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Daher liegt unser Fokus heute auf den berühmtesten klassischen Musikwerken. Seit mehreren Jahrhunderten begeistert die klassische Musik ihre Zuhörer und löst bei ihnen Stürme von Gefühlen und Emotionen aus. Es ist längst Teil der Geschichte und mit dünnen Fäden mit der Gegenwart verwoben.

Zweifellos wird klassische Musik in ferner Zukunft nicht weniger gefragt sein, da ein ähnliches Phänomen in musikalische Welt darf nicht an Aktualität und Bedeutung verlieren.

Nennen Sie welche klassisch– es wird den ersten Platz in jeder Musik-Charts verdienen. Da es jedoch aufgrund ihrer künstlerischen Einzigartigkeit nicht möglich ist, die berühmtesten Werke der klassischen Musik miteinander zu vergleichen, werden die hier genannten Werke nur als Referenzwerke vorgestellt.

"Mondscheinsonate"

Ludwig van Beethoven

Im Sommer 1801 wurde das brillante Werk von L.B. veröffentlicht. Beethoven, der auf der ganzen Welt berühmt werden sollte. Der Titel dieser Arbeit lautet: „ Mondscheinsonate„, kennt absolut jeder, von alt bis jung.

Doch ursprünglich trug das Werk den Titel „Fast eine Fantasie“, den der Autor seiner jungen Schülerin, seiner geliebten Juliet Guicciardi, widmete. Und der Name, unter dem es bis heute bekannt ist, wurde von erfunden Musikkritiker und der Dichter Ludwig Relstab nach dem Tod von L.V. Beethoven. Dieses Werk ist eines der berühmtesten Musikalische Werke Komponist.

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"Türkischer Marsch"

Wolfgang Amadeus Mozart

Dieses Werk ist der dritte Satz der Sonate Nr. 11, es wurde 1783 geboren. Ursprünglich hieß es „ Türkisches Rondo„und war bei österreichischen Musikern sehr beliebt, die es später umbenannten. Der Name „Türkischer Marsch“ wurde dem Werk auch deshalb gegeben, weil es im Einklang mit den türkischen Janitscharenorchestern steht, für die der Klang des Schlagzeugs sehr charakteristisch ist, was in „ Türkischer Marsch» V.A. Mozart.

„Ave Maria“

Franz Schubert

Der Komponist selbst schrieb dieses Werk für das Gedicht „The Virgin of the Lake“ von W. Scott bzw. für dessen Fragment und hatte nicht die Absicht, eine so zutiefst religiöse Komposition für die Kirche zu schreiben. Einige Zeit nach Erscheinen des Werkes niemand mehr berühmter Musiker, inspiriert vom Gebet „Ave Maria“, vertonte seinen Text mit der Musik des brillanten F. Schubert.

„Fantasy-Impromptu“

Frederic Chopin

F. Chopin, das Genie der Romantik, widmete dieses Werk seinem Freund. Und er, Julian Fontana, war es, der den Anweisungen des Autors missachtete und es 1855, sechs Jahre nach dem Tod des Komponisten, veröffentlichte. F. Chopin glaubte, dass sein Werk dem Impromptu von I. Moscheles, einem Schüler Beethovens, ähnelte. berühmter Komponist und ein Pianist, was der Grund für die Weigerung war, Fantasia-Impromptus zu veröffentlichen. Allerdings hat niemand außer dem Autor selbst dieses brillante Werk jemals für ein Plagiat gehalten.

"Flug der Hummel"

Nikolai Rimsky-Korsakow

Komponist dieser Arbeit war ein Fan der russischen Folklore – er interessierte sich für Märchen. Dies führte zur Entstehung der Oper „Das Märchen vom Zaren Saltan“ nach der Erzählung von A.S. Puschkin. Teil dieser Oper ist das Zwischenspiel „Hummelflug“. Meisterhaft, unglaublich lebendig und brillant imitierte N.A. in dem Werk die Fluggeräusche dieses Insekts. Rimsky-Korsakow.

„Caprice Nr. 24“

Niccolo Paganini

Zunächst komponierte der Autor alle seine Capricen ausschließlich zur Verbesserung und Verfeinerung seiner Geigenspielfähigkeiten. Letztendlich brachten sie viel Neues und bisher Unbekanntes in die Geigenmusik. Und die 24. Caprice – die letzte der von N. Paganini komponierten Capricen – trägt eine schnelle Tarantella mit volkstümlichen Intonationen und gilt auch als eines der jemals für Violine geschaffenen Werke, das an Komplexität seinesgleichen sucht.

„Vokalisierung, Opus 34, Nr. 14“

Sergej Wassiljewitsch Rachmaninow

Dieses Werk bildet den Abschluss des 34. Opus des Komponisten, das vierzehn für Singstimme mit Klavierbegleitung geschriebene Lieder vereint. Die Vokalisierung enthält erwartungsgemäß keine Wörter, sondern wird mit einem Vokal durchgeführt. S.V. Rachmaninow widmete es Antonina Nezhdanova - Opernsänger. Sehr oft wird dieses Werk auf der Violine oder dem Cello mit Klavierbegleitung aufgeführt.

"Mondlicht"

Claude Debussy

Dieses Werk wurde vom Komponisten unter dem Eindruck der Gedichtzeilen geschrieben Französischer Dichter Felder von Verlaine. Der Titel bringt sehr deutlich die Sanftheit und Rührung der Melodie zum Ausdruck, die auf die Seele des Zuhörers einwirkt. In 120 Filmen verschiedene Generationen Das klingt nach beliebtes Werk genialer Komponist K. Debussy.

Wie immer, Die beste Musik- in unserer Gruppe in Kontakt .

