Die nationale Konsolidierung, verstärkt durch den patriotischen Aufschwung des Vaterländischen Krieges von 1812, äußerte sich in einem gesteigerten Interesse an Kunst und in einem verstärkten Interesse an Kunst Volksleben im Allgemeinen. Die Popularität von Ausstellungen an der Akademie der Künste wächst. Seit 1824 finden sie regelmäßig statt – alle drei Jahre. Das „Magazin“ beginnt zu erscheinen Bildende Kunst" Das Sammeln macht sich immer mehr bemerkbar. Neben dem Museum der Akademie der Künste entstand 1825 in der Eremitage die „Russische Galerie“. In den 1810er Jahren. Das „Russische Museum“ von P. Svinin wurde eröffnet.

Der Sieg im Vaterländischen Krieg von 1812 war einer der Gründe für die Entstehung eines neuen Ideals, das auf der Idee einer unabhängigen, stolzen, von starken Leidenschaften überwältigten Persönlichkeit basierte. In der Malerei etablierte sich ein neuer Stil – die Romantik, die nach und nach den als offiziellen Stil geltenden Klassizismus ablöste, in dem religiöse und mythologische Themen vorherrschten.

Bereits in den frühen Gemälden von K. L. Bryullov (1799-1852), „Italienischer Nachmittag“, „Bathseba“, zeigten sich nicht nur das Können und die Brillanz der Vorstellungskraft des Künstlers, sondern auch die Romantik seiner Weltanschauung. K. P. Bryullovs Hauptwerk „Der letzte Tag von Pompeji“ ist vom Geist des Historismus durchdrungen; sein Hauptinhalt ist nicht die Leistung eines einzelnen Helden, sondern das tragische Schicksal einer Masse von Menschen. Dieses Bild spiegelte indirekt die tragische Atmosphäre des Despotismus des Regimes von Nikolaus I. wider, es wurde zu einem Ereignis öffentliches Leben Zustände.

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Die Romantik manifestierte sich in Porträtgemälde O. A. Kiprensky (1782-1836). Seit 1812 schuf der Künstler grafische Porträts von Teilnehmern des Vaterländischen Krieges, die mit ihm befreundet waren. Eine der besten Kreationen von O. A. Kiprensky gilt als das Porträt von A. S. Puschkin, nachdem er es gesehen hatte großer Dichter schrieb: „Ich sehe mich wie in einem Spiegel, aber dieser Spiegel schmeichelt mir.“

Die Traditionen der Romantik wurden vom Marinemaler I.K. Aivazovsky (1817-1900) entwickelt. Seine Werke, die Größe und Macht wiederherstellten, brachten ihm weltweiten Ruhm ein. Meereselemente(„Die neunte Welle“, „Schwarzes Meer“). Er widmete viele Gemälde den Heldentaten russischer Seeleute („Schlacht von Chesma“, „Schlacht von Navarino“). Während des Krimkrieges 1853-1856. Im belagerten Sewastopol organisierte er eine Ausstellung seiner Schlachtengemälde. Anschließend stellte er anhand von Skizzen aus der Natur in mehreren Gemälden die heroische Verteidigung Sewastopols dar.

V.A. Tropinin (1776-1857), aufgewachsen in der sentimentalen Tradition des späten 18. Jahrhunderts, erlebte den enormen Einfluss der neuen romantischen Welle. Der Künstler, selbst ein ehemaliger Leibeigener, schuf eine Galerie mit Bildern von Handwerkern, Dienern und Bauern, die ihnen Züge spirituellen Adels verlieh („Spitzenklöpplerin“, „Näherin“). Details des Alltagslebens und der Arbeitsaktivitäten bringen diese Porträts der Genremalerei näher.

Die Kunst der Romantik hat im Kern den spirituellen und schöpferischen Wert des Einzelnen als Hauptthema für Philosophie und Reflexion. Es erschien Ende des 18. Jahrhunderts und zeichnet sich durch romantische Motive aus, die mit verschiedenen Kuriositäten und malerischen Ereignissen oder Landschaften verbunden sind. Im Kern stand die Entstehung dieser Strömung im Gegensatz zum Klassizismus, und der Vorbote ihres Auftretens war der Sentimentalismus, der in der damaligen Literatur recht deutlich zum Ausdruck kam.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts blühte die Romantik auf und tauchte vollständig in sinnliche und emotionale Bilder ein. Darüber hinaus sehr wichtige Tatsache In dieser Zeit kam es zu einem Umdenken in der Einstellung zur Religion und zum Aufkommen des Atheismus, der sich in Kreativität ausdrückte. Die Werte von Gefühlen und tief empfundenen Erfahrungen stehen im Vordergrund, und es gibt auch eine allmähliche öffentliche Anerkennung der Präsenz der Intuition in einem Menschen.

Romantik in der Malerei

Die Richtung zeichnet sich durch die Betonung eines erhabenen Themas aus, das für diesen Stil in jedem Fall von grundlegender Bedeutung ist kreative Aktivitäten. Sinnlichkeit wird auf jede mögliche und akzeptable Weise ausgedrückt, und das ist der wichtigste Unterschied dieser Richtung.

(Christiano Banti „Galilei vor der römischen Inquisition“)

Unter den Begründern der philosophischen Romantik sind Novalis und Schleiermacher hervorzuheben, aber Theodore Gericault zeichnete sich in dieser Hinsicht in der Malerei aus. In der Literatur sind besonders prominente Schriftsteller der Romantik zu nennen – die Brüder Grimm, Hoffmann und Heine. In vielen europäischen Ländern entwickelte sich dieser Stil unter starkem deutschen Einfluss.

Die Hauptmerkmale sind:

• romantische Noten, die im Werk deutlich zum Ausdruck kommen;
• märchenhafte und mythologische Anmerkungen auch in völlig märchenfremder Prosa;
• philosophische Überlegungen zum Sinn des menschlichen Lebens;
• Vertiefung in das Thema Persönlichkeitsentwicklung.

(Friedrich Caspar David „Mondaufgang über dem Meer“)

Wir können sagen, dass die Romantik durch Noten der Kultivierung der Natur und der Natürlichkeit der menschlichen Natur sowie der natürlichen Sinnlichkeit gekennzeichnet ist. Auch die Einheit des Menschen mit der Natur wird verherrlicht, und auch Bilder der Ritterzeit, umgeben von einer Aura von Adel und Ehre, sowie Reisende, die sich leicht auf romantische Reisen einlassen, erfreuen sich großer Beliebtheit.

(John Martin „Macbeth“)

Ereignisse in der Literatur oder Malerei entwickeln sich um die stärksten Leidenschaften der Charaktere herum. Helden waren schon immer Individuen, die zum Abenteurertum neigten und mit dem Schicksal und der Vorherbestimmung des Schicksals spielten. In der Malerei ist die Romantik perfekt durch fantastische Phänomene gekennzeichnet, die den Prozess der Persönlichkeitsbildung und spirituellen Entwicklung eines Menschen veranschaulichen.

Romantik in der russischen Kunst

In der russischen Kultur war die Romantik in der Literatur besonders ausgeprägt, und es wird angenommen, dass die ersten Manifestationen dieses Trends in der romantischen Poesie von Schukowski zum Ausdruck kommen, obwohl einige Experten glauben, dass seine Werke dem klassischen Sentimentalismus nahe stehen.

(V. M. Vasnetsov „Aljonuschka“)

Die russische Romantik zeichnet sich durch die Freiheit von klassischen Konventionen aus, und diese Bewegung zeichnet sich durch romantisch-dramatische Handlungsstränge und lange Balladen aus. Im Wesentlichen ist dies der Fall neueste Leistungüber das Wesen des Menschen sowie über die Bedeutung von Poesie und Kreativität im Leben der Menschen. In dieser Hinsicht erhält dieselbe Poesie eine ernstere, bedeutungsvollere Bedeutung, obwohl das Schreiben von Gedichten früher als gewöhnlicher, leerer Spaß galt.

(Fjodor Alexandrowitsch Wassiljew „Tauwetter“)

Am häufigsten wird in der russischen Romantik das Bild der Hauptfigur als einsamer und zutiefst leidender Mensch geschaffen. Es ist Leiden und emotionale Erlebnisse Den Autoren wird sowohl in der Literatur als auch in der Malerei größte Aufmerksamkeit geschenkt. Im Wesentlichen handelt es sich hierbei um eine ewige Bewegung zusammen mit verschiedenen Gedanken und Überlegungen und um den Kampf eines Menschen mit ständigen Veränderungen in der ihn umgebenden Welt.

(Orest Kiprensky „Porträt des Lebens Husarenoberst E.V. Davydov“)

Der Held ist normalerweise ziemlich egozentrisch und rebelliert ständig gegen die vulgären und materiellen Ziele und Werte der Menschen. Die Abschaffung materieller Werte zugunsten spiritueller und persönlicher Werte wird gefördert. Zu den beliebtesten und farbenfrohsten Charakteren Russlands, die in diesem Rahmen entstanden sind kreative Richtung, können wir die Hauptfigur aus dem Roman „Ein Held unserer Zeit“ hervorheben. Es ist dieser Roman, der die Motive und Töne der Romantik dieser Zeit sehr deutlich zeigt.

(Ivan Konstantinovich Aivazovsky „Fischer am Meeresufer“)

Das Gemälde zeichnet sich durch märchenhafte und folkloristische Motive aus, romantisch und voller Träume. Alle Arbeiten sind möglichst ästhetisch ansprechend und weisen korrekte, schöne Strukturen und Formen auf. In dieser Richtung gibt es keinen Platz für harte Linien und geometrische Formen sowie zu helle und kontrastreiche Farbtöne. Dabei kommen komplexe Strukturen und viele kleine, sehr wichtige Details im Bild zum Einsatz.

Romantik in der Architektur

Die Architektur der Romantik erinnert an sich an Märchenschlösser und ist unglaublich luxuriös.

(Blenheim Palace, England)

Die markantesten und berühmtesten Bauwerke dieser Zeit zeichnen sich aus durch:

• die Verwendung von Metallstrukturen, die in dieser Zeit eine neue Erfindung waren und eine ziemlich einzigartige Innovation darstellten;
• komplexe Silhouetten und Designs, die unglaubliche Kombinationen wunderschöner Elemente beinhalten, darunter Türmchen und Erkerfenster;
• Reichtum und Vielfalt architektonischer Formen, Fülle verschiedene Kombinationen Technologien zur Verwendung von Eisenlegierungen mit Stein und Glas;
• das Gebäude erhält optische Leichtigkeit; schlanke Formen ermöglichen es, auch sehr große Gebäude mit minimaler Sperrigkeit zu schaffen.

Die berühmteste Brücke dieser Zeit wurde 1779 in England gebaut und über den Severn River geworfen. Mit einer Länge von etwas mehr als 30 Metern ist es recht kurz, aber es war das erste Bauwerk dieser Art. Später wurden Brücken mit einer Länge von mehr als 70 Metern gebaut und nach einigen Jahren begann man, beim Bau von Gebäuden Gusseisenkonstruktionen zu verwenden.

Die Gebäude hatten bis zu 4-5 Stockwerke und die Innenaufteilung war durch asymmetrische Formen gekennzeichnet. Auch an den Fassaden dieser Epoche ist die Asymmetrie sichtbar und geschmiedete Gitter an den Fenstern unterstreichen die entsprechende Stimmung. Sie können auch Buntglasfenster verwenden, was besonders für Kirchen und Kathedralen wichtig ist.

Romantik.

Romantik (französischer Romantismus), eine ideologische und künstlerische Bewegung in der europäischen und amerikanischen Kultur des späten 18. – ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Entstanden als Reaktion auf den Rationalismus und Mechanismus der Ästhetik des Klassizismus und der Philosophie der Aufklärung, etabliert im Zeitalter des revolutionären Zusammenbruchs der feudalen Gesellschaft, der früheren, scheinbar unerschütterlichen Weltordnung, der Romantik (beide als besondere Art der Weltanschauung). und als künstlerische Bewegung) ist zu einem der komplexesten und widersprüchlichsten Phänomene der Kulturgeschichte geworden. Enttäuschung über die Ideale der Aufklärung, über die Ergebnisse der Großen Französischen Revolution, Leugnung des Utilitarismus der modernen Realität, der Prinzipien der bürgerlichen Praktikabilität, deren Opfer die menschliche Individualität war, eine pessimistische Sicht auf die Aussichten der gesellschaftlichen Entwicklung und Die Mentalität des „Welttrauers“ verband sich in der Romantik mit dem Wunsch nach Harmonie in der Weltordnung, spiritueller Integrität des Einzelnen, mit einer Anziehungskraft auf das „Unendliche“, mit der Suche nach neuen, absoluten und bedingungslosen Idealen. Die akute Diskrepanz zwischen Idealen und bedrückender Realität löste in den Köpfen vieler Romantiker ein schmerzlich fatalistisches oder empörtes Gefühl von Doppelwelten aus, eine bittere Verhöhnung der Diskrepanz zwischen Traum und Realität, die in Literatur und Kunst zum Prinzip der „romantischen Ironie“ erhoben wurde. Eine Art Selbstverteidigung gegen die zunehmende Nivellierung der Persönlichkeit wurde zum tiefsten Interesse an der menschlichen Persönlichkeit, das der Romantik innewohnt und von den Romantikern als Einheit individueller äußerer Merkmale und einzigartiger innerer Inhalte verstanden wird. Indem sie in die Tiefen des menschlichen Geisteslebens vordrangen, übertrugen Literatur und Kunst der Romantik gleichzeitig diesen scharfen Sinn für das Eigentümliche, Ursprüngliche, Einzigartige für die Schicksale von Nationen und Völkern auf die historische Realität selbst. Die enormen gesellschaftlichen Veränderungen, die sich vor den Augen der Romantiker abspielten, machten den fortschreitenden Verlauf der Geschichte deutlich sichtbar. In ihren besten Werken schafft die Romantik symbolische und zugleich lebendige Bilder der modernen Geschichte. Aber Bilder der Vergangenheit, die aus der Mythologie, der antiken und mittelalterlichen Geschichte stammen, wurden von vielen Romantikern als Spiegelbild der realen Konflikte unserer Zeit verkörpert.

Die Romantik war die erste künstlerische Bewegung, in der sich das Bewusstsein der schöpferischen Persönlichkeit als Gegenstand künstlerischen Handelns deutlich manifestierte. Die Romantiker verkündeten offen den Triumph des individuellen Geschmacks und der völligen Freiheit der Kreativität. Sie maßen dem schöpferischen Akt selbst entscheidende Bedeutung zu, zerstörten die Hindernisse, die die Freiheit des Künstlers behinderten, und setzten kühn das Hohe und das Niedrige, das Tragische und das Komische, das Gewöhnliche und das Ungewöhnliche gleich. Die Romantik erfasste alle Bereiche der spirituellen Kultur: Literatur, Musik, Theater, Philosophie, Ästhetik, Philologie und andere Geisteswissenschaften, bildende Kunst. Aber gleichzeitig war es nicht mehr der universelle Stil, der der Klassizismus war. Im Gegensatz zu letzteren hatte die Romantik fast keine staatlichen Ausdrucksformen (daher hatte sie keinen wesentlichen Einfluss auf die Architektur und beeinflusste hauptsächlich die Landschaftsarchitektur, die Architektur kleiner Formen und die Richtung der sogenannten Pseudogotik). Da die Romantik weniger ein Stil als vielmehr eine sozialkünstlerische Bewegung war, ebnete sie den Weg für die Weiterentwicklung der Kunst im 19. Jahrhundert, die nicht in Form umfassender Stile, sondern in Form einzelner Bewegungen und Richtungen erfolgte. Auch die Sprache der künstlerischen Formen wurde zum ersten Mal in der Romantik nicht völlig neu gedacht: Die stilistischen Grundlagen des Klassizismus blieben gewissermaßen erhalten, wurden in bestimmten Ländern (zum Beispiel in Frankreich) deutlich verändert und neu gedacht. Gleichzeitig erhielt der individuelle Stil des Künstlers im Rahmen einer einheitlichen Stilrichtung größere Entfaltungsfreiheit.

Die Romantik entwickelte sich in vielen Ländern und erlangte überall eine lebendige nationale Identität, die von den historischen Bedingungen und nationalen Traditionen bestimmt wurde. Die ersten Anzeichen der Romantik traten fast gleichzeitig in verschiedenen Ländern auf. Ende des 18. – Anfang des 19. Jahrhunderts. Die Züge der Romantik sind in unterschiedlichem Maße bereits inhärent: in Großbritannien – in den Gemälden und Grafiken des Schweizers I. G. Fusli, in denen eine düstere, raffinierte Groteske die klassizistische Klarheit der Bilder durchbricht, und in den Werken des Dichters und Künstler W. Blake, durchdrungen von mystischer Visionalität; in Spanien - die späten Werke von F. Goya, voller ungezügelter Fantasie und tragischem Pathos, leidenschaftlicher Protest gegen die nationale Demütigung; in Frankreich - die heroisch erregten Porträts von J. L. David aus den Revolutionsjahren, die frühen intensiv dramatischen Kompositionen und Porträts von A. J. Gro, durchdrungen von der verträumten, etwas erhabenen Lyrik der Werke von P. P. Prudhon sowie der widersprüchlichen Kombination von Romantik Tendenzen mit akademischen Techniken zu den Werken von F. Gerard.

Die konsequenteste Schule der Romantik entwickelte sich in Frankreich während der Restauration und der Julimonarchie in einem hartnäckigen Kampf gegen den Dogmatismus und den abstrakten Rationalismus des späten akademischen Klassizismus. Viele Vertreter der französischen Romantik protestierten gegen Unterdrückung und Reaktion und waren direkt oder indirekt mit sozialen Bewegungen der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts verbunden. und erreichte oft den Punkt eines echten Revolutionärs, der den wirkungsvollen journalistischen Charakter der Romantik in Frankreich bestimmte. Französische Künstler reformieren die Bild- und Ausdrucksmittel: Sie dynamisieren die Komposition, kombinieren Formen mit heftiger Bewegung, verwenden helle, satte Farben, die auf Kontrasten von Licht und Schatten, warmen und kalten Tönen basieren, und greifen auf einen funkelnden und leichten, oft verallgemeinerten Stil zurück Malerei. In den Werken des Begründers der romantischen Schule, T. Gericault, der noch immer eine Affinität zu verallgemeinerten, heroischen klassizistischen Bildern bewahrte, zeigten sich zum ersten Mal in der französischen Kunst ein Protest gegen die umgebende Realität und der Wunsch, auf außergewöhnliche Ereignisse zu reagieren unserer Zeit, die in seinen Werken das tragische Schicksal des modernen Frankreichs verkörpern, zum Ausdruck kamen. In den 1820er Jahren. E. Delacroix wurde der anerkannte Leiter der romantischen Schule. Das Gefühl der Beteiligung an großen historischen Ereignissen, die das Gesicht der Welt verändern, der Appell an kulminierende, dramatisch akute Themen ließen das Pathos und die dramatische Intensität seiner besten Werke entstehen. Im Porträt ging es den Romantikern vor allem darum, helle Charaktere, die Spannung des spirituellen Lebens, die flüchtige Bewegung menschlicher Gefühle zu erkennen; in der Landschaft - Bewunderung für die Kraft der Natur, inspiriert von den Elementen des Universums. Für die Grafik der französischen Romantik ist die Schaffung neuer, massenhaft produzierter Formen in der Lithographie und im Buchholzschnitt (N. T. Charlet, A. Deveria, J. Gigou, später Granville, G. Doré) bezeichnend. Auch im Werk des großen Grafikers O. Daumier sind romantische Tendenzen verankert, in seiner Malerei sind sie jedoch besonders ausgeprägt. Die Meister der romantischen Bildhauerei (P. J. David d'Angers, A. L. Bari, F. Ryud) gingen von streng tektonischen Kompositionen zu einer freien Interpretation der Formen über, von der Leidenschaftslosigkeit und ruhigen Erhabenheit klassischer Plastizität zu gewalttätiger Bewegung.

