Gershenzon-Chegodaeva N. M.
R. Klimov
As primeiras manifestações da arte renascentista na Holanda datam do início do século XV.
Mestres holandeses (na verdade flamengos) no século XIV. gozaram de grande fama na Europa Ocidental e muitos deles desempenharam um papel importante no desenvolvimento da arte em outros países (especialmente na França). No entanto, quase todos eles não saem da corrente principal da arte medieval. Além disso, a abordagem é menos perceptível nova era na pintura. Artistas (por exemplo, Melchior Bruderlam, c. 1360-depois de 1409) em Melhor cenário possível Multiplicam em suas obras a quantidade de detalhes observados na natureza, mas seu encordoamento mecânico em nada contribui para o realismo do todo.
A escultura refletia vislumbres da nova consciência com muito mais clareza. No final do século XIV. Klaus Sluter (d. c. 1406) fez as primeiras tentativas de quebrar os cânones tradicionais. As estátuas do duque Filipe, o Ousado e sua esposa, no portal do túmulo dos duques da Borgonha no mosteiro de Chanmol, em Dijon (1391-1397), distinguem-se pela credibilidade incondicional do retrato. A sua colocação nas laterais do portal, em frente à estátua da Mãe de Deus, situada ao centro, atesta o desejo do escultor de unir todas as figuras e criar a partir delas alguma aparência de cena de antecipação. No pátio do mesmo mosteiro, Sluter, juntamente com o seu sobrinho e aluno Claus de Verve (c. 1380-1439), criou a composição “Gólgota” (1395-1406), cujo pedestal chegou até nós, decorado com estátuas (o chamado Poço dos Profetas), distingue-se pela força das suas formas e pelo dramatismo da ideia. A estátua de Moisés, que faz parte desta obra, pode ser considerada uma das conquistas mais significativas Escultura europeia do seu tempo. Entre as obras de Sluyter e de Verves, destacam-se também as figuras dos enlutados pelo túmulo de Filipe, o Ousado (1384-1411; Dijon. Museu, e Paris, Musée de Cluny), que se caracterizam por uma expressividade acentuada e aumentada em transmitir emoções.
E, no entanto, nem Klaus Sluger nem Klaus de Verve podem ser considerados os fundadores do Renascimento Holandês. Algum exagero de expressão, excessiva literalidade nas decisões retratísticas e muito fraca individualização da imagem fazem-nos vê-los mais como antecessores do que pioneiros de uma nova arte. De qualquer forma, o desenvolvimento das tendências renascentistas na Holanda ocorreu de outras maneiras. Esses caminhos foram delineados em pinturas holandesas em miniatura do início do século XV.
Miniaturistas holandeses nos séculos XIII-XIV. gozou da maior popularidade; muitos deles viajaram para fora do país e tiveram uma influência muito forte nos mestres, por exemplo, na França. E foi precisamente no domínio das miniaturas que foi criado um monumento de importância crucial - o chamado Livro das Horas Turim-Milão.
Sabe-se que o seu cliente foi Jean, Duque de Berry, e que as obras começaram pouco depois de 1400. Mas ainda não concluído, este Livro de Horas mudou de dono e os trabalhos arrastaram-se até à segunda metade do século XV. . Em 1904, durante o incêndio da Biblioteca Nacional de Turim, a maior parte dela pegou fogo.
Em termos de perfeição artística e do seu significado para a arte holandesa, um conjunto de folhas, criado, aparentemente, na década de 20, destaca-se entre as miniaturas do Livro das Horas. Século 15 Seu autor se chamava Hubert e Jan van Eyck ou convencionalmente chamado de Mestre Chefe do Livro de Horas.
Essas miniaturas são inesperadamente reais. O mestre retrata colinas verdes com garotas caminhando, uma praia com ondas brancas, cidades distantes e uma cavalgada de cavaleiros elegantes. As nuvens flutuam no céu em bandos; os castelos refletem-se nas águas tranquilas do rio, um serviço religioso é realizado sob os arcos luminosos da igreja, as pessoas estão ocupadas na sala ao redor do recém-nascido. O objetivo do artista é transmitir a beleza infinita, viva e onipresente da Terra. Mas, ao mesmo tempo, ele não tenta subordinar a imagem do mundo a um conceito ideológico estrito, como fizeram os seus contemporâneos italianos. Não se limita a recriar uma cena específica do enredo. As pessoas nas suas composições não recebem um papel dominante e não estão separadas do ambiente paisagístico, que é sempre apresentado com observação atenta. No Batismo, por exemplo, os personagens são retratados em primeiro plano, mas o espectador percebe a cena em sua unidade paisagística: um vale fluvial com castelo, árvores e pequenas figuras de Cristo e João. Todas as tonalidades de cores são marcadas por uma rara fidelidade à natureza da época e, pela sua leveza, essas miniaturas podem ser consideradas um fenômeno excepcional.
É muito típico das miniaturas do Livro das Horas Turim-Milão (e mais amplamente da pintura dos anos 20 do século XV) que o artista preste atenção não tanto à organização harmoniosa e razoável do mundo, mas à sua extensão espacial natural. Essencialmente, aqui se manifestam características de uma visão de mundo artística que são bastante específicas e não têm análogos no mundo moderno. Arte europeia.
Para o pintor italiano do início do século XV, a gigantesca figura humana parecia lançar a sua sombra sobre tudo, subjugando tudo. Por sua vez, o espaço era tratado com racionalidade enfática: tinha limites claramente definidos, todas as três dimensões estavam claramente expressas nele e servia como ambiente ideal para figuras humanas. O holandês não está inclinado a ver as pessoas como o centro do universo. Para ele, o homem é apenas uma parte do universo, talvez o mais valioso, mas não existe fora do todo. A paisagem em suas obras nunca se transforma em fundo e o espaço é desprovido de uma ordem calculada.
Esses princípios indicaram a formação de um novo tipo de visão de mundo. E não é por acaso que o seu desenvolvimento ultrapassou os estreitos limites das miniaturas e levou à renovação de toda a pintura holandesa e ao florescimento de uma versão especial da arte renascentista.
As primeiras pinturas, que, tal como as miniaturas do Livro das Horas de Turim, já podem ser classificadas como monumentos do início do Renascimento, foram criadas pelos irmãos Hubert e Jan van Eyck.
Ambos - Hubert (falecido em 1426) e Jan (c. 1390-1441) - desempenharam um papel decisivo na formação do Renascimento Holandês. Quase nada se sabe sobre Hubert. Jan era aparentemente um homem muito culto, estudou geometria, química, cartografia, e desempenhou algumas missões diplomáticas para o duque da Borgonha, Filipe, o Bom, a cujo serviço, aliás, decorreu a sua viagem a Portugal. Os primeiros passos do Renascimento na Holanda podem ser julgados pelas pinturas dos irmãos feitas na década de 20, e entre elas como “Mulheres Portadoras de Mirra na Tumba” (possivelmente parte de um políptico; Rotterdam, Museu Boijmans van Beuningen) , “Madonna na igreja” (Berlim), “St. Jerome" (Detroit, Instituto de Arte).
