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Na quarta-feira, minha mãe e eu mais uma vez nos juntamos ao arte elevada, ou seja, visitamos o Teatro Mariinsky para a ópera “ Rainha de Espadas" Neste caso, a nossa escolha foi explicada não tanto pelo nosso amor por Tchaikovsky e Pushkin, mas pela nossa participação na ação de Vasily Gerello. Além disso, a julgar pela reação do público, havia muitas pessoas inteligentes :)
EM ultimamente nas idas aos teatros comecei a ficar assustado com a possibilidade de me deparar produção moderna e veja uma olhada clássico algum próximo camarada criativo. Recentemente ouvi na TV que algumas produções de óperas modernas começariam com dez minutos de silêncio. Aparentemente o próximo ponto será apresentação de balé, que começará com dez minutos de escuridão ( patentear uma ideia?). E é por isso que fiquei antes de mais nada feliz por desta vez não termos encontrado surpresas e podermos desfrutar da clássica produção de “A Dama de Espadas” (que estreou no Teatro Mariinsky em 1984, quando o teatro ainda se chamava o Teatro de Ópera e Ballet de Leningrado em homenagem a Kirov).
Os figurinos e cenários são muito bonitos. E o cenário também impressiona pela escala. É verdade que devido a esta escala, alterá-los leva algum tempo, mas vale a pena.
Entre os artistas, é claro, Vasily Gerello (Conde Tomsky) agradou. Não esperava ver Irina Bogacheva (Condessa) no palco - não pensei que ela ainda estivesse se apresentando. Bom trabalho! Maxim Aksyonov (Herman) cantou no primeiro ato, para dizer o mínimo, não tão quente, mas no segundo ato ele perdeu a paciência. Ele começou a cantar, suponho. Não posso dizer nada sobre os outros artistas - Alexander Gergalov (Príncipe Yeletsky), Tatyana Pavlovskaya (Liza) e Ekaterina Sergeeva (Polina).
Tínhamos assentos no segundo camarote do primeiro nível. No momento em que compramos os ingressos, não havia muita escolha, mas se houvesse escolha, eu não recomendaria ocupar esses assentos - nem todo o palco pode ser visto claramente de lá. Principalmente se você tiver uma sorte fabulosa com seus vizinhos - uma mãe e uma filha estavam sentadas ao nosso lado, quase saindo da caixa para ver melhor. E, claro, eles não pensaram no fato de que, ao fazer isso, estavam privando outros espectadores da oportunidade de ver pelo menos alguma coisa. Tive que fazer uma observação duas vezes. No entanto, depois de captarmos um diálogo entre este casal sobre as ordens dórica e jônica durante o intervalo, todas as perguntas desapareceram imediatamente :))
Mas dos nossos assentos era conveniente observar a orquestra. Então, por exemplo, descobri que o maestro (Pavel Smelkov) está sentado.
Não foi possível comprar o programa - não é a primeira vez que me deparo com o facto de no primeiro intervalo permanecerem apenas por Inglês. Eu me pergunto por que isso acontece?
Uma desvantagem significativa da cena antiga Teatro Mariinsky ainda existem pequenos banheiros ( Gostaria de saber se existe algum plano para resolver esse problema durante a reforma?). Como resultado, você tem que sair correndo do salão antes do intervalo e, sob risadas amigáveis ​​​​dos trabalhadores do teatro, correr para o banheiro ( Para ser justo, observo que fui o primeiro a rir). Caso contrário, existe a possibilidade de ficar na fila durante todo o intervalo - quando saí, cerca de trinta pessoas já estavam reunidas. Invejo as pessoas que conseguem viver quatro horas sem essa atração.
Depois de ir ao teatro, tive vontade de reler Pushkin - parece que me lembro do enredo, mas os detalhes já foram apagados da minha memória.
Agradecimentos especiais

Nas ruínas do conde

"A Dama de Espadas" no Mariinsky

EM últimos anos O Teatro Mariinsky voltou à sua antiga glória e, portanto, você espera algo incrível de seus passeios. Talvez seja por isso que A Dama de Espadas foi uma decepção tão grande.