In den Werken vieler französischer Romantiker traten auch konservative Tendenzen der Romantik auf (Idealisierung, Individualismus der Wahrnehmung, Verwandlung in tragische Hoffnungslosigkeit, Apologie des Mittelalters usw.), die zu religiöser Affektiertheit und offener Verherrlichung der Monarchie führten (E. Deveria). , A. Schaeffer usw.). Bestimmte formale Prinzipien der Romantik wurden auch von Vertretern der offiziellen Kunst häufig verwendet und eklektisch mit den Techniken des Akademismus kombiniert (melodramatische historische Gemälde von P. Delaroche, oberflächlich wirksame Parade- und Schlachtenwerke von O. Vernet, E. Meissonnier usw. ).

Das historische Schicksal der Romantik in Frankreich war komplex und zweideutig. In den späteren Werken seiner größten Vertreter zeigten sich deutlich realistische Tendenzen, die teilweise dem sehr romantischen Konzept der Spezifität des Realen innewohnten. Andererseits erfassten romantische Tendenzen in unterschiedlichem Maße das Frühwerk von Vertretern des Realismus in der französischen Kunst – C. Corot, Meister der Barbizon-Schule, G. Courbet, J. F. Millet, E. Manet. Mystik und komplexer Allegorismus, die manchmal der Romantik innewohnen, fanden Kontinuität in der Symbolik (G. Moreau und andere); Einige charakteristische Merkmale der Ästhetik der Romantik tauchten in der Kunst der „Moderne“ und des Postimpressionismus wieder auf.

Noch komplexer und widersprüchlicher war die Entwicklung der Romantik in Deutschland und Österreich. Die frühe deutsche Romantik, die sich durch eine besondere Aufmerksamkeit für alles sehr Individuelle, eine melancholisch-nachdenkliche Tonalität der figurativ-emotionalen Struktur, mystisch-pantheistische Stimmungen auszeichnet, wird vor allem mit Suchen im Bereich der Porträt- und allegorischen Kompositionen (F. O. Runge) in Verbindung gebracht. sowie Landschaft (K. D. Friedrich, I. A. Koch). Religiöse und patriarchale Vorstellungen, der Wunsch nach Wiederbelebung des religiösen Geistes und Stilmerkmale der italienischen und deutschen Malerei des 15. Jahrhunderts. förderte die Kreativität der Nazarener (F. Overbeck, J. Schnorr von Carolsfeld, P. Cornelius usw.), deren Position Mitte des 19. Jahrhunderts besonders konservativ wurde. Die Künstler der Düsseldorfer Schule, die gewissermaßen der Romantik nahe stand, zeichneten sich neben der Verherrlichung der mittelalterlichen Idylle im Geiste moderner romantischer Poesie durch Sentimentalität und unterhaltsame Handlung aus. Eine einzigartige Verschmelzung der Prinzipien der deutschen Romantik, die oft zur Poetisierung des alltäglichen und spezifischen „Bürger“-Realismus neigte, wurde zum Werk von Biedermeier-Vertretern (F. Waldmüller, I. P. Hasenklever, F. Kruger) sowie K. Blechen. Aus dem zweiten Drittel des 19. Jahrhunderts. Die Linie der deutschen Romantik setzte sich einerseits in der pompösen salonakademischen Malerei von V. Kaulbach und K. Piloty fort, andererseits in den epischen und allegorischen Werken von L. Richter und der Genre-Erzählung Kammer -klingende Werke von K. Spitzweg und M. von Schwind. Die romantische Ästhetik bestimmte maßgeblich die Entwicklung des Werkes von A. von Menzel, dem späteren größten Vertreter des deutschen Realismus des 19. Jahrhunderts. Ebenso wie in Frankreich entwickelte sich bis zum Ende des 19. Jahrhunderts die deutsche Spätromantik (in größerem Maße als die französische, die die Züge des Naturalismus und dann des „Modernismus“ aufnahm). mit Symbolik verschlossen (H. Thoma, F. von Stuck und M. Klinger, der Schweizer A. Böcklin).

In Großbritannien in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Eine gewisse Nähe zur französischen Romantik und zugleich Originalität, eine ausgeprägte realistische Tendenz zeichnen die Landschaften von J. Constable und R. Bonington aus, romantische Fantasie und die Suche nach neuen Ausdrucksmitteln – die Landschaften von W. Turner. Die spätromantische Bewegung der Präraffaeliten (D. G. Rossetti, J. E. Millais, H. Hunt, E. Burne-Jones usw.) zeichnete sich durch religiöse und mystische Bestrebungen, Verbundenheit mit der Kultur des Mittelalters und der Frührenaissance aus, sowie Hoffnungen auf eine Wiederbelebung des Handwerks.

In den USA im gesamten 19. Jahrhundert. die romantische Richtung wurde hauptsächlich durch die Landschaft repräsentiert (T. Col, J. Inness, A. P. Ryder). Die romantische Landschaft entwickelte sich auch in anderen Ländern, aber der Hauptinhalt der Romantik in den europäischen Ländern, in denen das nationale Selbstbewusstsein erwachte, war das Interesse am lokalen kulturellen und künstlerischen Erbe, an Themen des Volkslebens, der nationalen Geschichte und des Befreiungskampfes. Dies ist die Arbeit von G. Wappers, L. Galle, H. Leys und A. Wirtz in Belgien, F. Ayes, D. und G. Induno, G. Carnevali und D. Morelli in Italien, D. A. Siqueira in Portugal, Vertretern Kostümbild in Lateinamerika, I. Manes und I. Navratil in der Tschechischen Republik, M. Barabas und V. Madaras in Ungarn, A. O. Orlovsky, P. Michalovsky, X. Rodakowski und der Spätromantiker J. Matejko in Polen. Die nationalromantische Bewegung in den slawischen Ländern, Skandinavien und den baltischen Staaten trug zur Bildung und Stärkung lokaler Kunstschulen bei.

In Russland manifestierte sich die Romantik in unterschiedlichem Maße im Werk vieler Meister – in der Malerei und Grafik des nach St. Petersburg gezogenen A. O. Orlovsky, in den Porträts von O. A. Kiprensky und teilweise – bei V. A. Tropinin. Die Romantik hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Gestaltung der russischen Landschaft (die Werke von Silv. F. Shchedrin, M. N. Vorobyov, M. I. Lebedev; die Werke des jungen I. K. Aivazovsky). Die Merkmale der Romantik wurden in den Werken von K. P. Bryullov, F. A. Bruni, F. P. Tolstoi widersprüchlich mit dem Klassizismus kombiniert; Gleichzeitig sind Bryullovs Porträts einer der eindrucksvollsten Ausdrucksformen der Prinzipien der Romantik in der russischen Kunst. Bis zu einem gewissen Grad beeinflusste die Romantik die Malerei von P. A. Fedotov und A. A. Ivanov.

Romantik in der Architektur.

Eines der größten Ereignisse der Weltgeschichte - Großartig Französisch Revolution- wurde zu einem schicksalhaften Moment nicht nur im politischen, sondern auch im kulturellen Leben der ganzen Welt. Ende des 18. – erste Hälfte des 19. Jahrhunderts wurde in Amerika und Europa die Romantik zur dominierenden Stilrichtung in der Kunst.

Das Zeitalter der Aufklärung endete mit der Großen Bürgerlichen Revolution. Damit verschwand auch das Gefühl von Stabilität, Ordnung und Ruhe. Die neu verkündeten Ideen von Brüderlichkeit, Gleichheit und Freiheit flößten grenzenlosen Optimismus und Glauben an die Zukunft ein, aber eine derart drastische Revolution löste Angst und ein Gefühl der Unsicherheit aus. Die Vergangenheit schien die rettende Insel zu sein, auf der Freundlichkeit, Anstand, Aufrichtigkeit und vor allem Beständigkeit herrschten. So entsteht in der Idealisierung der Vergangenheit und der Suche des Menschen nach seinem Platz in der weiten Welt die Romantik.

Der Aufstieg der Romantik in der Architektur war mit der Verwendung neuer Designs, Methoden und Baumaterialien verbunden. Verschiedene Metallkonstruktionen erscheinen und Brücken werden gebaut. Es wurden Technologien für die kostengünstige Produktion von Gusseisen und Stahl entwickelt.

Die Romantik lehnt die Einfachheit architektonischer Formen ab und bietet stattdessen Vielfalt, Freiheit und komplexe Silhouetten. Symmetrie verliert an überragender Bedeutung.

Der Stil verwirklicht die reichste kulturelle Schicht fremder Länder, die den Europäern lange Zeit fern blieb. Nicht nur antike griechische und römische Architektur wird als wertvoll anerkannt, sondern auch andere Kulturen. Die gotische Architektur wurde zur Grundlage der Romantik. Besonderes Augenmerk wird auf die orientalische Architektur gelegt. Es entsteht ein wachsendes Bewusstsein für die Notwendigkeit, Kulturdenkmäler vergangener Epochen zu schützen und wiederzubeleben.

Die Romantik zeichnet sich dadurch aus, dass die Grenzen zwischen Natürlich und Künstlichem verwischt werden: Parks, künstliche Stauseen und Wasserfälle werden entworfen. Die Gebäude sind von Bögen, Pavillons und Nachbildungen antiker Türme umgeben. Die Romantik bevorzugt Pastellfarben.

Die Romantik leugnet Regeln und Kanons; sie kennt keine strengen Tabus oder streng verbindlichen Elemente. Die Hauptkriterien sind Meinungsfreiheit, erhöhte Aufmerksamkeit für die menschliche Persönlichkeit und kreative Freiheit.

In modernen Innenräumen wird Romantik als Appell an volkstümliche Formen und natürliche Materialien verstanden – Schmieden, wilder Stein, raues Holz, aber eine solche Stilisierung hat nichts mit der architektonischen Richtung der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert zu tun.

Romantik in der Malerei.

Wenn Frankreich der Begründer des Klassizismus war, dann „sollten wir nach Deutschland gehen, um die Wurzeln der romantischen Schule zu finden“, schrieb einer seiner Zeitgenossen. Dort wurde sie geboren und dort prägten die modernen italienischen und französischen Romantiker ihren Geschmack.“

Das zersplitterte Deutschland erlebte keinen revolutionären Aufschwung. Das Pathos avancierter Gesellschaftsideen war vielen deutschen Romantikern fremd. Sie idealisierten das Mittelalter. Sie gaben sich unerklärlichen emotionalen Impulsen hin und sprachen über die Aufgabe des menschlichen Lebens. Die Kunst vieler von ihnen war passiv und kontemplativ. Ihre besten Werke schufen sie im Bereich der Porträt- und Landschaftsmalerei.

Ein herausragender Porträtmaler war Otto Runge(1777-1810). Die Porträts dieses Meisters sind zwar äußerlich ruhig, verblüffen aber durch ihr intensives und intensives Innenleben.

Das Bild eines romantischen Dichters sieht Runge in " Selbstporträt". Er untersucht sich sorgfältig und sieht einen dunkelhaarigen, dunkeläugigen, ernsten, energiegeladenen, nachdenklichen und willensstarken jungen Mann. Der romantische Künstler will sich selbst kennenlernen. Die Art und Weise, wie das Porträt ausgeführt wird, ist schnell und schwungvoll, als ob die spirituelle Energie des Schöpfers in der Textur des Werkes zum Ausdruck kommen sollte; Bei einer dunklen Farbgebung treten Hell-Dunkel-Kontraste auf. Kontrast ist eine charakteristische Maltechnik der romantischen Meister.

Ein romantischer Künstler wird immer versuchen, die wechselnden Stimmungen eines Menschen einzufangen und in seine Seele zu blicken. Und in dieser Hinsicht werden ihm Kinderporträts als fruchtbares Material dienen. IN " Porträt Kinder Hülsenbeck” (1805) Runge vermittelt nicht nur die Lebendigkeit und Spontaneität des kindlichen Charakters, sondern findet auch eine besondere Technik für eine helle Stimmung. Der Hintergrund des Gemäldes ist eine Landschaft, die nicht nur von der Begabung des Künstlers für Farbe und seiner bewundernden Haltung gegenüber der Natur zeugt, sondern auch von der Entstehung neuer Probleme bei der meisterhaften Wiedergabe räumlicher Beziehungen und heller Farbtöne von Objekten im Freien. Der Meisterromantiker, der sein „Ich“ mit der Weite des Universums verschmelzen möchte, strebt danach, die sinnlich greifbare Erscheinung der Natur einzufangen. Aber in dieser Sinnlichkeit des Bildes sieht er lieber das Symbol der großen Welt, „die Idee des Künstlers“.

Runge war einer der ersten romantischen Künstler, der es sich zur Aufgabe machte, die Künste zu synthetisieren: Malerei, Bildhauerei, Architektur, Musik. Der Künstler fantasiert und verstärkt sein philosophisches Konzept mit den Ideen des berühmten deutschen Denkers der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Jakob Böhme. Die Welt ist eine Art mystisches Ganzes, in dem jedes Teilchen das Ganze ausdrückt. Diese Idee ähnelt den Romantikern des gesamten europäischen Kontinents.

Ein weiterer bekannter deutscher Maler der Romantik Caspar David Friedrich(1774-1840) bevorzugte die Landschaft gegenüber allen anderen Genres und malte zeitlebens ausschließlich Naturbilder. Das Hauptmotiv von Friedrichs Werk ist die Idee der Einheit von Mensch und Natur.

„Hören Sie auf die Stimme der Natur, die in uns spricht“, fordert der Künstler seine Schüler auf. Die innere Welt eines Menschen verkörpert die Unendlichkeit des Universums, daher kann ein Mensch, nachdem er sich selbst gehört hat, die spirituellen Tiefen der Welt begreifen.

Der Hörplatz bestimmt die Grundform der menschlichen „Kommunikation“ mit der Natur und ihrem Bild. Dies ist die Größe, das Geheimnis oder die Erleuchtung der Natur und der bewusste Zustand des Beobachters. Zwar lässt Friedrich sehr oft keine Figur in den Landschaftsraum seiner Bilder „eintreten“, aber in der subtilen Durchdringung der figurativen Struktur der ausgedehnten Flächen kann man die Präsenz eines Gefühls, einer menschlichen Erfahrung spüren. Der Subjektivismus in der Landschaftsdarstellung kommt erst mit den Werken der Romantiker in die Kunst und kündigt die lyrische Offenlegung der Natur bei den Meistern der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts an. Forscher stellen in Friedrichs Werken eine „Erweiterung des Repertoires“ an Landschaftsmotiven fest . Der Autor interessiert sich für das Meer, die Berge, die Wälder und die verschiedenen Abstufungen des Zustands der Natur zu verschiedenen Jahres- und Tageszeiten.

1811-1812 gekennzeichnet durch die Schaffung einer Reihe von Berglandschaften als Ergebnis der Reise des Künstlers in die Berge. ” Morgen V Berge” stellt malerisch eine neue Naturrealität dar, die in den Strahlen der aufgehenden Sonne auftaucht. Rosa-lila Töne umhüllen und nehmen ihnen Volumen und materielle Schwere. Die Jahre des Kampfes mit Napoleon (1812-1813) wandten Friedrich patriotischen Themen zu. Er illustriert, inspiriert von Kleists Drama, und schreibt “ Grab Arminia” - Landschaft mit den Gräbern antiker deutscher Helden.

Friedrich war ein subtiler Meister der Seestücke: “ Alter” , “ Sonnenaufgang Mond über auf dem Seeweg” , ” Tod “ Hoffnungen” In Eis” .

Die neuesten Werke des Künstlers – “ Ausruhen An Feld” , “ Groß Sumpf” Und “ Erinnerung um Riesig Berge” , ” Riesig Berge” - eine Reihe von Bergkämmen und Steinen in einem abgedunkelten Vordergrund. Dies ist offenbar eine Rückkehr zum erlebten Gefühl des Sieges eines Menschen über sich selbst, zur Freude am Aufstieg zum „Gipfel der Welt“, zum Wunsch nach erhellenden, unbesiegten Höhen. Die Gefühle des Künstlers komponieren diese Bergmassen auf besondere Weise, und wieder lässt sich die Bewegung von der Dunkelheit der ersten Schritte bis zum zukünftigen Licht ablesen. Der Berggipfel im Hintergrund wird als Zentrum der spirituellen Bestrebungen des Meisters hervorgehoben. Das Bild ist, wie jede Schöpfung der Romantiker, sehr assoziativ und suggeriert unterschiedliche Ebenen der Lesart und Interpretation.

Friedrich ist sehr präzise in seiner Zeichnung, musikalisch harmonisch im rhythmischen Aufbau seiner Bilder, in denen er versucht, durch die Emotionen von Farbe und Lichteffekten zu sprechen. „Vielen wird wenig gegeben, wenigen wird viel gegeben. Die Seele der Natur offenbart sich jedem anders. Daher wagt es niemand, einem anderen seine Erfahrungen und seine Regeln als zwingendes, bedingungsloses Gesetz zu vermitteln. Niemand ist der Maßstab für alle. „Jeder Mensch trägt in sich ein Maß nur für sich selbst und für mehr oder weniger mit ihm verbundene Naturen“, beweist diese Reflexion des Meisters die erstaunliche Integrität seines Innenlebens und seiner Kreativität. Die Einzigartigkeit des Künstlers ist nur in der Freiheit seiner Kreativität spürbar – dafür steht der romantische Friedrich.

Formaler erscheint es, zwischen den Künstlern – den „Klassikern“ – Vertretern des Klassizismus eines anderen Zweigs der romantischen Malerei in Deutschland – zu unterscheiden. Nazarener. Die in Wien gegründete und in Rom ansässige „Union des Heiligen Lukas“ (1809-1810) vereinte Künstler mit der Idee, monumentale Kunst mit religiösen Themen wiederzubeleben. Das Mittelalter war die Lieblingsepoche der Romantiker. Doch in ihrer künstlerischen Suche griffen die Nazarener auf die Traditionen der Malerei der Frührenaissance in Italien und Deutschland zurück. Overbeck und Geforr waren die Initiatoren des neuen Bündnisses, dem sich später Cornelius, Schnoff von Carolsfeld und Veit Furich anschlossen.

Die Nazarener-Bewegung hatte ihre eigenen Formen der Opposition gegen klassizistische Akademiker in Frankreich, Italien und England. In Frankreich beispielsweise gingen aus Davids Werkstatt die sogenannten „primitivistischen“ Künstler hervor, in England die Präraffaeliten. Im Sinne der romantischen Tradition betrachteten sie die Kunst als „Ausdruck der Zeit“, als „Geist des Volkes“, doch ihre thematischen oder formalen Vorlieben, die zunächst wie ein Slogan der Vereinigung klangen, verwandelten sich nach einiger Zeit in die Kunst dieselben doktrinären Prinzipien wie die der Akademie, die sie jedoch leugneten.

Die Kunst der Romantik entwickelte sich in Frankreich auf besondere Weise. Das erste, was sie von ähnlichen Bewegungen in anderen Ländern unterschied, war ihr aktiver, offensiver („revolutionärer“) Charakter. Dichter, Schriftsteller, Musiker und Künstler verteidigten ihre Positionen nicht nur durch die Schaffung neuer Werke, sondern auch durch die Teilnahme an Zeitschriften- und Zeitungspolemiken, die Forscher als „romantischen Kampf“ bezeichnen. Der berühmte V. Hugo, Stendhal, George Sand, Berlioz und viele andere Schriftsteller, Komponisten und Journalisten Frankreichs haben in romantischen Polemiken „ihre Federn geschärft“.

Die romantische Malerei in Frankreich entstand als Opposition zur klassizistischen Schule Davids, zur akademischen Kunst, die allgemein als „Schule“ bezeichnet wird. Dies muss jedoch umfassender verstanden werden: Es war ein Widerstand gegen die offizielle Ideologie der reaktionären Ära, ein Protest gegen ihre kleinbürgerlichen Beschränkungen. Daher der pathetische Charakter romantischer Werke, ihre nervöse Erregung, ihre Anziehungskraft auf exotische Motive, auf historische und literarische Themen, auf alles, was aus dem „langweiligen Alltag“ wegführen kann, daher dieses Spiel der Fantasie und manchmal auch das Gegenteil , Tagträumen und völliger Bewegungsmangel.

