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"Orquestra Concord" - jovem Orquestra Sinfónica que não tem medo de experimentar e está caminhando ativamente em direção ao seu sucesso. Foi formada em 2015 em São Petersburgo sob a liderança de um jovem e talentoso maestro italiano, Fabio Pirol. E agora podemos dizer que a equipe tem um estilo próprio, que a diferencia e talvez lhe permita ocupar um nicho à parte no Olimpo musical entre o show business e a música sinfônica.

O programa “Symphonic Rock Hits”, com o qual começa a história da orquestra.

Os criadores da orquestra passaram exatamente um ano selecionando um repertório composto pelas lendárias composições das bandas de rock Metallica Linkin Park, Rammstein, Escorpiões, Sobrevivente, Os Beatles, Led Zeppelin, Nirvana, Aerosmith, Depeche Mode, Europe, Steve Vai, Queen, Status Quo, Bon Jovi, Muse, Maroon 5, AC/DC e sucessos arranjados para uma orquestra sinfônica clássica. A escolha dos intérpretes para a Orquestra Concord também foi difícil. Na verdade, além de excelentes competências profissionais, são necessárias qualidades incomuns para artistas clássicos, nomeadamente a capacidade de dançar no palco, tocar sem partituras, e o que, talvez, o mais importante é a vontade de experimentar, uma agenda de digressões maluca e a vontade de criar algo novo. Não foi uma tarefa fácil e o jovem maestro Fabio Pirola executou-a perfeitamente.

Após a preparação final do programa “Symphonic Rock Hits”, a “Concord Orchestra” fez uma grande turnê pela Rússia. Quarenta e três Cidades russas em seu programação da turnê. Todos os dias a Orquestra Concord dá um concerto numa nova cidade. Considerando as distâncias, pode-se imaginar o peso físico e emocional que isso representa para os músicos. Espectadores russos apreciou a abordagem inovadora de Fabio Pirol na criação do programa “Symphonic Rock Hits”, pois cada show é acompanhado por aplausos estrondosos e palavras entusiasmadas de agradecimento nas redes sociais.

A apresentação da Orquestra Concord dificilmente pode ser chamada de concerto. Pelo contrário, é um espetáculo inusitado e encantador, onde a execução da orquestra é acompanhada por efeitos de iluminação dinâmicos, e os próprios músicos e o maestro estão em constante movimento. O som poderoso dos instrumentos nas mãos de músicos profissionais: violinos suaves, sons fortes das violas, a força do contrabaixo, o timbre jazzístico dos saxofones, o rock and roll das guitarras e da bateria. No momento em que você vê a atuação do maestro Fabio Pirol no programa “Symphonic Rock Hits”, você tem a sensação de ter presenciado algo completamente incrível. A forma como dirige a produção não é apenas a sua extraordinária energia, carisma e musicalidade, mas também a personificação de um conceito de regência completamente novo. Tudo isso causa uma impressão fabulosa no público. Algumas composições são acompanhadas por elementos de apresentações teatrais, o que as torna especialmente memoráveis. Para mim foram covers de “Behind blue eyes” Limp Bizkit e “Enjoy the Silence” do Depeche Mode interpretada pela Concord Orchestra.

“Symphonic Rock Hits” não é o único programa da orquestra. “Tango da Paixão de Astor Piazzolla” é lançado em fevereiro e é dedicado a todos os amantes, e “O Baile da Branca de Neve de Johann Strauss” é dedicado às férias de Natal.

Recorremos ao maestro da Orquestra Concord Fabio Pirola e ele gentilmente concordou em responder nossas perguntas :

Vamos começar com você, Maestro, como você, milanês, foi parar na Rússia?

A primeira vez que vim para a Rússia como turista com minha família, fazendo um clássico passeio de uma semana: São Petersburgo, Moscou e as cidades do Anel de Ouro da Rússia.

Mais tarde, vim para São Petersburgo para minha primeira master class de regência com o maestro Jorma Panula. Gostei muito da cidade e de certa forma percebi que voltaria aqui.

Você sempre sonhou em se tornar um maestro de orquestra? Como e quando você percebeu que esse era o seu caminho?

Não sonhei em me tornar maestro de orquestra. Foi uma escolha consciente e consistente. Só depois de me formar como violinista e trabalhar como músico profissional durante vários anos é que percebi que poderia fazer mais e que a gestão de orquestra era verdadeiramente o meu caminho.

Como surgiu a ideia de criar "Concórdia Orquestra“Por que você escolheu esse nome?