Na pintura “Madonna na Igreja”, de Jan van Eyck, observações de campo específicas ocupam uma quantidade extremamente grande de espaço. A arte europeia anterior não conhecia imagens tão vitais e naturais mundo real. O artista desenha cuidadosamente os detalhes escultóricos, não se esquece de acender velas perto da estátua de Nossa Senhora na barreira do altar, nota uma rachadura na parede e mostra os contornos tênues de um arcobotante do lado de fora da janela. O interior está repleto de luz dourada clara. A luz desliza pelas abóbadas da igreja, incide como raios de sol nas lajes e flui livremente pelas portas que lhe estão abertas.
No entanto, neste interior vitalmente convincente, o mestre coloca a figura de Maria, com a cabeça alcançando as janelas do segundo nível. II, no entanto, uma combinação tão pequena de figura e arquitetura não dá a impressão de implausibilidade, porque na pintura de van Eyck as relações e conexões que não dominam são exatamente as mesmas que na vida. A luz que o penetra é real, mas também confere à imagem características de iluminação sublime e confere às cores uma intensidade sonora sobrenatural. Não é por acaso que do manto azul de Maria e do seu vestido vermelho um eco de cores percorre toda a igreja - estas duas cores brilham na coroa de Maria, entrelaçam-se nos trajes dos anjos visíveis nas profundezas da igreja, iluminam-se sob o arcos e no crucifixo que coroa a barreira do altar, e depois se desintegram em pequenos brilhos no vitral mais distante da catedral.
Na arte holandesa dos anos 20. Século 15 a maior precisão na transmissão da natureza e dos objetos humanos é combinada com um elevado senso de beleza e, acima de tudo, com a cor e a sonoridade colorida de uma coisa real. A luminosidade da cor, a sua profunda emoção interior e uma espécie de pureza solene privam a obra dos anos 20. de qualquer tipo de rotina cotidiana - mesmo nos casos em que uma pessoa é retratada em um ambiente cotidiano.
Se a atividade do real começou nas obras da década de 1420. é um sinal comum da sua natureza renascentista, então a ênfase indispensável na iluminação milagrosa de todas as coisas terrenas testemunha a originalidade perfeita da Renascença na Holanda. Esta qualidade da pintura holandesa recebeu uma poderosa expressão sintética na obra central renascimento do norte- no famoso Retábulo de Gante dos irmãos van Eyck.
O Retábulo de Gante (Gante, Igreja de São Bavo) é uma estrutura grandiosa com várias partes (3.435 X 4.435). Quando fechada, é uma composição em dois níveis, sendo o nível inferior ocupado por imagens de estátuas de dois João - o Baptista e o Evangelista, em cada lado dos quais estão clientes ajoelhados - Iodocus Wade e Elizabeth Burlyut; a camada superior é dedicada à cena da Anunciação, que é coroada com figuras de sibilas e profetas, completando a composição.
Camada inferior graças à imagem pessoas reais e a naturalidade e tangibilidade das estátuas, mais do que a de cima, está ligada ao ambiente em que o espectador está inserido. O esquema de cores desta camada parece denso e pesado. Pelo contrário, “A Anunciação” parece mais distanciada, a sua cor é clara e o espaço não é fechado. O artista move os heróis – o anjo do evangelho e Maria oferecendo ações de graças – para as bordas do palco. E libera todo o espaço da sala e a enche de luz. Esta luz, ainda mais do que em “Madonna na Igreja”, tem uma natureza dupla - introduz o sublime, mas também poetiza o puro conforto do ambiente quotidiano comum. E como que para provar a unidade destes dois aspectos da vida - o universal, o sublime e o real, o quotidiano - os painéis centrais da Anunciação apresentam uma vista da perspectiva distante da cidade e uma imagem de um tocante detalhe do cotidiano. uso - um lavatório com uma toalha pendurada ao lado. O artista evita diligentemente as limitações do espaço. Luz, mesmo luminosa, continua fora da sala, atrás das janelas, e onde não há janela há um recesso ou nicho, e onde não há nicho, a luz incide como um raio de sol, repetindo finos caixilhos de janela na parede .
Arte Renascentista. Arte holandesa do século XV. Pintura.
Embora um número significativo de monumentos notáveis da arte holandesa dos séculos XV e XVI tenham chegado até nós, é necessário, ao considerar o seu desenvolvimento, ter em conta o facto de que muito pereceu tanto durante o movimento iconoclasta, que se manifestou em vários locais durante a revolução do século XVI, e posteriormente, nomeadamente devido à pouca atenção que lhes foi dada em épocas posteriores, até ao início do século XIX.
A ausência, na maioria dos casos, de assinaturas de artistas nas pinturas e a escassez de dados documentais exigiram esforços significativos por parte de muitos investigadores, a fim de restaurar o património de artistas individuais através de uma análise estilística cuidadosa. A principal fonte escrita é o “Livro dos Artistas” publicado em 1604 (tradução russa, 1940) pelo pintor Karel van Mander (1548-1606). Modeladas a partir das Vidas de Vasari, as biografias de Mander de artistas holandeses dos séculos XV e XVI contêm material extenso e valioso, cujo significado especial reside nas informações sobre monumentos diretamente conhecidos pelo autor.
No primeiro quartel do século XV, ocorreu uma revolução radical no desenvolvimento da pintura da Europa Ocidental - surgiu a pintura de cavalete. A tradição histórica conecta esta revolução com as atividades dos irmãos van Eyck - os fundadores Escola holandesa pintura. O trabalho de van Eycks foi em grande parte preparado pelas conquistas realistas dos mestres da geração anterior - o desenvolvimento da escultura gótica tardia e especialmente as atividades de toda uma galáxia de mestres flamengos de miniaturas de livros que trabalharam na França. No entanto, na arte requintada destes mestres, em particular dos irmãos Limburg, o realismo do detalhe é combinado com uma representação convencional do espaço e da figura humana. Sua obra completa o desenvolvimento do gótico e pertence a outra etapa do desenvolvimento histórico. A actividade destes artistas desenvolveu-se quase inteiramente em França, com excepção de Bruderlam. A arte criada no próprio território dos Países Baixos no final do século XIV e início do século XV era de carácter secundário e provinciano. Após a derrota da França em Agincourt em 1415 e a mudança de Filipe, o Bom, de Dijon para Flandres, a emigração de artistas cessou. Os artistas encontram inúmeros clientes, além da corte da Borgonha e da igreja, entre cidadãos abastados. Além de criar pinturas, eles pintam estátuas e relevos, pintam faixas, realizam diversos trabalhos decorativos e criam festivais. Com algumas exceções (Jan van Eyck), os artistas, assim como os artesãos, estavam unidos em guildas. As suas atividades, limitadas aos limites da cidade, contribuíram para a formação de escolas de arte locais, que, no entanto, eram menos isoladas devido às curtas distâncias do que na Itália.
