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Introdução

1. História de vida

2. reforma da ópera

Conclusão

Bibliografia

Introdução

A atividade multilateral de Richard Wagner ocupa um lugar de destaque na história da cultura mundial. Possuindo um enorme talento artístico, Wagner mostrou-se não apenas como um músico brilhante - compositor e maestro, mas também como poeta, dramaturgo, crítico-publicitário (16 volumes de suas obras literárias incluem obras sobre os mais diversos assuntos - da política à arte ).

É difícil encontrar um artista em torno do qual houvesse disputas tão acirradas quanto em torno deste compositor. A tempestuosa controvérsia entre seus partidários e oponentes foi muito além da era moderna de Wagner e não diminuiu mesmo após sua morte. Sobre virada do XIX- Séculos XX, ele se tornou um verdadeiro "governante de pensamentos" da intelectualidade européia.

Wagner viveu uma longa e vida agitada marcado por quebras bruscas, altos e baixos, perseguições e exaltações. Incluía assédio policial e patrocínio " os poderosos do mundo esse."

1. História de vida

Rimhard Wamgner, nome completo Wilhelm Richard Wagner (alemão: Wilhelm Richard Wagner; 22 de maio de 1813, Leipzig - 13 de fevereiro de 1883, Veneza) foi um compositor e teórico da arte alemão. O maior reformador da ópera, Wagner teve um impacto significativo na Europa cultura musical, especialmente o alemão.

Nasceu em 22 de maio de 1813 em Leipzig em uma família artística e desde a infância gostava de literatura e teatro. Uma grande influência na formação de Wagner como compositor foi seu conhecimento da obra de L. van Beethoven. Estudando muito por conta própria, teve aulas de piano com o organista G. Muller, teoria musical com T. Weiling.

Em 1834-- 1839. Wagner já havia trabalhado profissionalmente como maestro em várias casas de ópera. Em 1839-1842. morava em Paris. Aqui ele escreveu o primeiro ensaio significativo- ópera histórica "Rienzi". Em Paris, Wagner não conseguiu encenar esta ópera, ela foi aceita para produção em Dresden em 1842. E até 1849, o compositor trabalhou como maestro e maestro na Dresden Court Opera. Aqui em 1843 ele encenou sua própria ópera “ Holandês Voador", e em 1845 -" Tannhäuser e o concurso de cantores em Wartburg ". Em Dresden, uma das cidades mais óperas famosas Wagner "Lohengrin" (1848).

Em 1849, por participação na agitação revolucionária em Dresden, o compositor foi declarado criminoso estadual e foi forçado a fugir para a Suíça. Criou seu principal obras literárias, como "Arte e Revolução" (1849), "Arte do Futuro" (1850), "Ópera e Drama" (1851). Neles, Wagner atuou como reformador - principalmente da arte operística. Suas principais ideias podem ser resumidas da seguinte forma: na ópera, o drama deve ter precedência sobre a música, e não o contrário; ao mesmo tempo, a orquestra não está subordinada aos cantores, mas é um "ator" igual.

O drama musical pretende tornar-se uma obra de arte universal capaz de influenciar moralmente o público. E tal impacto só pode ser alcançado operando com conceitos filosóficos e estéticos, generalizados em uma trama mitológica.

O compositor sempre escreveu ele mesmo o libreto de suas óperas. Além disso, em Wagner, cada personagem, mesmo alguns itens importantes para o desenvolvimento da trama (por exemplo, um anel), tem seu próprio características musicais(leitmotivs). O esboço musical da ópera é um sistema de leitmotivs. Wagner incorporou suas ideias inovadoras em um projeto grandioso - o Anel do Nibelungo. Este é um ciclo de quatro óperas: "Ouro do Reno" (1854), "Valquíria" (1856), "Siegfried" (1871) e "A Morte dos Deuses" (1874).

Paralelamente ao trabalho sobre a tetralogia, Wagner escreveu outra ópera - Tristão e Isolda (1859). Graças ao patrocínio do rei bávaro Ludwig II, que favoreceu o compositor desde 1864, um teatro foi construído em Bayreuth para divulgar a obra de Wagner. Em sua estreia em 1876, a tetralogia "O Anel dos Nibelungos" foi encenada pela primeira vez e em 1882 foi lançada. última ópera Wagner - "Parsifal", chamado pelo autor de um solene mistério de palco.

2. reforma da ópera

A contribuição de Wagner para a cultura mundial é determinada, antes de tudo, por sua reforma operística, sem a qual é impossível imaginar mais destino gênero ópera. Ao realizá-lo, Wagner procurou:

Para a incorporação de um conteúdo global e universal baseado nas lendas e mitos do épico germano-escandinavo;

À unidade da música e do drama;

À contínua ação musical e dramática.

Isso o levou:

Ao uso predominante do estilo recitativo;

À sinfonização de ópera baseada em leitmotivs;

À rejeição das formas operísticas tradicionais (árias, conjuntos).

Em sua obra, Wagner nunca se voltou para temas modernos, para a imagem Vida cotidiana(exceção - "Nuremberg Meistersingers"). O único digno fonte literáriaópera que ele considerava mitologia. O compositor enfatizou constantemente o significado universal do mito, que "permanece verdadeiro em todos os momentos". Característica é a saída de Wagner do seguimento mais ou menos passivo de uma fonte mitológica: via de regra, em uma ópera ele sintetiza várias lendas, criando sua própria narrativa épica. A atualização do mito é um princípio que perpassa toda a obra de Wagner.

Repensando o mito no espírito da modernidade, Wagner tentou dar uma imagem do mundo capitalista moderno com base nele. Por exemplo, em "Lohengrin" ele fala sobre a hostilidade sociedade moderna em relação a um verdadeiro artista, no “Ring of the Nibelungen” em forma alegórica, denuncia a sede de poder mundial.

A ideia central da reforma wagneriana é a síntese das artes. Ele estava convencido de que música, poesia, peças teatrais poderiam criar uma imagem abrangente da vida apenas em ação conjunta. Como Gluck, Wagner atribuiu à poesia o papel principal na síntese operística e, portanto, prestou grande atenção ao libreto. Ele nunca começou a compor música até que o texto estivesse finalmente polido.

O desejo de uma síntese completa de música e drama, para uma transmissão precisa e verdadeira palavra poética levou o compositor a apostar no estilo declamatório. wagner ópera reforma orquestra

No drama musical de Wagner, a música flui em um fluxo contínuo, contínuo, não interrompido por recitativos secos ou inserções de conversa. Esse fluxo musical é constantemente atualizado, alterado e não retorna ao palco já ultrapassado. É por isso que o compositor abandonou as árias e conjuntos de ópera tradicionais com seu isolamento, isolamento uns dos outros e simetria repetida. Em contraste com o número da ópera, é apresentado o princípio de um palco livre, que se baseia em material constantemente atualizado e inclui episódios melodiosos e recitativos, solo e conjunto. Assim, o palco livre combina as características de várias formas operísticas. Pode ser puramente solo, conjunto, massa, misto (por exemplo, solo com inclusão de coro).