Concord é derivado da palavra “concórdia”, que significa acordo e harmonia. Assim, a palavra Concord no nome enfatiza que uma orquestra sinfônica pode executar qualquer repertório, inclusive rock. Eu acho que

a ideia de consentimento é muito importante em nosso turbulento e conturbado período histórico.

Em que ano foi fundado? Concórdia Orquestra»?

A segunda temporada da orquestra está terminando. Os primeiros concertos aconteceram na primavera de 2016, depois a primeira temporada (2016/2017) e depois um crescendo vertiginoso e de sucesso de música e ocupação.

Sua orquestra consiste em bastante grande quantidade músicos que, além de excelente domínio de seu instrumento, também devem ter certa familiaridade com a dança, saber se movimentar no palco: características que não são características dos músicos de uma orquestra sinfônica clássica. Quais são os critérios de seleção dos membros da sua equipe?

Atualmente, na Rússia, assim como em todo o mundo, não existem tais músicos. Portanto, durante o casting, eu escolho músicos talentosos que amam essas performances e têm uma predisposição natural.

Posteriormente, atuo não só como regente de orquestra, mas também como psicólogo, treinador, coreógrafo, revelando nos músicos cada vez mais a percepção cinestésica e empática, fundamental para espetáculos deste tipo.

Sua viagem pela Rússia é realmente muito agitada: todo dia há um site novo e li que a viagem é feita de ônibus. Que cidades ou lugares causaram a impressão mais forte em você? E como o público é diferente?

Em primeiro lugar, esta é a cidade de Rossosh, onde visitei o Museu do Grande guerra patriótica. Fiquei comovido ao ver os artefatos do exército Alpini, que lembram os 100 mil italianos que morreram na Rússia.

Jamais esquecerei o monumento no centro da cidade dedicado aos soldados de Alpini, com a memorável inscrição: “Do passado trágico à amizade do presente e à cooperação fraterna do futuro!” É o contrário Jardim da infância, construído e doado por italianos às crianças russas.

O público nas cidades do interior é muito emotivo e caloroso, enquanto nas grandes cidades é muito rigoroso e exigente. Realmente diferente.

Como você consegue se concentrar durante a turnê?

Em 2000, na Itália, participei do meu primeiro treinamento “Formando um Músico”, conduzido pelo professor Marco Brazzo. Desde então sempre tentei praticar junto com treinamento musical Também preparação psicológica. Isto é especialmente importante quando o ritmo de vida se torna tão frenético e estressante.

Por favor, descreva o seu dia típico.

Acordar às 7h, café da manhã às 8h, traslado de ônibus de 5 a 6 horas, almoço, ajuste de som, ensaio, performance, jantar, traslado ao hotel.

Quão difícil é coordenar uma equipe tão grande? Surgem momentos de tensão devido ao estresse diário ou prevalece o acordo geral?

Claro que existem muitos momentos de tensão e nervosismo, porém isso significa apenas que o grupo é formado por pessoas vivas.

Basta canalizar essa energia em uma direção construtiva, utilizando uma preparação psicológica fundamental.

Acredito que cada teatro tem sua própria acústica, equipamentos e espaço de palco: houve algum imprevisto que pudesse atrapalhar o sucesso do espetáculo?

É claro que precisamos ser capazes de adaptar e otimizar o espaço. Além disso, o desenvolvimento da sensação cinestésica e empática é fundamental. Somente neste caso você poderá enfrentar qualquer situação sem pânico.

Do ponto de vista técnico, também existem situações diferentes, mas especialistas técnicos experientes trabalham conosco.

O que mais te impressionou na Rússia?

Lindas garotas! E quando te dão flores nos shows!

Além disso, adoro a natureza. Ver as vastas extensões russas é algo especial para mim.

Em qual cidade russa você gostaria de morar e qual você recomendaria visitar como turista?

Eu gostaria de morar e viver muito tempo em São Petersburgo. Para os turistas, aconselho ir ao interior da Rússia e, claro, viajar pela Ferrovia Transiberiana.

Em qual cidade russa você nunca esteve? (o que parece impossível dado o ritmo da sua turnê)?

Infelizmente, não sei muito sobre a Sibéria, mas temos planos percorrer com orquestra para a primavera de 2019. Mal posso esperar por esta hora!

Como é a sua língua russa?

Entendo quase tudo, mas gostaria de falar melhor, usar casos e flexionar os verbos corretamente. Isso levará um pouco mais de tempo.

Seu hobby?

Adoro o mar e velejar.