Retábulo de Gante. A obra mais famosa e maior dos irmãos van Eyck, “A Adoração do Cordeiro” (Gante, Igreja de São Bavo) pertence às grandes obras-primas da arte mundial. Trata-se de um grande retábulo de dois níveis composto por 24 pinturas distintas, 4 das quais colocadas na parte central fixa e as restantes nas portas interior e exterior). Nível inferior dentro forma uma composição única, embora dividida pelas molduras das portas em 5 partes. No centro, num prado coberto de flores, ergue-se sobre uma colina um trono com um cordeiro, cujo sangue da ferida escorre para um cálice, simbolizando o sacrifício expiatório de Cristo; Um pouco mais abaixo, jorra a fonte da “fonte de água viva” (ou seja, fé cristã). Multidões de pessoas se reuniram para adorar o cordeiro - à direita estão os apóstolos ajoelhados, atrás deles estão os representantes da igreja, à esquerda estão os profetas e ao fundo estão os santos mártires emergindo dos bosques. Aqui também passam os eremitas e peregrinos representados nas portas laterais direitas, liderados pelo gigante Cristóvão. Nas alas esquerdas estão cavaleiros - defensores da fé cristã, indicados pelas inscrições “Guerreiros de Cristo” e “ Juízes justos" O conteúdo complexo da composição principal é extraído do Apocalipse e de outros textos bíblicos e evangélicos e está associado ao feriado religioso de Todos os Santos. Embora os elementos individuais remontem à iconografia medieval deste tema, eles não só são significativamente complicados e ampliados pela inclusão de imagens nas portas não previstas pela tradição, mas também transformadas pelo artista em imagens completamente novas, concretas e vivas. Em particular, a paisagem em que o espetáculo se desenrola merece especial atenção; Numerosas espécies de árvores e arbustos, flores, rochas cobertas de fissuras e o panorama distante que se desdobra ao fundo são transmitidos com incrível precisão. Diante do olhar atento do artista, como que pela primeira vez, revelou-se a deliciosa riqueza das formas da natureza, que ele transmitiu com atenção reverente. O interesse pela diversidade de aspectos é claramente expresso na rica variedade de rostos humanos. As mitras dos bispos decoradas com pedras, os ricos arreios dos cavalos e as armaduras brilhantes são transmitidos com incrível sutileza. Nos “guerreiros” e “juízes” o magnífico esplendor da corte e da cavalaria da Borgonha ganha vida. A composição unificada da camada inferior é contrastada pelas grandes figuras da camada superior colocadas em nichos. A solenidade estrita distingue as três figuras centrais - Deus Pai, a Virgem Maria e João Batista. Um nítido contraste com essas imagens majestosas é representado pelas figuras nuas de Adão e Eva, separadas delas por imagens de anjos cantando e tocando música. Apesar do caráter arcaico de sua aparência, o que chama a atenção é a compreensão dos artistas sobre a estrutura do corpo. Estas figuras atraíram a atenção de artistas do século XVI, por exemplo Dürer. As formas angulares de Adam contrastam com a redondeza do corpo feminino. A superfície do corpo e os pelos que o cobrem são retratados com muita atenção. Porém, os movimentos das figuras são restritos, as poses são instáveis.
De particular interesse é uma compreensão clara das mudanças resultantes de uma mudança de ponto de vista (baixa para os antepassados e alta para outras figuras).
O aspecto monocromático das portas exteriores pretende realçar a riqueza de cores e a festividade das portas abertas. O altar foi aberto apenas nos feriados. Na camada inferior encontram-se estátuas de João Batista (a quem a igreja foi originalmente dedicada) e de João Evangelista, imitando escultura em pedra, e as figuras ajoelhadas dos doadores Jodocus Feith e sua esposa destacam-se em relevo nos nichos sombreados. O surgimento de tais imagens pictóricas foi preparado pelo desenvolvimento da escultura de retratos. As figuras do Arcanjo e de Maria na cena da Anunciação, que se desdobra num único interior, embora separadas por caixilhos de portas, distinguem-se pela mesma plasticidade escultórica. A representação amorosa do mobiliário da casa de um burguês e a vista da rua da cidade pela janela chamam a atenção.
Uma inscrição em verso no altar afirma que ele foi iniciado por Hubert van Eyck, “o maior de todos”, completado por seu irmão, “o segundo na arte”, em nome de Jodocus Feith, e consagrado em 6 de maio de 1432. A indicação da participação de dois artistas implicou naturalmente inúmeras tentativas de distinguir a quota de participação de cada um deles. Porém, isso é extremamente difícil de fazer, pois a execução pictórica do altar é uniforme em todas as partes. A complexidade da tarefa é agravada pelo fato de que, embora tenhamos informações biográficas confiáveis sobre Jan e, o mais importante, tenhamos uma série de suas obras indiscutíveis, não sabemos quase nada sobre Hubert e não temos uma única obra documentada de sua autoria. . As tentativas de provar a falsificação da inscrição e de declarar Hubert uma “pessoa lendária” devem ser consideradas infundadas. A hipótese mais razoável parece ser a de que Jan utilizou e modificou as partes do altar iniciadas por Hubert, nomeadamente a “Adoração do Cordeiro”, e as figuras da camada superior que inicialmente não formavam com ele um único todo, com o exceção de Adão e Eva feitos inteiramente por Jan; A propriedade deste último de todas as portas exteriores nunca deu origem a debate.
Hubert van Eyck. A autoria de Hubert (?-1426) em relação a outras obras que lhe são atribuídas por diversos pesquisadores permanece controversa. Apenas uma pintura, “Três Marias no Túmulo de Cristo” (Rotterdam), pode ser deixada para trás sem muita hesitação. A paisagem e as figuras femininas nesta pintura estão extremamente próximas da parte mais arcaica do Retábulo de Gante (a metade inferior da pintura central da camada inferior), e a perspectiva peculiar do sarcófago é semelhante à representação em perspectiva da fonte na Adoração do Cordeiro. Não há dúvida, porém, que Jan também participou na execução da pintura, a quem devem ser atribuídas as restantes figuras. O mais expressivo deles é o guerreiro adormecido. Hubert, em comparação com Jan, aparece como um artista cuja obra ainda está ligada ao estágio anterior de desenvolvimento.
Jan van Eyck (c. 1390-1441). Jan van Eyck iniciou a sua actividade em Haia, na corte dos condes holandeses, e a partir de 1425 foi artista e cortesão de Filipe, o Bom, em cujo nome foi enviado como parte de uma embaixada em 1426 a Portugal e em 1428 para Espanha; a partir de 1430 estabeleceu-se em Bruges. O artista recebeu atenção especial do duque, que em um dos documentos o chamou de “sem paralelo na arte e no conhecimento”. Suas obras falam claramente da alta cultura do artista.