Wagner substitui árias tradicionais por monólogos e histórias; duetos - diálogos em que prevalece o canto não conjunto, mas alternado. O principal nessas cenas livres é a ação psicológica interna (luta de paixões, mudanças de humor). O lado externo e agitado é reduzido ao mínimo. Daí - a predominância da narrativa começando sobre o palco efetivo, razão pela qual as óperas de Wagner diferem drasticamente das óperas de Verdi, Bizet.

papel unificador no Wagnerian formulários gratuitos uma orquestra está tocando, cuja importância aumenta dramaticamente. É na parte orquestral que se concentram as imagens musicais (leitmotivs) mais importantes. Wagner estende à parte da orquestra os princípios desenvolvimento sinfônico: os temas principais são desenvolvidos, opostos entre si, transformados, adquirindo um novo visual, combinados polifonicamente, etc. Como um coro em tragédia antiga a orquestra de Wagner comenta o que está acontecendo, explica o significado dos eventos por meio de temas transversais - leitmotifs.

Qualquer ópera madura de Wagner contém 10-20 leitmotivs dotados de um conteúdo programático específico. O leitmotiv de Wagner não é apenas um tema musical brilhante, mas a ferramenta mais importante que ajuda o ouvinte a entender a própria essência dos fenômenos. É o leitmotiv que evoca as associações necessárias quando os personagens se calam ou falam sobre algo completamente diferente.

Tetralogia "Anel dos Nibelungos"

Wagner considerou, com razão, a criação da tetralogia "Anel dos Nibelungos" a principal obra de sua vida. De fato, tanto a visão de mundo do compositor quanto os princípios de sua reforma receberam sua incorporação completa aqui.

Esta não é apenas a criação em escala mais gigantesca de Wagner, mas também a obra mais grandiosa de toda a história. Teatro musical.

Como em suas outras obras, na tetralogia o compositor sintetizou várias fontes mitológicas. O mais antigo é o ciclo escandinavo de contos heróicos "Elder Edda" (séculos IX-XI), que fala sobre os deuses dos antigos alemães, sobre o surgimento e a morte do mundo, sobre as façanhas dos heróis (principalmente sobre Sigurd-Siegfried ). Dep. Wagner pegou motivos de enredo e variantes alemãs de nomes do Nibelungenlied (século XIII) - a versão alemã da lenda de Siegfried.

Foi o "radiante" Siegfried, a imagem mais querida da lenda, incluída em muitos "livros folclóricos" alemães, que primeiro atraiu a atenção de Wagner. O compositor o modernizou. Ele enfatizou o princípio heróico em Siegfried e o chamou de "o homem do futuro ansiosamente esperado", "o redentor socialista".

Mas O Anel não permaneceu um drama de Siegfried: originalmente concebido como um único drama que glorificava a humanidade livre (a morte de Siegfried), o plano de Wagner crescia cada vez mais. Ao mesmo tempo, Siegfried cedeu o primeiro lugar ao deus Wotan. O tipo Wotan é a expressão de um ideal diametralmente oposto ao de Siegfried. O governante do mundo, a personificação do poder ilimitado, ele é tomado por dúvidas, age de forma contrária próprio desejo(condena seu filho à morte, termina com sua amada filha Brunhilde). Ao mesmo tempo, Wagner delineou os dois personagens com óbvia simpatia, igualmente apaixonado tanto pelo herói radiante quanto pelo sofredor. submisso ao destino Deus.

É impossível expressar em uma fórmula a "idéia geral" do Anel dos Nibelungos. Nesta grandiosa obra, Wagner fala do destino do mundo inteiro. Tudo está aqui.

1 - denúncia da sede de poder e riqueza. No artigo "Conhece-te a ti mesmo" Wagner revelou o simbolismo da tetralogia. Ele escreve sobre Alberich como a imagem do "terrível governante do mundo - o capitalista". Ele enfatiza que só quem recusa o amor pode forjar o anel do poder. Apenas o feio e rejeitado Alberich pode fazer isso. Poder e amor são conceitos incompatíveis.

2 - condenação do poder dos costumes, todos os tipos de contratos e leis. Wagner fica do lado de Sigmund e Sieglinde, seu amor incestuoso, contra a deusa do "costume" e dos casamentos legais Fricka. O reino da lei - Valhalla - está desmoronando em chamas.

3 - a ideia cristã de redenção por meio do amor. É o amor que entra em conflito com a força avassaladora do egoísmo. Ela personifica a mais alta beleza das relações humanas. Sigmund sacrifica sua vida para proteger o amor; Sieglinde, morrendo, dá vida ao radiante Siegfried; Siegfried morre como resultado de uma traição involuntária de amor. No desfecho da tetralogia, Brunnhilde realiza a obra de libertar o mundo inteiro do reino do mal. Assim, a ideia de salvação e redenção adquire dimensões verdadeiramente cósmicas na tetralogia.

Cada um dos dramas musicais que compõem a tetralogia tem suas próprias características de gênero.

"Rhine Gold" pertence ao gênero épico de conto de fadas, "Valkyrie" - drama lírico, "Siegfried" - heróico-épico, "Sunset of the Gods" - tragédia.

Um sistema ramificado de leitmotivs se desenvolve em todas as partes da tetralogia. Leitmotivs são dotados não apenas personagens, seus sentimentos, mas também conceitos filosóficos (maldição, destino, morte), elementos da natureza (água, fogo, arco-íris, floresta), objetos (espada, capacete, lança).

O maior desenvolvimento na tetralogia é alcançado pela orquestra de Wagner. Sua composição é enorme (principalmente quádrupla). especialmente grandioso grupo de cobre. É composto por 8 trompas, das quais 4 podem ser substituídas por tubas de Wagner (com boquilhas de trompa). Além disso - 3 trompetes e um trompete baixo, 4 trombones (3 tenor e 1 baixo), tuba de contrabaixo), um grande número de harpas (6). A composição da bateria também foi ampliada.

Conclusão

Muito mais do que todos os europeus compositores do século XIX século, Wagner considerou sua arte como uma síntese e como uma forma de expressar um determinado conceito filosófico. Sua essência é colocada em forma de aforismo na seguinte passagem do artigo de Wagner "A Obra Artística do Futuro": razões para se envergonhar da conexão com a vida. Deste conceito decorrem duas ideias fundamentais: a arte deve ser criada por uma comunidade de pessoas e pertencer a essa comunidade; a forma mais elevada de arte é o drama musical, entendido como uma unidade orgânica de palavra e som. A personificação da primeira ideia foi Bayreuth, onde a ópera pela primeira vez começou a ser interpretada como um templo de arte, e não como uma instituição de entretenimento; a personificação da segunda ideia é a nova forma operística "drama musical" criada por Wagner. Foi sua criação que se tornou o objetivo vida criativa Wagner. Alguns de seus elementos foram incorporados nas primeiras óperas do compositor da década de 1840 - The Flying Dutchman, Tannhäuser e Lohengrin. A teoria do drama musical foi mais plenamente incorporada nos artigos suíços de Wagner ("Ópera e Drama", "Arte e Revolução", "Música e Drama", "Trabalho Artístico do Futuro") e, na prática - em suas óperas posteriores: "Tristão e Isolda", a tetralogia "Anel dos Nibelungos" e os mistérios "Parsifal".

