes aus sechs klassischen Büchern, die ursprünglich in China existierten. „Beschreibung der Musik“ („Yueji“) wurde dann als eines der Kapitel in „Ili“ („Ritualist“) aufgenommen, das von Konfuzius selbst zusammengestellt wurde. Die Urteile des Konfuzius über die Musik finden sich auch in „Moonlight“. Musik spielte in allen Aspekten des chinesischen Lebens eine große Rolle. Deshalb gaben die Konfuzianisten solche großer Wert Musik. Nach ihrer Lehre musikalische Harmonie sollte ein Indikator für soziale und politische Harmonie sein.

Musik genoss in der Zhou-Ära an den Höfen der Vanir hohes Ansehen: Die Aufführung von Liedern und Tänzen am Hof oblag einem besonderen Hofgottesdienst (Dasiyue). Während der Han-Zeit wurde eine spezielle Musikkammer (Yuefu) eingerichtet. In der Han-Ära entwickelte sich die Musikkultur rasant. In dieser Zeit entstanden neue Musikinstrumente (von außerhalb des Kunhou entlehnte Saiteninstrumente in Form einer Harfe usw.). Es ist bekannt, welchen großen Einfluss es auf die Entwicklung hatte Chinesische Musik Der Buddhismus drang nach China vor.

Während der Tang-Ära kam es zu einer neuen Blüte der chinesischen Musik. Die Fresken von Dunhuang zeigen verschiedene Musiker, Sänger und Tänzer.

Es wurden Musikaufnahmen von Lied- und Tanzmusik der Tang-Ära entdeckt. Am Ende des XIII. - Anfang des XIV. Jahrhunderts. Der berühmte Dichter und Musiker Zhang Yan verfasst das Buch „Quellen des Qi“ („Qiyuan“), das chinesische Musikhistoriker als das früheste Werk zur Gesangskunst betrachten.

Im 18. Jahrhundert Es wurde die Veröffentlichung einer 62-bändigen Sammlung klassischer chinesischer Melodien aus dem Zeitraum des 8. bis 17. Jahrhunderts in Angriff genommen. Kürzlich wurden die alten Zeichen dieses Sets in moderne Notizen übersetzt. In der Tang-, Song-, Yuan-, Ming- und Qing-Ära wurde die chinesische Musik durch den Einfluss der Musik anderer Völker bereichert: Mongolen, Tibeter, Uiguren usw., viele neue Musikinstrumente wurden ausgeliehen (Pipa, Erhu, Yangqing, usw.) . Seit dem 17. Jahrhundert begann in China zu entstehen Orchestermusik. In der Ming- und Qing-Ära wurde die Musik viel vielfältiger und die Besonderheiten der Musik von Opernaufführungen (musikalisch-dramatische Aufführungen) wurden festgelegt.

Melodien chinesischer Musik

Das melodische Muster chinesischer Musik ist stets ungewöhnlich deutlich, konvex und eigentümlich farbenfroh, melodisch und zugleich rhythmisch.

Es ist charakteristisch, dass die Notenschrift nicht alle Biegungen der Melodie aufzeichnet, sondern nur ihren Hauptkern, während der Interpret willkürlich verschiedene Verzierungen darauf aufreiht und seine Improvisation manchmal eine sehr große Amplitude hat, was in erster Linie vom Können des Komponisten abhängt Künstler.

Obwohl modern Chöre sie singen vielstimmig, die Melodie traditioneller Volkslieder ist immer im Einklang; In der chinesischen Musik, insbesondere in der alten Musik, gibt es keine polyphone Stimmführung und schon gar keine komplexe Harmonisierung der Melodie. Daher ist ein chinesisches Volkslied im Wesentlichen ein Sololied, unabhängig von der Anzahl der Sänger.

Schwache Intonationsfähigkeiten werden weitgehend durch einen sehr ausgeprägten und betonten Rhythmus ausgeglichen, weshalb Schlaginstrumente ausschließlich die Rolle spielen. Aufgrund der Betonung des Rhythmus in der Natur der chinesischen Musik steht sie der Poesie nahe.

Immerhin alle Chinesisches Wort hat ein charakteristisches melodisches Muster, das durch den Ton bestimmt wird. Und es ist sehr wahrscheinlich, dass man in der Musikalität der chinesischen Sprache nach einer Verbindung mit chinesischer Musik suchen kann.

Rhythmik ist für die Musik der nördlichen Regionen am charakteristischsten. Einige Forscher verbinden beispielsweise den Ursprung von Yangge (Lied- und Tanzdarbietung) mit außermelodischer, rhythmischer Trommelmusik, die damals von Melodien überwuchert wurde. In der südchinesischen Musik ist die Klangfarbe viel heller; eher die Melodie als der Rhythmus tritt in den Vordergrund. Die Guangdong-Musik zeichnet sich beispielsweise durch ihre Melodie aus, in der die Melodie neben einem klaren und klaren Rhythmus, der der chinesischen Musik im Allgemeinen innewohnt, wunderschön, melodisch und frei fließt und an indonesische Musik erinnert.

Werke chinesischer Musik zeichnen sich durch eine strenge und klare Programmierung aus. Charakteristisch ist die Dominanz von Landschaftsgemälden. So können wir unter den Musikwerken der Region Chaozhou (Provinz Guangdong) die Musikbilder „Festliche Bootsfahrt“ und „Spiegelung des Herbstmondes auf der Oberfläche des Sees“ nennen.

Musikalisches System

Am meisten charakteristisches Merkmal Die älteste Tonleiter der chinesischen Musik ist die Pentatonik. Bei einem solchen Soundsystem gibt es innerhalb einer Oktave Klänge unterschiedlicher Höhe. Die fünfstimmige Tonleiter entstand etwa im 4. Jahrhundert. N. e. Musiktheoretiker des alten China, die mathematische Berechnungen und philosophische Überlegungen verwendeten. Am gebräuchlichsten ist die pentatonische Halbtonskala, d. h. zwischen benachbarten Schritten erreichen die Intervalle einen Ganzton oder Halbton. In diesem Merkmal der chinesischen Musik gibt es auch eine gewisse Einschränkung ihrer Möglichkeiten.

Der nationale Stil der chinesischen Musik kann jedoch nicht nur aus der Sicht der pentatonischen Tonleiter betrachtet werden. Die pentatonischen Modi behinderten die Entwicklung der Musikkultur nicht. Bereits im 3. Jahrhundert. Chr e. Es wurde eine Siebenton- und dann eine Zwölfton-Tonleiter etabliert. Die Schaffung einer vollständigen zwölftönigen Tonleiter gegen Ende der Zhou-Ära legte den Grundstein für die weitere Entwicklung der chinesischen Musik. Die Entwicklung der Musikkultur erfolgte auch durch Einflussnahme von außen. Mit dem Buddhismus drangen Elemente der Musikkultur Indiens und Zentralasiens nach China vor. Im XIV. Jahrhundert. Unter dem Einfluss der mongolischen Musikkultur nahm die diatonische Tonleiter in der chinesischen Musik Gestalt an. Obwohl im China des 16. Jahrhunderts. Chou Tsai-yu verwendete die temperierte Tonleiter; die temperierte Tonleiter war in der chinesischen Musik nicht etabliert. Die chinesische Musik basierte noch immer auf fünf pentatonischen Tonleitern. Und in der Natur des Klangs der pentatonischen Musik wurden ihre Möglichkeiten voll ausgeschöpft. Schon seit der Antike zeichnete sich die Volksmusik trotz einer gewissen Beschränkung des Tonleitersystems durch großen melodischen und intonatorischen Reichtum aus.

Musikinstrumente

Der Mangel an Flexibilität und statischer intonationsmodaler Struktur wird durch die reiche und sehr vielfältige Zusammensetzung der Musikinstrumente ausgeglichen, die in Kompositionen noch vorhanden sind Volksorchester und Theaterorchester.