Vertreter der „Schule“, Akademiker, rebellierten vor allem gegen die Sprache der Romantiker: ihre aufgeregte, heiße Farbgebung, ihre Modellierung der Form, nicht die für die „Klassiker“ übliche Statuenplastik, sondern auf starken Kontrasten aufgebaut von Farbflecken; ihre ausdrucksstarke Zeichnung, die bewusst auf Präzision verzichtet; ihre kühne, manchmal chaotische Komposition, ohne Majestät und unerschütterliche Ruhe. Ingres, ein unversöhnlicher Feind der Romantiker, sagte bis zu seinem Lebensende, dass Delacroix „mit einem verrückten Besen schreibt“, und Delacroix beschuldigte Ingres und alle Künstler der „Schule“, kalt, rational und bewegungslos zu sein und nicht Schreiben, sondern „Malen“. Dabei handelte es sich jedoch nicht um einen einfachen Zusammenstoß zweier kluger, völlig unterschiedlicher Individuen; es war ein Kampf zwischen zwei unterschiedlichen künstlerischen Weltanschauungen.

Dieser Kampf dauerte fast ein halbes Jahrhundert; die Romantik in der Kunst errang nicht leicht und nicht sofort Siege, und der erste Künstler dieser Bewegung war Theodor Gericault(1791-1824) - ein Meister heroischer Monumentalformen, der in seinem Werk sowohl klassizistische Merkmale als auch Merkmale der Romantik selbst und schließlich ein kraftvolles realistisches Prinzip vereinte, das großen Einfluss auf die Kunst des Realismus der Mitte hatte. 19. Jahrhundert. Doch zu Lebzeiten wurde er nur von wenigen engen Freunden geschätzt.

Der Name Theodore Jaricot ist mit den ersten glänzenden Erfolgen der Romantik verbunden. Bereits in seinen frühen Gemälden (Militärporträts, Pferdebilder) traten antike Ideale vor die direkte Wahrnehmung des Lebens zurück.

Im Salon zeigt Géricault 1812 ein Gemälde “ Offizier Kaiserliche montiert Jäger In Zeit Anschläge”. Dies war das Jahr des Höhepunkts von Napoleons Ruhm und der militärischen Macht Frankreichs.

Die Komposition des Gemäldes präsentiert den Reiter aus einer ungewöhnlichen Perspektive eines „plötzlichen“ Moments, in dem sich das Pferd aufbäumte und der Reiter, während er eine fast vertikale Position des Pferdes beibehielt, sich dem Betrachter zuwandte. Die Darstellung eines solchen Moments der Instabilität, der Unmöglichkeit einer Pose, verstärkt die Wirkung der Bewegung. Das Pferd hat einen Stützpunkt; es muss zu Boden fallen und sich in den Kampf verwickeln, der es in diesen Zustand gebracht hat. In diesem Werk kam viel zusammen: Gericaults bedingungsloser Glaube an die Möglichkeit, dass ein Mensch seine eigenen Kräfte beherrschen kann, eine leidenschaftliche Liebe zur Darstellung von Pferden und der Mut eines unerfahrenen Meisters, zu zeigen, was bisher nur durch Musik oder die Sprache der Poesie vermittelt werden konnte – die Aufregung einer Schlacht, der Beginn eines Angriffs, die höchste Anspannung der Kräfte eines Lebewesens. Der junge Autor orientierte sich bei seinem Bild an der Vermittlung der Bewegungsdynamik und es war ihm wichtig, den Betrachter zum „Durchdenken“ dessen anzuregen, was er darstellen wollte.

Frankreich hatte praktisch keine Tradition einer solchen Dynamik in der bildnerischen Erzählung der Romantik, außer vielleicht in den Reliefs gotischer Tempel. Als Gericault zum ersten Mal nach Italien kam, war er daher von der verborgenen Kraft von Michelangelos Kompositionen verblüfft. „Ich zitterte“, schreibt er, „ich zweifelte an mir selbst und konnte mich lange Zeit nicht von dieser Erfahrung erholen.“ Stendhal verwies jedoch schon früher in seinen polemischen Artikeln auf Michelangelo als Vorreiter einer neuen Stilrichtung in der Kunst.

Géricaults Gemälde verkündete nicht nur die Geburt eines neuen künstlerischen Talents, sondern war auch eine Hommage an die Leidenschaft und Enttäuschung des Autors über die Ideen Napoleons. Mehrere weitere Werke beziehen sich auf dieses Thema: „ Offizier Carabinieri”, “ Offizier Kürassier Vor Attacke”, “ Porträt Carabinieri”, “ Verwundet Kürassier”.

In der Abhandlung „Überlegungen zum Stand der Malerei in Frankreich“ schreibt er, dass „Luxus und Kunst ... zu einer Notwendigkeit und sozusagen Nahrung für die Fantasie geworden sind, die das zweite Leben eines zivilisierten Menschen darstellt.“ .. Da die Künste kein Gegenstand primärer Notwendigkeit sind, tauchen sie nur dann auf, wenn wesentliche Bedürfnisse befriedigt werden und wenn Überfluss vorhanden ist. Der Mensch, befreit von den Alltagssorgen, begann, das Vergnügen zu suchen, um die Langeweile loszuwerden, die ihn inmitten der Zufriedenheit unweigerlich überkommen würde.“

Dieses Verständnis der erzieherischen und humanistischen Rolle der Kunst demonstrierte Géricault nach seiner Rückkehr aus Italien im Jahr 1818 – er begann sich mit der Lithographie zu beschäftigen und reproduzierte eine Vielzahl von Themen, darunter die Niederlage Napoleons ( “ Zurückkehren aus Russland” ).

Gleichzeitig wendet sich der Künstler dem Bild des Todes der Fregatte „Medusa“ vor der Küste Afrikas zu, der die Gesellschaft stark aufrüttelte. Die Katastrophe ereignete sich aufgrund des Verschuldens eines unerfahrenen Kapitäns, der unter der Schirmherrschaft für die Position ernannt wurde. Die überlebenden Passagiere des Schiffes, der Chirurg Savigny und der Ingenieur Correar, sprachen ausführlich über den Unfall.

Dem sinkenden Schiff gelang es, ein Floß abzuwerfen, auf dem sich eine Handvoll geretteter Menschen befanden. Zwölf Tage lang wurden sie über das stürmische Meer getragen, bis sie die Erlösung fanden – das Schiff „Argus“.

Gericault interessierte sich für die Situation extremer Anspannung der geistigen und körperlichen Stärke des Menschen. Das Gemälde zeigte 15 Überlebende auf einem Floß, als sie die Argus am Horizont sahen. “ Floß “ Qualle” war das Ergebnis der langen Vorarbeit des Künstlers. Er fertigte viele Skizzen des tobenden Meeres an, Porträts geretteter Menschen im Krankenhaus. Gericault wollte zunächst den Kampf der Menschen auf einem Floß miteinander zeigen, doch dann entschied er sich für das heroische Verhalten der Sieger der Meereselemente und die Nachlässigkeit des Staates. Die Menschen ertrug das Unglück tapfer, und die Hoffnung auf Erlösung ließ sie nicht los: Jede Gruppe auf dem Floß hatte ihre eigenen Eigenschaften. Beim Aufbau der Komposition wählte Gericault einen Blickwinkel von oben, der es ihm ermöglichte, die panoramische Abdeckung des Raumes (Meeresentfernungen) zu kombinieren und alle Bewohner des Floßes ganz nah im Vordergrund darzustellen. Die Klarheit des Rhythmus der von Gruppe zu Gruppe zunehmenden Dynamik, die Schönheit nackter Körper und die dunkle Farbgebung des Bildes verleihen dem Bild eine gewisse Konventionalität. Aber das ist für den wahrnehmenden Betrachter nicht der Kern der Sache, ihm helfen die Konventionen der Sprache sogar, das Wichtigste zu verstehen und zu spüren: die Fähigkeit eines Menschen zu kämpfen und zu siegen.

Gericaults Innovation eröffnete neue Möglichkeiten, die Bewegung, die Romantiker erregte, die verborgenen Gefühle eines Menschen und die koloristische, strukturierte Ausdruckskraft des Bildes zu vermitteln.

Gericaults Erbe wurde in seiner Suche Eugen Delacroix. Zwar wurde Delacroix doppelt so viel Leben geschenkt, und es gelang ihm nicht nur, die Richtigkeit der Romantik zu beweisen, sondern in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts auch eine neue Richtung in der Malerei einzuläuten. – Impressionismus.

Bevor er anfing, selbstständig zu malen, studierte Eugene an der Schule von Lerain: Er malte nach dem Leben, kopierte die großen Rubens, Rembrandt, Veronese, Tizian im Louvre ... Der junge Künstler arbeitete 10-12 Stunden am Tag. Er erinnerte sich an die Worte des großen Michelangelo: „Malerei ist ein eifersüchtiger Liebhaber, sie erfordert den ganzen Menschen ...“

Nach Géricaults Demonstrationen war sich Delacroix bewusst, dass in der Kunst Zeiten starker emotionaler Umwälzungen angebrochen waren. Zunächst versucht er, anhand bekannter literarischer Handlungsstränge eine für ihn neue Ära zu begreifen. Sein Bild “ Dante Und Vergil” , präsentiert im Salon von 1822, ist ein Versuch, den kochenden Kessel, die „Hölle“ der Neuzeit, anhand der historischen Assoziationsbilder zweier Dichter zu betrachten: der Antike – Vergil und der Renaissance – Dante. Es war einmal, in seiner „Göttlichen Komödie“ nahm Dante Virgil als seinen Führer durch alle Sphären (Himmel, Hölle, Fegefeuer). In Dantes Werk entstand durch die mittelalterliche Erfahrung der Erinnerung an die Antike eine neue Renaissancewelt. Das Symbol der Romantik als Synthese von Antike, Renaissance und Mittelalter entstand im „Horror“ der Visionen von Dante und Vergil. Aber die komplexe philosophische Allegorie erwies sich als eine gute emotionale Veranschaulichung der Zeit vor der Renaissance und als unsterbliches literarisches Meisterwerk.

Delacroix wird versuchen, durch seinen eigenen Kummer eine direkte Antwort in den Herzen seiner Zeitgenossen zu finden. Die jungen Menschen jener Zeit brannten vor Freiheit und Hass auf die Unterdrücker und sympathisierten mit dem Befreiungskrieg Griechenlands. Der romantische Barde Englands, Byron, geht dorthin, um zu kämpfen. Delacroix sieht die Bedeutung der neuen Ära in der Darstellung eines spezifischeren historischen Ereignisses – des Kampfes und Leidens des freiheitsliebenden Griechenlands. Er befasst sich mit der Verschwörung über den Tod der Bevölkerung der griechischen Insel Chios, die von den Türken erobert wurde. Im Salon von 1824 zeigt Delacroix ein Gemälde “ Massaker An Insel Chios”. Vor dem Hintergrund der endlosen Weite des hügeligen Geländes, das noch immer vom Rauch der Brände und der andauernden Schlacht schreit, zeigt die Künstlerin mehrere Gruppen verwundeter, erschöpfter Frauen und Kinder. Sie hatten die letzten Minuten der Freiheit, bevor sich die Feinde näherten. Der Türke auf einem sich aufbäumenden Pferd rechts scheint über dem gesamten Vordergrund und den vielen Leidenden dort zu hängen. Die Körper und Gesichter leidenschaftlicher Menschen sind wunderschön. Übrigens schrieb Delacroix später, dass griechische Skulpturen von Künstlern in Hieroglyphen verwandelt wurden, die die wahre griechische Schönheit des Gesichts und der Figur verbargen. Doch indem der Maler die „Schönheit der Seele“ in den Gesichtern der besiegten Griechen enthüllt, dramatisiert er die Ereignisse so sehr, dass er, um ein einheitliches dynamisches Spannungstempo aufrechtzuerhalten, auf die Verformung der Figurenwinkel zurückgreift. Diese „Fehler“ wurden bereits durch das Werk von Géricault „aufgelöst“, doch Delacroix demonstriert erneut das romantische Credo, dass Malerei „nicht die Wahrheit einer Situation, sondern die Wahrheit eines Gefühls“ ist.

Im Jahr 1824 verlor Delacroix seinen Freund und Lehrer Géricault. Und er wurde zum Anführer der neuen Malerei.

Jahre vergingen. Nach und nach erschienen die Bilder: “ Griechenland An Ruinen Missalunghi”, “ Tod Sardanapalus” usw. Der Künstler wurde in den Kreisen der Maler zum Außenseiter. Doch die Julirevolution von 1830 veränderte die Situation. Sie entfacht den Künstler mit der Romantik von Siegen und Erfolgen. Er malt ein Bild “ Freiheit An Barrikaden”.

Im Jahr 1831 sahen die Franzosen im Pariser Salon erstmals dieses Gemälde, das den „drei glorreichen Tagen“ der Julirevolution von 1830 gewidmet war. Mit seiner Kraft, Demokratie und kühnen künstlerischen Herangehensweise hinterließ das Gemälde bei seinen Zeitgenossen einen atemberaubenden Eindruck. Der Legende nach rief ein angesehener Bürger aus: „Sie sagen – der Schulleiter? Besser gesagt: der Anführer der Rebellion! Nach der Schließung des Salons beeilte sich die Regierung, das Gemälde aus Angst vor der beeindruckenden und inspirierenden Anziehungskraft, die das Gemälde ausstrahlte, dem Autor zurückzugeben. Während der Revolution von 1848 wurde es erneut im Palais du Luxembourg öffentlich ausgestellt. Und wieder gaben sie es dem Künstler zurück. Erst nachdem das Gemälde 1855 auf der Weltausstellung in Paris ausgestellt wurde, gelangte es in den Louvre. Bis heute wird hier eine der besten Schöpfungen der französischen Romantik aufbewahrt – ein inspirierter Augenzeugenbericht und ein ewiges Denkmal für den Kampf des Volkes um seine Freiheit.

Welche künstlerische Sprache fand der junge französische Romantiker, um diese beiden scheinbar gegensätzlichen Prinzipien zu vereinen – eine breite, allumfassende Verallgemeinerung und eine konkrete Realität, die in ihrer Nacktheit grausam ist?

Paris der berühmten Julitage 1830. In der Ferne erheben sich kaum wahrnehmbar, aber stolz die Türme der Kathedrale Notre Dame – ein Symbol für Geschichte, Kultur und den Geist des französischen Volkes. Von dort aus, aus der verrauchten Stadt, über die Ruinen der Barrikaden, über die Leichen ihrer gefallenen Kameraden schreiten die Rebellen hartnäckig und entschlossen vor. Jeder von ihnen mag sterben, aber der Schritt der Rebellen ist unerschütterlich – sie sind vom Willen zum Sieg, zur Freiheit beseelt.

Diese inspirierende Kraft verkörpert sich im Bild einer schönen jungen Frau, die in einem leidenschaftlichen Impuls nach ihr ruft. Mit ihrer unerschöpflichen Energie, freien und jugendlichen Bewegungsschnelligkeit ähnelt sie der griechischen Siegesgöttin Nike. Ihre kräftige Figur ist in ein Chiton-Kleid gekleidet, ihr Gesicht mit idealen Gesichtszügen und brennenden Augen ist den Rebellen zugewandt. In einer Hand hält sie die Trikolore Frankreichs, in der anderen eine Waffe. Auf dem Kopf ist eine phrygische Mütze angebracht – ein altes Symbol der Befreiung aus der Sklaverei. Ihr Schritt ist schnell und leicht – wie Göttinnen gehen. Gleichzeitig ist das Bild der Frau real – sie ist die Tochter des französischen Volkes. Sie ist die treibende Kraft hinter der Bewegung der Gruppe auf den Barrikaden. Von ihr gehen wie von einer Lichtquelle im Zentrum der Energie Strahlen aus, die mit Durst und Siegeswillen aufgeladen sind. Diejenigen, die ihr nahe stehen, bringen auf ihre ganz eigene Weise ihr Engagement für diesen inspirierenden Aufruf zum Ausdruck.

Rechts ist ein Junge, ein Pariser Gamer, der mit Pistolen wedelt. Er ist der Freiheit am nächsten und gleichsam entzündet von ihrer Begeisterung und Freude am freien Impuls. In seiner schnellen, jungenhaft ungeduldigen Bewegung ist er seiner Inspiration sogar etwas voraus. Dies ist der Vorgänger des legendären Gavroche, den Victor Hugo zwanzig Jahre später im Roman „Les Misérables“ porträtiert: „Gavroche, voller Inspiration, strahlend, übernahm die Aufgabe, das Ganze in die Tat umzusetzen. Er huschte hin und her, erhob sich, sank herab, erhob sich wieder, machte Lärm, strahlte vor Freude. Es scheint, dass er hierher gekommen ist, um alle zu ermutigen. Hatte er ein Motiv dafür? Ja, natürlich, seine Armut. Hatte er Flügel? Ja, natürlich, seine Fröhlichkeit. Es war eine Art Wirbelsturm. Es schien die Luft zu erfüllen und überall gleichzeitig präsent zu sein ... Riesige Barrikaden spürten es auf ihren Bergrücken.“

Gavroche ist in Delacroix‘ Gemälde die Verkörperung der Jugend, des „schönen Impulses“, der freudigen Akzeptanz der hellen Idee der Freiheit. Zwei Bilder – Gavroche und Freiheit – scheinen sich zu ergänzen: Das eine ist Feuer, das andere eine davon entzündete Fackel. Heinrich Heine erzählte, wie die Figur des Gavroche bei den Parisern lebhafte Resonanz hervorrief. "Verdammt! - rief ein Lebensmittelhändler aus. „Diese Jungs haben wie Riesen gekämpft!“

Links ist ein Student mit einer Waffe. Zuvor galt es als Selbstporträt des Künstlers. Dieser Rebell ist nicht so schnell wie Gavroche. Seine Bewegung ist zurückhaltender, konzentrierter, bedeutungsvoller. Die Hände umklammern selbstbewusst den Lauf der Waffe, das Gesicht drückt Mut aus, den festen Willen, bis zum Ende durchzuhalten. Das ist ein zutiefst tragisches Bild. Der Student ist sich der Unvermeidlichkeit der Verluste bewusst, die die Rebellen erleiden werden, aber die Opfer machen ihm keine Angst – der Wille zur Freiheit ist stärker. Hinter ihm steht ein ebenso mutiger wie entschlossener Arbeiter mit Säbel. Zu Füßen der Freiheit liegt ein verwundeter Mann. Es fällt ihm schwer, wieder aufzustehen zur Freiheit, die Schönheit, für die er stirbt, aus ganzem Herzen zu sehen und zu fühlen. Diese Figur gibt dem Klang von Delacroix‘ Leinwand einen dramatischen Anfang. Wenn die Bilder von Gavroche, Liberty, einem Studenten, einem Arbeiter – fast Symbole, die Verkörperung des unnachgiebigen Willens der Freiheitskämpfer – den Betrachter inspirieren und aufrufen, dann ruft der verwundete Mann zum Mitgefühl auf. Der Mensch verabschiedet sich von der Freiheit, verabschiedet sich vom Leben. Er ist noch ein Impuls, eine Bewegung, aber bereits ein verblassender Impuls.

Seine Figur ist vorübergehend. Der Blick des Betrachters, immer noch fasziniert und mitgerissen von der revolutionären Entschlossenheit der Rebellen, fällt auf den Fuß der Barrikade, bedeckt mit den Leichen der glorreichen toten Soldaten. Der Tod wird vom Künstler in seiner ganzen Schlichtheit und Offensichtlichkeit dargestellt. Wir sehen die blauen Gesichter der Toten, ihre nackten Körper: Der Kampf ist gnadenlos, und der Tod ist derselbe unvermeidliche Begleiter der Rebellen, wie der schöne Inspirator der Freiheit.

Von dem schrecklichen Anblick am unteren Bildrand heben wir erneut den Blick und sehen eine junge schöne Gestalt – nein! das Leben siegt! Die so sichtbar und greifbar verkörperte Idee der Freiheit ist so auf die Zukunft ausgerichtet, dass der Tod in ihrem Namen keine Angst macht.