Vasari, provavelmente recorrendo a uma tradição anterior, detalha a invenção da pintura a óleo pelo “sofisticado em alquimia” Jan van Eyck. Sabemos, no entanto, que a linhaça e outros óleos secantes já eram conhecidos como aglutinantes no início da Idade Média (tratados de Heráclio e Teófilo, século X) e foram amplamente utilizados, segundo fontes escritas, no século XIV. No entanto, seu uso limitou-se a trabalhos decorativos, onde foram utilizados pela maior durabilidade dessas tintas em relação à têmpera, e não pelas suas propriedades ópticas. Assim, M. Bruderlam, cujo Retábulo de Dijon foi pintado em têmpera, usou óleo na pintura de estandartes. As pinturas de van Eycks e artistas holandeses relacionados do século XV diferem marcadamente das pinturas feitas na técnica tradicional de têmpera, com um brilho especial de cores e profundidade de tons, semelhante ao esmalte. A técnica de van Eyck baseou-se no uso consistente das propriedades ópticas das tintas a óleo, aplicadas em camadas transparentes sobre a base e fundo de giz altamente reflexivo, na introdução de resinas dissolvidas em óleos essenciais nas camadas superiores, bem como na uso de pigmentos de alta qualidade. A nova técnica, que surgiu em conexão direta com o desenvolvimento de novos métodos realistas de representação, ampliou significativamente as possibilidades de transmissão pictórica verdadeira de impressões visuais.
No início do século XX, num manuscrito conhecido como Livro das Horas Turim-Milão, foram descobertas uma série de miniaturas estilisticamente próximas do Retábulo de Gante, 7 das quais se destacam pela sua excepcional alta qualidade. Particularmente notável nessas miniaturas é a paisagem, transmitida com uma compreensão surpreendentemente sutil das relações entre luz e cor. Na miniatura “Oração à beira-mar”, representando um cavaleiro montado em um cavalo branco cercado por sua comitiva (quase idêntica aos cavalos na ala esquerda do Altar de Gante), agradecendo por uma travessia segura, o mar tempestuoso e o céu nublado são surpreendentemente transmitidos. Não menos marcante pela sua frescura é a paisagem fluvial com um castelo, iluminado sol da tarde(“São Julião e Marta”). O interior da sala do burguês na composição “A Natividade de João Batista” e a igreja gótica na “Missa Funeral” são transmitidos com incrível persuasão. Se as conquistas do artista inovador no campo da paisagem não encontram paralelo até o século XVII, então as figuras finas e leves ainda estão inteiramente associadas à antiga tradição gótica. Estas miniaturas datam aproximadamente de 1416-1417 e caracterizam assim a fase inicial da obra de Jan van Eyck.
A proximidade significativa com a última das miniaturas mencionadas dá razão para considerar uma das primeiras pinturas de Jan van Eyck como “Madonna na Igreja” (Berlim), na qual a luz que flui das janelas superiores é transmitida de forma surpreendente. Num tríptico em miniatura pintado um pouco mais tarde, com a imagem de Nossa Senhora ao centro, S. Michael com o cliente e St. Catherine nas portas interiores (Dresden), a impressão da nave da igreja penetrando profundamente no espaço atinge uma ilusão quase completa. O desejo de dar à imagem o carácter tangível de um objecto real é especialmente evidente nas figuras do Arcanjo e de Maria nas portas exteriores, imitando estatuetas em osso esculpido. Todos os detalhes da imagem são pintados com tanto cuidado que lembram joias. Esta impressão é ainda reforçada pelas cores cintilantes, cintilantes como pedras preciosas.
A leve graça do tríptico de Dresden se opõe à pesada magnificência da Madona do Cônego van der Paele. (1436, Bruges), com grandes figuras inseridas no espaço apertado de uma abside românica baixa. Os olhos não se cansam de admirar a vestimenta episcopal de São Pedro, incrivelmente pintada de azul e dourado. Donatiano, armadura preciosa e principalmente a cota de malha de São Pedro. Michael, com um magnífico tapete oriental. Com o mesmo cuidado com que faz os menores elos da cota de malha, o artista transmite as dobras e rugas do rosto flácido e cansado do velho cliente inteligente e bem-humorado - Canon van der Paele.
Uma das características da arte de van Eyck é que esse detalhe não obscurece o todo.
Em outra obra-prima criada um pouco antes, “A Madona do Chanceler Rolin” (Paris, Louvre), é dado um significado especial à paisagem, cuja vista se abre a partir de uma alta loggia. A cidade às margens do rio revela-se-nos em toda a diversidade da sua arquitectura, com figuras de pessoas nas ruas e praças, como que vistas através de uma luneta. Essa clareza muda visivelmente com a distância, as cores desbotam - o artista entende a perspectiva aérea. Com sua objetividade característica, são transmitidos os traços faciais e o olhar atento do Chanceler Rolin, um estadista frio, calculista e egoísta que liderou a política do Estado da Borgonha.
Um lugar especial entre as obras de Jan van Eyck pertence à pequena pintura “St. Barbara" (1437, Antuérpia), ou melhor, um desenho feito com o pincel mais fino sobre uma placa preparada. O santo é retratado sentado ao pé da torre da catedral em construção. Segundo a lenda, S. Bárbara foi aprisionada em uma torre, que se tornou seu atributo. Van Eyck, mantendo o significado simbólico da torre, conferiu-lhe um carácter real, tornando-a o elemento principal da paisagem arquitectónica. Exemplos semelhantes o entrelaçamento do simbólico e do real, tão característico do período de transição da cosmovisão teológico-escolástica para o pensamento realista, poderia ser bastante citado nas obras não apenas de Jan van Eyck, mas também de outros artistas do início do século XX. o século; Numerosos detalhes-imagens nos capitéis das colunas, decorações de móveis e vários utensílios domésticos, em muitos casos, têm um significado simbólico (por exemplo, na cena da Anunciação, um lavatório e uma toalha servem como símbolo da pureza virginal de Maria).
Jan van Eyck foi um dos grandes mestres do retrato. Não apenas seus antecessores, mas também os italianos de sua época aderiram ao esquema inalterado da imagem do perfil. Jan van Eyck vira o rosto para ¾ e ilumina fortemente; na modelagem facial, ele usa o claro-escuro em menor grau do que as relações tonais. Um de seus retratos mais marcantes retrata um jovem de rosto feio, mas atraente, com modéstia e espiritualidade, vestindo roupas vermelhas e um cocar verde. O nome grego "Timóteo" (provavelmente referindo-se ao nome do famoso músico grego), indicado na balaustrada de pedra junto com a assinatura e a data de 1432, serve de epíteto para o nome da pessoa retratada, aparentemente um dos principais músicos que estava a serviço do duque da Borgonha.