Sob a forte liderança de Gergiev, a Orquestra do Teatro Mariinsky (cujo alto profissionalismo ninguém duvida) muitas vezes soa tensa e inflexível e, embora haja momentos surpreendentemente belos em sua execução, no geral é desinteressante de ouvir, e só podemos adivinhar como pode ser bom. A música de Tchaikovsky é brilhante, profunda, dramática, trágica.

A orquestra parece cansada, o que não é surpreendente: há apresentações quase todas as noites e ensaios para uma nova produção durante o dia.

Contudo, a ópera não é concerto sinfônico, então vamos deixar a orquestra em paz e passar para os solistas. Infelizmente, no primeiro elenco apenas o tenor Vladimir Galuzin (alemão) é realmente bom; ele é um verdadeiro “ator cantor” que vive vocal e dramaticamente a tragédia de seu herói, dilacerado por duas paixões - o amor por Lisa e o amor pelo dinheiro, e no final enlouquecendo. O desempenho dependia apenas dele. Liza (soprano Tatyana Borodina) parece bastante pálida; sua Lisa é apenas uma garota infeliz e modesta, e é impossível acreditar que ela seja capaz de sacrificar um casamento bem-sucedido com um homem rico por causa da incerteza e de um momento de amor.

Polina (Marianna Tarasova) tem uma bela mezzo-soprano, e o barítono Eletsky Vasily Gerelo é muito impressionante, mas ainda assim, a falta de drama genuíno, claramente presente na música de Tchaikovsky, é problema principal produção atual. Prilepa (Olga Trifonova e Ekaterina Solovyova), Chekalinsky e Chaplitsky (tenor Leonid Lyubavin, que cantou em Falstaff da NIO) são bons em ambos os elencos;

o único que cantou com dignidade no segundo elenco foi o barítono Viktor Chernomortsev (Tomsky), que mora em Israel e trabalha no Mariinsky. No entanto, eles não fazem o clima. Como espetáculo teatral, a produção deixa muito a desejar. A direção (Alexander Galibin), com exceção de dois ou três momentos, está praticamente ausente e, quando está presente, costuma parecer indefesa. A brincadeira é antiquada: o cantor vai até o meio do palco, coloca o pé no chão, estende a mão, canta sua ária e vai embora. Não há necessidade de falar sobre movimento de palco - não tem nada a ver com música, os atores e o coral simplesmente se aglomeram no palco. O cenário minimalista (Alexander Orlov) com portas de vaivém e cortinas esvoaçantes que se movem para frente e para trás pelo palco, junto com a iluminação forte (Gleb Filshtinsky) nada têm a ver com a música de Tchaikovsky ou com São Petersburgo - uma aquarela, cinza, fria cidade arrogante, um dos poucos lugares no mundo onde tal histórias estranhas

Muitas vezes tratamos a Nova Ópera Israelita sem o devido respeito, e é completamente em vão - o NIO teve excelentes produções, tanto tradicionais como modernas, e quanto à Orquestra Rishon Lezion, a orquestra “casa” da ópera, com um bom maestro parece excelente. Há dois anos Franco Zeffirelli trouxe sua produção absolutamente tradicional de La Bohème. Sem inventar truques, Zeffirelli simplesmente leu a partitura com muita atenção e traduziu-a para linguagem visível. teatro musical . Ele viu Rodolfo fechando a janela, como começou, parou e novamente Está nevando

quão infeliz Mimi surge em seu leito de morte; ele sentiu a luz mudar de foto para foto; e na noite de Natal ele trouxe ao palco cinco mil pessoas, um cavalo vivo e um burro vivo - tudo isso viveu, respirou e, o mais importante, foi significativo e completo.

Mas a criação de um todo único, onde a música, o movimento, a luz e a cor se fundem, não é a encenação de uma ópera?