Ich muss zugeben, dass ich über das Cembalo als ein zutiefst persönliches Thema für mich spreche. Nachdem ich fast vierzig Jahre lang darauf gespielt habe, habe ich eine tiefe Zuneigung zu bestimmten Autoren entwickelt und in Konzerten komplette Zyklen von allem gespielt, was sie für dieses Instrument geschrieben haben. Dies betrifft vor allem François Couperin und Johann Sebastian Bach. Ich hoffe, dass das Gesagte als Entschuldigung für meine Vorurteile dienen wird, denen ich leider nicht entgehen kann.

GERÄT

Es ist eine große Familie von Tasten- und Streichinstrumenten bekannt Zupfinstrumente. Sie unterscheiden sich in Größe, Form und Klang-(Farb-)Ressourcen. Fast jeder Meister, der früher solche Instrumente herstellte, versuchte, ihrem Design etwas Eigenes hinzuzufügen.

Es herrscht große Verwirrung darüber, wie sie genannt wurden. In den meisten allgemeiner Überblick Instrumente werden nach ihrer Form in Längsinstrumente (erinnert an ein kleines Klavier, aber mit eckigen Formen – ein Flügel hat abgerundete Formen) und Rechteckinstrumente unterteilt. Natürlich ist dieser Unterschied keineswegs dekorativ: wann verschiedene Orte Da sich die Saiten im Verhältnis zur Tastatur unterscheiden, hat die Stelle auf der Saite, an der die Zupfcharakteristik all dieser Instrumente entsteht, einen ganz erheblichen Einfluss auf die Klangfarbe des Klangs.

J. Wermeer aus Delft. Frau sitzt am Cembalo
OK. 1673–1675. Nationalgalerie, London

Das Cembalo ist das größte und komplexeste Instrument dieser Familie.

In Russland seit dem 18. Jahrhundert. am weitesten verbreitet Französischer Name Instrument - Cembalo ( Clavecin), kommt aber hauptsächlich in der musikalischen und akademischen Praxis vor, und das italienische Becken ( Cembalo; Auch italienische Namen sind bekannt Clavicembalo, Gravicembalo). In der musikwissenschaftlichen Literatur, insbesondere wenn es um englische Barockmusik geht, kommt man ohne Übersetzung daher englischer Name dieses Werkzeug Cembalo.

Am Cembalo Hauptmerkmal Die Tonerzeugung besteht darin, dass sich am hinteren Ende der Taste ein sogenannter Jumper (auch Drücker genannt) befindet, in dessen oberem Teil eine Feder befestigt ist. Wenn der Musiker eine Taste drückt, hebt sich das hintere Ende der Taste (da es sich bei der Taste um einen Hebel handelt) und der Jumper bewegt sich nach oben, und die Feder zupft an der Saite. Beim Loslassen der Taste gleitet die Feder lautlos, dank einer Feder, die eine leichte Auslenkung ermöglicht.

Verschiedene Typen Tasteninstrumente

Es ist bemerkenswert, dass W. Shakespeare in seinem 128. Sonett eine ungewöhnlich genaue Beschreibung der Aktion des Springers gab. Von den vielen Übersetzungsmöglichkeiten wird die Essenz des Cembalospiels – neben der künstlerischen und poetischen Seite – am genauesten durch die Übersetzung von Modest Tschaikowsky vermittelt:

Wenn du, meine Musik, spielst,
Setzen Sie diese Schlüssel in Bewegung
Und indem du sie so zärtlich mit deinen Fingern streichelst,
Der Gleichklang der Streicher weckt Bewunderung,
Ich schaue neidisch auf die Schlüssel,
Wie sie sich an deinen Handflächen festklammern;
Die Lippen brennen und dürsten nach einem Kuss,
Sie schauen neidisch auf ihre Kühnheit.
Oh, wenn sich das Schicksal plötzlich wenden würde
Ich schließe mich den Reihen dieser Trockentänzer an!
Ich bin froh, dass deine Hand darüber geglitten ist, -
Ihre Seelenlosigkeit ist gesegneter als die Lippen der Lebenden.
Aber wenn sie glücklich sind, dann
Lass sie ihre Finger küssen, lass mich deine Lippen küssen.

Von allen Arten von Tastenzupfinstrumenten ist das Cembalo das größte und komplexeste. Es wird sowohl als Soloinstrument als auch als Begleitinstrument eingesetzt. Als Ensemblestück ist es in der Barockmusik unverzichtbar. Doch bevor wir über das riesige Repertoire dieses Instruments sprechen, ist es notwendig, etwas mehr über sein Design zu erklären.

Bei einem Cembalo wurden alle Farben (Klangfarben) und Dynamik (also die Klangstärke) vom Erbauer jedes einzelnen Cembalos zunächst im Instrument selbst festgelegt. Deshalb ist er in einem gewissen Ausmaßähnlich einer Orgel. Bei einem Cembalo kann man den Klang nicht dadurch verändern, dass man die Stärke des Tastendrucks verändert. Im Vergleich dazu liegt beim Klavier die gesamte Interpretationskunst in der Fülle des Anschlags, also in der Vielfalt der Arten, die Taste zu drücken oder anzuschlagen.

Diagramm der Cembalo-Mechanik

Reis. A: 1. Steg; 2. Dämpfer; 3. Jumper (Drücker); 4. Registerleiste; 5. Steg;
6. Jumper-(Schub-)Rahmen; 7. Schlüssel

Reis. B. Jumper (Drücker): 1. Dämpfer; 2. Zeichenfolge; 3. Feder; 4. Zunge; 5. Polster; 6. Frühling

Natürlich hängt es von der Sensibilität des Cembalisten ab, ob das Instrument musikalisch klingt oder „wie ein Kochtopf“ (so ungefähr hat es Voltaire ausgedrückt). Die Stärke und Klangfarbe des Klangs hängt jedoch nicht vom Cembalisten ab, da zwischen dem Finger des Cembalisten und der Saite ein komplexer Übertragungsmechanismus in Form einer Brücke und einer Feder besteht. Nochmals zum Vergleich: Bei einem Klavier wirkt sich das Anschlagen einer Taste direkt auf die Wirkung des Hammers auf die Saite aus, während bei einem Cembalo die Wirkung auf die Feder indirekt ist.