“Retrato de um Homem Desconhecido com Turbante Vermelho” (1433, Londres) destaca-se pela sua melhor execução pictórica e expressividade nítida. Pela primeira vez na história da arte mundial, o olhar da pessoa retratada fixa-se atentamente no espectador, como se estivesse em comunicação direta com ele. É uma suposição muito plausível que este seja um autorretrato do artista.
Um notável desenho preparatório a lápis de prata (Dresden), com notas coloridas, sobreviveu para o “Retrato do Cardeal Albergati” (Viena), aparentemente feito em 1431 durante a curta estada deste grande diplomata em Bruges. O retrato pictórico, aparentemente pintado muito mais tarde, na ausência de modelo, distingue-se por uma caracterização menos nítida, mas por um significado mais acentuado da personagem.
O último retrato do artista é o único retrato feminino de sua herança - “Retrato de uma Esposa” (1439, Bruges).
Um lugar especial não só na obra de Jan van Eyck, mas também em toda a arte holandesa dos séculos XV e XVI pertence ao “Retrato de Giovanni Arnolfini e sua esposa” (1434, Londres. Arnolfini é um representante proeminente do italiano colônia comercial em Bruges). As representações são apresentadas no ambiente íntimo de um aconchegante interior burguês, mas a estrita simetria da composição e dos gestos (a mão do homem levantada, como num juramento, e as mãos unidas do casal) conferem à cena um caráter distintamente solene. A artista ultrapassa os limites de uma imagem puramente retratística, transformando-a numa cena de casamento, numa espécie de apoteose da fidelidade conjugal, cujo símbolo é o cão retratado aos pés do casal. Não encontraremos tal retrato duplo no interior da arte europeia até que os “Mensageiros” de Holbein sejam pintados um século depois.
A arte de Jan van Eyck lançou as bases sobre as quais a arte holandesa se desenvolveu posteriormente. Nele, pela primeira vez, uma nova atitude perante a realidade encontrou a sua clara expressão. Foi o fenômeno mais avançado da vida artística de sua época.
Mestre flamengo. As bases da nova arte realista não foram lançadas apenas por Jan van Eyck. Ao mesmo tempo, trabalhou com ele o chamado mestre Flemal, cujo trabalho não só se desenvolveu independentemente da arte de van Eyck, mas, aparentemente, também teve certa influência nos primeiros trabalhos de Jan van Eyck. A maioria dos investigadores identifica este artista (nomeado a partir de três pinturas do Museu de Frankfurt, originárias da aldeia de Flémalle, perto de Liège, às quais se juntam uma série de outras obras anónimas por motivos estilísticos) com o mestre Robert Campin (c. 1378-1444). , mencionado em diversos documentos da cidade de Tournai.
Nas primeiras obras do artista, “Natividade” (c. 1420-1425, Dijon), revelam-se claramente ligações estreitas com miniaturas de Jacquemart de Esden (na composição, carácter geral da paisagem, coloração clara e prateada). Características arcaicas - fitas com inscrições nas mãos de anjos e mulheres, uma peculiar perspectiva “oblíqua” do dossel, característica da arte do século XIV, são aqui combinadas com novas observações (brilhantes tipos folclóricos de pastores).
No tríptico "Anunciação" (Nova York), um tema religioso tradicional se desdobra em um interior burguês detalhado e descrito com amor. Na porta direita há uma sala adjacente onde o velho carpinteiro Joseph faz ratoeiras; pela janela de treliça tem-se uma vista da praça da cidade. À esquerda, perto da porta que dá para a sala, estão as figuras ajoelhadas dos clientes - os Ingelbrechts. O espaço exíguo está quase inteiramente preenchido por figuras e objetos, retratados em nítida redução de perspectiva, como se de um ponto de vista muito alto e próximo. Isto confere à composição um caráter plano-decorativo, apesar do volume das figuras e objetos.
O conhecimento desta obra do mestre Flemal influenciou Jan van Eyck quando criou a “Anunciação” do Retábulo de Gante. A comparação dessas duas pinturas caracteriza claramente as características dos estágios anteriores e subsequentes da formação da nova arte realista. Na obra de Jan van Eyck, intimamente associado à corte da Borgonha, tal interpretação puramente burguesa da trama religiosa não recebe maior desenvolvimento; no mestre Flemal nos encontramos com ela mais de uma vez. “Madonna by the Fireplace” (c. 1435, São Petersburgo, Hermitage) é percebida como uma pintura puramente cotidiana; uma mãe carinhosa aquece a mão junto à lareira antes de tocar o corpo nu da criança. Assim como a Anunciação, a pintura é iluminada por uma luz forte e uniforme e tem uma coloração fria.
A nossa compreensão da obra deste mestre estaria, no entanto, longe de ser completa se fragmentos das suas duas principais obras não tivessem chegado até nós. Do tríptico “A Descida da Cruz” (sua composição é conhecida por uma antiga cópia em Liverpool), foi preservada a parte superior da ala direita com a figura de um ladrão amarrado a uma cruz com dois romanos parados ao lado. . Nesta imagem monumental, o artista manteve o tradicional fundo dourado. O corpo nu que nele se destaca é transmitido de uma forma nitidamente diferente daquela em que foi pintado o Adão do Retábulo de Gante. As figuras de “Madona” e “Santa. Veronica" (Frankfurt) - fragmentos de outro grande altar. A representação plástica das formas, como se enfatizasse a sua materialidade, combina-se aqui com a expressividade sutil dos rostos e gestos.
A única obra datada do artista é a veneziana, com a imagem à esquerda de Heinrich Werl, professor da Universidade de Colônia e João Batista, e à direita - São Pedro. Bárbara, sentada num banco junto à lareira e imersa na leitura (1438, Madrid), pertence ao período tardio da sua obra. Sala de S. Varvara lembra muito em vários detalhes os interiores já familiares do artista e ao mesmo tempo difere deles em uma representação do espaço muito mais convincente. O espelho redondo com figuras refletidas na asa esquerda foi emprestado de Jan van Eyck. Mais claramente, porém, tanto nesta obra como nas portas de Frankfurt podem-se perceber traços de proximidade com outro grande mestre da escola holandesa, Roger van der Weyden, que foi aluno de Kampen. Esta proximidade levou alguns estudiosos, que se opõem à identificação do mestre Flémalle com Campin, a argumentar que as obras que lhe são atribuídas são na verdade obras do período inicial de Roger. Este ponto de vista não parece, no entanto, convincente, e as características enfatizadas de proximidade são bastante explicáveis pela influência de um aluno particularmente talentoso sobre o seu professor.
