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Que pintura estranha é esta - natureza morta: faz você admirar uma cópia daquelas coisas cujos originais você não pode admirar.

Blaise Pascal

E sério, você já olhou as frutas da mesa da cozinha? Bem... exceto quando você estava com fome, certo? Mas você pode admirar uma foto com um arranjo de frutas ou um luxuoso buquê de flores por horas. Esta é precisamente a magia especial da natureza morta.

Traduzido do francês, natureza morta significa "natureza morta"(natureza morte). No entanto, esta é apenas uma tradução literal.

Na verdade natureza morta- esta é uma imagem de objetos imóveis e congelados (flores, vegetais, frutas, móveis, tapetes, etc.). As primeiras naturezas mortas são encontradas nos afrescos da Grécia Antiga e da Roma Antiga.

Natureza morta (afresco de Pompéia) 63-79, Nápoles, galeria Nacional Capodimonte. Autor desconhecido.

Quando um amigo vinha visitar um romano, as boas maneiras exigiam que o dono da casa mostrasse o melhor de sua prataria. Esta tradição está claramente refletida na natureza morta do túmulo de Vestório Prisco em Pompéia.

No centro da composição está um recipiente para misturar vinho e água, a personificação do deus da fertilidade Dionísio-Liber. Em ambos os lados da mesa dourada há jarras, conchas e chifres de vinho colocados simetricamente.

No entanto, a natureza morta não é apenas frutas, vegetais e flores, mas também... um crânio humano, projetado para refletir a transitoriedade vida humana. Foi exatamente assim que a natureza morta foi imaginada pelos adeptos do gênero “Vanitas”, representantes da fase inicial do desenvolvimento da natureza morta.

Um exemplo notável é uma natureza morta alegórica de um artista holandês Willem Claes Heda, onde um cachimbo é representado ao lado da caveira - um símbolo da indefinição dos prazeres terrenos, um vaso de vidro - um reflexo da fragilidade da vida, chaves - um símbolo do poder de uma dona de casa administrando os suprimentos. A faca simboliza a vulnerabilidade da vida, e o braseiro, em que as brasas mal brilham, significa a sua extinção.

Vaidade. Vanitas, 1628, Willem Claes Heda.

Willem Heda é justamente chamado "mestre do café da manhã" Com a ajuda de uma interessante disposição de alimentos, pratos e utensílios de cozinha, o artista transmitiu com surpreendente precisão o clima das pinturas. E sua habilidade em representar reflexos de luz nas superfícies perfeitamente lisas de tigelas de prata e taças de vidro surpreendeu até mesmo os eminentes contemporâneos do artista.

É incrível como Kheda conseguiu transmitir com precisão e delicadeza cada pequeno detalhe: o jogo da luz, as características da forma, as cores dos objetos. Todas as pinturas do holandês contêm mistério, poesia e sincera admiração pelo mundo dos objetos.

Naturezas mortas de artistas famosos

A natureza morta era muitas vezes fascinada artista famoso. É sobre os mestres do pincel e seus trabalhos incríveis que contarei mais adiante.

Pablo Picasso é o artista mais caro do mundo

Único e inimitável - assim chamam o destacado artista espanhol do século XX. Pablo Picasso. Cada obra do autor é um conjunto de design original e genialidade.

Natureza morta com buquê de flores, 1908

Natureza morta com lâmpadas, 1908

Além do tradicionalmente perfeito, realista, cheio de luz e cores brilhantes, ou naturezas mortas sombrias executadas em tons cinza-azulados, Picasso gostava de cubismo. O artista organizou objetos ou personagens de suas pinturas em pequenas formas geométricas.

E embora os críticos de arte não reconhecessem o cubismo de Picasso, agora as suas obras estão vendendo bem e são propriedade dos colecionadores mais ricos do mundo.

Guitarra e partituras, 1918

Excêntrico Vincent Van Gogh

Junto com a famosa Noite Estrelada, a série de pinturas com girassóis tornou-se um símbolo único da obra de Van Gogh. O artista planejou decorar sua casa em Arles com girassóis para a chegada de seu amigo Paul Gauguin.

“O céu está de um azul encantador. Os raios do sol são amarelo pálido. Esta é uma combinação suave e mágica de tons de azul celeste e amarelo das pinturas de Vermeer de Delft... Não consigo pintar algo tão bonito...”- Van Gogh disse condenadamente. Talvez seja por isso que o artista pintou girassóis inúmeras vezes.

Vaso com 12 girassóis, 1889

O amor infeliz, a pobreza e a falta de aceitação de seu trabalho levam o artista a atos malucos e prejudicam significativamente sua saúde. Mas sobre pintura artista talentoso escreveu persistentemente: “Mesmo que eu caia noventa e nove vezes, ainda assim me levantarei pela centésima vez.”

Natureza morta com papoilas e margaridas vermelhas. Auvers, junho de 1890.

Íris. Saint-Rémy, maio de 1890

Naturezas-mortas abrangentes de Paul Cézanne

“Quero devolver a eternidade à natureza”- gostava de repetir o grande artista francês Paul Cezanne. O artista retratou não o jogo aleatório de luz e sombra, que não mudou, mas as características constantes dos objetos.

Tentando mostrar os objetos de todos os lados, ele os descreve de tal forma que o espectador admira a natureza morta, como se fosse de ângulos diferentes. Vemos a mesa de cima, a toalha de mesa e as frutas de lado, a caixa na mesa de baixo e o jarro de lados diferentes ao mesmo tempo.

Pêssegos e peras, 1895

Natureza morta com cerejas e pêssegos, 1883-1887.

