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Seções: Literatura

Assunto:poder mágico arte.

Epígrafes:

Aceito notas altas de celebração,
Altos sentimentos de amor e inspiração,
Santa fé da atemporalidade
E domínio da arte leve.

P. Tikhonov.

Os sons do violino ainda estão vivos,
A parte adormecida de você será despertada...
Tudo está nesta música,
Apenas pegue.

A. Romanov (gr. “Domingo”)

Lições objetivas:

Equipamento:

1. Ilustrações da Igreja da Intercessão no Nerl, da Catedral de São Basílio, da estátua da Vênus de Milo...
2. Reproduções de pinturas de artistas russos: “Retrato de A.P. Struyskaya" do artista F.S. Rokotova
   "La Gioconda" de Leonardo da Vinci
3. Multimídia

Durante as aulas

EU.Tempo de organização.

II. Introdução à lição.

A literatura é uma forma de arte, então decidi expandir o tema da aula de epígrafe para todo o curso de literatura do 10º ano e hoje quero oferecer a vocês uma conversa sobre o “poder mágico da arte”.
- O que significa a palavra “arte”? Vamos fazer séries sinônimas e associativas.

(Séries sinônimas, associativas e significados de palavras propostos pelos alunos de acordo com o dicionário de S.I. Ozhegov são exibidos na tela
arte, criatividade, artesanato, criação, atividade artística; inspiração, música, teatro, escultura, literatura, beleza, deleite, admiração, imagens, harmonia; Arte: 1. Reflexão criativa, reprodução da realidade em imagens artísticas. 2. Habilidade, habilidade, conhecimento do assunto. 3. Exatamente aquilo que requer tal habilidade, domínio.)

Com base no que foi escrito, diga-me, que impacto a arte deve ter em uma pessoa?

(A arte nos agrada com a harmonia da beleza, evoca sentimentos de entusiasmo, sacode a alma, desperta inspiração.)

Este ano conheceremos as obras de I. S. Turgenev, I. A. Goncharov, N. A. Nekrasov, M. E. Saltykov-Shchedrin, F. M. Dostoiévski, L. N. Tolstoy e A. P. Chekhov, cujo trabalho ainda é de interesse em todo o mundo. Há casos em que estrangeiros aprendem russo para ler no original as criações dos nossos mestres que os surpreenderam. E uma estudante da Universidade de Berna, na Suíça, aprendeu a língua quando viu russos fogosos no palco danças folclóricas. Provavelmente é por isso que vale a pena falar sobre o poder mágico da arte. Vamos tentar testar esta afirmação hoje.

III. Trabalhe no tema da lição.

Vamos ouvir a música “Músico” de A. Romanov, líder do grupo “Ressurreição”, interpretada por Konstantin Nikolsky. ( Letra da música em cada mesa)

Observe as palavras e expressões que afetam você.
(“...os sons do violino vão acordar tudo que vive e dorme em você...", "...se você ainda não está muito bêbado..." "...sobre os infelizes e felizes, sobre o bem e o mal, sobre o ódio feroz e o amor santo..." "...o que está acontecendo, o que estava acontecendo em sua terra, tudo nesta música - apenas ouça..." "o violino está cansado" "o mudo caso" "a melodia permanece.")

Que imagens, associações, pensamentos essas linhas evocam?

(A música talentosa, a voz comovente de um violino, comparável a uma humana, pode despertar sentimentos adormecidos, fazer você pensar não só no seu próprio destino, mas em tudo “que está acontecendo na sua terra”, fazer de você um “co- trabalhador."
É assustador se o violino se cansa e fica em silêncio, e para de “queimar o coração das pessoas”. Uma “caixa muda” se assemelhará, repreensivelmente, a um “recipiente no qual há vazio”. Mas de acordo com a lei da física, a energia da voz de um violino não pode desaparecer; só é inaudível devido ao ruído humano; a vaidade impede uma pessoa de sentir o seu maravilhoso toque nas cordas da alma.)

Por que essas imagens são perturbadoras, gravadas na memória, lembradas?

(O homem, o mais insensível, sem emoção, é criado harmonioso, o que significa que a chama do Amor deve viver e brilhar em sua alma, que, mesmo fumegante, você pode tentar atiçar para retornar àqueles que estão perdendo a face, imagem e semelhança do Criador.)

Quais versos da música dizem a coisa mais importante? Que questões importantes o autor coloca na vida de uma pessoa?

(“Por que você nasceu…”
Todos são capazes de compreender obras de arte?
Qual é o propósito da arte e qual é o poder do seu impacto nas pessoas?
O homem é responsável pelo que acontece ao seu redor. “Basta pegá-lo”, insiste o autor. Pegar significa tentar ouvir o principal, não se isolar da vida. Há sempre aqueles por perto que irão lembrá-lo “...do infeliz e do feliz, do bem e do mal, do ódio feroz e do amor santo...”. O nome deles é Mestres.)

Qual é a força do talento de um violinista e como ele se manifesta?
- Qual é a sua atitude em relação à música?
- O que você pode dizer sobre o autor da música?

2. Voltemos ao ensaio literário de G.I. Uspensky “Endireitado”, escrito em 1885.

(O trabalho foi lido pelos alunos para a aula)

Quem é o herói da obra?

(O herói do ensaio é “o professor rural Tyapushkin, esmagado pelo “tedioso trabalho escolar", "uma massa de insignificantes...preocupações e tormentos diários", mas não desprovidos de manifestações de sede de perfeição alma humana».)

Como é Estado de espirito Tyapushkin? Como é o estilo de vida dele?

(“Tudo isso continuou...”, “me chocou...”, “conspiração deliberada”, “uma sensação de algum tipo de infortúnio sem limites...” “Estou sentado no frio...”, “ Vou comer...”, “Voltando para o meu canto...”, “deprimido...” “Em cidade provincial… Estou exausto de coração…” “Profundamente emocionado...”, “Absolutamente nada de carinho...”. “Um casaco de pele de carneiro rasgado, uma cama feita em casa, almofadas de palha...”, “O infortúnio perfura o cérebro...”, “Covil” (não um quarto), “A dor da minha vida...”)

O que lhe dá força, “encoraja”, “revive”?

(Um sonho, “algo bom”, Tyapushkin lembra “como há 12 anos, em Paris, no Louvre, ele viu a Vênus de Milo”.)

Que impressão a estátua da deusa causou nele e por quê?

(“O que aconteceu comigo?”, “Qual é o segredo?” Quem veio aqui “sem a menor necessidade moral”,
“como uma luva amassada”, ele de repente sentiu: “...me endireitou.”)

Como ele viu a Vênus de Milo? Sua ideia de beleza feminina corresponde à beleza da deusa feminina?