Porém, há uma cena em “A Dama de Espadas” que é uma alegria para todos os sentidos: a pastoral “A Sinceridade da Pastora”, estilizada a partir das pinturas de Watteau e executada com graça impecável - o pessoal do Teatro Mariinsky realmente sabe como para dançar. Se durante a introdução

no proscênio, um menino brinca com um castelo de cartas - há dúvida de que a casa vai desmoronar no final? Não é necessário, porque a direção de Alexey Stepanyuk sempre consiste em trivialidades completamente calculadas. Embora você tenha que assistir a uma performance de três atos para se convencer, no final da sétima cena, de que a suposição feita no início da primeira foi confirmada. No entanto, a banalidade do pensamento do diretor não contradiz a sua falta de lógica. O menino, chamado de “pequeno Herman” no programa, dá um passo nas profundezas do palco e acaba se revelando o comandante dos meninos que brincam de soldados no Jardim de Verão. Depois disso, como esperado, o Herman adulto aparece. Como pode um mesmo personagem ser simultaneamente uma visão do passado na realidade convencional e um menino real no Jardim de Verão? Contudo, o bom senso nunca foi o ponto forte do Sr. Stepaniuk. Embora, é claro, comparado com suas outras obras - por exemplo, com “Onegin”, que é mostrado aqui no Mariinsky-2, onde Lensky se entrega aos prazeres carnais com Olga em um palheiro, ou com “ O Barbeiro de Sevilha "V Sala de concertos , onde todos “confortam” a todos, independentemente de sexo, idade e, esta “Rainha de Espadas” é Stepanyuk-light. A única coisa é que Herman, na quarta cena, derruba Lisa no chão, e mesmo assim quase nos bastidores e nos últimos compassos. Ao mesmo tempo, a condessa, que acaba de morrer, por alguma razão desconhecida, levanta-se da cadeira e afasta-se, desviando a atenção da intrigante trama que se desenrola entre o seu assassino involuntário e a sua neta.

Felizmente, tal direção A performance não é ricamente temperada com achados, e a principal função formativa foi assumida pela cenografia de Alexander Orlov. Dos lados, colunas douradas presas a hastes movem-se suavemente e flutuam, enquanto as mesmas cornijas de estuque descem e sobem paralelamente. Os lances de cortinas escuras e transparentes rimam com essas manobras - uma autocitação de “Spade” de 1999, encenada por Alexander Galibin, que também foi desenhada por Orlov. A cenografia do balé é tão linda que o mais sensato dos bailarinos seria ficar em pé e cantar - nos melhores momentos é isso que acontece.

Cavalga silenciosamente dos bastidoresà frente há uma enorme plataforma com degraus de vários níveis, coberta com tapetes e mobiliada com candelabros - o quarto de Lisa na segunda foto lembra um luxuoso harém, também com harpa e cravo dourados.

Na terceira foto - no baile do nobre Catarina - tudo é simplesmente dourado, inclusive as esculturas, que logo ganham vida e se juntam ao desfile de vestidos chiques de Irina Cherednikova.

Trajes - estilo para final do século XVIII, quando ocorre o libreto de Modest Tchaikovsky. Mas o debate de longa data é se devemos seguir este calendário ou se devemos devolver o primeiro terceiro XIX século, como Pushkin, ou, digamos, transferir tudo para os nossos dias, não é relevante para esta performance. Sua ação ocorre independentemente de quando e com quem é desconhecida.

Ao lado do coletado, complete dignidade interior do Príncipe Yeletsky (Vladislav Sulimsky) - Conde Tomsky, a quem Roman Burdenko por algum motivo apresentou como um cara estúpido. Maxim Aksenov - Herman retrata diligentemente o Conde Drácula. Maria Maksakova, de 37 anos, reduziu seu trabalho no papel da condessa de 87 anos a colocar uma rede no cabelo. Etc.

Mas não importa como você encene esta ópera, Pyotr Ilyich conseguirá o que quer. Por exemplo, Irina Churilova - Liza se separou aos poucos e cantou “Ah, estou exausta de tristeza” tanto que foi impossível não sentir empatia.