Quais são as diferenças mais significativas entre a Itália e a Rússia na sua área?

No campo da música na Rússia ainda existe o entusiasmo que existia na Itália nos anos 70 e 80. Em todos os lugares há uma sensação de que tudo está mudando rapidamente.

Espero realmente que aqui na Rússia saibam enfrentar com sabedoria as profundas mudanças que nos aguardam nos próximos anos.

Você acha que seria difícil oferecer o mesmo programa de apresentações ao público italiano?

Sim, isso está absolutamente certo! Dizem que o gosto do público italiano é o mais complexo e caprichoso do mundo. Todos os produtores e agentes com quem converso, e até os italianos, tiveram dificuldades significativas em trabalhar em Itália nos últimos anos.

Pelo seu currículo vejo que você trabalhou em todo o mundo. Juntamente com a Rússia, estão a Alemanha, os EUA, a Grã-Bretanha, a Bulgária e até Omã. O que há de mais útil nesta experiência?

A nível educacional, penso que a Rússia, especialmente São Petersburgo, é sem dúvida a cidade mais significativa. Definitivamente vale a pena morar lá por alguns anos!

O que você sugeriria homem jovem quem quer escolher a carreira de maestro?

É uma profissão de elite reservada a poucos e que também sofrerá profundas mudanças nos próximos anos.

Você precisa ter um grande desejo e uma grande força de vontade.

Quais são seus planos para o futuro?

Novas apresentações, turnê pela Europa e China. Vamos cruzar os dedos e torcer para que tudo corra bem.

No dia 10 de novembro foi lançado “” - um álbum com a maioria das músicas lançadas anteriormente pelo Evanescence, reorganizadas e gravadas com a participação de uma orquestra. E é neste dia que marca exatamente meio século desde o lançamento de “Days Of Future Passed” – o primeiro álbum de rock da história a assumir a forma de uma sinfonia. Ao longo do último meio século, tais obras tornaram-se quase comuns e, ainda assim, muitas delas são capazes de encantar e surpreender até mesmo os amantes da música mais exigentes. o site relembra alguns dos mais famosos e exemplos de sucesso combinação de grandes clássicos com rock.

The Moody Blues – “Dias de futuro passados”

(1967)

Segundo a lenda, a história do primeiro de uma série de álbuns de rock orquestral, lançado há exatamente 50 anos, começou em setembro de 1967, quando um grupo branco de ritmo e blues em turnê foi supostamente convidado a gravar sua versão de " Symphony No. 9" para demonstrar as capacidades dos equipamentos de gravação do novo selo Deram Records. O grupo concordou, mas em vez de gravar clássicos, decidiram focar em seu próprio álbum, que foi baseado no show da época.

O engenheiro de som Derek Varnals, que trabalhou no álbum, porém, afirma que são apenas rumores: naquela época, a gravadora já havia lançado pelo menos seis discos com orquestra, mas no caso do Moody Blues, a Decca Records estava apenas tentando despertar o interesse em sua nova divisão, combinando os sons de um grupo pop e uma orquestra após o sucesso esmagador de “Sgt. Banda do Pepper's Lonely Hearts Club." O que é ainda mais surpreendente é que foi este álbum que lançou as bases para o futuro som art-rock do grupo, e foi nele que o seu principal hit foi ouvido pela primeira vez. “Nights In White Satin” foi escrita por Justin Hayward alguns anos antes da gravação: a razão para isso foram os lençóis de cetim que ele recebeu de presente. Várias outras músicas, incluindo o segundo hit do disco "Tuesday Afternoon", também foram escritas muito antes da gravação, e a banda só teve que juntar tudo em um único todo, resultando não apenas em um dos álbuns orquestrais mais marcantes, mas também uma das primeiras telas verdadeiramente conceituais

OLegal – “Cinco Pontes”

(1970)