Roger van der Weyden. Este é o maior, depois de Jan van Eyck, artista da escola holandesa (1399-1464). Documentos de arquivo contêm indícios de sua estada nos anos 1427-1432 na oficina de R. Campin em Tournai. A partir de 1435 Roger trabalhou em Bruxelas, onde ocupou o cargo de pintor urbano.
A sua obra mais famosa, criada na sua juventude, é “A Descida da Cruz” (c. 1435, Madrid). Dez figuras são colocadas sobre um fundo dourado, num espaço estreito de primeiro plano, como um relevo policromado. Apesar do design complexo, a composição é extremamente clara; todas as figuras que compõem os três grupos se unem em um todo inseparável; a unidade desses grupos é construída na repetição rítmica e no equilíbrio das partes individuais. A curva do corpo de Maria segue a curva do corpo de Cristo; o mesmo paralelismo estrito distingue as figuras de Nicodemos e da mulher que sustenta Maria, bem como as figuras de João e Maria Madalena que fecham a composição em ambos os lados. Estes momentos formais cumprem a tarefa principal - a divulgação mais vívida do momento dramático principal e, sobretudo, do seu conteúdo emocional.
Mander diz de Roger que enriqueceu a arte holandesa ao transmitir movimentos e “especialmente sentimentos, como tristeza, raiva ou alegria, de acordo com o assunto”. Ao tornar os participantes individuais de um evento dramático portadores de vários matizes de sentimentos de luto, o artista se abstém de individualizar as imagens, assim como se recusa a transferir a cena para um cenário real e específico. A busca pela expressividade prevalece em sua obra sobre a observação objetiva.
Atuando como um artista que era nitidamente diferente em suas aspirações criativas de Jan van Eyck, Roger, entretanto, experimentou a influência direta deste último. Isto é eloquentemente evidenciado por algumas das primeiras pinturas do mestre, em particular “A Anunciação” (Paris, Louvre) e “Lucas, o Evangelista Pintando a Madona” (Boston; repetições em São Petersburgo, l'Hermitage e Munique). Na segunda dessas pinturas, a composição repete, com pequenas alterações, a composição da Madonna do Chanceler Rolin, de Jan van Eyck. A lenda cristã que surgiu no século IV considerava Lucas o primeiro pintor de ícones a capturar o rosto da Mãe de Deus (a ele foram atribuídos vários ícones “milagrosos”); nos séculos XIII-XIV foi reconhecido como o patrono das guildas de pintores que surgiram naquela época em vários países da Europa Ocidental. De acordo com a orientação realista da arte holandesa, Roger van der Weyden retratou o evangelista como um artista contemporâneo fazendo um esboço de retrato da vida. Porém, na interpretação das figuras, aparecem claramente os traços característicos deste mestre - o pintor ajoelhado está cheio de reverência, as dobras das roupas distinguem-se pela ornamentação gótica. Pintada como imagem de altar da capela dos pintores, a pintura teve grande popularidade, como evidencia a presença de diversas repetições.
A corrente gótica na obra de Roger é especialmente clara em dois pequenos trípticos - o chamado “Altar de Maria” (“Lamentação”, à esquerda - “Sagrada Família”, à direita - “A Aparição de Cristo a Maria”) e o posterior “Altar de S. João" ("Batismo", à esquerda - "O Nascimento de João Batista" à direita - "A Execução de João Batista", Berlim). Cada uma das três portas é emoldurada por um portal gótico, que é uma reprodução pitoresca de uma moldura escultórica. Esta moldura está organicamente conectada com o espaço arquitetônico aqui retratado. As esculturas colocadas no portal complementam narrativamente as cenas principais que se desenrolam no cenário da paisagem e no interior. Enquanto na representação do espaço Roger desenvolve as conquistas de Jan van Eyck, na interpretação das figuras com suas proporções graciosas e alongadas, voltas e curvas complexas, ele adere às tradições da escultura gótica tardia.
A obra de Roger, muito mais do que a obra de Jan van Eyck, está associada às tradições da arte medieval e está imbuída do espírito de ensino estrito da Igreja. Ele comparou o realismo de van Eyck com sua deificação quase panteísta do universo com a arte capaz de incorporar as imagens canônicas da religião cristã em formas claras, estritas e generalizadas. O mais indicativo a este respeito é “O Juízo Final” - um políptico (ou melhor, um tríptico, em que a parte central fixa tem três, e as portas por sua vez têm duas divisões), escrito em 1443-1454 por ordem de Chanceler Rolin pelo hospital que fundou na cidade de Bon (lá localizado). Esta é a maior obra do artista em escala (a altura da parte central é de cerca de 3 m, a largura total é de 5,52 m). A composição, comum a todo o tríptico, consiste em duas camadas - a esfera “celestial”, onde a figura hierática de Cristo e as fileiras de apóstolos e santos são colocadas sobre um fundo dourado, e a “terrena” - com a ressurreição dos mortos. Ainda há muito medievalismo na estrutura composicional do quadro, na planicidade da interpretação das figuras. No entanto, os diversos movimentos das figuras nuas dos ressuscitados são transmitidos com tanta clareza e convicção que falam de um estudo cuidadoso da natureza.
Em 1450, Roger van der Weyden viajou para Roma e esteve em Florença. Lá, por ordem dos Medici, ele criou duas pinturas: “Entombment” (Uffizi) e “Madonna with St. Pedro, João Batista, Cosme e Damião" (Frankfurt). Na iconografia e na composição trazem traços de familiaridade com as obras de Fra Angelico e Domenico Veneziano. No entanto, esse conhecimento em nada afetou o caráter geral da obra do artista.
No tríptico criado logo após o retorno da Itália com imagens semifiguradas, na parte central - Cristo, Maria e João, e nas asas - Madalena e João Batista (Paris, Louvre), não há vestígios de influência italiana . A composição tem caráter simétrico arcaico; A parte central, construída segundo o tipo Deesis, distingue-se pela severidade quase icónica. A paisagem é tratada apenas como pano de fundo das figuras. Este trabalho do artista difere dos anteriores pela intensidade da cor e pela sutileza das combinações coloridas.
Novas características da obra do artista aparecem claramente no “Altar de Bladelin” (Berlim, Dahlem) - um tríptico com uma imagem na parte central da “Natividade”, encomendado por P. Bladelin, chefe das finanças do estado da Borgonha , para a igreja da cidade de Middelburg, que ele fundou. Em contraste com a construção em relevo da composição característica do período inicial, aqui a ação se desenrola no espaço. O presépio está imbuído de um clima terno e lírico.
