Arten von Cembali. Cembalo - Musikinstrument

Arten von Cembali. Cembalo - Musikinstrument - Geschichte, Foto, Video

Ich muss zugeben, dass ich über das Cembalo als ein zutiefst persönliches Thema für mich spreche.

Nachdem ich fast vierzig Jahre lang darauf gespielt habe, habe ich eine tiefe Zuneigung zu bestimmten Autoren entwickelt und in Konzerten komplette Zyklen von allem gespielt, was sie für dieses Instrument geschrieben haben. Dies betrifft vor allem François Couperin und Johann Sebastian Bach.

Ich hoffe, dass das Gesagte als Entschuldigung für meine Vorurteile dienen wird, denen ich leider nicht entgehen kann. GERÄT Es ist eine große Familie von Tasten- und Streichinstrumenten bekannt

Zupfinstrumente . Sie unterscheiden sich in Größe, Form und Klang-(Farb-)Ressourcen. Fast jeder Meister, der früher solche Instrumente herstellte, versuchte, ihrem Design etwas Eigenes hinzuzufügen. Es herrscht große Verwirrung darüber, wie sie genannt wurden. In den meisten Fällen

allgemeiner Überblick
Instrumente werden nach ihrer Form in Längsinstrumente (erinnert an ein kleines Klavier, aber mit eckigen Formen – ein Flügel hat abgerundete Formen) und Rechteckinstrumente unterteilt. Natürlich ist dieser Unterschied keineswegs dekorativ: Bei unterschiedlichen Positionen der Saiten relativ zur Tastatur hat die Stelle auf der Saite, an der die Zupfcharakteristik all dieser Instrumente entsteht, einen ganz erheblichen Einfluss auf die Klangfarbe des Klangs. J. Wermeer aus Delft. Frau sitzt am Cembalo OK. 1673–1675.

Nationalgalerie

, London Das Cembalo ist das größte und komplexeste Instrument dieser Familie. In Russland seit dem 18. Jahrhundert. Der am häufigsten verwendete französische Name für das Instrument ist Cembalo ( Clavecin), kommt aber vor allem in der musikalischen und akademischen Praxis vor, und das italienische Becken ( Cembalo; Auch italienische Namen sind bekannt Clavicembalo, Gravicembalo.

Das Hauptmerkmal der Tonerzeugung beim Cembalo besteht darin, dass sich am hinteren Ende der Taste ein sogenannter Jumper (auch Drücker genannt) befindet, in dessen oberem Teil eine Feder befestigt ist. Wenn der Musiker eine Taste drückt, hebt sich das hintere Ende der Taste (da es sich bei der Taste um einen Hebel handelt) und der Jumper bewegt sich nach oben, und die Feder zupft die Saite.

Beim Loslassen der Taste gleitet die Feder lautlos, dank einer Feder, die eine leichte Auslenkung ermöglicht.

Verschiedene Arten von Tasteninstrumenten

Es ist bemerkenswert, dass W. Shakespeare in seinem 128. Sonett eine ungewöhnlich genaue Beschreibung der Aktion des Springers gab. Von den vielen Übersetzungsmöglichkeiten wird die Essenz des Cembalospiels – neben der künstlerischen und poetischen Seite – am genauesten durch die Übersetzung von Modest Tschaikowsky vermittelt:
Wenn du, meine Musik, spielst,
Setzen Sie diese Schlüssel in Bewegung
Und indem du sie so zärtlich mit deinen Fingern streichelst,
Der Gleichklang der Streicher weckt Bewunderung,
Ich schaue neidisch auf die Schlüssel,
Wie sie sich an deinen Handflächen festklammern;
Die Lippen brennen und dürsten nach einem Kuss,
Sie schauen neidisch auf ihre Kühnheit.
Oh, wenn sich das Schicksal plötzlich wenden würde
Ich schließe mich den Reihen dieser Trockentänzer an!
Ich bin froh, dass deine Hand darüber geglitten ist, -
Ihre Seelenlosigkeit ist gesegneter als die Lippen der Lebenden.
Aber wenn sie glücklich sind, dann

Lass sie deine Finger küssen und lass mich deine Lippen küssen.

Von allen Arten von Tastenzupfinstrumenten ist das Cembalo das größte und komplexeste. Es wird sowohl als Soloinstrument als auch als Begleitinstrument eingesetzt. Als Ensemblestück ist es in der Barockmusik unverzichtbar. Doch bevor wir über das riesige Repertoire dieses Instruments sprechen, ist es notwendig, etwas mehr über sein Design zu erklären. Bei einem Cembalo wurden alle Farben (Klangfarben) und Dynamik (also die Klangstärke) vom Erbauer jedes einzelnen Cembalos zunächst im Instrument selbst festgelegt. Deshalb ist er bis zu einem gewissen Grad

ähnlich einer Orgel. Bei einem Cembalo kann man den Klang nicht dadurch verändern, dass man die Stärke des Tastendrucks verändert. Zum Vergleich: Beim Klavier liegt die gesamte Interpretationskunst im Reichtum des Anschlags, also in der Vielfalt der Arten des Tastendrucks oder -anschlags.

Diagramm der Cembalo-Mechanik Reis. A:
1. Steg; 2. Dämpfer; 3. Jumper (Drücker); 4. Registerleiste; 5. Steg;

6. Jumper-(Schub-)Rahmen; 7. Schlüssel

Natürlich hängt es von der Sensibilität des Cembalisten ab, ob das Instrument musikalisch klingt oder „wie ein Kochtopf“ (so ungefähr hat es Voltaire ausgedrückt). Die Stärke und Klangfarbe des Klangs hängt jedoch nicht vom Cembalisten ab, da zwischen dem Finger des Cembalisten und der Saite ein komplexer Übertragungsmechanismus in Form einer Brücke und einer Feder besteht. Nochmals zum Vergleich: Bei einem Klavier wirkt sich das Anschlagen einer Taste direkt auf die Wirkung des Hammers auf die Saite aus, während bei einem Cembalo die Wirkung auf die Feder indirekt ist.

GESCHICHTE

Die frühe Geschichte des Cembalos reicht Jahrhunderte zurück. Es wurde erstmals in der Abhandlung von John de Muris „The Mirror of Music“ (1323) erwähnt.

Eine der frühesten Darstellungen eines Cembalos findet sich im Weimarer Wunderbuch (1440).

Lange Zeit glaubte man, dass das älteste erhaltene Instrument von Hieronymus von Bologna hergestellt und auf das Jahr 1521 datiert wurde. Es wird in London im Victoria and Albert Museum aufbewahrt. Doch kürzlich wurde festgestellt, dass es ein mehrere Jahre älteres Instrument gibt, das ebenfalls von einem italienischen Meister geschaffen wurde – Vincentius aus Livigimeno. Es wurde Papst Leo X. überreicht. Die Herstellung begann der Inschrift auf dem Gehäuse zufolge am 18. September 1515. 1440

Cembalo. Weimarer Wunderbuch. Um eine Monotonie des Klangs zu vermeiden, begannen Cembalobauer bereits in einem frühen Stadium der Instrumentenentwicklung, jede Taste nicht mit einer Saite, sondern mit zwei, natürlich unterschiedlichen Klangfarben, zu versehen. Es stellte sich jedoch schnell heraus, dass es aus technischen Gründen nicht möglich war, mehr als zwei Saitensätze für eine Tastatur zu verwenden. Dann entstand die Idee, die Anzahl der Tastaturen zu erhöhen. Bis zum 17. Jahrhundert Die musikalisch reichhaltigsten Cembali sind Instrumente mit zwei Klaviaturen (auch Manuale genannt, von lat.

manus - "Hand").(spielt mit dem Verschränken der [Arme]). „Stücke mit einem solchen Namen“, fährt der Komponist fort, „sollten auf zwei Klaviaturen gespielt werden, von denen eine durch Registerwechsel gedämpft klingen sollte.“ Für diejenigen, die kein zweimanualiges Cembalo besitzen, gibt Couperin Empfehlungen, wie man das Instrument mit einer Klaviatur spielt. Doch in vielen Fällen ist die Anforderung eines zweimanualigen Cembalos eine unabdingbare Voraussetzung für die volle künstlerische Darbietung einer Komposition. So gab Bach auf der Titelseite der Sammlung mit der berühmten „Französischen Ouvertüre“ und dem „Italienischen Konzert“ an: „für Clavicembalo mit zwei Manualen.“

Aus der Sicht der Entwicklung des Cembalos erwiesen sich zwei Manuale als nicht die Grenze: Wir kennen Beispiele von Cembalos mit drei Klaviaturen, obwohl wir keine Werke kennen, die für ihre Darbietung unbedingt ein solches Instrument erfordern würden.

Es handelt sich vielmehr um technische Tricks einzelner Cembalisten.

Während seiner glänzenden Blütezeit (17.-18. Jahrhundert) wurde das Cembalo von Musikern gespielt, die alle damals existierenden Tasteninstrumente beherrschten, nämlich Orgel und Clavichord (deshalb wurden sie Claviers genannt). Cembali wurden nicht nur von Cembalobauern, sondern auch von Orgelbauern hergestellt. Und es war selbstverständlich, beim Cembalobau einige grundlegende Ideen anzuwenden, die bereits bei der Gestaltung von Orgeln weit verbreitet waren. Mit anderen Worten: Cembalobauer folgten dem Weg der Orgelbauer und erweiterten die Registerressourcen ihrer Instrumente. Waren es bei der Orgel immer mehr neue Pfeifensätze, die auf die Manuale verteilt waren, so begann man beim Cembalo damit, sie zu verwenden größere Zahl

Saitensätze, auch auf Manuale verteilt. Diese Cembaloregister unterschieden sich nicht allzu sehr in der Lautstärke, wohl aber in der Klangfarbe – sehr deutlich.
Titelseite der ersten Musiksammlung für Virginel „Parthenia“.

London. 1611 Zusätzlich zu zwei Saitensätzen (einer für jede Tastatur), die unisono klangen und in der Höhe den in den Noten aufgezeichneten Klängen entsprachen, konnten Register in vier Fuß und sechzehn Fuß vorhanden sein. Orgeln werden in Fuß angegeben, und die Hauptregister, die der Notenschrift entsprechen, sind die sogenannten Acht-Fuß-Register, während Pfeifen, deren Töne eine Oktave über den notierten Tönen liegen, als Vier-Fuß-Tonleiter bezeichnet werden, und solche, die Töne erzeugen, die eine Oktave darunter liegen werden Sechzehn-Fuß-Einser genannt. Auf dem Cembalo sind die durch die Sätze gebildeten Register in den gleichen Takten angegeben Saiten.)

So der Klangumfang eines großen Konzertcembalos aus der Mitte des 18. Jahrhunderts.

Es war nicht nur nicht schmaler als ein Klavier, sondern sogar noch breiter. Und das, obwohl die Notation von Cembalomusik einen engeren Tonumfang zu haben scheint als die von Klaviermusik.

MUSIK

Bis zum 18. Jahrhundert Das Cembalo verfügt über ein ungewöhnlich reichhaltiges Repertoire. Als äußerst aristokratisches Instrument verbreitete es sich in ganz Europa und hatte überall seine klugen Apologeten. Aber wenn wir über die mächtigsten Schulen des 16. – frühen 17. Jahrhunderts sprechen, dann müssen wir zunächst die englischen Virginalisten nennen. Wir werden hier nicht die Geschichte des Virginels erzählen, sondern nur darauf hinweisen, dass es sich hierbei um eine Art Zupftastatur handelt Saiteninstrumente , klanglich ähnlich dem Cembalo. Es ist bemerkenswert, dass in einer der letzten gründlichen Studien zur Geschichte des Cembalos ( Kottick E.