Em 10 de outubro de 1969, a obra sinfônica de Keith Emerson, Five Bridges, estreou no Newcastle Arts Festival, interpretada por uma orquestra dirigida por Joseph Eger. A suíte de cinco partes recebeu o nome de “Cinco Pontes” devido ao número de pontes na cidade onde ocorreu a estreia, e seu estilo foi influenciado não apenas pela música clássica, mas também por um intérprete muito específico - o pianista austríaco Friedrich Gulda , que entrelaçou elementos do jazz em uma forma estritamente clássica. A segunda face do disco, lançada como resultado da apresentação, incluía mais duas obras gravadas com a orquestra de Eger - a suíte “Karelia” de Jean Sibelius e parte da “Sinfonia Patética” de Tchaikovsky, onde a orquestra toca estilo classico tendo como pano de fundo uma seção rítmica de rock e passagens de órgão características de Emerson. E outro número deste disco é uma mistura de "Country Pie" de Bob Dylan com o sexto Concerto de Brandemburgo de Bach. Tudo isso, infelizmente, não deu exatamente o resultado que o grupo esperava: os críticos classificaram a suíte como medíocre, mas os fãs a consideram o auge do trabalho de seus antecessores diretos Emerson, Lake e Palmer. Além disso, quem sabe, sem esta e outras tentativas de Emerson de “casar” o clássico e Música moderna, talvez não existisse o muito mais famoso “Quadros de uma Exposição”?

Deep Purple – “Concerto para Grupo e Orquestra”

(1970)

“Essa ideia me ocorreu quando eu estava tocando no The Artwoods”, lembra Jon Lord, autor do projeto mais ambicioso da banda na época. – Naquela época fiquei impressionado com um disco chamado “Bernstein Plays Brubeck Plays Bernstein”. Esta foi uma música escrita especialmente para uma orquestra e um quarteto de jazz. Parecia muito interessante e me perguntei: uma banda de rock tocando junto com uma orquestra sinfônica não soaria mais original?” Para levar a suíte ao público, o empresário Tony Edwards conseguiu publicidade na imprensa e organizou um concerto com vários meses de antecedência no Royal Albert Hall de Londres, sendo Lord o último a saber.

“Planos são uma coisa, atuar em um salão tão respeitável é outra bem diferente: um fiasco significaria não apenas o colapso da minha carreira individual, mas também o colapso da banda de rock que se apresentaria comigo. E planejei, claro, tocar com o Deep Purple. E não havia outra escolha senão começar a trabalhar. Trabalhei de julho a agosto, geralmente depois dos shows, tarde da noite até de manhã. E um copo grande de café forte me salvou do sono”, lembrou Lord.

Este projeto não foi menos chocante para os membros da orquestra: quando poucos dias antes do concerto todos se reuniram para um ensaio conjunto, uma das violoncelistas disse que não tinha se formado no conservatório para tocar em uma sala tão digna com alguns seguidores dos Beatles. Porém, após o ensaio, a menina pediu desculpas, dizendo que gostou da experiência. Outro problema surgiu com Ian Gillan, que deveria escrever a letra da obra de Lord.

“Por algum motivo não preparei a letra em tempo hábil”, lembra Ian, “nas audições com a minha participação, eu estava cantarolando algo baixinho e ninguém percebeu que eu estava cantando alguma bobagem. E apenas duas horas antes da apresentação, quando estávamos sentados em um café, John perguntou: “Ian, admita, você tem uma mensagem?” Como resultado, o roqueiro descuidado escreveu a letra em um guardanapo bem no café e cantou no show, olhando para um pedaço de papel preso no chão.

O concerto em si, que aconteceu em 24 de setembro de 1969, teve sobreposições: a banda tocou mais alto que a orquestra e Blackmore estendeu um solo de um minuto e meio a uma duração inimaginável. No entanto, no final da apresentação o público aplaudiu de pé, e os membros da orquestra, que claramente desdenharam a “gangue de hippies de cabelos compridos” durante os ensaios, tocaram todo o terceiro ato com óbvio entusiasmo. As críticas na imprensa também foram mistas: enquanto Chris Welsh da Melody Maker chamou o concerto de “uma peça ousada e revolucionária”, o colunista britânico de música clássica Noel Goodwin recomendou a união de música clássica e música popular"divórcio por consentimento mútuo." E o famoso DJ John Peel chamou o show de “terrível”, então se recusou a convidar o grupo para seu show noturno. Seja como for, o concerto tornou-se um marco para o grupo e para toda a música popular em geral.

Procol Harum – “Ao vivo: em concerto com a Orquestra Sinfônica de Edmonton”

(1972)

O single de sucesso do Procol Harum, "A Whiter Shade Of Pale", baseado em uma das obras de Bach, tornou-se tão simbólico de 1967 quanto o já mencionado "Sgt. Pepper”, então não é surpreendente que a ideia de gravar com uma orquestra tenha surgido mais cedo ou mais tarde. E devo dizer que isto aconteceu “cedo”: isto álbum ao vivo tornou-se o primeiro disco da história do rock em que o grupo tocou junto com a orquestra não obras ou composições alheias especialmente escritas para isso, mas seus próprios números de rock já conhecidos dos ouvintes. Nesse sentido, o Procol Harum, mesmo sem saber, criou um verdadeiro protótipo para as muitas obras orquestrais de rock semelhantes que se seguiram (e continuam a seguir com frequência alarmante) de bandas que decidiram descansar confortavelmente sobre os seus próprios louros.