Naturezas-mortas de artistas contemporâneos

A paleta de cores e uma grande variedade de tons permitem que os mestres da natureza morta de hoje alcancem realismo e beleza incríveis. Você quer admirar as pinturas impressionantes de contemporâneos talentosos?

Britânico Cecil Kennedy

É impossível tirar os olhos das pinturas deste artista - suas forbes são tão encantadoras! Mmmm... Acho que já posso sentir o cheiro dessas flores incrivelmente lindas. E você?

Cecil Kennedy é legitimamente considerado o artista britânico mais destacado do nosso tempo. Vencedor de vários prêmios de prestígio e favorito de muitos “ poderoso do mundo isso”, Kennedy, no entanto, só se tornou famoso quando já tinha bem mais de 40 anos.

Artista belga Julian Stappers

As informações sobre a vida do artista belga Julian Stappers são escassas, o que não se pode dizer das suas pinturas. As alegres naturezas-mortas do artista estão nas coleções das pessoas mais ricas do mundo.

Gregório Van Raalte

Artista americano contemporâneo Gregory Van Raalte Atenção especial presta atenção ao jogo de luz e sombra. O artista está convencido de que a luz não deve incidir diretamente, mas através da floresta, das folhas das árvores, das pétalas das flores ou ser refletida na superfície da água.

O talentoso artista mora em Nova York. Ele gosta de pintar naturezas mortas na técnica de aquarela.

Artista iraniano Ali Akbar Sadeghi

Ali Akbar Sadeghi é um dos artistas iranianos de maior sucesso. Em suas obras, ele combina habilmente composições de pinturas tradicionais iranianas, mitos culturais persas com iconografia e arte dos vitrais.

Naturezas-mortas de artistas ucranianos contemporâneos

O que quer que você diga, os mestres ucranianos têm sua própria visão única da natureza morta de Sua Majestade. E agora vou provar isso para você.

Sergei Shapovalov

As pinturas de Sergei Shapovalov estão cheias de raios de sol. Cada uma de suas obras-primas está repleta de luz, bondade e amor por terra Nativa. O artista nasceu na aldeia de Ingulo-Kamenka, distrito de Novgorodkovsky, região de Kirovograd.

Sergei Shapovalov é um Artista Homenageado da Ucrânia, membro da União Nacional dos Artistas.

Igor Derkachev

O artista ucraniano Igor Derkachev nasceu em 1945 em Dnepropetrovsk, onde ainda vive. Visitado por vinte e cinco anos estúdio de arte Casa da Cultura para Estudantes que leva seu nome. Yu. Gagarin, primeiro como aluno e depois como professor.

As pinturas do artista são permeadas de calor, amor pelas tradições nativas e dádivas da natureza. Este calor especial é transmitido através das pinturas do autor a todos os fãs de sua obra.

Victor Dovbenko

Segundo o autor, suas naturezas mortas são um espelho de seus próprios sentimentos e humores. Em buquês de rosas, em flores espalhadas, ásteres e dálias, em fotos florestais “perfumadas” - um aroma único de verão e presentes inestimáveis ​​​​da rica natureza da Ucrânia.

Introdução………………………………………………………………………….5

Capítulo 1. Referência histórica gênero “natureza morta”…………………………....6

1.1. História do desenvolvimento da natureza morta……………………………………………………6

1.2. Natureza morta como gênero de pintura………………………………...12

Capítulo 2. Características, formas e meios do gênero escolhido……………………..14

2.1. Características do gênero selecionado…………………………..14

2.2. Objetos retratados em natureza morta……………………………….16

2.3. Recursos de composição natureza morta………………………….18

2.4.Cor na pintura……………………………………………………..20

Capítulo 3. Descrição da técnica escolhida para redação da produção…………..24

3.1 História dos pastéis…………………………………………………………..24

3.2 Técnica de desenho pastel………………………………………….25

Capítulo 4. Trabalhando em uma natureza morta………………………………………………………………28

4.1. Progresso do trabalho…………………………………………………….28

Conclusão…………………………………………………………………………...29

Lista de literatura usada ……………………………………………...30

Aplicativo

Introdução

A principal tarefa da arte e da pintura é despertar o belo na pessoa, fazê-la pensar, sentir; a tarefa do artista é atrair a atenção do espectador, evocar nele um sentimento de pertencimento às experiências expressas na imagem, fazê-lo olhar para o mundo ao seu redor de uma nova maneira, para discernir uma essência extraordinária em objetos comuns. A arte da natureza morta tem sua própria e maravilhosa história. Uma natureza morta apresenta-nos o mundo que rodeia o artista, dá-nos a oportunidade de olhar para trás vários séculos, de ter empatia com o mestre pelos motivos que ele adora especialmente. Numa natureza morta, o artista tenta, por meios limitados, transmitir os objetos multicoloridos ao seu redor. ele, se esforça para refletir em cada golpe a pulsação da vida, seu humor, seu conhecimento do mundo ao seu redor. Durante muitos séculos, os artistas têm tentado usar as coisas ao seu redor para expressar sua compreensão do mundo, seus pensamentos e interesses, e cada criador tem sucesso à sua maneira, cada obra é individual. Em algumas naturezas-mortas predomina a realidade; em outras, prevalece o artesanato. Mais importantes são os princípios expressivos da pintura. Cada pintor tem sua própria compreensão do mundo.

Os principais requisitos para este trabalho do cursoé:

Conhecer as ilustrações de grandes artistas do passado;

Pesquisa composicional baseada em esboços;

Procure um centro composicional;

Construção construtiva de objetos de natureza morta;

Transferência de cor e material;

Criando expressividade emocional.