Aus der Tatsache, dass die Grundlage des musikalischen Grundrisses ein klarer Rhythmus war, wird die äußerst wichtige Rolle der Schlaginstrumente in der chinesischen Musik, die sich durch ihre extreme Vielfalt auszeichnen, völlig deutlich. Und der Vorrang unter all dieser Vielfalt gehört zweifellos der Trommel (gu); Dies sind doppelseitige Trommeln Tangu, Gangu, Shugu, Dianggu, tamburinförmige Logu usw., eine einseitige kleine Trommel Banggu. Zu den Membranschlaginstrumenten gehören auch das tamburinförmige Dagu und das Bajiaogu. Trommeln wurden aus Holz, Kürbis, Ton und Bronze hergestellt. Die Membranen der Trommeln bestanden aus Leder, Stierblase und anderen Materialien. Während der Aufführung werden die Trommeln in den Händen gehalten oder auf spezielle Ständer gestellt. Der Darsteller schlägt mit der Hand und einem Stock auf die Membran. Der Einsatz von Trommeln ist äußerst vielfältig. Man kann ohne Übertreibung sagen, dass in China kein einziges Fest und keine Feier ohne Trommel undenkbar ist. Die Bedeutung der Trommel im Orchester zeigt sich darin, dass der Schlagzeuger im Wesentlichen die Funktionen des Dirigenten eines aus chinesischen Nationalinstrumenten bestehenden Orchesters wahrnimmt.

Auch andere Schlaginstrumente sind weit verbreitet – Metallgongs, denen der Klang durch Anschlagen eines Holzhammers entzogen wird, Kupferbecken, Fangsyan – Stein, Jade oder, sehr selten, längliche viereckige Metallplatten, die an einem Holzrahmenständer aufgehängt sind und sich jeweils unterscheiden Sie unterscheiden sich nur in der Dicke, und wenn man sie mit einem Stock anschlägt, erzeugt jedes einzelne seinen eigenen Klang. Besonders hervorzuheben ist das Vorhandensein von Qings (Steingongs, Lithophonen) – Shiqing, Teqing oder Bianqing (eine Reihe unterschiedlich gestimmter Qings). Ein Merkmal einer anderen Art von Schlaginstrumenten – Bronzeglocken und Glocken (Bozhong und Bianzhong – eine Reihe von Glocken) besteht darin, dass der Klang durch Schlagen der Glocke mit einem Holzhammer erzeugt wird. Um den Rhythmus zu schlagen, werden auch hölzerne Schlaginstrumente verwendet: Holzplatten aus Kuaiban sowie Kastagnetten wie Kaiban, Banzi, Paiban. Die Teller wurden aus Hartholzbäumen hergestellt. Der Interpret hält eine Schallplatte in der Hand auf der Handfläche und schlägt sie mit einer zweiten Schallplatte an, die er in der anderen Hand hält (Banzi), oder schlägt mit einer Handbewegung, in der er einen Stapel Schallplatten hält, an sie gegeneinander (paiban). Zu den Schlaginstrumenten, obwohl selten, gehört das Muyu („Holzfisch“) – im Wesentlichen eine Art Holzglocke, meist in Form eines Fisches (daher der Name des Instruments), aus der der Klang auch durch Anschlagen eines erzeugt wird Holzhammer.

Auch Saiteninstrumente zeichnen sich durch eine große Vielfalt aus: Se und Zheng – Saitenzupfinstrumente wie Tisch-Gusli. Der gesamte Korpus des Instruments ist leicht konvex, es handelt sich um einen Resonanzboden; über die gesamte Länge des Instruments ist ein Ständer angebracht, durch dessen Bewegung das Instrument gestimmt wird. Spielen Sie mit einer (rechten) Hand oder beiden Händen. Qixiang-qing (eine Art Zither), Pipa (eine Art Laute), Kunhou (eine Art Harfe) usw. haben eine große Ausdruckskraft. Die Arten von Streichinstrumenten Hu (Erhu, Sihu, Banhu usw.) ) sind vielfältig. Der Korpus der Erhu beispielsweise ist hohl, mit einem Resonanzboden aus Schlangenleder auf der Oberseite. In den Resonator wird ein Hals-Hals aus Bambus eingesetzt, der ein Paar Wirbel für zwei Seidensaiten enthält, und die Saiten werden mit rotierenden Wirbeln gespannt. Sie spielen im Sitzen, wobei sie das Instrument mit dem Resonatorbein gegen das Knie legen und es vertikal halten. Das Bogenhaar wird zwischen den Saiten geführt, deren Abstand zwischen ihnen nicht überschritten wird

3-4 mm. Im chinesischen Volksorchester nimmt die Erhu einen ebenso wichtigen Platz ein wie die Violine in einem Sinfonieorchester.

Blasinstrumente erfreuen sich großer Beliebtheit. Dies sind Bambus-Xiao (eine Art Längsflöte), Chi und Di (eine Art Querflöte) und Paixiao (eine Mehrrohrflöte). Xuan, ein Blasinstrument, wurde aus Ton hergestellt. ovale Form mit 6 Löchern zum Verändern der Tonhöhe. Luft wurde durch das Mündungsloch oben am Xuan geblasen.

Diese Tools sind sehr einfach. Ein komplexeres Instrument ist die Laba-Trompete (oder Sona-Trompete) – eine Art Oboe. Der Körper des Labors ist ein fast konisches Holzrohr mit acht Löchern, mit deren Hilfe der Interpret die Tonhöhe verändert. Ein ganz besonderes Instrument ist das Sheng, das aus einem runden Körper besteht, in den ein Rohr zum Blasen von Luft und bis zu 20 Bambusrohre eingesetzt sind. In schräge Einschnitte an den Enden der Rohre werden Bronzezungen eingesetzt. Im unteren Teil der Röhren befinden sich Löcher, die der Interpret beim Spielen abwechselnd mit den Fingern verschließt.

Der Klang entsteht durch die Vibration der Stimmzungen. Abhängig von der Anzahl der eingesetzten Röhren gibt es verschiedene Arten von Sheng.

Zeitgenössische Musik und darstellende Kunst

Für letzte Periode Insbesondere nach der Bewegung vom 4. Mai vollzieht sich ein rascher Prozess der Bereicherung von Inhalt und Form der neuen chinesischen Musik. 1919 gründete der Komponist Hsiao Yu-mei eine Musikabteilung an der Peking-Universität. Dies war die erste Abteilung der chinesischen Hochschulbildung Bildungseinrichtung, wo der Unterricht dem Programm europäischer Musikschulen folgte. Eine Reihe solcher Abteilungen entstanden später auch an anderen Universitäten. In dieser Zeit entstanden patriotische Werke, die die Liebe zum Vaterland und zum Leben verherrlichen einfache Leute. So schrieb der Komponist Zhao Yuan-ren „Song of Labor“ und „Song of Selling Linen“. Mit der Entwicklung der Revolution drangen revolutionäre Lieder wie „Internationale“, „Varshavyanka“ usw. in China ein. Mit der Gründung der KP Chinas und dem Beginn der Revolutionskriege begann die Musik eine immer wichtigere Rolle im Kampf zu spielen die Leute. Bereits 1932 initiierten Nie Er und Lü Ji die Gründung eines Revolutionärs Musikgruppe, das fortgeschrittene chinesische Musiker um sich vereinte. Während seines kurzen Lebens (1912-1935) schrieb der kommunistische Komponist Ne Er etwa 50 revolutionäre Massenlieder, darunter „Marsch der Freiwilligen“, der heute als Hymne der Volksrepublik China anerkannt ist. Bedeutende Werke der chinesischen Musik sind „Kantate am Gelben Fluss“ und „Bewegung für den Aufstieg der Produktion“ des Komponisten Hsi Hsing-hai (1905-1945), die großen Einfluss auf China hatten Weiterentwicklung Chinesische Musik. Das Neue am revolutionären Lied ist seine Konkretheit, politische Schärfe, einfache Sprache und scharfe Ausdruckskraft. Ein revolutionäres Lied zeichnet sich durch Kürze, Klarheit und Klarheit des im Text ausgedrückten Gedankens, Schnelligkeit, Durchsetzungsvermögen, willensstarken Rhythmus und eine helle, schöne Melodie aus („Lobpreis an Lenin“, „Lied der Arbeiter und Bauern“, „Mai 1“, „Bruder und Schwester heben jungfräulichen Boden auf“). Neuer Inhalt und neue Form haben dem Lied keinen Abbruch getan Nationalfarbe Sie blieb Chinesin Volkslied und füllte dadurch den Schatz der reichen Liedkultur des Volkes auf.