GESCHICHTE

Frühe Geschichte Das Cembalo hat eine Jahrhunderte alte Geschichte. Es wurde erstmals in der Abhandlung von John de Muris „The Mirror of Music“ (1323) erwähnt. Eine der frühesten Darstellungen eines Cembalos findet sich im Weimarer Wunderbuch (1440).

Lange Zeit Es wurde angenommen, dass das älteste erhaltene Instrument von Hieronymus von Bologna hergestellt und auf das Jahr 1521 datiert wurde. Es wird in London im Victoria and Albert Museum aufbewahrt. Aber in In letzter Zeit Es wurde festgestellt, dass es ein mehrere Jahre älteres Instrument gibt, das ebenfalls hergestellt wurde Italienischer Meister- Vincentius von Livigimeno. Es wurde Papst Leo X. überreicht. Die Herstellung begann der Inschrift auf dem Gehäuse zufolge am 18. September 1515.

Cembalo. Weimarer Wunderbuch. 1440

Um eine Monotonie des Klangs zu vermeiden, begannen Cembalobauer bereits in einem frühen Stadium der Instrumentenentwicklung, jede Taste nicht mit einer Saite, sondern mit zwei, natürlich unterschiedlichen Klangfarben, zu versehen. Es stellte sich jedoch schnell heraus, dass es aus technischen Gründen nicht möglich war, mehr als zwei Saitensätze für eine Tastatur zu verwenden. Dann entstand die Idee, die Anzahl der Tastaturen zu erhöhen. Bis zum 17. Jahrhundert Die musikalisch reichhaltigsten Cembali sind Instrumente mit zwei Klaviaturen (auch Manuale genannt, von lat. manus- "Hand").

Aus musikalischer Sicht ist ein solches Instrument das beste Heilmittel für die Aufführung eines abwechslungsreichen Barockrepertoires. Viele Werke der Cembalo-Klassiker wurden speziell für die Wirkung des Spiels auf zwei Keyboards geschrieben, beispielsweise einige Sonaten von Domenico Scarlatti. F. Couperin hat im Vorwort zur dritten Sammlung seiner Cembalostücke ausdrücklich darauf hingewiesen, dass er darin Stücke untergebracht hat, die er selbst nennt „Stücke Croises“(spielt mit dem Verschränken der [Arme]). „Stücke mit einem solchen Namen“, fährt der Komponist fort, „sollten auf zwei Klaviaturen gespielt werden, von denen eine durch Registerwechsel gedämpft klingen sollte.“ Für diejenigen, die kein zweimanualiges Cembalo besitzen, gibt Couperin Empfehlungen, wie man das Instrument mit einer Klaviatur spielt. Doch in manchen Fällen ist das Erfordernis eines zweimanualigen Cembalos eine unabdingbare Voraussetzung für die volle künstlerische Darbietung einer Komposition. So gab Bach auf der Titelseite der Sammlung mit der berühmten „Französischen Ouvertüre“ und dem „Italienischen Konzert“ an: „für Clavicembalo mit zwei Manualen.“

Aus der Sicht der Entwicklung des Cembalos erwiesen sich zwei Manuale als nicht die Grenze: Wir kennen Beispiele von Cembalos mit drei Klaviaturen, obwohl wir keine Werke kennen, die für ihre Darbietung unbedingt ein solches Instrument erfordern würden. Es handelt sich vielmehr um technische Tricks einzelner Cembalisten.

Während seiner glänzenden Blütezeit (17.-18. Jahrhundert) wurde das Cembalo von Musikern gespielt, die alle damals existierenden Tasteninstrumente beherrschten, nämlich Orgel und Clavichord (deshalb wurden sie Claviers genannt).

Cembali wurden nicht nur von Cembalobauern, sondern auch von Orgelbauern hergestellt. Und es war selbstverständlich, beim Cembalobau einige grundlegende Ideen anzuwenden, die bereits bei der Gestaltung von Orgeln weit verbreitet waren. Mit anderen Worten: Cembalobauer folgten dem Weg der Orgelbauer und erweiterten die Registerressourcen ihrer Instrumente. Waren es bei der Orgel immer mehr neue Pfeifensätze, die auf die Manuale verteilt waren, so begann man beim Cembalo damit, sie zu verwenden größere Zahl Saitensätze, auch auf Manuale verteilt. Diese Cembaloregister unterschieden sich nicht allzu sehr in der Lautstärke, wohl aber in der Klangfarbe – sehr deutlich.

Titelseite der ersten Musiksammlung
für Virginel „Parthenia“. London. 1611

Zusätzlich zu zwei Saitensätzen (einer für jede Tastatur), die unisono klangen und in der Höhe den in den Noten aufgezeichneten Klängen entsprachen, konnten Register in vier Fuß und sechzehn Fuß vorhanden sein. (Sogar die Bezeichnung der Register wurde von Cembalobauern von Orgelbauern übernommen: Rohre Orgeln werden in Fuß angegeben, und die Hauptregister, die der Notenschrift entsprechen, sind die sogenannten Acht-Fuß-Register, während Pfeifen, deren Töne eine Oktave über den notierten Tönen liegen, als Vier-Fuß-Tonleiter bezeichnet werden, und solche, die Töne erzeugen, die eine Oktave darunter liegen werden Sechzehn-Fuß-Einser genannt. Auf dem Cembalo sind die durch die Sätze gebildeten Register in den gleichen Takten angegeben Saiten.)