Bibliografia

1. Saponov M. A. Diários russos e memórias de R. Wagner, L. Spor, R. Schumann. M., 2004.

2. Serov A. N. Wagner e sua reforma no campo da ópera // Serov A. N. Artigos selecionados. T. 2. M., 1957.

3. Mann T. O sofrimento e a grandeza de Richard Wagner // Mann T. Collected Works. T.10. M., 1961.

4. Serov A. N. Wagner e sua reforma no campo da ópera // Serov A. N. Artigos selecionados. T. 2. M., 1957.

5. A. F. Losev O significado histórico da cosmovisão de Richard Wagner

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A contribuição de Wagner para a cultura mundial é determinada, em primeiro lugar, por sua reforma operística, sem a qual é impossível imaginar o destino futuro do gênero operístico. Ao realizá-lo, Wagner procurou:

à incorporação de conteúdo global e universal baseado nas lendas e mitos do épico germano-escandinavo;

à unidade da música e do drama;

à contínua ação musical e dramática.

Isso o levou:

ao uso predominante do estilo recitativo;

à sinfonização de ópera baseada em leitmotivs;

à rejeição das formas operísticas tradicionais (árias, conjuntos).

Em sua obra, Wagner nunca se voltou para temas contemporâneos, para a representação da vida cotidiana (a exceção são os Nuremberg Meistersingers). Ele considerou a única fonte literária digna da ópera mitologia . O compositor enfatizou constantemente o significado universal do mito, que "permanece verdadeiro em todos os momentos." O afastamento de Wagner de seguidores mais ou menos passivos é característico. sozinho fonte mitológica: via de regra, em uma ópera ele sintetiza várias lendas criando sua própria narrativa épica. Atualização do mito - um princípio que permeia toda a obra wagneriana.

Repensando o mito no espírito da modernidade, Wagner tentou dar uma imagem do mundo capitalista moderno com base nele. Por exemplo, em "Lohengrin" ele fala sobre a hostilidade da sociedade moderna em relação a um verdadeiro artista, em "Ring of the Nibelung" em forma alegórica ele denuncia a sede de poder mundial.

A ideia central da reforma wagneriana é síntese das artes . Ele estava convencido de que música, poesia, peças teatrais poderiam criar uma imagem abrangente da vida apenas em ação conjunta. Como Gluck, Wagner atribuiu à poesia o papel principal na síntese operística e, portanto, prestou grande atenção à libreto. Ele nunca começou a compor música até que o texto estivesse finalmente polido.

O desejo de uma síntese completa de música e drama, para uma transmissão precisa e verdadeira da palavra poética levou o compositor a confiar em estilo declamatório .

No drama musical de Wagner, a música flui em um fluxo contínuo, contínuo, não interrompido por recitativos secos ou inserções de conversa. Esse fluxo musical é constantemente atualizado, alterado e não retorna ao palco já ultrapassado. É por isso que o compositor abandonou as árias e conjuntos de ópera tradicionais com seu isolamento, isolamento uns dos outros e simetria repetida. Em contraste com o número da ópera, o princípio é apresentado palco livre , que se baseia em material constantemente atualizado e inclui episódios melodiosos e recitativos, solo e conjunto. Então o palco livre combina características de várias formas operísticas. Pode ser puramente solo, conjunto, massa, misto (por exemplo, solo com inclusão de coro).

Wagner substitui árias tradicionais por monólogos e histórias; duetos - diálogos em que prevalece o canto não conjunto, mas alternado. O principal nessas cenas gratuitas é a ação psicológica interna (a luta das paixões, as mudanças de humor). O lado externo e agitado é reduzido ao mínimo. Daqui - preponderância da narrativa acima da eficácia cênica, do que as óperas de Wagner diferem nitidamente das óperas de Verdi, Bizet.

O papel unificador nas formas livres wagnerianas é desempenhado por orquestra , cujo valor aumenta acentuadamente. É na parte orquestral que se concentram as imagens musicais (leitmotivs) mais importantes. Wagner estende os princípios do desenvolvimento sinfônico à parte da orquestra: os temas principais são desenvolvidos, opostos entre si, transformados, adquirindo um novo visual, combinados polifonicamente, etc. Como um coro em uma tragédia antiga, a orquestra de Wagner comenta o que está acontecendo, explica o significado dos acontecimentos por meio de temas transversais - palestras.

Qualquer ópera madura de Wagner contém de 10 a 20 leitmotivs dotados de um conteúdo programático específico. O leitmotiv de Wagner não é apenas um tema musical brilhante, mas a ferramenta mais importante que ajuda o ouvinte a entender a própria essência dos fenômenos. É o leitmotiv que evoca as associações necessárias quando os personagens se calam ou falam sobre algo completamente diferente.

Tetralogia "Anel dos Nibelungos"

Wagner considerou, com razão, a criação da tetralogia "Anel dos Nibelungos" a principal obra de sua vida. De fato, tanto a visão de mundo do compositor quanto os princípios de sua reforma receberam sua incorporação completa aqui.

Esta não é apenas a criação mais gigantesca de Wagner em escala, mas também a obra mais grandiosa de toda a história do teatro musical.

Como em suas outras obras, na tetralogia o compositor sintetizou várias fontes mitológicas. O mais antigo é o ciclo escandinavo de contos heróicos "Elder Edda" (séculos IX-XI), que fala sobre os deuses dos antigos alemães, sobre o surgimento e a morte do mundo, sobre as façanhas dos heróis (principalmente sobre Sigurd-Siegfried ). Dep. Wagner pegou motivos de enredo e variantes alemãs de nomes do Nibelungenlied (século XIII) - a versão alemã da lenda de Siegfried.

Foi o "radiante" Siegfried, a imagem mais querida da lenda, incluída em muitos "livros folclóricos" alemães, que primeiro atraiu a atenção de Wagner. O compositor o modernizou. Ele enfatizou o princípio heróico em Siegfried e o chamou de "o homem do futuro ansiosamente esperado", "o redentor socialista".

Mas O Anel não permaneceu um drama de Siegfried: originalmente concebido como um único drama que glorificava a humanidade livre (a morte de Siegfried), o plano de Wagner crescia cada vez mais. Ao mesmo tempo, Siegfried cedeu o primeiro lugar ao deus Wotan. O tipo Wotan é a expressão de um ideal diametralmente oposto ao de Siegfried. O governante do mundo, a personificação do poder ilimitado, ele é tomado por dúvidas, age contra seu próprio desejo (condena seu filho à morte, rompe com sua amada filha Brunnhilde). Ao mesmo tempo, Wagner delineou os dois personagens com óbvia simpatia, igualmente apaixonado tanto pelo herói radiante quanto pelo deus sofredor e obediente.