A oferta original para gravar com a Orquestra de Edmonton veio em agosto de 1971, mas a saída do guitarrista Robin Trower e a necessidade de trabalhar em orquestrações completas fizeram com que o líder da banda Gary Brooker arquivasse o projeto. E quando chegou a hora, muita coisa teve que ser feita de última hora: um acordo para gravar a performance com a A&M Records foi fechado apenas uma semana antes do show, e a orquestração da música “Conquistador” teve que ser composta no avião vindo da Inglaterra, então a orquestra nem teve tempo para o ensaio. No entanto, essa coisa em particular se tornou um single de sucesso, tocado quase do zero e empurrando o single para o 16º lugar nas paradas americanas, e o próprio álbum para o top cinco da América.

Jethro Tull – “Um caso clássico: a Orquestra Sinfônica de Londres toca a música de Jethro Tull”

(1985)

A década de oitenta não foi a época de maior sucesso na carreira de Jethro Tull, até porque foi então que um dos mais famosos e grupos populares o art rock finalmente se transformou na banda que acompanha seu líder Ian Anderson. Mesmo assim, o grupo ainda tinha algo reservado que poderia surpreender os fãs, como comprova este álbum, gravado pela Orquestra Sinfônica de Londres: difere de outros projetos como “uma orquestra toca clássicos do rock” por ter sido gravado pelo próprio Anderson, permanente o guitarrista Martin Barr, bem como membros da nova banda - o baixista Dave Pegg e o tecladista Peter-John Wittes. Os hinos do rock “Aqualung” ou “Locomotive Breath”, sem falar de peças mais “clássicas” como “Bouree” soam tão harmoniosos como se sempre tivessem existido neste arranjo: os arranjos do projeto foram feitos por outro integrante da formação clássica, tecladista David Palmer. Nos EUA, o álbum alcançou a posição 93 - um resultado fraco para a banda, mas muito bom para o que era essencialmente uma coleção de remakes orquestrais.

Metallica – “S&M”

(1999)

As conversas de que os patriarcas da trash music queriam gravar um álbum com orquestra surgiram no início de 1999 como uma espécie de desafio à rotina de gravações e turnês: Michael Kamen, que trabalhou no inesquecível “Nothing Else Matters”, foi convidado para o projeto como arranjador e maestro. “Sabemos que eles podem jogar e eles sabem que podemos jogar. Você só precisa calcular corretamente o volume do som um do outro”, disse o baixista Jason Newsted em entrevista.

Os shows com a Orquestra de São Francisco, que serviram de base para o álbum duplo e DVD lançados, aconteceram nos dias 21 e 22 de abril do mesmo ano de 1999: apesar de alguns arranjos, segundo a crítica, terem sido feitos com pressa , o álbum vendeu muito bem, e a composição “The Call of Ktulu” ganhou um Grammy de Melhor Performance Instrumental de Rock.

“Sabe, sobre essa coisa com a orquestra... foi tão legal em parte porque não havia muito disso. Não faz sentido fazer cem concertos assim, disse Lars Ulrich em entrevista à MTV. - Nunca estive tão sereno no palco: queria muito cumprir a nossa parte da apresentação de forma brilhante, sem estragar e sem decepcionar a equipe. Provavelmente, dar-se bem num grupo de quatro pessoas é uma coisa. Mas decepcionar cento e oito pessoas é outra coisa... É disso que me lembro daqueles dois concertos: concentração absoluta na minha forma de tocar, sem pensamentos estranhos sobre a iluminação ou a rapariga bonita na terceira fila. Esta é a verdade absoluta."

Escorpiões –"MomentoDeGlória"

(2000)

Depois do Metallica, outros hard rockers também recorreram a álbuns orquestrais, para os quais esse tipo de trabalho se tornou uma espécie de tentativa de provar que o hard rock pode soar respeitável. Os Scorpions não escaparam a este destino, actuando em 11 de Novembro de 1999 em frente ao Portão de Brandemburgo, na celebração do décimo aniversário da unificação da Alemanha. Claro, o destaque da apresentação foi o famoso “Wind of Change”, interpretado por 166 violoncelistas liderados por Mstislav Rostropovich.