Der Künstler stellt nur eine kleine Gruppe lebender und toter Rebellen dar. Doch die Verteidiger der Barrikade scheinen ungewöhnlich zahlreich zu sein. Die Zusammensetzung ist so aufgebaut, dass die Gruppe der Kämpfer nicht begrenzt und nicht in sich geschlossen ist. Sie ist nur ein Teil einer endlosen Lawine von Menschen. Der Künstler gibt sozusagen ein Fragment der Gruppe ab: Der Bilderrahmen schneidet die Figuren links, rechts und unten ab.

Typischerweise erhält die Farbe in den Werken von Delacroix einen hochemotionalen Klang und spielt eine entscheidende Rolle bei der Erzielung einer dramatischen Wirkung. Die Farben, mal tobend, mal verblassend, gedämpft, erzeugen eine spannungsgeladene Atmosphäre. IN « Freiheit An Barrikaden» Delacroix weicht von diesem Prinzip ab. Sehr präzise, ​​sorgfältig ausgewählte Farben und mit breiten Strichen aufgetragen, vermittelt der Künstler die Atmosphäre der Schlacht.

Aber die Farbgebung ist zurückhaltend. Delacroix legt den Schwerpunkt auf die Reliefmodellierung der Form. Dies war durch die figurative Lösung des Bildes erforderlich. Denn mit der Darstellung eines konkreten gestrigen Ereignisses hat der Künstler diesem Ereignis zugleich ein Denkmal gesetzt. Daher sind die Figuren fast skulptural. Daher stellt jedes Zeichen als Teil eines einzigen Ganzen des Bildes auch etwas in sich Geschlossenes dar, ist ein in eine abgeschlossene Form gegossenes Symbol. Daher hat Farbe nicht nur eine emotionale Wirkung auf die Gefühle des Betrachters, sondern hat auch eine symbolische Bedeutung. Im braungrauen Raum blitzt hier und da ein feierlicher Dreiklang aus Rot, Blau, Weiß auf – den Farben des Banners der Französischen Revolution von 1789. Die wiederholte Wiederholung dieser Farben erhält den kraftvollen Akkord der über den Barrikaden wehenden Trikolore aufrecht.

Delacroix-Gemälde « Freiheit An Barrikaden» - ein komplexes, grandioses Werk im Umfang. Hier vereinen sich die Verlässlichkeit der direkt gesehenen Tatsache und die Symbolik der Bilder; Realismus, der brutale Naturalismus und ideale Schönheit erreicht; rau, schrecklich und erhaben, rein.

Malerei “ Freiheit An Barrikaden” festigte den Sieg der Romantik in der französischen Malerei. In den 1930er Jahren entstanden zwei weitere historische Gemälde: “ Schlacht bei Poitiers” Und “ Mord Bischof Lüttich”.

1822 besuchte der Künstler Nordafrika, Marokko und Algerien. Die Reise hinterließ bei ihm einen unauslöschlichen Eindruck. In den 50er Jahren erschienen in seinem Werk Gemälde, die von Erinnerungen an diese Reise inspiriert waren: ” Jagd An Lemberg”, “ marokkanisch, Satteln Pferd” usw. Helle Kontrastfarben verleihen diesen Gemälden einen romantischen Klang. In ihnen kommt die Breitstrichtechnik zum Vorschein.

Delacroix hielt als Romantiker den Zustand seiner Seele nicht nur durch die Sprache malerischer Bilder fest, sondern formalisierte seine Gedanken auch literarisch. Er beschrieb gut den Schaffensprozess eines romantischen Künstlers, seine Farbexperimente und Überlegungen zum Verhältnis von Musik und anderen Kunstformen. Seine Tagebücher wurden zur Lieblingslektüre für Künstler nachfolgender Generationen.

Die französische romantische Schule nahm bedeutende Veränderungen im Bereich der Skulptur (Rud und sein Relief „Marseillaise“) und der Landschaftsmalerei (Camille Corot mit seinen luftigen Bildern der Natur Frankreichs) vor.

Dank der Romantik nimmt die subjektive Vision des Künstlers die Form eines Gesetzes an. Der Impressionismus wird die Barriere zwischen Künstler und Natur völlig zerstören und die Kunst zum Eindruck erklären. Romantiker sprechen von der Vorstellungskraft des Künstlers, „der Stimme seiner Gefühle“, die es ihm ermöglicht, das Werk dann zu stoppen, wenn der Meister es für notwendig hält, und nicht, wie es akademische Maßstäbe der Vollständigkeit erfordern.

Wenn sich Gericaults Fantasien auf die Vermittlung von Bewegung konzentrierten, Delacroix auf die magische Kraft der Farbe und die Deutschen noch einen gewissen „Geist der Malerei“ hinzufügten, dann waren es die spanischen Romantiker Francisco Goya(1746-1828) zeigte die folkloristischen Ursprünge des Stils, seinen phantasmagorischen und grotesken Charakter. Goya selbst und sein Werk scheinen weit von einem stilistischen Rahmen entfernt zu sein, zumal der Künstler sehr oft den Gesetzen des Ausführungsmaterials (wenn er beispielsweise Gemälde für gewebte Spalierteppiche schuf) oder den Anforderungen des Auftraggebers folgen musste.

Seine Phantasmagorien wurden in Radierungsserien veröffentlicht “ Caprichos” (1797-1799), “ Katastrophen Kriege” (1810-1820), “ Disparanten (“ Torheiten”) (1815-1820), Gemälde des „Hauses der Gehörlosen“ und der Kirche San Antonio de la Florida in Madrid (1798). Eine schwere Krankheit im Jahr 1792 führte zur völligen Taubheit des Künstlers. Nachdem er ein physisches und spirituelles Trauma erlitten hat, wird die Kunst des Meisters fokussierter, nachdenklicher und innerlich dynamischer. Die aufgrund der Taubheit verschlossene Außenwelt aktivierte Goyas inneres spirituelles Leben.

In Radierungen “ Caprichos” Goya erreicht eine außergewöhnliche Kraft darin, sofortige Reaktionen und schnelle Gefühle zu vermitteln. Die Schwarz-Weiß-Ausführung erhält dank der kräftigen Kombination großer Flecken und dem Fehlen der für Grafiken charakteristischen Linearität alle Eigenschaften eines Gemäldes.

Goya schafft die Wandgemälde der Kirche St. Antonius in Madrid, so scheint es, in einem Atemzug. Das Temperament des Pinselstrichs, die Lakonizität der Komposition, die Ausdruckskraft der Charaktereigenschaften, deren Typ Goya direkt aus der Masse übernommen hat, sind verblüffend. Der Künstler stellt das Wunder von Antonius von Florida dar, der den Ermordeten zur Auferstehung und zum Sprechen zwang, der den Namen des Mörders nannte und so einen unschuldigen Verurteilten vor der Hinrichtung rettete. Die Dynamik der lebhaft reagierenden Menschenmenge wird sowohl in der Gestik als auch in der Mimik der dargestellten Personen deutlich. Im kompositorischen Schema der Verteilung der Gemälde im Raum der Kirche folgt der Maler Tiepolo, aber die Reaktion, die er beim Betrachter hervorruft, ist nicht barock, sondern rein romantisch, berührt die Gefühle jedes Betrachters und fordert ihn dazu auf, sich sich selbst zuzuwenden.

Dieses Ziel wird vor allem im Gemälde „Conto del Sordo“ („Haus der Gehörlosen“) erreicht, in dem Goya seit 1819 lebte. Die Wände der Räume sind mit fünfzehn Kompositionen phantastischer und allegorischer Natur bedeckt. Sie wahrzunehmen erfordert tiefes Einfühlungsvermögen. Die Bilder erscheinen als bestimmte Visionen von Städten, Frauen, Männern usw. Die blinkende Farbe zieht zuerst eine Figur, dann eine andere hervor. Das Gemälde insgesamt ist dunkel, es wird von weißen, gelben, rosaroten Flecken dominiert, die die Sinne durch Blitze stören. Die Radierungen der Serie können als grafische Parallele zu „Das Haus der Gehörlosen“ betrachtet werden. “ Disparanten” .

Goya verbrachte die letzten 4 Jahre in Frankreich. Es ist unwahrscheinlich, dass er wusste, dass Delacroix sich nie von seinen „Caprichos“ getrennt hat. Und er konnte nicht ahnen, wie Hugo und Baudelaire von diesen Radierungen mitgerissen werden würden, welchen großen Einfluss seine Malerei auf Manet haben würde und wie in den 80er Jahren des 19. Jahrhunderts. V. Stasov wird russische Künstler einladen, seine „Kriegskatastrophen“ zu studieren.

Vor diesem Hintergrund wissen wir jedoch, welchen enormen Einfluss diese „stillose“ Kunst eines kühnen Realisten und inspirierten Romantikers auf die Kunstkultur des 19. und 20. Jahrhunderts hatte.

Der englische Romantiker verwirklicht in seinen Werken auch die fantastische Welt der Träume. Wilhelm Blake(1757-1827). England war das klassische Land der romantischen Literatur. Byron und Shelley wurden zum Banner dieser Bewegung weit über die Grenzen von Foggy Albion hinaus. In Frankreich wurden die Romantiker in der Zeitschriftenkritik während der „romantischen Schlachten“ als „Shakespeareaner“ bezeichnet. Das Hauptmerkmal der englischen Malerei war schon immer das Interesse an der menschlichen Persönlichkeit, was eine fruchtbare Entwicklung des Porträtgenres ermöglichte. Romantik in der Malerei ist sehr eng mit Sentimentalismus verbunden. Das Interesse der Romantiker am Mittelalter führte zur Entstehung großer historischer Literatur, deren anerkannter Meister W. Scott ist. In der Malerei bestimmte das Thema des Mittelalters das Erscheinungsbild der sogenannten Präraffaeliten.

William Blake ist ein erstaunlicher Typ Romantiker in der englischen Kulturszene. Er schreibt Gedichte, illustriert eigene und fremde Bücher. Sein Talent strebte danach, die Welt in ganzheitlicher Einheit zu umarmen und auszudrücken. Zu seinen bekanntesten Werken zählen Illustrationen zum biblischen „Buch Hiob“, Dantes „Göttliche Komödie“ und Miltons „Verlorenes Paradies“. Er bevölkert seine Kompositionen mit gigantischen Heldenfiguren, die ihrer Umgebung einer unwirklichen, aufgeklärten oder phantasmagorischen Welt entsprechen. Ein Gefühl von rebellischem Stolz oder einer aufwendig aus Dissonanzen erzeugten Harmonie überwältigt seine Illustrationen.

Blakes Romantik versucht, ihre künstlerische Formel und Existenzform der Welt zu finden.

William Blake, der sein Leben in extremer Armut und Dunkelheit verbrachte, zählte nach seinem Tod zu den Klassikern der englischen Kunst.

In den Werken englischer Landschaftsmaler des frühen 19. Jahrhunderts. Romantische Hobbys werden mit einer objektiveren und nüchterneren Sicht auf die Natur kombiniert.

Schafft romantisch erhabene Landschaften Wilhelm Turner(1775-1851). Er liebte es, Gewitter, Schauer, Stürme auf See und helle, feurige Sonnenuntergänge darzustellen. Turner übertrieb oft die Wirkung der Beleuchtung und verstärkte den Klang der Farben, selbst wenn er den ruhigen Zustand der Natur malte. Um eine größere Wirkung zu erzielen, verwendete er Aquarelltechniken und trug Ölfarbe in einer sehr dünnen Schicht auf und malte sie direkt auf den Untergrund, wodurch Regenbogentöne erzielt wurden. Ein Beispiel wäre das Bild “ Regen, Dampf Und Geschwindigkeit” (1844). Doch selbst der berühmte Kritiker der damaligen Zeit, Thackeray, konnte das Bild, das vielleicht sowohl im Konzept als auch in der Ausführung innovativ war, nicht richtig verstehen. „Regen lässt sich an schmutzigen Kittflecken erkennen“, schrieb er, „die mit einem Spachtel auf die Leinwand geschmiert wurden; das Sonnenlicht scheint mit einem schwachen Flackern unter sehr dicken Klumpen schmutzigen gelben Chroms hervor.“ Die Schatten werden durch kalte Scharlachtöne und Zinnoberflecken in gedämpften Tönen vermittelt. Und obwohl das Feuer im Feuerraum einer Lokomotive rot erscheint, kann ich nicht sagen, dass es nicht in Kobalt- oder Erbsenfarbe gestrichen ist.“ Ein anderer Kritiker fand, dass Turners Farbe die Farbe von „Rührei und Spinat“ habe. Die Farben des verstorbenen Turner schienen seinen Zeitgenossen im Allgemeinen völlig undenkbar und fantastisch. Es dauerte mehr als ein Jahrhundert, bis man in ihnen den Kern echter Beobachtungen erkennen konnte. Aber wie in anderen Fällen war es auch hier der Fall. Von einem Augenzeugen bzw. einem Zeugen der Geburt ist eine interessante Geschichte überliefert

Englische Kunst der Mitte des 19. Jahrhunderts. entwickelte sich in eine völlig andere Richtung als Turners Gemälde. Obwohl seine Fähigkeiten allgemein anerkannt waren, folgte ihm keiner der jungen Leute.

II. Romantik in der russischen Malerei

Die Romantik in Russland unterschied sich von Westeuropa aufgrund einer anderen historischen Situation und einer anderen kulturellen Tradition. Die Französische Revolution kann nicht zu den Ursachen ihres Auftretens gezählt werden; ein sehr enger Kreis von Menschen setzte irgendwelche Hoffnungen auf Veränderungen in ihrem Verlauf. Und die Ergebnisse der Revolution waren völlig enttäuschend. Die Frage des Kapitalismus in Russland zu Beginn des 19. Jahrhunderts. stand nicht. Deshalb gab es auch hierfür keinen Grund. Der wahre Grund war der Vaterländische Krieg von 1812, in dem die volle Kraft der Volksinitiative demonstriert wurde. Doch nach dem Krieg erhielt das Volk keine Freiheit. Der beste Adel, der mit der Realität nicht zufrieden war, kam im Dezember 1825 auf den Senatsplatz. Auch dieser Akt ging für die kreative Intelligenz nicht spurlos vorüber. Die turbulenten Nachkriegsjahre wurden zum Schauplatz der Entstehung der russischen Romantik.

In ihren Gemälden brachten russische Maler der Romantik den Geist der Freiheit und des aktiven Handelns zum Ausdruck und forderten leidenschaftlich und temperamentvoll die Manifestation des Humanismus. Die alltäglichen Gemälde russischer Maler zeichnen sich durch Relevanz, Psychologie und beispiellosen Ausdruck aus. Vergeistigte, melancholische Landschaften sind wiederum der gleiche Versuch der Romantiker, in die Menschenwelt einzudringen, zu zeigen, wie der Mensch in der sublunären Welt lebt und träumt. Die russische romantische Malerei unterschied sich von der ausländischen Malerei. Dies wurde sowohl durch die historische Situation als auch durch die Tradition bestimmt.

Merkmale der russischen romantischen Malerei:

Ÿ Die Ideologie der Aufklärung wurde schwächer, brach aber nicht zusammen, wie in Europa. Daher kam die Romantik nicht klar zum Ausdruck;

Ÿ Die Romantik entwickelte sich parallel zum Klassizismus und war oft mit diesem verflochten.

Ÿ Die akademische Malerei in Russland hat sich noch nicht erschöpft.

Ÿ Die Romantik war in Russland kein stabiles Phänomen; Romantiker fühlten sich zum Akademismus hingezogen. Bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts. Die romantische Tradition ist fast ausgestorben.

Bereits in den 1790er Jahren tauchten in Russland Werke mit Bezug zur Romantik auf (Werke von Theodosius Janenko). " Reisende, erwischt Sturm" (1796), " Selbstporträt V Helm" (1792). Der Prototyp ist in ihnen offensichtlich - Salvator Rosa, sehr beliebt an der Wende vom 18. zum 19. Jahrhundert. Später wird der Einfluss dieses protoromantischen Künstlers im Werk von Alexander Orlovsky spürbar sein. Räuber, Szenen am Feuer, Schlachten begleiteten seinen gesamten Schaffensweg. Wie in anderen Ländern brachten Künstler der russischen Romantik eine völlig neue emotionale Stimmung in die klassischen Genres Porträt, Landschaft und Genreszenen.

In Russland begann die Romantik erstmals in der Porträtmalerei aufzutauchen. Im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts verlor es weitgehend den Kontakt zum Adelsstand. Porträts von Dichtern, Künstlern, Kunstmäzenen und Bildern einfacher Bauern begannen einen bedeutenden Platz einzunehmen. Besonders ausgeprägt war diese Tendenz in den Werken von O.A. Kiprensky (1782 – 1836) und V.A. Tropinin (1776 - 1857).

Basilikum Andrejewitsch Tropinin strebte eine lebendige, entspannte Charakterisierung einer Person an, die durch sein Porträt zum Ausdruck kam. « Porträt Sohn» (1818), « Porträt A. MIT. Puschkin» (1827), « Selbstporträt» (1846) verblüffen nicht durch ihre Porträtähnlichkeit mit den Originalen, sondern durch ihr ungewöhnlich subtiles Eindringen in die Innenwelt eines Menschen.

Die Schöpfungsgeschichte ist äußerst interessant “ Porträts Puschkin”. Zur ersten Bekanntschaft mit Puschkin kam Tropinin wie üblich zu Sobolevskys Haus, wo der Dichter damals lebte. Der Künstler fand ihn in seinem Büro, wie er mit den Welpen herumfummelte. Damals wurde offenbar eine kleine Skizze geschrieben, die auf dem ersten Eindruck basiert, den Tropinin so sehr schätzte. Er blieb lange Zeit außer Sichtweite seiner Verfolger. Nur fast hundert Jahre später, 1914, wurde es von P.M. veröffentlicht. Shchekotov, der schrieb, dass er von allen Porträts Alexander Sergejewitschs „seine Gesichtszüge am besten zum Ausdruck bringt ... Die blauen Augen des Dichters sind hier von einem besonderen Glanz erfüllt, der Kopf dreht sich schnell und die Gesichtszüge sind ausdrucksstark und beweglich.“ Zweifellos sind hier die authentischen Gesichtszüge von Puschkin eingefangen, die uns separat in dem einen oder anderen der uns überlieferten Porträts begegnen. „Man bleibt ratlos“, fügt Shchekotov hinzu, „warum dieser bezaubernden Skizze bei Verlegern und Kennern des Dichters nicht die gebührende Aufmerksamkeit geschenkt wurde.“ Dies erklärt sich durch die Qualitäten der kleinen Skizze selbst: Es gab keine Brillanz der Farben, keine Schönheit der Pinselführung, keine kunstvoll geschriebenen „Umstände“ darin. Und Puschkin ist hier kein Volks-„Vitia“, kein „Genie“, sondern vor allem ein Mensch. Und es lässt sich kaum analysieren, warum in den monochromatischen graugrünen Olivtönen, in den hastigen, scheinbar zufälligen Pinselstrichen einer fast unscheinbar wirkenden Skizze ein so großer menschlicher Inhalt steckt.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts war Twer ein bedeutendes kulturelles Zentrum Russlands. Hier ist der Junge Orest Kiprenski traf A.S. Puschkin, dessen später gemaltes Porträt zur Perle der weltweiten Porträtkunst wurde. " Porträt Puschkin» Die Pinsel von O. Kiprensky sind eine lebendige Verkörperung des poetischen Genies. In der entschiedenen Drehung des Kopfes, in den energisch vor der Brust verschränkten Armen, in der gesamten Erscheinung des Dichters spiegelt sich ein Gefühl von Unabhängigkeit und Freiheit wider. Über ihn sagte Puschkin: „Ich sehe mich wie in einem Spiegel, aber dieser Spiegel schmeichelt mir.“ In der Arbeit über das Porträt von Puschkin treffen sich Tropinin und Kiprensky zum letzten Mal, allerdings findet dieses Treffen nicht persönlich statt, sondern viele Jahre später in der Kunstgeschichte, wo in der Regel zwei Porträts des größten Russen entstehen Dichter, die gleichzeitig, aber an verschiedenen Orten entstanden sind, werden verglichen – einer in Moskau, der andere – in St. Petersburg. Dies ist nun ein Treffen von Meistern, die in ihrer Bedeutung für die russische Kunst gleichermaßen groß sind. Obwohl Kiprenskys Bewunderer behaupten, dass die künstlerischen Vorteile auf der Seite seines romantischen Porträts liegen, in dem der Dichter in seine eigenen Gedanken versunken und allein mit der Muse dargestellt wird, liegen die Nationalität und Demokratie des Bildes sicherlich auf der Seite von Tropinskys „Puschkin“. .