E tão sincero o coro despediu-se do infeliz Herman. E da mesma forma - muitas vezes em ritmo lento, como se estivesse saboreando - a orquestra de Valery Gergiev soou a partitura brilhante.

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A produção de Yuri Temirkanov está em exibição no Teatro Mariinsky há mais de 20 anos e se tornou um padrão para várias gerações de espectadores. Acontece que é percebido como uma combinação estilística com a produção anterior de Temirkanov e igualmente reverenciada pelo público - “Eugene Onegin” em 1982. Sobre Nova cena O Teatro Mariinsky, paralelamente ao clássico, apresenta “Onegin” para a segunda temporada na versão de Alexey Stepanyuk. Agora é a vez de apresentar uma nova leitura de “Spade”. As estreias aconteceram nos dias 27, 28 e 29 de maio, abrindo uma série de eventos XXIII festival“Estrelas das Noites Brancas”.

Os lugares habituais nesta história só podem ser parcialmente reconhecidos. Contornos Jardim de verão no primeiro ato são vagamente adivinhados, e última reunião German e Lisa passam bastante por Strelka Ilha Vasilievsky tendo como pano de fundo uma bola de granito, mas não no Canal de Inverno. E, no entanto, esta é São Petersburgo. Petersburgo é literária e mitológica.

No cenário preto e cinza (desenhista de produção Alexander Orlov), na interminável série de figuras escuras, reconhece-se a cidade de Dostoiévski e não de Pushkin. As silhuetas cintilantes e picadas que se transformam nos parasitas da Condessa sugerem pensamentos de “ homenzinho» Gógol. Esta é uma cidade onde as pessoas vivem na escuridão, transformando-se gradualmente em mortos-vivos. Na verdade, no início da ópera, todos já estão “mortos”, exceto Lisa. O espectador assiste à sua morte – figurativa e literal – por quase quatro horas.

Portanto, a questão permanece sem solução para o espectador: se Herman amava Lisa ou apenas a usou como um meio para atingir seu objetivo desejado. A imagem do personagem principal é construída sobre uma superideia - descobrir como dominar o mundo. No prólogo, vemos um menino (interpretado por Yegor Maksimov) que está erguendo um castelo de cartas no proscênio - um símbolo de uma obsessão que possuirá Herman por toda a sua vida. Diante de nós está praticamente um pequeno Napoleão - um chapéu armado e a pose da imagem “mãos atrás das costas, pés afastados na largura dos ombros” já estão com ele. É assim que o Herman adulto aparece. Este é um típico portador de ideias extremamente valiosas, que conhecemos dos romances de Dostoiévski e Tolstoi. Vemos o que está acontecendo através de seus olhos - absurdo ou realidade, paródia ou kitsch.

Verdadeiramente paródico, e para muitos espectadores até chocante, foi o número de objetos dourados no espaço negro do palco. Na verdadeira São Petersburgo, onde o veludo verde é fortemente preferido ao vermelho, e a capacidade de vestir está intimamente ligada à escolha do único tom correto de cinza, tal decisão cenográfica é um verdadeiro tapa na cara do gosto do público. Nesta fase, o conhecimento da produção pode terminar se o espectador não estiver com vontade de brincar sobre sua ópera favorita e sua cidade natal. Mas alguns ficam satisfeitos com tanta profusão de luxo no palco: estátuas douradas ganhando vida, um cravo dourado, uma harpa dourada, candelabros dourados, árvores decorativas douradas, colunas douradas, penteados e fantasias douradas. Aliás, os figurinos, que correspondem exatamente à época - década de 1790 - foram feitos em grande escala. estilo de ópera"e surpreender a imaginação, pelo que não podemos deixar de agradecer à artista Irina Cherednikova. Acrescentemos ao acima exposto o quarto acarpetado de Lisa, que se parece mais com os aposentos das mulheres em algum palácio oriental do que com o quarto de uma donzela russa. No entanto, não se pode negar que esta pretensão dentro dos limites rígidos de um espaço limitado por todos os lados (mesmo por cima!) cria uma certa atmosfera. Uma atmosfera de mofo, decadência e morte. Uma espécie de tumba de Tutancâmon com múmias vivas em seu interior, um mundo de cadáveres vivos que comem, bebem, dançam em bailes e se banham com luxo.