A apresentação inspirou tanto os roqueiros que para o próximo projeto convidaram a Orquestra Filarmônica de Berlim para colaborar e, para o clima festivo necessário, alugaram um estúdio em Viena. Além de baladas de assinatura, o programa incluiu um remake do hit “Rock You Like A Hurricane”, chamado “Hurricane 2000” e soando quase mais expressivo que o original, e uma bela versão cover da música “Here In My Heart” de Diane Warren. ”. E a faixa-título foi escrita especificamente para a exposição “EXPO 2000”, que aconteceu na terra natal dos Scorpions, em Hannover. Outro número notável foi a versão instrumental do hit “Crossfire”, cuja introdução foi “Moscow Nights”. O álbum alcançou o terceiro lugar nas paradas alemãs, aparecendo também nas paradas de Portugal, França, Suíça e Japão, que é parcial ao hard rock. Neste último caso, porém, o disco alcançou apenas o centésimo lugar - mas quem disse que a qualidade do trabalho é determinada principalmente pelas posições nas paradas?

Beijo – “Sinfonia: Alive IV”

(2003)

A banda originalmente queria lançar um quarto álbum ao vivo em mais de forma tradicional e na formação clássica, porém, problemas com gravadoras fizeram com que a gravação fosse arquivada, mas o próprio grupo conseguiu entrar na onda do trem da moda que estava partindo. No dia 28 de fevereiro, aconteceu um show em Melbourne, na primeira parte do qual o grupo executou 6 músicas com uma formação de rock tradicional, e em seguida convidou ao palco o Melbourne Symphony Ensemble, dando continuidade ao show com sucessos como “Beth” e "Com certeza sei algo". A cada ato, o nível de intensidade aumentava até atingir seu clímax na terceira parte com uma orquestra sinfônica completa: o clima não foi prejudicado nem pelo fato de Tommy Thayer, que já havia trabalhado em bandas cover, ter se tornado o guitarrista neste show em vez do veterano Ace Frehley. Para torná-lo ainda mais impressionante, os músicos da orquestra foram pintados para se parecerem com membros do Kiss: porém, isso não afetou nem a atuação dos primeiros nem a qualidade do show dos segundos. E este é um daqueles concertos que não é menos emocionante de ver do que de ouvir – afinal, estas quatro pessoas maquiadas sempre foram famosas pela qualidade das suas atuações ao vivo.

Ária – “Ária Clássica”

(2016)

A principal banda de heavy metal do país não ignorou a nova moda: em 2001, o grupo virou atração principal do festival "Invasão", onde apresentou programa de concerto com a Orquestra Sinfônica Globalis dirigida por Konstantin Krimts. A apresentação teve tanto sucesso que em 2002 os músicos fizeram uma turnê sinfônica e em 29 de novembro de 2015 em Moscou Cidade do Açafrão Hall, no âmbito do festival Aria Fest, foi realizado mais um concerto com Globalis, desta vez dirigido pelo maestro sueco Ulf Wadenbrandt: este concerto serviu de base para o álbum posteriormente lançado.

É interessante que o que chama a atenção na gravação não é tanto a orquestra em si, que se viu à sombra do som pesado característico da banda, mas sim o canto confiante de Mikhail Zhitnyakov, que substituiu Valery Kipelov e Artur Berkut como vocalista. Claro, os verdadeiros fãs reconhecem apenas um verdadeiro vocalista de "Aria", e uma mudança desse tipo nunca é indolor, mas é o que acontece quando o grupo finalmente consegue um bilhete da sorte. E, o mais importante, isso se aplica não apenas às novas músicas, mas também àquelas que são familiares a todo verdadeiro “ariano”.

The Cranberries - “Algo Mais”

(2017)

Na segunda década do novo século, às vezes parece que as estrelas do século passado seguem secretamente uma receita elaborada por alguém: se houver uma crise criativa, prepare um álbum de remakes ou covers. À primeira vista, os reunidos decidiram seguir o mesmo caminho. Os Cranberries, cujo primeiro álbum em cinco anos contém apenas três músicas inéditas, todo o resto são versões de sucessos antigos acompanhados de músicas irlandesas orquestra de câmara. No entanto, a voz de Dolores O'Riordan ainda é encantadora, e o próprio grupo, embora tenha surgido na era grunge, sempre se distinguiu principalmente pela melodia, cujas raízes estão na música folclórica irlandesa. E se a maior parte dos discos apresentados nesta crítica são uma espécie de duelo entre o rock e os clássicos, então os The Cranberries muitas vezes permitem-se desaparecer no som da orquestra e permitem aos fãs não só ouvir as suas músicas favoritas versão incomum, mas também para ouvir e apreciar as letras, que muitas vezes se perdem no ambiente habitual da guitarra.