Maioria trabalho significativo período tardio- tríptico “Adoração dos Magos” (Munique), com a imagem da “Anunciação” e “Candelárias” nas asas. As tendências que surgiram no altar Bladelin continuam a se desenvolver aqui. A ação ocorre nas profundezas da imagem, mas a composição é paralela ao plano da imagem; a simetria combina-se harmoniosamente com a assimetria. Os movimentos das figuras adquiriram maior liberdade - nesse sentido, chamam especialmente a atenção a graciosa figura de um elegante jovem feiticeiro com os traços de Carlos, o Ousado, no canto esquerdo, e o anjo mal tocando o chão na Anunciação. As roupas carecem completamente da materialidade característica de Jan van Eyck - elas apenas enfatizam a forma e o movimento. Porém, assim como Eick, Roger reproduz cuidadosamente o ambiente em que a ação se desenrola e preenche os interiores com claro-escuro, abandonando a iluminação nítida e uniforme característica de seu período inicial.
Roger van der Weyden foi um notável pintor de retratos. Seus retratos diferem dos retratos de Eick. Ele destaca características particularmente marcantes em termos fisionómicos e psicológicos, enfatizando-as e fortalecendo-as. Para fazer isso, ele usa um desenho. Usando linhas, ele delineia o formato do nariz, queixo, lábios, etc., dedicando pouco espaço à modelagem. A imagem do busto 3/4 destaca-se sobre um fundo colorido - azul, esverdeado ou quase branco. Com todas as diferenças caracteristicas individuais Os retratos de modelos de Roger compartilham algumas características comuns. Isto deve-se em grande parte ao facto de quase todos retratarem representantes da mais alta nobreza da Borgonha, cuja aparência e comportamento foram fortemente influenciados pelo seu ambiente, tradições e educação. Estes são, em particular, “Karl the Bold” (Berlim, Dahlem), o guerreiro “Anton of Burgundy” (Bruxelas), “The Unknown” (Lugano, coleção Thyssen), “Francesco d'Este” (Nova York), “Retrato de uma jovem” (Washington). Vários retratos semelhantes, em particular “Laurent Froymont” (Bruxelas), “Philippe de Croix” (Antuérpia), nos quais a pessoa retratada é retratada com as mãos postas em oração, constituíam originalmente o ala direita de dípticos posteriormente espalhados, na ala esquerda dos quais geralmente havia uma imagem da Madona com o Menino na altura do busto. Um lugar especial pertence ao “Retrato de um Desconhecido” (Berlim, Dahlem) - uma linda mulher olhando para. o espectador, escrito por volta de 1435, em que aparece claramente a dependência dos retratos de Jan van Eyck.
Roger van der Weyden foi extremamente útil grande influência sobre o desenvolvimento da arte holandesa na segunda metade do século XV. A obra do artista, com a sua tendência para criar imagens típicas e desenvolver composições completas caracterizadas por uma lógica estrita de composição, em muito maior medida do que a obra de Jan van Eyck, poderia servir como fonte de empréstimos. Contribuiu para um maior desenvolvimento criativo e ao mesmo tempo atrasou-o parcialmente, promovendo o desenvolvimento de tipos repetidos e esquemas composicionais.
Petrus Christus. Ao contrário de Roger, que dirigiu uma grande oficina em Bruxelas, Jan van Eyck teve apenas um seguidor direto, a pessoa de Petrus Christus (c. 1410-1472/3). Embora este artista tenha se tornado burguês da cidade de Bruges apenas em 1444, ele sem dúvida trabalhou em estreita comunicação com Eyck antes dessa época. Suas obras como “Madonna de St. Barbara e Elizabeth e o monge que o encomendou" (coleção Rothschild, Paris) e "Jerome in his cell" (Detroit), talvez, como acreditam vários pesquisadores, iniciados por Jan van Eyck e finalizados por Christus. Sua obra mais interessante é “St. Eligius" (1449, coleção de F. Lehman, Nova York), aparentemente escrito para a guilda de joalheiros, cujo patrono era este santo. Esta pequena pintura de um jovem casal escolhendo anéis em uma joalheria (o halo ao redor de sua cabeça é quase invisível) é uma das primeiras pinturas cotidianas da pintura holandesa. A importância desta obra é ainda reforçada pelo facto de nem uma única das pinturas de Jan van Eyck sobre temas quotidianos, mencionadas em fontes literárias, ter chegado até nós.
De interesse significativo são seus retratos, em que uma imagem semifigurada é colocada num espaço arquitetônico real. Particularmente digno de nota a este respeito é o “Retrato de Sir Edward Grimeston” (1446, coleção Verulam, Inglaterra).
Dirick Bouts. O problema da transmissão do espaço, em particular da paisagem, é especialmente ótimo lugar na obra de outro artista muito maior da mesma geração - Diric Bouts (c. 1410/20-1475). Natural do Harlem, instalou-se em Louvain no final dos anos 40, onde desenvolveu a sua actividade artística. Não sabemos quem foi seu professor; as primeiras pinturas sobreviventes estão marcadas forte influência Roger van der Weyden.
A sua obra mais famosa é “O Altar do Sacramento da Comunhão”, escrita em 1464-1467 para uma das capelas da Igreja de São Pedro. Petra em Louvain (localizada lá). Trata-se de um políptico cuja parte central representa a “Última Ceia”, enquanto nas laterais, nas portas laterais, estão quatro cenas bíblicas, cujos temas foram interpretados como protótipos do sacramento da comunhão. De acordo com o contrato que nos chegou, o tema deste trabalho foi desenvolvido por dois professores da Universidade de Louvain. A iconografia da Última Ceia difere da interpretação deste tema comum nos séculos XV e XVI. Em vez de uma história dramática sobre a predição de Cristo sobre a traição de Judas, é retratada a instituição de um sacramento eclesial. A composição, com sua estrita simetria, destaca o momento central e enfatiza a solenidade da cena. A profundidade do espaço do salão gótico é transmitida com total convicção; Este propósito é atendido não apenas pela perspectiva, mas também pela transmissão cuidadosa da iluminação. Nenhum dos mestres holandeses do século XV conseguiu alcançar aquela ligação orgânica entre as figuras e o espaço, como Bouts nesta maravilhosa pintura. Três das quatro cenas das portas laterais desdobram-se na paisagem. Apesar da escala relativamente grande das figuras, a paisagem aqui não é apenas um fundo, mas o elemento principal da composição. Num esforço para alcançar uma maior unidade, Boates abandona a riqueza de detalhes das paisagens de Eyck. Em “Elijah in the Wilderness” e “The Gathering of Heavenly Manna”, através da estrada sinuosa e do arranjo de colinas e rochas nos bastidores, pela primeira vez ele consegue conectar os três planos tradicionais - anterior, médio e posterior. O que há de mais notável nessas paisagens, porém, são os efeitos de iluminação e as cores. Em Gathering Manna, o sol nascente ilumina o primeiro plano, deixando o meio-termo na sombra. “Elias in the Desert” transmite a clareza fria de uma manhã transparente de verão.