É impossível expressar em uma fórmula a "idéia geral" do Anel dos Nibelungos. Nesta grandiosa obra, Wagner fala do destino do mundo inteiro. Tudo está aqui.

1 – desejo de poder e riqueza . No artigo "Conhece-te a ti mesmo" Wagner revelou o simbolismo da tetralogia. Ele escreve sobre Alberich como a imagem do "terrível governante do mundo - o capitalista". Ele enfatiza que só quem recusa o amor pode forjar o anel do poder. Apenas o feio e rejeitado Alberich pode fazer isso. Poder e amor são conceitos incompatíveis.

2 - condenação do poder dos costumes, todos os tipos de tratados e leis. Wagner fica do lado de Sigmund e Sieglinde, seu amor incestuoso, contra a deusa do "costume" e dos casamentos legais Fricka. O reino da lei - Valhalla - está desmoronando em chamas.

3 – ideia cristã de redenção através do amor. É o amor que entra em conflito com a força avassaladora do egoísmo. Ela personifica a mais alta beleza das relações humanas. Sigmund sacrifica sua vida para proteger o amor; Sieglinde, morrendo, dá vida ao radiante Siegfried; Siegfried morre como resultado de uma traição involuntária de amor. No desfecho da tetralogia, Brunnhilde realiza a obra de libertar o mundo inteiro do reino do mal. Assim, a ideia de salvação e redenção adquire dimensões verdadeiramente cósmicas na tetralogia.

Cada um dos dramas musicais que compõem a tetralogia tem suas próprias características de gênero.

"Ouro do Reno" pertence ao gênero conto de fadas épico, "Valquíria" - drama lírico "Siegfried" - épico heróico "Pôr do Sol dos Deuses" - tragédia.

Através de todas as partes da tetralogia passa o desenvolvimento de uma ramificação sistemas leitmotiv . Os leitmotivs são dotados não apenas de personagens, seus sentimentos, mas também de conceitos filosóficos (maldição, destino, morte), elementos da natureza (água, fogo, arco-íris, floresta), objetos (espada, capacete, lança).

O maior desenvolvimento na tetralogia é alcançado pela orquestra de Wagner. Sua composição é enorme (principalmente quádrupla). O grupo de cobre é especialmente grandioso. É composto por 8 trompas, das quais 4 podem ser substituídas por tubas de Wagner (com boquilhas de trompa). Além disso - 3 trompetes e um trompete baixo, 4 trombones (3 tenor e 1 baixo), tuba de contrabaixo), um grande número de harpas (6). A composição da bateria também foi ampliada.

Sistema leitmotiv de Wagner

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The Rhine Gold é uma ópera fabulosamente épica com uma ação que se desenrola vagarosamente e alguns eventos externos. Baseia-se na justaposição de quatro pinturas coloridas que se desenrolam sem interrupção; cada um tem sua própria cor.

A primeira imagem retrata o mundo sereno das filhas do Reno. A introdução orquestral transmite o fluxo majestoso do rio. Os temas musicais leves das sereias enfatizam os climas de paz e alegria; o episódio orquestral central, que transmite o esplendor do tesouro dourado sob os raios do sol, deslumbra com o brilho do som, o esplendor das cores. O contraste traz a conclusão da primeira foto - mais tempestuosa e perturbadora.

A segunda imagem abre com o tema solene e majestoso de Wotan. Ela é contrastada pelo pequeno arioso lírico de Frika "Ah, tremendo por sua lealdade." Acordes pesados ​​​​e "desajeitados" retratam gigantes. A caracterização musical do deus do fogo Loge é amplamente desenvolvida: a gravação sonora orquestral da chama flamejante é substituída por uma grande história “Onde a vida sopra e voa”, cheia de charme sedutor; comentários zombeteiros acompanham a cena da repentina decrepitude dos deuses.

A terceira foto é dotada de uma cor sombria - no reino dos Nibelungos. O ritmo monótono do forjamento soa incessantemente (Wagner introduz 18 bigornas na orquestra), lentamente, como se com dificuldade, um tema gemido se eleva. O mesmo ritmo acompanha a curta canção melancólica de Mime "Antes forjávamos descuidadamente um vestido fino para nossas esposas com brilhos". A força sombria e a grandeza de Alberich são reveladas em sua cena com Wotan e Loge.

No início da quarta foto, o mesmo clima prevalece. A cena da procissão dos nibelungos carregando o tesouro de ouro é trágica. O monólogo de Alberich "Você nasceu com uma maldição - dane-se, meu anel" - o ponto culminante da ópera; seu tema formidável e sonoro aparecerá mais de uma vez nos momentos dramáticos da tetralogia. Um personagem diferente, severo e impassível, é a profecia da deusa do destino Erda sobre problemas futuros (arioso “Eu sei tudo o que passou”). As imagens da paisagem completam a ópera: contra o pano de fundo do movimento tempestuoso da orquestra, ouve-se um chamado enérgico do deus do trovão; é captado, chamando um ao outro, por vários instrumentos; então a imagem musical de uma tempestade é substituída por um tema calmo e sereno em instrumentos de corda e seis harpas.

Como você sabe, a base do conteúdo da arte da era do romantismo era a letra, ou seja, a expressão do mundo interior de uma pessoa em toda a riqueza de seus sentimentos. Assim, os principais gêneros música romântica tornou-se vocal e instrumental miniaturas: ou seja canções e peças para piano. As miniaturas podiam capturar movimentos espirituais mutáveis ​​e "voláteis" instantaneamente, bem no momento de sua ocorrência.

Como estavam as coisas na era do romantismo com gêneros tão grandes e de grande escala como a sinfonia e a ópera? Ambos os gêneros continuam a se desenvolver com sucesso na obra de compositores românticos. No entanto, eles estão passando por grandes mudanças tanto em termos de conteúdo quanto de forma. A direção geral das mudanças é a seguinte:

1) Mudanças no conteúdo: tanto a sinfonia quanto a ópera adquirem um caráter lírico na era do romantismo. Apesar de sua escala considerável, eles, como miniaturas, podem servir lírico autor, "confissão da alma" (como Tchaikovsky chamou suas sinfonias). O motivo de sua criação costuma ser autobiográfico - não é mais uma ordem de um nobre rico ou do teatro da corte (como no século 18), mas um desejo de se expressar e de sua atitude perante o mundo.

O significado da escala e a seriedade tradicional (desde a época do classicismo) do conteúdo das sinfonias e óperas contribuíram para que a afirmação lírica crescesse nelas ao grau filosófico generalizações. Vida e morte, bem e mal, ideal e real, personalidade e sociedade, amor, criatividade - tudo isso temas eternos incorporada na música romântica em sinfonias e óperas, bem como na literatura do século XIX. eles foram incorporados em poemas e romances.