Damit ist der Klangumfang eines großen Konzertcembalos gemeint Mitte des 18. Jahrhunderts V. Es war nicht nur nicht schmaler als ein Klavier, sondern sogar noch breiter. Und das, obwohl die Notation von Cembalomusik einen engeren Tonumfang zu haben scheint als die von Klaviermusik.

MUSIK

Bis zum 18. Jahrhundert Das Cembalo verfügt über ein ungewöhnlich reichhaltiges Repertoire. Als äußerst aristokratisches Instrument verbreitete es sich in ganz Europa und hatte überall seine klugen Apologeten. Aber wenn wir über die mächtigsten Schulen des 16. – frühen 17. Jahrhunderts sprechen, dann müssen wir zunächst die englischen Virginalisten nennen.

Wir werden hier nicht die Geschichte des Virginels erzählen, sondern nur darauf hinweisen, dass es sich hierbei um eine Art Zupftastatur handelt Streichinstrumente, klanglich dem Cembalo ähnlich. Es ist bemerkenswert, dass in einer der letzten gründlichen Studien zur Geschichte des Cembalos ( Kottick E. Eine Geschichte des Cembalos. Bloomington. 2003) Virginel gelten ebenso wie das Spinett (eine andere Variante) als im Einklang mit der Entwicklung des Cembalos selbst.

Bezüglich des Namens virginel ist anzumerken, dass eine der vorgeschlagenen Etymologien ihn auf das Englische zurückführt Jungfrau und weiter zum Latein Jungfrau, das heißt „Jungfrau“, da Elisabeth I., die jungfräuliche Königin, es liebte, die Jungfrau zu spielen. Tatsächlich erschien Virginal bereits vor Elizabeth. Der Ursprung des Begriffs „Virginel“ lässt sich korrekter von einem anderen ableiten Lateinisches Wort - Jungfrau(„Stick“), was auf den gleichen Jumper hinweist.

Es ist interessant, dass der Musiker in dem Stich, der die erste gedruckte Musikausgabe für die Jungfrau („Parthenia“) schmückt, in der Gestalt einer christlichen Jungfrau dargestellt ist – der Heiligen. Cecilia. Der Name der Sammlung selbst stammt übrigens aus dem Griechischen. Parthenos, was „Jungfrau“ bedeutet.

Zur Verzierung dieser Ausgabe wurde ein Stich nach dem Gemälde des niederländischen Künstlers Hendrik Goltzius „St. Cäcilia“. Der Graveur tat dies jedoch nicht Spiegelreflexion Bilder auf der Tafel, also sowohl die Gravur selbst als auch die Darstellerin – sie linke Hand viel weiter entwickelt als das Recht, was für einen Virginianer dieser Zeit natürlich nicht der Fall gewesen sein konnte. Es gibt Tausende solcher Fehler in Gravuren. Das Auge eines Nichtmusikers bemerkt dies nicht, aber ein Musiker erkennt sofort den Fehler des Stechers.

Der Begründer des Cembalo-Revivals im 20. Jahrhundert widmete der Musik der englischen Virginalisten mehrere wundervolle Seiten voller enthusiastischer Gefühle. wunderbare polnische Cembalistin Wanda Landowska: „Aus Herzen, die würdiger sind als unseres, und genährt Volkslieder, antik englische Musik– leidenschaftlich oder heiter, naiv oder erbärmlich – verherrlicht die Natur und die Liebe. Sie verherrlicht das Leben. Wenn sie sich der Mystik zuwendet, verherrlicht sie Gott. Sie ist unverkennbar souverän, aber auch spontan und mutig. Es wirkt oft moderner als das Neueste und Fortschrittlichste. Öffnen Sie Ihr Herz für den Charme dieser im Wesentlichen unbekannten Musik. Vergessen Sie, dass sie alt ist, und denken Sie nicht, dass sie deshalb kein menschliches Gefühl mehr hat.“

Diese Zeilen wurden zu Beginn des 20. Jahrhunderts geschrieben. Im letzten Jahrhundert wurde außerordentlich viel getan, um das Unbezahlbare in seiner Gesamtheit zu offenbaren und zu bewerten musikalisches Erbe Virginalisten. Und was sind das für Namen! Die Komponisten William Bird und John Bull, Martin Pearson und Gil Farnaby, John Munday und Thomas Morley...

Es gab enge Kontakte zwischen England und den Niederlanden (davon zeugt bereits der Stich von „Parthenia“). Cembalos und Virginels niederländischer Meister, insbesondere der Ruckers-Dynastie, waren in England bekannt. Gleichzeitig können sich die Niederlande selbst seltsamerweise nicht mit einer so lebendigen Kompositionsschule rühmen.

Auf dem Kontinent waren die charakteristischen Cembaloschulen Italienisch, Französisch und Deutsch. Wir erwähnen nur drei ihrer Hauptvertreter – Francois Couperin, Domenico Scarlatti und Johann Sebastian Bach.

Eines der klaren und offensichtlichen Zeichen der herausragenden Begabung eines Komponisten (was für jeden Komponisten jeder Epoche gilt) ist die Entwicklung seines eigenen, rein persönlichen, einzigartigen Ausdrucksstils. Und in der Gesamtmasse der unzähligen Schriftsteller wird es nicht so viele wahre Schöpfer geben. Diese drei Namen gehören sicherlich den Schöpfern. Jeder von ihnen hat seinen eigenen einzigartigen Stil.