(...Não, não corresponde.)

Por que a impressão do herói não dependia da inconsistência externa com o seu ideal?

(Uma obra de arte atrai com algo diferente.)

Mas o que aconteceu foi que ele “se deixou amassar novamente”. Isso significa que Tyapushkin “desistiu”, que a influência da obra de arte acabou durando pouco? Como você responderia a essa pergunta e como o autor responde?

(A vida é complicada, forçando Tyapushkin a decidir diariamente problemas reais, ela apagou uma forte impressão emocional da memória do herói. Mas mesmo a memória de uma obra de arte pode mudar uma pessoa. É assim que muda a percepção do professor sobre o mundo, ele percebe sua importância, sua necessidade das pessoas: “... ótimo peça de arte fortalece-me no meu então desejo de ir para a massa escura do povo... posso e devo ir para lá de acordo com as minhas forças... irei para lá e me esforçarei para que as pessoas que estão começando a viver não se permitam ser humilhado.")

Por que o ensaio se chama “Straightened Up”?

(Este é exatamente o efeito que a estátua teve no herói. Para Tyapushkin é assustador “... perder a felicidade de se sentir um ser humano”, e ele tem certeza de que uma grande obra de arte tem um poder vivificante que tem um efeito purificador da alma e dá energia a um ser humilhado, ajudando-o a melhorar espiritual e fisicamente.)

3. Vamos conhecer a curta obra “Competição” de V. Veresaev.

(O professor lê uma história sobre um concurso entre dois artistas (um professor e seu aluno) até o epílogo, quando o povo toma a decisão e determina o vencedor).

Qual das duas pinturas você prefere, a pintura do famoso artista Duas Vezes Coroado ou a pintura do Unicórnio? Por que?

(Trabalho em grupos. Termine de ler a história e troque opiniões entre os grupos.)
.
- Por que você acha que preferiu a pintura do Unicórnio? Por que o aluno derrotou o professor numa disputa sobre beleza?

(A professora ficou atormentada, procurando um ideal beleza feminina, encontrou e, usando sua habilidade insuperável, criou uma imagem incrível. Ela despertou admiração por uma mulher extraordinária e sobrenatural. Ao lado dessa beleza, tudo ao redor desbotava, parecia imperfeito, baixo, insignificante. O unicórnio, ao que parecia, não poderia superar o professor na habilidade de atuação, mas seu “Amanhecer” completamente terreno foi inspirado pelo amor. O aluno superou o professor na força dos sentimentos investidos no trabalho. Sua pintura me permitiu ver e lembrar a beleza ao meu redor.)

(O autor mostrou que a beleza externa cativa e encanta, mas a beleza interior é superior. Os olhos de um apaixonado veem beleza e esplendor em tudo o que o rodeia. O amado é sempre o mais bonito, o melhor. E não importa quantos os anos passam, ela sempre permanece ela, embora mude de aparência.

Lembro-me das palavras de W. Shakespeare:

Os olhos dela não parecem estrelas
Você não pode chamar sua boca de coral...
Não sei como andam as deusas,
Mas a querida pisa no chão.

A pintura do Unicórnio está iluminada de amor. É esse tipo de luz, semelhante à luz de uma estrela brilhante em um céu escuro, que realmente aquece o coração das pessoas (lembre-se da velha e do velho da história)

Aparentemente, entre as obras de arte, o próprio escritor dá preferência àquelas que trazem alegria, libertação espiritual, amor e luz, e “abrem os olhos” para a beleza do mundo.)

O que você pode dizer sobre a interação entre o Criador, o artista e o indivíduo, ao conhecer a história de V. Veresaev?

(O espectador é o objeto da influência do artista; é para ele que se dirige a energia da obra de arte, positiva ou negativa, elevando a alma ou escravizando-a.)

4. Agora trago à sua atenção o poema de Nikolai Zabolotsky “Amo a pintura, poetas...” e o retrato de A.P. Escova a jato do artista russo F.S. Rokotov.

(Os textos são copiados em cada mesa, na tela há um retrato de A.P. Struyskaya)

- O que é incomum imagem feminina retrato?
- Vamos ver se a sua impressão coincide com a opinião do poeta N. Zabolotsky.

(Professor lendo um poema)

Por que a percepção é tão diferente ou o que indica a semelhança de percepção entre a sua e a do poeta?

(Trabalhar em questões em grupos seguido de discussão em classe)

a) De que características da linguagem da pintura fala N. Zabolotsky?
b) Até que ponto o poeta e seu herói lírico apreciaram a criação do artista?
c) Só é possível falar da influência da pintura na alma humana lendo N. Zabolotsky? O que você pode dizer sobre o poeta?
d) Que meios de linguagem expressiva, que técnicas de criação de imagem o poeta utiliza para transmitir a sua admiração?
e) É possível, com base nesses trabalhos, confirmar ou refutar a afirmação feita no título da aula?

(N.A. Zabolotsky acredita que só a pintura tem a oportunidade de captar belos momentos na tela, captar mudanças espirituais, encontrar uma resposta no coração do espectador, portanto, a habilidade do artista é mágica, com a ajuda da qual é possível influenciar uma pessoa. Mas também vimos a habilidade de um poeta que consegue transmitir seus sentimentos: surpresa, admiração, encantamento - a partir da contemplação de uma pintura. A influência de qualquer obra-prima na alma humana é inegável.)

5. Concluindo, contarei uma história sobre o Caçador.

Era uma vez, quando as pessoas ainda se vestiam com peles de animais e viviam em cavernas, o Caçador voltou ao seu lar natal. Ele teve muito azar naquele dia. Nem um único pássaro permitiu que ele se aproximasse dele para alcançá-lo com uma flecha de seu arco, nem um único cervo permitiu que ele se acertasse com uma lança. O caçador sabia que a presa estava esperando na caverna. Imaginou que tipo de abusos as mulheres famintas iriam lançar sobre ele, lembrou-se do olhar de desprezo do Líder e sentiu-se amargurado.

Ele entrou na caverna de mãos vazias, ficou perto do fogo extinto e falou. O caçador começou a falar sobre como em uma floresta densa ele encontrou um animal branco como a neve sem precedentes com um único chifre e o perseguiu, como feriu esse animal. Diante de seus olhos, a fera se transformou em um belo homem e começou a repreender o Caçador por atacar o próprio Deus da Floresta. O caçador contou como implorou por misericórdia e pediu para matá-lo, mas para não ficar zangado com a tribo que o enviou para caçar. Deus perdoou o Caçador, mas proibiu-o de matar qualquer um dos animais naquele dia.