2) Mudanças na forma de: o caráter lírico da obra dos românticos os conduziu à ideia de liberdade de expressão criativa e, consequentemente, liberdade de forma. Enquanto isso, as formas da sinfonia e da ópera da era anterior (classicismo) adquiriram certeza clássica (por exemplo, uma sinfonia é obrigatória em 4 partes, em uma ópera é uma alternância obrigatória de recitativos e árias). Os românticos violaram corajosamente os cânones tradicionais, criando variantes individuais de formas.

Sinfonia na era do romantismo desenvolvido de duas maneiras e é representado, respectivamente, por dois tipos: 1) não programar sinfonias- nas obras de Schubert, Brahms; 2) sinfonias programáticas - na obra de Berlioz, Liszt

Sinfonias sem programa externamente não diferia das sinfonias clássicas. Eles também foram escritos em 4 partes com contraste de tempos (sonata allegro, parte lenta, scherzo, final rápido). Mas as mudanças vieram de dentro, diziam respeito ao conteúdo e às características essenciais do estilo.

A primeira sinfonia romântica, que é uma afirmação lírica, foi escrita por Schubert em 1822 (esta é a Sinfonia nº 8, que ficou para a história como "Inacabada", porque o compositor completou apenas as 2 primeiras partes, 1822). A novidade é que Schubert usou nela temas de música. As melodias que se desenvolvem em todas as partes da sinfonia (em particular, a parte principal e a parte lateral da 1ª parte) assemelham-se a canções, romances, árias, recitativos, cantados não por voz, mas por instrumentos. Isso não priva a sinfonia de seriedade, profundidade, drama. Pelo contrário, o drama inerente à sinfonia desde a época de Beethoven ainda é aprimorado por Schubert e gravita em direção à tragédia. Mas o estilo da música romântica permite entender a natureza desses conflitos: eles acontecem em mundo interior herói e surgem quando suas ideias ideais colidem com a realidade circundante.

As mesmas características serão inerentes às sinfonias de Brahms. Em sua última 4ª sinfonia (1885), pela primeira vez na história do gênero, ele fez o movimento final, final, francamente trágico. A natureza romântica da maioria das melodias da sinfonia atesta a natureza subjetiva da experiência. No entanto, a própria natureza conceitual do gênero sinfônico contribui para a compreensão de que o sentido trágico do mundo do autor é de natureza generalizante, filosófica.

sinfonias de software têm diferenças externas pronunciadas. São chamados de programa porque, sendo obras instrumentais, possuem uma explicação verbal (programa) de sua contente. Esta explicação verbal está contida pelo menos no título da obra (não apenas a Sinfonia nº 5 ou 8, mas a sinfonia "Harold na Itália" - de Berlioz, "Fausto" e "Dante" - de Liszt). Na maioria das vezes, esse nome se refere a um conhecido público trabalho literário, mas o próprio autor poderia escrever e publicar o programa literário.

A natureza programática da música é a ideia estética mais importante dos compositores românticos, uma das manifestações de seu conceito de arte síntese. Em seu desejo de expressar seus pensamentos e sentimentos da forma mais forte e vívida possível e de despertar as emoções recíprocas dos ouvintes, os românticos não se limitaram aos meios de um tipo de arte, eles misturaram ousadamente possibilidades expressivas música e literatura (especialmente porque muitos jovens da era romântica tentaram compor música e escrever textos literários). Para música instrumental a introdução de um programa literário foi especialmente importante. Desde a época do classicismo, a maioria do público está acostumada a ver entretenimento refinado em sinfonias e sonatas, nada mais. Compositores românticos, que colocaram pensamentos profundamente sentidos sobre o homem e o mundo em suas sinfonias, confirmaram programas literários ou referências a obras-primas literárias, que a música, não menos que a literatura, é capaz de expressar idéias filosóficas.

Conteúdo do programa trouxe uma atualização significativa formulários. A forma do programa sinfônico agora se concentrava não apenas nos cânones tradicionais, mas também na lógica. enredo literário. Em primeiro lugar, o número de partes pode mudar: na sinfonia de Liszt "Fausto" não há 4, mas 3 partes ("Fausto", "Margarita", "Mefistófeles"), na sinfonia "Dante" (segundo " Divina Comédia”) - 2 partes (“Inferno” e “Purgatório”). A programação influenciou significativamente não apenas a forma, mas a renovação de toda a linguagem musical.

Um dos mais ousados ​​e ousados ​​inovadores da música romântica (geralmente rica em descobertas) foi o compositor francês Hector Berlioz (1803-1869. Em 1829 escreveu a Sinfonia Fantástica, a primeira sinfonia programada da era romântica. Seu programa é de autor. É baseado em histórias autobiográficas de decepção com sua amada, que se transforma em total decepção com a vida, idealmente, com Deus (o herói decide se suicidar, envenena-se com ópio. Na intoxicação por drogas, sua amada aparece para ele, como uma obsessão. Ele vê o primeiro encontro no baile, lembra da traição , parece-lhe que mataram sua amada e vão executá-la, ele se vê no inferno, onde sua amada se transforma em bruxa.) Experiência pessoal, portanto, acaba por estar em consonância com o clima da época - o romantismo começou com a decepção de toda uma geração de jovens com os ideais do passado.

As principais novidades da "Sinfonia Fantástica":

1) Liberdade de forma: 5 peças, cada uma das quais se assemelha cena teatral com seu local de ação (2 horas - "Baile", 3 horas - "Cena nos campos", 4 horas - "Procissão para a execução", 5 horas - "Cena na noite do sábado").

2) Use (pela primeira vez na música!) apresentação. Esta é uma melodia reconhecível, que se repete em diferentes versões em todos os cinco movimentos. O leitmotiv simboliza o Amado, que, como "obsessão", aparece nas visões do herói em diversas situações.

3) O uso da melodia do hino da igreja Dies irae em veia paródica (“O Diabo celebra missa” às 5 horas) causou desagrado na igreja. Depois de Berlioz, essa melodia na música passou a ser usada como símbolo da morte.

4) Várias inovações na orquestra, especialmente às 5 horas - por exemplo, sinos batendo à meia-noite, um estridente clarinete flautim representando o Amado disfarçado de bruxa, etc.

As seguintes sinfonias de Berlioz foram o desenvolvimento de suas inovações. Seus programas remetem a obras literárias amadas pelos românticos: a sinfonia "Harold in Italy" (depois de Byron) às 4 horas, mas com um solo de viola (como a voz de Harold), a dramática sinfonia "Romeu e Julia" (segundo a Shakespeare) às 7 horas, com canto (solistas e coro), etc.