Francois Couperin

Francois Couperin(1668–1733) – ein wahrer Cembalodichter. Er könnte sich wahrscheinlich selbst in Betracht ziehen glücklicher Mann: alle (oder fast alle) seiner Cembalowerke, also genau das, was seinen Ruhm ausmacht und globale Bedeutung wurden von ihm herausgegeben und umfassen vier Bände. Somit haben wir einen umfassenden Überblick über sein Cembalo-Erbe. Der Autor dieser Zeilen hatte das Glück, einen vollständigen Zyklus von Couperins Cembalowerken in acht Stück aufzuführen Konzertprogramme, die auf einem Festival seiner Musik in Moskau unter der Schirmherrschaft von Herrn Pierre Morel, Botschafter Frankreichs in Russland, präsentiert wurden.

Es tut mir leid, dass ich meinen Leser nicht an die Hand nehmen, ihn zum Cembalo führen und beispielsweise „Die französische Maskerade oder Les Masques of the Dominos“ von Couperin spielen kann. Wie viel Charme und Schönheit hat es! Aber es gibt auch so viel psychologische Tiefe. Dabei hat jede Maske eine bestimmte Farbe und – was ganz wichtig ist – Charakter. Die Anmerkungen des Autors erläutern die Bilder und Farben. Insgesamt gibt es zwölf Masken (und Farben), die in einer bestimmten Reihenfolge erscheinen.

Ich hatte bereits Gelegenheit, mich an dieses Stück von Couperin im Zusammenhang mit der Geschichte über „Schwarzes Quadrat“ von K. Malewitsch zu erinnern (siehe „Kunst“ Nr. 18/2007). Tatsache ist, dass Couperins Farbschema, beginnend mit Weiß(die erste Variante, die Jungfräulichkeit symbolisiert) endet mit einer schwarzen Maske (Wut oder Verzweiflung). Somit zwei Schöpfer unterschiedlicher Epochen und verschiedene Künste schuf Werke mit zutiefst symbolischer Bedeutung: Bei Couperin symbolisiert dieser Zyklus die Perioden Menschenleben- das Alter einer Person (zwölf in Monaten, alle sechs Jahre – das ist eine im Barock bekannte Allegorie). Infolgedessen hat Couperin eine schwarze Maske, Malewitsch ein schwarzes Quadrat. Für beide ist das Erscheinen von Schwarz das Ergebnis vieler Kräfte. Malewitsch stellte direkt fest: „Ich betrachte Weiß und Schwarz als Ableitungen von Farbe und Farbskalen.“ Couperin präsentierte uns dieses farbenfrohe Sortiment.

Es ist klar, dass Couperin über erstaunliche Cembali verfügte. Dies ist nicht verwunderlich, schließlich war er Hofcembalist Ludwigs XIV. Die Instrumente konnten mit ihrem Klang die ganze Tiefe der Ideen des Komponisten vermitteln.

Domenico Scarlatti(1685–1757). Dieser Komponist hat einen völlig anderen Stil, aber genau wie Couperin ist eine unverwechselbare Handschrift das erste und offensichtliche Zeichen von Genie. Dieser Name ist untrennbar mit dem Cembalo verbunden. Obwohl Domenico in seiner Jugend schrieb andere Musik Später wurde er gerade als Autor einer großen Anzahl (555) Cembalosonaten berühmt. Scarlatti erweiterte die Spielmöglichkeiten des Cembalos auf ungewöhnliche Weise und eröffnete der Spieltechnik eine bisher beispiellose virtuose Spielfreiheit.

Eine Art Parallele zu Scarlatti in der späteren Geschichte der Klaviermusik stellt das Werk von Franz Liszt dar, der sich bekanntlich speziell mit den Spieltechniken von Domenico Scarlatti beschäftigte. (Da es sich übrigens um Parallelen zur Klavierkunst handelt, hatte Couperin gewissermaßen auch einen geistigen Erben – das ist natürlich F. Chopin.)

In der zweiten Hälfte seines Lebens war Domenico Scarlatti (nicht zu verwechseln mit seinem Vater, dem berühmten italienischen Opernkomponisten Alessandro Scarlatti) Hofcembalist der spanischen Königin Maria Barbara, und die überwiegende Mehrheit seiner Sonaten wurde speziell für sie geschrieben . Man kann mit Sicherheit davon ausgehen, dass sie eine bemerkenswerte Cembalistin war, wenn sie diese manchmal technisch äußerst schwierigen Sonaten spielte.

J. Wermeer aus Delft. Mädchen am Spinett. OK. 1670. Privatsammlung

In diesem Zusammenhang erinnere ich mich an einen Brief (1977), den ich von der hervorragenden tschechischen Cembalistin Zuzanna Ruzickova erhielt: „Sehr geehrter Herr Majkapar! Ich habe eine Bitte an Sie. Wie Sie wissen, besteht mittlerweile großes Interesse an authentischen Cembali und es wird viel darüber diskutiert. Eines der Schlüsseldokumente in der Diskussion über diese Instrumente im Zusammenhang mit D. Scarlatti ist das Gemälde von Vanloo, das Maria Barbara von Portugal, die Frau von Philipp V., zeigt (Z. Ružičkova irrte sich – Maria Barbara war die Frau von Ferdinand VI.). , Sohn von Philipp V. - BIN.). Raphael Pouyana (ein bedeutender zeitgenössischer französischer Cembalist – BIN.) ist der Ansicht, dass das Gemälde nach dem Tod von Maria Barbara gemalt wurde und daher keine historische Quelle sein kann. Das Gemälde befindet sich in der Eremitage. Es wäre sehr wichtig, wenn Sie mir Unterlagen zu diesem Gemälde zukommen lassen würden.“

Fragment. 1768. Eremitage, St. Petersburg

Das Bild darüber wir reden über in einem Brief, - „Sextett“ von L.M. Vanloo (1768).