Eine Geschichte des Cembalos. Bloomington. 2003) Virginel gelten ebenso wie das Spinett (eine andere Variante) als im Einklang mit der Entwicklung des Cembalos selbst. Bezüglich des Namens virginel ist anzumerken, dass eine der vorgeschlagenen Etymologien ihn auf das Englische zurückführt Jungfrau und weiter zum Latein Jungfrau , das heißt „Jungfrau“, da Elisabeth I., die jungfräuliche Königin, es liebte, die Jungfrau zu spielen. Tatsächlich erschien Virginal bereits vor Elizabeth. Der Ursprung des Begriffs „virginel“ leitet sich korrekter von einem anderen lateinischen Wort ab – Jungfrau

(„Stick“), was auf den gleichen Jumper hinweist. Es ist interessant, dass der Musiker in dem Stich, der die erste gedruckte Musikausgabe für die Jungfrau („Parthenia“) schmückt, in der Gestalt einer christlichen Jungfrau dargestellt ist – der Heiligen. Cecilia. Der Name der Sammlung selbst stammt übrigens aus dem Griechischen. Parthenos

, was „Jungfrau“ bedeutet. Zur Verzierung dieser Ausgabe wurde ein Stich nach dem Gemälde des niederländischen Künstlers Hendrik Goltzius „St. Cäcilia“. Der Graveur tat dies jedoch nicht Bilder auf der Tafel, so dass sich herausstellte, dass sowohl die Gravur selbst als auch die Darstellerin auf dem Kopf standen – ihre linke Hand war viel weiter entwickelt als ihre rechte, was bei einer Virginalistin dieser Zeit natürlich nicht der Fall gewesen sein konnte. Es gibt Tausende solcher Fehler in Gravuren. Das Auge eines Nichtmusikers bemerkt dies nicht, aber ein Musiker erkennt sofort den Fehler des Stechers.

Der Begründer des Cembalo-Revivals im 20. Jahrhundert widmete der Musik der englischen Virginalisten mehrere wundervolle Seiten voller enthusiastischer Gefühle. wunderbare polnische Cembalistin Wanda Landowska: „Aus Herzen, die würdiger sind als unseres, und genährt Volkslieder, antik Englische Musik– leidenschaftlich oder heiter, naiv oder erbärmlich – verherrlicht die Natur und die Liebe. Sie verherrlicht das Leben. Wenn sie sich der Mystik zuwendet, verherrlicht sie Gott. Sie ist unverkennbar souverän, aber auch spontan und mutig. Es wirkt oft moderner als das Neueste und Fortschrittlichste. Öffnen Sie Ihr Herz für den Charme dieser im Wesentlichen unbekannten Musik.

Vergessen Sie, dass sie alt ist, und denken Sie nicht, dass sie deshalb kein menschliches Gefühl mehr hat.“

Diese Zeilen wurden zu Beginn des 20. Jahrhunderts geschrieben. Im vergangenen Jahrhundert wurde außerordentlich viel getan, um das unschätzbare musikalische Erbe der Virginalisten in seiner Gesamtheit offenzulegen und zu bewerten. Und was sind das für Namen! Die Komponisten William Bird und John Bull, Martin Pearson und Gil Farnaby, John Munday und Thomas Morley...

Es gab enge Kontakte zwischen England und den Niederlanden (davon zeugt bereits der Stich von „Parthenia“). Cembalos und Virginels niederländischer Meister, insbesondere der Ruckers-Dynastie, waren in England bekannt. Gleichzeitig können sich die Niederlande selbst seltsamerweise nicht mit einer so lebendigen Kompositionsschule rühmen.

Auf dem Kontinent waren die charakteristischen Cembaloschulen Italienisch, Französisch und Deutsch. Wir erwähnen nur drei ihrer Hauptvertreter – Francois Couperin, Domenico Scarlatti und Johann Sebastian Bach.

Eines der klaren und offensichtlichen Zeichen der herausragenden Begabung eines Komponisten (was für jeden Komponisten jeder Epoche gilt) ist die Entwicklung seines eigenen, rein persönlichen, einzigartigen Ausdrucksstils. Und in der Gesamtmasse der unzähligen Schriftsteller wird es nicht so viele wahre Schöpfer geben. Diese drei Namen gehören sicherlich den Schöpfern. Jeder von ihnen hat seinen eigenen einzigartigen Stil.

Francois Couperin Francois Couperin (1668–1733) – ein wahrer Cembalodichter. Er könnte sich wahrscheinlich selbst in Betracht ziehen: alle (oder fast alle) seiner Cembalowerke, also genau das, was seinen Ruhm ausmacht und globale Bedeutung wurden von ihm herausgegeben und umfassen vier Bände. Somit haben wir einen umfassenden Überblick über sein Cembalo-Erbe. Der Autor dieser Zeilen hatte das Glück, einen vollständigen Zyklus von Couperins Cembalowerken in acht Konzertprogrammen aufzuführen, die beim Festival seiner Musik in Moskau unter der Schirmherrschaft von Herrn Pierre Morel, dem französischen Botschafter in Russland, präsentiert wurden.

Es tut mir leid, dass ich meinen Leser nicht an die Hand nehmen, ihn zum Cembalo führen und beispielsweise „Die französische Maskerade oder Les Masques of the Dominos“ von Couperin spielen kann. Wie viel Charme und Schönheit hat es! Aber es gibt auch so viel psychologische Tiefe. Dabei hat jede Maske eine bestimmte Farbe und – was ganz wichtig ist – Charakter. Die Anmerkungen des Autors erläutern die Bilder und Farben. Insgesamt gibt es zwölf Masken (und Farben), die in einer bestimmten Reihenfolge erscheinen.

Ich hatte bereits Gelegenheit, mich an dieses Stück von Couperin im Zusammenhang mit der Geschichte über „Schwarzes Quadrat“ von K. Malewitsch zu erinnern (siehe „Kunst“ Nr. 18/2007). Tatsache ist, dass Couperins Farbschema, beginnend mit Weiß (der ersten Variante, die Jungfräulichkeit symbolisiert), mit einer schwarzen Maske (Wut oder Verzweiflung) endet. Also zwei Schöpfer verschiedene Epochen

und verschiedene Künste schufen Werke mit zutiefst symbolischer Bedeutung: Bei Couperin symbolisiert dieser Zyklus die Perioden des menschlichen Lebens – das Alter einer Person (zwölf entsprechend der Anzahl der Monate, alle sechs Jahre – dies ist eine im Barock bekannte Allegorie). Infolgedessen hat Couperin eine schwarze Maske, Malewitsch ein schwarzes Quadrat. Für beide ist das Erscheinen von Schwarz das Ergebnis vieler Kräfte. Malewitsch stellte direkt fest: „Ich betrachte Weiß und Schwarz als Ableitungen von Farbe und Farbskalen.“ Couperin präsentierte uns dieses bunte Sortiment.

Es ist klar, dass Couperin über erstaunliche Cembali verfügte. Dies ist nicht verwunderlich, schließlich war er Hofcembalist Ludwigs XIV. Die Instrumente konnten mit ihrem Klang die ganze Tiefe der Ideen des Komponisten vermitteln.(1685–1757). Dieser Komponist hat einen völlig anderen Stil, aber genau wie Couperin ist eine unverwechselbare Handschrift das erste und offensichtliche Zeichen von Genie. Dieser Name ist untrennbar mit dem Cembalo verbunden. Obwohl Domenico in seiner Jugend eine Vielzahl von Musikstücken schrieb, wurde er später als Autor einer großen Anzahl (555) Cembalosonaten berühmt. Scarlatti erweiterte die Spielmöglichkeiten des Cembalos auf ungewöhnliche Weise und eröffnete der Spieltechnik eine bisher nie dagewesene virtuose Bandbreite.

Eine Art Parallele zu Scarlatti in der späteren Geschichte Klaviermusik ist das Werk von Franz Liszt, der sich bekanntlich speziell mit den Aufführungstechniken von Domenico Scarlatti beschäftigt hat. (Da es sich übrigens um Parallelen zur Klavierkunst handelt, hatte Couperin gewissermaßen auch einen geistigen Erben – das ist natürlich F. Chopin.)

In der zweiten Hälfte seines Lebens war Domenico Scarlatti (nicht zu verwechseln mit seinem Vater, dem berühmten italienischen Opernkomponisten Alessandro Scarlatti) Hofcembalist der spanischen Königin Maria Barbara, und die überwiegende Mehrheit seiner Sonaten wurde speziell für sie geschrieben . Man kann mit Sicherheit davon ausgehen, dass sie eine bemerkenswerte Cembalistin war, wenn sie diese manchmal technisch äußerst schwierigen Sonaten spielte.

J. Wermeer aus Delft. Mädchen am Spinett. OK. 1670. Privatsammlung

In diesem Zusammenhang erinnere ich mich an einen Brief (1977), den ich von der hervorragenden tschechischen Cembalistin Zuzanna Ruzickova erhielt: „Sehr geehrter Herr Majkapar! Ich habe eine Bitte an Sie. Wie Sie wissen, besteht mittlerweile großes Interesse an authentischen Cembali und es wird viel darüber diskutiert. Eines der Schlüsseldokumente in der Diskussion über diese Instrumente im Zusammenhang mit D. Scarlatti ist das Vanloo-Gemälde, das Maria Barbara von Portugal, die Frau von Philipp V., darstellt (Z. Ružičkova irrte sich – Maria Barbara war die Frau von Ferdinand VI., Sohn von Philipp V. - BIN.). Raphael Pouyana (ein bedeutender zeitgenössischer französischer Cembalist – BIN.) ist der Ansicht, dass das Gemälde nach dem Tod von Maria Barbara gemalt wurde und daher keine historische Quelle sein kann.

Das Gemälde befindet sich in der Eremitage. Es wäre sehr wichtig, wenn Sie mir Unterlagen zu diesem Gemälde zukommen lassen würden.“ Fragment.

1768. Eremitage, St. Petersburg

Es befindet sich in der Eremitage, im Lagerraum der Abteilung für französische Malerei des 18. Jahrhunderts. Verwalter der Abteilung I.S. Nachdem Nemilova vom Zweck meines Besuchs erfahren hatte, begleitete sie mich in einen großen Raum bzw. eine Halle, in dem sich Gemälde befinden, die nicht in der Hauptausstellung enthalten waren. Es stellt sich heraus, dass hier viele Werke aufbewahrt werden, die aus musikalischer Ikonographie von großem Interesse sind! Einer nach dem anderen holten wir große Rahmen heraus, auf denen 10–15 Gemälde montiert waren, und untersuchten die Themen, die uns interessierten. Und schließlich „Sextett“ von L.M. Vanloo.

Berichten zufolge stellt dieses Gemälde die spanische Königin Maria Barbara dar. Wenn diese Hypothese bewiesen wäre, dann hätten wir möglicherweise ein Cembalo, das von Scarlatti selbst gespielt wird! Was sind die Gründe, die in Vanloos Gemälde dargestellte Cembalistin als Maria Barbara zu erkennen? Erstens scheint es mir tatsächlich eine oberflächliche Ähnlichkeit zwischen der hier dargestellten Dame und den berühmten Porträts von Maria Barbara zu geben. Zweitens lebte Vanloo relativ lange am spanischen Hof und hätte daher durchaus ein Bild zu einem Thema aus dem Leben der Königin malen können. Drittens ist ein anderer Name des Gemäldes bekannt – „Spanisches Konzert“ und viertens sind einige ausländische Musikwissenschaftler (z. B. K. Sachs) davon überzeugt, dass es sich bei dem Gemälde um Maria Barbara handelt.