Uma das características cenográficas da produção foram as colunas: elas se movimentam pelo palco, criando labirintos, túneis ou gaiolas para cada quadro. Já vimos as mesmas colunas em “Eugene Onegin” de Alexey Stepanyuk no baile de São Petersburgo, onde Onegin reencontra Tatiana. Se traçarmos um eixo invisível entre as duas produções, podemos traçar o contraste entre o mundo rural, cheio de ar e de espaço livre, repleto do aroma de Antonovka (que se transmite cenograficamente até demasiado literalmente com a ajuda de maçãs espalhadas por todo o lado) , e o mundo metropolitano, onde nunca há luz e ar fresco.

Como na primeira parte desta, relativamente falando, dilogia, linguagem de palco da nova produção é exagerada e lembra um curso intensivo de “Clássicos para todos”. As expressões faciais dos atores são por vezes excessivas, as suas poses são pitorescas e as pausas parecem deliberadas. Mas não tire conclusões precipitadas. Como mostrou uma visita a duas apresentações de estreia, composições diferentes brincam com diferentes acentos semânticos, a variabilidade está presente até na mise-en-scène e na construção de relações entre os personagens.

Um sistema detalhado de relacionamentos é uma característica marcante do diretor Stepanyuk. Ao mesmo tempo, o libreto e a partitura continuam sendo a base da pesquisa do diretor. Parece que em ópera famosa Não pode mais haver liberdade de interpretação dentro dos limites daquilo que o compositor escreveu. Mas os personagens apresentados na nova produção provam o contrário.

Polina (a apresentação de estreia foi cantada por Ekaterina Sergeeva) não é tanto uma amiga, mas sim uma rival de Lisa. Uma interpretação completamente possível, visto que o romance que ela interpreta só agrava a melancolia personagem principal, e a censura “Olha, vou reclamar de você para o príncipe. / Direi a ele que no dia do noivado você estava triste...” também pode ser interpretado como regozijo.

A relação entre German e Lisa (Maxim Aksenov e Irina Churilova) também dificilmente pode ser chamada de familiar. A sensualidade que flui através da música de Tchaikovsky é expressa aqui de forma inequívoca. Novamente, você não pode contestar o libreto: “Tanto sua mão criminosa / Minha vida quanto minha honra foram tiradas”. Com isso, o encontro entre Lisa e Herman no final do primeiro ato acontece tendo como pano de fundo o enorme tamanho da poltrona naquele mesmo tapete-almofada “seraglio”. É visual e moderno e, o mais importante, compreensível para os jovens que não se aprofundam nas nuances de palavras como “desonra” e “sedutor”.

Se Lisa de Irina Churilova é vítima de atração fatal, uma garota simples e realista, então Lisa de Tatyana Serzhan, que cantou no segundo dia, pode ser descrita como a jovem de Turgenev. Sua personagem é mais parecida com uma imagem familiar desde a infância. As relações com Herman-Mikhail Vekua também são construídas em um plano platônico. A morte de sua heroína é percebida como o resultado de um colapso interno de longa data, fragilidade mental, enquanto Liza de Irina Churilova corre de cabeça para os braços da morte, naquela dor ardente de que apenas naturezas inatamente alegres são capazes. Aliás, na produção Lisa não se joga no rio, mas efetivamente caminha na neblina, literalmente através de uma caixa coberta de baeta verde - uma casa de jogos - que se aproxima dessa neblina.

Os parceiros de dois cantores bem diferentes confirmam sabedoria mundana que os opostos se atraem. Liza, de Irina Churilova, que sem dúvida se tornaria motivo de chacota em condições mais “saudáveis”, se apaixona pelo alemão Maxim Aksenov, um personagem profundamente imperfeito que sofre de sérias mudanças de personalidade. A Lisa de Tatyana Serzhan, frágil ao ponto da transparência, foi emparelhada com o atrevido e ganancioso Herman de Mikhail Vekua.