Sob a influência de Berlioz, Liszt não só escreveu suas sinfonias programáticas Faust (3 horas) e Dante (2 horas), mas também inventou novo gênero – poema sinfônico. Este é um programa de trabalho para orquestra em 1 hora (uma sinfonia, comprimida em um movimento). No centro do conteúdo está a imagem de um herói romântico, uma personalidade excepcional. Programas - de literatura clássica("Hamlet", "Prometeu", "Orfeu", "Tasso").

Ópera na era romântica também desenvolvido de duas maneiras - através do desenvolvimento e renovação de tradições (Verdi na Itália, Bizet na França) e através da reforma (Wagner na Alemanha):

Óperas de Verdi e Bizet resumido melhores conquistas italiano e ópera francesa s, atualizando-os significativamente contente. O principal são novos heróis. Estes não são personagens mitológicos e figuras históricas, mas pessoas simples, muitas vezes - "humilhado e insultado". Um bobo da corte em Rigoletto, uma cortesã em La Traviata de Verdi, um operário de uma fábrica de tabaco e um soldado em Carmen de Bizet. Mas são eles histórias da vida tornam-se a base da trama, são seus sentimentos e paixões que o ouvinte sente empatia. Ao mesmo tempo, os personagens dos personagens são revelados em condições agudamente dramáticas e até trágicas.

Tudo o que há de novo na música de Verdi e Bizet surge da necessidade de revelar esses personagens. Esta é principalmente uma aplicação formulários gratuitos: cenas solo são construídas individualmente, com base na personalidade do herói (Carmen é caracterizada não por árias, mas por canções no espírito espanhol - habanera, seguidilla), a partir da lógica dessa situação particular (a ária de Rigoletto, tentando tira a filha do duque estuprador, desacelera e se acalma no final, porque o herói está exausto e chorando). Os duetos raramente são cantados juntos, principalmente duetos-lutas com linhas contrastantes alternadas de personagens (a cena de Violetta e Germont, o pai de seu amante, onde a heroína finalmente concorda em desistir de seu amor por Alfred pelo bem da reputação da família).

As óperas de Verdi e Bizet são exemplos de letras psicológicas na música e combinam as características da arte romântica e realista.

Wagner é a maior figura da história da música do século XIX. Sua personalidade e trabalho causaram discussões acaloradas que continuam quase até hoje.

A reforma da ópera de Wagner. Wagner foi compositor e maestro, dramaturgo e poeta, filósofo e pensador, autor da teoria do drama musical. Toda a sua vida foi focada em uma coisa - a criação do que ele mesmo chamou de " Uma obra de arte do futuro».

"Uma obra de arte do futuro" deveria expressar uma certa ideia filosófica - importante para o autor e relevante para a sociedade. Para isso, não foi escrito um tratado filosófico (que afeta apenas a mente), mas peça de arte(que afeta tanto a mente quanto os sentidos). Este trabalho deveria ser sintético, ou seja, combinar o poder de todos os tipos de arte - literatura, teatro, pintura, movimento plástico, música. O objetivo de tal síntese é influenciar uma pessoa tanto quanto possível, contribuir para seu aperfeiçoamento espiritual.

Wagner entendeu que sua ideia era utópica, não porque não pudesse implementá-la (estava confiante em si mesmo), mas porque o público não estava disposto a aceitá-la (o público esperava entretenimento da arte). Por isso, o compositor chamou sua ideia de "Uma obra de arte Futuro." Isso não o impediu de implementar consistentemente suas ideias, alcançando resultados impressionantes ao longo do caminho. Os resultados foram: a implementação da reforma da ópera e a criação de um novo tipo de ópera - "drama musical de Wagner").

Princípios da reforma operística de Wagner(formulado por ele em numerosas obras teóricas, por exemplo, Ópera e Drama):

1) O processo de composição começa com a formulação de uma ideia artística.

2) Compositor e dramaturgo são uma só pessoa. Ele é o dono da ideia, ele escreve o texto e a música de sua ópera. Este é inteiramente o seu trabalho.

3) O enredo é baseado em mitos e lendas. É neles que se encontram ideias eternas que passaram no teste secular do tempo, o que significa que são sempre ideias relevantes.

4) O compositor desenvolve uma linguagem musical que se tornaria uma “expressão sensual do pensamento”. O ouvinte não apenas aprecia as belas harmonias, mas lê a música como um texto. Para isso, utiliza-se sistema leitmotiv. Um leitmotiv (ou seja, um tema recorrente) pode simbolizar um sentimento (amor, sofrimento), um conceito (tentação, destino, morte), um objeto (uma espada mágica, um anel de poder), um fenômeno natural (tempestade). Ao organizar esses leitmotivs em várias sequências, repetindo-os e alterando-os, o compositor dirige o pensamento do ouvinte.

É interessante que cada uma das óperas reformistas de Wagner, apesar da generalização do conteúdo mitológico e significado geral ideias filosóficas, concretizadas por experiências profundamente pessoais, ou seja, baseadas em motivos autobiográficos. E isso trai nele um típico artista romântico.

Exemplos: a ideia da primeira ópera reformista "The Flying Dutchman", 1842 (sobre o capitão de um navio fantasma) - "através das tempestades da vida - saudade da paz". Escrito durante as andanças de Wagner pela Europa em busca de trabalho.

A ópera "Tannhäuser", 1845 (uma lenda cavalheiresca da época da luta entre o cristianismo e o paganismo) coloca o problema da escolha caminho da vida em particular, a escolha entre valores espirituais e materiais. Wagner escreveu, tornando-se o líder ópera em Dresden, ao escolher entre o sucesso que as óperas tradicionais lhe proporcionaram, e o mal-entendido que o ameaçava como reformador.

A ópera Lohengrin, 1848 (a lenda do cavaleiro salvador da irmandade do Santo Graal) coloca o problema do Artista e da Sociedade. Lohengrin chega aos habitantes do reino de Brabant para ajudá-los em um momento dramático (a luta pelo trono real). Em troca, ele pede apenas uma coisa - confiança. As pessoas não deveriam perguntar de onde ele veio ou qual é o seu nome. Mas mesmo o mais almas brilhantes(Princesa Elsa salva da execução por ele) começam a duvidar dele e a fazer uma pergunta fatal, pelo que Lohengrin é forçado a partir. Isso é uma tragédia para ele e para as pessoas que realmente precisam de ajuda. Wagner comparou-se a Lohengrin, e o público, que não o entendia, aos habitantes do reino de Brabante. A ópera foi escrita em Dresden, às vésperas do levante revolucionário, do qual Wagner participou ativamente.