So spiegelten zwei Porträts zwei Richtungen der russischen Kunst wider, konzentriert in zwei Hauptstädten. Und Kritiker werden später schreiben, dass Tropinin für Moskau das war, was Kiprensky für St. Petersburg war.

Eine Besonderheit von Kiprenskys Porträts ist, dass sie den spirituellen Charme und den inneren Adel eines Menschen zeigen. Das Porträt eines mutigen und gefühlvollen Helden sollte das Pathos der freiheitsliebenden und patriotischen Gefühle des fortschrittlichen russischen Volkes verkörpern.

In der Haustür “ Porträt E. IN. Davydova” (1809) zeigt die Figur eines Offiziers, der den für die Romantik jener Jahre so typischen Kult einer starken und mutigen Persönlichkeit unmittelbar zum Ausdruck brachte. Die fragmentarisch dargestellte Landschaft, in der ein Lichtstrahl gegen die Dunkelheit kämpft, deutet die spirituellen Ängste des Helden an, doch in seinem Gesicht spiegelt sich verträumte Sensibilität wider. Kiprensky suchte nach dem „Menschen“ im Menschen, und das Ideal verbarg ihm nicht die persönlichen Charaktereigenschaften des Modells.

Kiprenskys Porträts zeigen, wenn man sie mit dem geistigen Auge betrachtet, den geistigen und natürlichen Reichtum eines Menschen, seine intellektuelle Stärke. Ja, er hatte das Ideal einer harmonischen Persönlichkeit, von dem auch seine Zeitgenossen sprachen, aber Kiprensky versuchte nicht, dieses Ideal buchstäblich auf ein künstlerisches Bild zu projizieren. Bei der Schaffung eines künstlerischen Bildes folgte er der Natur, als wollte er messen, wie weit oder nahe sie einem solchen Ideal kam. Im Grunde stehen viele der von ihm Dargestellten an der Schwelle zum Ideal und streben danach, doch das Ideal selbst ist nach den Vorstellungen der romantischen Ästhetik kaum erreichbar, und alle romantische Kunst ist nur der Weg dorthin.

Kiprensky scheint die Widersprüche in den Seelen seiner Helden zu bemerken und sie in ängstlichen Momenten des Lebens zu zeigen, wenn sich das Schicksal ändert, alte Ideen gebrochen werden, die Jugend verblasst usw., und er scheint sie gemeinsam mit seinen Modellen zu erleben. Daher die besondere Einbindung des Porträtisten in die Interpretation künstlerischer Bilder, die dem Porträt eine „seelenvolle“ Note verleiht.

In der Frühphase von Kiprenskys Werk werden Sie keine Menschen sehen, die von Skepsis und seelenzerstörender Analyse infiziert sind. Dies wird später kommen, wenn die romantische Zeit ihren Herbst erlebt und anderen Stimmungen und Gefühlen Platz macht, wenn die Hoffnung auf den Triumph des Ideals einer harmonischen Persönlichkeit zusammenbricht. In allen Porträts des 18. Jahrhunderts und den in Twer ausgeführten Porträts ist Kiprenskys kühner Pinsel sichtbar, der die Formen leicht und frei konstruiert. Die Komplexität der technischen Techniken und die Art der Figur veränderten sich von Werk zu Werk.

Bemerkenswert ist, dass man in den Gesichtern seiner Helden keine heroische Hochstimmung erkennen kann, im Gegenteil, die meisten Gesichter sind eher traurig, sie geben sich dem Nachdenken hin. Es scheint, dass diese Menschen sich Sorgen um das Schicksal Russlands machen, sie denken mehr an die Zukunft als an die Gegenwart. Auch in den Frauenbildern, die die Ehefrauen und Schwestern von Teilnehmern bedeutender Ereignisse darstellen, strebte Kiprensky nicht nach bewusster heroischer Hochstimmung. Es herrscht ein Gefühl von Leichtigkeit und Natürlichkeit. Gleichzeitig steckt in allen Porträts so viel wahrer Seelenadel. Frauenbilder bestechen durch ihre bescheidene Würde und Integrität der Natur; In den Gesichtern der Männer kann man einen neugierigen Gedanken erkennen, eine Bereitschaft zur Askese. Diese Bilder deckten sich mit den reifenden ethischen und ästhetischen Vorstellungen der Dekabristen. Ihre Gedanken und Wünsche wurden damals von vielen geteilt, der Künstler wusste auch davon, und deshalb können wir sagen, dass seine Porträts von Teilnehmern an den Ereignissen von 1812-1814, Bilder von Bauern, die in denselben Jahren entstanden sind, eine Art künstlerisches Werk sind parallel zu den aufkommenden Konzepten des Dekabrismus.

Ausländer nannten Kiprensky den Russen Van Dyck; seine Porträts befinden sich in vielen Museen auf der ganzen Welt. Kiprensky, der Nachfolger der Werke von Levitsky und Borovikovsky, der Vorgänger von L. Ivanov und K. Bryullov, verschaffte der russischen Kunstschule mit seinem Werk europäischen Ruhm. Mit den Worten von Alexander Iwanow: „Er war der Erste, der den russischen Namen nach Europa brachte ...“.

Das für die Romantik charakteristische gesteigerte Interesse an der Persönlichkeit eines Menschen bestimmte den Aufschwung des Porträtgenres in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, in dem das Selbstporträt dominant wurde. Die Entstehung eines Selbstporträts war in der Regel kein Zufall. Künstler schrieben und zeichneten immer wieder selbst, und diese Werke wurden zu einer Art Tagebuch, das verschiedene Geisteszustände und Lebensabschnitte widerspiegelte, und waren gleichzeitig ein an ihre Zeitgenossen gerichtetes Manifest. Das Selbstporträt war kein Auftragsgenre; der Künstler malte für sich selbst und hatte hier wie nie zuvor die Freiheit, sich auszudrücken. Im 18. Jahrhundert malten russische Künstler selten Originalbilder; lediglich die Romantik mit ihrem Kult des Individuellen und Außergewöhnlichen trug zum Aufstieg dieses Genres bei. Die Vielfalt der Selbstporträttypen spiegelt das Selbstverständnis der Künstler als reiche und facettenreiche Persönlichkeit wider. Sie erscheinen dann in der gewohnten und natürlichen Rolle des Schöpfers ( " Selbstporträt V Samt nehmen" A.G. Varnek, 1810er Jahre), dann stürzen sie sich in die Vergangenheit, als würden sie es an sich selbst versuchen ( " Selbstporträt V Helm Und Latach" F. I. Yanenko, 1792) oder, am häufigsten, sie erscheinen ohne jegliche berufliche Attribute und bekräftigen die Bedeutung und den Wert jedes Menschen, befreit und weltoffen, wie F. A. Bruni und O. A. Orlovsky in Selbstporträts der 1810er Jahre. Die für die figurativen Lösungen der Werke der 1810-1820er Jahre charakteristische Dialogbereitschaft und Offenheit werden nach und nach durch Müdigkeit und Enttäuschung, Versunkenheit und Rückzug ersetzt ( " Selbstporträt" M. I. Terebeneva). Dieser Trend spiegelte sich in der Entwicklung des Porträtgenres insgesamt wider.

Es ist erwähnenswert, dass Kiprenskys Selbstporträts in kritischen Momenten seines Lebens entstanden sind; sie zeugten vom Aufstieg oder Rückgang der mentalen Stärke. Der Künstler betrachtete sich selbst durch seine Kunst. Gleichzeitig benutzte er keinen Spiegel, wie die meisten Maler; er malte hauptsächlich sich selbst nach seiner Vorstellung; er wollte seinen Geist ausdrücken, nicht aber sein Aussehen.

“Selbstporträt Mit mit Bürsten hinter Ohr” aufgebaut auf einer und eindeutig demonstrativen Verweigerung der äußerlichen Verherrlichung des Bildes, seiner klassischen Normativität und idealen Konstruktion. Gesichtszüge werden grob umrissen. Einzelne Lichtreflexe fallen auf die Figur des Künstlers und löschen die kaum sichtbare Drapierung aus, die den Hintergrund des Porträts darstellt. Hier ist alles dem Ausdruck des Lebens, der Gefühle, der Stimmung untergeordnet. Dies ist ein Blick auf romantische Kunst anhand der Kunst der Selbstporträtierung.

Fast gleichzeitig mit diesem Selbstporträt malte er auch “ Selbstporträt V Rosa Shane Schal” , wo ein anderes Bild verkörpert ist. Ohne direkten Hinweis auf den Beruf eines Malers. Das Bild eines jungen Mannes wurde nachgebildet, der sich natürlich und frei fühlt. Die Malfläche der Leinwand ist fein strukturiert. Der Pinsel des Künstlers trägt souverän Farbe auf und hinterlässt große und kleine Striche. Das Farbschema ist perfekt ausgearbeitet, die Farben sind sanft und harmonisch miteinander kombiniert, die Beleuchtung ist ruhig: Das Licht fällt sanft auf das Gesicht des jungen Mannes und betont seine Gesichtszüge, ohne unnötigen Ausdruck oder Verformung.

Ein weiterer herausragender Porträtmaler war UM. A. Orlowski. Ein solch emotionsreiches Porträtblatt stammt aus dem Jahr 1809 “ Selbstporträt” . Gefüllt mit einem satten, freien Hauch von Rötel und Holzkohle (mit Kreide-Highlighting), “ Selbstporträt” Orlovsky wird von seiner künstlerischen Integrität, seinem unverwechselbaren Image und seiner künstlerischen Ausführung angezogen. Gleichzeitig ermöglicht es, einige einzigartige Aspekte von Orlovskys Kunst zu erkennen. “ Selbstporträt” Orlovsky hat natürlich nicht das Ziel, das typische Erscheinungsbild des Künstlers jener Jahre genau wiederzugeben. Vor uns liegt ein weitgehend bewusst überzeichnetes Bild eines „Künstlers“, der sein eigenes „Ich“ der umgebenden Realität gegenüberstellt. Ihm geht es nicht um den „Anstand“ seines Aussehens: Sein üppiges Haar wurde weder von einem Kamm noch von einer Bürste berührt, auf seiner Schulter hängt der Rand eines karierten Regenmantels direkt über seinem Heimtrikot mit offenem Kragen. Eine scharfe Drehung des Kopfes mit einem „düsteren“ Blick unter den zusammengezogenen Augenbrauen, ein enger Ausschnitt des Porträts, in dem das Gesicht in Nahaufnahme dargestellt ist, Lichtkontraste – all dies zielt darauf ab, den Haupteffekt des Kontrasts zu erzielen dargestellte Person mit der Umgebung (und damit dem Betrachter).

Das Pathos der Bekräftigung der Individualität – eines der fortschrittlichsten Merkmale der damaligen Kunst – bildet den ideologischen und emotionalen Hauptton des Porträts, erscheint jedoch in einer einzigartigen Form, die in der russischen Kunst dieser Zeit fast nie zu finden war. Die Bestätigung der Persönlichkeit erfolgt nicht so sehr durch die Offenlegung des Reichtums ihrer inneren Welt, sondern durch die Ablehnung von allem, was sie umgibt. Gleichzeitig wirkt das Bild zweifellos dürftig und begrenzt.

Solche Lösungen sind in der damaligen russischen Porträtkunst schwer zu finden, wo bereits in der Mitte des 18. Jahrhunderts bürgerliche und humanistische Motive lautstark zum Ausdruck kamen und die Persönlichkeit eines Menschen nie die starke Bindung an die Umwelt abbrach. Die Menschen im damaligen Russland träumten von einem besseren, sozialdemokratischen System, waren jedoch keineswegs von der Realität losgelöst und lehnten bewusst den individualistischen Kult der „persönlichen Freiheit“ ab, der in Westeuropa blühte und durch die bürgerliche Revolution gelockert wurde. Dies zeigte sich deutlich in der russischen Porträtkunst. Man muss nur vergleichen “ Selbstporträt” Orlowski mit “ Selbstporträt” Kiprensky, so dass der gravierende innere Unterschied zwischen den beiden Porträtmalern sofort ins Auge stechen würde.

Auch Kiprensky „heroisiert“ die Persönlichkeit eines Menschen, zeigt aber deren wahre innere Werte. Im Gesicht des Künstlers erkennt der Betrachter die Merkmale eines starken Geistes, Charakters und moralischer Reinheit.

Kiprenskys gesamtes Erscheinungsbild ist von erstaunlichem Adel und Menschlichkeit umgeben. Er ist in der Lage, in der Welt um ihn herum zwischen „Gut“ und „Böse“ zu unterscheiden und, indem er das Zweite ablehnt, das Erste zu lieben und zu schätzen, Gleichgesinnte zu lieben und zu schätzen. Gleichzeitig steht uns zweifellos eine starke Persönlichkeit gegenüber, die stolz auf das Bewusstsein für den Wert ihrer persönlichen Qualitäten ist. Genau das gleiche Konzept eines Porträtbildes liegt dem berühmten Heldenporträt von D. Davydov von Kiprensky zugrunde.

Im Vergleich zu Kiprensky löst Orlovsky das Bild einer „starken Persönlichkeit“ begrenzter, geradliniger und äußerlicher auf und konzentriert sich dabei klar auf die Kunst des bürgerlichen Frankreichs. Wenn du ihn ansiehst “ Selbstporträt” , fallen mir unwillkürlich die Porträts von A. Gros und Gericault ein. Das Profil lässt auch eine innere Affinität zur französischen Porträtkunst erkennen. “ Selbstporträt” Orlovsky im Jahr 1810 mit seinem Kult der individualistischen „inneren Stärke“ jedoch bereits ohne eine scharfe „Skizzen“-Form “ Selbstporträt” 1809 oder “ Porträts Duport”. In letzterem verwendet Orlovsky, ebenso wie im „Selbstporträt“, eine spektakuläre, „heroische“ Pose mit einer scharfen, fast kreuzenden Bewegung von Kopf und Schultern. Er betont die unregelmäßige Struktur von Duports Gesicht und seinem zerzausten Haar, mit dem Ziel, ein Porträtbild zu schaffen, das in seiner einzigartigen, zufälligen Charakteristik autark ist.

„Die Landschaft muss ein Porträt sein“, schrieb K. N. Batyushkov. Die meisten Künstler, die sich dem Landschaftsgenre zuwandten, hielten in ihren Arbeiten an dieser Haltung fest. Zu den offensichtlichen Ausnahmen, die sich für die fantastische Landschaft interessierten, gehörte A. O. Orlovsky ( " Nautisch Sicht" , 1809); A. G. Varnek ( " Sicht V Umfeld Rom" , 1809); P. V. Becken (" Himmel bei Sonnenuntergang V Umfeld Rom" , " Abend Landschaft" , beide 1820er Jahre). Bei der Schaffung spezifischer Typen bewahrten sie die Spontaneität der Empfindung und den emotionalen Reichtum und erzielten mit kompositorischen Techniken einen monumentalen Klang.

Der junge Orlovsky sah in der Natur nur gigantische Kräfte, die nicht dem Willen des Menschen unterworfen waren und in der Lage waren, Katastrophen und Katastrophen zu verursachen. Der Kampf des Menschen gegen die tobenden Elemente des Meeres ist eines der Lieblingsthemen des Künstlers in seiner „rebellischen“ Romantik. Es wurde zum Inhalt seiner Zeichnungen, Aquarelle und Ölgemälde von 1809 – 1810. Die tragische Szene ist im Bild dargestellt “ Schiffswrack” (1809(?)). In der tiefsten Dunkelheit, die auf den Boden gefallen ist, klettern ertrinkende Fischer inmitten tosender Wellen verzweifelt auf die Küstenfelsen, auf denen ihr Schiff abgestürzt ist. Die Farbe in kräftigen Rottönen verstärkt das Angstgefühl. Die Anstürme mächtiger Wellen, die einen Sturm ankündigen, sind bedrohlich, und auf einem anderen Bild – “ An Ufer Meere” (1809). Auch der stürmische Himmel, der den größten Teil der Komposition einnimmt, spielt darin eine große emotionale Rolle. Obwohl Orlovsky die Kunst der Luftperspektive nicht beherrschte, wird der allmähliche Übergang der Pläne hier harmonisch und sanft gelöst. Die Farbe wurde heller. Die roten Flecken auf der Kleidung der Fischer heben sich wunderbar vom rotbraunen Hintergrund ab. Unruhige und beunruhigende Meereselemente in Aquarell “ Segeln Boot” (um 1812). Und selbst wenn der Wind nicht mit dem Segel flattert und die Wasseroberfläche kräuselt, wie beim Aquarell “ Nautisch Landschaft Mit Schiffe” (um 1810) ahnt der Betrachter, dass der Windstille ein Sturm folgen wird.

Die Landschaften hatten einen anderen Charakter MIT. F. Schtschedrin. Sie sind erfüllt von der Harmonie des Zusammenlebens von Mensch und Natur (" Terrasse An Ufer Meere. Cappuccini nahe Sorrent" , 1827). Zahlreiche von ihm gemalte Ansichten von Neapel erfreuten sich außerordentlichen Erfolgs.

In brillanten Bildern UND. ZU. Aivazovsky die romantischen Ideale des Rausches vom Kampf und der Kraft der Naturkräfte, die Widerstandskraft des menschlichen Geistes und die Fähigkeit, bis zum Ende zu kämpfen, wurden anschaulich verkörpert. Einen großen Platz im Erbe des Meisters nehmen jedoch nächtliche Seestücke ein, die bestimmten Orten gewidmet sind, an denen der Sturm dem Zauber der Nacht Platz macht, einer Zeit, die nach Ansicht der Romantiker von einem geheimnisvollen Innenleben erfüllt ist wo die Bildsuche des Künstlers darauf abzielt, außergewöhnliche Lichteffekte zu erzielen ( " Sicht Odessa V Mond- Nacht" , " Sicht Konstantinopel bei Mond- Beleuchtung" , beide - 1846).

Das Thema der natürlichen Elemente und des überraschten Menschen, ein beliebtes Thema der romantischen Kunst, wurde von Künstlern des 18. Jahrhunderts bis in die 1850er Jahre unterschiedlich interpretiert. Die Werke basierten auf realen Ereignissen, die Bedeutung der Bilder bestand jedoch nicht in einer objektiven Nacherzählung derselben. Ein typisches Beispiel ist das Gemälde von Peter Basin " Erdbeben V Rocca di Papa nahe Rom" (1830). Es widmet sich weniger der Beschreibung eines bestimmten Ereignisses als vielmehr der Darstellung der Angst und des Entsetzens einer Person angesichts der Manifestation der Elemente.

Die Romantik in Russland als Weltanschauung existierte in ihrer ersten Welle vom Ende des 18. Jahrhunderts bis in die 1850er Jahre. Die Linie der Romantik in der russischen Kunst endete nicht in den 1850er Jahren. Das von den Romantikern für die Kunst entdeckte Thema des Seinszustandes wurde später von den Künstlern der Blauen Rose weiterentwickelt. Die direkten Erben der Romantiker waren zweifellos die Symbolisten. Romantische Themen, Motive und Ausdruckstechniken haben Einzug in die Kunst unterschiedlicher Stilrichtungen, Trends und kreativer Assoziationen gehalten. Die romantische Weltanschauung oder Weltanschauung erwies sich als eine der lebendigsten, hartnäckigsten und fruchtbarsten.