Quando o Caçador terminou sua história e olhou com medo para o povo de sua tribo, não viu nem reprovação nem raiva em seus olhos. As pessoas olharam para ele com admiração, e o Líder levantou-se da cadeira, cortou um grande pedaço de favo de mel e entregou-o ao caçador.

Por que você acha que o Caçador recebeu o prêmio?

(O caçador merecia sua recompensa por uma história vívida. Ele não mentiu para as pessoas. Ele lhes contou um dos primeiros contos de fadas. E foi alimentado justamente pela história. Uma grande magia aconteceu na caverna: as pessoas ouviram as palavras, e diante de seus olhos apareceram imagens inteiras de incidentes surpreendentes que causaram medo ao Caçador. A história do Caçador não era um pedido de perdão ou uma reclamação, mas poesia.)

4. Resumindo.

Qual é o poder mágico da arte?

Ivan Bunin, em ensaio ao poeta I. S. Nikitin, respondeu: “Não sei quem se chama um bom homem. É verdade que quem tem alma, tem um sentimento caloroso e um coração que inexplicavelmente explode das profundezas é bom. Não sei o que se chama arte, a beleza na arte, suas regras. Isso mesmo, é que uma pessoa, não importa quais palavras, de que forma ela me fale, me faria ver pessoas vivas na minha frente, sentir o sopro da natureza viva, fazendo tremer as melhores cordas do meu coração.”

Como você responderia?

V. Lição de casa.

Trabalho criativo à escolha dos alunos:

A) Papelada:

1. O que considero o poder mágico da arte?
2. Uma história (ensaio) sobre os sentimentos que você experimentou uma vez (enquanto assistia a uma peça, filme), impressões (de uma pintura, escultura, estrutura arquitetônica, ouvi uma peça musical).

B) Crie sua própria obra de arte (história, poemas, pinturas, artesanato, bordados, esculturas em madeira...)

Lista de literatura usada

1. VG Marantsman. Literatura Tutorial para o 9º ano do ensino secundário (página 6)
   Moscou "Iluminismo" 1992.
2. Literatura. 5 ª série. Um livro didático para escolas e turmas com estudo aprofundado de literatura, ginásios e liceus. Compilado por MB Ladygin e TG Trenina. Editora de Moscou "Drofa" 1995.

Qual é o poder mágico da arte? Qual o papel que isso desempenha na vida de uma pessoa? É verdade que a arte reflete a alma de um povo? O autor do texto proposto para análise, o escritor V. Konetsky, tenta responder a essas e outras questões. Por exemplo, refletindo sobre a singularidade da pintura russa, ele chama a atenção para o trabalho de artistas como Savrasov, Levitan, Serov, Korovin, Kustodiev. “Esses nomes escondem não apenas a alegria eterna da vida na arte. É a alegria russa que está escondida, com toda a sua ternura, modéstia e profundidade. E assim como uma canção russa é simples, a pintura é tão simples”, observa o autor. Ele enfatiza que o trabalho desses artistas reflete a visão de mundo do nosso povo, sua capacidade de desfrutar a beleza natureza nativa, a capacidade de apreciar a sua simplicidade e despretensão, de encontrar harmonia onde os outros não a sentem.

A arte para uma pessoa é também uma espécie de tábua de salvação, porque não é apenas um meio de expressão, mas também a força que nos liga à história e à cultura do nosso país natal, não nos permite esquecer a sua vastidão, e vez após vez lembra a todos como a Rússia é linda. V. Konetsky considera esta propriedade da arte genuína muito importante, porque ajuda as pessoas a perceberem o seu envolvimento na sua história, no seu povo, na sua Pátria: “No nosso século, os artistas não devem esquecer uma função simples da arte - despertar e iluminar em um companheiro de tribo um sentimento de pátria."

As obras de pintura, literatura, música também têm um papel muito importante que não pode ser ignorado. Resumindo, o escritor expressa confiança: “Arte é arte quando evoca na pessoa um sentimento de felicidade, ainda que passageira”.

Concordo com o ponto de vista do autor: a verdadeira arte sempre encontrará uma forma de tocar as cordas da nossa alma, de atingir até o coração mais duro. Pode levantar uma pessoa que perdeu a esperança e até salvar sua vida.

Assim, a arte reavivou o desejo de viver no herói do romance épico de L. Tolstoi, “Guerra e Paz”. Nikolai Rostov, perdendo para Dolokhov nas cartas uma grande quantidade, eu simplesmente não via uma saída para essa situação. A dívida de jogo deveria ser paga, mas o jovem oficial não tinha tanto dinheiro. Nessa situação, ele tinha, talvez, a única opção para o desenvolvimento dos acontecimentos - o suicídio. De pensamentos sombrios o herói do romance foi distraído pela voz da irmã. Natasha estava aprendendo uma nova ária. Naquele momento, Nikolai, encantado pela música, encantado pela beleza da voz de Natasha, esqueceu-se dos problemas que há apenas um minuto lhe pareciam insolúveis. Ele ouviu a cantoria e só ficou preocupado se a garota atingiria a nota mais alta. Dela voz gentil, o encanto da melodia mágica trouxe Nikolai de volta à vida: o herói percebeu que, além da adversidade e da tristeza, há beleza e felicidade no mundo, e para elas vale a pena viver. Isto é o que a verdadeira arte faz!

Também salvou Jonesy, a heroína da história de O’Henry, “The Last Leaf”. A menina, que adoeceu com pneumonia, perdeu completamente a esperança de recuperação. Observando a hera cair pela janela, ela decide que morrerá quando ela cair do galho. última folha. Um velho vizinho, o artista Berman, ao saber de suas intenções pelo amigo da heroína, decide enganar o destino. À noite, durante a chuva fria de outono e o vento forte, ele cria seu imagem principal, uma verdadeira obra-prima: desenha uma pequena folha de hera na parede de tijolos da casa oposta. De manhã, Jonesy vê como a corajosa última folha lutou bravamente contra a tempestade a noite toda. A menina também decide se recompor e acreditar na vida. Ela está se recuperando graças ao poder do amor que colocou em seu trabalho. velho artista e, portanto, graças ao art. É isso que lhe dá a oportunidade de viver, acreditar em si mesma e ser feliz.

Assim, a arte desempenha um papel vital em nossas vidas. Dá a você a oportunidade de expressar seus sentimentos e pensamentos, une uma variedade de pessoas e ajuda você a viver.

Uma obra de arte pode captar a atenção do espectador, leitor ou ouvinte de duas maneiras. Uma é determinada pela questão “o quê”, a outra pela questão “como”.