Aber Nemilova bezweifelte wie Rafael Puyana diese Hypothese. Das Gemälde entstand im Jahr 1768, also zwölf Jahre nach der Abreise des Künstlers aus Spanien und zehn Jahre nach dem Tod von Maria Barbara. Die Geschichte ihres Ordens ist bekannt: Katharina II. übermittelte Vanloo durch Prinz Golitsyn den Wunsch, ein Gemälde von ihm zu haben. Dieses Werk kam sofort nach St. Petersburg und wurde hier die ganze Zeit über aufbewahrt; Golitsyn gab es als „Konzert“ an Katharina weiter. Was den Namen „Spanisches Konzert“ betrifft, so spielten die spanischen Kostüme, in denen die Charaktere dargestellt sind, eine Rolle bei seiner Entstehung, und wie Nemilova erklärte, handelte es sich um Theaterkostüme und nicht um solche, die damals in Mode waren.

V. Landowska

Auf dem Bild fällt natürlich das Cembalo auf – ein zweimanualiges Instrument im charakteristischen Stil der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Die Farbe der Tasten ist umgekehrt wie bei der modernen (die schwarzen Tasten des Klaviers sind die weißen Tasten dieses Cembalos und umgekehrt). Zudem fehlen noch Pedale zur Registerumschaltung, obwohl diese schon damals bekannt waren. Diese Verbesserung findet sich bei den meisten modernen zweimanualigen Konzertcembali. Die Notwendigkeit, die Register von Hand zu wechseln, erforderte eine bestimmte Vorgehensweise bei der Wahl der Registrierung auf dem Cembalo.

Derzeit haben sich in der Aufführungspraxis deutlich zwei Richtungen herausgebildet: Anhänger der ersten sind der Meinung, dass man alle modernen Möglichkeiten des Instruments nutzen sollte (diese Meinung vertraten beispielsweise V. Landovska und übrigens Zuzanna Ruzickova), andere glauben, dass man bei der Aufführung alter Musik auf einem modernen Cembalo nicht über den Rahmen der Aufführungsmittel hinausgehen sollte, mit denen die alten Meister geschrieben haben (dies ist die Meinung von Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, dem gleichen Rafael Puiana und anderen).

Da wir Vanloos Gemälde so viel Aufmerksamkeit geschenkt haben, stellen wir fest, dass der Künstler selbst wiederum eine Figur in einem musikalischen Porträt war: Das Cembalostück ist berühmt Französischer Komponist Jacques Dufly, der „Vanloo“ genannt wird.

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685–1750).

Sein Cembalo-Erbe ist von außergewöhnlichem Wert. Meine Erfahrung, alles, was Bach für dieses Instrument geschrieben hat, in Konzerten aufzuführen, bezeugt: Sein Vermächtnis passt in fünfzehn (!) Konzertprogramme. Gleichzeitig müssen Konzerte für Cembalo und Streicher sowie viele Ensemblewerke, die ohne Cembalo undenkbar sind, getrennt betrachtet werden. Es sollte anerkannt werden, dass bei aller Einzigartigkeit von Couperin und Scarlatti jeder von ihnen einen kultivierte individueller Stil. Bach war universell. Das bereits erwähnte „Italienische Konzert“ und die „Französische Ouvertüre“ sind Beispiele für Bachs Studium der Musik dieser nationalen Schulen. Und das sind nur zwei Beispiele, deren Namen Bachs Bewusstsein widerspiegeln. Hier können Sie seinen Zyklus hinzufügen " Französische Suiten in jenen seiner Werke, die dies nicht in ihren Titeln widerspiegeln, sondern in der Musik selbst enthalten sind! Es gibt nichts darüber zu sagen, wie weitreichend die muttersprachliche deutsche Klaviertradition in seinem Werk synthetisiert wird.

Wir wissen nicht genau, welche Cembali Bach spielte, aber wir wissen, dass er sich für alle technischen Neuerungen interessierte (einschließlich der Orgel). Sein Interesse an der Erweiterung der Spielmöglichkeiten des Cembalos und anderer Keyboards kommt am deutlichsten zum Ausdruck berühmter Zyklus Präludien und Fugen in allen Tonarten „Das Wohltemperierte Klavier“.

Bach war ein wahrer Meister des Cembalos. I. Forkel, Bachs erster Biograph, berichtet: „Niemand konnte die unbrauchbar gewordenen Federn seines Cembalos durch neue ersetzen, damit er zufrieden war – er tat es selbst.“ Er stimmte sein Cembalo immer selbst und war in dieser Hinsicht so geschickt, dass das Stimmen nie länger als eine Viertelstunde dauerte. Mit seiner Stimmmethode standen ihm alle 24 Tasten zur Verfügung und er improvisierte damit, was er wollte.“

Schon zu Lebzeiten des genialen Schöpfers der Cembalomusik begann das Cembalo seine Stellung zu verlieren. Als Bach 1747 den König von Preußen, Friedrich den Großen, in Potsdam besuchte, gab er ihm ein Thema zum Improvisieren, und Bach improvisierte offenbar auf dem „Pianoforte“ (so hieß damals ein neues Instrument). - eine von vierzehn oder fünfzehn, die Bachs Freund, der berühmte Orgelbauer Gottfried Silbermann, für den König angefertigt hat. Bach gefiel dessen Klang, obwohl er das Klavier zuvor nicht gemocht hatte.

In seiner frühen Jugend schrieb Mozart noch für das Cembalo, doch generell ist seine Klavierarbeit natürlich auf das Klavier ausgerichtet. Verlag frühe Werke Auf Beethoven wurde hingewiesen Titelseiten, dass seine Sonaten (man denke sogar an die Pathétique, die 1799 veröffentlicht wurde) „für Cembalo oder Klavier“ gedacht sind. Die Verleger griffen zu einem Trick: Sie wollten die Kunden nicht verlieren, die alte Cembali zu Hause hatten. Doch immer häufiger blieb von den Cembali nur der Korpus übrig: Die „Füllung“ des Cembalos wurde als unnötig entfernt und durch eine neue Hammer- bzw. Klaviermechanik ersetzt.

Dies wirft die Frage auf: Warum existierte dieses Instrument, das eine so lange Geschichte und ein so reiches künstlerisches Erbe hatte, bereits Ende des 18. Jahrhunderts? aus der Musikpraxis verdrängt und durch das Klavier ersetzt? Und im 19. Jahrhundert nicht nur verdrängt, sondern völlig vergessen? Und man kann nicht sagen, dass das Klavier zu Beginn dieses Prozesses der Ablösung des Cembalos von seinen Qualitäten her das beste Instrument war. Ganz im Gegenteil! Carl Philipp Emanuel Bach, einer der ältesten Söhne Johann Sebastians, schrieb sein Doppelkonzert für Cembalo, Klavier und Orchester mit der Absicht, mit eigenen Augen die Vorzüge des Cembalos gegenüber dem Klavier zu demonstrieren.

Darauf gibt es nur eine Antwort: Der Sieg des Klaviers über das Cembalo wurde unter Bedingungen eines radikalen Wandels ästhetischer Vorlieben möglich. Barocke Ästhetik, die entweder auf einem klar formulierten oder klar empfundenen Konzept der Affekttheorie (das Wesentliche in Kürze: eine Stimmung, beeinflussen, - eine Klangfarbe), für die das Cembalo ein ideales Ausdrucksmittel war, wich zunächst der Weltanschauung des Sentimentalismus, dann einer stärkeren Richtung – dem Klassizismus und schließlich der Romantik. Bei all diesen Stilrichtungen war im Gegenteil die Idee die attraktivste und kultivierteste Variabilität- Gefühle, Bilder, Stimmungen. Und das konnte das Klavier zum Ausdruck bringen.

Dieses Instrument übernahm das Pedal mit seinen fantastischen Fähigkeiten und wurde in der Lage, unglaubliche Höhen und Tiefen im Klang zu erzeugen ( Crescendo Und Diminuendo). Das alles konnte das Cembalo prinzipiell nicht – aufgrund der Besonderheiten seiner Bauart.

Halten wir inne und erinnern wir uns an diesen Moment, damit wir unser nächstes Gespräch damit beginnen können – über das Klavier und insbesondere über das große Konzert Klavier, also das „königliche Instrument“, der wahre Herrscher aller romantischen Musik.

Unsere Geschichte vermischt Geschichte und Moderne, da sich das Cembalo und andere Instrumente dieser Familie heute aufgrund des enormen Interesses an der Musik der Renaissance und des Barock, also der Zeit, in der sie entstanden sind, als ungewöhnlich weit verbreitet und gefragt erwiesen erlebten ihr goldenes Zeitalter.

Ein Artikel zur Geschichte der Antike Clavichorde, Cembali und ähnliches Tasteninstrumente. Was noch interessanter ist, ist, dass dieser Artikel von verfasst wurde Evgenia Braudo, erschien 1916 als Broschüre in der Reihe „Musical Contemporary“ unter Nr. 6. Wie immer habe ich es erkannt und vom vorrevolutionären ins moderne Russisch übersetzt. Bilder natürlich Von der Qualität her sind sie ein Trottel, aber wenn man möchte, kann man meiner Meinung nach im Internet normale finden.

Vor relativ kurzer Zeit begann man, der Musikwissenschaft ernsthafte Aufmerksamkeit zu schenken Geschichte der antiken Instrumente. Noch vor zwanzig Jahren waren diese Menschen aus der fernen Antike, die eine Vorstellung von der verführerischen Schönheit vergangener Jahrhunderte, von vergessenen musikalischen Meisterwerken hervorriefen, nur für gelehrte Archäologen und Museumskuratoren von Interesse. In den letzten Jahren ist es den erfolgreichen Aktivitäten verschiedener „Gaming-Vereine“ zu verdanken alte Instrumente", von denen es in allen Hauptfächern eine beträchtliche Anzahl gibt Kulturzentren Dieser Bereich der Musikforschung hat begonnen, herausragende wissenschaftliche Kräfte anzuziehen. Denn die allerersten Versuche, die Perlen der alten Musik im Rahmen ihrer inhärenten Klangfülle zu präsentieren, zeigten, dass die so verfeinerte und fragile Musikkunst der alten Jahre eine meisterhafte Verschmelzung von Technik und Inhalt erfordert und dass nur eine genaue Klärung der Die Designmerkmale all dieser seltsamen Cembali, Clavichorde und Gamben ermöglichen es, die verblassten Juwelen alter Handwerkskunst wirklich wiederzubeleben.

Die folgenden Zeilen sind gewidmet tausend Jahre Geschichte Als das am weitesten verbreitete Musikinstrument, das in allen Epochen der Geschichte der Hüter höchster musikalischer Werte war, besteht ihr Zweck nicht so sehr darin, es zu präsentieren äußere Entwicklung Wie viel kostet es, auf die strukturellen Merkmale der entfernten Vorfahren unseres modernen Klaviers hinzuweisen, die zweifellos die Entwicklung des Klavierstils vergangener Jahrhunderte beeinflusst haben.

Genealogie Klavier geht auf Zeiten zurück, die sehr weit von uns entfernt sind. Sein Vorläufer ist eine kleine Holzkiste mit einer darauf gespannten Schnur, die über eine bewegliche Schwelle in zwei beliebige Teile geteilt werden kann. Dabei handelt es sich um ein Monochord, ein physikalisches Gerät, das den Lesern aus dem Physikunterricht an der Oberstufe bekannt ist. Schon in der Antike diente dieses Instrument zur mathematischen Bestimmung von Tönen. Indem wir eine Saite, zum Beispiel G, um 1/9 ihrer Länge kürzen und die restlichen 8/9 davon vibrieren lassen, erhalten wir eine große Sekunde, A; 4/5 derselben Saite ergeben eine große Terz, H; drei Viertel – ein Quart, C; zwei Drittel - ein Fünftel, D; Dreifünftel große Sexte, E; die Hälfte ist die Oktave G.