Es befindet sich in der Eremitage, im Lagerraum des französischen Departements Gemälde XVIII Jahrhundert. Vormund der Abteilung I.S. Nachdem Nemilova vom Zweck meines Besuchs erfahren hatte, begleitete sie mich in einen großen Raum bzw. eine Halle, in dem sich Gemälde befinden, die nicht in der Hauptausstellung enthalten waren. Es stellt sich heraus, dass hier viele Werke aufbewahrt werden, die aus musikalischer Ikonographie von großem Interesse sind! Einer nach dem anderen holten wir große Rahmen heraus, auf denen 10–15 Gemälde montiert waren, und untersuchten die Themen, die uns interessierten. Und schließlich „Sextett“ von L.M. Vanloo.

Berichten zufolge zeigt dieses Gemälde die spanische Königin Maria Barbara. Wenn diese Hypothese bewiesen wäre, könnten wir ein Cembalo haben, das von Scarlatti selbst gespielt wird! Was sind die Gründe, die in Vanloos Gemälde dargestellte Cembalistin als Maria Barbara zu erkennen? Erstens scheint mir, dass zwischen der hier abgebildeten Dame und der hier dargestellten Dame tatsächlich eine äußerliche Ähnlichkeit besteht berühmte Porträts Maria Barbara. Zweitens lebte Vanloo relativ lange am spanischen Hof und hätte daher durchaus ein Bild zu einem Thema aus dem Leben der Königin malen können. Drittens ist ein anderer Name des Gemäldes bekannt – „Spanisches Konzert“ und viertens sind einige ausländische Musikwissenschaftler (z. B. K. Sachs) davon überzeugt, dass es sich bei dem Gemälde um Maria Barbara handelt.

Aber Nemilova bezweifelte wie Rafael Puyana diese Hypothese. Das Gemälde entstand im Jahr 1768, also zwölf Jahre nach der Abreise des Künstlers aus Spanien und zehn Jahre nach dem Tod von Maria Barbara. Die Geschichte ihres Ordens ist bekannt: Katharina II. übermittelte Vanloo durch Prinz Golitsyn den Wunsch, ein Gemälde von ihm zu haben. Dieses Werk kam sofort nach St. Petersburg und wurde hier die ganze Zeit über aufbewahrt; Golitsyn gab es als „Konzert“ an Katharina weiter. Was den Namen „Spanisches Konzert“ betrifft, so spielten die spanischen Kostüme, in denen die Charaktere dargestellt sind, eine Rolle bei seiner Entstehung, und wie Nemilova erklärte, handelte es sich um Theaterkostüme und nicht um solche, die damals in Mode waren.

V. Landowska

Auf dem Bild fällt natürlich das Cembalo auf – ein zweimanualiges Instrument mit charakteristischem Anfang Hälfte des XVIII V. Die Farbe der Tasten ist umgekehrt wie bei der modernen (die schwarzen Tasten des Klaviers sind die weißen Tasten dieses Cembalos und umgekehrt). Zudem fehlen noch Pedale zur Registerumschaltung, obwohl diese schon damals bekannt waren. Diese Verbesserung findet sich bei den meisten modernen zweimanualigen Konzertcembali. Die Notwendigkeit, die Register von Hand zu wechseln, erforderte eine bestimmte Vorgehensweise bei der Wahl der Registrierung auf dem Cembalo.

Derzeit zeichnen sich in der Aufführungspraxis deutlich zwei Richtungen ab: Anhänger der ersten sind der Meinung, dass man alle modernen Möglichkeiten des Instruments nutzen sollte (diese Meinung vertraten beispielsweise V. Landovska und übrigens Zuzanna Ruzickova), andere glauben, dass man bei der Aufführung alter Musik auf einem modernen Cembalo nicht über den Rahmen der Aufführungsmittel hinausgehen sollte, mit denen die alten Meister geschrieben haben (dies ist die Meinung von Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, dem gleichen Rafael Puiana und anderen).

Da wir Vanloos Malerei so viel Aufmerksamkeit geschenkt haben, stellen wir fest, dass sich der Künstler selbst wiederum als Figur in einem musikalischen Porträt herausstellte: Bekannt ist das Cembalostück des französischen Komponisten Jacques Dufly, das „Vanloo“ heißt. .

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach(1685–1750). Sein Cembalo-Erbe ist von außergewöhnlichem Wert. Meine Erfahrung, alles, was Bach für dieses Instrument geschrieben hat, in Konzerten aufzuführen, bezeugt: Sein Vermächtnis passt in fünfzehn (!) Konzertprogramme. Gleichzeitig müssen Konzerte für Cembalo und Streicher sowie viele Ensemblewerke, die ohne Cembalo undenkbar sind, getrennt betrachtet werden.

Es sollte anerkannt werden, dass bei aller Einzigartigkeit von Couperin und Scarlatti jeder von ihnen einen kultivierte individueller Stil. Bach war universell. Das bereits erwähnte „Italienische Konzert“ und die „Französische Ouvertüre“ sind Beispiele für Bachs Studium der Musik dieser nationalen Schulen. Und das sind nur zwei Beispiele, deren Namen Bachs Bewusstsein widerspiegeln. Hier können Sie seinen Zyklus hinzufügen“ Französische Suiten" Man könnte über den englischen Einfluss in seinen Englischen Suiten spekulieren. Wie viele Musikbeispiele? verschiedene Stile in jenen seiner Werke, die dies nicht in ihren Titeln widerspiegeln, sondern in der Musik selbst enthalten sind! Es gibt nichts darüber zu sagen, wie weitreichend die muttersprachliche deutsche Klaviertradition in seinem Werk synthetisiert wird.

