"Jogadores de cartas"

Autor

Paul Cézanne

Um país França
anos de vida 1839–1906
Estilo pós-impressionismo

O artista nasceu no sul da França, na pequena cidade de Aix-en-Provence, mas começou a pintar em Paris. O verdadeiro sucesso veio a ele depois de uma exposição individual organizada pelo colecionador Ambroise Vollard. Em 1886, 20 anos antes de sua partida, mudou-se para a periferia de sua cidade natal. Jovens artistas chamavam as viagens a ele de "uma peregrinação a Aix".

130x97 cm
1895
preço
$ 250 milhões
vendido em 2012
em leilão privado

O trabalho de Cézanne é fácil de entender. A única regra do artista era a transferência direta do tema ou enredo para a tela, para que suas pinturas não causassem perplexidade no espectador. Cézanne combinou em sua arte duas principais tradições francesas: o classicismo e o romantismo. Com a ajuda da textura colorida, ele deu à forma dos objetos uma plasticidade incrível.

Uma série de cinco pinturas "Card Players" foi escrita em 1890-1895. O enredo deles é o mesmo - várias pessoas estão jogando pôquer com entusiasmo. As obras diferem apenas no número de jogadores e no tamanho da tela.

Quatro pinturas são mantidas em museus da Europa e da América (o Musée d'Orsay, o Metropolitan Museum of Art, a Barnes Foundation e o Courtauld Institute of Art), e a quinta, até recentemente, era um adorno da coleção particular do Armador bilionário grego George Embirikos. Pouco antes de sua morte, no inverno de 2011, ele decidiu colocá-lo à venda. Os potenciais compradores do trabalho "gratuito" de Cézanne eram o negociante de arte William Aquavella e o mundialmente famoso galerista Larry Gagosian, que ofereceu cerca de US$ 220 milhões por ele. Como resultado, a pintura foi para a família real do estado árabe do Catar por 250 milhões. O maior contrato de arte da história da pintura foi fechado em fevereiro de 2012. Isso foi relatado à Vanity Fair pela jornalista Alexandra Pierce. Ela descobriu o custo da pintura e o nome do novo proprietário, e então a informação penetrou na mídia de todo o mundo.

O Museu Árabe foi inaugurado no Catar em 2010 arte contemporânea e o Museu Nacional do Catar. Agora suas coleções estão crescendo. Talvez a quinta versão de The Card Players tenha sido adquirida pelo xeque para esse fim.

A maioriaimagem carano mundo

Proprietário
Sheikh Hamad
bin Khalifa al-Thani

A dinastia al-Thani governou o Catar por mais de 130 anos. Há cerca de meio século, enormes reservas de petróleo e gás foram descobertas aqui, o que instantaneamente fez do Catar uma das regiões mais ricas do mundo. Graças à exportação de hidrocarbonetos, este pequeno país registrou o maior PIB per capita. Sheikh Hamad bin Khalifa al-Thani chegou ao poder em 1995, enquanto seu pai estava na Suíça, com o apoio de familiares. O mérito do atual governante, segundo especialistas, está em uma estratégia clara para o desenvolvimento do país, criando uma imagem de sucesso do Estado. O Catar agora tem uma constituição e um primeiro-ministro, e as mulheres ganharam o direito de voto nas eleições parlamentares. A propósito, foi o Emir do Catar quem fundou o canal de notícias Al Jazeera. As autoridades do estado árabe dão muita atenção à cultura.

2

"Número 5"

Autor

Jackson Pollock

Um país EUA
anos de vida 1912–1956
Estilo expressionismo abstrato

Jack the Sprinkler - esse apelido foi dado a Pollock pelo público americano por sua técnica especial de pintura. A artista abandonou o pincel e o cavalete, e derramou a tinta na superfície da tela ou do papelão em movimentos contínuos ao redor e dentro deles. Desde muito jovem gostou da filosofia de Jiddu Krishnamurti, cuja principal mensagem é que a verdade se revela durante um "derramamento" gratuito.

122x244 cm
1948
preço
$ 140 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's

O valor do trabalho de Pollock não está no resultado, mas no processo. O autor não chamou acidentalmente sua arte de "pintura de ação". Com o seu mão leve tornou-se o principal ativo da América. Jackson Pollock misturou tinta com areia vidro quebrado, mas escrevia com um pedaço de papelão, uma espátula, uma faca, uma pá. O artista era tão popular que na década de 1950 havia até imitadores na URSS. A pintura "Número 5" é reconhecida como uma das mais estranhas e caras do mundo. Um dos fundadores da DreamWorks, David Geffen, comprou-o para uma coleção particular e, em 2006, vendeu-o na Sotheby's por US$ 140 milhões para o colecionador mexicano David Martinez. No entanto, em breve escritório de advocacia emitiu um comunicado de imprensa em nome de seu cliente afirmando que David Martinez não era o dono da pintura. Apenas uma coisa é certa: o financista mexicano de fato colecionou recentemente obras de arte contemporânea. É improvável que ele tivesse perdido um "peixe grande" como o "Número 5" de Pollock.

3

"Mulher III"

Autor

Willem de Kooning

Um país EUA
anos de vida 1904–1997
Estilo expressionismo abstrato

Natural da Holanda, emigrou para os Estados Unidos em 1926. Em 1948, ocorreu uma exposição pessoal do artista. Os críticos de arte apreciaram as complexas e nervosas composições em preto e branco, reconhecendo em seu autor um grande artista modernista. Durante a maior parte de sua vida ele sofreu de alcoolismo, mas a alegria de criar uma nova arte é sentida em cada trabalho. De Kooning se distingue pela impulsividade da pintura, pinceladas largas, razão pela qual às vezes a imagem não cabe nos limites da tela.

121x171 cm
1953
preço
$ 137 milhões
vendido em 2006
em leilão privado

Na década de 1950, mulheres com olhos vazios, seios enormes e feições feias aparecem nas pinturas de De Kooning. "Mulher III" tornou-se trabalho mais recente desta série, licitação.

Desde a década de 1970, a pintura está guardada no Museu de Arte Moderna de Teerã, mas após a introdução de rígidas regras morais no país, eles tentaram se livrar dela. Em 1994, a obra foi retirada do Irã e, 12 anos depois, seu proprietário David Geffen (o mesmo produtor que vendeu o "Número 5" de Jackson Pollock) vendeu a pintura para o milionário Stephen Cohen por US$ 137,5 milhões. É interessante que em um ano Geffen começou a vender sua coleção de pinturas. Isso deu origem a muitos rumores: por exemplo, que o produtor decidiu comprar o Los Angeles Times.

Em um dos fóruns de arte, foi expressa uma opinião sobre a semelhança de "Mulher III" com a pintura de Leonardo da Vinci "A Dama com Arminho". Por trás do sorriso cheio de dentes e da figura disforme da heroína, o conhecedor da pintura discerniu a graça de uma pessoa de sangue real. Isso também é evidenciado pela coroa mal traçada que coroa a cabeça de uma mulher.

4

"Retrato de AdeleBloch-Bauer I"

Autor

Gustav Klimt

Um país Áustria
anos de vida 1862–1918
Estilo moderno

Gustav Klimt nasceu na família de um gravador e foi o segundo de sete filhos. Três filhos de Ernest Klimt se tornaram artistas, e apenas Gustav se tornou famoso em todo o mundo. Ele passou a maior parte de sua infância na pobreza. Após a morte de seu pai, ele era responsável por toda a família. Foi nessa época que Klimt desenvolveu seu estilo. Diante de suas pinturas, qualquer espectador congela: sob as finas pinceladas de ouro, o erotismo franco é claramente visível.

138x136 cm
1907
preço
$ 135 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's

O destino da pintura, chamada de "Mona Lisa austríaca", poderia facilmente se tornar a base de um best-seller. O trabalho do artista se tornou a causa do conflito de todo o estado e de uma senhora idosa.

Assim, o “Retrato de Adele Bloch-Bauer I” retrata uma aristocrata, esposa de Ferdinand Bloch. Sua última vontade era transferir a pintura para a Austrian State Gallery. No entanto, Bloch cancelou a doação em seu testamento e os nazistas expropriaram a pintura. Mais tarde, a galeria dificilmente comprou a Golden Adele, mas então apareceu a herdeira - Maria Altman, sobrinha de Ferdinand Bloch.

Em 2005, começou o julgamento de alto nível "Maria Altman contra a República da Áustria", como resultado do qual a foto "partiu" com ela para Los Angeles. A Áustria tomou medidas inéditas: empréstimos foram negociados, a população doou dinheiro para comprar o retrato. O bem nunca venceu o mal: Altman aumentou o preço para US$ 300 milhões. Na época do julgamento, ela tinha 79 anos e entrou para a história como a pessoa que mudou o testamento de Bloch-Bauer em favor de interesses pessoais. A pintura foi comprada por Ronald Lauder, proprietário da New Gallery em Nova York, onde permanece até hoje. Não para a Áustria, para ele Altman reduziu o preço para US$ 135 milhões.

5

"Gritar"

Autor

Edvard Munch

Um país Noruega
anos de vida 1863–1944
Estilo expressionismo

A primeira pintura de Munch, que ficou famosa em todo o mundo, "A Menina Doente" (existe em cinco exemplares) é dedicada à irmã do artista, que morreu de tuberculose aos 15 anos. Munch sempre se interessou pelo tema da morte e da solidão. Na Alemanha, sua pintura pesada e maníaca até provocou um escândalo. No entanto, apesar dos enredos deprimentes, suas pinturas têm um magnetismo especial. Tome pelo menos "Scream".

73,5 x 91 cm
1895
preço
US$ 119,992 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

O nome completo da pintura é Der Schrei der Natur (traduzido do alemão como “o grito da natureza”). O rosto de uma pessoa ou de um alienígena expressa desespero e pânico - o espectador experimenta as mesmas emoções ao olhar para a foto. Um de obras-chave o expressionismo alerta para os temas que se tornaram agudos na arte do século XX. Segundo uma versão, o artista o criou sob a influência de um transtorno mental, que sofreu durante toda a vida.

A pintura foi roubada duas vezes de museus diferentes, mas foi devolvida. Ligeiramente danificado após o roubo, O Grito foi restaurado e estava pronto para ser exibido novamente no Munch Museum em 2008. Para representantes da cultura pop, a obra se tornou uma fonte de inspiração: Andy Warhol criou uma série de suas cópias-impressões, e a máscara do filme "Scream" foi feita à imagem e semelhança do herói do filme.

Para um enredo, Munch escreveu quatro versões da obra: a de uma coleção particular é feita em pastel. O bilionário norueguês Petter Olsen o colocou em leilão em 2 de maio de 2012. O comprador foi Leon Black, que não poupou uma quantia recorde para o "Grito". Fundador da Apollo Advisors, L.P. e Lion Advisors, L.P. conhecido por seu amor pela arte. Black é patrono do Dartmouth College, do Museu de Arte Moderna, do Lincoln Art Center e do Metropolitan Museum of Art. Possui a maior coleção de pinturas de artistas contemporâneos e mestres clássicos dos séculos passados.

6

"Nu tendo como fundo um busto e folhas verdes"

Autor

Pablo Picasso

Um país Espanha, França
anos de vida 1881–1973
Estilo cubismo

Por origem é espanhol, mas em espírito e local de residência é um verdadeiro francês. Picasso abriu seu próprio estúdio de arte em Barcelona quando tinha apenas 16 anos. Então ele foi para Paris e passou a maior parte de sua vida lá. É por isso que há um duplo acento em seu sobrenome. O estilo inventado por Picasso baseia-se na negação da opinião de que o objeto representado na tela pode ser visto de apenas um ângulo.

130x162 cm
1932
preço
US$ 106,482 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie´s

Durante seu trabalho em Roma, o artista conheceu a dançarina Olga Khokhlova, que logo se tornou sua esposa. Ele acabou com a vadiagem, mudou-se com ela para um apartamento luxuoso. Naquela época, o reconhecimento havia encontrado um herói, mas o casamento foi destruído. Um dos mais pinturas caras O mundo foi criado quase por acaso - por um grande amor, que, como sempre com Picasso, durou pouco. Em 1927, interessou-se pela jovem Marie-Therese Walter (ela tinha 17 anos, ele 45). Secretamente de sua esposa, ele partiu com sua amante para uma cidade perto de Paris, onde pintou um retrato retratando Marie-Therese na imagem de Daphne. A pintura foi comprada pelo negociante de Nova York Paul Rosenberg e vendida em 1951 para Sidney F. Brody. Os Brodys mostraram a pintura ao mundo apenas uma vez, e apenas porque o artista tinha 80 anos. Após a morte do marido, a Sra. Brody colocou a obra em leilão na Christie's em março de 2010. Em seis décadas, o preço subiu mais de 5.000 vezes! Um colecionador desconhecido comprou por $ 106,5 milhões. Em 2011, uma “exposição de uma pintura” foi realizada na Grã-Bretanha, onde viu a luz pela segunda vez, mas o nome do proprietário ainda é desconhecido.

7

"Oito Elvis"

Autor

Andy Warhole

Um país EUA
anos de vida 1928-1987
Estilo
arte pop

“Sexo e festas são os únicos lugares onde você precisa aparecer pessoalmente”, disse o artista cult pop art, diretor, um dos fundadores da revista Interview, designer Andy Warhol. Ele trabalhou com a Vogue e a Harper's Bazaar, desenhou capas de discos e desenhou sapatos para a I.Miller. Na década de 1960, surgiram pinturas retratando os símbolos da América: a sopa Campbell e a Coca-Cola, Presley e Monroe - o que o tornou uma lenda.

358x208 cm
1963
preço
$ 100 milhões
vendido Em 2008
em leilão privado

Os anos 60 de Warhol - a chamada era da pop art na América. Em 1962, trabalhou em Manhattan no Factory Studio, onde se reunia toda a boemia de Nova York. Seus representantes mais brilhantes: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e outras personalidades famosas do mundo. Ao mesmo tempo, Warhol tentou a técnica de serigrafia - múltiplas repetições de uma imagem. Ele também usou esse método ao criar "Oito Elvises": o espectador parece ver quadros de um filme em que a estrela ganha vida. Tudo o que o artista tanto amou está aqui: uma imagem pública ganha-ganha, cor prateada e uma premonição de morte como mensagem principal.

Existem dois negociantes de arte promovendo a obra de Warhol no mercado mundial hoje: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. O primeiro em 2008 gastou US$ 200 milhões para comprar mais de 15 obras de Warhol. O segundo compra e vende seus quadros como cartões de natal, só que mais caros. Mas não foram eles, mas o humilde consultor de arte francês Philippe Segalo que ajudou o conhecedor de arte romano Annibale Berlinghieri a vender os Oito Elvis a um comprador desconhecido por US$ 100 milhões, um recorde de Warhol.

8

"Laranja,Vermelho amarelo"

Autor

Mark Rothko

Um país EUA
anos de vida 1903–1970
Estilo expressionismo abstrato

Um dos criadores da pintura de campo colorido nasceu em Dvinsk, Rússia (atual Daugavpils, Letônia), em grande família farmacêutico judeu. Em 1911 emigraram para os Estados Unidos. Rothko estudou no departamento de arte da Universidade de Yale, conseguiu uma bolsa de estudos, mas os sentimentos anti-semitas o forçaram a abandonar os estudos. Apesar de tudo, os críticos de arte idolatravam o artista e os museus o perseguiram por toda a vida.