Aber die primitive Einzelsaite hatte einen ganz erheblichen Nachteil. Seine Saite zeigte das Verhältnis der Längen der klingenden Teile für alle Töne des Gesteins, bot jedoch nicht die Möglichkeit, die verglichenen Abschnitte gleichzeitig zu erklingen, und das bereits in einem sehr frühe Ära Es entstand die Idee zu liefern „Monochord“ mehrere Saiten für eine bessere Klarheit der Konsonantenintervalle. Aristides Quintilian und Claudius Ptolemäus, Theoretiker des zweiten Jahrhunderts, beschreiben ein Instrument mit vier Saiten, das Helikon genannt wird.

Im Mittelalter ein „Monochord“, was korrekter heißen würde „Polychord“, wurde nicht nur zur theoretischen Forschung, sondern auch zur Gesangsbegleitung eingesetzt. Um den äußerst komplexen Spielvorgang dieses Instruments zu erleichtern, begann man, den Resonanzboden des Monochords mit Ständern mit scharfen Kanten auszustatten, die an den Stellen der wichtigsten Saitenabschnitte angebracht wurden. Als etwa in der Mitte des 12. Jahrhunderts die ältesten Instrumente mit Tasten, kleine tragbare Orgeln, Regale, die für Unterrichtszwecke und den häuslichen Gottesdienst verwendet wurden, sich zu verbreiten begannen, gab es erste Versuche, die Tastatur an ein Monochord anzupassen Form eines Systems von Ständern, von denen jeder beim Drücken der entsprechenden Taste so weit angehoben wird, dass die Saite fest an einer bestimmten Stelle gedrückt wird. Es reichte jedoch nicht aus, einen Teil der Saite mit einem Ständer abzutrennen, sondern man musste ihn in Schwingung versetzen, und so wurden die primitiven Ständer des Monochords im Laufe der Zeit in Metallstifte (Tangenten) umgewandelt. Diese an den Tastaturhebeln befestigten Tangenten teilten die Saite nicht nur in zwei Teile, sondern ließen sie gleichzeitig erklingen.

Ein Tool, das auf dem Prinzip basiert Monochord, das jedoch über eine größere Anzahl von Saiten verfügte, die über Tasten und damit verbundene Metalltangenten in Schwingung versetzt wurden, erhielt den Namen Clavichord.

Etwa tausend Jahre vergingen, bis durch harte Arbeit an der Verbesserung des Mechanismus die alte Einzelsaite in ein Clavichord verwandelt wurde. Geschichte Musikalische Kunst versuchte hartnäckig, entgegen dem Offensichtlichen, den Namen Monochord hinter dem Clavichord zu belassen, was den mittelalterlichen Theoretikern erhebliche Schwierigkeiten bereitete, die vergeblich versuchten, eine Erklärung für eine solche Diskrepanz zu finden. Nicht minder beharrlich haben Clavichordbauer im Laufe der Jahrhunderte versucht, das Prinzip des Monochords bei der Anwendung auf ein neues Instrument intakt zu halten. Während das Monochord ausschließlich theoretischen Zwecken diente, war es ganz klar, dass man in der Antike zum Vergleich einzelner Töne untereinander Saiten gleicher Länge verwendete, wodurch der direkte Zusammenhang zwischen der Klanglänge deutlich dargestellt werden konnte Teil und die Tonhöhe des Tons. Aufgrund einer seltsamen historischen Tradition hatte das Clavichord, das in der Musikkunst eine völlig andere Anwendung fand, jedoch die gleiche Saitenlänge, sodass der Unterschied in den Tönen des Clavichords nur auf die unterschiedliche Position der Stützen zurückzuführen war das seine Saiten in Schwingung versetzt. Darüber hinaus entsprach die Anzahl der letzteren überhaupt nicht der Anzahl der Schlüssel. Nach dem alten Prinzip des Monochords verfügte jede einzelne Saite über eine Reihe von Stegen, die sie an verschiedenen Stellen teilten, und so konnten mit Hilfe einer Saite mehrere Töne erzeugt werden verschiedene Höhen. Alle Saiten waren auf den tiefsten Ton des Clavichords, G, gestimmt und mit der ersten Taste verbunden, die über die gesamte Länge der Saite vibrierte. Die nächste Taste verkürzte mit ihrem breiten Metallstift dieselbe erste Saite um eine Neuntel und ergab so den Ton A. Die dritte Taste verkürzte dieselbe Saite um eine Quinte und ergab den Ton N. Erst die vierte Taste schlug die zweite Saite an. Ein Viertel davon mit einem Stiftteil abtrennen, so dass mit Hilfe von drei Vierteln der Saite der Ton C erhalten wurde.

Wir haben gesehen, dass die Töne G, A und H durch Schwingen derselben Saite erzeugt werden. Dadurch konnten sie auf der alten Tastatur nicht zusammen gespielt werden. G und C bildeten die erste Konsonanz, die den Tasten dieses Instruments zur Verfügung stand. Mit der Entwicklung des harmonischen Denkens und der Erweiterung des Konsonanzbegriffs begann jedoch die Diskrepanz zwischen der Anzahl der Saiten und der Tasten zu verschwinden. Diese Verbesserung des Instruments ging sehr schnell voran. Ende des 15. Jahrhunderts wurden für 22 Tasten nur 7 Saiten verwendet. Im 16. Jahrhundert vervierfachte sich die Zahl der Saiten sofort; Musste ich mir im Berliner Museum ansehen Gymnasium Musikkunst, ein Clavichord aus der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts mit 30 Saiten, mit 45 Tasten, angeordnet wie auf einem modernen Klavier. In diesem Beispiel hatten einige Zeichenfolgen jedoch drei Schlüssel. Das „freie“ Clavichord, bei dem jede Saite nur von einer Taste bedient wurde, wurde viel später, im Jahr 1723, erfunden und galt einst als größte Rarität.

Wie die Tasten auf die Saiten des Clavichords abgestimmt waren, ist bislang nicht geklärt. Ein kurzer Blick auf die innere Struktur des Clavichords mit seinen bizarren Tastenhebellinien genügt, um zu erkennen, welche Tricks angewendet werden mussten, um Tasten und Saiten in Einklang zu bringen. Typischerweise wurden Ständer mit Stiften („Bünde“, wie sie in Analogie zur Laute genannt werden) so angeordnet, dass jede Saite durch drei Ständer geführt wurde, die auf dem Resonanzboden des Instruments montiert waren. Beim Spielen des Clavichords musste der Musiker den nicht klingenden Teil der Saite mit einer Hand abdecken. Seit dem Ende des 15. Jahrhunderts wurde diese Unannehmlichkeit durch die Verwendung eines schmalen Stoffstreifens beseitigt, der an der Stelle gezogen wurde, an der die Schnur geteilt war. Im 18. Jahrhundert gab es Versuche, am Clavichord eine Fußklaviatur nach dem Vorbild einer Orgel anzubringen. Eines der äußerst seltenen Exemplare dieser Art habe ich im Bach-Museum in der Heimat des großen Meisters gesehen.

Alte Clavichords hatten eine sehr charakteristische viereckige flache Form, die sich aus der gleichen Länge aller Saiten des Instruments ergab. Im Allgemeinen ähnelte ihr Aussehen rechteckigen englischen Klavieren, die in den zwanziger Jahren des letzten Jahrhunderts bei armen Amateuren und hier sehr verbreitet waren.

Die ersten Instrumente vom Typ Clavichord waren längliche Kisten, die nicht nur der Musik, sondern auch allerlei anderer Heimunterhaltung dienten: zum Würfeln, Schach (daher der alte französische Name für das Clavichord „eschi quier“ – Schachbrett), Damen ' Kunsthandwerk (ein Beispiel ähnlicher Art, mit Kissen für Nadeln, es gibt eine Bar im Petrograder Stieglitz-Museum) usw. Anfangs war die Lautstärke des Instruments so bescheiden, dass die Tastatur zum Spielen auf den Tisch gelegt wurde. Als seine Tastatur anschließend auf viereinhalb Oktaven anwuchs, musste der „Großvater des modernen Klaviers“ auf eigene Füße gestellt werden. Aber selbst in dieser umständlicheren Form war das Clavichord immer noch so leicht und tragbar, dass die Virtuosen, die die Ohren unserer Vorfahren erfreuten, mit ihrem Clavichord, das in eine Straßenkutsche passte, überallhin reisen konnten.

Die leisen und zerbrechlichen Klänge des Clavichords wurden zu einem großen Teil von dem Stoff absorbiert, aus dem die Instrumente gefertigt waren. Daher wurde das Clavichord klanglich nicht nur von der Orgel, sondern sogar von der Laute völlig in den Schatten gestellt. Seine träge zitternden Klänge haben einen unheimlichen Charme. Tatsache ist, dass sich das Clavichord durch eine besonders weiche Schwingung der Saiten auszeichnete, die einzelne Töne unklar und verschwommen machte. Diese Eigenschaft hatte ihren Ursprung in der Mechanik des Instruments selbst, denn je stärker der Spieler die Taste drückte, desto höher hob der Metallstift die Saite selbst an und der von ihm erzeugte Klang nahm zu, wenn auch in geringem Maße. Clavichordisten waren hervorragend darin, diese Klangschwingung (Bebung) für verschiedene melismatische Dekorationen zu nutzen. Dem in seiner Struktur fortschrittlicheren modernen Klavier sind solche vagen Klangformationen natürlich fremd; Mit dem Fortschritt der Technik verschwand diese Quelle des Musikgenusses spurlos; Inzwischen kann uns nur der Duft der Klangfülle eines alten Clavichords einen wahren Eindruck vom faszinierenden Charme der raffinierten Musik des 17. und 18. Jahrhunderts vermitteln.

Die Logik der Geschichte, die das Klavier an die Spitze der musikalischen Entwicklung Europas stellte, erforderte jedoch bereits in der Mitte des 15. Jahrhunderts die Ablösung des intimen, in sich geschlossenen Clavichords durch ein anderes Instrument mit glattem, klarem, starker Klang. Neben dem Clavichord taucht erstmals in Italien und dann auch in den nördlichen Ländern ein neues Tasteninstrument auf, das in den Annalen der Musik unter dem Namen Clavicimbala bekannt ist. Dieser für unsere Ohren unangenehme Name zeigt, dass sein Vorbild das vulgäre Hackbrett ist, dessen dröhnender, scharfer Klang durch das Schlagen eines Hammers auf Stahlsaiten unterschiedlicher Länge und Stimmung erzeugt wird.

Becken Bis heute sind sie Teil der rumänischen und ungarischen Volksorchester und haben hier, im Süden Russlands, ihre eigene jahrhundertealte, interessante Geschichte. Instrumente dieser Art waren den Ägyptern in der Antike bekannt und wurden von ihnen an die Griechen weitergegeben. In Europa verbreiteten sie sich Mitte des 7. Jahrhunderts. Kein einziges Volksfest war vollständig, ohne zu Beckenklängen zu tanzen.

Ursprünglich war das Hackbrett ein kleiner dreieckiger Kasten mit 10 Metallsaiten, die über den Resonanzboden gespannt waren. Später wuchs die Zahl der letzteren auf vier Oktaven. Dank des großen Volumens des Instruments wurde es möglich, seinen Klang durch die Verwendung von zwei- und dreichörigen Saitensätzen aus unterschiedlichen Materialien zu verbessern. Diese Saiten liefen durch zwei Ständersysteme und wurden mit Hilfe von Metall- und Holzstiften verstärkt. Das Deck war mit zwei runden Löchern ausgestattet. Ein wesentlicher Nachteil der Becken war das Fehlen einer Vorrichtung zur Schalldämpfung, und selbst geschicktes Spielen war nicht zu überwinden Erbsünde Instrument, sein vager, summender Ton.

Die Musikgeschichte hat jedoch eine Reihe von Namen von Virtuosen auf diesem Instrument bewahrt, die versuchten, die Spieltechnik auf höchstem Niveau zu perfektionieren.