Capítulo 1. Antecedentes históricos do gênero “natureza morta”

1.1. História do desenvolvimento da natureza morta

“Natureza morta” é uma palavra francesa traduzida literalmente como “natureza morta”. Em holandês, a designação para este gênero soa como stilleven, ou seja, “ vida calma”, na opinião de muitos artistas e críticos de arte, esta é a expressão mais precisa da essência do gênero, mas tal é a força da tradição que “natureza morta” é um nome conhecido e enraizado. Ainda vida como gênero independente, surgiu na Flandres e na Holanda na virada dos séculos XVI e XVII, alcançando rapidamente uma perfeição extraordinária na transmissão da diversidade de objetos do mundo material. O processo de desenvolvimento de naturezas mortas ocorreu mais ou menos da mesma maneira em muitos países. Europa Ocidental. Os períodos de seu desenvolvimento tiveram seus próprios contexto histórico. Cada século apresentou seus próprios mestres da natureza morta. Suas obras incorporaram ideais artísticosépoca, a originalidade e expressividade dos meios plásticos inerentes a uma determinada época e a individualidade de cada pintor. A formação da natureza morta na Holanda foi marcada por duas etapas: na primeira, só poderia existir na forma de uma imagem mais ou menos independente no verso do plano pictórico do quadro, ou na forma de acessórios no verso; a parte frontal da imagem.

A próxima etapa no desenvolvimento do gênero natureza morta foram obras em que a natureza morta e os temas religiosos trocaram de lugar. A representação de objetos inanimados atuou como parte de um processo ativo e unificado de domínio abrangente de uma pessoa sobre o mundo real e sua compreensão artística.

Atingiu um florescimento poderoso na Flandres e entrou para a história com o nome de natureza morta flamenga. A era de seu apogeu foi associada a nomes grandes artistas Flandres, que entrou para a história das artes plásticas na Europa Ocidental: Frans Snyders e seu aluno Jan Veit. Outra escola poderosa de natureza morta é conhecida como “natureza morta holandesa”. Comunidade destinos históricos os povos da Holanda e da Flandres e a arte comum do passado, da qual ambas as escolas retiraram experiência artística, deram origem a muitos traços comuns na sua pintura. O tipo mais promissor e progressista de natureza morta holandesa foi o gênero de “café da manhã” que surgiu no Harlem.

No gênero da natureza morta (os autores dessas obras foram os pintores de Haarlem Voplem Claes Heda e Pieter Claes), eles criaram um tipo especial de versão democrática holandesa de “café da manhã”. Os “personagens” de suas naturezas-mortas eram poucos e, via de regra, de aparência muito modesta, utensílios domésticos de uso diário.

Uma conquista muito importante dos mestres do “café da manhã” de Haarlem foi a descoberta do papel do ambiente claro-ar e de um único tom de cor como principal meio de transmitir a rica variedade de qualidades texturais das coisas e, ao mesmo tempo, revelando a unidade do mundo objetivo.

A maior democratização do gênero natureza morta viu a disseminação do tipo “natureza morta de cozinha”, tanto na Flandres quanto na Holanda. Uma característica dessa variedade na representação de objetos era a grande atenção às características espaciais do ambiente. No final do século XVII, as tendências decorativas prevaleciam na natureza morta holandesa. Ao lado da natureza morta da Holanda e da Flandres, a natureza morta alemã do século XVII ocupa um lugar secundário. Os sucessos da pintura alemã de naturezas mortas do século XVII estão intimamente relacionados com a pintura moderna. Arte holandesa. Na natureza morta alemã do século XVII, duas direções coexistiam quase sem se tocar: naturalista e decorativa.

Ainda vida em Pintura italiana era incomparavelmente mais rico e puro-sangue que o alemão, embora não tenha alcançado nem o poder dos flamengos, nem a versatilidade e profundidade dos holandeses. Caravaggio deu um novo impulso poderoso ao desenvolvimento da natureza morta na Itália. Ele foi um dos primeiros grandes mestres que se voltou para o gênero da natureza morta pura e criou uma imagem monumental e plástica da “natureza morta”.

A natureza morta italiana do século XVII desenvolveu-se à sua maneira e acabou por adquirir uma série de qualidades que a distinguem de outras escolas nacionais.

A natureza morta espanhola é caracterizada por um rigor sublime e um significado especial na representação das coisas, o que se manifesta de forma especialmente clara na obra do mestre espanhol F. Zurbaran.

COM final do XVII século, as tendências decorativas da arte da corte triunfaram na natureza morta francesa. O auge da natureza morta francesa e da Europa Ocidental do século XVII foi obra de J.B.S. Chardin. Foi marcado pelo rigor e liberdade de composição, sutileza de soluções de cores. Prestamos um pouco mais de atenção ao romance de natureza morta. O romantismo não criou um conceito original e significativo de natureza morta. Os principais objetos da natureza morta romântica eram flores e troféus de caça.

No século XVII, o destino da natureza morta foi determinado pelos principais mestres da pintura, que trabalharam em vários gêneros e envolveram a natureza morta na luta visões estéticas e ideias artísticas. Por exemplo, o realista francês Gustav Courbet formulou novo conceito, definindo a relação direta da natureza morta com a natureza, devolvendo-lhe vitalidade, riqueza e profundidade.

Os impressionistas criaram sua composição de natureza morta transferindo para esse gênero o princípio do plein air, que desenvolveram no campo da paisagem. Reconhecendo apenas luz e ar na natureza morta, eles transformaram os objetos em simples portadores de reflexos luz-ar.

A nova ascensão das naturezas mortas esteve associada à atuação dos mestres do pós-impressionismo, para quem o mundo das coisas se tornou um dos principais temas característicos da obra de P. Cézanne e Van Gogh.