“O que” é o objeto que está representado na obra, fenômeno, evento, tema, material, ou seja, o que se chama de conteúdo da obra. Quando estamos falando sobre sobre coisas que interessam a uma pessoa, isso naturalmente suscita nela o desejo de aprofundar o significado do que foi dito. Porém, uma obra rica em conteúdo não precisa necessariamente ser uma obra de arte. As obras filosóficas, científicas e sócio-políticas não podem ser menos interessantes que as artísticas. Mas a sua tarefa não é criar imagens artísticas (embora às vezes possam recorrer a elas). Se uma obra de arte atrai o interesse de uma pessoa apenas pelo seu conteúdo, então, neste caso, os seus méritos artísticos (da obra) ficam em segundo plano. Então, mesmo uma representação menos artística do que é de vital importância para uma pessoa pode ferir profundamente seus sentimentos. Com um gosto pouco exigente, uma pessoa pode ficar completamente satisfeita com isso. Um grande interesse pelos acontecimentos descritos permite aos amantes de histórias policiais ou romances eróticos vivenciar emocionalmente esses acontecimentos em sua imaginação, apesar da inépcia de sua descrição, do estereotipado ou da miséria dos meios artísticos utilizados na obra.

É verdade que, neste caso, as imagens artísticas revelam-se primitivas, padronizadas, estimulando fracamente o pensamento independente do espectador ou leitor e dando origem apenas a complexos de emoções mais ou menos estereotipados.

Outra forma relacionada à questão “como” é a forma da obra de arte, ou seja, as formas e meios de organizar e apresentar o conteúdo. É aqui que se esconde o “poder mágico da arte”, que processa, transforma e apresenta o conteúdo da obra para que esta se concretize em imagens artísticas. O material ou tema de uma obra em si não pode ser artístico nem não ficcional. Uma imagem artística é constituída pelo material que constitui o conteúdo de uma obra de arte, mas só se forma graças à forma como esse material se reveste.

Vamos considerar características imagem artística.

A característica mais importante de uma imagem artística é que ela expressa uma atitude emocional e baseada em valores em relação ao objeto. O conhecimento sobre um objeto serve apenas como pano de fundo contra o qual emergem as experiências associadas a esse objeto.

I. Ehrenburg no livro “Pessoas, Anos, Vida” fala sobre sua conversa com o pintor francês Matisse. Matisse pediu a Lydia, sua assistente, que trouxesse uma escultura de um elefante. Eu vi, escreve Ehrenburg, uma escultura negra, muito expressiva, o escultor esculpiu em madeira um elefante furioso. “Você gostou?”, perguntou Matisse. Eu respondi: “Muito”. - “E nada te incomoda?” - “Não.” - "Eu também. Mas então chegou um europeu, um missionário, e começou a ensinar ao negro: “Por que os elefantes têm presas levantadas?” Um elefante consegue levantar a tromba, mas as presas conseguem levantar os dentes, eles não se movem.” “O negro ouviu...” Matisse chamou novamente: “Lydia, por favor, traga outro elefante.” Rindo maliciosamente, ele me mostrou uma estatueta semelhante às vendidas nas lojas de departamentos europeias: “As presas estão no lugar, mas a arte acabou”. realmente é. Mas se ele tivesse feito uma cópia escultural anatomicamente precisa do animal, é improvável que a pessoa que olha para ele fosse capaz de experimentar, experimentar, “sentir” a impressão da visão de um elefante furioso... O O elefante está em frenesi, sua tromba está levantada, está todo em movimento violento, as presas erguidas, a parte mais ameaçadora de seu corpo, parecem prontas para cair sobre a vítima. escultor cria tensão emocional no espectador, o que é um sinal de que imagem artística dá origem a uma resposta em sua alma.

Pelo exemplo considerado, fica claro que uma imagem artística não é apenas uma imagem resultante do reflexo de objetos externos que surgem no psiquismo. Seu propósito não é refletir a realidade tal como ela é, mas evocar na alma humana experiências associadas à sua percepção. Nem sempre é fácil para o espectador expressar em palavras o que está vivenciando. Ao olhar para uma estatueta africana, pode ser uma impressão do poder, da fúria e da fúria de um elefante, uma sensação de perigo, etc. Muito depende aqui das características subjetivas do indivíduo, de seu caráter, pontos de vista e valores. Mas, em qualquer caso, uma obra de arte só pode evocar experiências numa pessoa quando inclui a sua imaginação na obra. Um artista não pode fazer uma pessoa experimentar certos sentimentos simplesmente nomeando-os. Se ele simplesmente nos disser que devemos ter tais ou tais sentimentos e humores, ou mesmo os descrever em detalhes, então é improvável que os tenhamos. Ele excita experiências modelando meios linguagem artística as razões que lhes deram origem, ou seja, revestir essas razões de algum tipo de forma de arte. Uma imagem artística é um modelo da causa que dá origem às emoções. Se o modelo da causa “funciona”, ou seja, a imagem artística é percebida e recriada na imaginação humana, então aparecem também as consequências dessa causa - emoções evocadas “artificialmente”. E então ocorre um milagre da arte - seu poder mágico encanta uma pessoa e a leva para outra vida, para um mundo criado para ela por um poeta, escultor, cantor. “Michelangelo e Shakespeare, Goya e Balzac, Rodin e Dostoiévski criaram modelos de causas sensoriais que são quase mais impressionantes do que aquelas que a vida nos apresenta. É por isso que são chamados de grandes mestres.”

Uma imagem artística é uma “chave de ouro” que aciona o mecanismo da experiência. Ao recriar com o poder da sua imaginação o que se apresenta numa obra de arte, o espectador, leitor, ouvinte torna-se, em maior ou menor grau, um “coautor” da imagem artística nela contida.

Nas artes “objetivas” (belas) - pintura, escultura, desempenho dramático, filme, romance ou história, etc. - uma imagem artística é construída a partir de uma imagem, uma descrição de alguns fenômenos que existem (ou são apresentados como existentes) em mundo real. As emoções evocadas por tal imagem artística são duplas. Por um lado, relacionam-se com o conteúdo da imagem artística e expressam a avaliação de uma pessoa sobre as realidades (objetos, objetos, fenômenos da realidade) que se refletem na imagem. Por outro lado, referem-se à forma como o conteúdo da imagem é corporificado e expressam uma avaliação mérito artistico funciona. As emoções do primeiro tipo são sentimentos evocados “artificialmente” que reproduzem experiências eventos reais e fenômenos. As emoções do segundo tipo são chamadas de estéticas. Estão associados à satisfação das necessidades estéticas humanas - a necessidade de valores como beleza, harmonia, proporcionalidade. Atitude estética- esta é “uma avaliação emocional de como é organizado, construído, expresso, incorporado na forma este conteúdo, e não o conteúdo em si."