Davon war der berühmteste seiner Zeit Pantaleone Gebenstreit(1669 - 1750), Erfinder des nach ihm benannten „Pantaleons“, eines äußerst verbesserten Hackbretts, das eine wichtige Rolle bei der Erfindung eines neuen Klaviermechanismus, des Klaviers mit Hämmern, spielte. Welches große Aufsehen die virtuose Kunst dieses Hackbrettspielers in der Musikwelt erregte, zeigt die Tatsache, dass auch solche große Meister, da Telemann es für möglich hielt, mit Gebenstreit in einen öffentlichen Wettbewerb einzutreten. Einer seiner Schüler, ein Bayer mit dem sehr charakteristischen Nachnamen Gumpenguber, erlangte große Berühmtheit am Hof Kaiserin Elisabeth Petrowna. Die Hackbrettspieler spielten bereits „Zur Freude des Souveräns“. Michail Fedorovich während der höchsten Ausgänge... zum Badehaus. Die Becken erinnerten gewissermaßen an die „Yarovchaty Gusli“, was ihre Anpassungsfähigkeit an den Alltag des altrussischen Lebens erklärt.

Hauptunterschied Clavicymbala(d. h. ein Becken mit Tasten) vom Clavichord bestand darin, dass beim ersten Mal jede Taste, wie bei einem modernen Klavier, einer speziellen Saite entsprach, die auf einen bestimmten Ton gestimmt war, wodurch kein Bedarf mehr bestand System von Ständern, die sie vom klingenden Teil der Saiten trennen. Darüber hinaus erforderte das Clavicymbal natürlich einen ganz anderen Schlag. Anstelle der Tangenten des Clavichords, die mit ihrem sanften Anschlag die verträumten Klänge der Saiten hervorriefen, wurden hier Holzstäbe verwendet, an deren oberen Enden kleine spitze Stücke eines Rabenflügels, Hartleder- oder Metallrohre eingehängt waren die Saiten. Um den Klang zu verbessern, wurden Clavicymbals wie Clavichorde mit zwei und drei Chören gebaut, und jede einzelne Saite wurde durch einen speziellen Stab mit Zunge in Schwingung versetzt. In der weiteren Darstellung werden wir sehen, wie wichtig dieses Konstruktionsmerkmal des Clavicimbals für die Erzielung verschiedener Klangschattierungen war.

Es ist sehr schwer zu sagen, wann die Idee, eine Tastatur an den Becken anzubringen, zum ersten Mal aufkam. Der berühmte Philologe Scaliger (1484 - 1556) sagt in seinem Werk „Poetices Libri VII“ (Lyon, 1561), dass in seiner Kindheit in fast allen Häusern Psalterien (eine alte Art von Beckenähnlichen Schlaginstrumenten) gefunden wurden, die mit Tasten ausgestattet waren .

Im Volksmund wurden sie „Monochords“ oder „Manichords“ genannt. Auf diese Weise lässt sich feststellen, dass Clavicymbals bereits in der Mitte des 15. Jahrhunderts weit verbreitet waren.

Clavicimbals waren die ersten, die im Musikleben Englands das Staatsbürgerrecht erlangten, und kleine Instrumente dieser Art wurden zum Gegenstand besonderer musikalischer Hobbys. Königin Elizabeth selbst war eine ausgezeichnete Cembalistin, und Historiker glaubten lange Zeit, dass dies der englische Name für das Instrument sei „Virginelle“ (Jungfräulich), die 20 Jahre vor ihrer Geburt entstand, um die Erinnerung an die jungfräuliche Königin (Jungfrau) für unsere Generationen zu bewahren. Wir präsentieren ein Foto eines reich mit Karmin, Gold und Wappen verzierten Instruments aus der Mitte des 16. Jahrhunderts. Die bezaubernden Kompositionen der alten englischen Meister werden wieder zum Leben erweckt; lange stumme Streicher rascheln sanft; Anmutige Variationen eines Volksthemas, ein majestätischer Panamahut, eine fröhliche Galliarde verzaubern unsere Ohren ... Dieses aus Zedernholz gefertigte Clavicimbal ist venezianische Handwerkskunst. Bei Fedora Ioannovich Elisabeths Botschafter brachte dem Zaren von Moskau ein ähnliches Virginel mit den dazugehörigen Spielern als Geschenk. Ein englischer Schriftsteller über das Alltagsleben Russlands sagt, dass Zarin Irina Fjodorowna bei der Prüfung des Geschenks besonders vom Aussehen des vergoldeten und mit Emaille verzierten Virginels beeindruckt war und „die Harmonie dieser Musikinstrumente bewunderte, die noch nie zuvor gesehen wurde“. oder davon gehört. Tausende Menschen drängten sich um den Palast, um ihnen zuzuhören.

Allerdings ließen die ersten Virginels selbst hinsichtlich der Klangschönheit zu wünschen übrig, und ihr größter Nachteil war die Fragmentierung, Härte und Trockenheit des Tons. Daher bestand die ganze Sorgfalt der Handwerker, die an der Verbesserung dieses Instrumententyps arbeiteten, darin, den Klangfarben der Clavicymbals eine gewisse Vielfalt zu verleihen. Ende des 16. Jahrhunderts. Eine äußerst wichtige Verbesserung wurde vom berühmten Amsterdamer Meister Hans Ruckers vorgenommen. Tastaturmechanismen. Er begann erstmals mit der Produktion von Virginels mit zwei Klaviaturen. Beim Spielen auf der oberen Tastatur wurde nur eine Saite angegeben; Beim Drücken der unteren Taste werden zwei Saiten in Schwingung versetzt und der Virginel erklingt mit doppelter Kraft und Brillanz. Um dem Klang eine besondere Fülle zu verleihen, fügte Ruckers den beiden „Chorus“-Saiten eine dritte, dünnere, eine Oktave höher gestimmte Saite hinzu. So ermöglichten zwei Rookers-Virginel-Keyboards das gleichzeitige Spielen von drei Saiten oder nur einer davon. Eine unserer Illustrationen zeigt ein fotografisches Bild eines Virginels von Ruckers. Der Deckel stellt in Farbe den Wettstreit zwischen Apollo und Mars dar, ein beliebtes Motiv für kunstvolle Verzierungen von Klavieren. Von Hans Ruckers wurde die Kunst der Herstellung von Virginels an seine vier Söhne weitergegeben, die den Anweisungen ihres Vaters ehrenvoll Folge leisteten. Wieder rein Anfang des 18. Jahrhunderts Jahrhunderte später erfreuten sich die Clavicymbals von Ruckers großer Beliebtheit und fanden große Verkaufszahlen. Die besten niederländischen Tier- und Naturkünstler – Frank und Jan van Heysum – verzierten sie mit ihren geschickten Pinseln, so dass der Preis der Instrumente 3000 Livres erreichte. Aber – leider! - Um das Gemälde zu erhalten, zerlegten Käufer oft das Schlüsselbein selbst in Einzelteile.

Der Leser sieht in der beigefügten Abbildung eines der besten Werkzeuge der Arbeit von Ruckers' Sohn. Das "Cembalo"(großes Virginel) von Händel, das einst durch seine Schönheit und Weichheit im Klang die Bewunderung der Zeitgenossen des Komponisten hervorrief. Das dreichörige Instrument ist mit zwei Tastaturen mit sehr sorgfältig eingestellten Tasten und einem hervorragend gearbeiteten Resonanzboden ausgestattet. In der linken Ecke angebrachte kleine Holzgriffe dienten zum Anschließen und Trennen der Tastaturen. Allerdings war dieses Cembalo trotz seines relativ großen Volumens noch weder mit Beinen noch mit Pedalen (erfunden im 15. Jahrhundert vom venezianischen Organisten Bernardino) ausgestattet, die der Oktavverdopplung der Basstöne dienten.

Wir sehen all diese Geräte auf dem großen in London hergestellten Cembalo, das das letzte Wort im Klavierbau darstellte. Dieses Instrument wurde 1773 in der berühmten Bradwood-Werkstatt hergestellt, die bis heute den Ruf der besten Klavierfabrik Englands genießt. Von Aussehen Es unterscheidet sich fast nicht von einem modernen Flügel (außer natürlich mit zwei Tastaturen). Merkwürdig ist sein Holzrahmen mit Querrippen, der erstmals von Bradwood verwendet wurde. Dank einer Reihe von Registern zur Verstärkung und verschiedenen Klangmodifikationen erzeugte dieses Cembalo einen sehr gleichmäßigen und kräftigen Ton.

Während die Briten eine Vorliebe für Instrumente zeigten, deren Klangfülle dem nahe kam Klavier In Frankreich schätzten Musikliebhaber vor allem kleine Clavicymbals mit einer Tastatur. „Spinette“, benannt nach dem venezianischen Meister Giovanni Spinetti, der zu Beginn des 16. Jahrhunderts lebte (eine andere Etymologie dieses Wortes von „spina“ (Nadel) ist heute aufgegeben). Laut Praetorius, dem Autor der umfassendsten wissenschaftlichen Beschreibung von Musikinstrumenten des 16. Jahrhunderts, ist ein „Spinett“ ein kleines viereckiges Instrument, das eine Quinte höher oder tiefer als seine wahre Tonhöhe gestimmt ist. Es wurde normalerweise über der Tastatur platziert. Ich habe solche Instrumente aus dem späten 16. Jahrhundert in alten deutschen und italienischen Sammlungen gesehen, die ein gewöhnliches Klavier mit einem Spinett (zur Verbesserung des Klangs) kombinierten. Eine äußerst interessante Variante des Spinetts war das Instrument „Clavicytherium“. Solch „vertikales Spinett“, war mit Darmsträngen ausgestattet. Der Einsatz letzterer kann nur als schlechte Erfahrung gewertet werden, da die Darmsaiten nicht gestimmt blieben und leicht den atmosphärischen Einflüssen unterlagen. Das Clavicytherium überlebte bis ins 17. Jahrhundert, offenbar mit unpraktischen Darmsträngen. Aber die Idee einer vertikalen Saitenanordnung hat unsere Zeit erreicht und wird im Klavier umgesetzt, dessen Heimat Italien ist. Das von uns fotografierte Instrument aus dem frühen 16. Jahrhundert gehört zu den ältesten Exemplaren von Clavicytherium und ist äußerst selten.

Im 17. Jahrhundert wurde der Name „Spinett“ so erweitert, dass er allgemein alle einteiligen Clavicymbals umfasste.

Die Verbesserung dieser Art von Tasteninstrumenten ist ein großes Verdienst der Pariser Meister, deren Produkte Mitte des 18. Jahrhunderts als die besten in Europa galten. Berühmt wurde der Pariser vor allem durch seine Cembali (wie in Frankreich große Spinette genannt wurden). Pascal Tasken, der 1768 das Instrument „en peau de buffle“ gebaut hatte. Der Kern seiner Erfindung bestand darin, dass er in seinen dreichörigen Instrumenten neben Federn und elastischen Rohrblättern auch Rohrblätter aus Büffelhaut verwendete, die nach eigener Aussage nicht zogen, sondern mit ihrer Berührung die Saite streichelten. Das sogenannte „jeu de buffle“ konnte separat oder gleichzeitig mit Federn verwendet werden. Tatsächlich übertrafen diese Instrumente nach Ansicht der damaligen Experten alles, was bisher auf dem Gebiet des Cembalobaus geleistet worden war. Ihr süßer, weicher, samtiger Klang gab mit Hilfe der Register verschiedene Kraftzuwächse und die Basstöne zeichneten sich durch große Dichte und Inhalt aus.

Die Erfindung von Tasquin verbreitete sich natürlich schnell in Frankreich und im Ausland, und im Laufe der Zeit erschien die musikalische Chronik fast jedes Jahr durch neue Entdeckungen auf dem Gebiet der Tastaturmechanismen. Zungen aus Büffelhaut verwendete beispielsweise der Dresdner Meister I. G. Wagner für seine Erfindung im Jahr 1775 „Clavecin Royal“, das über vier Pedale verfügte, mit denen man das Spielen von Harfe, Laute und Becken nachahmen konnte.