Mit der Gründung der Volksrepublik China erhielt die chinesische Musikkultur Einzug bestimmte Bedingungen für deine Entwicklung. Die Werke der ersten Jahre verherrlichen die Macht des Volkes, das den Bauern Land gab, Frauen zu freien, gleichberechtigten Mitgliedern der Gesellschaft machte usw. Gesang und Tanz entwickeln sich Musikalische Kunst. Neue Musikgenres werden gemeistert. So schrieb eine Gruppe von Studenten des Shanghaier Konservatoriums ein Konzert für Violine und Orchester „Liang Shan-bo und Zhu Ying-tai“, „Jugendkonzert“. Die größten chinesischen Komponisten Ma Sy-tsung und He Lu-ding arbeiten erfolgreich. Der Komponist Wu Tseu-qiang schrieb die Musik für das Nationalballett „The Beauty Fish“, mit großer Erfolg Auftritt auf der Bühne des Zentralen Opern- und Balletttheaters in Peking unter der Regie von P. A. Gusev.

Die All-China Music Workers' Association und die Chinese Writers' Union arbeiten gemeinsam an der Sammlung, Aufzeichnung, Systematisierung und dem Studium Volksmusik. Volksmusik wird an Konservatorien und Musikschulen studiert und gelehrt. Nach 1949 gründeten fast jedes Unternehmen, jedes Dorf und jede Bildungseinrichtung eine eigene Amateurkunstgruppe, lokale Ensembles für nationale Lieder und Tänze, Musikdramen usw.

Die Ausbildung der Musiker erfolgt an den Konservatorien Beijing 1 und Shanghai. Zusammen mit so großen Meistern wie dem Geiger Ma Sy-tsung, denen, die es geschafft haben letzten Jahren junge Musiker, darunter Preisträger des Internationalen Wettbewerbs. P. I. Tschaikowsky Liu Shi-kun und Ying Cheng-tsun sowie Li Ming-qiang (Schüler von Prof. T. P. Kravchenko). Go Shu-ying, Absolvent des Moskauer Konservatoriums, tritt erfolgreich in Opernaufführungen auf. 1957-1958 Das Central Symphony Orchestra wurde gegründet ( Chefdirigent- Li De-lun, Absolvent des Moskauer Konservatoriums, Schüler von Prof. N. P. Anosova). Zahlreiche Volksinstrumentenorchester führen erfolgreiche Konzertaktivitäten durch. Jährlich treffen sich zahlreiche Künstler Musikfestivals„Shanghai-Frühling“

Sowjetische Musik hat einen enormen Einfluss auf die Entwicklung der chinesischen Musikkultur. MIT Sowjetische Musik Das chinesische Volk lernte das kämpferische sowjetische Massenlied kennen, das bereits in den Jahren der Revolution von 1925-1927 nach China einzudringen begann. Sowjetische Lieder „Marsch von Budjonny“, „Lied vom Vaterland“, „Katyusha“, „Hymne der demokratischen Jugend der Welt“, „Moskauer Abende“ und andere sind dem chinesischen Volk gut bekannt. Zahlreiche Auftritte sowjetischer Musiker in China waren ein großer Erfolg. Durch die Bekanntschaft mit der sowjetischen Musik beherrschten chinesische Musiker die Errungenschaften der Weltmusikkultur, die sowjetische Erfahrung beim Aufbau einer neuen Musikkultur, national in der Form, sozialistisch im Inhalt.

Außerordentlich reichhaltig und abwechslungsreich. Schon in der Antike wurden auf dem Gebiet des heutigen Nahen und Mittleren Ostens einfachste Schlaginstrumente für rituelle Tänze und die Feier bedeutender Ereignisse verwendet. Im Folgenden finden Sie eine Liste der gebräuchlichsten usbekischen Musikinstrumente mit Namen und kurze Beschreibung.

Doira – eine Art Tamburin

Doira ist ein usbekisches Musikinstrument aus der Percussion-Familie, das im Aussehen einem Tamburin ähnelt. Weit verbreitet in den Ländern des Nahen und Mittleren Ostens. Das Instrument ist ein Rand aus getrockneter Weinrebe (seltener Buche oder Walnuss), über den eine Ledermembran gespannt ist. Der durchschnittliche Durchmesser beträgt etwa 40 cm. Bei der Herstellung einer modernen Version dieses usbekischen Volksmusikinstruments können Metallringe verwendet werden. Es gibt auch Versionen der Doira, die an der Innenseite des Hauptreifens befestigt werden. Normalerweise sind es 40 bis 100.

Für einen immer klareren Klang muss die Doira vor dem Spielen in der Nähe eines Feuers oder in der Sonne erhitzt werden. Heiße Luft trocknet die über den Rahmen gespannte Haut und die Spannkraft der Membran erhöht sich.

In der Antike wurde dieses Instrument ausschließlich von Frauen gespielt. In Höhlen in den Bergen des Fergana-Tals wurden Bilder aus dem Jahr 2000 v. Chr. gefunden. e. Die Bilder zeigen weibliche Figuren, die Doira spielen, umgeben von Tänzern, die rituelle Handlungen ausführen.

Doira wurde über viele Jahrhunderte hinweg verbessert und hat nun erreicht hohes Niveau. Das Instrument wird als Ergänzung zu einem Ensemble anderer usbekischer Nationalmusikinstrumente und als Begleitung der Stimme verwendet. Die Techniken zur Klangerzeugung sind sehr vielfältig: leichtes Klopfen mit den kleinen Fingern, kräftige Schläge mit den Handflächen, Gleiten der Finger über die Membran und andere. Abhängig von der Platzierung Ihrer Finger können Sie die Tonhöhe ändern. Wenn Sie auf die Mitte des Fells schlagen, werden tiefe Töne erzeugt, und wenn Sie Ihre Hände zum Rand hin bewegen, wird der Ton lauter. Es besteht auch die Möglichkeit, Ihr Spiel mit verschiedenen kunstvollen Rhythmusmustern und allen Arten von Melismen wie Trillern, Tremolos und Vorschlagsnoten zu bereichern. Die Dynamik reicht vom leisesten Piano bis zum donnernden Forte.

Nagora - Analogon der Pauke

Ein weiteres usbekisches Musikinstrument mit Bezug zur Perkussion ist die Nagora. Es besteht aus paarigen Pauken in Form von Keramikkesseln, die mit einer Ledermembran überzogen sind. Die Instrumente variieren in der Größe, was zu einer Vielfalt an Klängen führt. Nagora verfügt nicht über eine präzise Stimmung, es gibt jedoch mehrere Varianten:

Dol-nagora ist ein großer Topf, der für die Erzeugung tiefer Schläge entwickelt wurde.
Die Kos-Nagora ist ein mittelgroßes Instrument mit relativ tiefem Klang.
Rez-nagora – zum Spielen höherer Noten.

Vor dem Auftritt wärmen sich usbekische Pauken in der Sonne auf. Dies trägt dazu bei, klare und klangvolle Anschläge zu erzielen.

Im Gegensatz zur Doira wird die Nagora selten als Soloinstrument verwendet. Es wird hauptsächlich zum Spielen im Ensemble mit Holzblasinstrumenten wie Karnai und Surnai verwendet. Seltener in Kombination mit Streichern zu hören (hauptsächlich in Armenien). Das Instrument bereichert die Werke mit verschiedenen rhythmischen Mustern und trägt dazu bei, den Charakter von Trance oder feuriger Musik zu vermitteln.