206x236 cm
1961
preço
$ 86,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Christie´s

As primeiras experiências artísticas de Rothko foram de orientação surrealista, mas com o tempo ele simplificou o enredo para colorir manchas, privando-as de qualquer objetividade. A princípio tinham tons claros e, na década de 1960, eram preenchidos com marrom, roxo, engrossando para preto na época da morte do artista. Mark Rothko alertou contra procurar qualquer significado em suas pinturas. O autor quis dizer exatamente o que disse: apenas a cor que se dissolve no ar e nada mais. Ele recomendou olhar as obras a uma distância de 45 cm, para que o espectador seja "arrastado" para a cor, como em um funil. Atenção: a visualização de acordo com todas as regras pode levar ao efeito da meditação, ou seja, a consciência do infinito vem gradativamente, imersão total em si mesmo, relaxamento, purificação. A cor nas suas pinturas vive, respira e tem um forte impacto emocional (às vezes diz-se que cura). O artista disse: "O espectador deveria chorar olhando para eles" - e realmente houve casos assim. Segundo a teoria de Rothko, neste momento as pessoas vivem a mesma experiência espiritual que ele teve ao trabalhar na pintura. Se você conseguiu entendê-lo em um nível tão sutil, não se surpreenda que essas obras do abstracionismo sejam frequentemente comparadas pelos críticos com ícones.

A obra "Laranja, Vermelho, Amarelo" expressa a essência da pintura de Mark Rothko. Seu custo inicial no leilão da Christie's em Nova York é de 35 a 45 milhões de dólares. Um comprador desconhecido ofereceu um preço duas vezes maior do que a estimativa. O nome do feliz dono da pintura, como costuma acontecer, não foi divulgado.

9

"Tríptico"

Autor

Francis Bacon

Um país
Grã Bretanha
anos de vida 1909–1992
Estilo expressionismo

As aventuras de Francis Bacon, homônimo completo e, ainda por cima, descendente distante do grande filósofo, começaram quando seu pai o deserdou, incapaz de aceitar as inclinações homossexuais do filho. Bacon foi primeiro para Berlim, depois para Paris, e então seus rastros se confundem por toda a Europa. Mesmo durante sua vida, suas obras foram exibidas nos principais centros culturais do mundo, incluindo o Museu Guggenheim e a Galeria Tretyakov.

147,5x198 cm (cada)
1976
preço
US$ 86,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

Museus de prestígio se esforçaram para possuir pinturas de Bacon, mas o público inglês não tinha pressa em desembolsar por tal arte. A lendária primeira-ministra britânica Margaret Thatcher disse sobre ele: "O homem que pinta essas imagens horríveis."

O período inicial em sua obra, o próprio artista considerou o pós-guerra. Voltando do serviço, voltou a pintar e criou as principais obras-primas. Antes da participação de "Tríptico, 1976" no leilão, a obra mais cara de Bacon era "Estudo para um Retrato do Papa Inocêncio X" (52,7 milhões de dólares). No "Tríptico, 1976" o artista retratou a trama mítica da perseguição de Orestes pelas fúrias. Claro, Orestes é o próprio Bacon, e as fúrias são seus tormentos. Por mais de 30 anos, a pintura esteve em acervo particular e não participou de exposições. Esse fato confere um valor especial e, consequentemente, aumenta o custo. Mas o que são alguns milhões para um conhecedor de arte e até generoso em russo? Roman Abramovich começou a criar sua coleção na década de 1990, nisso foi significativamente influenciado por sua namorada Dasha Zhukova, que se tornou uma galerista da moda na Rússia moderna. Segundo dados não oficiais, o empresário é dono de obras de Alberto Giacometti e Pablo Picasso, compradas por valores superiores a US$ 100 milhões. Em 2008, tornou-se proprietário do Tríptico. A propósito, em 2011, outra obra valiosa de Bacon foi adquirida - "Três esboços para um retrato de Lucian Freud". Fontes ocultas dizem que Roman Arkadievich tornou-se novamente o comprador.

10

"Lagoa com nenúfares"

Autor

Claude Monet

Um país França
anos de vida 1840–1926
Estilo impressionismo

O artista é reconhecido como o fundador do impressionismo, que "patenteou" esse método em suas telas. A primeira obra significativa foi a pintura "Breakfast on the Grass" (a versão original da obra de Edouard Manet). Na juventude, desenhava caricaturas e pintura real assumiu durante as suas viagens ao longo da costa e ao ar livre. Em Paris, ele levou um estilo de vida boêmio e não o deixou mesmo depois de servir no exército.

210x100 cm
1919
preço
US$ 80,5 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie´s

Além do fato de Monet ser um grande artista, ele também se dedicava entusiasticamente à jardinagem, adorava a vida selvagem e as flores. Em suas paisagens, o estado de natureza é momentâneo, os objetos parecem borrados pelo movimento do ar. A impressão é aprimorada por grandes traços, a partir de uma certa distância eles se tornam invisíveis e se fundem em uma imagem tridimensional texturizada. Na pintura do falecido Monet, um lugar especial é ocupado pelo tema da água e da vida nela. Na cidade de Giverny, o artista tinha seu próprio lago, onde cultivava nenúfares a partir de sementes especialmente trazidas por ele do Japão. Quando suas flores desabrocharam, ele começou a pintar. A série Nenúfares é composta por 60 obras que o artista pintou ao longo de quase 30 anos, até sua morte. Sua visão piorou com a idade, mas ele não parou. Dependendo do vento, da estação e do clima, a vista do lago mudava constantemente, e Monet queria capturar essas mudanças. Através de um trabalho cuidadoso, uma compreensão da essência da natureza veio a ele. Algumas das pinturas da série são mantidas nas principais galerias do mundo: National Museum of Western Art (Tóquio), Orangerie (Paris). A versão do próximo "Lagoa com nenúfares" foi parar nas mãos de um comprador desconhecido por um valor recorde.

11

estrela falsa t

Autor

Jasper Johns

Um país EUA
Ano de nascimento 1930
Estilo arte pop

Em 1949, Jones entrou na escola de design em Nova York. Junto com Jackson Pollock, Willem de Kooning e outros, é reconhecido como um dos principais artistas do século XX. Em 2012, ele recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, a maior condecoração civil dos Estados Unidos.

137,2 x 170,8 cm
1959
preço
$ 80 milhões
vendido em 2006
em leilão privado

Como Marcel Duchamp, Jones trabalhou com objetos reais, retratando-os na tela e na escultura em total conformidade com o original. Para suas obras, ele usou objetos simples e compreensíveis para todos: uma garrafa de cerveja, uma bandeira ou mapas. Não há uma composição clara na imagem False Start. O artista parece estar brincando com o espectador, muitas vezes assinando “incorretamente” as cores da imagem, virando de cabeça para baixo o próprio conceito de cor: “Eu queria encontrar uma maneira de retratar a cor de forma que ela pudesse ser determinada por algum outro método." Sua pintura mais explosiva e "insegura", segundo os críticos, foi adquirida por um comprador desconhecido.

12

"Sentadonuno sofá"

Autor

Amedeo Modigliani

Um país Itália, França
anos de vida 1884–1920
Estilo expressionismo

Modigliani adoeceu com frequência desde a infância, durante um delírio febril, reconheceu seu destino de artista. Estudou desenho em Livorno, Florença, Veneza, e em 1906 partiu para Paris, onde sua arte floresceu.

65x100 cm
1917
preço
US$ 68,962 milhões
vendido em 2010
no leilão Sotheby's

Em 1917, Modigliani conheceu Jeanne Hebuterne, de 19 anos, que se tornou sua modelo e mais tarde sua esposa. Em 2004, um de seus retratos foi vendido por US$ 31,3 milhões, o último recorde antes da venda de Seated Nude on a Sofa em 2010. A pintura foi comprada por um comprador desconhecido pelo preço máximo para Modigliani no momento. As vendas ativas de obras começaram somente após a morte do artista. Ele morreu na pobreza, sofrendo de tuberculose, e no dia seguinte Jeanne Hebuterne, grávida de nove meses, também se suicidou.

13

"Águia em um pinheiro"

Autor

Qi Baishi

Um país China
anos de vida 1864–1957
Estilo guohua

O interesse pela caligrafia levou Qi Baishi a pintar. Aos 28 anos, tornou-se aluno do artista Hu Qingyuan. O Ministério da Cultura da China concedeu-lhe o título de "Grande Artista do Povo Chinês", em 1956 recebeu o Prêmio Internacional da Paz.

10x26 cm
1946
preço
$ 65,4 milhões
vendido em 2011
no leilão Guardião da China

Qi Baishi estava interessado nessas manifestações do mundo circundante, às quais muitos não dão importância, e esta é a sua grandeza. Um homem sem educação tornou-se um professor e um criador notável na história. Pablo Picasso disse sobre ele: "Tenho medo de ir ao seu país, porque há Qi Baishi na China." A composição "Eagle on a Pine Tree" é reconhecida como a maior obra do artista. Além da tela, inclui dois pergaminhos hieroglíficos. Para a China, o valor pelo qual o produto foi comprado é recorde - 425,5 milhões de yuans. Apenas o pergaminho do antigo calígrafo Huang Tingjian foi vendido por 436,8 milhões de dólares.

14

"1949-A-#1"

Autor

Clifford Still

Um país EUA
anos de vida 1904–1980
Estilo expressionismo abstrato

Aos 20 anos, ele visitou o Metropolitan Museum of Art em Nova York e ficou desapontado. Mais tarde, ele se inscreveu em um curso da liga de artes estudantis, mas saiu 45 minutos após o início da aula - acabou sendo “não dele”. A primeira exposição pessoal causou ressonância, o artista se encontrou e com ela o reconhecimento

79x93 cm
1949
preço
US$ 61,7 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

Todas as suas obras, que são mais de 800 telas e 1600 obras em papel, ainda foram legadas à cidade americana, onde será inaugurado um museu com o seu nome. Denver tornou-se uma dessas cidades, mas apenas a construção foi cara para as autoridades, e quatro obras foram leiloadas para concluí-la. É improvável que as obras de Still sejam leiloadas novamente, o que aumentou seu preço antecipadamente. A pintura "1949-A-No.1" foi vendida por um valor recorde para o artista, embora os especialistas tenham previsto uma venda de no máximo 25-35 milhões de dólares.

15

"Composição suprematista"

Autor

Kazimir Malevich

Um país Rússia
anos de vida 1878–1935
Estilo suprematismo

Malevich estudou pintura na Escola de Arte de Kiev e depois na Academia de Artes de Moscou. Em 1913, começou a pintar pinturas geométricas abstratas em um estilo que chamou de suprematismo (do latim “dominação”).

71 x 88,5 cm
1916
preço
$ 60 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

A pintura foi mantida no museu da cidade de Amsterdã por cerca de 50 anos, mas após uma disputa de 17 anos com os parentes de Malevich, o museu a doou. O artista pintou esta obra no mesmo ano de O Manifesto do Suprematismo, então a Sotheby's, mesmo antes do leilão, anunciou que não iria para uma coleção particular por menos de $ 60 milhões. E assim aconteceu. É melhor olhar de cima: as figuras na tela lembram uma vista aérea da Terra. A propósito, alguns anos antes, os mesmos parentes expropriaram outra "composição suprematista" do Museu do MoMA para vendê-la na Phillips por US$ 17 milhões.

16

"Banhistas"

Autor

Paul Gauguin

Um país França
anos de vida 1848–1903
Estilo pós-impressionismo

Até os sete anos, o artista morou no Peru, depois voltou para a França com a família, mas as lembranças da infância o impulsionavam constantemente a viajar. Na França, ele começou a pintar, era amigo de Van Gogh. Ele até passou vários meses com ele em Arles, até que Van Gogh cortou sua orelha durante uma briga.

93,4 x 60,4 cm
1902
preço
$ 55 milhões
vendido em 2005
no leilão Sotheby's

Em 1891, Gauguin organizou a venda de suas pinturas para usar os lucros para ir fundo na ilha de Tahiti. Lá ele criou obras nas quais se pode sentir a sutil conexão entre a natureza e o homem. Gauguin morava em uma cabana de palha e um paraíso tropical floresceu em suas telas. Sua esposa era uma taitiana Tehura de 13 anos, o que não impediu o artista de se envolver em promiscuidade. Tendo contraído sífilis, ele partiu para a França. No entanto, Gauguin estava apertado lá e voltou para o Taiti. Esse período é chamado de "segundo taitiano" - foi então que foi pintada a pintura "Banhistas", uma das mais luxuosas de sua obra.

17

"Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa"

Autor

Henrique Matisse

Um país França
anos de vida 1869–1954
Estilo fauvismo

Em 1889, Henri Matisse teve um ataque de apendicite. Quando ele se recuperou da operação, sua mãe comprou tintas para ele. Primeiro, por tédio, Matisse copiou cartões-postais coloridos, depois - as obras de grandes pintores que viu no Louvre, e no início do século 20 surgiu com um estilo - o fauvismo.

65,2 x 81 cm
1911
preço
US$ 46,4 milhões
vendido em 2009
no leilão Christie´s

A pintura "Narcisos e toalha de mesa em azul e cores rosa"Por muito tempo pertenceu a Yves Saint Laurent. Após a morte do costureiro, toda a sua coleção de arte passou para as mãos de seu amigo e amante Pierre Berger, que decidiu colocá-la em leilão na Christie's. A pérola da coleção vendida foi a pintura "Narcisos e uma toalha de mesa em azul e rosa", pintada em uma toalha de mesa comum em vez de tela. Como exemplo do fauvismo, é preenchido com a energia da cor, as cores parecem explodir e gritar. Da conhecida série de pinturas de toalhas de mesa, esta obra é hoje a única que se encontra numa coleção particular.

18

"Menina Adormecida"

Autor

RoyLee

chtenstein

Um país EUA
anos de vida 1923–1997
Estilo arte pop

O artista nasceu em Nova York e, após se formar na escola, foi para Ohio, onde fez cursos de arte. Em 1949, Liechtenstein recebeu seu mestrado belas-Artes. O interesse pelos quadrinhos e a capacidade de ser irônico fizeram dele um artista cult do século passado.

91x91 cm
1964
preço
$ 44,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

Certa vez, um chiclete caiu nas mãos de Liechtenstein. Ele redesenhou a imagem da inserção na tela e ficou famoso. Este enredo de sua biografia contém toda a mensagem da pop art: o consumo é o novo deus, e não há menos beleza em uma embalagem de chiclete do que em Mona Lisa. Suas pinturas lembram quadrinhos e desenhos animados: Lichtenstein simplesmente ampliou a imagem finalizada, desenhou rasters, usou serigrafia e serigrafia. A pintura "Sleeping Girl" pertenceu aos colecionadores Beatrice e Philip Gersh por quase 50 anos, cujos herdeiros a venderam em leilão.

19

"Vitória. Boogie Woogie"

Autor

Piet Mondrian

Um país Holanda
anos de vida 1872–1944
Estilo neoplasticismo

Seu nome verdadeiro - Cornelis - o artista mudou para Mondrian quando se mudou para Paris em 1912. Junto com o artista Theo van Doesburg, fundou o movimento neoplástico. A linguagem de programação Piet recebeu o nome de Mondrian.

27x127 cm
1944
preço
$ 40 milhões
vendido em 1998
no leilão Sotheby's

O mais "musical" dos artistas do século XX ganhava a vida com naturezas-mortas em aquarela, embora tenha se tornado famoso como artista neoplásico. Ele se mudou para os EUA na década de 1940 e passou o resto de sua vida lá. Jazz e Nova York - foi o que mais o inspirou! Pintura "Vitória. Boogie Woogie é o melhor exemplo disso. Quadrados puros "marcados" foram obtidos com o uso de fita adesiva - o material favorito de Mondrian. Na América, ele foi chamado de "o imigrante mais famoso". Nos anos sessenta, Yves Saint Laurent produziu os mundialmente famosos vestidos "Mondrian" com uma grande estampa de xadrez colorida.