Romantik als Bewegung in der Literatur

Romantik ist in erster Linie eine besondere Weltanschauung, die auf der Überzeugung von der Überlegenheit des „Geistes“ über die „Materie“ basiert. Das schöpferische Prinzip, so die Romantiker, besitze alles wahrhaft Geistige, das sie mit dem wahrhaft Menschlichen identifizierten. Und im Gegenteil, alles Materielle, das in den Vordergrund rückt, verunstaltet die wahre Natur des Menschen, lässt sein Wesen nicht zur Erscheinung kommen, spaltet unter den Bedingungen der bürgerlichen Realität die Menschen, wird zur Quelle der Feindschaft zwischen ihnen und führt zu tragischen Situationen. Positiver Held In der Romantik erhebt er sich in der Regel in seinem Bewusstsein über die Welt des Eigennutzes, die ihn umgibt, ist mit ihr unvereinbar, er sieht den Sinn des Lebens nicht darin, Karriere zu machen, nicht darin, Reichtum anzuhäufen, sondern darin, dem zu dienen hohe Ideale der Menschheit – Menschlichkeit, Freiheit, Brüderlichkeit. Negative romantische Charaktere stehen im Gegensatz zu positiven im Einklang mit der Gesellschaft; ihre Negativität liegt vor allem darin, dass sie nach den Gesetzen der sie umgebenden bürgerlichen Umgebung leben. Folglich (und das ist sehr wichtig) ist die Romantik nicht nur ein Streben nach Ideal und Poetisierung alles geistig Schönen, sie ist zugleich eine Enthüllung des Hässlichen in seiner spezifischen sozialgeschichtlichen Form. Darüber hinaus wurde der romantischen Kunst von Anfang an die mangelnde Spiritualität vorgeworfen, die sich aus dem Kern ergibt Romantische Beziehung zum öffentlichen Leben. Natürlich bringen es nicht alle Autoren und nicht alle Genres in der erforderlichen Breite und Intensität zum Ausdruck. Aber nicht nur in den Dramen von Lermontov oder in den „weltlichen Geschichten“ von V. Odoevsky zeigt sich kritisches Pathos, sondern auch in den Elegien von Schukowski, die die Sorgen und Nöte einer geistig reichen Persönlichkeit unter den Bedingungen des feudalen Russlands offenbaren .

Das romantische Weltbild bestimmt aufgrund seines Dualismus (der Offenheit von „Geist“ und „Mutter“) die Darstellung des Lebens in scharfen Kontrasten. Das Vorhandensein von Kontrasten ist eines der charakteristischen Merkmale der romantischen Kreativität und damit des Stils. Geistiges und Materielles stehen in den Werken der Romantiker scharf im Widerspruch zueinander. Ein positiver romantischer Held wird normalerweise als einsames Wesen dargestellt, das außerdem dazu verdammt ist, in seiner zeitgenössischen Gesellschaft zu leiden (Giaour, Corsair in Byron, Chernets in Kozlov, Voinarovsky in Ryleev, Mtsyri in Lermontov und andere). In der Darstellung des Hässlichen erreichen die Romantiker oft eine so alltägliche Konkretheit, dass es schwierig ist, ihr Werk vom Realistischen zu unterscheiden. Auf der Grundlage einer romantischen Weltanschauung ist es möglich, nicht nur einzelne Bilder, sondern auch ganze Werke realistischer Kreativität zu schaffen.

Die Romantik ist gnadenlos gegenüber denen, die im Kampf um die eigene Vergrößerung, beim Nachdenken über Bereicherung oder im Vergnügungsdurst schmachten, in diesem Namen universelle Moralgesetze übertreten und universelle menschliche Werte (Menschlichkeit, Freiheitsliebe und andere) mit Füßen treten. .

IN romantische Literatur Es gibt viele Bilder von Helden, die vom Individualismus infiziert sind (Manfred, Lara von Byron, Pechorin, Demon von Lermontov und andere), aber sie sehen aus wie zutiefst tragische Kreaturen, die unter Einsamkeit leiden und sich danach sehnen, mit der Welt zu verschmelzen gewöhnliche Menschen. Indem sie die Tragödie des individualistischen Menschen enthüllte, zeigte die Romantik das Wesen wahren Heldentums, das sich im selbstlosen Dienst an den Idealen der Menschheit manifestierte. Persönlichkeit ist in der romantischen Ästhetik an sich nicht wertvoll. Sein Wert steigt mit zunehmendem Nutzen, den es den Menschen bringt. Die Bestätigung eines Menschen in der Romantik besteht zunächst darin, ihn vom Individualismus, von den schädlichen Auswirkungen der Privateigentumspsychologie zu befreien.

Im Zentrum der romantischen Kunst steht menschliche Persönlichkeit, ihre geistige Welt, ihre Ideale, Sorgen und Nöte unter den Bedingungen des bürgerlichen Lebenssystems, der Durst nach Freiheit und Unabhängigkeit. Der romantische Held leidet unter der Entfremdung, unter der Unfähigkeit, seine Position zu ändern. Daher sind Tragödien, dramatische, lyrisch-epische und lyrische Gedichte, Kurzgeschichten und Elegien die beliebten Genres der romantischen Literatur, die das Wesen der romantischen Weltanschauung am besten widerspiegeln. Die Romantik offenbarte die Unvereinbarkeit alles wahrhaft Menschlichen mit dem Privateigentumsprinzip des Lebens, und darin liegt ihre große historische Bedeutung. Er führte in die Literatur einen Kämpfer ein, der trotz seines Untergangs frei handelt, weil er erkennt, dass Kampf notwendig ist, um ein Ziel zu erreichen.

Romantiker zeichnen sich durch Breite und Umfang des künstlerischen Denkens aus. Um Ideen von universeller menschlicher Bedeutung zu verkörpern, nutzen sie christliche Legenden, biblische Geschichten, antike Mythologie und Volkstraditionen. Dichter der romantischen Bewegung greifen auf Fantasie, Symbolik und andere konventionelle Techniken der künstlerischen Darstellung zurück, was ihnen die Möglichkeit gibt, die Realität in einer Breite darzustellen, die in der realistischen Kunst völlig undenkbar war. Es ist beispielsweise unwahrscheinlich, dass es möglich ist, den gesamten Inhalt von Lermontovs „Dämon“ unter Einhaltung des Prinzips der realistischen Typisierung zu vermitteln. Der Dichter umfasst mit seinem Blick das gesamte Universum, skizziert kosmische Landschaften, bei deren Wiedergabe realistische Konkretheit, wie sie unter den Bedingungen der irdischen Realität bekannt ist, unangemessen wäre:

Auf dem Luftozean

Ohne Ruder und ohne Segel

Still im Nebel schwebend

Chöre aus schlanken Leuchten.

In diesem Fall entsprach der Charakter des Gedichts nicht der Genauigkeit, sondern im Gegenteil der Unsicherheit der Zeichnung, die in größerem Maße nicht die Vorstellungen eines Menschen über das Universum, sondern seine Gefühle vermittelt. Ebenso würde die „Erdung“ und Konkretisierung des Bildes des Dämons zu einem gewissen Rückgang des Verständnisses von ihm als einem titanischen Wesen führen, das mit übermenschlichen Kräften ausgestattet ist.

Das Interesse an den konventionellen Techniken der künstlerischen Darstellung erklärt sich aus der Tatsache, dass Romantiker oft philosophische und weltanschauliche Fragen zur Lösung stellen, obwohl sie, wie bereits erwähnt, nicht davor zurückschrecken, das Alltägliche, das Prosaisch-Alltägliche, alles, was damit unvereinbar ist, abzubilden das Geistige, Menschliche. In der romantischen Literatur (in einem dramatischen Gedicht) basiert der Konflikt normalerweise nicht auf einer Kollision von Charakteren, sondern von Ideen, ganzen ideologischen Konzepten („Manfred“, „Kain“ von Byron, „Prometheus Unbound“ von Shelley), die, Natürlich führte die Kunst über die Grenzen realistischer Konkretheit hinaus.

Die Intellektualität des romantischen Helden und sein Hang zum Nachdenken erklären sich größtenteils dadurch, dass er unter anderen Bedingungen agiert als die Figuren in einem Lehrroman oder einem „Spießbürger“-Drama des 18. Jahrhunderts. Letztere agierten im geschlossenen Bereich alltäglicher Beziehungen, das Thema Liebe nahm einen der zentralen Plätze in ihrem Leben ein. Die Romantiker brachten die Kunst in die Weiten der Geschichte. Sie erkannten, dass das Schicksal der Menschen und die Art ihres Bewusstseins weniger von der sozialen Umgebung als vielmehr von der gesamten Epoche und den darin ablaufenden politischen, sozialen und spirituellen Prozessen bestimmt werden, die die Zukunft aller am entscheidendsten beeinflussen Menschheit. Damit brach die Vorstellung vom Selbstwert des Individuums, seiner Abhängigkeit von sich selbst, seinem Willen zusammen und seine Bedingtheit wurde durch die komplexe Welt der sozialgeschichtlichen Umstände offenbart.

Romantik als eine bestimmte Weltanschauung und Art der Kreativität sollte nicht mit Romantik verwechselt werden, d.h. ein Traum von einem wunderbaren Ziel, mit dem Streben nach dem Ideal und dem leidenschaftlichen Wunsch, es verwirklicht zu sehen. Romantik kann, abhängig von den Ansichten einer Person, entweder revolutionär sein, indem sie nach vorne ruft, oder konservativ, indem sie die Vergangenheit poetisiert. Es kann realistisch wachsen und utopischer Natur sein.

Basierend auf der Annahme der Variabilität der Geschichte und der menschlichen Konzepte wandten sich die Romantiker gegen die Nachahmung der Antike und verteidigten die Prinzipien der Originalkunst, die auf der wahrheitsgetreuen Wiedergabe ihres nationalen Lebens, seiner Lebensweise, Moral, Überzeugungen usw. beruhten.

Russische Romantiker verteidigen die Idee des „Lokalkolorits“, bei dem es darum geht, das Leben auf nationalhistorische, originelle Weise darzustellen. Dies war der Beginn des Eindringens nationalhistorischer Besonderheiten in die Kunst, was letztendlich zum Sieg der realistischen Methode in der russischen Literatur führte.

Die Romantik als Strömung in der Malerei entstand Ende des 18. Jahrhunderts in Westeuropa. In den 20er und 30er Jahren erreichte die Romantik in der Kunst der meisten westeuropäischen Länder ihren Höhepunkt. 19. Jahrhundert.

Der Begriff „Romantik“ selbst leitet sich vom Wort „Roman“ ab (im 17. Jahrhundert waren Romane literarische Werke, die nicht in Latein, sondern in davon abgeleiteten Sprachen – Französisch, Englisch usw. – verfasst wurden). Später wurde alles Unverständliche und Geheimnisvolle als romantisch bezeichnet.

Als kulturelles Phänomen entstand die Romantik aus einer besonderen Weltanschauung, die durch die Ergebnisse der Großen Französischen Revolution hervorgebracht wurde. Desillusioniert von den Idealen der Aufklärung schufen die nach Harmonie und Integrität strebenden Romantiker neue ästhetische Ideale und künstlerische Werte. Im Mittelpunkt ihrer Aufmerksamkeit standen herausragende Charaktere mit all ihren Erfahrungen und ihrem Wunsch nach Freiheit. Der Held romantischer Werke - außergewöhnlicher Mensch, der sich durch den Willen des Schicksals in schwierigen Lebensumständen befand.

Obwohl die Romantik als Protest gegen die Kunst des Klassizismus entstand, stand sie dieser in vielerlei Hinsicht nahe. Romantiker waren teilweise Vertreter des Klassizismus wie N. Poussin, C. Lorrain, J. O. D. Ingr.

Die Romantiker führten nationale Besonderheiten in die Malerei ein, etwas, das der Kunst der Klassiker fehlte.
Der größte Vertreter Französische Romantik war T. Gericault.

Theodore Gericault

Theodore Gericault, der große französische Maler, Bildhauer und Grafiker, wurde 1791 in Rouen in eine wohlhabende Familie geboren. Sein künstlerisches Talent zeigte sich schon früh. Anstatt den Unterricht in der Schule zu besuchen, saß Gericault oft im Stall und zeichnete Pferde. Schon damals ging es ihm darum, nicht nur die äußeren Merkmale der Tiere aufs Papier zu bringen, sondern auch deren Wesen und Charakter zu vermitteln.

Nach seinem Abschluss am Lyceum im Jahr 1808 wurde Gericault Schüler des damals berühmten Malermeisters Carl Vernet, der für seine Fähigkeit, Pferde auf Leinwand darzustellen, berühmt war. Allerdings gefiel dem jungen Künstler Vernets Stil nicht. Bald verlässt er die Werkstatt und studiert bei einem anderen, nicht weniger talentierten Maler als Vernet, P. N. Guerin. Nachdem er bei zwei berühmten Künstlern studiert hatte, setzte Gericault deren Traditionen in der Malerei dennoch nicht fort. Seine wahren Lehrer dürften höchstwahrscheinlich J. A. Gros und J. L. David sein.

Gericaults frühe Werke zeichnen sich dadurch aus, dass sie möglichst lebensnah sind. Solche Gemälde sind ungewöhnlich ausdrucksstark und pathetisch. Sie zeigen die enthusiastische Stimmung des Autors, wenn er die Welt um ihn herum beurteilt. Ein Beispiel ist das Gemälde mit dem Titel „Offizier der kaiserlichen Pferdejäger während eines Angriffs“ aus dem Jahr 1812. Dieses Gemälde wurde erstmals von Besuchern des Pariser Salons gesehen. Sie nahmen die Arbeit des jungen Künstlers mit Bewunderung entgegen und schätzten das Talent des jungen Meisters.

Das Werk entstand in dieser Zeit Französische Geschichte als Napoleon auf dem Höhepunkt seines Ruhmes stand. Seine Zeitgenossen vergötterten ihn, einen großen Kaiser, dem es gelang, den größten Teil Europas zu erobern. In dieser Stimmung, unter dem Eindruck der Siege der napoleonischen Armee, entstand das Bild. Die Leinwand zeigt einen Soldaten, der zu Pferd zum Angriff galoppiert. Sein Gesicht drückt Entschlossenheit, Mut und Furchtlosigkeit angesichts des Todes aus. Die ganze Komposition
ungewöhnlich dynamisch und emotional. Der Betrachter hat das Gefühl, selbst zum echten Teilnehmer des auf der Leinwand dargestellten Geschehens zu werden.

Die Figur des tapferen Soldaten wird in den Werken von Gericault mehr als einmal auftauchen. Unter diesen Bildern sind die Helden der Gemälde „Carabinieri-Offizier“, „Kürassier-Offizier vor einem Angriff“, „Porträt eines Carabinieri“ und „Verwundeter Kürassier“ von besonderem Interesse, die zwischen 1812 und 1814 entstanden sind. Letzte Arbeit Bemerkenswert ist, dass es auf der nächsten Ausstellung im Salon im selben Jahr präsentiert wurde. Dies ist jedoch nicht der Hauptvorteil der Zusammensetzung. Noch wichtiger ist, dass es die Veränderungen zeigte, die im kreativen Stil des Künstlers stattgefunden hatten. Spiegelten seine ersten Gemälde aufrichtige patriotische Gefühle wider, so weicht in seinen Werken aus dem Jahr 1814 das Pathos in der Heldendarstellung dem Drama.

Ein solcher Stimmungswandel des Künstlers war wiederum mit den damaligen Ereignissen in Frankreich verbunden. Im Jahr 1812 wurde Napoleon in Russland besiegt, und so erlangte er, der einst ein brillanter Held war, unter seinen Zeitgenossen den Ruhm eines erfolglosen Heerführers und eines arroganten, stolzen Mannes. Gericault verkörpert die ideale Enttäuschung in dem Gemälde „Der verwundete Kürassier“. Die Leinwand zeigt einen verwundeten Krieger, der versucht, das Schlachtfeld schnell zu verlassen. Er stützt sich auf einen Säbel – eine Waffe, die er vielleicht noch vor wenigen Minuten hoch in die Luft gehalten hat.

Es war Géricaults Unzufriedenheit mit Napoleons Politik, die ihn dazu veranlasste, in die Dienste Ludwigs XVIII. zu treten, der 1814 den französischen Thron bestieg. Pessimistische Gefühle waren auch mit der Tatsache verbunden, dass nach Napoleons zweiter Machtergreifung in Frankreich (der Hundert-Tage-Periode) Der junge Künstler verließ mit Bourbonen sein Heimatland. Aber auch hier wurde er enttäuscht. Der junge Mann konnte nicht ruhig zusehen, wie der König alles zerstörte, was während der Herrschaft Napoleons erreicht worden war. Darüber hinaus verschärfte sich unter Ludwig XVIII. die feudal-katholische Reaktion, das Land erholte sich immer schneller und kehrte zur alten Staatsstruktur zurück. Ein junger, fortschrittlich denkender Mensch konnte das nicht akzeptieren. Sehr bald verlässt der junge Mann, nachdem er den Glauben an seine Ideale verloren hat, die von Ludwig XVIII. angeführte Armee und greift wieder zu Pinseln und Farben. Diese Jahre können im Werk des Künstlers nicht als strahlend oder bemerkenswert bezeichnet werden.

Im Jahr 1816 unternahm Gericault eine Reise nach Italien. Nachdem er Rom und Florenz besucht und die Meisterwerke berühmter Meister studiert hat, interessiert sich der Künstler dafür monumentale Malerei. Seine Aufmerksamkeit gilt vor allem Michelangelos Fresken, die ihn schmücken Sixtinische Kapelle. Zu dieser Zeit schuf Gericault Werke, deren Ausmaß und Erhabenheit in vielerlei Hinsicht an die Gemälde von Malern erinnerten Hochrenaissance. Unter ihnen größtes Interesse stellen „Die Vergewaltigung einer Nymphe durch einen Zentauren“ und „Der Mann, der den Stier tötet“ dar.

Die gleichen Merkmale des Stils der alten Meister sind in dem um 1817 entstandenen Gemälde „Der Lauf freier Pferde in Rom“ zu sehen, das Reiterwettkämpfe bei einem der Karnevale in Rom darstellt. Die Besonderheit dieser Komposition besteht darin, dass sie vom Künstler aus zuvor angefertigten Naturzeichnungen zusammengestellt wurde. Darüber hinaus weicht die Art der Skizzen deutlich vom Stil des Gesamtwerks ab. Wenn es sich bei den ersten Szenen um Szenen handelt, die das Leben der Römer – der Zeitgenossen des Künstlers – beschreiben, dann enthält die Gesamtkomposition Bilder von mutigen antiken Helden, als ob sie aus antiken Erzählungen hervorgegangen wären. Damit folgt Gericault dem Weg von J. L. David, der seine Helden in antike Formen kleidete, um dem Bild heroisches Pathos zu verleihen.

Kurz nachdem er dieses Gemälde gemalt hatte, kehrte Gericault nach Frankreich zurück, wo er Mitglied des Oppositionskreises um den Maler Horace Vernet wurde. Bei seiner Ankunft in Paris interessierte sich der Künstler vor allem für die Grafik. 1818 schuf er eine Reihe von Lithographien Militärisches Thema, unter denen „Rückkehr aus Russland“ das bedeutendste war. Die Lithographie zeigt besiegte Soldaten der französischen Armee, die über ein verschneites Feld wandern. Die Figuren verkrüppelter und kriegsmüder Menschen werden lebensecht und wahrheitsgetreu dargestellt. In der Komposition gibt es kein Pathos oder heroisches Pathos, was für Gericaults frühe Werke charakteristisch war. Der Künstler ist bestrebt, den tatsächlichen Stand der Dinge widerzuspiegeln, all die Katastrophen, die die von ihrem Kommandanten zurückgelassenen französischen Soldaten in einem fremden Land ertragen mussten.

In der Arbeit „Rückkehr aus Russland“ wurde erstmals das Thema des Kampfes des Menschen mit dem Tod erörtert. Allerdings kommt dieses Motiv hier noch nicht so deutlich zum Ausdruck wie in Gericaults späteren Werken. Ein Beispiel für solche Gemälde ist das Gemälde „Das Floß der Medusa“. Es wurde 1819 gemalt und im selben Jahr im Pariser Salon ausgestellt. Die Leinwand zeigt Menschen, die mit den tosenden Wasserelementen kämpfen. Der Künstler zeigt nicht nur ihr Leid und ihre Qual, sondern auch ihren Wunsch, im Kampf mit dem Tod um jeden Preis als Sieger hervorzugehen.