Nai – Östliche Panflöte

Nai ist ein Holzblasinstrument mit sechs Grifflöchern. Es besteht hauptsächlich aus Bambusholz. Moderne Versionen dieses Instruments werden durch Messing und Zinn ergänzt. Die Art der Tonerzeugung ist labialer Natur (d. h. unter Verwendung der Lippen). Durch verschiedene Griffkombinationen der Finger, teilweises und vollständiges Schließen der Spiellöcher und Variation der Intensität des Luftstroms wird eine Vielzahl melodischer Muster erreicht. Das Nai wird als Solo- und Ensembleinstrument eingesetzt.

Surnay ist eine Art Holzblasinstrument

Surnay ist ein weiteres usbekisches Blasmusikinstrument. Es ist ein schmales Rohr, das sich am Ende erweitert. Die durchschnittliche Länge des Instruments beträgt 45–55 cm. Surnai verfügt über einen recht komplexen Mechanismus: In den oberen Teil ist ein kleines Metallrohr mit Bambusplatten eingesetzt. Um einen Ton zu erzeugen, muss der Künstler mit seinen Lippen ein kleines flaches Stück namens „Sadat“ fest zusammendrücken. Das Spielen einer solchen Trompete mit Doppelrohrblatt erfordert gewisse Fähigkeiten und eine hohe Beherrschung des Instruments.

Surnai wird hauptsächlich im Ensemble bei nationalen Feierlichkeiten verwendet. Die Palette der Klangerzeugung ist recht reichhaltig – vom sanften Legato bis hin zu schnellen Sprüngen und melismatischen Verzierungen.

Karnai ist ein usbekisches Volksmusikinstrument aus der Familie der Blechbläser. Auch im Iran und Tadschikistan weit verbreitet. Das Karnai ist ein gerades Rohr, das sich am Ende erweitert. Die Länge des Instruments beträgt zwei Meter. Der vom Carnay erzeugte Klang erinnert an eine Posaune. Der Tonumfang überschreitet nicht eine Oktave.

Der kraftvolle und starke Klang von Karnay ist bei Zeremonien und zu hören Sportspiele in Usbekistan. In der Antike diente es auch als Instrument, um den Ausbruch eines Krieges anzuzeigen und die Moral der Armee zu stärken.

Chang – ein altes Analogon des Hackbretts

Ein weiteres berühmtes usbekisches Musikinstrument ist der Chang. Es gehört zur Gattung der Zymbale. Es besteht aus einem Holzkörper in Form eines Trapezes, auf dem 42 Stück aufgespannt sind. Das Oberdeck enthält kleine Resonatorlöcher, die zur Verbesserung des Klangs beitragen. Chang wird mit zwei Bambus- oder Schilfrohrstäben gespielt. Der Klang ist klar, hell und hat eine gute Dauer. Der Chang wird sowohl als Solo- als auch als Ensembleinstrument eingesetzt.

Sato – Streichinstrument

Sato ist ein Instrument mit einer tausendjährigen Geschichte und einem entzückenden, faszinierenden Klang. Die Entstehung verschiedener Saiteninstrumente im Osten geht auf das 10. Jahrhundert zurück. Zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren sie vom Aussterben bedroht, doch Meister Usman Zufarov schaffte es, alte Traditionen wiederzubeleben.

Der Sato ist ein birnenförmiger Holzkörper mit aufgesetztem Hals, auf dem die Bünde angebracht und die Saiten gespannt werden. Die Tonerzeugung erfolgt durch die Bewegung des Bogens entlang der Saiten.

Die aufregende und geheimnisvolle Musik des Ostens fasziniert durch ihre komplexen Rhythmen und kunstvollen Melodiemuster. Den Völkern Asiens gelang es, das Alte zu bewahren kulturelle Traditionen und die Weisheit der Jahrhunderte, die den Zeitgenossen den wahren Schatz ihrer Vorfahren nahebringen.

musikalische Folk-Balalaika

Die Geschichte chinesischer Volksmusikinstrumente reicht mehrere tausend Jahre zurück. Archäologische Ausgrabungen deuten darauf hin, dass in China bereits vor mehr als 2000 Jahren und möglicherweise auch früher verschiedene Musikinstrumente verwendet wurden. Beispielsweise wurden bei Ausgrabungen im Dorf Hemudu in der Provinz Zhejiang Knochenpfeifen aus der Jungsteinzeit geborgen und im Dorf Banpo in Xi'an ein „Xun“ (ein Blasinstrument aus gebranntem Ton). Es wurde eine zur Yangshao-Kultur gehörende Kultur entdeckt. In den Yin-Ruinen in Anyang, Provinz Henan, wurden ein „Shiqing“ (Steingong) und eine mit Pythonhaut bedeckte Trommel gefunden. „Xiao“ ( Längsflöte), „sheng“ (Mundorgel), „se“ (25-saitige horizontale Harfe), Glocken, „bianqing“ (Steingong), verschiedene Trommeln und andere Instrumente.

Antike Musikinstrumente hatten in der Regel einen doppelten Zweck – praktisch und künstlerisch. Musikinstrumente dienten als Werkzeug oder Haushaltsgerät und dienten gleichzeitig der Aufführung von Musik. „Shiqing“ (Steingong) könnte beispielsweise von einer Art scheibenförmigem Werkzeug herrühren. Darüber hinaus wurden einige alte Instrumente zur Übermittlung bestimmter Informationen verwendet. Beispielsweise diente das Schlagen der Trommeln als Signal für den Aufbruch zu einem Feldzug, das Schlagen des Gongs als Zeichen für den Rückzug, Nachttrommeln als Signal für die Vertreibung der Nachtwächter usw. Bei einigen nationalen Minderheiten besteht noch immer die Tradition, ihre Liebe durch das Spielen von Melodien auf Blas- und Streichinstrumenten zum Ausdruck zu bringen.

Die Entwicklung von Musikinstrumenten steht in engem Zusammenhang mit der Entwicklung gesellschaftlicher Produktivkräfte. Der Übergang von der Herstellung von Steingongs zu Metallgongs und der Herstellung von Metallglocken wurde erst möglich, nachdem der Mensch die Technologie des Metallschmelzens beherrschte. Dank der Erfindung und Entwicklung der Seidenraupenzucht und Seidenweberei wurde es möglich, Saiteninstrumente wie die Qin (chinesische Zither) und die Zheng (ein altes Zupfinstrument mit 13–16 Saiten) herzustellen.

Das chinesische Volk zeichnete sich schon immer durch seine Fähigkeit aus, nützliche Dinge von anderen Völkern zu leihen. Seit der Han-Dynastie (206 v. Chr. – 220 n. Chr.) wurden viele Musikinstrumente aus anderen Ländern nach China eingeführt. Während der Han-Dynastie wurden Flöte und Shukunhou (vertikale Zither) aus den westlichen Regionen importiert, in der Ming-Dynastie (1368–1644) Hackbrett und Sona (chinesische Klarinette). Diese Instrumente, die in den Händen von Meistern immer perfekter wurden, begannen nach und nach eine wichtige Rolle im Orchester der chinesischen Volksmusik zu spielen. Es ist erwähnenswert, dass in der Geschichte der Entwicklung chinesischer Volksmusikinstrumente Streichinstrumente viel später auftauchten als Schlag-, Blas- und Zupfinstrumente.

Den historischen Aufzeichnungen zufolge Saiteninstrument, deren Töne mit einem Bambusplektrum extrahiert wurden, tauchten erst in der Tang-Dynastie (618-907) und der Saite auf Streichinstrument, dessen Bogen aus einem Pferdeschwanz gefertigt wurde, stammt aus der Song-Dynastie (960-1279). Ab der Yuan-Dynastie (1206-1368) wurden auf dieser Grundlage weitere Saiteninstrumente erfunden.

Nach der Gründung des neuen China in der Mitte des letzten Jahrhunderts führten Musiker umfangreiche Arbeiten und Reformen durch, um eine Reihe von Mängeln der Volksinstrumente zu beseitigen, die sich in der Unreinheit des Klangs, der Fragmentierung der Stimmung, dem Ungleichgewicht des Klangs und der schwierigen Modulation äußerten , ungleiche Tonhöhenstandards für verschiedene Instrumente, fehlendes mittleres und tiefes Instrumentenregister. Musiker haben in dieser Richtung erhebliche Fortschritte gemacht.