20

"Composição nº 5"

Autor

ManjericãoKandinsky

Um país Rússia
anos de vida 1866–1944
Estilo vanguarda

O artista nasceu em Moscou e seu pai era da Sibéria. Após a revolução, ele tentou cooperar com poder soviético, mas logo percebeu que as leis do proletariado não foram criadas para ele e emigrou para a Alemanha não sem dificuldades.

275x190 cm
1911
preço
$ 40 milhões
vendido em 2007
no leilão Sotheby's

Kandinsky foi um dos primeiros a abandonar completamente a pintura de objetos, pela qual recebeu o título de gênio. Durante o nazismo na Alemanha, suas pinturas foram classificadas como "arte degenerada" e não foram exibidas em nenhum lugar. Em 1939, Kandinsky obteve a cidadania francesa, em Paris participou livremente processo artístico. Suas pinturas “soam” como fugas, por isso muitas são chamadas de “composições” (a primeira foi escrita em 1910, a última em 1939). “Composition No. 5” é uma das principais obras desse gênero: “A palavra “composição” soou como uma oração para mim”, disse o artista. Ao contrário de muitos seguidores, ele planejou o que iria retratar em uma tela enorme, como se estivesse fazendo anotações.

21

"Estudo de uma mulher de azul"

Autor

Fernand Léger

Um país França
anos de vida 1881–1955
Estilo cubismo-pós-impressionismo

Léger recebido educação arquitetônica, e depois foi aluno da Escola de Belas Artes de Paris. O artista se considerava um seguidor de Cézanne, era um apologista do cubismo e no século 20 também fez sucesso como escultor.

96,5 x 129,5 cm
1912–1913
preço
US$ 39,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

David Normann, presidente do Departamento Internacional de Impressionismo e Modernismo da Sotheby's, acredita que a enorme quantia paga por A Dama de Azul é bastante justificada. A imagem refere-se coleção famosa Leger (o artista pintou três pinturas em um enredo, hoje em mãos particulares - o último deles. - Aproximadamente. Ed.), E a superfície da tela foi preservada em sua forma original. O próprio autor doou esta obra para a galeria Der Sturm, depois ela foi parar na coleção de Hermann Lang, um colecionador alemão do modernismo, e agora pertence a um comprador desconhecido.

22

"Cena de rua. Berlim"

Autor

Ernst LudwigKirchner

Um país Alemanha
anos de vida 1880–1938
Estilo expressionismo

Para o expressionismo alemão, Kirchner tornou-se uma pessoa marcante. No entanto, as autoridades locais o acusaram de adesão à "arte degenerada", o que afetou tragicamente o destino de suas pinturas e a vida do artista, que se suicidou em 1938.

95x121 cm
1913
preço
$ 38,096 milhões
vendido em 2006
no leilão Christie´s

Depois de se mudar para Berlim, Kirchner criou 11 esboços de cenas de rua. Ele foi inspirado pelo tumulto e nervosismo cidade grande. Na pintura, vendida em 2006 em Nova York, a ansiedade do artista é especialmente aguda: as pessoas em uma rua de Berlim se assemelham a pássaros - graciosos e perigosos. Ela foi a última obra da famosa série, vendida em leilão, as demais estão guardadas em museus. Em 1937, os nazistas trataram Kirchner brutalmente: 639 de suas obras foram apreendidas de galerias alemãs, destruídas ou vendidas no exterior. O artista não poderia sobreviver a isso.

23

"Em repousodançarino"

Autor

Edgar Degas

Um país França
anos de vida 1834–1917
Estilo impressionismo

A história de Degas como artista começou com o fato de ele ter trabalhado como copista no Louvre. Ele sonhava em se tornar "famoso e desconhecido", e no final conseguiu. No final da vida, surdo e cego, Degas, de 80 anos, continuou a frequentar exposições e leilões.

64x59 cm
1879
preço
$ 37,043 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's

“As bailarinas sempre foram para mim apenas uma desculpa para retratar tecidos e capturar o movimento”, disse Degas. As cenas da vida das bailarinas parecem espiadas: as meninas não posam para a artista, mas simplesmente passam a fazer parte da atmosfera captada pelo olhar de Degas. Resting Dancer foi vendido por $ 28 milhões em 1999, e menos de 10 anos depois foi comprado por $ 37 milhões - hoje é a obra mais cara do artista já colocada em leilão. Degas prestou muita atenção aos quadros, ele mesmo os projetou e proibiu trocá-los. Eu me pergunto qual moldura está instalada na pintura vendida?

24

"Pintura"

Autor

Juan Miró

Um país Espanha
anos de vida 1893–1983
Estilo arte abstrata

Durante a Guerra Civil Espanhola, o artista esteve ao lado dos republicanos. Em 1937, fugiu do poder fascista para Paris, onde viveu na pobreza com sua família. Nesse período, Miro pinta o quadro "Ajude a Espanha!", Chamando a atenção de todo o mundo para o domínio do fascismo.

89x115 cm
1927
preço
US$ 36,824 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's

O segundo nome da pintura é "Blue Star". O artista escreveu no mesmo ano quando anunciou: “Quero matar a pintura” e zombou impiedosamente das telas, arranhando a tinta com pregos, colando penas na tela, cobrindo a obra com lixo. Seu objetivo era desmascarar os mitos sobre o mistério da pintura, mas, tendo lidado com isso, Miro criou seu próprio mito - uma abstração surreal. Sua "Pintura" remete ao ciclo das "imagens-sonhos". Quatro compradores lutaram por ela no leilão, mas um telefonema anônimo resolveu a disputa e "Pintura" se tornou a pintura mais cara do artista.

25

"Rosa Azul"

Autor

Yves Klein

Um país França
anos de vida 1928–1962
Estilo pintura monocromática

O artista nasceu em uma família de pintores, mas estudou línguas orientais, navegação, ofício de dourador de molduras, zen-budismo e muito mais. Sua personalidade e travessuras insolentes eram muitas vezes mais interessantes do que pinturas monocromáticas.

153x199x16 cm
1960
preço
US$ 36,779 milhões
vendido em 2012
no leilão da Christie's

A primeira exposição de obras em amarelo sólido, laranja e rosa não despertou o interesse do público. Klein ficou ofendido e na vez seguinte apresentou 11 telas idênticas, pintadas com azul marinho misturado com uma resina sintética especial. Ele até patenteou esse método. A cor entrou para a história como o "International Klein Blue". O artista também vendia o vazio, criava pinturas expondo o papel à chuva, ateando fogo ao papelão, fazendo impressões de um corpo humano na tela. Em uma palavra, experimentei o melhor que pude. Para criar o "Blue Rose" usei pigmentos secos, resinas, seixos e uma esponja natural.

26

"Procurando por Moisés"

Autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Um país Grã Bretanha
anos de vida 1836–1912
Estilo neoclassicismo

O próprio Sir Lawrence adicionou o prefixo "alma" ao seu sobrenome para aparecer primeiro nos catálogos de arte. Na Inglaterra vitoriana, suas pinturas eram tão procuradas que o artista recebeu o título de cavaleiro.

213,4 x 136,7 cm
1902
preço
US$ 35,922 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

O tema principal da obra de Alma-Tadema era a antiguidade. Nas pinturas, ele tentou retratar a época do Império Romano nos mínimos detalhes, para isso ele até estudou escavações arqueológicas na Península Apenina, e em sua casa em Londres reproduziu o interior histórico daqueles anos. As histórias mitológicas se tornaram outra fonte de inspiração para ele. O artista foi muito procurado durante sua vida, mas após sua morte foi rapidamente esquecido. Agora o interesse está renascendo, como evidenciado pelo custo da pintura "Em Busca de Moisés", sete vezes maior do que a estimativa de pré-venda.

27

"Retrato de um funcionário nu dormindo"

Autor

Luciano Freud

Um país Alemanha,
Grã Bretanha
anos de vida 1922–2011
Estilo pintura figurativa

O artista é neto de Sigmund Freud, o pai da psicanálise. Após o estabelecimento do fascismo na Alemanha, sua família emigrou para o Reino Unido. As obras de Freud estão na Wallace Collection, em Londres, onde nenhum artista contemporâneo expôs anteriormente.

219,1x151,4 cm
1995
preço
US$ 33,6 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie´s

Enquanto os artistas da moda do século 20 criaram "manchas coloridas na parede" positivas e as venderam por milhões, Freud pintou pinturas extremamente naturalistas e as vendeu por ainda mais. “Eu capturo os gritos da alma e o sofrimento da carne murcha”, disse ele. Os críticos acreditam que tudo isso é o "legado" de Sigmund Freud. As pinturas foram exibidas e vendidas com tanto sucesso que os especialistas duvidaram: elas têm propriedades hipnóticas? Vendido em leilão, "Retrato de um funcionário nu dormindo", segundo o The Sun, foi adquirido pelo conhecedor de beleza e bilionário Roman Abramovich.

28

"Violino e Guitarra"

Autor

xum gris

Um país Espanha
anos de vida 1887–1927
Estilo cubismo

Nasceu em Madrid, onde se formou na Escola de Artes e Ofícios. Em 1906 mudou-se para Paris e entrou no círculo dos artistas mais influentes da época: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Leger, também trabalhou com Sergei Diaghilev e sua trupe.

5x100 cm
1913
preço
$ 28,642 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie´s

Gris, em suas próprias palavras, estava envolvido em "arquitetura plana e colorida". Suas pinturas são pensadas com precisão: ele não deixou um único traço acidental, o que torna a criatividade relacionada à geometria. O artista criou sua própria versão do cubismo, embora tivesse grande respeito por Pablo Picasso, o fundador do movimento. O sucessor chegou a dedicar a ele sua primeira obra cubista, Homenagem a Picasso. A pintura "Violino e Violão" é reconhecida como destaque na obra do artista. Durante sua vida, Gris era conhecido, favorecido por críticos e historiadores da arte. Suas obras estão expostas nos maiores museus do mundo e são mantidas em coleções particulares.

29

"RetratoCampos de Eluard »

Autor

Salvador Dalí

Um país Espanha
anos de vida 1904–1989
Estilo surrealismo

“O surrealismo sou eu”, disse Dali quando foi expulso do grupo surrealista. Com o tempo, ele se tornou o artista surrealista mais famoso. O trabalho de Dali está em toda parte, não apenas nas galerias. Por exemplo, foi ele quem inventou a embalagem do Chupa-Chups.

25x33 cm
1929
preço
$ 20,6 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's

Em 1929, o poeta Paul Eluard e sua esposa russa Gala vieram visitar o grande provocador e brigão Dali. O encontro foi o início de uma história de amor que durou mais de meio século. A pintura "Retrato de Paul Eluard" foi pintada apenas durante esta visita histórica. “Senti que me foi confiado o dever de capturar o rosto do poeta, de cujo Olimpo roubei uma das musas”, disse o artista. Antes de conhecer Gala, ele era virgem e sentia nojo da ideia de fazer sexo com uma mulher. O triângulo amoroso existiu até a morte de Eluard, após o que se tornou o dueto Dali-Gala.

30

"Aniversário"

Autor

Marc Chagall

Um país Rússia, França
anos de vida 1887–1985
Estilo vanguarda

Moishe Segal nasceu em Vitebsk, mas em 1910 emigrou para Paris, mudou de nome e tornou-se próximo dos principais artistas de vanguarda da época. Na década de 1930, quando os nazistas tomaram o poder, partiu para os Estados Unidos com a ajuda de um cônsul americano. Ele voltou para a França apenas em 1948.

80x103 cm
1923
preço
US$ 14,85 milhões
vendido em 1990
no leilão da Sotheby's

A pintura "Jubileu" é reconhecida como uma das melhores obras do artista. Tem todas as características de sua obra: as leis físicas do mundo são apagadas, a sensação de um conto de fadas é preservada no cenário da vida pequeno-burguesa e o amor está no centro da trama. Chagall não atraiu as pessoas da natureza, mas apenas da memória ou da fantasia. A pintura "Jubileu" retrata o próprio artista com sua esposa Bela. A pintura foi vendida em 1990 e não foi licitada desde então. Curiosamente, o MoMA do Museu de Arte Moderna de Nova York mantém exatamente o mesmo, apenas com o nome "Birthday". A propósito, foi escrito antes - em 1915.

rascunho preparado
Tatyana Palasova
avaliação compilada
de acordo com a lista www.art-spb.ru
revista tmn №13 (maio-junho de 2013)

17.3 pintura européia século 19

17.3.1 Pintura francesa . duas primeiras décadas do século XIX. na história da pintura francesa são designados como classicismo revolucionário. Seu proeminente representante foi J.L. Davi (1748- 1825), cujas principais obras foram realizadas por ele no século XVIII. Obras do século XIX. - está trabalhando em pintor da corte Napoleão- "Napoleão no Passo de São Bernardo", "Coroação", "Leonidas nas Termópilas". David também é autor de excelentes retratos, como o retrato de Madame Recamier. Ele criou uma grande escola de alunos e predeterminou as características artístico do estilo Império.

O aluno de David foi J.O. Ingres (1780- 1867), que transformou o classicismo em arte acadêmica e por muitos anos oposto românticos. Ingres é o autor de livros verídicos afiado retratos (“L. F. Bertin”, “Madame Rivière”, etc.) classicismo acadêmico ("A Apoteose de Homero", "Júpiter e Themis").

Romantismo da pintura francesa na primeira metade do século XIX- estas são as telas de T. Géricault (1791 - 1824) ("A Balsa da Medusa" e "Derby em Epsom e outros") e E. Delacroix (1798-1863), autor da famosa pintura Liberty Leading the People.

A tendência realista da pintura na primeira metade do século é representada pelas obras de G. Courbet (1819- 1877), autor do termo "realismo" e das pinturas "Stone Crushers" e "Funeral in Ornan", bem como das obras de J. F . Millet (1814 - 1875), escritor da vida camponesa e ("Os coletores de orelhas", "O homem com a enxada", "O semeador").

Um fenômeno importante da cultura européia na segunda metade do século XIX. foi o estilo artístico do impressionismo, que se difundiu não só na pintura, mas na música e ficção. E, no entanto, surgiu na pintura.

Nas artes temporais, a ação se desenvolve no tempo. A pintura, por assim dizer, é capaz de capturar apenas um único momento no tempo. Ao contrário do cinema, tem sempre um “quadro”. Como transmitir movimento nele? Uma dessas tentativas de capturar o mundo real em sua mobilidade e variabilidade foi a tentativa dos criadores da direção na pintura, chamada impressionismo (da impressão francesa). Essa direção reuniu vários artistas, cada um dos quais pode ser caracterizado da seguinte forma. impressionistaé um artista que transmite sua imediato impressão da natureza, vê nela a beleza da variabilidade e impermanência, em cria uma sensação visual de luz solar forte, o jogo de sombras coloridas, usando uma paleta de cores puras e não misturadas, das quais o preto e o cinza são banidos.

Nas pinturas de impressionistas como C. Monet (1840-1926) e O. Renoir (1841-1919), no início dos anos 70 do século XIX. aparece a matéria aérea, possuindo não apenas uma certa densidade que preenche o espaço, mas também mobilidade. Fluxos de luz solar, vapores sobem da terra úmida. Água, neve derretida, terra arada, grama balançando nos prados não têm um contorno claro e congelado. O movimento, que antes era introduzido na paisagem como imagem de figuras em movimento, como consequência da ação forças naturais - o vento, perseguindo nuvens, balançando árvores, agora é substituído pela paz. Mas essa paz da matéria inanimada é uma das formas de seu movimento, que é veiculada pela própria textura da pintura - pinceladas dinâmicas de cores diversas, não constrangidas pelas linhas rígidas do desenho.