A ópera "Tristão e Isolda" (uma lenda medieval sobre o amor de um cavaleiro pela esposa de seu rei) foi escrita durante os anos do exílio suíço. Wagner estava apaixonado pela condessa Mathilde Wesendonck, esposa de seu patrono e patrono. O amor era mútuo, mas os amantes não se permitiam ficar juntos por respeito ao conde. Wagner ficou muito chateado com a separação e pensou na morte. A ópera é conhecida por sua inusitada recepção musical- melodia sem fim. A melodia se desenvolve, contando com acordes instáveis ​​e dolorosamente longos sem chegar ao fim, o que simboliza a impossibilidade de os personagens se conectarem entre si. A resolução da tensão ocorre bem no final, quando os heróis são unidos pela morte. (A introdução à ópera tornou-se a trilha sonora do filme "Melancolia" de L. von Trier).

Maioria projeto grandioso A tetralogia da ópera de Wagner "Ring of the Nibelungen" (combina 4 óperas - "Rhine Gold", "Valkyrie", "Siegfried", "The Death of the Gods"). Um enredo de mitos medievais germânicos e escandinavos (mais tarde eles também foram usados ​​por Tolkien em O Senhor dos Anéis). O grandioso épico pinta uma imagem do universo, que é governado por duas forças - Amor e Ouro, que dá poder sobre o mundo ao renunciar ao amor. O protagonista está tentando salvar o mundo do poder do ouro, mas, no final, ele próprio perece junto com o mundo imperfeito. A ópera tem mais de 100 leitmotivs.

Wagner entrou na história da música como um reformador da arte da ópera, como o criador de um drama musical que difere nitidamente da ópera tradicional usual. Persistentemente, com energia inesgotável, com uma convicção fanática na justeza da causa, Wagner realizou sua ideias artísticas ao mesmo tempo em que travava uma luta contra a rotina operística que se apoderara da ópera contemporânea italiana e francesa. Wagner rebelou-se contra a ditadura do cantor, que não levava em conta o sentido dramático, contra o virtuosismo vocal vazio característico de muitas óperas italianas da época, contra o miserável papel da orquestra nelas; ele também se rebelou contra o acúmulo de efeitos externos na "grande" ópera francesa (Meyerbeer). A crítica de Wagner às óperas italianas e francesas era muito unilateral e injusta, mas ele estava certo em sua luta contra a rotina operística, com o servilismo de vários compositores às exigências dos cantores e aos gostos baratos do público burguês-aristocrático. Wagner, acima de tudo, liderou a luta pela Alemanha arte nacional. No entanto, devido a muitas razões objetivas e subjetivas complexas, Wagner chegou ao extremo oposto. Em seu esforço por uma síntese orgânica de música e drama, ele procedeu de falsas visões idealistas. Portanto, em sua reforma operística, em sua teoria do drama musical, havia muito que era vulnerável. Liderando a luta contra o domínio da esfera vocal em ópera italiana, Wagner chegou a uma enorme preponderância do instrumental-sinfônico. O lote de cantores é muitas vezes deixado com recitativo expressivo sobreposto à magnífica sinfonia da orquestra. Apenas em momentos de grande inspiração lírica (por exemplo, em cenas de amor) e em canções partes vocais adquirir melodia. Isso se refere às óperas após Lohengrin, nas quais as ideias reformistas de Wagner já estão totalmente implementadas. As óperas de Wagner estão repletas de belas, extraordinariamente belas páginas de música sinfônica programada; várias imagens poéticas da natureza, paixões humanas, o êxtase do amor, as façanhas dos heróis - tudo isso está incorporado na música de Wagner com incrível poder de expressividade.

No entanto, do ponto de vista das exigências do teatro musical, que tem seus próprios padrões históricos e tradições de vida, nas últimas óperas de Wagner, a ação cênica foi sacrificada ao elemento musical e sinfônico. A exceção são os Meistersingers.

P. I. Tchaikovsky escreveu nesta ocasião: “... esta é a técnica do sinfonista mais puro, apaixonado pelos efeitos orquestrais e sacrificando por eles tanto a beleza da voz humana quanto sua expressividade característica. Acontece que por trás de uma orquestração excelente, mas barulhenta, o cantor que executa uma frase artificialmente anexada à orquestra não é ouvido.

A transformação da ópera em um grandioso programa dramatizado de música vocal e sinfônica é resultado da reforma operística de Wagner; É claro que a ópera pós-wagneriana não seguiu esse caminho. A reforma operística de Wagner acabou sendo a expressão mais marcante das complexas contradições e crises do romantismo alemão, do qual Wagner foi um representante tardio.

Assim, a reforma operística de Wagner é uma crise do teatro musical, uma negação das especificidades naturais do gênero ópera. Mas a música de Wagner poder artístico e a expressividade é um valor verdadeiramente duradouro. “É preciso ser surdo para toda a beleza da música”, escreveu A. N. Serov, “para que, exceto pela paleta mais brilhante e rica. orquestra, para não sentir em sua música o sopro de algo novo na arte, algo poeticamente distante, abrindo horizontes desconhecidos sem limites. Proeminente figura musical e o compositor Ernst Hermann Mayer escreveu: “Wagner nos deixou o mais rico legado. os melhores trabalhos este artista notável (embora profundamente controverso) é cativado pela nobreza e poder das imagens de heroísmo nacional, paixão inspirada de expressão e habilidade notável. De fato, a arte de Wagner está profundamente conectada nacional e organicamente com tradições nacionais Alemão cultura artística, especialmente com as tradições de Beethoven, Weber e poesia folclórica alemã e música folclórica.

cultura musical ópera wagner

A contribuição de Wagner para a cultura mundial é determinada, em primeiro lugar, por sua reforma operística, sem a qual é impossível imaginar o destino futuro do gênero operístico. Ao realizá-lo, Wagner procurou:

• à incorporação de conteúdo global e universal baseado nas lendas e mitos do épico germano-escandinavo;
• à unidade da música e do drama;
• à contínua ação musical e dramática.

Isso o levou:

• ao uso predominante do estilo recitativo;
• à sinfonização de ópera baseada em leitmotivs;
• à rejeição das formas operísticas tradicionais (árias, conjuntos).

Em sua obra, Wagner nunca se voltou para temas contemporâneos, para a representação da vida cotidiana (a exceção são os Nuremberg Meistersingers). Ele considerou a única fonte literária digna da ópera mitologia . O compositor enfatizou constantemente o significado universal do mito, que "permanece verdadeiro em todos os momentos." O afastamento de Wagner de seguidores mais ou menos passivos é característico. sozinho fonte mitológica: via de regra, em uma ópera ele sintetiza várias lendas criando sua própria narrativa épica. Atualização do mito - um princípio que permeia toda a obra wagneriana.

Repensando o mito no espírito da modernidade, Wagner tentou dar uma imagem do mundo capitalista moderno com base nele. Por exemplo, em "Lohengrin" ele fala sobre a hostilidade da sociedade moderna em relação a um verdadeiro artista, em "Ring of the Nibelung" em forma alegórica ele denuncia a sede de poder mundial.

A ideia central da reforma wagneriana é síntese das artes . Ele estava convencido de que música, poesia, peças teatrais poderiam criar uma imagem abrangente da vida apenas em ação conjunta. Como Gluck, Wagner atribuiu à poesia o papel principal na síntese operística e, portanto, prestou grande atenção à libreto. Ele nunca começou a compor música até que o texto estivesse finalmente polido.