Uma imagem artística não é essencialmente tanto um reflexo dos fenómenos da realidade, mas uma expressão da sua percepção humana, das experiências a eles associadas e da atitude emocional e baseada em valores em relação a eles.

Mas por que as pessoas precisam de emoções evocadas artificialmente, nascidas no processo de percepção de imagens artísticas? Eles não têm experiências suficientes associadas aos seus Vida real? Até certo ponto isso é verdade. Uma vida monótona e monótona pode causar “fome emocional”. E então a pessoa sente necessidade de algumas fontes adicionais de emoções. Esta necessidade leva-os a procurar “emoções” no jogo, a assumir riscos deliberadamente e a criar voluntariamente situações perigosas.

A arte oferece às pessoas a oportunidade de ter “vidas extras” nos mundos imaginários das imagens artísticas.

“A arte “transferiu” uma pessoa para o passado e o futuro, “reassentou-a” em outros países, permitiu que uma pessoa “reencarnasse” em outra, para se tornar por um tempo Espártaco e César, Romeu e Macbeth, Cristo e o Demônio, até mesmo Presa Branca e O patinho feio; transformou um adulto em criança e em velho, permitiu que todos sentissem e soubessem o que nunca poderiam compreender e experimentar na vida real.”

As emoções que as obras de arte evocam numa pessoa não tornam apenas a sua percepção das imagens artísticas mais profunda e emocionante. Como mostra V.M. Allahverdov, as emoções são sinais que vêm da área do inconsciente para a esfera da consciência. Eles sinalizam se as informações recebidas reforçam o “modelo de mundo” que se desenvolveu nas profundezas do subconsciente ou, pelo contrário, revelam sua incompletude, imprecisão e inconsistência. Ao “mover-se” para o mundo das imagens artísticas e experimentar “vidas adicionais” nele, uma pessoa recebe amplas oportunidades para testar e esclarecer o “modelo de mundo” que se formou em sua cabeça com base em sua estreita experiência pessoal. Os sinais emocionais rompem o “cinturão protetor” da consciência e encorajam a pessoa a perceber e mudar suas atitudes anteriormente inconscientes.

É por isso que as emoções evocadas pela arte desempenham um papel importante na vida das pessoas. As experiências emocionais de “vidas extras” levam à expansão dos horizontes culturais de uma pessoa, ao enriquecimento da sua experiência espiritual e à melhoria do seu “modelo de mundo”.

Muitas vezes ouvimos como as pessoas, olhando para uma pintura, admiram a sua semelhança com a realidade (“A maçã é igual à verdadeira!”; “No retrato ele parece estar vivo!”). É difundida a opinião de que a arte - pelo menos a arte “objetiva” - reside na capacidade de alcançar semelhança entre uma imagem e o retratado. Ainda na antiguidade, esta opinião formou a base da “teoria da imitação” (em grego - mimesis), segundo a qual a arte é uma imitação da realidade. Deste ponto de vista, o ideal estético deve ser a máxima semelhança da imagem artística com o objeto. Na antiga lenda grega, o deleite do público foi causado por um artista que pintou um arbusto com frutas tão parecidas que os pássaros voavam para festejar com elas. E dois mil e quinhentos anos depois, Rodin era suspeito de ter alcançado uma verossimilhança incrível ao cobrir um homem nu com gesso, fazendo uma cópia dele e fazendo-a passar por uma escultura.

Mas uma imagem artística, como se depreende do exposto, não pode ser simplesmente uma cópia da realidade. É claro que um escritor ou artista que pretende retratar quaisquer fenômenos da realidade deve fazê-lo de tal forma que os leitores e espectadores possam pelo menos reconhecê-los. Mas a semelhança com o que é retratado não é de forma alguma a principal vantagem de uma imagem artística.

Goethe disse uma vez que se um artista desenha um poodle muito parecido, então pode-se alegrar-se com o aparecimento de outro cachorro, mas não de uma obra de arte. E Gorky, sobre um de seus retratos, que se distinguiu pelo rigor fotográfico, disse o seguinte: “Este não é o meu retrato. Este é um retrato da minha pele." Fotografias, moldes de mãos e rostos, figuras de cera têm como objetivo copiar os originais com a maior precisão possível.

No entanto, a precisão não os torna obras de arte. Além disso, a natureza de valor emocional da imagem artística, como já foi demonstrado, pressupõe um afastamento da objectividade desapaixonada na representação da realidade.

As imagens artísticas são modelos mentais de fenômenos, e a semelhança de um modelo com o objeto que reproduz é sempre relativa: qualquer modelo deve ser diferente do seu original, caso contrário seria simplesmente um segundo original, e não um modelo. " Desenvolvimento artístico a realidade não pretende ser a própria realidade – isto distingue a arte dos truques ilusionistas concebidos para enganar os olhos e os ouvidos.”

Ao perceber uma obra de arte, parecemos “deixar de lado o fato de que a imagem artística que ela carrega não coincide com o original. Aceitamos a imagem como se fosse a personificação de um objeto real, “concordamos” em não prestar atenção ao seu “caráter falso”. Esta é a convenção artística.

A convenção artística é uma suposição conscientemente aceita na qual uma causa de experiência “irreal” criada pela arte torna-se capaz de causar experiências que parecem “exatamente reais”, embora estejamos cientes de que são de origem artificial. “Vou derramar lágrimas pela ficção” - foi assim que Pushkin expressou o efeito convenção artística.

Quando uma obra de arte dá origem a certas emoções em uma pessoa, ela não apenas as vivencia, mas também compreende sua origem artificial. Compreender a sua origem artificial ajuda-os a encontrar alívio na reflexão. Isso permitiu que L.S. Vygotsky disse: “As emoções da arte são emoções inteligentes”. A ligação com a compreensão e a reflexão distingue as emoções artísticas das emoções causadas pelas circunstâncias da vida real.

V. Nabokov em suas palestras sobre literatura diz: “Na verdade, toda literatura é ficção. Toda arte é um engano... O mundo de qualquer grande escritor é um mundo de fantasia com sua própria lógica, suas próprias convenções...” O artista nos engana e sucumbimos voluntariamente ao engano. Segundo a expressão do filósofo e escritor francês J.-P. Sartre, o poeta mente para dizer a verdade, isto é, para suscitar uma experiência sincera e verdadeira. O destacado diretor A. Tairov disse brincando que o teatro é uma mentira elevada a sistema: “O ingresso que o espectador compra é um acordo simbólico de engano: o teatro se compromete a enganar o espectador; o espectador, um verdadeiro bom espectador, compromete-se a sucumbir ao engano e a ser enganado... Mas o engano da arte - torna-se verdade devido à autenticidade dos sentimentos humanos.”