Guan

Guan – Chinesisches Blasinstrument Rohrblattinstrument(Chinesisch ЉЗ), Gattung Oboe. Ein zylindrisches Fass mit 8 oder 9 Spiellöchern besteht aus Holz, seltener aus Schilfrohr oder Bambus. Ein doppelter Rohrstock, der an der schmalen Stelle mit Draht zusammengebunden ist, wird in den Guan-Kanal eingeführt. An beiden Enden des Instruments und manchmal auch zwischen den Spiellöchern werden Zinn- oder Kupferringe angebracht. Die Gesamtlänge des Guan liegt zwischen 200 und 450 mm; die größten haben eine Messingglocke. Die Tonleiter des modernen Guan ist chromatisch, Bereich es1–a3 (großes Guan) oder as1–c4 (kleines Guan). Wird in Ensembles, Orchestern und Soli verwendet.

In China ist Guan in der Uigurischen Autonomen Region Xinjiang weit verbreitet. Im Süden, in Guangdong, ist es auch als Houguan (chinesisch: ЌAЉЗ) bekannt. Der traditionelle chinesische Name für dieses Instrument ist bili (chinesisch ?кј) (in dieser Form (vIvG in traditioneller Schreibweise) gelangte es in die koreanische und japanische Sprache).

Banhu

Banhu ist ein chinesisches Saitenmusikinstrument, eine Art Huqin.

Das traditionelle Banhu wurde vor allem als Begleitinstrument in nordchinesischen Musikdramen, nord- und südchinesischen Opern oder als Soloinstrument und in Ensembles verwendet.

Im 20. Jahrhundert wurde das Banhu erstmals als Orchesterinstrument eingesetzt.

Es gibt drei Arten von Banhu – hohe, mittlere und tiefe Register. Das gebräuchlichste Banhu ist das hohe Register.

ABSTRAKT

Historische Geographie Musikinstrumente Zentralasiens

Einführung

Das Thema meines Aufsatzes: „Historische Geographie der Musikinstrumente.“ Ich denke, dieses Thema ist sehr interessant und relevant. Stellen wir die Frage: „Warum?“

Musik ist eines der wichtigsten und interessanteste Phänomene in der Natur und in unserem Leben. Von Anfang an frühe Kindheit Wir beginnen, die Stimmen anderer Menschen zu hören, das Zwitschern und Singen der Vögel, das Rauschen des Meeres und des Windes. Diese Klänge füllen unser Leben mit Farben; ohne sie wäre das Leben sehr langweilig.

Indem er den Geräuschen der Natur lauschte, versuchte der Mensch seit der Antike zu lernen, sie nachzuahmen und etwas zu erschaffen, mit dessen Hilfe auch er solch farbenfrohe Klänge erzeugen konnte. So entstanden Musikinstrumente. Zunächst wurden sie aus den gängigsten verfügbaren Materialien hergestellt. Wenn man beispielsweise aus gewöhnlichem Schilf Löcher hineinbohrt, erhält man eine wunderbare Pfeife. Ein mit Tierhaut überzogener Holzblock diente den alten Menschen als Trommel.

Allmählich, mit der Entwicklung der Kultur und der Entstehung verschiedene Nationen, die Vielfalt der Musikinstrumente sowie deren Klang und Klangfarbe hat zugenommen. Jede Nation, die versuchte, ihren eigenen besonderen Klang zu schaffen, an dem andere Nationen sie erkennen würden, schuf ihre eigenen Musikinstrumente, weshalb sie den Namen Folk erhielten. Nicht umsonst denken wir beim Klang einer Balalaika sofort an Russland, der Klang einer Dombra oder Kobyz erinnert uns an Kasachstan.

So werden Musikinstrumente und Musik nach und nach zu einem integralen Bestandteil der Kultur jeder Nation und verleihen ihr eigene Merkmale. Mit dem Aufkommen der Volksmusik entstanden neue Traditionen und Bräuche. Zum Beispiel bei Kasachisches Volk, ein solcher Wettbewerb erschien - aitys.

Um auf meine ursprünglich gestellte Frage zurückzukommen, möchte ich sagen, dass jeder Mensch die Geschichte und Kultur seines Volkes kennen sollte, und da Musik einer ihrer wichtigsten Bestandteile ist, sollte man sie auch studieren. Schließlich hatte Musik, wie oben erwähnt, großen Einfluss auf Kultur, Traditionen und Bräuche.

Heutzutage spielen viele Menschen Musikinstrumente, kennen aber die Entstehungsgeschichte nicht. Ich denke, das ist falsch. Das ist dasselbe, als würde man der Kultur der Menschen, die dieses Musikinstrument geschaffen und es und seinen Klang in unsere Welt gebracht haben, keinen Respekt entgegenbringen.

Darüber hinaus finde ich es sehr interessant, die Entstehungsgeschichte eines bestimmten Musikinstruments zu studieren. Wie und warum es entstand, welche Legenden gibt es im Zusammenhang mit der Entstehung dieses Instruments.

In meinem Aufsatz möchte ich am Beispiel von Ländern wie Russland, dem Chinesischen Reich und Kirgisistan über Volksmusikinstrumente Zentralasiens sprechen.

Alle diese Länder haben eine unterschiedliche und interessante Geschichte und Kultur. Auch ihre Musik ist vielfältig. Ich denke, es wird sehr interessant sein, über die Entstehungsgeschichte der Balalaika, Gusli, Guan, Banhu und des kirgisischen Chopo-Chors und Temir-Komuz und die damit verbundenen Musikgenres zu lesen.

1. Musikinstrumente Russlands

Die Entstehungsgeschichte russischer Volksinstrumente reicht bis in die ferne Vergangenheit zurück. Fresken der Sophienkathedrale in Kiew, ikonografische Materialien, Miniaturen handgeschriebene Bücher Populäre Drucke zeugen von der Vielfalt der Musikinstrumente unserer Vorfahren. Von Archäologen entdeckte antike Musikinstrumente sind echte materielle Beweise für ihre Existenz in Russland. In der jüngeren Vergangenheit war der Alltag des russischen Volkes ohne Musikinstrumente undenkbar. Fast alle unsere Vorfahren besaßen die Geheimnisse des Baus einfacher Klanginstrumente und gaben sie von Generation zu Generation weiter. Die Einführung in die Geheimnisse des Handwerks wurde von Kindesbeinen an vermittelt, in Spielen, in für Kinderhände machbaren Arbeiten. Indem sie ihren Älteren bei der Arbeit zusahen, eigneten sich Teenager ihre ersten Fähigkeiten im Bau der einfachsten Musikinstrumente an.

Auch die Herstellung von Musikinstrumenten ist bei vielen Völkern eng mit den Göttern verbunden, den Herren der Gewitter, Schneestürme und Winde. So war es auch mit dem russischen Volk. Die alten Slawen verehrten ihre Vorfahren und verehrten die Götter; die Verehrung der Götter erfolgte vor heiligen Göttinnen in Tempeln und im Freien mit Glocken und Götzenbildern.

Religiöse Zeremonien zu Ehren von Perun (Gott des Donners und Blitzes), Stribog (Gott der Winde), Svyatovid (Gott der Sonne), Lada (Göttin der Liebe) usw. wurden von Gesang, Tanz und dem Spielen von Musikinstrumenten begleitet und endeten mit einem allgemeinen Fest.

Den Forschern zufolge entwickelten sich Gesang und Instrumentalkunst jener Jahre in enger Wechselbeziehung. Vielleicht trugen rituelle Gesänge mit der Etablierung ihrer musikalischen Struktur zur Geburt der Instrumente bei, da Tempelgebetslieder mit musikalischer Begleitung aufgeführt wurden.