Wir wissen nicht genau, welche Cembali Bach spielte, aber wir wissen, dass er sich für alle technischen Neuerungen interessierte (einschließlich der Orgel). Sein Interesse an der Erweiterung der Spielmöglichkeiten des Cembalos und anderer Keyboards kommt am deutlichsten zum Ausdruck berühmter Zyklus Präludien und Fugen in allen Tonarten „Das Wohltemperierte Klavier“.

Bach war wahrer Meister Cembalo I. Forkel, Bachs erster Biograph, berichtet: „Niemand konnte die unbrauchbar gewordenen Federn seines Cembalos durch neue ersetzen, damit er zufrieden war – er tat es selbst.“ Er stimmte sein Cembalo immer selbst und war in dieser Hinsicht so geschickt, dass das Stimmen nie länger als eine Viertelstunde dauerte. Mit seiner Stimmmethode standen ihm alle 24 Tasten zur Verfügung und er improvisierte mit ihnen, was er wollte.“

Schon zu Lebzeiten des genialen Schöpfers der Cembalomusik begann das Cembalo seine Stellung zu verlieren. Als Bach 1747 den König von Preußen, Friedrich den Großen, in Potsdam besuchte, gab er ihm ein Thema zum Improvisieren, und Bach improvisierte offenbar auf dem „Pianoforte“ (so hieß damals ein neues Instrument). - eine von vierzehn oder fünfzehn, die Bachs Freund, der berühmte Orgelbauer Gottfried Silbermann, für den König angefertigt hat. Bach gefiel dessen Klang, obwohl er das Klavier zuvor nicht gemocht hatte.

Mozart schrieb in seiner frühen Jugend noch für das Cembalo, doch generell ist seine Klavierarbeit natürlich auf das Klavier ausgerichtet. Verlag frühe Arbeiten Auf Beethoven wurde hingewiesen Titelseiten, dass seine Sonaten (man denke sogar an die Pathétique, die 1799 veröffentlicht wurde) „für Cembalo oder Klavier“ gedacht sind. Die Verleger griffen zu einem Trick: Sie wollten die Kunden nicht verlieren, die alte Cembali zu Hause hatten. Doch immer häufiger blieb von den Cembali nur der Korpus übrig: Die „Füllung“ des Cembalos wurde als unnötig entfernt und durch neue, Hammer-, also Klaviermechaniken ersetzt.

Da stellt sich die Frage: Warum ist dieses Instrument, das eine so lange Geschichte hat und so reichhaltig ist? künstlerisches Erbe, war gegen Ende des 18. Jahrhunderts. aus der Musikpraxis verdrängt und durch das Klavier ersetzt? Und im 19. Jahrhundert nicht nur verdrängt, sondern völlig vergessen? Und man kann nicht sagen, dass das Klavier zu Beginn dieses Prozesses, das Cembalo zu ersetzen, seine Qualitäten erfüllt hatte das beste Werkzeug. Ganz im Gegenteil! Carl Philipp Emanuel Bach, einer der ältesten Söhne Johann Sebastians, schrieb sein Doppelkonzert für Cembalo, Klavier und Orchester mit der Absicht, mit eigenen Augen die Vorzüge des Cembalos gegenüber dem Klavier zu demonstrieren.

Darauf gibt es nur eine Antwort: Der Sieg des Klaviers über das Cembalo wurde unter Bedingungen eines radikalen Wandels ästhetischer Vorlieben möglich. Barocke Ästhetik, die entweder auf einem klar formulierten oder klar empfundenen Konzept der Affekttheorie (das Wesentliche in Kürze: eine Stimmung, beeinflussen, - eine Klangfarbe), für die das Cembalo ein ideales Ausdrucksmittel war, wich zunächst der Weltanschauung des Sentimentalismus, dann einer stärkeren Richtung – dem Klassizismus und schließlich der Romantik. Bei all diesen Stilrichtungen war im Gegenteil die Idee die attraktivste und kultivierteste Variabilität- Gefühle, Bilder, Stimmungen. Und das konnte das Klavier zum Ausdruck bringen.

Dieses Instrument übernahm das Pedal mit seinen fantastischen Fähigkeiten und wurde in der Lage, unglaubliche Höhen und Tiefen im Klang zu erzeugen ( Crescendo Und Diminuendo). Das alles konnte das Cembalo prinzipiell nicht leisten – aufgrund der Besonderheiten seiner Bauart.

Lassen Sie uns innehalten und uns an diesen Moment erinnern, damit wir unser nächstes Gespräch damit beginnen können – über das Klavier und insbesondere über das große Konzert Klavier, also das „königliche Instrument“, der wahre Herrscher aller romantischen Musik.

Unsere Geschichte vermischt Geschichte und Moderne, da sich das Cembalo und andere Instrumente dieser Familie heute aufgrund des enormen Interesses an der Musik der Renaissance und des Barock, also der Zeit, in der sie entstanden sind, als ungewöhnlich weit verbreitet und gefragt erwiesen erlebten ihr goldenes Zeitalter.

Zusammensetzung und darstellende Künste- zwei unerschöpfliche Quelle, nähren sich gegenseitig: Die Hände des Interpreten erfüllen die Gedanken des Komponisten mit dem Atem des Lebens, und der Schöpfer der Musik lässt sich von der Fähigkeit des Interpreten inspirieren. Wie viele andere Komponisten schuf Sofia Asgatovna Gubaidulina viele Werke, die sich an bestimmte Interpreten richteten, und einer dieser Musiker ist Mark Iljitsch Pekarski, der sein Leben den Schlaginstrumenten widmete. Er ist nicht nur ein herausragender Interpret und Schöpfer eines Percussion-Ensembles – Mark Iljitsch schrieb viele Artikel und Bücher über diesen Bereich der Musikinstrumentierung und gründete eine Percussion-Ensemble-Klasse am Moskauer Konservatorium.