Existem vários tipos de convenções artísticas, incluindo:

“denotando” - separa uma obra de arte de ambiente. Esta tarefa é cumprida pelas condições que determinam a área de percepção artística - o palco de um teatro, o pedestal de uma escultura, a moldura de uma pintura;

“compensar” - introduz no contexto da imagem artística a ideia dos seus elementos que não estão representados na obra de arte. Como a imagem não coincide com o original, sua percepção exige sempre conjecturas na imaginação sobre o que o artista não conseguiu mostrar ou deliberadamente deixou de dizer.

Esta é, por exemplo, a convenção espaço-tempo na pintura. A percepção da pintura pressupõe que o espectador imagine mentalmente a terceira dimensão, que se expressa convencionalmente pela perspectiva no plano, desenhe em sua mente uma árvore cortada pela borda da tela, introduza na imagem estática a passagem do tempo e , respectivamente, mudanças temporárias, que são veiculadas na pintura por meio de alguns meios convencionais;

“acentuar” - enfatiza, realça, exagera elementos emocionalmente significativos da imagem artística.

Os pintores muitas vezes conseguem isso exagerando o tamanho do objeto. Modigliani pinta mulheres com olhos anormalmente grandes que se estendem além do rosto. Na pintura de Surikov “Menshikov em Berezovo”, a figura incrivelmente enorme de Menshikov cria a impressão da escala e do poder desta figura, a primeira “ mão direita» Petra;

“complementar” - aumentando a variedade de meios simbólicos da linguagem artística. Este tipo de convenção é especialmente importante na arte “não objetiva”, onde uma imagem artística é criada sem recurso à representação de quaisquer objetos. Os meios simbólicos não figurativos às vezes não são suficientes para construir uma imagem artística, e a convenção “complementar” amplia seu alcance.

Então, em balé clássico movimentos e posturas naturalmente associados a experiências emocionais, são complementados por meios simbólicos convencionais de expressão certos sentimentos e estados. Na música deste tipo, meios adicionais são, por exemplo, ritmos e melodias que dão sabor nacional ou que lembram acontecimentos históricos.

Um símbolo é um tipo especial de sinal. A utilização de qualquer signo como símbolo permite-nos, através da imagem de uma coisa específica e individual (a aparência externa do símbolo), transmitir pensamentos de natureza geral e abstrata ( significado profundo personagem).

Recorrer aos símbolos abre amplas possibilidades para a arte. Com a ajuda deles, uma obra de arte pode ser repleta de conteúdos ideológicos que vão muito além daqueles situações específicas e os eventos que estão diretamente representados nele. Portanto, a arte, como sistema de modelagem secundário, utiliza amplamente uma variedade de símbolos. Nas linguagens da arte, os meios simbólicos são usados ​​não apenas em sua significado direto, mas também para “codificar” significados simbólicos profundos e “secundários”.

Do ponto de vista semiótico, uma imagem artística é um texto que carrega informações esteticamente concebidas e emocionalmente ricas. Através do uso de linguagem simbólica, esta informação é apresentada em dois níveis. No primeiro, é expresso diretamente no “tecido” sensualmente percebido da imagem artística - na aparência de pessoas, ações e objetos específicos exibidos nesta imagem. No segundo, deve ser obtido penetrando significado simbólico imagem artística, através da interpretação mental do seu conteúdo ideológico. Portanto, uma imagem artística carrega consigo não apenas emoções, mas também pensamentos. Impacto emocional Uma imagem artística é determinada pela impressão que nos causa tanto pela informação que recebemos no primeiro nível, através da percepção da descrição de fenómenos específicos que nos são dados directamente, como pela informação que captamos no segundo nível. através da interpretação do simbolismo da imagem. É claro que compreender o simbolismo requer esforço intelectual adicional. Mas isso aumenta significativamente as impressões emocionais que as imagens artísticas nos causam.

O conteúdo simbólico das imagens artísticas pode ser de natureza muito diferente. Mas está sempre presente até certo ponto. Portanto, uma imagem artística não pode ser reduzida ao que nela está representado. Ele sempre nos “fala” não só disso, mas também de outra coisa que vai além do objeto específico, visível e audível que nele está representado.

No conto de fadas russo, Baba Yaga não é apenas uma velha feia, mas uma imagem simbólica da morte. A cúpula bizantina da igreja não é apenas uma forma arquitetônica do telhado, mas um símbolo da abóbada celeste. O sobretudo de Akaki Akakievich de Gogol não é apenas uma roupa, mas uma imagem simbólica da futilidade dos sonhos de um homem pobre de uma vida melhor.

O simbolismo de uma imagem artística pode basear-se, em primeiro lugar, nas leis da psique humana.

Assim, a percepção das pessoas sobre a cor possui uma modalidade emocional associada às condições sob as quais uma determinada cor costuma ser observada na prática. A cor vermelha - a cor do sangue, do fogo, dos frutos maduros - desperta uma sensação de perigo, atividade, atração erótica e desejo pelas bênçãos da vida. Verde - a cor da grama, folhagem - simboliza o crescimento vitalidade, proteção, confiabilidade, tranquilidade. Preto é percebido como ausência cores brilhantes vida, lembra escuridão, mistério, sofrimento, morte. Roxo escuro - uma mistura de preto e vermelho - evoca um clima pesado e sombrio.

Os pesquisadores da percepção das cores, com algumas diferenças na interpretação das cores individuais, chegam, basicamente, a conclusões semelhantes sobre sua impacto psicológico. Segundo Frieling e Auer, as cores são caracterizadas da seguinte forma.

Em segundo lugar, uma imagem artística pode ser construída sobre o simbolismo historicamente estabelecido numa cultura.

No decorrer da história, descobriu-se que o verde se tornou a cor da bandeira do Islã, e Artistas europeus, representando uma névoa esverdeada atrás dos sarracenos em oposição aos cruzados, apontando simbolicamente para aquele que estava ao longe Mundo muçulmano. EM pintura chinesa a cor verde simboliza a primavera e, na tradição cristã, às vezes atua como um símbolo de estupidez e pecaminosidade (o místico sueco Swedenberg diz que os tolos no inferno têm olhos verdes; um dos vitrais da Catedral de Chartres mostra uma pele verde e verde -olho Satã).

Outro exemplo. Escrevemos da esquerda para a direita e o movimento nessa direção parece normal. Quando Surikov retrata a nobre Morozova em um trenó viajando da direita para a esquerda, seu movimento nessa direção simboliza um protesto contra as atitudes sociais aceitas. Ao mesmo tempo, no mapa está o oeste à esquerda e o leste à direita. Portanto, em filmes sobre Guerra Patriótica geralmente o inimigo avança pela esquerda e as tropas soviéticas pela direita.