O novo estilo de pintura não foi aceito de imediato pelo público, que acusou os artistas de não saberem desenhar, jogando tinta raspada da paleta sobre a tela. Assim, as catedrais cor-de-rosa de Monet em Rouen pareciam implausíveis tanto para o público quanto para outros artistas.- o melhor da série pictórica do artista ("Manhã", "Com os primeiros raios de sol", "Meio-dia"). O artista não é procurou representar na tela a catedral em tempo diferente dias- competiu com os mestres do gótico para absorver o espectador com a contemplação de efeitos mágicos de luz e cor. A fachada da Catedral de Rouen, como a maioria das catedrais góticas, esconde um espetáculo místico de x da luz do sol dos vitrais de cores vivas do interior. A iluminação dentro das catedrais varia dependendo de qual direção o sol está brilhando, tempo nublado ou claro. Os raios de sol, penetrando pelo intenso azul, vermelho dos vitrais, são pintados e depositados com destaques coloridos no chão.

Uma das pinturas de Monet deve sua aparência à palavra "impressionismo". Esta tela foi de fato uma expressão extrema da inovação do método pictórico emergente e foi chamada de “Sunrise at Le Havre”. O compilador do catálogo de pinturas de uma das exposições sugeriu que o artista a chamasse de outra coisa, e Monet, tendo riscado “em Le Havre”, colocou a “impressão”. E alguns anos após o surgimento de suas obras, eles escreveram que Monet "revela uma vida que ninguém antes dele foi capaz de captar, da qual ninguém sabia". Nas pinturas de Monet, eles começaram a perceber o espírito perturbador do nascimento de uma nova era. Então, em seu trabalho apareceu "serial" como novo fenômeno pintura. E ela chamou a atenção para o problema do tempo. A pintura do artista, como observado, arrebata uma "moldura" da vida, com toda a sua incompletude e incompletude. E isso deu impulso ao desenvolvimento da série como tiros sucessivos. Além das “Catedrais de Rouen”, Monet cria a série “Gare Saint-Lazare”, na qual as pinturas se interligam e se complementam. No entanto, era impossível combinar as “molduras” da vida em uma única fita de impressões na pintura. Isso se tornou a tarefa do cinema. Os historiadores do cinema acreditam que o motivo de seu surgimento e ampla distribuição não foram apenas descobertas técnicas, mas também uma necessidade artística urgente de uma imagem em movimento. E as pinturas dos impressionistas, em particular de Monet, tornaram-se um sintoma dessa necessidade. Sabe-se que um dos enredos da primeira sessão de cinema da história, arranjada pelos irmãos Lumiere em 1895, foi "A Chegada do Trem". Locomotivas a vapor, estação, trilhos foram tema de uma série de sete pinturas "Gare Saint-Lazare" de Monet, exibidas em 1877.

O. Renoir foi um excelente artista impressionista. Para suas obras (“Flores”, “Um jovem passeando com cachorros na floresta de Fontainebleau”, “Vaso de flores”, “Banhando-se no Sena”, “Lisa com guarda-chuva”, “Dama em um barco”, “ Riders in the Bois de Boulogne” , “Ball at Le Moulin de la Galette”, “Retrato de Jeanne Samary” e muitos outros) as palavras do artista francês E. Delacroix “A primeira dignidade de qualquer imagem é bastante aplicável- ser um feriado m para os olhos. nome Renoir- sinônimo de beleza e juventude, aquela época da vida humana, quando o frescor espiritual e o florescimento da força física estão em completa harmonia. Vivendo numa época de agudos conflitos sociais, deixou-os fora de suas telas, focando acordar com os lados belos e brilhantes da existência humana. E nessa posição ele não estava sozinho entre os artistas. Mesmo duzentos anos antes dele, o grande artista flamengo Peter Paul Rubens pintou quadros de um enorme começo de afirmação da vida ("Perseu e Andrômeda"). Imagens como esta dão esperança às pessoas. Toda pessoa tem direito à felicidade, e o principal significado da arte de Renoir reside no fato de que cada uma de suas imagens afirma a inviolabilidade desse direito.

No final século 19 o pós-impressionismo foi formado na pintura européia. Seus representantes-P . Cézanne (1839 - 1906), W. Van Gogh (1853 - 1890), P. Gauguin (1848 - 1903), substituindo impressionistas pureza de cor, pesquisada primórdios permanentes do ser, generalizando métodos pictóricos, aspectos filosóficos e simbólicos da criatividade. Pinturas de Cézanne- são retratos ("Smoker"), paisagens ("Banks of the Marne"), naturezas-mortas ("Natureza morta com uma cesta de frutas").

pinturas de van gogh- "Cabanas", "Caminhada depois da chuva", "Caminhada dos prisioneiros".

Gauguin tem as características do romantismo ideológico. Nos últimos anos da sua vida, cativado pela vida das tribos polinésias, que, a seu ver, conservavam a sua pureza e integridade primitivas, parte para as ilhas da Polinésia, onde realiza diversas pinturas baseadas na forma primitiva, o desejo de se aproximar das tradições artísticas dos nativos (“Mulher segurando uma fruta”, “pastoral taitiano”, “fonte maravilhosa”).

Grande escultor do século XIX foi O. Rodin (1840- 1917), combinando em sua obra impressionista romantismo e expressionismo realista pesquisas. Vitalidade das imagens, drama, expressividade de uma vida interior tensa, gestos continuando no tempo e no espaço (o que você está fazendo não é possível compor esta escultura com música e balé), captando a instabilidade do momento- tudo isso junto cria uma imagem essencialmente romântica e inteiramente impressionista visão . O desejo de generalizações filosóficas profundas ("A Idade do Bronze", " Cidadãos de Calais”, uma escultura dedicada ao herói da Guerra dos Cem Anos, que se sacrificou para salvar a cidade sitiada, obra das Portas do Inferno, incluindo O Pensador) e a vontade de mostrar momentos de absoluta beleza e felicidade (“ Eterna Primavera”, “Pas de-de”)– as principais características da obra deste artista.

17.3.2 Pintura inglesa. Belas artes da Inglaterra na primeira metade do século XIX.é uma pintura de paisagem, brilhante representantes que eram J. Constable (1776 - 1837), predecessor inglês impressionistas("The Hay Cart Crossing the Ford" e "The Rye Field") e U. Turner (1775 - 1851), cujas pinturas como "Chuva, Vapor e Velocidade" "Naufrágio", distingue a predileção por montanhas de fantasia coloridas.

Na segunda metade do século, F.M. Brown criou suas obras (1821- 1893), que foi justamente considerado o "Holbein do século XIX". Brown é conhecido por suas obras históricas ("Chaucer na corte de Eduardo III" e "Lear e Cordelia"), bem como pinturas sobre o ato tópicos comuns do dia a dia (“Last look at England”, “Labour”).

A associação criativa "Irmandade Pré-Rafaelita" ("Pré-Rafaelitas") surgiu em 1848. Embora o núcleo unificador fosse a paixão pelas obras dos artistas do início do Renascimento (antes de Rafael), cada membro dessa irmandade tinha seu próprio tema e credo artístico. O teórico da irmandade foi o culturologista e esteticista inglês J. Ruskin, que delineou o conceito de romantismo em relação às condições da Inglaterra em meados do século.

Ruskin, relacionando a arte em suas obras com o nível geral da cultura do país, vendo a arte como uma manifestação de fatores morais, econômicos e sociais, procurou convencer os britânicos de que os pré-requisitos para a beleza são modéstia, justiça, honestidade, pureza e despretensão .

Os pré-rafaelitas criaram pinturas sobre temas religiosos e literários, desenharam livros artisticamente e desenvolveram a arte decorativa, procurando reviver os princípios do artesanato medieval. Entenda a tendência perigosa para as artes decorativas- sua despersonalização pela produção mecanizada, artista inglês, poeta e figura pública W. Morris (1834 - 1896) organizou oficinas artísticas e industriais para a confecção de tapeçarias, tecidos, vitrais e outros utensílios domésticos, para os quais são utilizados desenhos ele mesmo e os artistas pré-rafaelitas completaram.

17.3.3 Pintura espanhola. goya . A obra de Francisco Goya (1746- 1828) pertence a dois séculos - XVIII e XIX. Foi de grande importância para a formação do romantismo europeu. nós criativos A senhoria do artista é rica e variada: pintura, retratos, gráficos, afrescos, gravuras, águas-fortes.

Goya usa os temas mais democráticos (ladrões, contrabandistas, mendigos, participantes de brigas de rua e jogos- os personagens de suas pinturas). Tendo recebido em 1789 título do adv pintor famoso, Goya realiza um grande número de retratos: o rei, a rainha, os cortesãos (“A Família do Rei Carlos IV”). A deterioração da saúde do artista causou uma mudança no assunto das obras. Assim, as pinturas, que se distinguem pela fantasia divertida e bizarra ("Carnaval", "Blind Man's Bluff"), são substituídas por cheio de tragédia telas ("Tribunal da Inquisição", "Casa dos Lunáticos"). E são seguidas por 80 gravuras "Capriccios", nas quais o artista trabalhou por mais de cinco anos. O significado de muitos deles permanece obscuro até hoje, enquanto outros foram interpretados de acordo com as exigências ideológicas de seu tempo.

Em linguagem simbólica e alegórica, Goya pinta um quadro aterrador do país na virada do século: ignorância, superstição, gente limitada, violência, obscurantismo, maldade. Gravura "O sono da razão produz monstros"- monstros terríveis cercam uma pessoa adormecida, morcegos, corujas e outros espíritos malignos. O próprio artista dá a seguinte explicação sobre sua obra: "Convencido de que a crítica humanovíciosEdelírios, EmboraEparecedomínio da oratória e da poesia, também pode ser objecto de uma descrição viva, o artista escolheu para a sua obra os muitos desatinos e absurdos inerentes a qualquer sociedade civil, bem como os preconceitos e superstições do povo, legitimados pelo costume, ignorância ou interesse próprio, aqueles que ele considerava especialmente adequados para o ridículo e ao mesmo tempo para o exercício da imaginação.

17.3.4 Moderno – final estilo europeu pintura XIX V . pelo mais trabalho famoso criado na pintura européia do século XIX. no estilo Art Nouveau, foram as obras do artista inglês O. Beardsley (1872– 1898). EleilustradotrabalharSOBRE. selvagem ("Salomé"), criadaelegantegráficofantasias, encantadotodogeraçãoeuropeus. ApenaspretoEbrancoeramferramentaspor exemplosobre o trabalho: uma folha de papel branco e um frasco de tinta preta e uma técnica semelhante à renda mais fina (“The Mysterious Rose Garden”, 1895). As ilustrações de Beardsley são influenciadas por estampas japonesas e pelo rococó francês, bem como pelo maneirismo decorativo da Art Nouveau.

Estilo Art Nouveau, originado por volta de 1890– 1910 gg., caracterizadopresençaenrolamentolinhas, reminiscentecachoscabelo, estilizadofloresEplantas, línguaschama. EstiloesseeralargocomumEVpinturaEVarquitetura. Esseilustraçõesinglêsserrdsli, cartazes e outdoors do tcheco A. Mucha, pinturas do austríaco G. Klimt, luminárias e produtos de metal da Tiffany, arquitetura do espanhol A. Gaudi.

Outro fenômeno notável da modernidade fin-de-siècle– norueguêsartistaE. mastigar (1863 – 1944). famosopinturamastigar« Grito (1893)– compostoPapeldelefundamentalciclo"Frisovida", acimaqualartistatrabalheilongoanos. Subseqüentementetrabalhar"Gritar"mastigarrepetidoVlitografias. Pintura"Gritar"transmiteestadoextremoemocionaltensãohumano, elarostoscria o desespero de uma pessoa solitária e seu grito de socorro, que ninguém pode atender.

O maior artista da Finlândia A. Galen-Kallela (1865– 1931) Vestilomodernoilustradoépico"Kalevaly". Sobrelinguagemempíricorealidadeé proibidodizersobre o velho lendário– ferreiroIlmarinene, qualforjadocéu, bateram juntosfirmamento, acorrentadodefogoáguia; OmãesLemminkäinen, ressuscitadodelemortofilho; OcantorVäinämöinien, qual"cantarolavadouradoÁrvore de Natal", Gallel- Callelagerenciouentregarbelicheum poder das antigas runas da Carélia na linguagem moderna.

Arte da Europa Ocidental primeira metade do século XIX.

História do século XIX abre não o ano civil de 1801, mas o de 1789. A Grande Revolução Francesa (1789-99), que aboliu a monarquia e estabeleceu a república, determinou por muito tempo o desenvolvimento da cultura européia. Liberdade, Igualdade e Fraternidade. No entanto, menos de cinco anos depois, a liberdade se transformou em despotismo, a ideia de igualdade levou a execuções em massa e guerras agressivas foram desencadeadas em nome da irmandade de todos os povos. E, no entanto, a principal descoberta do século foi a percepção do valor único da pessoa humana.

Na arte da primeira metade do século XIX. duas tendências competiram neoclassicismo e romantismo. Ascensão do neoclassicismo caiu nos anos da Revolução Francesa e no período do reinado de Napoleão I. Este estilo dominou a arquitetura, as artes plásticas e decorativas durante as três primeiras décadas do século XIX. para as pessoas daquela época, a vida dos antigos gregos e romanos não era apenas um ideal de beleza, mas também um modelo do mundo que tentavam construir. Uma nova direção na cultura europeia - romantismo(romantismo francês) - expressou as opiniões da geração mais jovem virada dos séculos XVIII para XIX, experimentou o desapontamento com as verdades comuns do Iluminismo. O mundo dos românticos é misterioso, contraditório e ilimitado; o artista teve que incorporar sua diversidade em seu trabalho. principal em trabalho romantico- sentimentos e imaginação do autor. Para um artista romântico, havia e não poderia haver leis na arte: afinal, tudo o que ele criou nasceu no fundo de sua alma. A única regra que ele honrou foi a lealdade a si mesmo, a sinceridade da linguagem artística. Freqüentemente, as criações dos românticos chocavam a sociedade com uma rejeição total dos gostos predominantes, negligência e incompletude.

Arquitetura

Na primeira metade do século XIX, o planejamento urbano em uma escala sem precedentes se desenrolou na Europa. A maioria das capitais europeias - Paris, São Petersburgo, Berlim - adquiriu sua aparência característica; em seus conjuntos arquitetônicos, o papel dos edifícios públicos aumentou. Neoclassicismo na primeira metade do século XIX. experimentou uma floração tardia. Em meados do século, o principal problema da arquitetura européia era a busca pelo estilo. Devido ao fascínio romântico pela antiguidade, muitos mestres tentaram reviver as tradições da arquitetura do passado - é assim neogótico, neorenascentista, neobarroco . Os esforços dos arquitetos muitas vezes levaram a ecletismo - conexão mecânica de elementos de diferentes estilos, antigos com novos.

arquitetura francesa

Durante os anos da Revolução Francesa, nem uma única estrutura durável foi construída na França. Esta foi a era dos edifícios temporários. Na arte da França napoleônica, o papel dominante permaneceu com neoclassicismo... Ao mesmo tempo, as formas arquitetônicas adquiriram uma pompa e solenidade especiais, e a escala de construção tornou-se grandiosa. O neoclassicismo dos tempos de Napoleão I era chamado de Império (império francês - "império"). Era para simbolizar a grandeza e o poder do estado criado pelo general Bonaparte. O principal evento de Napoleão no campo da arquitetura foi a reconstrução de Paris.