Der byzantinische Historiker Theophylact Simokatta, der arabische Reisende Al-Masudi und der arabische Geograph Omar ibn Dast bestätigen die Existenz von Musikinstrumenten bei den alten Slawen. Letzterer schreibt in seinem „Buch der kostbaren Schätze“: „Sie haben alle Arten von Lauten, Harfen und Pfeifen ...“

In „Essays zur Musikgeschichte Russlands von der Antike bis zum Ende des 18. Jahrhunderts“ schreibt der russische Musikwissenschaftler N.F. Findeisen bemerkt: „Es ist absolut unmöglich zuzugeben, dass die alten Slawen, die ein Gemeinschaftsleben führten, deren religiöse Riten äußerst entwickelt, vielfältig und mit dekorativem Prunk ausgestattet waren, völlig unabhängig davon nicht in der Lage gewesen wären, ihre eigenen Musikinstrumente herzustellen.“ ob es in den Nachbarländern ähnliche Instrumente gab.“

Holzpfeifen und Hörner (Militär- und Jagdbläser);

Glocken, Tonpfeifen (Ritual);

Panflöte;

Gusli (Schnur); Balalaika;

Sopel und Flöte (Arshine-lange Blasinstrumente).

Lassen Sie uns ausführlicher über die Geschichte der Balalaika und Gusli sprechen.

Balalaika

Die Balalaika ist eines der Instrumente, die (zusammen mit dem Akkordeon und in geringerem Maße dem Mitleid) geworden sind. Musikalisches Symbol Russisches Volk.

Schon der Name des Instruments ist merkwürdig, typisch volkstümlich, der Klang der Silbenkombinationen vermittelt die Art des Spielens. Die Wurzel des Wortes „Balalaika“ oder, wie es auch genannt wurde, „Balabaika“ hat seit langem die Aufmerksamkeit von Forschern auf sich gezogen, da es mit russischen Wörtern wie balakat, balabonit, balabolit, balagurit verwandt ist, was „chatten“ bedeutet. müßiges Gerede (zurück zum gebräuchlichen slawischen *bolbol mit derselben Bedeutung). Alle diese Konzepte ergänzen sich und vermitteln die Essenz der Balalaika – ein leichtes, lustiges, „klimperndes“, nicht sehr ernstes Instrument.

Das Wort wurde erstmals in der ukrainischen Sprache des frühen 18. Jahrhunderts (in Dokumenten von 1717–1732) in der Form „Balabayka“ erwähnt (offensichtlich ist dies seine ältere Form, die auch in den Dialekten Kursk und Karatschew erhalten bleibt). Zum ersten Mal auf Russisch im Gedicht von V.I. Maykova „Elisha“, 1771, Lied 1: „Setze mir einen Summer oder eine Balalaika.“

Die Entstehungsgeschichte der Balalaika reicht Jahrhunderte zurück. Das ist hier nicht so einfach, denn es gibt eine ganze Reihe von Dokumenten und Informationen über die Herkunft des Instruments. Russische Balalaika Viele glauben, dass die Balalaika in Russland erfunden wurde, andere glauben, dass sie aus dem kirgisischen Volksinstrument – der Kaisak – Dombra stammt. Es gibt eine andere Version: Vielleicht wurde die Balalaika während der Tatarenherrschaft erfunden oder zumindest von den Tataren übernommen. Daher ist es schwierig, das Entstehungsjahr des Instruments zu nennen. Darüber streiten sich auch Historiker und Musikwissenschaftler. Die meisten bleiben bei 1715, aber dieses Datum ist willkürlich, da es Hinweise auf mehr gibt frühe Periode- 1688. Wahrscheinlich wurde die Balalaika von Leibeigenen erfunden, um ihr Leben unter der Herrschaft eines grausamen Grundbesitzers zu verschönern. Allmählich verbreitete sich die Balalaika unter Bauern und Possenreißern, die durch unser riesiges Land reisten. Possenreißer traten auf Jahrmärkten auf, unterhielten die Leute, verdienten Geld für Essen und eine Flasche Wodka und ahnten nicht einmal, was für ein Wunderinstrument sie spielten. Der Spaß konnte nicht lange anhalten, und schließlich kamen der König und Großherzog Alexej Michailowitsch erließ ein Dekret, in dem er anordnete, alle Instrumente (Domras, Balalaikas, Hörner, Harfen usw.) einzusammeln und zu verbrennen und diejenigen, die nicht gehorchten und die Balalaikas nicht aufgeben wollten, auszupeitschen und auszupeitschen ins Exil nach Kleinrussland geschickt. Doch die Zeit verging, der König starb und die Repressionen hörten nach und nach auf. Die Balalaika erklang erneut im ganzen Land, aber auch hier nicht lange. Die Zeit der Popularität wurde wieder von fast völliger Vergessenheit abgelöst Mitte des 19 Jahrhundert.

Die Balalaika ging also verloren, aber nicht vollständig. Einige Bauern spielten noch immer Musik auf drei Saiten. Wassili Wassiljewitsch Andrejew Und eines Tages, als er durch sein Anwesen reiste, hörte der junge Adlige Wassili Wassiljewitsch Andrejew eine Balalaika von seinem Diener Antipas. Andreev war beeindruckt von der Besonderheit des Klangs dieses Instruments, betrachtete sich jedoch als Experte für russische Volksinstrumente. Und Wassili Wassiljewitsch beschloss, aus der Balalaika das beliebteste Instrument zu machen. Zunächst lernte ich langsam, selbst zu spielen, dann bemerkte ich, dass das Instrument ein enormes Potenzial hatte, und beschloss, die Balalaika zu verbessern. Andreev ging nach St. Petersburg, um Geigenbauer Ivanov um Rat gebeten und gebeten, darüber nachzudenken, wie der Klang des Instruments verbessert werden kann. Ivanov widersprach und sagte, dass er kategorisch keine Balalaika spielen würde. Andreev dachte einen Moment nach, dann holte er eine alte Balalaika hervor, die er auf einem Jahrmarkt für dreißig Kopeken gekauft hatte, und spielte meisterhaft eines der Volkslieder, von denen es in Russland eine große Anzahl gibt. Iwanow konnte einem solchen Angriff nicht widerstehen und stimmte zu. Die Arbeit war lang und hart, aber trotzdem wurde eine neue Balalaika gemacht. Aber Wassili Andrejew plante mehr als nur die Schaffung einer verbesserten Balalaika. Nachdem er es dem Volk genommen hatte, wollte er es dem Volk zurückgeben und es verbreiten. Nun erhielten alle im Dienst dienenden Soldaten eine Balalaika, und beim Ausscheiden aus der Armee nahm das Militär das Instrument mit.

So verbreitete sich die Balalaika erneut in ganz Russland und wurde zu einem der beliebtesten Instrumente. Darüber hinaus plante Andreev die Gründung einer Balalaika-Familie verschiedene Größen nach dem Vorbild eines Streichquartetts. Familie der Balalaikas. Dafür versammelte er Meister: Paserbsky und Nalimov, und sie stellten gemeinsam Balalaikas her: Piccolo, Diskant, Prima, Sekunde, Bratsche, Bass, Kontrabass. Aus diesen Instrumenten entstand die Grundlage des Großen Russischen Orchesters, das anschließend in unzählige Länder der Welt reiste und die Balalaika und die russische Kultur verherrlichte. Es kam so weit, dass in anderen Ländern (England, USA, Deutschland) Orchester mit russischen Volksinstrumenten nach großrussischem Vorbild gegründet wurden.

Andreev spielte zunächst selbst im Orchester und dirigierte es dann. Gleichzeitig gab er Solokonzerte, die sogenannten Balalaika-Abende. All dies trug zu einem außerordentlichen Anstieg der Popularität der Balalaika in Russland und sogar über seine Grenzen hinaus bei. Darüber hinaus bildete Wassili Wassiljewitsch eine große Zahl von Schülern aus, die ebenfalls versuchten, die Popularisierung der Balalaika zu unterstützen (Trojanowski und andere). In dieser Zeit widmeten Komponisten der Balalaika endlich ihre Aufmerksamkeit. Zum ersten Mal wurde die Balalaika mit einem Orchester aufgeführt.