Pela primeira vez na Alemanha! Um show deslumbrante “Symphonic Rock Hits” realizado pela Orquestra Concord!


O que há de incomum no show e concerto desse grupo único?

1. Os músicos não se sentam em cadeiras – eles dançam com seus instrumentos e criam emoção no palco.
2. Instalações de vídeo exclusivas e show de luzes– a atmosfera que torna o concerto inesquecível.
3. Todos os movimentos são coreografados por coreógrafos profissionais.
4. Os figurinos dos participantes do espetáculo foram criados por um grupo de designers e fazem parte da marca Concord Orchestra.
5. A orquestra sinfônica executa todas as composições de memória e sem partituras no palco.
6. Os restantes elementos do espectáculo e performance permanecem um segredo bem guardado!

Você ouvirá composições lendárias Metallica, Linkin Park, Rammstein, Scorpions, Survivor, The Beatles, LED Zeppelin, Nirvana, Aerosmith, Depeche Mode, Europa, Steve Vai, Queen, Status Quo, Bon Jovi, Muse, Maroon 5, AC/DC. Músicos da Orquestra Concord realizarão arranjos de obras bandas de rock famosas para surpreendê-lo continuamente com o som incomum dos sucessos do rock!

A orquestra sinfônica Concord Orchestra é formada por músicos virtuosos da Rússia e da Europa sob a direção do famoso maestro italiano Fabio Pirol. No concerto você encontrará composições de bandas icônicas de rock ao som fresco de uma orquestra sinfônica. Efeitos de vídeo especialmente criados com fotografias exclusivas de músicos de rock na tela grande ajudarão a criar um clima especial.

A Concord Orchestra irá cativá-lo com sua nova programação, que inclui obras de rock moderno e clássico. Este é o som poderoso dos instrumentos nas mãos de profissionais: a riqueza dos violinos, os sons duros das violas, o charme dos violoncelos, o poder do contrabaixo e o rock and roll da bateria.

A energia do rock lendário combinada com um show único irá cativá-lo! Apresse-se para encomendar seus ingressos!

Orquestra Sinfônica dirigida por Wolf Gorelick (de volta da URSS em 2003)
Neste álbum, a Orquestra Sinfônica dirigida por Wolf Gorelik apresenta versões instrumentais de canções de roqueiros russos populares nas décadas de 80 e 90. O rock russo, ao contrário do rock ocidental, raramente pode ser ouvido em arranjos sinfônicos, ou melhor, quase impossível. Com o lançamento deste álbum “Return from the URSS”, os seus criadores quiseram mais uma vez relembrar aos ouvintes a época em que foram criadas estas obras icónicas, que integravam o fundo ouro. rock russo música. Concerto-apresentação do álbum “Russo Rock in Classic. Retorno da URSS” ocorreu em 19 de março de 2003. no Kremlin. Poucas pessoas estavam dispostas a ouvir os clássicos do rock russo executados por uma orquestra sinfônica - a cortina se abriu diante de uma plateia meio lotada. A orquestra de Wolf Gorelik tomou seu lugar no palco, o maestro acenou com sua batuta para centenas de homens e mulheres vestidos com fraques e roupas formais. vestidos de noite, e o show começou. Uma versão quase irreconhecível da música “Changes” de Viktor Tsoi foi seguida pela aparição do apresentador do concerto, Seva Novgorodtsev, que por sua vez apresentou todos os participantes no incrível concerto. O direito de abertura do programa coube ao líder da Máquina do Tempo, Andrei Makarevich. Com a orquestra em completo silêncio, o músico, tocando consigo mesmo uma guitarra elétrica, cantou duas músicas, separadas tanto quanto possível pela época em que foram escritas. E então, afastando-se, admirou como pessoas com violinos, contrabaixos e flautas trabalhavam em sua “Sunny Island”. Konstantin Nikolsky, cujas canções, segundo cálculos de Seva, em festas estudantis quebraram todos os recordes de número de apresentações, preparou três canções: “Eu sou um desses”, “Veterok” e “Músico”. A última peça, completamente transformada por novos instrumentos, foi apresentada em sua versão pela orquestra aos gritos de “bravo” e “lindo”. Como nem todos os músicos envolvidos na gravação do álbum “Russo Rock in Classic” foram ao site do Kremlin naquele dia, o concerto gradualmente se transformou em uma competição “Adivinhe a Melodia”. Felizmente, o público contou com a ajuda do apresentador, que apresentou os autores da composição tocada com piadas e piadas. “Se Boris Grebenshchikov, que está sendo retido por turnês de longa distância, visse o que foi feito com sua música “The Sky is Getting Closer!” - Novgorodtsev ajudou os ouvintes, que mais uma vez se viram perdidos diante de uma melodia aparentemente familiar. Uma situação semelhante aconteceu com a peça “Mãe, estou em apuros”, de Vladimir Kuzmin. O claro favorito do concerto, no qual também participaram os grupos “Agatha Christie” e “Moral Code”, foi o imponentemente calmo Yuri Shevchuk. Respondendo com um sorriso à confissão “Yura, nós te amamos!”, ele permitiu que um verso de “Wind” e “Rain” fosse cantado em seu lugar. E então, recuando para os bastidores, com grande entusiasmo, que mais tarde foi relatado pelo onipresente Novgorodtsev, Shevchuk ouviu o harpista reproduzir o som das gotas da música que acabara de tocar.