Em terceiro lugar, ao criar uma imagem artística, o autor pode dar-lhe um significado simbólico baseado nas suas próprias associações, que por vezes iluminam inesperadamente coisas familiares sob uma nova perspectiva.

A descrição do contato dos fios elétricos aqui se transforma em uma reflexão filosófica sobre a síntese (não apenas “plexo”!) de opostos, sobre a coexistência morta (como acontece em vida familiar sem amor) e o lampejo da vida no momento da morte. As imagens artísticas nascidas da arte muitas vezes tornam-se símbolos culturais geralmente aceitos, uma espécie de padrão para avaliar os fenômenos da realidade. O título do livro "Dead Souls" de Gogol é simbólico. Manilov e Sobakevich, Plyushkin e Korobochka - tudo isso “ almas Mortas" Os símbolos eram Tatyana de Pushkin, Chatsky, Famusov, Molchalin de Griboyedov, Oblomov e Oblomovismo de Goncharov, Judushka Golovlev de Saltykov-Shchedrin, Ivan Denisovich de Solzhenitsyn e muitos outros heróis literários. Sem o conhecimento dos símbolos que entraram na cultura vindos da arte do passado, muitas vezes é difícil compreender o conteúdo das obras de arte modernas. A arte está profundamente permeada de associações históricas e culturais, e quem não as percebe muitas vezes acha inacessível o simbolismo das imagens artísticas.

O simbolismo de uma imagem artística pode ser criado e capturado tanto no nível da consciência quanto no subconsciente, “intuitivamente”. No entanto, em qualquer caso, deve ser entendido. Isto significa que a percepção de uma imagem artística não se limita apenas a uma experiência emocional, mas também requer compreensão e compreensão. Além disso, quando o intelecto entra em ação na percepção de uma imagem artística, isso fortalece e amplia o efeito da carga emocional que lhe é inerente. As emoções artísticas vivenciadas por quem entende de arte são emoções organicamente associadas ao pensamento. Aqui, em mais um aspecto, justifica-se a tese de Vygotsky: “as emoções da arte são emoções inteligentes”.

Acrescente-se ainda que nas obras literárias o conteúdo ideológico se expressa não só no simbolismo das imagens artísticas, mas também diretamente na boca dos personagens, nos comentários do autor, por vezes expandindo-se em capítulos inteiros com reflexões científicas e filosóficas (Tolstoi em “Guerra e Paz”, T. Mann em “A Montanha Mágica”). Isto demonstra ainda que é impossível reduzir percepção artística exclusivamente para influenciar a esfera das emoções. A arte exige tanto dos criadores como dos consumidores da sua criatividade não apenas experiências emocionais, mas também esforços intelectuais.

Qualquer signo, desde que seu significado possa ser definido arbitrariamente por uma pessoa, é capaz de ser portador Significados diferentes. Isto também se aplica a sinais verbais - palavras. Como mostra V.M. Allahverdov, “é impossível listar todos os significados possíveis de uma palavra, porque o significado desta palavra, como qualquer outro sinal, pode ser qualquer coisa. A escolha do significado depende da consciência que percebe esta palavra. Mas “a arbitrariedade da relação signo-significado” não significa imprevisibilidade. O significado, uma vez atribuído a um determinado signo, deve continuar a ser persistentemente atribuído a esse signo se o contexto de sua aparição for preservado.” Assim, o contexto em que é utilizado nos ajuda a compreender o que significa um signo.

Quando pretendemos comunicar conhecimento sobre um assunto a outra pessoa, tentamos garantir que o conteúdo da nossa mensagem seja compreendido de forma inequívoca. Na ciência, para esse fim, são introduzidas regras estritas que determinam o significado dos conceitos utilizados e as condições para a sua aplicação. O contexto não permite ir além dessas regras. Está implícito que a conclusão é baseada apenas na lógica e não nas emoções. Quaisquer nuances secundárias de significado não especificadas pelas definições são excluídas da consideração. Um livro didático de geometria ou química deve apresentar fatos, hipóteses e conclusões de tal forma que todos os alunos que o estudam percebam seu conteúdo de forma inequívoca e em plena conformidade com as intenções do autor. Caso contrário, teremos um livro ruim. A situação é diferente no art. Aqui, como já foi referido, a principal tarefa não é transmitir informações sobre alguns objetos, mas sim influenciar sentimentos, despertar emoções, por isso o artista procura meios simbólicos que sejam eficazes neste sentido. Ele brinca com esses meios, conectando aquelas nuances sutis e associativas de seu significado que permanecem fora das definições lógicas estritas e cujo apelo não é permitido no contexto da prova científica. Para que uma imagem artística impressione, desperte interesse e desperte emoções, ela é construída com a ajuda de descrições atípicas, comparações inesperadas, metáforas vívidas e alegorias.

Mas as pessoas são diferentes. Eles não têm o mesmo experiência de vida, diferentes habilidades, gostos, desejos, humores. Escritor pegando meio de expressão para criar uma imagem artística, parte de suas ideias sobre a força e a natureza de seu impacto no leitor. Ele os utiliza e avalia à luz de seus pontos de vista em um contexto cultural particular. Esse contexto está relacionado à época em que vive o escritor Problemas sociais, que dizem respeito às pessoas de uma determinada época, com o direcionamento dos interesses e o nível de escolaridade do público ao qual o autor se dirige. E o leitor percebe esses meios em seu próprio contexto cultural. Vários leitores, com base no seu contexto e simplesmente no seu caracteristicas individuais, podem ver a imagem criada pelo escritor à sua maneira.

Hoje em dia, as pessoas admiram as pinturas rupestres de animais feitas pelas mãos de artistas anônimos da Idade da Pedra, mas quando olham para elas, veem e vivenciam algo completamente diferente do que nossos ancestrais distantes viram e vivenciaram. Um não-crente pode admirar a “Trindade” de Rublev, mas ele percebe este ícone de forma diferente de um crente, e isso não significa que a sua percepção do ícone esteja incorreta.

Se uma imagem artística evoca no leitor exatamente aquelas experiências que o autor quis expressar, ele (o leitor) experimentará empatia.

Isto não significa que as experiências e interpretações das imagens artísticas sejam completamente arbitrárias e possam ser qualquer coisa. Afinal, eles surgem a partir da imagem, decorrem dela, e seu caráter é determinado por essa imagem. No entanto, esta condicionalidade não é inequívoca. A ligação entre uma imagem artística e as suas interpretações é a mesma que existe entre uma causa e as suas consequências: a mesma causa pode dar origem a muitas consequências, mas não a nenhuma, mas apenas às que dela decorrem.