Gabriel Jaques Ange (1698-1782) - o maior arquiteto da França do século XVIII. Um dos fundadores do neoclassicismo.

Place Louis XV (Place de la Concorde) em Paris. 1753-75

Petit Trianon em Versalhes. 1762-64

Castelo de Compiègne. 1751-88

Escola militar em Paris. 1751-75

Souflot Jacques Germain (1713-1780) arquiteto francês.

representante do neoclassicismo.

Jean LeperJacques Gonduin – arquitetos franceses.

A coluna triunfal na Place Vendôme foi erguida por ordem de Napoleão em homenagem à vitória tropas francesas perto de Austerlitz. No início foi chamado assim - "Austerlitskaya", depois foi rebatizado de "Coluna das Vitórias" e ainda mais tarde - a "Coluna do Grande Exército".

Coluna triunfal na Place Vendôme em Paris.

1806-10 Altura 44m; largura da base 3,67 m

Igreja de St. Genevieve (Panteão) em Paris. 1757-90

Arquitetura da Inglaterra

Na arquitetura da Inglaterra na primeira metade do século XVIII. O estilo neogótico foi estabelecido. Um de seus exemplos mais impressionantes foi o Parliament Ensemble em Londres (de 1840-1868), arquiteto Senhor Charles Barry (1795-1860)

Parlamento, 1840-68.

Arquiteto Jean François Chalgrin .

Arco do Triunfo na Praça do Carrossel em Paris.

1806-07 (17,6 x 10 x 14,6 m (comprimento, profundidade, altura)).

Arquitetos Ch. Persier, P.F.L. Fontaine.

Arco do Triunfo na Praça Charles de Gaulle em Paris.

1806-37 Altura 50 m, largura 45 m

O Arco do Triunfo na Praça do Carrossel, também conhecido como portão de entrada do Palácio das Tulherias, foi erguido por ordem de Napoleão para comemorar as grandes vitórias das armas francesas. Os relevos que decoram o arco retratam cenas das vitórias do exército napoleônico em Ulm e Austerlitz. Até 1815, o arco era coroado com uma carruagem de bronze da Vitória, que antes adornava a fachada da Catedral de San Marco em Veneza, depois foi substituída por uma quadriga do escultor F.J. Bosio.

O arco triunfal do Grande Exército foi colocado no centro da futura Praça Zvezda (agora Praça Charles de Gaulle) por ordem de Napoleão em homenagem à vitória do imperador francês na batalha de Austerlitz (1805) sobre as tropas combinadas de Áustria e Rússia. Seus pilares nos anos 30. século 19 foram decorados com relevos esculturais; incluindo a famosa composição Francisco Ruda (1784-1855) "Discurso dos Voluntários em 1792 (Marselhesa)" (1833-36). Desde 1921, sob a abóbada do arco, existe o túmulo do Soldado Desconhecido - participante da Primeira Guerra Mundial.

arquitetura alemã O maior centro de arquitetura da Alemanha na primeira metade do século XIX. era Berlim. O desenvolvimento da escola de arquitetura alemã desse período determinou em grande parte o trabalho de dois mestres - Karl Friedrich Schinkel (1781-1841) e Leo von Klenze (1784-1864).

Antigo museu. 1824-28 Arco. KF Shinkel.

Berlin Drama Theatre.1819.Arch.K.F.Shinkel.

Nova guarita.1816-18. Arco. KF Shinkel.

Igreja de Vendor. 1824 Em Berlim. arquiteto K.F.Shinkel.

Escultura europeia do início do século XIX.

A escultura europeia do início do século XIX experimentou período curto auge. Mas já na década de 20. deu lugar ao declínio e à estagnação. Dominante e mais frutífero estilo era neoclassicismo. O interesse pela arte da Grécia Antiga e da Roma Antiga era generalizado, a posse de famosas obras-primas antigas tornou-se uma questão importante na política internacional da época.

O romantismo trouxe para a escultura um interesse pelo indivíduo; Numerosos monumentos a grandes personalidades do passado, erguidos em várias cidades europeias nos anos 20-30, testemunham a sua influência. século 19 Em geral, a escultura com sua generalização linguagem artística não poderia conter toda a variedade de impressões da vida, que estava mudando literalmente diante de nossos olhos. A pintura tornou-se a principal arte do século XIX, e a escultura teve que seguir por muito tempo o caminho do naturalismo mesquinho e monótono, até os anos 80. o mestre francês Auguste Rodin não retornou seu alto destino.

Antonio Canova (1757-1822) -Escultor e pintor italiano.

Thorvaldsen Bertel (1768/1770-1844)- escultor dinamarquês.

Schadow Johann Gottfried (1754-1850) Escultor alemão, representante do neoclassicismo.

Dédalo e Ícaro. 1777-79

Quadriga com a figura da Vitória no Portão de Brandemburgo em Berlim. 1793

Monumento a Nicolau Copérnico em Varsóvia. 1829-30

Teseu e o Minotauro. 1781-83

Ganimedes alimentando a Águia de Zeus. 1817

Princesa Frederica. 1795

Espanha pintura Depois de florescer no século XVII, a pintura espanhola estava em declínio. Seus artistas trabalharam sob a influência das tradições italiana e francesa, e suas telas eram fracas e imitativas. Na segunda metade do século XVIII. A Espanha mudou. O rei Carlos III (1759-88), da dinastia Bourbon francesa, tinha opiniões progressistas para sua época. Seus conselheiros, tentando transformar o país no espírito das ideias do Iluminismo, realizaram reformas que limitaram o poder da igreja. Nesta época, o talento foi formado Francisco Goya (1746-1828) -Pintor espanhol

Retrato da Duquesa de Alba. 1797

Vendedor de talheres. 1778

Família do rei Carlos IV. 1800

pintura da frança

Na primeira metade do século XIX. a escola francesa de pintura reforçou sua primazia na arte da Europa Ocidental. Theodore Géricault e Eugene Delacroix aceitaram criativamente sua maneira e cor livres, preparando o nascimento do impressionismo e, portanto, de todo pintura moderna. No início do século XIX. O líder geralmente reconhecido entre os artistas franceses foi Jacques Louis David (1748-1825) - o representante mais consistente do neoclassicismo na pintura e um cronista sensível de seus tempos turbulentos. A obra de David tem uma orientação jornalística pronunciada, o artista procura expressar ideais heróicos através das imagens da antiguidade

Géricault Theodore (1791-1824) - Pintor e artista gráfico francês.

O fundador da tendência romântica nas artes visuais.

Oficial dos guardas florestais da guarda imperial,

indo para o ataque. 1812

Jangada "Medusa". 1818-19

Delacroix Eugênio (1798-1863) - Pintor e artista gráfico francês. Líder da corrente romântica nas artes plásticas.

Fanáticos de Tânger. 1837-38

A Liberdade Guiando o Povo (Liberdade nas Barricadas). 1830

David Jacques Louis (1746-1825) - Pintor francês. Na era pré-revolucionária na França maior representante o chamado classicismo "revolucionário".

Juramento dos Horácios. 1784

Napoleão cruzando São Bernardo. 1800

Ingres Dominique (1780-1867) - Pintor, desenhista e músico francês. representante do neoclassicismo francês. Ingres é um mestre brilhante do gênero retrato. Além de retratos, ele criou pinturas sobre temas bíblicos, mitológicos, alegóricos e literários.

Gros Jean Antoine (1771-1835) - Pintor e artista gráfico francês. O pintor oficial de Napoleão I, o cronista do épico napoleônico, capturando seus marcos mais importantes. Ele criou retratos e pinturas de batalha, movidos pelo espírito de heroísmo.

Napoleão no campo de batalha de Eylau. 1808

Condessa d "Ossonville. 1845

Princesa de Brogli. 1851-53

Pintura da Alemanha

Alemanha no início do século XIX experimentou uma ascensão social e política. A resistência às conquistas de Napoleão e guerra de libertação 1813 tornou o patriotismo alemão universal, e os súditos de trezentos estados anões alemães tornaram-se conscientes de si mesmos pessoas unidas. Naqueles anos, havia uma forte paixão pela Idade Média na Alemanha, e o interesse pela história e cultura nacional aumentou. A Alemanha desempenhou um papel excepcional na história do romantismo - uma tendência na cultura europeia final do XVI II - primeira metade do século XIX.

Runge Philipp Otto (1777-1810) - Pintor, artista gráfico e teórico da arte alemão. Um dos fundadores e o maior mestre do romantismo na pintura alemã.

Descanse na fuga para o Egito. 1805-06

Retrato da esposa do artista. 1807

Retrato dos pais do artista com seus netos. 1806

Friedrich Caspar David (1774-1840) - Pintor, desenhista e gravador alemão. representante do romantismo. Pintor paisagista.

Montanhas gigantes. 1835

A morte de "Nadezhda" no gelo. 1824

Nuvens flutuantes. Por volta de 1820

Pintura Biedermeier Biedermeier (alemão Biedermeier) é um estilo na arte da Alemanha e da Áustria, que se desenvolveu nos anos 10-40. século 19 O nome foi dado a ele por poemas humorísticos paródicos de L. Eichrodt e A. Kussmaul, publicados em 1855-57. em uma das revistas de Munique. Seu autor fictício, o professor Gottlieb Biedermeier, é um modesto leigo: complacente, sentimental, azarado, amador vida calma e conforto. A pintura de Biedermeier é caracterizada por um pequeno formato de telas, uma maneira cuidadosa e delicada de pintar, via de regra, a ausência de ação nas cenas retratadas e uma predileção por pequenos detalhes. Biedermeier dominou a experiência artística do romantismo com sua visão poética do mundo, às vezes colorida de ironia, mas ao mesmo tempo suavizou os extremos desse estilo, “domesticou-o” de acordo com a natureza livre de conflitos do leigo. Os mestres Biedermeier experimentaram retratos, paisagens e outros gêneros, mas a pintura cotidiana tornou-se a expressão mais clara do estilo.

Waldmüller Ferdinand Georg (1793-1865) pintor austríaco. Um dos maiores mestres da pintura europeia de meados do século XIX. Um representante típico do Biedermeier.

Bouquet em uma cratera antiga. Por volta de 1840

Paisagem montanhosa perto de Mödling. 1859

nazarenos ( Alemão nazareno), oficial União de São Lucas (alemão) Lukasbund)

- agrupamento Pintores românticos alemães e austríacos do século XIX que tentaram reviver o estilo dos mestres da Idade Média e do início do Renascimento, que se guiaram pela arte do século XV. A maioria de suas pinturas são pinturas sobre temas cristãos, históricos ou alegóricos, seu estilo é um legado do classicismo e uma reação a ele sob a influência da ideologia do romantismo. As principais figuras do movimento foram Friedrich Overbeck e Peter Cornelius.

Johann Friedrich Overbeck ( 1789 - 1869 ) - Artista, artista gráfico e ilustrador alemão.

Ciclo de afrescos para a Casa de Bartholdi em Roma

Pedro José von Cornelius ( 1783 - 1867 ) - artista alemão.

Virgens sábias e tolas. OK. 1813

Taberna, por volta de 1820

Inglaterra pintando

Na pintura inglesa, a escola acadêmica, cujas bases foram lançadas em século XVIII Joshua Reynolds, o primeiro presidente da Royal Academy of Arts, manteve uma posição dominante durante a primeira metade do século XIX. No entanto, o fenômeno mais notável naqueles anos era a paisagem, que no meio acadêmico era percebida como um gênero menor e insignificante. Por um lado, o desejo de uma reflexão real do mundo, a afirmação do valor intrínseco das simples paisagens rurais e, por outro lado, a natureza como mundo de paixões e experiências violentas - tudo isto encontrou uma viva expressão no trabalho de artistas ingleses. A arte da Inglaterra entrou na era do romantismo.

Willian Blake (1757-1827) -Poeta, pintor e ilustrador inglês. Uma personalidade complexa e ambígua, Blake foi uma figura icônica para seu tempo, a personificação do espírito do romantismo.

Criador do universo.

Frontispício do poema "Europa". 1794

Uma pena. Por volta de 1795

Condestável John (1776-1837) - pintor inglês. Constable retratou o campo comum em todo o seu frescor e imediatismo, recriando a apreensão ambiente de luz.

Carroça de feno. 1821

Cavalo branco. 1819

Willian Turner (1775-1851) - o pintor inglês voltou-se para temas bíblicos, mitológicos e históricos, revelando uma inclinação para a fantasia romântica, para a personificação da luta dramática das forças naturais, para a transferência de efeitos de iluminação incomuns.

Toupeira em Calais. Os franceses se preparam para ir ao mar: chega um navio de passageiros inglês. 1803

Navio negreiro. 1840

A última viagem do navio "Brave". 1838

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Ótimo artistas estrangeiros

XIV (século XIV) XV (século XV) XVI (século XVI) XVII (século XVII) XVIII (século XVIII) XIX (século XIX) XX (século XX)

artistas estrangeiros

Lorenzetti Ambrogio
(1319-1348)
País: Itália

As pinturas de Lorenzetti combinaram harmoniosamente as tradições da pintura sienense com seu lirismo e a generalização das formas e a perspectiva da construção espacial característica da arte de Giotto. Embora o artista utilize temas religiosos e alegóricos, as características da vida contemporânea aparecem claramente nas pinturas. A paisagem condicional, característica das pinturas dos mestres do século XIV, é substituída por Lorenzetti por paisagens toscanas reconhecíveis. Muito realista, ele escreve vinhedos, campos, lagos, portos marítimos, cercados por rochas inexpugnáveis.

Eik Wang
País: Holanda

A pátria dos irmãos Van Eyck é a cidade de Maaseik. Poucas informações foram preservadas sobre o irmão mais velho Hubert. Sabe-se que foi ele quem começou a trabalhar no famoso altar de Ghent na igreja de St. Bavo em Ghent. Provavelmente, o desenho compositivo do altar pertencia a ele. A julgar pelas partes arcaicas preservadas do altar - "Adoração ao Cordeiro", figuras de Deus Pai, Maria e João Batista, - Hubert pode ser chamado de mestre da transição. Seu trabalho estava muito mais próximo das tradições do gótico tardio (interpretação abstrato-mística do tema, convencionalidade na transferência do espaço, pouco interesse expresso na imagem de uma pessoa).

artistas estrangeiros

Albrecht Dürer
(1471-1528)
País: Alemanha

Albrecht Dürer, o grande artista alemão, o maior representante da cultura renascentista na Alemanha. Nasceu em Nuremberg na família de um ourives, natural da Hungria. Inicialmente, estudou com o pai, depois com o pintor de Nuremberg M. Wohlgemut (1486-89). Durante os anos de estudo e durante os anos de peregrinação no sul da Alemanha (1490-94), durante uma viagem a Veneza (1494-95) absorveu a herança do século XV, mas a natureza tornou-se o seu principal mestre.

Bosch Jerônimo
(1450-1516)
País: Alemanha

Hieronymus Bosch, o grande pintor holandês. Nasceu em Herzogenbosch. Seu avô, irmão do avô e todos os cinco tios eram artistas. Em 1478, Bosch casou-se com um rico patrício Aleid van Merwerme, cuja família pertencia à mais alta aristocracia. Não houve filhos desse casamento e ele não estava particularmente feliz. No entanto, ele trouxe bem-estar material para o artista e, ainda não tendo se tornado suficientemente famoso, Bosch podia se dar ao luxo de pintar do jeito que queria.