Os intérpretes dos papéis principais revelaram-se fiéis às suas imagens e vocalmente. Maxim Aksenov nem sempre soou estável e uniforme, mas demonstrou uma rica paleta de nuances, uma variedade de cores e climas ao longo de todo o jogo. O estilo vocal de Mikhail Vekua é direto, a parte é escrita na mesma cor, mas de forma brilhante. O destaque do programa tornou-se a famosa ária “Qual é a nossa vida? Game!”, que Mikhail executou na tonalidade original de Si maior, alcançando com segurança o topo si(normalmente a versão aprovada pelo próprio Tchaikovsky é executada um tom abaixo).

A entrega vocal da soprano também foi diferente. Tem-se a impressão de que a voz grande e calorosa de Irina Churilova se sente muito confortável no papel tão complexo de Liza. A peça foi feita em grande escala, com traços largos. Ao mesmo tempo, a voz soa uniformemente nos registros em toda a extensão, livremente, sem tensão excessiva. A única coisa que eu gostaria é de mais controle nas notas altas no clímax. Ao piano, a cantora demonstra cabalmente que sabe domar a sua voz enorme, dando-lhe transparência. Isso dá confiança de que ela pode alcançar um equilíbrio entre poder e eufonia, e em passagens dramaticamente tensas.

Tatiana Serzhan, como sempre, demonstrou a mais alta cultura cantando e controle total sobre sua voz. Sua parte adquire profundidade, sutileza e incrível emoção. Mas por tudo fica claro que temos diante de nós um intérprete de sucesso do repertório italiano: a variedade de nuances, quando o cantor enfatiza quase todas as palavras cantadas de maneira especial, remete claramente aos cânones de Verdi. Para o ouvido russo, a apresentação é ainda mais familiar quando a frase flui como um rio e não é dividida em palavras-acentos separados e cuidadosamente trabalhados, porque há um parentesco claro entre a música de Tchaikovsky e a música russa e ucraniana. canções folclóricas baseado na respiração em cadeia.

Entre os intérpretes de outros papéis, destaco Elena Vitman no papel de Condessa. Esse personagem foi concebido pelo diretor como grotesco. O movimento é comum, mas sempre ressoa no espectador. Os vocais de alta qualidade de Elena Vitman, o charme cativante e o enorme talento de atuação fizeram dela praticamente a heroína da noite. Esta é uma jovem idosa, cuja comitiva diligentemente “não percebe” sua idade. Ao ver Herman em seu quarto, ela, o que é lógico em tal situação, o leva por buscar o amor dela – da Condessa. Este tema não é novo e foi até utilizado no balé baseado em A Dama de Espadas. É significativo que a segunda condessa, Maria Maksakova, tivesse um desenho ligeiramente diferente para o papel, claramente feito para ela, o que, no entanto, não ajudou muito a alcançar a autenticidade da imagem.

Uma impressão agradável foi causada por Ekaterina Krapivina, que apareceu no palco em todas as três apresentações de estreia - nos dias 27 e 29 de maio como Governanta, e em 28 de maio como Polina e Milovzor. Um registro inferior livre e colorido permite que a cantora expresse a parte do contralto de Polina naturalmente, sem esforço visível. Como Tomsky e Yeletsky, o teatro nomeou seus principais barítonos - Roman Burdenko e Viktor Korotich (parte de Tomsky), Vladislav Sulimsky e Vladimir Moroz (parte de Eletsky). Todos os quatro cantaram em um nível decente, mas foram mais lembrados pelos personagens capturados com precisão de seus personagens.

A orquestra dirigida por Valery Gergiev apresentou uma interpretação trágico-monumental desta música. Andamentos lentos, pressão poderosa, som denso e denso, levando paixão, languidez e desespero ao extremo - tudo isso nos permite esperar que nova produção não foi concebido como uma opção levemente divertida para “manequins” (e este é o primeiro pensamento que vem à mente após o final da performance), e pode existir como uma história tragicômica autossuficiente sobre uma cidade que não conhece luz.