Der Name „Clavecin Royal“ selbst weist einige Ähnlichkeiten mit der russischen Bezeichnung für Klaviere auf "Klavier". Unter Katharina II. begann man in Russland erstmals mit dem Bau verbesserter Cembalos, und unter ihren Hofdamen befanden sich viele erfahrene Cembalistinnen.

Gleichzeitig ist das „Cembalo Angelico“ mit Leder ummantelt, um den Erhalt zu ermöglichen sanfte Klänge Samt. Andere Erfinder hingegen versuchten, Experten und Amateure für Neues zu interessieren Soundeffekte, die aus ihren Werkzeugen extrahiert werden konnten.

Großartig Johann Sebastian Bach erfand das sogenannte Laute Clavicimbal. Seine Erfindung wurde von einem Hamburger Meister verbessert I. Fleisher, der speziell theorbische Clavicymbals (Theorbe – Basslaute) baute, die Töne erzeugten, die eine Oktave tiefer waren als ein gewöhnliches Klavier. Dieses Kontra-Nebengebäude war mit drei Registern ausgestattet, die dessen Metallsaiten zum Schwingen brachten. Fleischers Theorbic-Klavicymbals waren sehr teuer – bis zu 2000 Rubel in unserem Geld.

Sehr interessant waren die Versuche, mit einem Tasteninstrument die Klangfülle eines Streichensembles zu erreichen. Diese Entdeckung wurde im Jahr 1600 von einem Organisten gemacht Joseph Haydn aus Nürnberg. Solche Instrumente waren im 18. Jahrhundert sehr verbreitet. Die Hauptmerkmale ihres Mechanismus bestanden darin, dass mit Hilfe von Tasten eine Reihe von Bögen neben den Darmsaiten in Bewegung gesetzt wurden. Die Pedale des Instruments ermöglichten die Regulierung des Drucks.

Diese Art von Bogenflügel sollte das „musikalische Wunderwerk“ aus der Zeit Katharinas der Großen umfassen – das Strasser-Orchester, das heute in der Eremitage aufbewahrt wird. Über ein ähnliches Cembalo, gebaut 1729 von einem gewissen Herrn de Virbes, sagt der berühmte Historiker I.H. Dieses Clavicimbal hatte die Fähigkeit, 18 zu imitieren verschiedene Instrumente und „die Illusion war so vollständig, dass es möglich war, eine ganze Symphonie darauf zu spielen, die genauso klang wie bei der Aufführung durch ein Orchester.“

Dennoch ging die Herrschaft des Cembalos zu Ende. Im Jahr 1711 Bartolomeo Cristofori, fälschlicherweise auch Cristofali genannt, wurde ein neues Tasteninstrument erfunden, das im Laufe der Zeit die bestehenden alten Typen ersetzte. Cristofori ersetzte das System der Tangenten und Flügel im Cembalo durch Hämmer, die auf die Saiten schlugen und sie so zum Klingen brachten. Während auf dem fortschrittlichsten Clavicymbal durch ein komplexes Registrierungsverfahren nur dürftige Klangnuancen erzielt werden konnten, war es beim neuen Instrument durch einfaches Berühren der Tasten mit den Fingern möglich, die Klangfülle vom zartesten Pianissimo bis zum donnernden Fortissimo zu steigern . Zu Beginn des 18. Jahrhunderts entwarf ein italienischer Meister schließlich eine Mechanik, die alle wesentlichen Merkmale unserer modernen Flügel enthielt. Dank des Schlagwerks hing die Klangstärke nun allein von der Kraft des Tastendrucks ab, was bei der Aufführung einer Komposition für das Klavier sofort einen völlig neuen Bereich des unendlich vielfältigen Spiels mit dynamischen Schattierungen eröffnete. Cristofori nannte sein Instrument, das nach Belieben leise oder laut gespielt werden konnte, „Gravicembalo (verzerrtes Clavicembalo) col Piano e forte“.

Cristoforis Erfindung blieb von seinen Zeitgenossen unbemerkt, und der bescheidene Kurator des Museums des Fürsten von Medici hätte wahrscheinlich nie gedacht, dass das von ihm gebaute Klavier (von dem ein Foto in diesem Artikel enthalten ist) sorgfältig als Nationalschatz bestmöglich aufbewahrt werden würde Italienisches Museum. Seine Idee musste einen erbitterten Kampf mit den Überresten der musikalischen Antike ertragen, der erst in den 20er Jahren des 19. Jahrhunderts endete.

Trotz der Tatsache, dass die Geschichte des antiken Klaviers von außen in allen Einzelheiten untersucht wurde, gibt es viele Fragen, die von der wissenschaftlichen Forschung noch nicht ausreichend abgedeckt wurden. Diese Fragen betreffen die Natur der Klangfülle und den Einsatz beider Instrumente bei der Aufführung alter Musik.

Von beiden Klaviertypen spielte das Clavicimbal in der Geschichte der Musikkunst eine ungleich bedeutendere Rolle. Seit dem Aufkommen des Sologesangs nimmt er als Generalbass- und Begleitinstrument eine führende Stellung ein. Darüber hinaus wuchs die Solo-Keyboardmusik, die ihre Entwicklung dem musikalischen Genie der romanischen Völker verdankt, ausschließlich auf der Grundlage der Cembaloklanglichkeit.

Wie wir bereits angedeutet haben, war die Stärke des Klangs bei einem Clavicimbalo (oder „Cembalo“, gemäß der italienischen Nomenklatur) unabhängig vom Spieler selbst. In dieser Hinsicht ähnelte es einer Orgel. Das Registersystem beseitigte diesen Hauptnachteil des Instruments nur teilweise, und billige Heimcembali hatten normalerweise nur ein Register. Einerseits mit der Orgel verwandt, ähnelte das Clavicimbal andererseits als Schlaginstrument einer Laute. Es ist durchaus bemerkenswert, dass Laute und Orgel zunächst die gleiche Rolle bei der Darbietung des Generalbasses spielten wie das Clavicimbal im Mehrbass späte Ära. Letzterer errang dank seiner besonderen Verdienste schließlich einen Sieg über seine Rivalen. Im Vergleich zur Laute zeichnete sie sich durch eine einfachere Akkordwiedergabe aus, die Orgel war jedoch in ihrer Beweglichkeit sowie in ihrer Fähigkeit, mit den Klangfarben anderer Instrumente zu verschmelzen, überlegen, was normalerweise durch den massiven Klang der Orgel unterdrückt wird. Der zarte Klang des Clavicimbals scheint für den allgemeinen Basspart geschaffen worden zu sein altes Orchester und das macht sich sofort bemerkbar, wenn der harte, harsche Klang des Klaviers an seine Stelle tritt.

Theoretiker des 18. Jahrhunderts erkannten einhellig, dass Ensemblemusik ohne die Mitwirkung des Beckens nicht denkbar ist. „Der universelle Klang des Clavicimbals“, schreibt Matheson, „schafft eine unvermeidliche Grundlage für alle kirchlichen, theatralischen und.“ Kammermusik„Bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts diente das Clavicimbal auch als einziges Solo-Tasteninstrument, und dieser Umstand zwingt uns, seine Klangmerkmale bei der Aufführung von Tastenmusik der Vorklavierzeit zu berücksichtigen. Eine äußerst elegante Beschreibung der Klangfülle des Clavicimbals.“ wird von Chr. Schubart gegeben, dem Autor einer Abhandlung über Musikalische Ästhetik: „Der Ton des Clavicimbals hat einen einfachen linearen Charakter, ist aber so klar wie die Zeichnungen von Kneller oder Chodowiecki, frei von jeglichen Schattierungen. Auf diesem Instrument muss man zunächst lernen, klar zu spielen, was gleichbedeutend ist.“ zum Studium der Notenschrift.“ Dieser Vergleich definiert ungewöhnlich treffend die Essenz des Clavicymbal-Klangs. Das reiche polyphone Geflecht des 18. Jahrhunderts tritt auf einem solchen Instrument äußerst deutlich hervor, und dies erklärt in gewisser Weise den exquisiten polyphonen Stil der alten Klaviermeister.

Die inhärente Schwierigkeit, mehrere musikalisch gleiche Stimmen mit gleicher Klarheit zu spielen, ist dem Clavicimbalo unbekannt. Da die Tasten gleichmäßig angeschlagen werden, erzielen die Saiten genau den gleichen Effekt. Gleichzeitig werden die Klänge des Clavicimbal im Gegensatz zum Klavier, bei dem die Polyphonie leicht in ein unverständliches Klangchaos umschlägt, vom Ohr völlig getrennt und deutlich wahrgenommen.

Es ist nicht schwer festzustellen, welche Eigenschaften in den Augen der Musiker vergangener Jahrhunderte besonders wertvoll waren. Es ist zu berücksichtigen, dass die Cembaloliteratur in einer Zeit der Musikgeschichte entwickelt wurde, als das Klavierspielen nur der angenehmen Unterhaltung in der Freizeit diente. Alles Tiefe und Erhabene, was die Cembalomusik enthielt, war der Schatzkammer der Orgelkompositionen entlehnt.

Französische Autoren bewunderten vor allem seine Beweglichkeit und Leichtigkeit des Klangs. Deutsche Historiker und Dichter verherrlichten den silbernen Klang des Instruments. Aber alle waren sich einig, dass das seelenlose Clavicymbal nicht dazu geeignet war, die zarten Gefühle, die Melancholie und die Sensibilität des menschlichen Herzens auszudrücken, und dass deshalb im Zeitalter der Sentimentalität das zu Unrecht vergessene Clavichord wieder in der Lage war, die subtilsten Nuancen des musikalischen Ausdrucks zu vermitteln trat in den Vordergrund.

Klavichord Wie die Leser bereits wissen, verfügt es über einen sehr primitiven Wirkungsmechanismus. Doch gerade diese Einfachheit in der Schlagübertragung auf die Taste schafft eine besondere Nähe zwischen dem Interpreten und dem Instrument, auf dem er spielt. Der Klang des Clavichords ist schwach und ähnelt im Charakter viel mehr dem silbernen Ton eines Cembalos als dem eines modernen Klaviers. Die musikalische Individualität des Clavichords ist jedoch noch so wenig erforscht, dass der bedeutendste historische Beweis die Beschreibungen davon sind, die wir in den Romanen der Zeit von Werther und Charlotte finden.

„Das Clavichord“, schreibt Schubart, der von uns bereits zitiert wurde, „ein einsames melancholisches Clavichord, hat einen großen Vorteil gegenüber dem Klavier. Durch das Drücken der Tasten können wir auf ihm nicht nur volle Klangfärbung, sondern vor allem auch Mezzotintos hervorrufen.“ Triller, Portamentos oder sanfte Vibrationen, kurz gesagt, all die Grundzüge, aus denen unser Gefühl entsteht.“

Was die „notwendige Schwingung“ war, die von Clavichordisten sehr geschickt eingesetzt wurde, wissen wir aus der Beschreibung von Burney, dem berühmten englischen Kritiker und glühenden Bewunderer von F. E. Bach, der seinerzeit als der größte Virtuose auf dem Clavichord galt.

„Als Bach seinem Klavier den gewünschten Ton entlocken musste, versuchte er, ihm einen Hauch von Traurigkeit und tiefem Leid zu verleihen, was nur auf dem Clavichord möglich war.“

In Bachs Buch finden wir auch detaillierte Anweisungen zum Spielen mit dieser notwendigen Schwingung. Es wurde durch leichtes Vibrieren des Fingers auf der Taste erreicht (wie es Geiger in einem ähnlichen Fall auf ihrem Instrument tun).