Desde o início do século 20, a natureza morta tornou-se uma espécie de laboratório criativo pintura. Na França, os mestres do fomismo A. Matisse e outros seguem o caminho da identificação intensificada das possibilidades emocionais, decorativas e expressivas da cor e da textura, e representantes do cubismo J. Braque, P. Picasso e outros, utilizando o artístico e analítico possibilidades inerentes às especificidades da natureza morta, esforçam-se para aprovar novas formas de transmitir espaço e forma. A natureza morta também atrai mestres de outros movimentos.

Na arte russa, a natureza morta apareceu no século XVII junto com o estabelecimento da pintura secular, refletindo o pathos educacional da época e o desejo de transmitir de forma verdadeira e precisa o mundo objetivo. A natureza detalhada e ilusória dessas naturezas-mortas deu razão para chamá-las de “iscas”. Desenvolvimento adicional A pintura russa de naturezas mortas por um tempo considerável foi de natureza episódica. Sua ascensão na primeira metade do século XIX, marcada por nomes como F. ​​P. Tolstoy, A. G. Venetsianov, I. T. Khrutsky, está associada ao desejo de ver a beleza no pequeno e no comum.

Na segunda metade do século XIX, a natureza morta começou a ganhar seu poder semântico, porém, a princípio apenas nos corredores da trama da composição de P. Fedotov, V. Petrov, V. Makovsky, V. Polenov e outros pintores de a tendência democrática. A natureza morta nas pinturas de gênero desse círculo de autores revelou e fortaleceu a orientação social de suas obras e caracterizou a época.

A solução independente de um esboço de natureza morta aumenta em virada do século 19 e séculos 20 nas obras de M. A. Vrubel e V. Borisov-Masutov. O apogeu da natureza morta russa ocorreu no início do século XX. A arte é caracterizada por pesquisas no campo da cor, da forma e da construção espacial. O desejo de expandir as possibilidades da linguagem visual incentiva os artistas a se voltarem para as tradições da antiga arte russa e popular, a cultura do Oriente, herança clássica West, às conquistas da pintura francesa moderna.

Os melhores exemplos deste período incluem as obras impressionistas de K. A. Korovin, I. E. Grabar; as obras dos artistas do “Mundo das Artes” A. Ya. Golovin e outros, retratando com precisão a natureza histórica e cotidiana das coisas; nitidamente decorativos P.V. Kuznetsov, N.N. Sapunov, S.Yu. Sudeikin, M.S Saryan e outros pintores do círculo Blue Roses, imbuídos da plenitude do ser pelos mestres do “Valete de Ouros” P.P. Konchalovsky, I. I. Mashkov, A. V. Kuprin, R. R. Falk, A. V. Lentulov e outros.

Nas décadas de 1920-1930, a natureza morta também incluía uma compreensão filosófica da modernidade nas obras de K. S. Petrov-Vodkin, intensificada em composição. Distinguem-se pela originalidade da cor e da construção em perspectiva. Os assuntos neles são escritos não de um ponto de vista, mas de vários. Esta técnica de construção do espaço ampliou os meios de representação do artista, ajudando a transmitir as formas e o volume dos objetos e facilitando uma exibição mais precisa de sua relação no plano. A natureza morta ocupou um lugar de destaque na obra de Yu I. Pimenov. O tema de suas naturezas mortas é dotado de grande expressividade emocional.

Enriquecido com novos temas, imagens e técnicas artísticas, a natureza morta russa no início do século 20 desenvolveu-se com uma rapidez incomum: em uma década e meia, percorreu um caminho difícil do impressionismo à criação de formas abstratas, desempenhando um papel importante no desenvolvimento da arte do nosso século. Nunca antes ele ocupou um lugar tão proeminente na história da pintura russa.

A natureza morta, por assim dizer, estava destinada a tornar-se para muitos artistas, e na verdade para a pintura russa do início do século XX, uma espécie de laboratório para a procura de uma nova linguagem pictórica. Mas, claro, não só a chamada linguagem formal da pintura mudou e em geral foi enriquecida à sua maneira, mas também o seu conteúdo, o seu método, os princípios do seu sistema figurativo.

Devemos à natureza morta desta época a extraordinária expansão de suas fronteiras como gênero visual. A personalidade humana daquela época difícil se revela nele de uma forma muito multifacetada. Nesta natureza morta, o espectador não só sente as especificidades deste ou daquele modo de vida, mas também aquelas características únicas que são inerentes a uma determinada individualidade. A essência profunda do fenômeno do mundo circundante é agora revelada de forma mais completa4.

O conceito de beleza na natureza morta tornou-se mais diversificado; o artista vê uma riqueza de formas e cores onde antes não havia encontrado nada de notável. O círculo de fenômenos retratados na natureza morta expandiu-se imensamente.

1.2. Natureza morta como gênero de pintura

Natureza morta (francês nature morte - “natureza morta”) é um gênero Artes visuais, que retrata objetos ao nosso redor que possuem uma conexão semântica entre si. Esse tipo de arte atrai pelas grandes possibilidades visuais, que contribuem para o desenvolvimento de habilidades composicionais e de construção de cores.

A natureza morta nos transmite certas imagens e símbolos do mundo que nos rodeia. Envolve-nos no mundo da comunicação entre objetos, proporcionando a oportunidade de estarmos no papel de interlocutor. Um verdadeiro artista organiza a oportunidade para o espectador ver o significado secreto dos objetos que nos rodeiam. Pré-selecionando e organizando certos atributos em uma composição específica que carrega uma tarefa semântica específica.