Heute macht das Instrument schwere Zeiten durch. Es gibt nur wenige professionelle Künstler. Sogar im Dorf vergaß man die Balalaika. Im Allgemeinen ist Volksmusik für einen sehr engen Kreis von Menschen interessant, die Konzerte besuchen oder Volksinstrumente spielen. Heute sind die berühmtesten Balalaika-Spieler Boldyrev V.B., Zazhigin Valery Evgenievich, Gorbatschow Andrey Aleksandrovich, Kuznetsov V.A., Senchurov M.I., Bykov Evgeniy, Zakharov D.A., Bezotosny Igor, Konov Vladimir Nikolaevich, Mikhail Fedotovich Rozhkov. Alle diese Menschen versuchen, die Popularität unseres großartigen Instruments aufrechtzuerhalten und engagieren sich in Lehr- und Konzertaktivitäten.

In der Geschichte der Balalaika gab es Höhen und Tiefen, aber sie lebt weiter und nicht umsonst betrachten alle Ausländer sie als Personifikation der russischen Kultur.

Gusli

Gusli ist ein altes Zupfinstrument, dessen Name sich in Russland auf mehrere Arten von Liegeharfen bezieht. Psaltenharfen ähneln dem griechischen Psalter und dem jüdischen Kinnor; Dazu gehören: Tschuwaschisches Gusli, Cheremis-Gusli, klavierförmiges Gusli und Gusli, die der finnischen Kantele, dem lettischen Kukles und dem litauischen Kankles ähneln.

Wir sprechen über Instrumente, die auf dem Territorium von Weißrussland, Russland, der Ukraine, Litauen, Lettland, Estland, Polen, Finnland und einigen anderen Ländern existierten Europäische Länder. Was diese Instrumente vereint, ist ein ausschließlich konstruktives Merkmal: ein Saitenfächer, ein Saitenhalter, ein Stimmstab und ein Resonator, der sich unter den Saiten über die gesamte Länge der Saite befindet. Das Design jedes einzelnen Instruments kann Besonderheiten und Ausnahmen aufweisen, die vier aufgeführten Teile sind jedoch in der Regel vorhanden.

Die Geschichte des slawischen Gusli, der finnischen Kantele, des estnischen Kanneli, der lettischen Kokle, der litauischen Kankles und aller Instrumente aus derselben Liste, die hier nicht erwähnt werden, geht irgendwann auf dieselben Wurzeln zurück. Nur welches? Niemand hat genaue Informationen. Über das „Wo“ und „Wann“ dieser Phase wird in der Literatur zu viel spekuliert. Aber nur Annahmen, nur Vermutungen.

In der Antike wurde die elastische Sehne eines Bogens anders genannt – „Gusla“. Hier ist eine der Hypothesen zur Herkunft des Instrumentennamens. Und indem wir ein hohles Gefäß an einer Schnur befestigen, erhalten wir ein primitives Musikinstrument. Also: Saiten und ein Resonator, der ihren Klang verstärkt, sind das Grundprinzip dieses Zupfinstruments.

In der altrussischen Handschrift „Das Märchen vom belorisierten Mann und dem Mönchtum“ stellte der Miniaturist im Anfangsbuchstaben „D“ die Figur eines Königs (möglicherweise des Psalmisten David) dar, der Harfe spielt. Ihre Form entspricht dem Instrument, das damals in Russland existierte. Dabei handelt es sich um die sogenannten „helmförmigen“ Harfen. Die Form ihres Körpers ähnelt wirklich einem Helm. Anschließend veränderte sich die Form des flachen Resonatorkastens. Eine trapezförmige Harfe erschien. Die Anzahl der Saiten des Instruments hat abgenommen und auch die Form des Korpus hat sich verändert. So entstanden geflügelte Harfen.

Bereits im 9. Jahrhundert verblüfften die Slawen die Könige von Byzanz mit dem Harfenspiel. In jenen fernen Zeiten wurden Harfen aus ausgehöhlten, trockenen Fichten- oder Ahornbrettern hergestellt. Der „Yavor“-Ahorn wird besonders von Musikmeistern geliebt. Daher kommt der Name des Gusli – „Yarochnye“. / Und sobald die Saiten aus dem Metall gezogen wurden, begann das Gusli zu klingeln und wurde „Klingeln“ genannt.

Das Schicksal dieses Instruments ist seit langem mit Volksliedern und epischen Traditionen verbunden. Meisterhandwerker geben seit Jahrhunderten die Geheimnisse der Gusli-Herstellung weiter. Gusel-Melodien, Lieder von Sängern, waren sowohl beim Volk als auch bei den Königen beliebt. Aber oft sangen Volkssänger wenig schmeichelhaft über die Behörden.

Die Verfolgung von Gusli-Spielern (wie dieses Wort richtig klingt) oder, wie sie abfällig als Guslars bezeichnet wurden, hat dem Schicksal des Instruments keinen Gefallen getan. Das Interesse an ihrer Verbesserung war nicht dasselbe wie am Schicksal der Geige. Aber die Zeit hat dieses alte Instrument verändert. Design, Korpusform, Holzverarbeitungstechnik, Lacke, dekorative Veredelung – all das hat die Harfe längst aus der Kategorie eines reinen Volksinstruments entfernt und sie zu einem professionellen Bühneninstrument mit sattem, einzigartigem Klang gemacht.

Derzeit ist das Interesse am Gusli deutlich gewachsen. Moderne Guslars tauchten auf – Geschichtenerzähler, die sich daran machten, die alte Tradition des Gusli-Spielens und des Gusli-Singens wieder aufleben zu lassen. Neben drei Arten von Zupfpsaltern, deren Hauptspieltechnik das Zupfen und Klirren ist, erschienen auch Tastenpsalterien. Die darauf verbaute Mechanik öffnet beim Tastendruck die Saiten und ermöglicht die Auswahl des gewünschten Akkords. Dies erleichtert das Spielen der Harfe als Begleitinstrument erheblich.

2. Musikinstrumente Chinas

musikalische Folk-Balalaika

Die Geschichte chinesischer Volksmusikinstrumente reicht mehrere tausend Jahre zurück. Archäologische Ausgrabungen deuten darauf hin, dass in China bereits vor mehr als 2000 Jahren und möglicherweise auch früher verschiedene Musikinstrumente verwendet wurden. Beispielsweise wurden bei Ausgrabungen im Dorf Hemudu in der Provinz Zhejiang Knochenpfeifen aus der Jungsteinzeit geborgen und im Dorf Banpo in Xi'an ein „Xun“ (ein Blasinstrument aus gebranntem Ton). Es wurde eine zur Yangshao-Kultur gehörende Kultur entdeckt. In den Yin-Ruinen in Anyang, Provinz Henan, wurden ein „Shiqing“ (Steingong) und eine mit Pythonhaut bedeckte Trommel gefunden. Aus dem Grab des kaiserlichen Würdenträgers Zeng (begraben 433 v. Chr.), das im Landkreis Suixiang, Provinz Hubei, eröffnet wurde, sind eine „Xiao“ (Längsflöte), eine „Sheng“ (Labialorgel) und eine „Se“ (25-saitige Flöte) zu sehen (Horizontalflöte), Harfe), Glocken, „Bianqing“ (Steingong), verschiedene Trommeln und andere Instrumente.

Historischen Aufzeichnungen zufolge tauchte das Saiteninstrument, dessen Töne mit einem Bambusplektrum extrahiert wurden, erst in der Tang-Dynastie (618-907) auf, und das Saiteninstrument, dessen Bogen aus einem Pferdeschwanz gefertigt war, erschien erst in der Tang-Dynastie (618-907). der Song-Dynastie (960 -1279). Ab der Yuan-Dynastie (1206-1368) wurden auf dieser Grundlage weitere Saiteninstrumente erfunden.