Das Clavichord wurde zu einem beliebten Instrument der Ära des Sentimentalismus. Doch die „Clavichord-Ära“ währte nicht lange. Bereits Ende des 18. Jahrhunderts begann das Klavier in der musikalischen Nutzung das Bürgerrecht zu erlangen. Mozart war der erste Virtuose, der öffentlich das „Hammerklavier“ spielte, und sein Genie weihte dieses neue Instrument. Die rasante Entwicklung technischer Verbesserungen an der Klaviermechanik verdrängte schließlich die unvollkommeneren Formen des Klaviers, und bereits zu Beginn des 19. Jahrhunderts gelangte die Erinnerung an die betörenden sanften Klänge des Clavichords in die ferne Antike, in die Welt Reich halb vergessener Musiklegenden.

Gerufen wird ein Musiker, der musikalische Werke sowohl auf dem Cembalo als auch auf seinen Varietäten aufführt Cembalist.

Herkunft

Die früheste Erwähnung eines Cembaloinstruments findet sich in einer Quelle aus dem Jahr 1397 aus Padua (Italien), das früheste bekannte Bild befindet sich auf einem Altar in Minden (1425). Als Soloinstrument blieb das Cembalo bis zum Ende des 18. Jahrhunderts in Gebrauch. Etwas länger wurde es zur Wiedergabe von Digitalbassinstrumenten und zur Begleitung von Rezitativen in Opern verwendet. Um 1810 wurde es praktisch nicht mehr genutzt. Die Wiederbelebung der Kultur des Cembalospiels begann im Jahr Wende XIX-XX Jahrhunderte.

Die Cembali aus dem 15. Jahrhundert sind nicht erhalten. Den Bildern nach zu urteilen handelte es sich um kurze Instrumente mit schwerem Korpus. Die meisten erhaltenen Cembali aus dem 16. Jahrhundert wurden in Italien hergestellt, wo Venedig das Hauptproduktionszentrum war.

Sie verfügten über ein 8‘-Register (seltener zwei Register 8‘ und 4‘) und zeichneten sich durch ihre Anmut aus. Ihr Körper bestand meist aus Zypressen. Der Anschlag dieser Cembali war klarer und der Klang abrupter als bei späteren flämischen Instrumenten.

Das wichtigste Zentrum für die Herstellung von Cembali Nordeuropa war Antwerpen, wo seit 1579 Vertreter der Familie Ruckers arbeiteten. Ihre Cembali haben längere Saiten und einen schwereren Korpus Italienische Instrumente. Ab den 1590er Jahren wurden in Antwerpen Cembali mit zwei Manualen hergestellt. Französische, englische und deutsche Cembali des 17. Jahrhunderts vereinen die Merkmale flämischer und niederländischer Vorbilder.

Einige französische zweimanualige Cembali mit Walnusskorpus sind erhalten. Ab den 1690er Jahren wurden in Frankreich Cembali des gleichen Typs wie Ruckers-Instrumente hergestellt. Unter den französischen Cembalomeistern ragte die Blanchet-Dynastie heraus. Im Jahr 1766 wurde Blanchets Werkstatt von Taskin geerbt.

Die bedeutendsten englischen Cembalohersteller im 18. Jahrhundert waren die Shudys und die Familie Kirkman. Ihre Instrumente hatten einen mit Sperrholz ausgekleideten Eichenkorpus und zeichneten sich durch einen kräftigen Klang mit reichem Timbre aus. Im Deutschland des 18. Jahrhunderts war Hamburg das Hauptzentrum der Cembaloproduktion; In dieser Stadt werden unter anderem Instrumente mit 2‘‘ und 16‘‘ Registern sowie mit 3 Manualen hergestellt. Das ungewöhnlich lange Cembalomodell wurde von J.D. Dulken entworfen, einem führenden niederländischen Meister des 18. Jahrhunderts.

In der 2. Hälfte des 18. Jahrhunderts begann man mit der Erneuerung des Cembalos. Um 1809 stellte die Firma Kirkman ihr letztes Cembalo her. Der Initiator der Wiederbelebung des Instruments war A. Dolmech. Er baute sein erstes Cembalo 1896 in London und eröffnete bald Werkstätten in Boston, Paris und Haslemere.

Die Produktion von Cembali wurde auch von den Pariser Firmen Pleyel und Erard aufgenommen. Pleyel begann mit der Herstellung eines Modells eines Cembalos mit einem Metallrahmen, der dicke, gespannte Saiten trug; Wanda Landowska bildete eine ganze Generation von Cembalisten auf Instrumenten dieser Art aus. Die Bostoner Meister Frank Hubbard und William Dowd waren die ersten, die antike Cembali kopierten.

Gerät

Es hat die Form eines länglichen Dreiecks. Seine Saiten sind horizontal parallel zu den Tasten positioniert.

Am Ende jeder Taste befindet sich ein Drücker (oder Jumper). Am oberen Ende des Drückers befindet sich eine Zunge, in der ein Plektrum (Zunge) aus Federn befestigt ist (bei vielen modernen Instrumenten aus Kunststoff), direkt über dem Plektrum befindet sich ein Dämpfer aus Filz oder weichem Leder. Wenn Sie eine Taste drücken, hebt sich der Drücker und das Plektrum zupft die Saite. Wenn die Taste losgelassen wird, ermöglicht der Entriegelungsmechanismus dem Plektrum, an seinen Platz unter der Saite zurückzukehren, ohne die Saite erneut zu zupfen. Die Schwingung der Saite wird durch einen Dämpfer gedämpft.

Für die Registrierung, d.h. Ändert die Stärke und Klangfarbe des Klangs mithilfe von Hand- und Fußschaltern. Es ist unmöglich, die Lautstärke eines Cembalos sanft zu erhöhen und zu verringern. Im 15. Jahrhundert betrug der Tonumfang des Cembalos 3 Oktaven (in der unteren Oktave fehlten einige chromatische Noten); im 16. Jahrhundert wurde es auf 4 Oktaven (C - c«`) erweitert, im 18. Jahrhundert auf 5 Oktaven (F' - f').

Ein typisches deutsches oder niederländisches Cembalo aus dem 18. Jahrhundert verfügt über 2 Manuale (Klaviaturen), 2 Sätze 8'-Saiten und einen Satz 4'-Saiten (die eine Oktave höher klingen), die einzeln oder zusammen verwendet werden können, sowie eine manuelle Kopulation Mechanismus. Ende der 1750er Jahre kamen Fuß- und Knieregisterschalter auf den Markt. Die meisten Instrumente verfügen über ein sogenanntes Lautenregister mit einem charakteristischen nasalen Timbre (um dieses zu erhalten, werden die Saiten mit einem speziellen Mechanismus durch Leder- oder Filzhöcker leicht gedämpft).

Komponisten, die Cembalomusik komponierten

Francois Couperin der Große
Louis Couperin
Louis Marchand
Jean-Philippe Rameau
Johann Sebastian Bach
Johann Pachelbel
Dietrich Buxtehude
Girolamo Frescobaldi
Johann Jacob Froberger
Georg Friedrich Händel
William Bird
Henry Purcell
Johann Adam Reinecke
Dominico Scarlatti
Alessandro Scarlatti
Matthias Weckmann
Dominico Zipoli

Video: Cembalo auf Video + Ton

Dank dieser Videos können Sie sich mit dem Tool vertraut machen und ansehen echtes Spiel darauf, lauschen Sie dem Klang, spüren Sie die Besonderheiten der Technik:

Werkzeuge verkaufen: Wo kaufen/bestellen?

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Musikinstrument: Cembalo

Sie haben es wahrscheinlich bei Konzerten bemerkt Musikinstrument, ähnlich einem Flügel, aber viel kleiner, mit mehreren Tastaturen und einem ganz anderen, klingenden metallischen Klang? Der Name dieses Instruments ist Cembalo. In jedem Land wird es anders genannt: In Frankreich und Russland ist es ein Cembalo, in Italien ist es ein Becken (und manchmal auch ein Clavicembalo), in England ist es ein Cembalo. Das Cembalo ist ein Saitenmusikinstrument mit Tasten, bei dem der Klang durch Zupfen erzeugt wird.

Klang

Der Klang des Cembalos ist kaum mit einem anderen Instrument zu verwechseln; er ist besonders, brillant und abrupt. Sobald Sie dieses Geräusch hören, stellen Sie sich sofort antike Tänze, Bälle und edle Hofdamen in prächtigen Kleidern mit unvorstellbaren Frisuren vor. Der Hauptunterschied zwischen dem Cembalo besteht darin, dass sein Klang die Dynamik nicht wie bei anderen Instrumenten sanft ändern kann. Um dieses Problem zu lösen, kamen die Handwerker auf die Idee, weitere Register hinzuzufügen, die über manuelle Schalter und Hebel aktiviert werden. Sie befinden sich an den Seiten der Tastatur. Wenig später erschienen auch Fußschalter, die das Spielen erleichtern sollten.

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Interessante Fakten

Das Cembalo galt seit jeher als aristokratisches Instrument, das die Salons und Säle der reichsten Menschen Europas schmückte. Deshalb wurde es früher aus teuren Holzarten hergestellt, die Tasten waren mit Schildpattplatten, Perlmutt bedeckt und manchmal mit Edelsteinen eingelegt.
Ist Ihnen aufgefallen, dass manche Cembali schwarze Untertasten und weiße Obertasten haben – alles ist genau das Gegenteil von dem eines Flügels oder Klaviers? Cembali mit solchen Grundfarben waren im 17. Jahrhundert in Frankreich üblich. Wie Historiker erklären, war diese Verzierung der Tastatur mit dem damals in der Kunst vorherrschenden galanten Stil verbunden – die schneeweißen Hände der Cembalisten wirkten auf der schwarzen Tastatur sehr anmutig und markant.
Zunächst wurde das Cembalo auf einen Tisch gestellt; wenig später fügten die Handwerker schöne Beine hinzu.

Einst musste der Dirigent am Cembalo sitzen und schaffte es, mit der linken Hand zu spielen und mit der rechten die Musiker zu dirigieren.
Bei dem Versuch, den Klang eines Cembalos nachzubilden, griffen einige Meister auf Tricks zurück. So auch beim Red-October-Flügel, hergestellt in Sowjetzeit Das dritte Pedal senkt ein spezielles Gewebe auf die Saiten, an dem Metallzungen befestigt sind. Die Hämmer schlagen darauf und es entsteht ein charakteristischer Klang. Das sowjetische Accord-Klavier hat das gleiche Design.
Fußschalter am Cembalo tauchten erst 1750 auf.
Zunächst wurde die Klangdynamik durch Verdoppelung und Verdreifachung der Saiten verändert, nur in XVII-XVIII Jahrhundert Sie begannen, Instrumente mit 2 oder sogar 3 Manualen zu bauen, die übereinander angeordnet waren und unterschiedliche Register hatten. In diesem Fall wurde das Obermanual eine Oktave höher gestimmt.
Lange Zeit galt das älteste bis heute erhaltene Cembalo als Instrument Italienischer Meister Hieronymus im Jahr 1521. Später fanden sie jedoch ein älteres Cembalo, das am 18. September 1515 von Vincentius von Livigimeno hergestellt wurde.
Cembalos des 16. Jahrhunderts waren überwiegend italienischen Ursprungs (Venedig) und wurden aus Zypressenholz gefertigt. Französische Instrumente mit zwei Tastaturen (Handbücher) wurden aus Walnussholz gefertigt.
Die meisten Cembali haben Laute Register, zeichnet es sich durch ein nasales Timbre aus. Um einen solchen Klang zu erzielen, wurden die Saiten mit Filz- oder Lederstücken gedämpft.
Im Mittelalter gab es am Hofe des spanischen Königs Philipp II. ein sogenanntes „Katzencembalo“. Es handelte sich um ein Gerät bestehend aus einer Tastatur und einer rechteckigen Box mit mehreren Fächern, in die Katzen gelegt wurden. Zuvor wurden die Tiere durch Treten auf ihren Schwanz abgehört und nach ihrer Stimme eingestuft. Dann wurden die Schwänze der unglücklichen Katzen unter den Schlüsseln befestigt, beim Drücken wurde eine Nadel in sie gestochen. Das Tier schrie laut und der Darsteller spielte seine Melodie weiter. Es ist bekannt, dass Perth I. auch ein „Katzen-Cembalo“ für sein Kuriositätenkabinett bestellte.
Der berühmte französische Cembalist F. Couperin hat eine Abhandlung „Die Kunst, Cembalo zu spielen“, die noch heute von Musikern verwendet wird.
Es war Couperin, der begann, beim Cembalospiel aktiv den Daumen (den Zeigefinger) zu nutzen. Davor spielten Musiker nur mit vier Fingern und der fünfte Finger wurde nicht verwendet. Diese Idee wurde bald von anderen Künstlern aufgegriffen.
Berühmter Künstler Händel Als Kind musste er auf dem Dachboden das Cembalospiel üben, da sein Vater gegen eine Karriere als Musiker war und von einer juristischen Ausbildung seines Sohnes träumte.
Interessant ist, dass die Aktion des Springers von W. Shakespeare in seinem 128. Sonett beschrieben wurde.
Musiker, die Cembalo spielten, wurden Klavieristen genannt, da sie erfolgreich spielten Körper und Clavichord.
Bemerkenswert ist, dass der Tonumfang des Konzertcembalos Mitte des 18. Jahrhunderts breiter war als der des Klaviers, das es wenig später ersetzte