Fotos cortesia da assessoria de imprensa do Teatro Mariinsky

Maestro – Pavel Smelkov
Alemão – Vladimir Galuzin
Conde Tomsky: Roman Burdenko
Príncipe Yeletsky: Vladimir Moroz
Condessa – Lyubov Sokolova
Lisa: Tatyana Pavlovskaya
Polina: Yulia Matochkina
Com o tempo que prevalece desde a noite de domingo, você não quer ir a lugar nenhum nem fazer nada. Mas comprei ingresso, minha curiosidade também não dormiu, e para que visitar meu teatro preferido não pareça uma façanha, vou de ônibus. Sei do engarrafamento da Praça Truda, mas não me importo com a direção, consolando-me com o fato de não saber em que estado está a voz de Galuzin em relação aos outros, só tenho certeza de Tomsky; e Polina, então é bem possível que meus ouvidos tenham que descansar a maior parte do tempo. Além disso, A Dama de Espadas é uma ópera longa, a produção é estúpida e, a julgar pela forma como todos os ingressos desapareceram de uma vez, o público pode acabar sendo em grande parte aleatório.
O engarrafamento estava instalado, pequeno, mas praticamente morto, então todos esses pensamentos calmantes tiveram que ser perseguidos em círculos muitas vezes, e eu estava atrasado não só para a abertura, mas também para “Não sei o nome dela”. A primeira impressão dos vocais de Galuzin é de surpresa. Não, li mais de uma vez que é difícil chamá-lo de tenor pela voz, mas não percebi isso nas gravações. E aqui, ao vivo, ele soava mais barítono do que Moroz-Eletsky. Se minha ignorância fosse um pouco maior e eu tivesse ouvido Pikovaya pela primeira vez, teria decidido que a parte de Herman era a parte de um barítono, e ainda por cima dramática. A voz em si estava em condições muito melhores do que eu esperava. A idade, claro, é perceptível, às vezes passagens difíceis foram tratadas com puro profissionalismo, mas do ponto de vista de um leigo nada pode ser apresentado além do lançamento de uma censura. E se você comparar com a forma como balança a voz do Moroz, que é muito jovem, então você pode simplesmente desistir dessa deficiência, que foi o que eu fiz. A propósito, Lisa e a Condessa não se distinguiam pela uniformidade do som, então que tipo de reclamações existem contra Herman? Dramaticamente, tudo estava completamente perfeito.
Burdenko é meu Tomsky favorito, e desta vez ele não decepcionou, ele não consegue papéis cômicos piores do que os de vilão. Sim, Tomsky ontem estava engraçado e travesso, e não foi o único, como se A Dama de Espadas fosse, se não uma comédia, pelo menos uma tragicomédia. E humor geral ontem - “O que é essa vida? Jogo!" De alguma forma, antes a produção parecia mais séria. Não sei qual é o problema, talvez a falta de VAG.
Também quero elogiar os outros. Pavlovskaya-Liza estava linda na cena do canal, as meninas obedientemente sofredoras eram seus papéis. Foi realmente uma pena para Moroz-Eletsky, apesar de todos os problemas, o cantor tem um timbre lindo e uma boa dicção. Esperava-se que Matochkina-Polina fosse boa. Sokolova-Condessa é a primeira condessa desta produção, da qual definitivamente gostei.
Inesperadamente, durante o processo percebi que comecei a gostar da produção. Os tapetes e os inúmeros dourados tornaram-se familiares e já não incomodam, mas a outra cenografia agrada. Será necessário repetir Sansão e Dalila na nova temporada, talvez então aconteça um efeito semelhante.
A impressão geral foi muito agradável. Ainda assim, é certo não ter grandes expectativas. O público recebeu a apresentação muito calorosamente; se houvesse menos telefonemas, seria absolutamente bom.