Guan

Guan ist ein chinesisches Rohrblattblasinstrument (chinesisch). 管), Gattung Oboe. Ein zylindrisches Fass mit 8 oder 9 Spiellöchern besteht aus Holz, seltener aus Schilfrohr oder Bambus. Ein doppelter Rohrstock, der an der schmalen Stelle mit Draht zusammengebunden ist, wird in den Guan-Kanal eingeführt. An beiden Enden des Instruments und manchmal auch zwischen den Spiellöchern werden Zinn- oder Kupferringe angebracht. Die Gesamtlänge des Guan liegt zwischen 200 und 450 mm; die größten haben eine Messingglocke. Die Tonleiter des modernen Guan ist chromatisch, Bereich es1–a3 (großes Guan) oder as1–c4 (kleines Guan). Wird in Ensembles, Orchestern und Soli verwendet.

In China ist Guan in der Uigurischen Autonomen Region Xinjiang weit verbreitet. Im Süden, in Guangdong, ist es auch als Houguan (Chinesisch) bekannt. 喉管). Der traditionelle chinesische Name für dieses Instrument ist beli (Chinesisch). 筚篥) (genau in dieser Form ( 篳篥 in der traditionellen Schreibweise) ging es ins Koreanische und Japanische über.

Banhu

Banhu ist ein chinesisches Saitenmusikinstrument, eine Art Huqin.

Im 20. Jahrhundert begann man, das Banhu als Orchesterinstrument zu verwenden. Es gibt drei Arten von Banhu – hohe, mittlere und tiefe Register. Das gebräuchlichste Banhu ist das hohe Register.

3. Musikinstrumente Kirgisistans

Die Musik des kirgisischen Volkes besteht nicht nur aus Singen mit Musik – es ist eine ganze Kunst. Ganze Gemeinden versammelten sich hier, um dem professionellen Spiel der Meister zu lauschen. Akyns (Volkskünstler) sind ein wichtiger Teil der Musikkultur des Landes. Aber das ist noch nicht alles. Kirgisische Musik hat eine Vielzahl von Richtungen, Genres und Liedaufführungsstilen.

Die Musik Kirgisistans reicht bis ins 16. Jahrhundert zurück, als sich das kirgisische Volk aus den Stämmen Zentralasiens formierte. IN verschiedene Teile Länder - unsere besondere Musik. Im Süden wurden beispielsweise Lieder rezitativ vorgetragen, während die Lieder im Norden des Landes langwierig und ruhig waren.

Die traditionelle Musik Kirgisistans basierte auf vielen Genres: Ritualmusik, traditionelle Musik, Arbeitsmusik, epische Musik, lyrische Musik, Beerdigungsmusik, satirische Musik und Lieder. Es gab auch Mädchenlieder, vor Ort „kyzdar yry“ genannt, Frauenlieder – kelinder yry, und Kinderlieder, genannt baldar yry, sowie andere verschiedene Genres.

Es gibt auch Hinweise auf den Gesang in der Antike. Es gab zum Beispiel Lieder „Backbekey“ – Frauen sangen sie im Chor, wenn sie nachts die Herde bewachten. Das Lied „Shyryldan“ wurde ebenfalls vom Chor gesungen, und seine Melodie war langwierig und traurig. Liebeslieder hatten auch einen Platz in der Musik des kirgisischen Volkes.

Die Entwicklung und Verbesserung von Volksmusikinstrumenten setzte sich im Laufe der Geschichte des kirgisischen Volkes fort und endete etwa im 16. Jahrhundert.

Das beliebteste kirgisische Volksinstrument ist das dreisaitige Zupfinstrument Komuz aus Aprikosenholz.

Beliebt ist das zweisaitige Streichinstrument Kyl-Kyyak, dessen Resonanzboden meist aus Kamelhaut besteht.

In der Volksmusikpraxis werden auch Rohrlippeninstrumente verwendet: Temir Komuz aus Metall und Zhygach Ooz Komuz aus Holz.

Chopo-Chor

Chopo-Chor (Tonchor) ist eine Art kirgisisches Volksblasinstrument. Es wurde hauptsächlich in den südlichen, landwirtschaftlich geprägten Regionen der Republik unter verschiedenen Namen verbreitet – Chopo Choor, Ylay Choor. Seine Form ist beliebig. Eine der antiken Proben, die sich in der Sammlung von Professor S. Subanaliev befindet, besteht aus einer kleinen Kugel aus weißem Ton; seine Höhe beträgt etwas mehr als 5 cm. Zwei Spiellöcher und ein Mündungsloch sind so angeordnet, dass man sie gleichzeitig mit den Lippen und Zeigefingern beider Hände abdecken kann (das Instrument wird durch die Daumen gestützt). Der Folk-Chopo-Chor ist nicht schwer aufzuführen. Das Timbre ist fesselnd, weich, tief. Aus diesem Grund kann Chopo-Chor sowohl als Musikspielzeug für Kinder als auch als gleichwertiges Instrument dienen Folklore-Ensemble. Das Tool wurde nun verbessert. Durch die Rekonstruktion seines alten Modells wurde eine Familie neuer Chopo-Chöre geschaffen.

In der Antike wurde es von den Kirgisen als Weidevieh genutzt. Nachdem die Schafe die vom Hirten erzeugten Chopo-Chor-Geräusche gehört hatten, wichen sie nie von der Herde ab und folgten dem Hirten zum Ort der Wanderung und zurück.

Temir-Komuz

Kirgisische Volkszupfmusik. Werkzeug. Eine Gattung der Maultrommeln. Es handelt sich um ein Hufeisen aus Eisen (auch Kupfer oder Messing) mit länglichen und sich verjüngenden Enden (Länge 60–120 mm, Breite an der Basis 3,5–7 mm). Die Zunge ist eine Stahlplatte, die in der Mitte des Hufeisenbogens befestigt ist. Der Interpret auf T.-k. drückt das Instrument mit einem Hufeisen mit einer Hand an die Zähne. (sog. Komuzchi) kneift die Zunge Zeigefinger Auf der anderen Seite erhalten Sie Basic. Ton (normalerweise innerhalb f - d1), der Resonator ist die Mundhöhle (daher die bei verschiedenen Völkern gebräuchliche Bezeichnung für Instrumente dieser Art: deutsch Maultrommel - Mundtrommel usw.). Durch die Veränderung der Mundform extrahiert der Darsteller verschiedene. Obertonklänge, die eine Melodie bilden. Die Melodie erklingt mit einem durchgehenden Bourdon (Grundton). Betriebsreichweite – innerhalb eines Sechstels; Die maximale Reichweite überschreitet Duodecima nicht (die Breite der Reichweite wird durch die Fähigkeit des Darstellers bestimmt, die Luftzufuhr zu regulieren). T.-k. - ein Soloinstrument, Kap. arr. Kyu, sowie Melodien von Volksliedern. Die Technik der rechten Hand ist vielfältig – mit ihrer Hilfe lässt sich Vieles erreichen. Ton sowie visuelle Effekte. Manchmal ist ein Darsteller in T.-k. verbindet Spielen mit Pfeifen. T.-k. weit verbreitet, insbesondere bei Frauen und Jugendlichen. Weniger verbreitet bei den Kirgisen ist die sogenannte Maultrommel aus Holz. „Dzhikach-oozkomuz“ ».

Abschluss

In diesem Aufsatz haben wir die Entstehungsgeschichte von Musikinstrumenten in Russland, China und Kirgisistan untersucht. Es war sehr interessant, etwas über den Ursprung und die Struktur von Instrumenten wie Gusli, Banhu und Temir-Komuz zu erfahren. Nachdem Sie alles über diese Tools gelesen und geschrieben haben dieses Werk, ich kam der Kultur dieser Völker näher. Und das war mein Hauptziel. Schließlich ist es, wie ich bereits in der Einleitung gesagt habe, die Pflicht eines jeden Menschen, die Kultur seines Volkes zu respektieren, wertzuschätzen und zu kennen sowie andere Kulturen zu studieren und jede von ihnen mit Respekt zu behandeln.

Verwendete Literatur

2.http://sounds.kg/ru/dyhovie/21 „Chopo-Chor“

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Http://eomi.ws/plucked/gusli/ „Gusli“ 2010

Laden Sie das Buch Svechin A.A. herunter. Siegesstrategie von Alexander Andreevich Svechin Vorbereitung einer bewaffneten Front

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