„Auf dem Schlagzeug kann man alles machen, was auf der Geige, auf dem Klavier, auf der Orgel geht, nur mit etwas anderen Mitteln, aber im Prinzip ist das Schlagzeug in der Lage, Spaß, Leid, Traurigkeit und Freude zu vermitteln.“ , und was auch immer Sie wollen“, - sagt der Musiker. Eine der besten Bestätigungen dieser Idee ist die erstaunliche Vielfalt Schlaginstrumente erstellt verschiedene Völker V verschiedene Epochen. Viele dieser Instrumente sind in der einzigartigen Sammlung von Pekarsky vertreten. Diese Pracht konnte Gubaidulina nur interessieren – schließlich versuchte Sofia Asgatovna immer, auch für die gebräuchlichsten und bekanntesten Instrumente des europäischen Publikums einen neuen Klang zu finden, und in diesem Fall sah sich der Komponist mit einer wirklich kostbaren Streuung von Ungewöhnlichem konfrontiert Klangfarben: Crotales (pompejanische Becken), chinesische Becken, koreanische Chang-Trommel, chinesische Glocken Bian Zhong... Aber der Komponist macht etwas noch Ungewöhnlicheres – er kombiniert all diese Klangfarben, die aus der geheimnisvollen Welt des Ostens stammen, mit einem westeuropäischen Instrument - das Cembalo... entsteht bei einer solchen Kombination von Ost und West ein unlösbarer Widerspruch? Sofia Gubaidulina glaubt nicht daran – davon ist sie überzeugt orientalische Instrumente„In Kombination mit dem Cembalo verlieren sie ihre lokal-geografische Konnotation und werden in eine allgemeinere Art des Musizierens eingebunden, bei der alle verschiedenen Klangfarbeneigenschaften tendenziell zusammenlaufen.“

Durch diese „Konvergenz“ entsteht in Gubaidulinas Werk ein überraschend harmonisches Ensemble, bei dem man kaum glauben kann, dass die Instrumente, aus denen es besteht, von ihnen stammen verschiedene Teile Licht und Epochen – sie „sprechen“ wirklich dieselbe Sprache ... ja, das tun sie! In dem ganz schlicht betitelten Werk „Musik für Cembalo und Schlaginstrumente aus der Sammlung von Mark Pekarsky“ erscheint eine Art „musikalische Sprache“ mit eigenen „Phonemen“ ( Sprechgeräusche), „Wörter“ bildend. Es ist kein Zufall, dass Sofia Asgatovna ursprünglich vorhatte, diesem Werk einen anderen Titel zu geben – „Logogriff“, so heißt ein Wortspiel, bei dem nach und nach Buchstabe für Buchstabe aus einem bestimmten Wort entfernt wird und gleichzeitig neue Wörter auftauchen (zum Beispiel „Source – Drain – Strom“). Ähnliches macht der Komponist mit Klangkomplexen. Zu Beginn des Stücks gibt es beispielsweise eine wellenförmige „Schichtung“ chinesischer Becken, die in unterschiedlichen Höhen einsetzt und dann allmählich „abschaltet“ – auf die „Verdichtung“ des musikalischen Gefüges folgt dessen „Verdünnung“. “. Bei diesem faszinierenden Klangspiel steht nicht so sehr die Tonhöhe des Klangs im Vordergrund, sondern vielmehr dessen Klangcharakter (z Musikalische Technologie sogenannte Sonorik). Musikalische „Logographen“ werden zur Grundlage für die Konstruktion der Form. Im ersten Teil wird eine Reihe von acht musikalischen „Wörtern“ mit sukzessiver Steigerung der Klangzahl aufgebaut, im Repriseteil werden die gleichen Klangkomplexe in anderer Reihenfolge aufgebaut: Eine exakte „Spiegelreflexion“ entsteht nicht Es zeichnet sich jedoch eine allgemeine Tendenz zu einem allmählichen Rückgang ab. Wir können die Kombination gegensätzlicher Entwicklungsrichtungen nicht nur in Form eines separaten Teils beobachten, sondern auch in der Beziehung zwischen den Teilen des Werks: Der erste Teil ist hauptsächlich in der hohen Lage ausgerichtet, der zweite - in der tiefen Lage .

Eindruck " intellektuelles Spiel„ entsteht nicht nur durch eine harmonische „mathematische Beziehung“, sondern auch durch die Verwendung musikalischer Zitate. Im ersten Satz erscheint ein kurzes, dreitöniges, aber noch erkennbares Motiv aus dem c-Moll-Walzer sowie ein kleines Fragment aus der g-Moll-Fuge aus dem ersten Band von Johann Sebastian Bach. Das Erscheinungsbild beider Zitate ist phantasievoll verändert: Das Motiv aus Chopins Walzer erscheint in einer vom Original abweichenden Tonart (b-Moll), dargeboten in Bian-Zhun und pompejanischen Becken. Das Motiv aus Bachs Fuge wird vom Chang vorgetragen (allerdings erklingt es später in einer „traditionelleren“ Darstellung – auf dem Cembalo, aber seine Umrisse sind so verändert, dass der Eindruck eines falschen Klangs entsteht).

„Musik für Cembalo und Schlagzeug“ von Sofia Gubaidulina ist ein raffiniertes Spiel des Geistes, aber es wäre ein Fehler, es als Produkt der „kalten Vernunft“ zu bezeichnen. Im Spiel von Klangfarben, kurzen Motiven und Klangkomplexen ist ein lebendiger „Atem“ von Emotionen zu spüren.

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