Die Handlung der Komposition wird von einem Ereignis bestimmt, das sich im Sommer 1816 ereignete und ganz Frankreich erregte. Die damals berühmte Fregatte „Medusa“ prallte vor der Küste Afrikas auf ein Riff und sank. Von den 149 Menschen auf dem Schiff konnten nur 15 fliehen, darunter der Chirurg Savigny und der Ingenieur Correar. Als sie zu Hause ankamen, veröffentlichten sie ein kleines Buch, in dem sie von ihren Abenteuern und ihrer glücklichen Erlösung erzählten. Aus diesen Erinnerungen erfuhren die Franzosen, dass das Unglück auf die Schuld des unerfahrenen Kapitäns des Schiffes zurückzuführen war, der dank der Schirmherrschaft eines edlen Freundes an Bord kam.

Die von Gericault geschaffenen Bilder sind ungewöhnlich dynamisch, flexibel und ausdrucksstark, was dem Künstler durch lange und sorgfältige Arbeit gelungen ist. Um schreckliche Ereignisse wahrheitsgetreu auf Leinwand darzustellen und die Gefühle der auf See sterbenden Menschen zu vermitteln, trifft sich der Künstler mit Augenzeugen der Tragödie. lange Zeit untersucht die Gesichter erschöpfter Patienten, die in einem der Krankenhäuser in Paris behandelt werden, sowie die Gesichter von Seeleuten, denen nach Schiffbrüchen die Flucht gelang. Zu dieser Zeit schuf der Maler große Menge Porträtarbeiten.

Auch das tosende Meer, als würde es versuchen, ein zerbrechliches Holzfloß voller Menschen zu verschlingen, ist von tiefer Bedeutung erfüllt. Dieses Bild ist ungewöhnlich ausdrucksstark und dynamisch. Ebenso wie die menschlichen Figuren wurde es dem Leben nachempfunden: Der Künstler fertigte mehrere Skizzen an, die das Meer während eines Sturms zeigten. Bei der Arbeit an der monumentalen Komposition griff Gericault mehr als einmal auf zuvor erstellte Skizzen zurück, um die Natur der Elemente vollständig widerzuspiegeln. Deshalb hinterlässt das Bild beim Betrachter einen großen Eindruck und überzeugt ihn vom Realismus und der Wahrhaftigkeit des Geschehens.

„Das Floß der Medusa“ präsentiert Géricault als bemerkenswerten Meister der Komposition. Lange Zeit dachte der Künstler darüber nach, wie er die Figuren im Bild anordnen sollte, um die Absicht des Autors am besten zum Ausdruck zu bringen. Unterwegs wurden mehrere Änderungen vorgenommen. Die dem Gemälde vorangehenden Skizzen deuten darauf hin, dass Géricault zunächst den Kampf der Menschen auf dem Floß miteinander darstellen wollte, später jedoch eine solche Interpretation des Ereignisses aufgab. In der endgültigen Fassung stellt die Leinwand den Moment dar, in dem bereits verzweifelte Menschen das Argus-Schiff am Horizont sehen und ihre Hände danach ausstrecken. Die letzte Ergänzung des Gemäldes war eine menschliche Figur, die unten auf der rechten Seite der Leinwand platziert war. Sie war es, die der Komposition den letzten Schliff gab, die danach einen zutiefst tragischen Charakter annahm. Bemerkenswert ist, dass diese Änderung vorgenommen wurde, als das Gemälde bereits im Salon ausgestellt war.

Mit seiner Monumentalität und gesteigerten Emotionalität erinnert Géricaults Gemälde in vielerlei Hinsicht an die Werke der Meister der Hochrenaissance (in in einem größeren Ausmaß « Jüngstes Gericht„Michelangelo“, den der Künstler während einer Italienreise kennenlernte.

Das Gemälde „Das Floß der Medusa“, das zu einem Meisterwerk der französischen Malerei wurde, war ein großer Erfolg in Oppositionskreisen, die darin ein Spiegelbild revolutionärer Ideale sahen. Aus den gleichen Gründen wurde das Werk vom höchsten Adel und den offiziellen Vertretern der schönen Künste Frankreichs nicht akzeptiert. Aus diesem Grund wurde das Gemälde damals nicht vom Staat vom Autor gekauft.

Enttäuscht über den Empfang seiner Schöpfung in seiner Heimat reist Géricault nach England, wo er den Briten sein Lieblingswerk vorstellt. In London nahmen Kunstkenner das berühmte Gemälde mit großer Freude entgegen.

Gericault kommt englischen Künstlern nahe, die ihn durch ihre Fähigkeit faszinieren, die Realität aufrichtig und wahrheitsgetreu darzustellen. Géricault widmet dem Leben und Alltag der Hauptstadt Englands eine Reihe von Lithographien, von denen die interessantesten die Werke „The Great English Suite“ (1821) und „The Old Beggar Dying at the Door of the Bakery“ ( 1821). IN neuester Künstler stellte einen Londoner Landstreicher dar, dessen Bild die Eindrücke widerspiegelte, die der Maler bei der Untersuchung des Lebens der Menschen in den Arbeitervierteln der Stadt erhielt.

Derselbe Zyklus umfasste Lithographien wie „Der Schmied von Flandern“ und „An den Toren der Adelphin-Werft“, die dem Betrachter ein Bild vom Leben der einfachen Leute in London vermitteln. Interessant an diesen Werken sind die Bilder von Pferden, schwer und schwer. Sie unterscheiden sich deutlich von den anmutigen und anmutigen Tieren, die von anderen Künstlern – Zeitgenossen von Gericault – gemalt wurden.

Während seines Aufenthalts in der Hauptstadt Englands schuf Gericault nicht nur Lithografien, sondern auch Gemälde. Eines der auffälligsten Werke dieser Zeit war das 1821 entstandene Gemälde „Racing at Epsom“. Auf dem Gemälde stellt der Künstler Pferde dar, die mit voller Geschwindigkeit laufen und deren Füße den Boden überhaupt nicht berühren. Der Meister verwendet diese raffinierte Technik (das Foto hat gezeigt, dass eine solche Position der Pferdebeine beim Laufen unmöglich ist; dies ist die Einbildung des Künstlers), um der Komposition Dynamik zu verleihen und beim Betrachter den Eindruck einer blitzschnellen Bewegung zu erwecken die Pferde. Dieses Gefühl wird durch die präzise Übertragung von Plastizität (Körperhaltungen, Gesten) verstärkt. menschliche Figuren, sowie die Verwendung von hellen und satten Farbkombinationen (rote, braune, weiße Pferde; satte blaue, dunkelrote, weiß-blaue und goldgelbe Jockeyjacken).

Das Thema Pferderennen, das mit seinem besonderen Ausdruck seit langem die Aufmerksamkeit des Malers auf sich gezogen hatte, wiederholte sich mehr als einmal in den Werken, die Géricault nach Abschluss der Arbeit an „The Epsom Races“ schuf.

1822 verließ der Künstler England und kehrte in seine Heimat Frankreich zurück. Hier schafft er große Leinwände, die den Werken von Renaissance-Meistern ähneln. Darunter sind „Der Negerhandel“ und „Die Türen des Inquisitionsgefängnisses in Spanien öffnen“. Diese Gemälde blieben unvollendet – der Tod verhinderte, dass Gericault das Werk vollenden konnte.

Von besonderem Interesse sind die Porträts, deren Entstehung durch Kunsthistoriker auf die Zeit von 1822 bis 1823 zurückgeht. Besondere Aufmerksamkeit verdient die Geschichte ihrer Malerei. Tatsache ist, dass diese Porträts von einem Freund des Künstlers in Auftrag gegeben wurden, der als Psychiater in einer der Kliniken in Paris arbeitete. Sie sollten eine Art Illustration werden, die verschiedene menschliche Geisteskrankheiten verdeutlicht. So entstanden die Porträts „Crazy Old Woman“, „Madman“, „Madman Who Imagines Himself as a Commander“. Für den Meister der Malerei war es nicht so sehr wichtig, die äußeren Anzeichen und Symptome der Krankheit zu zeigen, sondern den inneren, psychischen Zustand des Kranken zu vermitteln. Erscheinen auf den Leinwänden vor dem Betrachter tragische Bilder Menschen, deren Augen voller Schmerz und Trauer sind.

Unter den Porträts von Gericault spezieller Ort besetzt mit einem Porträt eines schwarzen Mannes, derzeit in der Sammlung des Rouen-Museums. Ein entschlossener und willensstarker Mann blickt den Betrachter von der Leinwand aus an, bereit, bis zum Ende gegen die ihm feindlichen Mächte zu kämpfen. Das Bild ist ungewöhnlich hell, emotional und ausdrucksstark. Der Mann auf diesem Bild ist jenen willensstarken Helden sehr ähnlich, die Géricault zuvor in großen Kompositionen gezeigt hat (zum Beispiel auf dem Gemälde „Das Floß der Medusa“).

Gericault war nicht nur ein Meister der Malerei, sondern auch ein hervorragender Bildhauer. Seine Arbeiten in dieser Kunstform am Anfang 19. Jahrhundert stellte die ersten Beispiele romantischer Skulpturen dar. Unter diesen Werken ist die ungewöhnlich ausdrucksstarke Komposition „Nymphe und Satyr“ von besonderem Interesse. Die in Bewegung eingefrorenen Bilder vermitteln präzise die Plastizität des menschlichen Körpers.

Theodore Gericault starb 1824 in Paris auf tragische Weise, als er vom Pferd stürzte. Sein früher Tod war für alle Zeitgenossen des berühmten Künstlers eine Überraschung.

Gericaults Werk markierte eine neue Etappe in der Entwicklung der Malerei nicht nur in Frankreich, sondern auch in der Weltkunst – die Zeit der Romantik. In seinen Werken überwindet der Meister den Einfluss klassizistischer Traditionen. Seine Werke sind ungewöhnlich farbenfroh und spiegeln die Vielfalt der Natur wider. Durch die Einbeziehung menschlicher Figuren in die Komposition ist der Künstler bestrebt, die inneren Erfahrungen und Emotionen eines Menschen so vollständig und klar wie möglich zu offenbaren.

Nach Gericaults Tod wurden die Traditionen seiner romantischen Kunst von seinem jüngeren Zeitgenossen, E. Delacroix, aufgegriffen.

Eugene Delacroix

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, berühmt Französischer Künstler und Grafiker, ein Nachfolger der Traditionen der Romantik, die sich im Werk von Gericault entwickelten, wurde 1798 geboren. Ohne seine Ausbildung am kaiserlichen Lyzeum abzuschließen, trat Delacroix 1815 in das Kaiserliche Lyzeum ein berühmter Meister Guerin. Jedoch künstlerische Methoden Der junge Maler entsprach nicht den Anforderungen des Lehrers, weshalb ihn der junge Mann sieben Jahre später verließ.

Delacroix studierte bei Guerin und widmete viel Zeit dem Studium der Werke Davids und der Meister der Malerei der Renaissance. Er betrachtet die Kultur der Antike, deren Traditionen David folgte, als grundlegend für die Entwicklung der Weltkunst. Daher waren die ästhetischen Ideale für Delacroix das Werk von Dichtern und Denkern Antikes Griechenland, darunter schätzte der Künstler besonders die Werke von Homer, Horaz und Marcus Aurelius.

Delacroix‘ erste Werke waren unvollendete Gemälde, auf denen der junge Maler den Kampf der Griechen mit den Türken widerspiegeln wollte. Allerdings fehlten dem Künstler das Können und die Erfahrung, um ein ausdrucksstarkes Gemälde zu schaffen.

1822 stellte Delacroix sein Werk „Dante und Virgil“ im Pariser Salon aus. Diese Leinwand ist ungewöhnlich emotional und hell Farbschema erinnert in vielerlei Hinsicht an Géricaults Werk „Das Floß der Medusa“.

Zwei Jahre später wurde dem Publikum im Salon ein weiteres Gemälde von Delacroix, „Das Massaker auf Chios“, präsentiert. Hier wurde der langjährige Plan des Künstlers verkörpert, den Kampf der Griechen mit den Türken zu zeigen. Allgemeine Zusammensetzung Das Gemälde besteht aus mehreren Teilen, die separat platzierte Menschengruppen bilden, von denen jeder seinen eigenen dramatischen Konflikt hat. Insgesamt vermittelt das Werk den Eindruck einer tiefen Tragödie. Das Gefühl von Spannung und Dynamik wird durch die Kombination glatter und scharfer Linien, die die Figuren der Figuren bilden, verstärkt, was zu einer Veränderung der Proportionen der vom Künstler dargestellten Person führt. Doch gerade dadurch erhält das Bild einen realistischen Charakter und eine lebensnahe Überzeugungskraft.

Delacroix‘ kreative Methode, die in „Das Massaker von Chios“ voll zum Ausdruck kommt, ist weit entfernt von dem klassizistischen Stil, der damals in offiziellen Kreisen in Frankreich und unter Vertretern der schönen Künste akzeptiert wurde. Daher stieß das Gemälde des jungen Künstlers im Salon auf scharfe Kritik.

Trotz des Scheiterns bleibt der Maler seinem Ideal treu. 1827 erschien ein weiteres Werk, dem Thema gewidmet der Kampf des griechischen Volkes um Unabhängigkeit – „Griechenland auf den Ruinen von Missolonghi“. Die hier auf der Leinwand abgebildete Figur einer entschlossenen und stolzen Griechin verkörpert das unbesiegte Griechenland.

Im Jahr 1827 schuf Delacroix zwei Werke, die die kreative Suche des Meisters auf dem Gebiet der Mittel und Methoden widerspiegelten künstlerischer Ausdruck. Dies sind die Gemälde „Der Tod des Sardanapalus“ und „Marino Faliero“. Im ersten Teil wird die Tragik der Situation in der Bewegung menschlicher Figuren zum Ausdruck gebracht. Nur das Bild von Sardanapalus selbst ist hier statisch und ruhig. In der Komposition „Marino Faliero“ ist nur die Figur der Hauptfigur dynamisch. Der Rest der Helden schien bei dem Gedanken an das, was passieren würde, vor Entsetzen erstarrt zu sein.

In den 20er Jahren 19. Jahrhundert Delacroix vollendete eine Reihe von Werken, deren Themen berühmten Vorbildern entnommen waren literarische Werke. 1825 besuchte der Künstler England, die Heimat von William Shakespeare. Im selben Jahr entstand unter dem Einfluss dieser Reise und der Tragödie des berühmten Dramatikers Delacroix die Lithographie „Macbeth“. In der Zeit von 1827 bis 1828 entstand die Lithographie „Faust“, die Goethes gleichnamigem Werk gewidmet ist.

Im Zusammenhang mit den Ereignissen in Frankreich im Jahr 1830 malte Delacroix das Gemälde „Die Freiheit führt das Volk“. Das revolutionäre Frankreich wird im Bild eines jungen, starke Frau autoritär, entschlossen und unabhängig, mutig die Menge anführend, in der die Figuren eines Arbeiters, eines Studenten, eines verwundeten Soldaten, eines Pariser Gamers hervorstechen (ein Bild, das Gavroche vorwegnahm, der später in V. Hugos „Les Miserables“ erschien). ).

Dieses Werk unterschied sich deutlich von ähnlichen Werken anderer Künstler, denen es nur um die wahrheitsgetreue Darstellung eines bestimmten Ereignisses ging. Die Gemälde von Delacroix zeichneten sich durch ein hohes heroisches Pathos aus. Die Bilder hier sind verallgemeinerte Symbole der Freiheit und Unabhängigkeit des französischen Volkes.

Mit der Machtübernahme von Louis Philippe, dem bürgerlichen König, fanden das von Delacroix gepredigte Heldentum und die erhabenen Gefühle keinen Platz im modernen Leben. 1831 unternahm der Künstler eine Reise in afrikanische Länder. Er besuchte Tanger, Meknès, Oran und Algier. Zur gleichen Zeit besucht Delacroix Spanien. Das Leben des Ostens fasziniert den Künstler mit seinem rasanten Fluss im wahrsten Sinne des Wortes. Er erstellt Skizzen, Zeichnungen und eine Reihe von Aquarellarbeiten.

Nach seinem Besuch in Marokko malte Delacroix Leinwände, die dem Osten gewidmet waren. Die Gemälde, in denen der Künstler Pferderennen oder Schlachten maurischer Reiter zeigt, sind ungewöhnlich dynamisch und ausdrucksstark. Im Vergleich dazu wirkt die 1834 entstandene Komposition „Algerian Women in Their Chambers“ ruhig und statisch. Es hat nicht die rasante Dynamik und Spannung, die für mehr charakteristisch ist frühe Arbeiten Künstler. Delacroix tritt hier als Meister der Farbe auf. Das vom Maler verwendete Farbschema spiegelt voll und ganz die helle Vielfalt der Palette wider, die der Betrachter mit den Farben des Ostens verbindet.

Das um 1841 entstandene Gemälde „Jüdische Hochzeit in Marokko“ zeichnet sich durch den gleichen gemächlichen und maßvollen Charakter aus. Dank der präzisen Darstellung der Einzigartigkeit des nationalen Interieurs durch den Künstler entsteht hier eine geheimnisvolle orientalische Atmosphäre. Die Komposition wirkt überraschend dynamisch: Der Maler zeigt, wie Menschen die Treppe hinaufsteigen und den Raum betreten. Das in den Raum einfallende Licht lässt das Bild realistisch und überzeugend wirken.

In den Werken von Delacroix waren östliche Motive noch lange präsent. So waren bei der 1847 im Salon organisierten Ausstellung von den sechs von ihm präsentierten Werken fünf dem Leben und der Lebensweise des Ostens gewidmet.

In den 30-40er Jahren. Im 19. Jahrhundert tauchten im Werk von Delacroix neue Themen auf. Zu dieser Zeit schafft der Meister Werke zu historischen Themen. Unter ihnen verdienen die Gemälde „Mirabeaus Protest gegen die Auflösung der Generalstände“ und „Boissy d’Anglas“ besondere Aufmerksamkeit. Die Skizze des letzteren, die 1831 im Salon gezeigt wurde, ist ein eindrucksvolles Beispiel für Kompositionen zum Thema eines Volksaufstands.

Die Gemälde „Die Schlacht bei Poitiers“ (1830) und „Die Schlacht bei Taibourg“ (1837) sind dem Bild des Volkes gewidmet. Die Dynamik des Kampfes, die Bewegung der Menschen, ihre Wut, Wut und ihr Leid werden hier mit aller Realität dargestellt. Der Künstler ist bestrebt, die Emotionen und Leidenschaften einer Person zu vermitteln, die von dem Wunsch überwältigt wird, um jeden Preis zu gewinnen. Es sind vor allem die Figuren der Menschen, die den dramatischen Charakter des Ereignisses vermitteln.

Sehr oft stehen sich in den Werken von Delacroix der Sieger und der Besiegte scharf gegenüber. Besonders deutlich wird dies auf dem 1840 gemalten Gemälde „Die Eroberung Konstantinopels durch die Kreuzfahrer“. Im Vordergrund steht eine Gruppe von Menschen, die von Trauer überwältigt sind. Dahinter liegt eine reizvolle, bezaubernde Landschaft. Hier sind auch Figuren siegreicher Reiter platziert, deren bedrohliche Silhouetten im Kontrast zu den traurigen Figuren im Vordergrund stehen.

Die Eroberung Konstantinopels durch die Kreuzfahrer präsentiert Delacroix als bemerkenswerten Koloristen. Helle und satte Farben verstärken jedoch nicht das tragische Prinzip, dessen Exponenten traurige Figuren sind, die sich in der Nähe des Betrachters befinden. Im Gegenteil, die reichhaltige Palette vermittelt das Gefühl eines Feiertags, der zu Ehren der Gewinner organisiert wird.