A natureza morta teve origem na Europa durante os séculos XVI-XVII, mas a sua pré-história surgiu muito antes. Em pé de igualdade com gênero cotidiano A natureza morta por muito tempo não conseguiu assumir uma posição de liderança na pintura. Visto que era considerado impossível transmitir ideias sociais básicas através deste tipo de pintura. Graças aos grandes mestres, o gênero foi reconhecido como perfeitamente capaz de transmitir diversas condições sociais, afetando assim diversas virtudes sociais. Com a ajuda de vários atributos, foi criada uma ou outra imagem que reflete o significado da ideia principal. Itens domésticos classificados status social, o estilo de vida de seu dono, significativo para transmitir imagens de camadas sociais.

Voltando-se para a cronologia da história da arte, pode-se acompanhar a sequência de ascensão e queda de um gênero tão único como a natureza morta.

“O surgimento da natureza morta como gênero independente de pintura ocorreu graças à criatividade dos holandeses e flamengos artistas XVII século. O século XVII na Europa foi marcado como o século do apogeu da natureza morta. Durante este período, todas as principais variedades de natureza morta foram criadas.

O desenvolvimento progressivo da natureza morta na pintura da Europa Ocidental do século XVII pode ser explicado em grande parte pelas peculiaridades da situação cultural e ideológica geral, em particular, pela extrema diluição e ao mesmo tempo pela personificação mútua de categorias como material e espiritual, individual e universal. A natureza morta afirmou artisticamente a mais concreta de todas as especificidades deste mundo - uma coisa, produto de uma atividade humana muito concreta, ao mesmo tempo, essas coisas terrenas feitas pelo homem eram dotadas de um significado alegórico, emblemático, percebido como sinais de valores imateriais e espirituais, como reflexão personificada sobre o sentido da vida humana. Uma coisa, tendo perdido seu significado alegórico, deixa de ser objeto de grande arte. O gênero de natureza morta está gradualmente se tornando obsoleto.

Seu renascimento ocorreu no final do século XIX - início do século XX. Graças ao seu enredo e, até certo ponto, à esterilidade semântica, a natureza morta nestas décadas turbulentas para o desenvolvimento da arte revela-se especialmente conveniente para a experimentação criativa. Uma das mais conservadoras, do ponto de vista da iconografia, uma das mais consagradas em termos composicionais, a natureza morta permitiu aos artistas realizar as mais ousadas, por vezes chegando ao paradoxo, violações das leis do gênero, ao mesmo tempo permanecendo ao mesmo tempo dentro de seus limites. A maioria dos experimentos nesta área teve como tarefa a trama mais completa e a desmaterialização figurativa das coisas.

As coisas parecem ultrapassar seus limites, perder seu significado e deixar de ser iguais a si mesmas. Eles ou se dissolvem em luz e cor, se dispersam na radiação de energias, ou se condensam em coágulos de matéria, formando combinações dos volumes mais simples, ou se espalham em muitos fragmentos - e de todo esse novo extramaterial ou, inversamente, supermaterial as coisas são criadas na tela. Tal como nas pinturas do século XVII, têm um significado alegórico, mas, ao contrário das naturezas-mortas clássicas, o papel dos elementos primários nestes criptogramas pictóricos é desempenhado não tanto pelos próprios objectos, mas pelas suas características individuais, pelas suas qualidades. que estão saturados com maior tensão semântica.

Nos primeiros anos do século XX, houve não apenas uma indefinição das fronteiras das coisas dentro da natureza morta, mas também uma indefinição significativa das fronteiras do próprio gênero. Nas telas abertas de Matisse, os objetos que compõem uma natureza morta, permeada pelos ritmos orgânicos da natureza, fundem-se com a paisagem ou transformam-se eles próprios em paisagem, superando a barreira entre o mundo dos vivos e o mundo dos inanimados. Nas paisagens cubistas construídas por Picasso, a própria natureza é objetivada, adquirindo as características de ser feita, como uma coisa, a paisagem é comparada a uma natureza morta.” .

“A natureza morta também ocupou um lugar de destaque na obra dos artistas impressionistas franceses (Manet, Cézanne, Monet, etc.). Eles procuraram incorporar o primeiro novas impressões pelo que ele viu. Suas naturezas mortas, assim como a pintura impressionista em geral, caracterizam-se por: harmonia de cores puras percebidas diretamente na natureza, naturalidade e simplicidade vital de composição.

Um de os melhores mestres a natureza morta era famosa Artista francês Chardin, que conseguiu penetrar vida íntima as coisas mais corriqueiras, para aproximá-las do espectador, e isso é em grande parte facilitado pelo colorido esmaecido de suas pinturas, profundamente pensadas e provenientes da observação da vida, da simplicidade e da naturalidade na disposição dos objetos.

Nas naturezas-mortas de Chardin não há esquemas rígidos desenvolvidos pela escola holandesa, nem monotonia na técnicas composicionais, escolha de objetos, paleta de cores.” .

Na Rússia, a natureza morta, como gênero independente de pintura, apareceu em início do XVIII século. A ideia foi inicialmente associada à imagem das dádivas da terra e do mar, ao mundo diverso das coisas que rodeiam o homem. Até final do século XIX natureza morta do século, em oposição ao retrato e pintura histórica, foi considerado um gênero “inferior”. Ele existiu principalmente como produção de treinamento e foi permitido apenas em um sentido limitado como pintura de flores e frutos.

O início do século XX foi marcado pelo apogeu da pintura russa de naturezas mortas, que pela primeira vez ganhou igualdade entre outros gêneros. O desejo dos artistas de ampliar as possibilidades da linguagem visual foi acompanhado de buscas ativas no campo da cor, da forma e da composição. Tudo isso se manifestou de maneira especialmente clara na natureza morta. Enriquecida com novos temas, imagens e técnicas artísticas, a natureza morta russa desenvolveu-se com uma rapidez incomum: em uma década e meia, passou do impressionismo à criação de formas abstratas.