Funktioniert

IST. Bach – Konzert für Cembalo, Streicher und Basso Continuo in D-Dur (anhören)

M. Corette – Konzert für Cembalo und Orchester in d-Moll (hören)

G.F. Händel - Cembalosuite Nr. 4 Sarabande (hören)

Design

Äußerlich ähnelt das Cembalo ein wenig einem Klavier. Die längliche Dreiecksform wird durch schöne Beine ergänzt und die Saiten sind horizontal parallel zu den Tasten angeordnet. Jede Taste ist mit einem Drücker, manchmal auch Jumper genannt, ausgestattet, an dessen oberem Ende eine Zunge befestigt ist. Der Klang eines Cembalos entsteht durch Zupfen. Beim Drücken einer Taste bewegen sich elastische Zungen aus Vogelfedern; bei moderneren Modellen kommen bereits solche aus Kunststoff zum Einsatz. Sie fangen eine straffe Saite und dadurch entsteht ein charakteristisches Zupfgeräusch.

Ursprungsgeschichte

Die ersten Informationen über dieses Instrument werden üblicherweise dem Jahr 1511 zugeschrieben, sodass man annimmt, dass es im 16. Jahrhundert entstanden ist. Wenig später erschien es jedoch neue Informationen dass auch die italienische Quelle von 1397 („Decameron“ von G. Boccacio) Informationen über das Instrument enthält. Am meisten altes Bild stammt aus dem Jahr 1425 – auf einem Altar in Minden.

Das Cembalo hat seinen Ursprung im Psalterium. Das Design dieses antiken Vorgängers wurde geändert und ein Tastaturmechanismus hinzugefügt. Die ersten Cembali hatten keine große Ähnlichkeit mit der modernen Version. Sie hatten eine rechteckige Form und ähnelten eher einem „freien“ Clavichord, nur die Saiten waren unterschiedlich lang.

Das Cembalo erfreute sich einst großer Beliebtheit und wurde erfolgreich in Ensembles und Orchestern eingesetzt. Im 17.–18. Jahrhundert verbreitete sich das Instrument als Soloinstrument. Die einzigartige Klangfarbe des Cembalos passte perfekt zu dieser galanten Zeit. ZU Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhundert wurde das Instrument praktisch nicht mehr verwendet, bis die Spielkultur an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert wiederbelebt wurde.

Sorten

Der Name „Cembalo“ bezieht sich auf Tasteninstrumente mit einem Tonumfang von bis zu 5 Oktaven und einer flügelförmigen Form. Es gibt auch kleinere Varianten des Instruments, die mit einem Saitensatz ausgestattet sind und deren Tonumfang nur 4 Oktaven erreicht. Unter ihnen stechen hervor: das Spinett, bei dem die Saiten diagonal angeordnet sind, das Muzelard - rechteckig in der Form und die Saiten, die streng senkrecht zur Tastatur angeordnet sind. Darüber hinaus ist auch Virginel eine Sorte.

Video: Hören Sie sich das Cembalo an

CLAVISIN [Französisch] Clavecin, aus dem späten Lat. Clavicymbalum, von lat. Clavis – Taste (daher die Taste) und Becken – Becken] – ein gezupftes Tastenmusikinstrument. Bekannt seit dem 16. Jahrhundert. (mit dem Bau wurde bereits im 14. Jahrhundert begonnen), die ersten Informationen über das Cembalo stammen aus dem Jahr 1511; Das älteste erhaltene Instrument aus Italien stammt aus dem Jahr 1521.

Das Cembalo entstand aus dem Psalterium (durch Umbau und Hinzufügung einer Klaviaturmechanik).

Ursprünglich hatte das Cembalo eine viereckige Form und ähnelte im Aussehen einem „freien“ Clavichord, im Gegensatz dazu hatte es Saiten unterschiedlicher Länge (jede Taste entsprach einer speziellen Saite, die auf einen bestimmten Ton gestimmt war) und einen komplexeren Tastaturmechanismus. Die Saiten des Cembalos wurden durch Zupfen mit Hilfe einer auf einer Stange – einem Drücker – montierten Vogelfeder in Schwingung versetzt. Beim Drücken der Taste hob sich der am hinteren Ende befindliche Drücker und die Feder hakte sich an der Saite fest (später wurde anstelle einer Vogelfeder ein Lederplektrum verwendet).

Die Struktur des oberen Teils des Drückers: 1 – Saite, 2 – Achse des Auslösemechanismus, 3 – Languette (vom französischen Languette), 4 – Plektrum (Zunge), 5 – Dämpfer.

Der Klang des Cembalos ist brillant, aber unbesungen (kurz) – das heißt, es ist keinen dynamischen Veränderungen zugänglich (es ist lauter, aber weniger ausdrucksstark), die Veränderung der Stärke und Klangfarbe des Klangs hängt nicht davon ab Art des Anschlags auf die Tasten. Um den Klang des Cembalos zu verstärken, wurden (für jeden Ton) verdoppelte, verdreifachte und sogar vervierfachte Saiten verwendet, die im Unisono, in der Oktave und manchmal in anderen Intervallen gestimmt waren.

Evolution

Seit Beginn des 17. Jahrhunderts wurden anstelle von Darmsaiten Metallsaiten verwendet, deren Länge (vom Diskant zum Bass) zunahm. Das Instrument erhielt eine dreieckige Flügelform mit einer Längsanordnung (parallel zu den Tasten) der Saiten.

Im 17.-18. Jahrhundert. Um dem Cembalo einen dynamisch abwechslungsreicheren Klang zu verleihen, wurden Instrumente mit 2 (manchmal auch 3) Manualklaviaturen (Manualen) gebaut, die terrassenförmig übereinander angeordnet waren (meist war das Obermanual eine Oktave höher gestimmt). , sowie mit Registerschaltern zur Diskanterweiterung, Oktavverdopplung der Bässe und Veränderungen der Klangfarben (Lautenregister, Fagottregister etc.).

Die Bedienung der Register erfolgte über Hebel an den Seiten der Tastatur, über Knöpfe unter der Tastatur oder über Pedale. Bei einigen Cembali wurde für eine größere Klangvielfalt eine dritte Klaviatur mit einer charakteristischen Klangfarbe angeordnet, die oft an eine Laute erinnert (die sogenannte Lautenklaviatur).

Aussehen

Äußerlich waren Cembali meist sehr elegant verziert (der Korpus war mit Zeichnungen, Intarsien und Schnitzereien verziert). Das Finish des Instruments entsprach den stilvollen Möbeln der Louis-XV-Ära. Im 16.-17. Jahrhundert. Die Cembali der Antwerpener Meister Rukkers zeichneten sich durch Klangqualität und künstlerisches Design aus.

Cembalo in verschiedenen Ländern

Der Name „Cembalo“ (in Frankreich; Cembalo – in England, Keelflügel – in Deutschland, Clavichembalo oder abgekürzt Becken – in Italien) wurde für große flügelförmige Instrumente mit einem Tonumfang von bis zu 5 Oktaven beibehalten. Es gab auch kleinere Instrumente, meist rechteckig, mit Einzelsaiten und einem Tonumfang von bis zu 4 Oktaven, genannt: Epinet (in Frankreich), Spinett (in Italien), Virginel (in England).

Cembalo mit vertikalem Korpus - . Das Cembalo wurde als Solo-, Kammerensemble- und Orchesterinstrument eingesetzt.

Der Schöpfer des virtuosen Cembalostils war Italienischer Komponist und der Cembalist D. Scarlatti (er besitzt zahlreiche Werke für Cembalo); der Begründer der französischen Cembalistenschule ist J. Chambonnière (seine „Cembalostücke“, 2 Bücher, 1670 waren beliebt).

Unter den französischen Cembalisten des späten 17. und 18. Jahrhunderts. - , J. F. Rameau, L. Daquin, F. Daidrieu. Französische Cembalomusik ist die Kunst des raffinierten Geschmacks, raffinierte Manieren, rationalistisch klar, der aristokratischen Etikette untergeordnet. Der zarte und kalte Klang des Cembalos harmonierte mit „ in guter Form» ausgewählte Gesellschaft.

Der galante Stil (Rokoko) fand seine lebendige Verkörperung bei französischen Cembalisten. Die Lieblingsthemen der Cembalo-Miniaturen (Miniatur ist eine charakteristische Form der Rokoko-Kunst) waren weibliche Bilder(„Captivating“, „Flirty“, „Düster“, „Shy“, „Sister Monica“, „Florentine“ von Couperin), galante Tänze (Menuett, Gavotte usw.) und idyllische Bilder des bäuerlichen Lebens (The Reapers) besetzt ein großer Ort, „Die Weinpflücker“ von Couperin), lautmalerische Miniaturen („Die Henne“, „Die Uhr“, „Das Zwitschern“ von Couperin, „Der Kuckuck“ von Daquin usw.). Ein typisches Merkmal der Cembalomusik ist eine Fülle melodischer Ausschmückungen.

Bis zum Ende des 18. Jahrhunderts. Werke französischer Cembalisten begannen aus dem Repertoire der Interpreten zu verschwinden. Infolgedessen wurde das Instrument, das eine so lange Geschichte und ein so reiches künstlerisches Erbe hatte, aus der Musikpraxis verdrängt und durch das Klavier ersetzt. Und im 19. Jahrhundert nicht nur überholt, sondern völlig vergessen.

Dies geschah als Folge eines radikalen Wandels der ästhetischen Vorlieben. Zuerst wich die barocke Ästhetik, die entweder auf einem klar formulierten oder klar empfundenen Konzept der Affekttheorie (kurz: das Wesen: eine Stimmung, ein Affekt – eine Klangfarbe) beruhte und für die das Cembalo ein ideales Ausdrucksmittel war zur Weltanschauung des Sentimentalismus, dann zu einer stärkeren Richtung – dem Klassizismus und schließlich der Romantik. In all diesen Stilen war die attraktivste und kultivierteste Idee im Gegenteil die Idee der Veränderlichkeit – Gefühle, Bilder, Stimmungen. Und das konnte das Klavier zum Ausdruck bringen. Das alles konnte das Cembalo prinzipiell nicht – aufgrund der Besonderheiten seiner Bauart.