Botticelli Sandro
(1445-1510)
País: Itália

Nome real - Alessandro da Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, o grande pintor italiano do Renascimento. Nasceu em Florença na família de um curtidor. Inicialmente, foi enviado para estudar com um certo Botticelli, ourives, de quem Alessandro Filipepi recebeu o sobrenome. Mas o desejo de pintar o forçou em 1459-65 a estudar com o famoso artista florentino Fra Philippe Lippi. As primeiras obras de Botticelli ( Adoração dos Magos, Judite e Holofernes e especialmente madonas - Corsini Madonna, Madonna com uma rosa, Madonna com dois anjos) foram escritos sob a influência deste último.

Verrocchio Andrea
(1435-1488)
País: Itália

Nome verdadeiro - Andrea di Michele di Francesco Choni, um notável escultor italiano. Nasceu em Florença. Ele foi um famoso escultor, pintor, desenhista, arquiteto, joalheiro e músico. Em cada gênero, ele se estabeleceu como um inovador mestre, não repetindo o que seus predecessores fizeram.

Carpaccio Vittore
(c. 1455/1465 - c. 1526)
País: Itália

Carpaccio Vittore (c. 1455 / 1465 - c. 1526) - pintor italiano. Nascido em Veneza. Ele estudou com Gentile Bellini, foi fortemente influenciado por Giovanni Bellini e em parte por Giorgione. Observando atentamente os acontecimentos da vida moderna, este artista conseguiu saturar suas composições religiosas com uma narrativa viva e muitos detalhes de gênero. Na verdade, ele criou uma enciclopédia da vida e dos costumes da Veneza do século XV. Dizem sobre Carpaccio que esse mestre "ainda está em casa, em Veneza". E até a própria ideia de Veneza está inseparavelmente ligada à memória do esverdeado, como se visível através da água do mar, fotos do brilhante desenhista e colorista.

Leonardo da Vinci
(1452 - 1519)
País: Itália

Um dos maiores artistas italianos Renascimento Leonardo da Vinci também foi um notável cientista, pensador e engenheiro. Durante toda a sua vida ele observou e estudou a natureza - os corpos celestes e as leis de seu movimento, as montanhas e os segredos de sua origem, a água e os ventos, a luz do sol e a vida das plantas. Como parte da natureza, Leonardo também considerava uma pessoa cujo corpo está sujeito às leis físicas e ao mesmo tempo serve como um “espelho da alma”. Ele mostrou seu amor inquisitivo, ativo e inquieto pela natureza em tudo. Foi ela quem o ajudou a descobrir as leis da natureza, colocou suas forças a serviço do homem, foi ela quem fez de Leonardo o maior artista, captando com igual atenção uma flor desabrochando, um gesto expressivo de pessoa e uma névoa nebulosa que envolve montanhas distantes.

Michelangelo Buonarroti
(1475 - 1564)
País: Itália

“Ainda não nasceu um homem que, como eu, estaria tão inclinado a amar as pessoas”, escreveu sobre si mesmo o grande escultor, pintor, arquiteto e poeta italiano Michelangelo. Ele criou obras titânicas brilhantes e sonhava em criar outras ainda mais significativas. Um dia, quando o artista trabalhava no desenvolvimento do mármore em Carrara, ele decidiu esculpir uma estátua de uma montanha inteira.

Rafael Santi
(1483 - 1520)
País: Itália

Raphael Santi, grande pintor e arquiteto renascentista italiano. Nasceu em Urbino na família de J. Santi - pintor da corte e poeta do duque de Urbino. Ele recebeu suas primeiras aulas de pintura de seu pai. Quando ele morreu, Rafael mudou-se para o estúdio de T. Viti. Em 1500 mudou-se para Perugio e ingressou na oficina de Perugino, primeiro como aluno e depois como assistente. Aqui ele aprendeu as melhores características do estilo da escola de pintura da Úmbria: o desejo de uma interpretação expressiva do enredo e a nobreza das formas. Logo ele trouxe sua habilidade a tal ponto que se tornou impossível distinguir uma cópia do original.

Ticiano Vecellio
(1488- 1576)
País: Itália

Nasceu em Pieve di Cadoro - cidade pequena na fronteira das possessões venezianas nos Alpes. Ele veio da família Vecelli, muito influente na cidade. Durante a guerra entre Veneza e o imperador Maximiliano, o pai do artista prestou grandes serviços à República de São Marcos.

artistas estrangeiros

Rubens Pedro Paulo
(1577 - 1640)
País: Alemanha

Rubens Peter Paul, o grande pintor flamengo. "Rei dos pintores e pintor dos reis" foi chamado pelos contemporâneos do Fleming Rubens. Em um dos cantos mais bonitos de Antuérpia, Rubens Hughes ainda está localizado - a casa do artista, construída de acordo com seu próprio projeto, e uma oficina. Daqui saíram cerca de três mil pinturas e muitos desenhos maravilhosos.

Goyen Jan Wang
(1596-1656)
País: Holanda

Goyen Jan van é um pintor holandês. A paixão pela pintura manifestou-se desde muito cedo. Aos dez anos, Goyen começou a estudar desenho com os artistas de Leiden I. Swanenburg e K. Schilperort. O pai queria que o filho se tornasse pintor de vidro, mas o próprio Goyen sonhava em ser pintor de paisagens e foi designado para estudar com o medíocre pintor de paisagens Willem Gerrits na cidade de Goorn.

Segers Hércules
(1589/1590 - c. 1638)
País: Holanda

Seghers Hercules é um pintor de paisagens e artista gráfico holandês. Ele estudou em Amsterdã com G. van Coninxloo. De 1612 a 1629 viveu em Amsterdã, onde foi aceito na guilda dos artistas. Visitou Flandres (c. 1629-1630). A partir de 1631 viveu e trabalhou em Utrecht, e a partir de 1633 - em Haia.

Frans Hals
(c. 1580-1666)
País: Holanda

O papel decisivo na formação da arte nacional numa fase inicial do desenvolvimento da escola de arte holandesa foi desempenhado pela obra de Frans Hals, seu primeiro grande mestre. Ele foi quase exclusivamente um pintor de retratos, mas sua arte significou muito não apenas para o retrato da Holanda, mas também para a formação de outros gêneros. Na obra de Hals, podem ser distinguidos três tipos de composições de retratos: um retrato de grupo, um retrato individual feito sob medida e um tipo especial imagens de retrato, de natureza próxima à pintura de gênero, cultivada por ele principalmente nos anos 20 - início dos anos 30.

Velásquez Diego de Silva
(1559-1660)
País: Espanha

Nasceu em Sevilha, um dos maiores centros artísticos da Espanha no final do século XVI - início do século XVII. O pai do artista veio de uma família portuguesa que se mudou para a Andaluzia. Ele queria que seu filho se tornasse advogado ou escritor, mas não impediu Velázquez de pintar. Seu primeiro professor foi o Pe. Herrera, o Velho, e depois - F. Pacheco. A filha de Pacheco tornou-se esposa de Velázquez. Na oficina de Pacheco Velasquez se dedicava à pintura de cabeças vivas. Aos dezessete anos, Velasquez recebeu o título de mestre. A carreira de um jovem pintor desenvolveu-se com sucesso.

País: Espanha

El Greco
(1541-1614)
País: Espanha

El Greco, nome verdadeiro - Domenico Theotokopuli, o grande pintor espanhol. Nasceu em uma família pobre, mas esclarecida, em Candia, Creta. Creta naquela época era uma possessão de Veneza. Ele estudou, muito provavelmente, com pintores de ícones locais, que ainda preservavam as tradições do período medieval. arte bizantina. Por volta de 1566 mudou-se para Veneza, onde ingressou na oficina de Ticiano.

Caravaggio Michelangelo Merisi
(1573-1610)
País: Itália

Caravaggio Michelangelo Merisi, um notável pintor italiano. O nome de Caravaggio está associado ao surgimento e florescimento da tendência realista em pintura italiana final do século XVI - início do século XVII. A obra deste notável mestre desempenhou um papel importante na vida artística não só da Itália, mas também de outros países europeus. A arte de Caravaggio nos atrai com grande expressividade artística, profunda veracidade e humanismo.

Carracci
País: Itália

Carracci, uma família de pintores italianos de Bolonha no início do século XVII, os fundadores do academismo na pintura européia. Na virada dos séculos 16 para 17 na Itália, como reação ao maneirismo, uma tendência acadêmica na pintura tomou forma. Seus princípios básicos foram estabelecidos pelos irmãos Carracci - Lodovico (1555-1619), Agostino (1557-1602) e Annibale (1560-1609).

Brueghel Pedro, o Velho
(entre 1525 e 1530-1569)
País: Holanda

Quem leu o maravilhoso romance de Charles de Coster, The Legend of Thiel Ulenspiegel, sabe que todo o povo participou da revolução holandesa, na luta contra os espanhóis por sua independência, uma luta cruel e impiedosa. Assim como Ulenspiegel, Peter Brueghel the Elder, um dos fundadores da arte realista holandesa e flamenga, também foi testemunha e participante desses eventos.

Van Dyck Anthony
(1599- 1641)
País: Holanda

Van Dyck Anthony, um notável pintor flamengo. Nasceu em Antuérpia na família de um rico empresário. Inicialmente estudou com o pintor de Antuérpia Hendrick van Balen. Em 1618 ingressou na oficina de Rubens. Ele começou seu trabalho copiando suas pinturas. E logo se tornou o principal assistente de Rubens na execução de grandes encomendas. Ele recebeu o título de mestre da Guilda de São Lucas em Antuérpia (1618).

Poussin Nicolas
(1594-1665)
País: França

Nicolas Poussin (1594-1665), destacado pintor francês, um dos principais representantes do classicismo. Nasceu na aldeia de Andely, na Normandia, na família de um pequeno proprietário de terras. Inicialmente, ele estudou em sua terra natal com um artista errante pouco conhecido, mas talentoso e competente, K. Varen. Em 1612 Poussin foi para Paris, e lá J. Aalleman tornou-se seu professor. Em Paris, tornou-se amigo do poeta italiano Marine.

XVII (século XVII)

artistas estrangeiros

Cabo Albert Gerrits
(1620-1691)
País: Holanda

Cape Albert Gerrits foi um pintor e gravador holandês.

Ele estudou com seu pai, o artista J. Keip. Seu estilo artístico foi influenciado pela pintura de J. van Goyen e S. van Ruysdael. Trabalhou em Dordrecht. As primeiras obras de Cuyp, próximas às pinturas de J. van Goyen, são monocromáticas. Ele pinta paisagens montanhosas, estradas rurais que se estendem ao longe, cabanas de camponeses pobres. As pinturas são geralmente feitas em um único tom amarelado.

Van Ruisdael Jacob
(1628/1629-1682)
País: Holanda

Ruisdal Jacob van (1628/1629-1682) - pintor paisagista holandês, desenhista, gravador. Ele provavelmente estudou com seu tio, o pintor Salomon van Ruysdael. Visitou a Alemanha (1640-1650). Ele viveu e trabalhou em Haarlem, em 1648 tornou-se membro da guilda dos pintores. A partir de 1656 viveu em Amsterdã, em 1676 recebeu o título de doutor em medicina no Tesouro e ingressou na lista dos médicos de Amsterdã.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn
(1606-1669)
País: Holanda

Nasceu em Leiden na família de um moleiro. Os negócios do pai durante esse período estavam indo bem e ele conseguiu dar ao filho uma educação melhor do que as outras crianças. Rembrandt entrou na escola latina. Ele estudou mal e queria pintar. No entanto, ele terminou a escola e entrou na Universidade de Leiden. Um ano depois, começou a ter aulas de pintura. Seu primeiro professor foi J. van Swanenburg. Depois de permanecer em seu estúdio por mais de três anos, Rembrandt foi para Amsterdã para pintor histórico P. Lastman. Ele teve uma forte influência sobre Rembrandt e ensinou-lhe a arte da gravura. Seis meses depois (1623) Rembrandt voltou a Leiden e abriu sua própria oficina.

Terborch Gerard
(1617-1681)
País: Holanda

Terborch Gerard (1617-1681), famoso pintor holandês. Nasceu em Zwolle em uma rica família burguesa. Seu pai, irmão e irmã eram artistas. Os primeiros professores de Terborch foram seu pai e Hendrik Averkamp. Seu pai o fazia copiar muito. Ele criou seu primeiro trabalho aos nove anos de idade. Aos quinze anos, Terborch foi para Amsterdã, depois para Haarlem, onde ficou sob a forte influência do Pe. Khalsa. Já nessa época ele era famoso como mestre gênero doméstico, pintou com muita boa vontade cenas da vida dos militares - as chamadas "salas da guarda".

Canaletto (Canale) Giovanni Antonio
(1697-1768)
País: Itália

O primeiro professor de Canaletto foi seu pai, o decorador de teatro B. Canale, a quem ajudou a projetar apresentações nos teatros de Veneza. Trabalhou em Roma (1717-1720, início da década de 1740), Veneza (desde 1723), Londres (1746-1750, 1751-1756), onde executou obras que formaram a base de sua obra. Ele pintou veduts - paisagens urbanas, retratou ruas, prédios, canais, barcos deslizando nas ondas do mar.

Manyasco Alessandro
(1667-1749)
País: Itália

Alessandro Magnasco (1667-1749) foi um pintor, pintor de gênero e paisagista italiano. Estudou com o pai, o artista plástico S. Magnasco, depois com o pintor milanês F. Abbiati. Seu estilo foi formado sob a influência dos mestres da escola genovesa de pintura, S. Rosa e J. Callo. Viveu e trabalhou em Milão, Florença, Gênova.

Watteau Antoine
(1684-1721)
País: França

Watteau Antoine, destacado pintor francês, cuja obra está associada a uma das etapas significativas do desenvolvimento da pintura cotidiana na França. O destino de Watteau é incomum. Nem na França nem nos países vizinhos havia nos anos em que escreveu suas melhores coisas, nenhum artista capaz de competir com ele. Os titãs do século XVII não viveram para ver a era de Watteau; aqueles que, seguindo-o, glorificaram o século XVIII, tornaram-se conhecidos no mundo somente após sua morte. Na verdade, Fragonard, Quentin de La Tour, Perronneau, Chardin, David na França, Tiepolo e Longhi na Itália, Hogarth, Reynolds, Gainsborough na Inglaterra, Goya na Espanha - tudo isso é meados ou mesmo o final do século XVIII .

Lorena Claude
(1600-1682)
País: França

Lorrain Claude (1600-1682) - pintor francês. jovem trabalhou em Roma como criado de A. Tassi, depois tornou-se seu aluno. O artista começou a receber grandes encomendas na década de 1630, tendo como clientes o Papa Urbano VIII e o Cardeal Bentivoglio. Desde então, Lorrain tornou-se popular entre os conhecedores de arte romana e francesa.

XVIII (século XVIII)

artistas estrangeiros

Gainsborough Thomas
(1727- 1788)
País: Inglaterra

Gainsborough Thomas, destacado pintor inglês, criador do tipo nacional de retrato. Nascido em Sudbury, Suffolk, filho de um comerciante de tecidos. Os arredores pitorescos da cidade, localizados no rio Stour, atraíram Gainsborough desde a infância, retratando-os incessantemente em seus esboços de infância. A paixão do menino pelo desenho era tão grande que seu pai, sem hesitar por muito tempo, mandou o filho de treze anos estudar em Londres, que na época já havia se tornado o centro da vida artística.

Turner Joseph Mallord William
(1775-1851)
País: Inglaterra

Turner Joseph Mallord William - pintor de paisagens, pintor, desenhista e gravador inglês. Ele teve aulas de pintura com T. Molton (c. 1789), em 1789-1793. estudou na Royal Academy em Londres. Em 1802, Turner era acadêmico e, em 1809, professor nas classes acadêmicas. O artista viajou extensivamente pela Inglaterra e País de Gales, visitou a França e a Suíça (1802), Holanda, Bélgica e Alemanha (1817), Itália (1819, 1828). Seu estilo artístico foi formado sob a influência de K. Lorrain, R. Wilson e pintores marinhos holandeses.