Nos anos 30-40 do século 20 este desenvolvimento parou, mas desde meados dos anos 50 a vida ainda tem experimentado Pintura soviética uma nova ascensão e, a partir de então, está finalmente e firmemente no mesmo nível de outros gêneros.

Nas artes plásticas, uma natureza morta (do francês natur morte - “natureza morta”) é geralmente chamada de imagem de objetos inanimados combinados em um único grupo composicional. Para muitos, a versão alemã ou inglesa da designação natureza morta e ainda leben (vida tranquila) é mais familiar. Em holandês, a designação deste gênero soa como stilleven, ou seja, “vida tranquila”, na opinião de muitos artistas e críticos de arte esta é a expressão mais precisa da essência do gênero, mas tal é a força da tradição que “natureza morta” é um nome bem conhecido e enraizado. Uma natureza morta pode ter um significado independente e ser parte integral composições Pintura de gênero. Uma natureza morta expressa a atitude de uma pessoa em relação ao mundo ao seu redor. Revela a compreensão da beleza inerente ao artista como homem de sua época.

A natureza morta como gênero independente surgiu na Flandres e na Holanda na virada dos séculos XVI e XVII, alcançando rapidamente uma perfeição extraordinária na transmissão da diversidade de objetos no mundo material. O processo de formação da natureza morta ocorreu mais ou menos da mesma forma em muitos países da Europa Ocidental. Mas se considerarmos a história da arte como um todo, então a primeira etapa no desenvolvimento da natureza morta remonta ao período Paleolítico. Existem duas técnicas principais usadas pelos artistas antigos: naturalismo e ornamentação. Então essas duas tendências começam a se aproximar e surge uma natureza morta “semiconsciente”, uma imagem de partes individuais de um objeto. Um objeto inteiro genuíno só pode ser encontrado em Idade do Bronze. Esta segunda fase no desenvolvimento da natureza morta atinge o seu auge na arte egípcia. Os objetos são sempre representados isolados uns dos outros. Pela primeira vez é introduzido o motivo floral, tema das plantas cortadas. Proporções correlativas aparecem em obras de arte do Egeu. Os objetos são representados em três quartos, dispostos em grupos. As tradições da pintura do Egeu continuaram em Cultura grega. Podemos julgar esse gênero de arte pelos vasos. Os objetos não ficam mais suspensos no ar, mas têm seus próprios “ lugar real"no espaço: um escudo encostado a uma árvore, um manto jogado sobre um galho - a chamada natureza morta “pendurada”. também em esquetes escolares Uma natureza morta “musical” é frequentemente retratada. Pode-se distinguir mais um tipo de natureza morta grega: “antiga”. Artistas criam imagens de oficinas: pedaços de estátuas, uma serra, um martelo, esboços. É quase impossível encontrar imagens de flores e animais em vasos gregos.

EM arte medieval como resultado da fragmentação da composição, da divisão da pintura em registros únicos, o objeto passa a ser um atributo, e não um objeto da imagem. O ornamento também continua a desempenhar um papel importante, especialmente usado ativamente em vitrais. catedrais católicas. A arte dura e intensamente ascética de Bizâncio, criando imagens imortais, monumentalmente generalizadas e sublimemente heróicas, usava imagens de objetos individuais com extraordinária expressividade.

Na pintura de ícones russos antigos, um grande papel também foi desempenhado pelos poucos objetos que o artista introduziu em suas obras estritamente canônicas. Eles trouxeram espontaneidade, vitalidade e às vezes pareciam uma expressão aberta de sentimento em uma obra dedicada a uma trama mitológica abstrata.

A natureza morta desempenhou um papel ainda maior nas pinturas artistas XV-XVI séculos durante o Renascimento. O pintor, que pela primeira vez prestou muita atenção ao mundo que o rodeava, procurou indicar o lugar e determinar o valor de cada coisa que serve ao homem. Os utensílios domésticos adquiriram a nobreza e o significado orgulhoso de seu dono, aquele a quem serviam. Nas grandes telas, a natureza morta costumava ocupar um lugar muito modesto: um vaso de vidro com água, um elegante vaso de prata ou delicados lírios brancos em hastes finas, muitas vezes amontoados no canto da imagem. Porém, na representação dessas coisas havia tanto amor poético pela natureza, seu significado era tão altamente espiritualizado que aqui já se podem ver todas as características que mais tarde determinaram o desenvolvimento independente de todo o gênero.

Objetos e elementos materiais ganharam um novo significado nas pinturas do século XVII - na era do gênero desenvolvido de natureza morta. Em composições complexas com enredo literário eles ocuparam seu lugar junto com outros heróis da obra. Analisando as obras dessa época, percebe-se o importante papel que a natureza morta passou a desempenhar na pintura. As coisas começaram a aparecer nessas obras como o principal personagens, mostrando o que um artista pode alcançar dedicando sua habilidade a esse tipo de arte.

Objetos feitos por mãos hábeis, trabalhadoras e sábias trazem a marca dos pensamentos, desejos e inclinações de uma pessoa. Eles o servem, deleitam-no e inspiram-lhe um legítimo sentimento de orgulho. Não é à toa que aprendemos sobre épocas que há muito desapareceram da face da terra a partir daqueles cacos de pratos, utensílios domésticos e objetos rituais que se tornam páginas dispersas da história humana para os arqueólogos.

Perscrutando o mundo que o rodeia, penetrando nas suas leis com uma mente curiosa, desvendando os fascinantes mistérios da vida, o artista reflecte-o de forma mais completa e abrangente na sua arte. Ele não apenas retrata o mundo ao seu redor, mas também transmite sua compreensão, sua atitude em relação à realidade.