Nicht weniger farbenfroh ist die im selben Jahr 1840 entstandene Komposition „Trajans Gerechtigkeit“. Die Zeitgenossen des Künstlers erkannten dieses Gemälde als eines der besten unter allen Gemälden des Künstlers. Besonders interessant ist die Tatsache, dass der Meister während der Arbeit auf dem Gebiet der Farbe experimentiert. Sogar seine Schatten nehmen unterschiedliche Schattierungen an. Alle Farben der Komposition entsprechen exakt der Natur. Der Ausführung des Werkes gingen lange Beobachtungen des Malers über Farbveränderungen in der Natur voraus. Der Künstler schrieb sie in sein Tagebuch. Den Aufzeichnungen zufolge bestätigten Wissenschaftler dann, dass die Entdeckungen von Delacroix auf dem Gebiet der Tonalität vollständig mit der damals entstandenen Farblehre übereinstimmten, deren Begründer E. Chevreuil war. Darüber hinaus vergleicht der Künstler seine Entdeckungen mit der verwendeten Palette Venezianische Schule, was für ihn ein Beispiel für sein malerisches Können war.

Unter den Gemälden von Delacroix nehmen Porträts einen besonderen Platz ein. Der Meister wandte sich selten diesem Genre zu. Er malte nur Menschen, mit denen er schon lange vertraut war und deren spirituelle Entwicklung sich vor den Augen des Künstlers abspielte. Daher sind die Bilder in den Porträts sehr ausdrucksstark und tiefgründig. Dies sind die Porträts von Chopin und Georges Sand. Das dem berühmten Schriftsteller gewidmete Gemälde (1834) zeigt einen edlen und stark im Geiste eine Frau, die ihre Zeitgenossen bewundert. Das Porträt Chopins, das vier Jahre später, 1838, entstand, vermittelt ein poetisches und spirituelles Bild des großen Komponisten.

Ein interessantes und ungewöhnlich ausdrucksstarkes Porträt des berühmten Geigers und Komponisten Paganini, gemalt von Delacroix um 1831. Paganinis Musikstil ähnelte in vielerlei Hinsicht der Malmethode des Künstlers. Paganinis Werk zeichnet sich durch den gleichen Ausdruck und die intensive Emotionalität aus, die für die Werke des Malers charakteristisch waren.

Landschaften nehmen im Werk von Delacroix einen kleinen Platz ein. Sie erwiesen sich jedoch als sehr bedeutsam für die Entwicklung der französischen Malerei des Zweiten Weltkriegs Hälfte des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte. Delacroix‘ Landschaften sind geprägt von dem Wunsch, Licht und das flüchtige Leben der Natur präzise wiederzugeben. Anschauliche Beispiele dafür sind die Leinwände „Himmel“, auf denen durch schneeweiße Wolken, die über den Himmel schweben, ein Gefühl von Dynamik entsteht, und „Das von den Ufern von Dieppe aus sichtbare Meer“ (1854), in dem der Maler meisterhaft vermittelt das Gleiten leichter Segelschiffe auf der Meeresoberfläche.

1833 erhielt der Künstler vom französischen König den Auftrag, den Saal im Bourbon-Palast auszumalen. Die Arbeit an der Schaffung des monumentalen Werks dauerte vier Jahre. Bei der Ausführung des Auftrages ließ sich der Maler vor allem davon leiten, dass die Bilder äußerst einfach und prägnant und für den Betrachter verständlich waren.
Delacroix‘ letztes Werk war das Gemälde der Kapelle der Heiligen Engel in der Kirche Saint-Sulpice in Paris. Es wurde in der Zeit von 1849 bis 1861 ausgeführt. Mit leuchtenden, satten Farben (Rosa, Hellblau, Flieder, platziert auf einem ascheblauen und gelbbraunen Hintergrund) erzeugt der Künstler in den Kompositionen eine freudige Stimmung, die den Betrachter berührt enthusiastische Freude empfinden. Die Landschaft, die im Gemälde „Die Vertreibung Iliodors aus dem Tempel“ als eine Art Hintergrund enthalten ist, vergrößert optisch den Raum der Komposition und die Räumlichkeiten der Kapelle. Andererseits fügt Delacroix, als wollte er den geschlossenen Raum betonen, eine Treppe und eine Balustrade in die Komposition ein. Die dahinter platzierten Personenfiguren wirken fast wie flache Silhouetten.

Eugene Delacroix starb 1863 in Paris.

Delacroix war der gebildetste Maler der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Viele der Motive seiner Gemälde sind ihm entnommen literarische Werke berühmte Meister der Feder. Eine interessante Tatsache ist, dass der Künstler seine Figuren meistens ohne Modell malte. Er versuchte, seinen Anhängern dasselbe beizubringen. Laut Delacroix ist die Malerei etwas Komplexeres als das primitive Kopieren von Linien. Der Künstler glaubte, dass Kunst in erster Linie in der Fähigkeit liegt, die Stimmung und die kreative Absicht des Meisters auszudrücken.

Delacroix ist Autor mehrerer theoretische Arbeiten, Themen gewidmet Farben, Methode und Stil des Künstlers. Diese Werke dienten Malern nachfolgender Generationen als Leuchtturm auf der Suche nach ihrem Eigenen künstlerische Mittel, wird zum Erstellen von Kompositionen verwendet.

Eine Herausforderung für die eingefrorenen Kanons des Klassizismus war die Romantik – eine ideologische und künstlerische Bewegung, die in der europäischen und amerikanischen Kultur am Ende des 18. Jahrhunderts – der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts – als Reaktion auf die Ästhetik des Klassizismus entstand. Die Ära der Romantik fällt in die historische Periode zwischen der großen Französischen Revolution von 1789 und den europäischen bürgerlich-demokratischen Revolutionen von 1848. Wendepunkt im Leben der europäischen Völker. Das rasante Wachstum des Kapitalismus untergrub die Grundlagen des Feudalsystems, und über Jahrhunderte gefestigte gesellschaftliche Beziehungen begannen überall zusammenzubrechen. Revolutionen und Reaktionen erschütterten Europa, die Landkarte wurde neu gezeichnet. Unter diesen widersprüchlichen Bedingungen fand eine spirituelle Erneuerung der Gesellschaft statt.

Die Romantik entwickelte sich zunächst (1790er Jahre) in Philosophie und Poesie in Deutschland und breitete sich später (1820er Jahre) nach England, Frankreich und anderen Ländern aus. Die Romantik legt die Grundlage für die Wahrnehmung des Lebens auf den Konflikt zwischen Ideal und Realität, erhabenen Gefühlen und Alltag.

Die Mitte des 17. Jahrhunderts läutete das Zeitalter der Aufklärung (oder „Zeitalter der Vernunft“) ein, in dem rationales Denken, Säkularismus und wissenschaftlicher Fortschritt gefeiert wurden. Die erste funktionierende Dampfmaschine, gebaut im Jahr 1712, kann als Beginn der industriellen Revolution angesehen werden, die später die westliche Hemisphäre erfassen sollte. Die Industrialisierung veränderte die Volkswirtschaften Westeuropas und Nordamerikas und zwang sie, von der Abhängigkeit von der Landwirtschaft auf das produzierende Gewerbe umzusteigen. Allerdings glaubten nicht alle, dass Wissenschaft und Vernunft alles erklären könnten. Ihre Reaktion auf die fortschreitende Industrialisierung war eine allumfassende Bewegung – die Romantik.

Der Begriff Romantik wurde in Deutschland erstmals Ende des 18. Jahrhunderts verwendet, als die Kritiker August und Friedrich Schlegel die Definition der romantischen Poesie prägten. Madame de Staël, eine einflussreiche Persönlichkeit des französischen Geisteslebens, machte den Begriff in Frankreich populär, nachdem sie 1813 einen Bericht über ihre Deutschlandreisen veröffentlichte. Im Jahr 1815 stellte der englische Dichter William Wordsworth, der zur führenden Stimme der Romantik wurde und glaubte, dass Poesie „ein spontaner Überfluss starker Gefühle“ sein sollte, „die romantische Harfe der klassischen Leier gegenüber.“ Durch die Überwindung der etablierten Ordnung wurde die Romantik in den 1820er Jahren zur dominierenden künstlerischen Bewegung in ganz Europa.

Ein früher Prototyp der Romantik war die deutsche Sturm-und-Drang-Bewegung. Obwohl Sturm und Drang in erster Linie ein literarisches Phänomen ist, hat er großen Einfluss auf das gesellschaftliche und künstlerische Bewusstsein gehabt. Ihren Namen erhielt die Bewegung vom Titel eines Theaterstücks (1777) von Friedrich Maximilian Klinger.

Wie die Briten es formulierten Staatsmann Edmund Burke, der das Erhabene als erster als eigenständigen ästhetischen Begriff entwickelte, schreibt in seiner Abhandlung „A Philosophical Inquiry Concerning the Origin of Our Concepts of the Sublime and Beautiful“ (1757): „Alles, was in irgendeiner Weise in der Lage ist, Vorstellungen von Leiden hervorzurufen.“ und Gefahr die Quelle des Erhabenen ist, dann „erzeugt sie den stärksten Eindruck, den das Bewusstsein wahrnehmen kann.“ Im Jahr 1790 Deutscher Philosoph Immanuel Kant, der die Beziehung zwischen menschlicher Vernunft und Erfahrung untersuchte, entwickelte Burkes Konzepte in seiner Urteilskritik weiter. Die Idee des Erhabenen stand in weiten Teilen der Romantik im Mittelpunkt, um der Rationalität der Aufklärung entgegenzuwirken.

Diese Revolution brachte mit sich Marktwirtschaft, basierend auf neuen Technologien - Maschinenleistung. Aber es gab diejenigen, die sehnsüchtig auf die Vergangenheit zurückblickten und sie als eine romantische Zeit betrachteten, als eine Zeit, in der alles anders war. Zu dieser Zeit gab es eine wachsende Reaktion gegen die Philosophie der Aufklärung, die vor allem Wissenschaft und rationales Denken betonte. Die Romantiker stellten die Vorstellung in Frage, dass die Vernunft der einzige Weg zur Wahrheit sei, da sie sie für unzureichend hielten, um die großen Geheimnisse des Lebens zu verstehen. Romantikern zufolge können diese Geheimnisse mit Hilfe von Emotionen, Vorstellungskraft und Intuition gelüftet werden. In der romantischen Kunst bot die Natur mit ihrer unkontrollierbaren Kraft und Unberechenbarkeit eine Alternative zur geordneten Welt des aufklärerischen Denkens.

„Romantik liegt nicht in der Wahl der Themen, nicht in der Wahrhaftigkeit, sondern in einer besonderen „Art des Gefühls“, schrieb der Dichter und Kritiker Charles Baudelaire 1846. Aus Baudelaires Sicht umfasste die Romantik ein breites Spektrum an Stilen und Themen, von Geschichte und Mythos bis hin zu Orientalismus und Nationalismus.

Romantische Künstler gaben die Didaktik der neoklassischen Historienmalerei zugunsten imaginärer und exotischer Themen auf. Der Orientalismus und die literarische Welt regten zu neuen Dialogen mit der Vergangenheit und der Gegenwart an. Ingres' geschwungene Odalisken spiegeln die moderne Faszination für die Exotik des Harems wider. Im Jahr 1832 reiste Delacroix nach Marokko und reiste dorthin Nordafrika ermutigte andere Künstler, seinem Beispiel zu folgen. Die Literatur bot eine alternative Form des Eskapismus. Die Romane von Sir Walter Scott, die Poesie von Lord Byron und das Drama von Shakespeare transportierten die Kunst in andere Welten und Epochen. So ist das mittelalterliche England der Schauplatz von Delacroix‘ „Die Vergewaltigung der Rebekka“, der Vision des Autors einer populären romantischen Handlung, die er von Walter Scott übernommen hat.

Teilweise inspiriert vom Idealismus der Französischen Revolution, widmete sich die Romantik dem Kampf für Freiheit und Gleichheit sowie der Förderung der Gerechtigkeit. Künstler begannen, aktuelle Ereignisse und Gräueltaten zu nutzen, um Ungerechtigkeit in dramatischen Kompositionen zu beleuchten, die mit den ruhigeren neoklassizistischen Historiengemälden der Nationalakademien konkurrierten.

In vielen Ländern wandten sich romantische Künstler der Natur und der Freilichtmalerei bzw. dem Malen unter freiem Himmel zu. Werke, die auf der genauen Beobachtung der Landschaft basieren, hoben die Landschaftsmalerei hervor Neues level. Während einige Künstler den Menschen als Teil der Natur betonten, stellten andere seine Macht und Unvorhersehbarkeit dar und riefen beim Betrachter ein Gefühl des Erhabenen hervor – Ehrfurcht gemischt mit Entsetzen.

Romantik in Deutschland

In Deutschland reagierte eine jüngere Künstlergeneration auf den Wandel der Zeit mit einem Prozess der Introspektion: Sie zog sich in eine Gefühlswelt zurück – inspiriert von einer sentimentalen Sehnsucht nach der Vergangenheit, etwa dem Mittelalter, das nun als eine Zeit der Vergangenheit galt Die Menschen lebten im Einklang mit sich selbst und der Welt. In diesem Zusammenhang war das Gemälde „Gotischer Dom am Wasser“ von Karl Friedrich Schinkel ebenso wichtig wie die Werke der Nazarener – Friedrich Overbeck, Julius Schnorr von Carolsfeld und Franz Pforr, die ihren Ursprung in den Bildtraditionen der italienischen Frührenaissance haben Die deutsche Kunst der Ära Albrecht Dürers. In meinen Erinnerungen an die Vergangenheit romantische Künstler standen dem Neoklassizismus sehr nahe, außer dass ihr Historismus die rationalistische Position des Neoklassizismus kritisierte.

Die romantische Bewegung förderte kreative Intuition und Vorstellungskraft als Grundlage aller Kunst. Das Kunstwerk wurde so zum Ausdruck „der Stimme von innen“, wie es der führende romantische Künstler Caspar David Friedrich (1774-1840) ausdrückte. Das bevorzugte Genre der Romantiker war die Landschaftsmalerei. Die Natur galt als Spiegel der Seele, während sie im politisch eingeschränkten Deutschland auch als Symbol für Freiheit und Grenzenlosigkeit galt. So gehören zur Ikonographie der romantischen Kunst sowohl einsame Figuren, die sehnsüchtig in die Ferne blicken, als auch Vanitas-Motive (tote Bäume, überwucherte Ruinen), die die Vergänglichkeit und Endlichkeit des Lebens symbolisieren.

Romantik in Spanien

Die Entwicklung der Romantik in Spanien in den 30er Jahren. angeregt durch die revolutionär-patriotischen Bestrebungen des Anfangs des Jahrhunderts. Nach einer langen Zeit der Fremdherrschaft und der Dominanz des Akademismus in allen Bereichen der künstlerischen Kultur hatte das Aufkommen der Romantik in Spanien eine allgemein fortschrittliche Bedeutung und trug zur Steigerung des nationalen Selbstbewusstseins bei. Die Romantik aktualisierte die spanische Geschichtswissenschaft, brachte viele neue Dinge in die Entwicklung von Literatur und Theater ein und belebte das Interesse an den Traditionen des „Goldenen Zeitalters“ und an der Volkskunst. Aber im Bereich der bildenden Künste war die spanische Romantik weniger hell und originell. Bezeichnenderweise war die Inspirationsquelle hier weniger die Kunst Goyas als vielmehr die Werke der Romantik in anderen westeuropäischen Ländern.

Francisco de Goya war der bedeutendste spanische Romantiker. Als offizieller Künstler des königlichen Hofes begann er gegen Ende des 18. Jahrhunderts, das Imaginäre, Irrationale und die Schrecken menschlichen Verhaltens und Krieges zu erforschen. Seine Werke, darunter das Gemälde „Der Dritte Mai 1808“ (1814) und die Druckserie „Die Katastrophen des Krieges“ (1812–15), sind eindringliche Vorwürfe gegen den Krieg.

Romantik in Frankreich

Nach dem Ende der Napoleonischen Kriege begannen romantische Künstler, den Neoklassizismus von Jacques Louis David, einem Pionier der Französischen Revolution, und den von der Akademie favorisierten allgemeinen neoklassizistischen Stil in Frage zu stellen. Anders als ihre deutschen Kollegen malten die Franzosen nicht nur Porträts, sondern schufen auch historische Gemälde.

In Frankreich waren Baron Antoine Gros, der dramatische Gemälde zeitgenössischer Ereignisse der Napoleonischen Kriege malte, und Theodore Géricault die wichtigsten romantischen Künstler. Der größte französische Maler der Romantik war Eugene Delacroix, der für seine freie und ausdrucksstarke Pinselführung, seinen reichen und sinnlichen Einsatz von Farben, dynamischen Kompositionen und exotischen und abenteuerlichen Themen bekannt ist, die vom nordafrikanischen arabischen Leben bis zur revolutionären Politik reichen. Paul Delaroche, Théodore Chasserio und manchmal J.-A.-D. Ingres repräsentieren die letzte, akademischere Phase romantisches Gemälde in Frankreich.

Romantik in England

Mit Ausnahme von William Blake bevorzugten englische Künstler der Romantik die Landschaft. Ihre Darstellungen waren jedoch nicht so dramatisch und erhaben wie die ihrer deutschen Kollegen, sondern eher naturalistisch. Die Norwich School war eine Gruppe von Landschaftsmalern, die 1803 aus der Norwich Society of Artists hervorging. John Crome war einer der Gründer der Gruppe und der erste Präsident der Norwich Society, die von 1805 bis 1833 jährliche Ausstellungen veranstaltete. Die Gruppenmitglieder legten Wert auf die Freilichtmalerei.

Das Werk der deutschen Romantiker war geprägt von der Mystik geheimnisvolle Legenden und Volksmärchen hatte die romantische Kunst Englands ganz andere Züge. In den Landschaftswerken englischer Meister wurde romantisches Pathos mit Elementen realistischer Malerei kombiniert. John Constable und William Turner - größte Vertreter romantische Landschaft in England.

Romantik in den Vereinigten Staaten

Die amerikanische Romantik fand ihren Hauptausdruck in Landschaftsmalerei Hudson River Schools (1825-1875). Während die Bewegung mit Thomas Doughty begann, dessen Werk eine Art Quietismus in der Natur betonte, war Thomas Cole das berühmteste Mitglied der Gruppe, dessen Landschaften ein Gefühl der Ehrfurcht vor der Unermesslichkeit der Natur vermitteln. Andere berühmte Künstler Zu dieser Schule gehörten Frederic Edwin Church, Asher B. Durand und Albert Bierstadt. Die Arbeit der meisten dieser Künstler konzentrierte sich auf die Landschaft der Adirondacks, White Mountains und Catskills im Nordosten, verzweigte sich jedoch nach und nach in den amerikanischen Westen sowie in süd- und lateinamerikanische Landschaften.

Zu den größten Künstlern der Romantik gehörten Henry Fuseli (1741–1825), Francisco Goya (1746–1828), Caspar David Friedrich (1774–1840), JMW Turner (1775–1851), John Constable (1776–1837), Theodore Géricault ( 1791–1824) und Eugene Delacroix (1798–63). Romantische Kunst verdrängte den neoklassizistischen Stil nicht, sondern fungierte vielmehr als Gegengewicht zu seiner Strenge und Starrheit. Obwohl die Romantik um 1830 zurückging, hielt ihr Einfluss noch lange an.

Der romantische Malstil stimulierte die Entstehung zahlreicher Schulen, wie zum Beispiel: der Barbizon School, der Norwich School of Landscape Painters; die Nazarener, eine Gruppe katholischer deutscher und österreichischer Künstler; Symbolik (zum Beispiel Arnold Böcklin).

Caspar David Friedrich „Wanderer über dem Nebelmeer.“ 94,8 x 74,8 cm. Öl auf Leinwand. Hamburger Kunsthalle, 1818

Theodore Gericault. Floß „Medusa“. 491 x 716 cm. Öl auf Leinwand. Louvre, Paris, 1819

Carl Friedrich Lessing „Die Belagerung (Verteidigung des Kirchhofs im Dreißigjährigen Krieg).“ Leinwand, Öl. Museum Kunstpalast, Düsseldorf, 1848

William Turner. „Brücke der Symbole“, 1933

Stichworte

Romantik, Friedrich, Géricault, Das Zeitalter der Romantik.