Jan Vermeer de Delft
(1632-1675)
País: Holanda

Jan Vermeer de Delft é um grande artista holandês. Quase não há informações sobre o artista. Nasceu em Delft na família de um burguês dono de um hotel. Ele também se dedicava à produção de seda e ao comércio de pinturas. Talvez seja por isso que o menino se interessou pela pintura desde cedo. Mestre Karel Fabricius tornou-se seu mentor. Vermeer logo se casou com Katherine Bolney, filha de um rico burguês, e já em 1653 foi admitido na guilda de São Lucas.

Goya e Lucientes Francisco Hosse
(1746-1828)
País: Espanha

Um dia, o pequeno Francisco, filho de um pobre dourador de altar de uma aldeia perto da cidade espanhola de Zaragoza, pintou um porco na parede de sua casa. Um estranho que passava viu um talento genuíno no desenho de uma criança e aconselhou o menino a estudar. Esta lenda sobre Goya é semelhante às que se contam sobre outros mestres do Renascimento, quando se desconhecem os verdadeiros fatos de sua biografia.

Guardi Francesco Lazzaro
(1712-1793)
País: Itália

Guardi Francesco Lazzaro - pintor e desenhista italiano, representante escola veneziana pintura. Estudou com seu irmão mais velho, o pintor Giovanni Antonio, em cujo ateliê trabalhou com seu irmão mais novo, Niccolò. Ele pintou paisagens, pinturas de temas religiosos e mitológicos, composições históricas. Trabalha na criação de decorações decorativas para os interiores dos teatros Manin e Fenice em Veneza (1780-1790).

Vernet Claude Joseph
(1714-1789)
País: França

Vernet Claude Joseph - artista francês. Ele estudou primeiro com seu pai A. Vernet, depois com L. R. Viali em Aix e B. Fergioni, a partir de 1731 - em Avignon com F. Sovan, e depois na Itália com Manglar, Pannini e Locatelli. Em 1734-1753. trabalhou em Roma. No período romano, dedicou muito tempo ao trabalho da natureza em Tivoli, Nápoles, às margens do Tibre. Ele pintou paisagens e vistas do mar (“Beira-mar perto de Anzio”, 1743; “Vista da ponte e do castelo de St. Angelo”, “Ponte Rotto em Roma”, 1745 - ambos no Louvre, Paris; “Cachoeira em Tivoli”, 1747; "Manhã em Castellammare", 1747, Hermitage, São Petersburgo; "Villa Pamphili", 1749, Museu Pushkin, Moscou; "Porto italiano", "Costa do mar com rochas", 1751; "Rochas perto do mar", 1753 - tudo no Hermitage, São Petersburgo). Estas obras surpreendem pelo virtuosismo na transmissão da luz e do ar ambiente e iluminação, fiabilidade e observação atenta.

Vernet Horace
(1789-1863)
País: França

Vernet Horace é um pintor e artista gráfico francês. Estudou com seu pai, Carl Vernet. Escrevendo na época do auge da arte do romantismo, o artista utiliza em suas obras os meios inerentes aos românticos. Ele está interessado no homem no poder elementos naturais, em situações extremas. Vernet retrata guerreiros lutando ferozmente em batalhas, furacões e naufrágios (“Battle at Sea”, 1825, Hermitage, São Petersburgo).

Delacroix Eugene
(1798 - 186)
País: França

Nasceu em Charenton na família do prefeito. Ele recebeu uma excelente educação. Estudou pintura primeiro na Escola de Belas Artes de Paris, depois no ateliê de P. Guerin (1816-22), cuja fria habilidade teve menos influência sobre ele do que a arte apaixonada do romântico T. Géricault, com quem se tornou fechar na Escola. Um papel decisivo na formação do estilo pictórico de Delacroix foi desempenhado pela cópia das obras de antigos mestres, principalmente Rubens, Veronese e D. Velasquez. Em 1822 estreou-se em Talon com uma pintura "Torra Dante"(“Dante e Virgílio”) baseado no enredo da primeira música de “Inferno” (“A Divina Comédia”).

Géricault Theodore
(1791-1824)
País: França

Nascido em Rouen em uma família rica. Estudou em Paris no Liceu Imperial (1806-1808). Seus professores foram K. J. Berne e P.N. Guerin. Mas eles não influenciaram a formação de seu estilo artístico - na pintura de Géricault, as tendências da arte de A. J. Gros e J. L. David são traçadas. O artista visitou o Louvre, onde fez cópias das obras de antigos mestres, admirando especialmente sua pintura de Rubens.

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Hiroshige Ando
(1797-1858)
País: Japão

Nasceu em Edo (agora Tóquio) na família de um pequeno samurai Ando Genemon. Seu pai era capataz do corpo de bombeiros da cidade e a vida da família era bastante segura. Graças à educação precoce, ele aprendeu rapidamente a entender as propriedades do papel, pincel e tinta. nível geral educação da época era bastante alta. Teatros, gravuras, ikeba-fa faziam parte do cotidiano.

Hokusai Katsushika
(1760-1849)
País: Japão

Hokusai Katsushika é um pintor e desenhista japonês, mestre em xilogravuras coloridas, escritor e poeta. Estudou com o gravador Nakayama Tetsuson. Foi influenciado pelo artista Shunsho, em cuja oficina trabalhou. Ele pintou paisagens nas quais a vida da natureza, sua beleza estão intimamente ligadas à vida e às atividades do homem. Em busca de novas experiências, Hokusai viajou muito pelo país, fazendo esboços de tudo que via. O artista procurou refletir em sua obra o problema da relação do homem com a natureza ao seu redor. Sua arte é permeada pelo pathos da beleza do mundo e pela consciência do princípio espiritualizado introduzido pelo homem em tudo o que entra em contato.

artistas estrangeiros

Bonington Richard Parkes
(1802-1828)
País: Inglaterra

Bonington Richard Parkes é um pintor e artista gráfico inglês. A partir de 1817 viveu na França. Estudou pintura em Calais com L. Francia, a partir de 1820 frequentou a Escola de Belas Artes de Paris, onde A. J. Gros foi seu professor. A partir de 1822 passou a expor suas pinturas nos Salões de Paris, e a partir de 1827 participou de exposições da Society of Artists of Great Britain e da Royal Academy of Arts de Londres.

Ensor James
(1860-1949)
País: Bélgica

Ensor James (1860-1949) Pintor e artista gráfico belga. O artista nasceu e cresceu na cidade portuária de Ostend, onde passou quase toda a sua vida. A imagem desta cidade litorânea com ruas estreitas habitadas por pescadores e marinheiros, com carnavais de carnaval anuais e a atmosfera única do mar aparece frequentemente em muitas de suas pinturas.

Van Gogh Vincent
(1853- 1890)
País: Holanda

Van Gogh Vincent, o grande pintor holandês, representante do pós-impressionismo. Nasceu na aldeia de Brabante de Groot Zundert na família de um pastor. A partir dos dezesseis anos trabalhou para a Painting Company e depois como assistente de professor em uma escola particular na Inglaterra. Em 1878 ele conseguiu um emprego como pregador em uma área de mineração no sul da Bélgica.

Anker Mikael
(1849-1927)
País: Dinamarca

Anker Mikael é um artista dinamarquês. Estudou na Academia de Belas Artes de Copenhagen (1871-1875), bem como na oficina do artista dinamarquês P. Kreyer. Mais tarde em Paris estudou no atelier de Puvis de Cha-vannes, mas este período não se reflectiu na sua obra.Juntamente com a sua esposa Anna, trabalhou em Skagen, em pequenas aldeias piscatórias. Em suas obras, o mar está intimamente ligado às imagens dos pescadores da Jutlândia. O artista retrata as pessoas nos momentos de seu trabalho árduo e perigoso.

Modigliani Amedeo
(1884-1920)
País: Itália

Com que sutileza e elegância Anna Akhmatova falou sobre Amedeo Modigliani! Ainda assim - ela era uma poetisa! Amedeo teve sorte: eles se conheceram em 1911 em Paris, se apaixonaram, e esses sentimentos se tornaram propriedade do mundo da arte, expressos em seus desenhos e poemas dela.

Eakins Thomas
(1844-1916)
País: EUA

Estudou na Academia de Belas Artes da Filadélfia (Pensilvânia) e na Escola de Belas Artes de Paris (1866-1869). Sobre a formação de seu estilo artístico grande influência teve a obra dos antigos mestres espanhóis, que estudou em Madrid. Desde 1870, o pintor viveu em sua terra natal, na Filadélfia, onde exerceu atividades docentes. Já no primeiro trabalho independente Eakins mostrou-se realista (Max Schmitt in a Boat, 1871, Metropolitan Museum of Art, Nova York; On a Sailboat, 1874; Sailing Boats on the Delaware, 1874).

Kent Rockwell
(1882-1971)
País: EUA

Kent Rockwell é um pintor de paisagens, desenhista, artista gráfico e escritor americano. Estudou com um representante da escola plein air do artista William Merritt Chase em Shinnecock em Long Island, depois com Robert Henry na School of Art de Nova York, onde também frequentou as aulas de Kenneth Miller.

Homer Winslow
(1836-1910)
País: EUA

Homer Winslow é um pintor e desenhista americano. Ele não recebeu uma educação sistemática, tendo dominado apenas o ofício de litógrafo na juventude. Em 1859-1861. freqüentou uma escola noturna de desenho em Academia Nacional artes em Nova York. A partir de 1857 faz desenhos para revistas, em guerra civil(1861-1865) colaborou no semanário ilustrado Harper's Weekly, para o qual realizou desenhos realistas de cenas de batalha, distinguindo-se por formas expressivas e rigorosas. Em 1865 tornou-se membro da Academia Nacional de Artes.

Bonnard Pierre
(1867-1947)
País: França

Bonnard Pierre - pintor francês, desenhista, litógrafo. Nascido nos arredores de Paris. Na juventude, estudou direito enquanto desenhava e pintava na École des Beaux-Arts e na Académie Julian. Ele gostava de gravura japonesa. Juntamente com os artistas E. Vuillard, M. Denis, P. Serusier, formaram o núcleo de um grupo que se autodenominava "Nabi" - da palavra hebraica "profeta". Os membros do grupo eram adeptos de um simbolismo menos complexo e literário do que o simbolismo de Gauguin e seus seguidores.

Casamento Jorge
(1882-1963)
País: França

Casamento Georges - pintor francês, gravador, escultor. Em 1897-1899. estudou na École des Beaux-Arts em Le Havre, depois na Academy of Amber e na École des Beaux-Arts em Paris (1902-1903). Seus primeiros trabalhos são marcados pela influência dos fauvistas, especialmente A. Derain e A. Matisse. É nesse período que o artista mais se volta para o gênero paisagístico: pinta portos, baías com barcos e edifícios costeiros.

Gauguin Paul
(1848-1903)
País: França

Gauguin Paul (1848-1903), destacado pintor francês. representante do impressionismo. Nasceu em Paris. Seu pai era funcionário do jornal Nacional, de cunho republicano moderado. Uma mudança no curso político o forçou a deixar sua terra natal em 1849. Em um navio com destino à América do Sul, ele morreu repentinamente. Gauguin passou os primeiros quatro anos de sua vida em Lima (Peru) com os parentes de sua mãe. Aos 17-23 anos serviu como marinheiro, foguista, timoneiro na marinha mercante e na marinha, navegou para o Rio de Janeiro e outras cidades distantes.

Degas Edgar
(1834-1917)
País: França

Edgar Degas era uma pessoa contraditória e estranha à primeira vista. Nasceu na família de um banqueiro em Paris. Descendente de uma família aristocrática (seu nome real era de Ha), ele abandonou o nobre prefixo de sua juventude. Ele mostrou interesse em desenhar quando criança. Recebeu uma boa educação. Em 1853, passou nos exames de bacharelado e começou a estudar jurisprudência. Mas já nessa época estudou com o pintor Barrias, depois com Louis Lamothe. Como Édouard Manet, ele estava sendo preparado para uma carreira brilhante, mas abandonou a faculdade de direito pela Escola de Belas Artes.

Deren André
(1880-1954)
País: França

Derain Andre - pintor francês, ilustrador de livros, gravador, escultor, um dos fundadores do fauvismo. Ele começou a pintar em Shatu em 1895, seu professor era um artista local. Em 1898-1900. estudou em Paris na Career Academy, onde conheceu A. Matisse, J. Puy e A. Marquet. Muito em breve, Deren deixou a academia e começou a estudar por conta própria.

Daubigny Charles François
(1817-1878)
País: França

Daubigny Charles Francois - pintor paisagista francês, artista gráfico, representante da escola de Barbizon. Estudou com o pai, o artista E. F. Daubigny, depois com P. Delaroche. Influenciado por Rembrandt. No Louvre, ele copiou as pinturas dos mestres holandeses, suas obras de J. Ruisdal e Hobbema eram especialmente atraentes. Em 1835-1836. Daubigny visitou a Itália e em 1866 foi para a Holanda, Grã-Bretanha e Espanha. Mas essas viagens praticamente não se refletiram na obra do artista, quase todas as suas obras são dedicadas às paisagens francesas.

Dufy Raoul
(1877-1953)
País: França

Dufy Raoul - pintor e artista gráfico francês. Estudou em Le Havre, no turno noturno da Escola Municipal de Arte, onde lecionou Luye (1892-1897). Aqui Dufy conheceu O. J. Braque e O. Friesz. Nesse período, pintou retratos de seus familiares, além de paisagens semelhantes às de E. Boudin.

Isabel Louis Gabriel Jean
(1803-1886)
País: França

Isabey Louis Gabriel Jean (1803-1886) - pintor romântico francês, aquarelista, litógrafo. Ele estudou com seu pai, o miniaturista J.-B. Isabah. Ele foi influenciado pela pintura dos pintores marítimos ingleses e dos holandeses menores do século XVII. Trabalhou em Paris. Em busca de novas experiências, Isabey visitou a Normandia, Auvergne, Bretanha, sul da França, Holanda, Inglaterra, e acompanhou uma expedição à Argélia como artista.

Courbet Gustave
(1819-1877)
País: França

Courbet Gustave é um notável pintor francês, um maravilhoso mestre do retrato realista. "... nunca pertenceu a nenhuma escola, a nenhuma igreja ... a nenhum regime, mas apenas ao regime de liberdade."

Manet Edouard
(1832-1883)
País: França

Edouard MANET (1832-1883), destacado artista francês que repensou as tradições da pintura realista narrativa. “A brevidade na arte é tanto uma necessidade quanto uma elegância. Uma pessoa que se expressa brevemente faz você pensar; uma pessoa verborrágica fica entediada.

Marche Albert
(1875-1947)
País: França

Marquet Albert (1875-1947) - pintor e artista gráfico francês. Em 1890-1895. estudou em Paris na Escola de Artes Decorativas e de 1895 a 1898 - na Escola de Belas Artes na oficina de G. Moreau. Pintou retratos, interiores, naturezas-mortas, paisagens, entre as quais se destacam vistas de mar, imagens de portos e portos. Nas paisagens criadas pelo artista no final dos anos 1890 - início dos anos 1900. influência notavelmente forte dos impressionistas, em particular A. Sisley ("Trees in Billancourt", ca. 1898, Musée des Arts, Bordeaux).