A história da formação e desenvolvimento dos diversos gêneros de pintura é um testemunho vivo de um trabalho incansável consciência humana, esforçando-se por abraçar a infinita variedade de atividades e compreendê-las esteticamente. O gênero da natureza morta se manifestou de maneira especialmente clara em Pintura holandesa proto-renascentista. Ainda faz parte do interior, mas o amor dos artistas pelos detalhes cria pequenas naturezas mortas incríveis: pratos, uma mesa de trabalho, sapatos no chão. Tudo isso é retratado com o mesmo amor que as figuras de pessoas e santos. Na Itália, a natureza morta aparece no cenário. Posteriormente, o objeto recebe uma espécie de atividade independente e torna-se participante da ação. Desde o proto-Renascimento, o mundo objectivo tornou-se cada vez mais realista, por vezes até quase tangível. Deixa de ser um adereço, mas passa a ser cotidiano. No século XVI, artistas do Renascimento do Norte começaram a expor objetos e a arrancar suas capas (por exemplo, peles de animais).

A natureza morta é um gênero relativamente jovem. Significado independente na Europa recebeu apenas no século XVII. A história do desenvolvimento da natureza morta é interessante e instrutiva. A natureza morta floresceu de forma especialmente plena e brilhante na Flandres e na Holanda. A natureza morta é finalmente estabelecida como um gênero independente de pintura. O seu surgimento está ligado aos acontecimentos históricos revolucionários, pelos quais estes países, tendo conquistado a independência, entraram no caminho do desenvolvimento burguês no início do século XVII. Para a Europa daquela época, este era um fenómeno importante e progressivo. Novos horizontes se abriram para a arte. As condições históricas e as novas relações sociais direcionaram e determinaram solicitações criativas e mudanças na resolução dos problemas enfrentados pelo pintor. Sem retratar diretamente os acontecimentos históricos, os artistas lançaram um novo olhar sobre o mundo e encontraram novos valores no homem. A vida, a vida cotidiana, apareceu diante deles com um significado e uma plenitude até então desconhecidos. Eles foram atraídos pelas peculiaridades da vida nacional, natureza nativa, coisas que trazem a marca das obras e dos dias das pessoas comuns. Foi a partir daqui, de um interesse consciente e profundo pela vida das pessoas, motivado pelo próprio sistema, que surgiram gêneros separados e independentes de pintura cotidiana, paisagem e natureza morta.

A arte da natureza morta, que se desenvolveu no século XVII, determinou as principais qualidades deste gênero. A pintura, dedicada ao mundo das coisas, falava das propriedades básicas inerentes aos objetos que rodeiam uma pessoa, revelava a atitude do artista e do seu contemporâneo perante o que é retratado e expressava a natureza e a plenitude do conhecimento da realidade. O pintor transmitiu a existência material das coisas, seu volume, peso, textura, cor, valor funcional dos utensílios domésticos, sua ligação viva com a atividade humana. A beleza e a perfeição dos utensílios domésticos eram determinadas não apenas pela sua necessidade, mas também pela habilidade do seu criador. A natureza morta da era revolucionária da burguesia vitoriosa refletia o respeito do artista pelas novas formas de vida nacional dos seus compatriotas e o respeito pelo trabalho.

Formuladas no século XVII, as tarefas do gênero em linhas gerais existia em escola europeia até meados do século XIX século. No entanto, isso não significa que os artistas não se proponham novas tarefas, repetindo mecanicamente soluções já prontas.

Ao longo das épocas, não só os métodos e métodos de pintar uma natureza morta mudaram, mas a experiência artística acumulou-se e, no processo de formação, desenvolveu-se uma visão de mundo mais complexa e constantemente enriquecedora.

Nas artes plásticas, o termo "natureza morta" refere-se a um gênero específico de pintura que envolve a disposição livre de objetos da vida cotidiana sobre uma mesa:

• flores cortadas, especialmente rosas,
• utensílios de cozinha,
• coisas de casa,
• frutas, legumes, frutas,
• produtos alimentícios,
• peixe,
• comida cozida.

O termo é uma tradução direta da palavra holandesa "Stilleven", usada desde 1656 para descrever o gênero da pintura. Anteriormente, tais pinturas eram chamadas simplesmente de “Fruta”, “Flor”, “Rosas”, “Café da Manhã”, “Banquete” ou pronk (ostentação).

Na época barroca, as imagens alegóricas com conotações religiosas receberam a designação Vanitas (“vaidade”). Um atributo obrigatório e principal destaque nas pinturas era a caveira.

Tipos

Convencionalmente, as naturezas mortas são divididas em quatro grupos principais, incluindo:

• floral;
• pequenos-almoços ou banquetes;
• emocional;
• simbólico.

Alguns trabalhos são feitos para demonstrar o virtuosismo técnico do desenho e a habilidade do artista, ou para demonstrar emoção.

• emocional;
• luxuoso;
• telas de ilusão.

Famosas pinturas de naturezas mortas continham mensagens simbólicas complexas expressas no tipo de objetos. Ao estudar a composição de uma natureza morta, cada elemento exibido era um símbolo e contribuía com um certo significado para a imagem. Como resultado, o gênero natureza morta, assim como a paisagem, geralmente não contém formas humanas, mas é capaz de transmitir uma mensagem política, moral ou espiritual. Embora os defensores das belas-artes acadêmicas considerem a natureza morta o mais simples entre os cinco gêneros principais.

Caricatura na pintura

As pinturas simbólicas são uma categoria ampla de qualquer tipo de natureza morta com óbvia natureza religiosa. Um exemplo específico de tal simbolismo é a pintura Vanitas que floresceu entre 1620 e 1650 e continha imagens simbólicas de caveiras velas rosas ampulhetas cartas de jogar, borboletas e outros objetos que devem lembrar ao espectador a transitoriedade e a trivialidade da vida terrena. Imagens simbólicas nas pinturas há outras abertamente religiosas - pão, vinho, água e outros.