O desejo de uma síntese completa de música e drama, para uma transmissão precisa e verdadeira da palavra poética levou o compositor a confiar em estilo declamatório .

No drama musical de Wagner, a música flui em um fluxo contínuo, contínuo, não interrompido por recitativos secos ou inserções de conversa. Esse fluxo musical é constantemente atualizado, alterado e não retorna ao palco já ultrapassado. É por isso que o compositor abandonou as árias e conjuntos de ópera tradicionais com seu isolamento, isolamento uns dos outros e simetria repetida. Em contraste com o número da ópera, o princípio é apresentado palco livre , que se baseia em material constantemente atualizado e inclui episódios melodiosos e recitativos, solo e conjunto. Então o palco livre combina características de várias formas operísticas. Pode ser puramente solo, conjunto, massa, misto (por exemplo, solo com inclusão de coro).

Wagner substitui árias tradicionais por monólogos e histórias; duetos - diálogos em que prevalece o canto não conjunto, mas alternado. O principal nessas cenas livres é a ação psicológica interna (luta de paixões, mudanças de humor). O lado externo e agitado é reduzido ao mínimo. Daqui - preponderância da narrativa acima da eficácia cênica, do que as óperas de Wagner diferem nitidamente das óperas de Verdi, Bizet.

O papel unificador nas formas livres wagnerianas é desempenhado por orquestra , cujo valor aumenta acentuadamente. É na parte orquestral que se concentram as imagens musicais (leitmotivs) mais importantes. Wagner estende os princípios do desenvolvimento sinfônico à parte da orquestra: os temas principais são desenvolvidos, opostos entre si, transformados, adquirindo um novo visual, combinados polifonicamente, etc. Como um coro em uma tragédia antiga, a orquestra de Wagner comenta o que está acontecendo, explica o significado dos acontecimentos por meio de temas transversais - palestras.

Qualquer ópera madura de Wagner contém 10-20 leitmotivs dotados de um conteúdo programático específico. O leitmotiv de Wagner não é apenas um tema musical brilhante, mas a ferramenta mais importante que ajuda o ouvinte a entender a própria essência dos fenômenos. É o leitmotiv que evoca as associações necessárias quando os personagens se calam ou falam sobre algo completamente diferente.

Tetralogia "Anel dos Nibelungos"

Wagner considerou, com razão, a criação da tetralogia "Anel dos Nibelungos" a principal obra de sua vida. De fato, tanto a visão de mundo do compositor quanto os princípios de sua reforma receberam sua incorporação completa aqui.

Esta não é apenas a criação mais gigantesca de Wagner em escala, mas também a obra mais grandiosa de toda a história do teatro musical.

Como em suas outras obras, na tetralogia o compositor sintetizou várias fontes mitológicas. O mais antigo é o ciclo escandinavo de contos heróicos "Elder Edda" (séculos IX-XI), que fala sobre os deuses dos antigos alemães, sobre o surgimento e a morte do mundo, sobre as façanhas dos heróis (principalmente sobre Sigurd-Siegfried ). Dep. Wagner pegou motivos de enredo e variantes alemãs de nomes do Nibelungenlied (século XIII) - a versão alemã da lenda de Siegfried.

Foi o "radiante" Siegfried, a imagem mais querida da lenda, incluída em muitos "livros folclóricos" alemães, que primeiro atraiu a atenção de Wagner. O compositor o modernizou. Ele enfatizou o princípio heróico em Siegfried e o chamou de "o homem do futuro ansiosamente esperado", "o redentor socialista".

Mas O Anel não permaneceu um drama de Siegfried: originalmente concebido como um único drama que glorificava a humanidade livre (a morte de Siegfried), o plano de Wagner crescia cada vez mais. Ao mesmo tempo, Siegfried cedeu o primeiro lugar ao deus Wotan. O tipo Wotan é a expressão de um ideal diametralmente oposto ao de Siegfried. O governante do mundo, a personificação do poder ilimitado, ele é tomado por dúvidas, age contra seu próprio desejo (condena seu filho à morte, rompe com sua amada filha Brunnhilde). Ao mesmo tempo, Wagner delineou os dois personagens com óbvia simpatia, igualmente apaixonado tanto pelo herói radiante quanto pelo deus sofredor e obediente.

É impossível expressar em uma fórmula a "idéia geral" do Anel dos Nibelungos. Nesta grandiosa obra, Wagner fala do destino do mundo inteiro. Tudo está aqui.

1 - desejo de poder e riqueza . No artigo "Conhece-te a ti mesmo" Wagner revelou o simbolismo da tetralogia. Ele escreve sobre Alberich como a imagem do "terrível governante do mundo - o capitalista". Ele enfatiza que só quem recusa o amor pode forjar o anel do poder. Apenas o feio e rejeitado Alberich pode fazer isso. Poder e amor são conceitos incompatíveis.

2 - condenação do poder dos costumes, todos os tipos de tratados e leis. Wagner fica do lado de Sigmund e Sieglinde, seu amor incestuoso, contra a deusa do "costume" e dos casamentos legais Fricka. O reino da lei - Valhalla - está desmoronando em chamas.

3 - ideia cristã de redenção através do amor. É o amor que entra em conflito com a força avassaladora do egoísmo. Ela personifica a mais alta beleza das relações humanas. Sigmund sacrifica sua vida para proteger o amor; Sieglinde, morrendo, dá vida ao radiante Siegfried; Siegfried morre como resultado de uma traição involuntária de amor. No desfecho da tetralogia, Brunnhilde realiza a obra de libertar o mundo inteiro do reino do mal. Assim, a ideia de salvação e redenção adquire dimensões verdadeiramente cósmicas na tetralogia.

Cada um dos dramas musicais que compõem a tetralogia tem suas próprias características de gênero.

"Ouro do Reno" pertence ao gênero conto de fadas épico, "Valquíria" - drama lírico "Siegfried" - heróico-épico, "Pôr do Sol dos Deuses" - tragédia.

Através de todas as partes da tetralogia passa o desenvolvimento de uma ramificação sistemas leitmotiv . Os leitmotivs são dotados não apenas de personagens, seus sentimentos, mas também de conceitos filosóficos (maldição, destino, morte), elementos da natureza (água, fogo, arco-íris, floresta), objetos (espada, capacete, lança).

O maior desenvolvimento na tetralogia é alcançado pela orquestra de Wagner. Sua composição é enorme (principalmente quádrupla). O grupo de cobre é especialmente grandioso. É composto por 8 trompas, das quais 4 podem ser substituídas por tubas de Wagner (com boquilhas de trompa). Além disso - 3 trompetes e um trompete baixo, 4 trombones (3 tenor e 1 baixo), tuba de contrabaixo), um grande número de harpas (6). A composição da bateria também foi ampliada.