Existem várias interpretações das imagens de Don Juan, Hamlet, Chatsky, Oblomov e muitos outros heróis literários. No romance Anna Karenina, de L. Tolstoi, as imagens dos personagens principais são descritas com incrível vivacidade. Tolstoi, como ninguém, sabe apresentar seus personagens ao leitor de tal forma que eles se tornem, por assim dizer, seus conhecidos mais próximos. Parece que a aparição de Anna Arkadyevna e seu marido Alexei Alexandrovich, seu mundo espiritual, nos é revelado profundamente. No entanto, os leitores podem ter atitudes diferentes em relação a eles (e no romance as pessoas os tratam de maneira diferente). Alguns aprovam o comportamento de Karenina, outros consideram-no imoral. Algumas pessoas não gostam muito de Karenin, outras o consideram uma pessoa extremamente digna. O próprio Tolstoi, a julgar pela epígrafe do romance (“A vingança é minha e eu retribuirei”), parece condenar sua heroína e insinuar que ela está sofrendo justa retribuição por seu pecado. Mas ao mesmo tempo, em essência, com todo o subtexto do romance, ele evoca compaixão por ela. O que é maior: o direito ao amor ou o dever conjugal? Não há uma resposta clara no romance. Você pode simpatizar com Anna e culpar o marido dela, ou pode fazer o contrário. A escolha cabe ao leitor. E o campo de escolha não se limita a apenas duas opções extremas - provavelmente existem inúmeras opções intermediárias.

Assim, qualquer imagem artística plena é polissemântica no sentido de que permite a existência de muitas interpretações diferentes. Eles estão, por assim dizer, potencialmente incorporados nele e revelam seu conteúdo quando são percebidos com pontos diferentes perspectiva e em diferentes contextos culturais. Não a empatia, mas a cocriação é o que é necessário para compreender o significado de uma obra de arte e, ainda, uma compreensão associada à percepção e experiência pessoal, subjetiva e individual das imagens artísticas contidas na obra.

(410 palavras) O que é arte? Isto é o que causa tremor na alma. Pode tocar até os corações mais insensíveis e petrificados. A criatividade traz beleza à vida das pessoas e permite entrar em contato com ela através da música, da pintura, da arquitetura, da literatura... O grande poder da arte nos direciona para o bem e a luz, incutindo em nossas mentes esperança e um senso de significado em este mundo. Às vezes, só através dela podemos expressar toda a alegria ou dor, desespero ou felicidade. Para apoiar minhas afirmações, darei exemplos de livros.

Na história de A.P. "O violino de Rothschild" de Chekhov » personagem principal perdeu a esposa e quase não sobreviveu. Este evento o tirou de sua rotina. Em algum momento, ele percebeu o quão sem sentido era toda a sua existência, repleta de cotidiano, acumulação e rotina. Sob o poder dessas emoções, ele toca violino, derramando toda a sua alma e todas as suas tristezas através dos sons da música. Então um judeu chamado Rothschild ouviu sua melodia e isso não o deixou de lado. Ele seguiu o chamado da criatividade. Nunca antes em toda a sua vida Yakov Matveevich sentiu pena de alguém, e mesmo de uma pessoa que antes lhe evocava apenas desprezo. E ele, antes ganancioso e egoísta, deu seu instrumento a Rothschild, junto com toda a sua música - uma incrível obra de arte. Este violino e a música de Jacob deram fama, reconhecimento e uma oportunidade a Rothschild vida nova. Assim, o poder da criatividade ajudou as pessoas a descobrirem em si mesmas lados positivos, encontraram compreensão mútua e até ajudaram alguns deles a mudar seu destino.

No trabalho de I.S. "Cantores" de Turgenev também podemos encontrar exemplo interessante. O autor dedicou a história ao povo russo e à sua atitude em relação à arte, porque ele próprio sabia o que Arte folclórica e a alma russa. Nesta peça ele nos mostra quão poderoso pode ser o poder da música e quão profundamente uma canção pode tocar o coração das pessoas. Durante a apresentação de Yakov, cuja voz embargada estava repleta de profunda sensualidade, as pessoas choraram enquanto ouviam sua música. O autor, tentando transmitir todas as suas emoções e sensações a partir do que ouviu e viu, disse que durante muito tempo não conseguiu fechar os olhos naquela noite, porque a bela canção de Yakov fluía constantemente em seus ouvidos. Isso significa que o poder da arte pode influenciar os sentimentos das pessoas e controlá-las, purificando e elevando a alma.

A arte é para todos. Para os rudes e insensíveis, para os gentis e sensíveis, para os pobres e os ricos. Não importa quem seja uma pessoa, não importa que personalidade ela seja, grande poder a criatividade sempre o encorajará a realizar ações maravilhosas, semeará um sentimento de beleza na alma e incorporará verdadeiros milagres. A energia purificadora e edificante da arte nos dá a oportunidade de viver corretamente - de acordo com as leis do bem e da beleza.

A arte tem muitas formas de expressão: na pedra, na pintura, nos sons, nas palavras e assim por diante. Cada uma de suas variedades, afetando vários órgãos sentimentos, pode causar uma forte impressão em uma pessoa e criar imagens que durarão para sempre.

Durante muitos anos tem havido debate sobre qual forma de arte tem o maior poder expressivo. Alguns apontam para a arte das palavras, alguns para a pintura, outros chamam a música de arte sutil e, portanto, a arte mais influente na alma humana.

Parece-me que se trata de uma questão de gosto individual, o que, como dizem, não é polémico. O único fato indiscutível é que a arte tem algum poder e poder misterioso sobre uma pessoa. Além disso, esse poder se estende tanto ao autor, criador, quanto ao “consumidor” dos produtos da atividade criativa.

Um artista às vezes não consegue ver o mundo através de seus olhos pessoa comum, por exemplo, o herói do conto de M. Kotsyubinsky “A Flor da Macieira”. Ele está dividido entre seus dois papéis: um pai que sofreu a dor devido à doença de sua filha e um artista que não pode deixar de olhar para os acontecimentos do declínio de seu filho como material para uma história futura.

O tempo e o ouvinte são incapazes de deter a ação das forças da arte. EM " Um conto antigo“Lesya Ukrainsky pode ver como o poder da música, as palavras do cantor ajudam o cavaleiro a cativar o coração de sua amada. Posteriormente, vemos como uma palavra, uma palavra elevada de uma canção, derruba do trono um cavaleiro que se tornou um tirano. E há muitos exemplos desse tipo.

Obviamente, nossos clássicos, sentindo os movimentos sutis da alma humana, queriam nos mostrar como ela pode influenciar uma pessoa e até pessoas inteiras artista. Glória a tais exemplos, podemos compreender melhor não apenas o poder da arte, mas também apreciar o que há de criativo no homem.