Monet Claude
(1840-1926)
País: França

Monet Claude, pintor francês, fundador do impressionismo. "O que escrevo é um momento." Nasceu em Paris na família de um dono da mercearia. Ele passou sua infância em Le Havre. Em Le Havre, começou a fazer cartoons, vendendo-os numa papelaria. E. Boudin chamou a atenção para eles e deu a Monet as primeiras aulas de pintura ao ar livre. Em 1859, Monet ingressou na Escola de Belas Artes de Paris e depois no ateliê Gleyer. Após uma estada de dois anos na Argélia no serviço militar (1860-61), ele retornou a Le Havre e conheceu Jonkind. As paisagens de Ionkind, cheias de luz e ar, o impressionaram profundamente.

Pierre Auguste Renoir
(1841-1919)
País: França

Pierre Auguste Renoir nasceu na família de um alfaiate pobre com muitos filhos, e desde o primeira infância aprendeu a "viver feliz para sempre" mesmo quando não havia pão em casa. Aos treze anos já dominava o ofício - pintava xícaras e pires em uma fábrica de porcelana. A blusa de trabalho manchada de tinta estava com ele mesmo quando ele veio para a Escola de Belas Artes. No ateliê de Gleyre, ele recolhia tubos de tinta vazios jogados por outros alunos. Apertando-os até a última gota, ele ronronou algo descuidadamente alegre baixinho.

Redon Odilon
(1840-1916)
País: França

Redon Odilon - pintor, desenhista e decorador francês. Em Paris, estudou arquitetura, mas não concluiu o curso. Por algum tempo frequentou a Escola de Escultura em Bordeaux, depois estudou em Paris no ateliê de Jerome. Como pintor, formou-se sob a influência da arte de Leonardo da Vinci, J. F. Corot, E. Delacroix e F. Goya. O botânico Armand Claveau desempenhou um papel importante em sua vida. Tendo uma rica biblioteca, ele introduziu jovem artista com as obras de Baudelaire, Flaubert, Edgar Allan Poe, bem como com a poesia indiana e a filosofia alemã. Juntamente com Clavo Redon estudou o mundo das plantas e microorganismos, que mais tarde se refletiu em suas gravuras.

Cezanne Paul
(1839-1906)
País: França

Até agora, um dos participantes da primeira exposição no Boulevard des Capucines, o mais silencioso dos visitantes do café Gerbois, Paul Cézanne, permaneceu nas sombras. É hora de se aproximar de suas pinturas. Vamos começar com auto-retratos. Vejamos mais de perto o rosto desse barbudo de bochechas salientes, que se parece com um camponês (quando está usando um boné) ou um sábio escriba (quando sua testa poderosa e escarpada é visível). Cézanne era um e outro, combinando a obstinada diligência do camponês com a mente perscrutadora de um cientista pesquisador.

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de
(1864-1901)
País: França

Toulouse Lautrec Henri Marie Raymond de, um notável artista francês. Nasceu em Albi, no sul da França, em uma família que pertencia à maior família aristocrática, que já liderou as cruzadas. Ele mostrou talento como artista desde a infância. No entanto, começou a pintar depois de cair de um cavalo (aos quatorze anos), o que o deixou incapacitado. Logo depois que seu pai o apresentou a Prensto, Henri começou a vir constantemente ao estúdio na Rue Faubourg Saint-Honoré. Durante horas, ele podia observar o artista desenhar ou pintar.

artistas estrangeiros

dalí salvador
(1904-1989)
País: Espanha

dalí salvador, o grande artista espanhol, o maior representante do surrealismo. Nasceu em Figueres (Catalunha) na família de um famoso advogado. Aos dezesseis anos, Dali foi enviado para um colégio católico em Figueres. A família Pichot teve grande influência na formação de sua personalidade. Todos os membros da família possuíam instrumentos musicais concertos organizados. Ramon Pichot é um pintor que trabalhou em Paris e conheceu P. Picasso de perto. Na casa de Pichotov, Dali se dedicava ao desenho. Em 1918, realizou sua primeira exposição em Fegueras, com boa avaliação da crítica.

Kalninsh Eduardas
(1904-1988)
País: Letônia

Kalninsh Eduardas - pintor marinho letão. Nascido em Riga na família de um simples artesão, começou a desenhar cedo. O primeiro professor de Kalnins foi o artista Yevgeny Moshkevich, que abriu em Tomsk, para onde a família do menino se mudou no início da Primeira Guerra Mundial, um estúdio para pintores novatos. Depois de 1920, Kalniņš voltou para Riga com seus pais e em 1922 ingressou na Academia de Artes da Letônia. Vilhelme Purvitis, aluno de AI Kuindzhi, tornou-se seu professor.

Classicismo, um estilo artístico da arte europeia do século XVII-início do século XIX, que tem como uma das características mais importantes o apelo às formas Arte antiga como padrão ideal estético e ético. O Classicismo, que se desenvolveu em uma interação fortemente polêmica com o Barroco, tornou-se um sistema estilístico integral na cultura artística francesa do século XVII.

O classicismo do século XVIII - início do século XIX (na história da arte estrangeira é frequentemente referido como neoclassicismo), que se tornou um estilo europeu comum, também se formou principalmente no seio de cultura francesa fortemente influenciado pelas idéias do Iluminismo. Na arquitetura, foram determinados novos tipos de uma mansão requintada, um grande edifício público, uma praça aberta da cidade (Gabrielle Jacques Ange e Souflo Jacques Germain), a busca por novas formas de arquitetura desordenadas, o desejo de simplicidade dura na obra de Ledoux Claude Nicolas antecipou a arquitetura da fase tardia do classicismo - Império. Pathos cívico e lirismo combinados em plástico (Pigalle Jean Baptiste e Houdon Jean Antoine), paisagens decorativas (Robert Hubert). O drama corajoso de imagens históricas e de retratos é inerente às obras do chefe do classicismo francês, o pintor Jacques Louis David. No século XIX, a pintura do classicismo, apesar das atividades de grandes mestres individuais, como Jean Auguste Dominique Ingres, degenera em uma arte de salão oficial apologética ou pretensiosamente erótica. Roma tornou-se o centro internacional do classicismo europeu no século XVIII - início do século XIX, onde dominavam as tradições do academismo, com sua combinação característica de nobreza de formas e idealização fria (pintor alemão Anton Raphael Mengs, escultores: italiano Canova Antonio e Dane Thorvaldsen Bertel ). A arquitetura do classicismo alemão é caracterizada pela severa monumentalidade dos edifícios de Karl Friedrich Schinkel, pelo clima contemplativo-elegíaco da pintura e das artes plásticas - retratos de August e Wilhelm Tischbein, escultura de Johann Gottfried Schadow. No classicismo inglês, destacam-se as antiguidades de Robert Adam, as propriedades dos parques palladianos de William Chambers, os desenhos primorosamente austeros de J. Flaxman e as cerâmicas de J. Wedgwood. Variantes próprias do classicismo se desenvolveram na cultura artística da Itália, Espanha, Bélgica, países escandinavos, EUA; um lugar de destaque na história da arte mundial é ocupado pelo classicismo russo das décadas de 1760-1840.

No final do primeiro terço do século XIX, o protagonismo do classicismo estava desaparecendo quase universalmente, sendo substituído por várias formas de ecletismo arquitetônico. Ficar vivo tradição artística classicismo no neoclassicismo do final do século XIX - início do século XX.

Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Artista francês, líder geralmente reconhecido do academicismo europeu do século XIX.
Na obra de Ingres - a busca pela harmonia pura.
Ele estudou na Academia de Belas Artes de Toulouse. Depois de se formar na academia, mudou-se para Paris, onde em 1797 tornou-se aluno de Jacques-Louis David. Em 1806-1820 estudou e trabalhou em Roma, depois mudou-se para Florença, onde passou mais quatro anos. Em 1824 voltou a Paris e abriu uma escola de pintura. Em 1835 ele voltou a Roma novamente como diretor da Academia Francesa. De 1841 até o fim de sua vida viveu em Paris.

Academismo (fr. academisme) é uma tendência na pintura européia dos séculos XVII-XIX. A pintura acadêmica surgiu durante o desenvolvimento das academias de arte na Europa. A base estilística da pintura acadêmica no início do século XIX era o classicismo, na segunda metade do século XIX - o ecletismo.
O academismo cresceu seguindo as formas externas da arte clássica. Os seguidores caracterizaram esse estilo como uma reflexão sobre a forma de arte da antiguidade e do Renascimento.

Ingres. Retratos da família Rivière. 1804-05

Romantismo

Romantismo- um fenômeno gerado pelo sistema burguês. Como visão de mundo e estilo de criatividade artística, reflete suas contradições: a lacuna entre o adequado e o real, o ideal e a realidade. A consciência da irrealização dos ideais e valores humanísticos do Iluminismo deu origem a duas posições alternativas de visão de mundo. A essência do primeiro é desprezar a realidade vil e fechar-se na casca dos ideais puros. A essência do segundo é reconhecer a realidade empírica, descartar todo raciocínio sobre o ideal. O ponto de partida da cosmovisão romântica é uma rejeição aberta da realidade, o reconhecimento de um abismo intransponível entre os ideais e o ser real, a irracionalidade do mundo das coisas.

É caracterizada por uma atitude negativa em relação à realidade, pessimismo, interpretação das forças históricas como estando fora da realidade cotidiana real, mistificação e mitologização. Tudo isso estimulou a busca de resolução de contradições não no mundo real, mas no mundo da fantasia.

A cosmovisão romântica abrangia todas as esferas da vida espiritual - ciência, filosofia, arte, religião. Ele veio em duas versões:

O primeiro - nele o mundo apareceu como uma subjetividade cósmica infinita, sem rosto. A energia criativa do espírito atua aqui como o começo que cria a harmonia do mundo. Esta versão da cosmovisão romântica é caracterizada por uma imagem panteísta do mundo, otimismo e sentimentos elevados.

A segunda é que nela a subjetividade humana é considerada individual e pessoalmente, é compreendida como o mundo interior profundo de uma pessoa que está em conflito com o mundo exterior. Essa atitude é caracterizada pelo pessimismo, uma atitude liricamente triste em relação ao mundo.

O princípio inicial do romantismo era "dois mundos": comparação e oposição dos mundos real e imaginário. O simbolismo era a maneira de expressar esse mundo dual.

O simbolismo romântico representava uma combinação orgânica do mundo ilusório e real, que se manifestava no aparecimento de metáforas, hipérboles e comparações poéticas. O romantismo, apesar de sua estreita ligação com a religião, era caracterizado pelo humor, ironia, devaneio. O romantismo declarou a música como modelo e norma para todas as áreas da arte, na qual, segundo os românticos, soava o próprio elemento da vida, o elemento da liberdade e o triunfo dos sentimentos.

O surgimento do romantismo deveu-se a uma série de fatores. Primeiro, sócio-político: a Revolução Francesa de 1769-1793, as guerras napoleônicas, a guerra pela independência da América Latina. Em segundo lugar, econômico: a revolução industrial, o desenvolvimento do capitalismo. Em terceiro lugar, foi formado sob a influência da filosofia clássica alemã. Em quarto lugar, foi formado com base e dentro da estrutura dos estilos literários existentes: iluminismo, sentimentalismo.

O auge do romantismo cai no período 1795-1830. - o período das revoluções europeias e dos movimentos de libertação nacional, e o romantismo foi especialmente pronunciado na cultura da Alemanha, Inglaterra, Rússia, Itália, França, Espanha.

A corrente romântica teve grande influência no campo humanitário, e a positivista nas ciências naturais, técnicas e práticas.

Jean Louis André Theodore Géricault (1791-1824).
Aluno por um curto período de C. Vernet (1808-1810), e depois P. Guerin (1810-1811), que ficou chateado com seus métodos de transferência da natureza que não estavam de acordo com os princípios da escola de Jacques-Louis David e vício de Rubens, mas depois reconheceu a racionalidade das aspirações de Géricault.
Servindo nos mosqueteiros reais, Géricault escreveu principalmente cenas de batalha, mas depois de viajar para a Itália em 1817-19. ele executou uma grande e complexa pintura "A Jangada da Medusa" (localizada no Louvre, Paris), que se tornou uma negação completa da tendência davídica e um eloquente sermão do realismo. A novidade do enredo, o drama profundo da composição e verdade vital Esta obra magistralmente escrita não foi imediatamente apreciada, mas logo foi reconhecida até pelos adeptos do estilo acadêmico e trouxe fama ao artista como um inovador talentoso e corajoso.

Tensão trágica e drama Em 1818, Géricault trabalha na pintura A Balsa da Medusa, que marca o início do romantismo francês. Delacroix, que posou para o amigo, viu nascer uma composição que quebra todas as ideias habituais sobre a pintura. Delacroix mais tarde lembrou que, quando viu a pintura acabada, "delicioso correu para correr como um louco e não conseguiu parar até chegar em casa".
O enredo da imagem é baseado em um incidente real ocorrido em 2 de julho de 1816 na costa do Senegal. Então, nas águas rasas de Argen, a 40 léguas da costa africana, a fragata Medusa naufragou. 140 passageiros e tripulantes tentaram escapar embarcando na jangada. Apenas 15 deles sobreviveram e no décimo segundo dia de suas andanças foram apanhados pelo brigue Argus. Os detalhes da viagem dos sobreviventes chocaram os modernos opinião pública, e o próprio acidente se tornou um escândalo no governo francês devido à incompetência do capitão do navio e à insuficiência das tentativas de resgate das vítimas.

solução figurativa
A gigantesca tela impressiona pelo seu poder expressivo. Géricault conseguiu criar uma imagem vívida, combinando mortos e vivos, esperança e desespero em uma imagem. A imagem foi precedida por um enorme trabalho preparatório. Géricault fez numerosos esboços dos moribundos nos hospitais e dos cadáveres dos executados. A Jangada da Medusa foi a última obra concluída de Géricault.
Em 1818, quando Géricault trabalhava na pintura “A Balsa da Medusa”, que marcou o início do romantismo francês, Eugene Delacroix, posando para o amigo, assistiu ao nascimento de uma composição que quebra todas as ideias habituais sobre a pintura. Delacroix mais tarde lembrou que, quando viu a pintura acabada, "delicioso correu para correr como um louco e não conseguiu parar até chegar em casa".

Reação do público
Quando Géricault exibiu A Balsa da Medusa no Salão de 1819, a pintura despertou a indignação do público, pois o artista, contrariando as normas acadêmicas da época, não utilizou um formato tão grande para retratar um tema heróico, moralizante ou clássico.
A pintura foi adquirida em 1824 e está atualmente na Sala 77 do 1º andar da Galeria Denon no Louvre.

Eugene Delacroix(1798 - 1863) - Pintor e artista gráfico francês, líder da vertente romântica da pintura europeia.
Mas o Louvre e a comunicação com o jovem pintor Theodore Géricault tornaram-se as verdadeiras universidades para Delacroix. No Louvre, ficou fascinado com as obras dos antigos mestres. Naquela época, podiam-se ver muitas pinturas ali, capturadas durante as Guerras Napoleônicas e ainda não devolvidas aos seus donos. Acima de tudo, o artista novato foi atraído pelos grandes coloristas - Rubens, Veronese e Ticiano. Mas a maior influência sobre Delacroix foi Theodore Géricault.

Em julho de 1830, Paris se rebelou contra a monarquia Bourbon. Delacroix simpatizava com os rebeldes, e isso se refletiu em sua "Liberdade Guiando o Povo" (também conhecemos esta obra como "Liberdade nas Barricadas"). Exibida no Salão de 1831, a tela causou uma tempestade de aprovação do público. O novo governo comprou a pintura, mas ao mesmo tempo ordenou imediatamente que fosse retirada, seu pathos parecia muito perigoso.