Principais características das telas

A magia das naturezas mortas é a capacidade de mostrar sua própria percepção itens comuns em volta de nós. A disposição específica e a representação de objetos usando tinta, tinta, pastéis ou qualquer outro meio conferem aos objetos um significado totalmente novo.

Os objetos escolhidos para as pinturas têm um significado especial a nível pessoal, cultural, social, religioso ou filosófico. Os temas que envolvem as obras de arte provocam introspecção e reflexão sobre o estado de espírito do espectador. Portanto, os objetos retratados evocam uma ampla gama de emoções, dependendo do posicionamento, da escolha da cor e da iluminação.

Alegoria como gênero na pintura

O tema das pinturas de naturezas mortas é determinado pelos objetos representados. O estudo do simbolismo permite compreender o significado da pintura.
emoções e eventos, que se baseia nas qualidades materiais de cor ou textura. Os temas são elegantemente entrelaçados na representação de belos objetos, mas nem todos são capazes de ver o significado de uma obra.

História

A representação da comida era praticada em mundo antigo, mas foi revivido na história da arte como gênero independente no século XVI. Independentemente da formação do nome do gênero, a natureza morta desenvolveu-se ativamente no norte da Europa - na Holanda e na Flandres entre artistas do final Renascença do Norte. Escolas de pintura de natureza morta surgiram em Nápoles, Espanha e França.

Historicamente, as naturezas mortas foram imbuídas de significado religioso e mitológico.
No século 16, a sociedade estava mudando. A ciência e o mundo natural começaram a substituir a religião nas pinturas.
Em meados do século XIX, o mundo natural e as rosas saíram de moda. Nas obras dos pintores surgiu o interesse em estudar nosso mundo interior, humor e emoções.

No século 20, as naturezas mortas se dissolveram em geometria. No final do milênio, os objetos em pinturas passaram a fazer parte dos movimentos Pop Art e Fotorrealismo. As pinturas hoje incluem uma gama ilimitada de objetos modernos, desde um mictório até latas de cerveja vazias.

Pintura religiosa

Natureza morta da Renascença do Norte e do realismo holandês após 1517

A rica sociedade burguesa dos Países Baixos é caracterizada por uma exibição materialista de consumo conspícuo. Mas foi na pintura da Europa Ocidental que o simbolismo cristão esotérico e a sua Lingua dificil durante a Idade Média e o Renascimento.

A natureza morta começou a ser chamada de “natureza morta ou natureza”, e as pinturas enfatizavam conotações simbólicas inanimadas. O simbolismo desenvolveu-se no maneirismo abstrato e metafísico da Itália e da Espanha no século XVII:

Tromple ou trompe l'oeil

No século 18

Na pintura francesa, J. B. Chardin (1699-1779) foi um mestre em muitos tipos de natureza morta, desde modestos objetos de cozinha até alegorias únicas e transmissão poética de emoções pelo simples arranjo de frutas e rosas. Suas obras se distinguem pelo realismo devido ao jogo de cores e à representação artística da iluminação.

Anna Coster (1744-1818) foi uma seguidora de Chardin. Seu trabalho é muitas vezes confundido com o do mestre. Mas as composições de Koster são mais delicadas e reproduzem objetos muito estranhos.
Coleções extravagantes de corais e conchas em uma prateleira de pedra surpreendem com precisão quase fotográfica.

No século 19

Até meados do século XIX, a natureza morta era considerada um gênero inferior, com potencial limitado para a expressão do tema. A filosofia do realismo e da pintura pura de Courbet (1819-1877) era considerada um meio independente de forma, cor e pintura. Os pintores ignoraram a atitude zombeteira em relação ao gênero.

Pintura mitológica

A revolução na pintura liderada por Manet, Renoir (1841-1919), Cézanne (1839-1906), C. Monet (1840-1926) e Van Gogh (1853-1890) encerrou para sempre o tema desta discussão. Os fãs reconheceram que a natureza morta é um gênero de arte eloqüente, poético e “nobre”.

No século 20

Os objetos inanimados na nova natureza morta expressam o mistério do mundo através da correspondência entre formas e espaço.

Todos admiravam o prato de ostras de Manet, os crânios e relógios de Cézanne ou o vaso de íris de Van Gogh como uma interpretação maravilhosa do mundo ao seu redor.

Cézanne pinta uma maçã como uma mulher ou uma montanha, enquanto J. Braque (1882-1963) retrata uma maçã como um conjunto de faces geométricas sobrepostas.

A transformação da forma e do conteúdo nos mais puros elementos de geometria, cor e simbolismo são visíveis nas composições de G. Chirico (1888-1976) e S. Dali (1904-1989) - este é o início do século XX século.

O misterioso J. Morandi (1890-1964) trouxe para a pintura um estilo próprio - plasticidade com paleta limitada, que lembra a pintura romana.

Pastoral na pintura

Pablo Picasso (1881-1973) explorou o gênero ao máximo, impressionando com formas inimagináveis ​​e uma ampla gama de permutações estilísticas.

A famosa arte pop de Andy Warhol transforma um objeto cotidiano em uma imagem colossal.
Os artistas do século 20 usaram a natureza morta como laboratório para descobrir novas técnicas e testar novas ideias conceituais. Fizeram-no em formatos representacionais e abstratos, expandindo-se para outros géneros, misturando pintura com escultura, colagem, fotografia, vídeo e hologramas, em obras que são classificadas como naturezas-mortas. Você pode ver diferenças nas pinturas hoje.