As bandas de rock começaram a dar concertos com orquestra no final dos anos 60 do século passado. O Deep Purple não foi o primeiro, mas foi a apresentação deles com o Royal Orquestra Filarmônica inspirou muitas equipes a seguir o mesmo caminho.

Dimmu Borgir

Não importa o que você sinta em relação à banda norueguesa de black metal sinfônico Dimmu Borgir, você não pode negar o fato de que eles show ao vivo com orquestra e coro parece muito impressionante. O lendário concerto sinfônico do grupo aconteceu em Oslo com a Orquestra da Rádio Norueguesa em 2011. Este concerto foi até exibido em um dos canais locais. No Wacken Ar livre Dimmu Borgir tocou com a Orquestra Sinfônica Nacional Tcheca.

Evanescência

Em novembro de 2017, o Evanescence lançou o álbum Synthesis, que incluía músicas de lançamentos anteriores da banda em arranjos orquestrais. Para divulgar o álbum, o grupo deu 81 shows em países América do Norte, Europa e Austrália. Com o apoio da Eventation, dois deles foram realizados na Rússia – em Moscou e em São Petersburgo, em março de 2018.

A orquestra deu um toque especial ao grupo Bi-2. Há vários anos, o grupo vem encantando os ouvintes com a colaboração do maestro Felix Aranovsky, dos arranjadores Sergei Gavrilov e Gennady Kornilov e dos músicos da orquestra sinfônica. Sua apresentação ao vivo será lembrada pelo público por muito tempo.

Escorpiões

Grupo Escorpiões uniu-se pela primeira vez à orquestra em 2000 na exposição mundial EXPO 2000. Seu grande show com a Orquestra Filarmônica de Berlim foi transmitido pelos maiores canais de TV locais. No entanto, o interesse por tal colaboração surgiu um ano antes, quando interpretaram a sua composição mais famosa, Wind Of Change, juntamente com um grupo de 166 violoncelistas liderados por Rostropovich. Scorpions gostou da combinação de sua música com instrumentos clássicos, então esses concertos foram realizados mais de uma vez. Por exemplo, em Moscou eles se apresentaram com Orquestra Presidencial na Praça Vermelha.

Em 2003, o Kiss se uniu à Orquestra Sinfônica de Melbourne para fazer um show incrível. Durante o show, todos os músicos pintaram seus rostos no estilo característico da banda. A performance foi lançada em CD e DVD, chamados Kiss Symphony: Alive IV.

Senhor dos Perdidos

O palco alemão também está repleto de apresentações com orquestra. Na Alemanha existe até um festival chamado Gothic Meets Klassik, do qual participaram muitos músicos interessantes. Por exemplo, o grupo Lord of o perdido teve um desempenho incrível com a Orquestra Sinfônica de Zielona Góra.

Metálico

Em 1999, o Metallica e a San Francisco Symphony realizaram dois shows, durante os quais foi gravado material para o álbum S&M (Symphony and Metallica). O lançamento ocorreu no mesmo ano e recebeu status multi-platina.

Em 2017, Oomph! tornou-se um dos participantes do festival Gotic Meets Klassik. Eles cantaram suas músicas junto com a orquestra polonesa Orquestra Sinfônica de Zielona Góra.

Em setembro de 2018, o grupo dará dois concertos sinfônicos na Rússia - desta vez com a orquestra Globalis.