Ainda mais surpreendentes a este respeito são as belas paisagens das asas de um pequeno tríptico, que retrata a “Adoração dos Magos” (Munique). Este é um dos trabalhos posteriores do mestre. A atenção do artista nestas pequenas pinturas está inteiramente voltada para a representação da paisagem, e para as figuras de João Baptista e de S. Christopher são de importância secundária. Particularmente atraente é a representação da suave iluminação noturna com os raios solares refletidos na superfície da água, levemente ondulados, na paisagem com São Pedro. Cristóvão.
Bouts é estranho à estrita objetividade de Jan van Eyck; suas paisagens estão imbuídas de um clima condizente com a trama. Uma propensão para a elegia e o lirismo, a falta de drama, uma certa estática e congelamento de poses - traços de caráter um artista tão diferente nesse aspecto de Roger van der Weyden. Eles aparecem de maneira especialmente clara em suas obras, cujo enredo é cheio de drama. Em “O Tormento de S. Erasmo" (Lovaina, Igreja de São Pedro), o santo suporta sofrimentos dolorosos com coragem estóica. O grupo de pessoas presentes também está cheio de calma.
Em 1468, Boates, nomeado pintor do burgo, foi contratado para decorar a magnífica Câmara Municipal que acabava de ser concluída com cinco pinturas. Duas grandes composições representando episódios lendários da história do Imperador Otto III (Bruxelas) sobreviveram. Uma retrata a execução de um conde, caluniado pela imperatriz, que não alcançou o seu amor; na segunda - o julgamento à fogo da viúva do conde perante a corte do imperador, provando a inocência do marido, e no fundo a execução da imperatriz. Essas “cenas de justiça” foram colocadas nos corredores onde funcionava o tribunal da cidade. Pinturas de natureza semelhante com cenas da história de Trajano foram executadas por Roger van der Weyden para a Câmara Municipal de Bruxelas (não preservadas).
A segunda das “cenas de justiça” de Boates (a primeira foi realizada com significativa participação dos alunos) é uma das obras-primas na habilidade com que se resolve a composição e na beleza da cor. Apesar da extrema parcimônia dos gestos e da imobilidade das poses, a intensidade dos sentimentos é transmitida com grande convicção. Os excelentes retratos da comitiva chamam a atenção. Chegou até nós um desses retratos, sem dúvida pertencente ao pincel do artista; este “Retrato de um Homem” (1462, Londres) pode ser considerado o primeiro retrato íntimo da história da pintura europeia. Caracteriza-se sutilmente um rosto cansado, preocupado e cheio de bondade; pela janela tem-se uma vista para o campo.
Hugo van der Goes. Em meados e segunda metade do século, um número significativo de estudantes e seguidores de Weiden e Bouts trabalhou na Holanda, cujo trabalho era de natureza epigônica. Neste contexto, destaca-se a poderosa figura de Hugo van der Goes (c. 1435-1482). O nome deste artista pode ser colocado ao lado de Jan van Eyck e Roger van der Weyden. Aceito em 1467 na guilda de pintores da cidade de Gante, logo alcançou grande fama, tendo participação próxima, e em alguns casos líder, em grandes trabalhos decorativos sobre a decoração festiva de Bruges e Gante por ocasião da recepção de Carlos. o ousado. Entre suas primeiras pinturas de cavalete de pequeno porte, as mais significativas são o díptico “A Queda” e “A Lamentação de Cristo” (Viena). As figuras de Adão e Eva, representadas na luxuosa paisagem do sul, assemelham-se às figuras dos ancestrais do Retábulo de Gante na elaboração da forma plástica. "Lamentação", semelhante em seu pathos a Roger van der Weyden, distingue-se por sua composição ousada e original. Aparentemente, um pouco mais tarde, foi pintado um tríptico de altar representando a “Adoração dos Magos” (São Petersburgo, Hermitage).
No início dos anos setenta, o representante dos Medici em Bruges, Tommaso Portinari, encomendou um tríptico representando a Natividade de Hus. Este tríptico foi guardado numa das capelas da Igreja de Sita Maria Novella, em Florença, durante quase quatro séculos. O tríptico “Retábulo de Portinari” (Florença, Galeria Uffizi) é a obra-prima do artista e um dos mais importantes monumentos da pintura holandesa.
O artista recebeu uma tarefa incomum para a pintura holandesa - criar uma obra grande e monumental com figuras de grande escala (o tamanho da parte central é 3x2,5 m). Preservando os elementos básicos da tradição iconográfica, Hus criou uma composição completamente nova, aprofundando significativamente o espaço da imagem e organizando as figuras ao longo das diagonais que a cruzam. Ao aumentar a escala das figuras ao tamanho real, o artista dotou-as de formas poderosas e pesadas. Os pastores precipitam-se para o silêncio solene vindo das profundezas à direita. Seus rostos simples e ásperos são iluminados por uma alegria e fé ingênuas. Essas pessoas do povo, retratadas com incrível realismo, têm igual importância com outras figuras. Maria e José também são dotados de características de pessoas comuns. Esta obra expressa uma nova ideia de homem, uma nova compreensão dignidade humana. Hus também é inovador na transmissão de iluminação e cor. A consistência com que se transmite a iluminação e, em particular, as sombras das figuras fala de uma observação atenta da natureza. A pintura é mantida em local frio e saturado esquema de cores. As abas laterais, mais escuras que a parte central, fecham com sucesso a composição central. Os retratos de membros da família Portinari neles colocados, atrás dos quais se erguem figuras de santos, distinguem-se por grande vitalidade e espiritualidade. A paisagem da porta esquerda é notável, transmitindo a atmosfera fria de uma manhã de início de inverno.
Provavelmente, a Adoração dos Magos (Berlim, Dahlem) foi realizada um pouco antes. Tal como no retábulo de Portinari, a arquitetura é recortada por uma moldura, o que consegue uma relação mais correta entre ela e as figuras e realça o caráter monumental do espetáculo solene e magnífico. A Adoração dos Pastores (Berlim, Dahlem), escrita posteriormente ao retábulo de Portinari, tem um caráter significativamente diferente. A composição alongada é fechada em ambos os lados por meias figuras de profetas, abrindo a cortina, atrás da qual se desenrola uma cena de culto. A corrida impetuosa dos pastores que avançam pela esquerda, com os rostos excitados, e os profetas dominados pela excitação emocional conferem ao quadro um caráter inquieto e tenso. Sabe-se que em 1475 o artista ingressou num mosteiro, onde, no entanto, ocupou uma posição especial, mantendo estreita comunicação com o mundo e continuando a pintar. O autor da crônica do mosteiro fala sobre a difícil Estado de espirito um artista que não estava satisfeito com seu trabalho e tentou suicídio em acessos de melancolia. Nesta história, vemos um novo tipo de artista, nitidamente diferente do artesão da guilda medieval. O estado espiritual deprimido de Hus se reflete na pintura “A Morte de Maria” (Bruges), imbuída de um clima alarmante, em que os sentimentos de tristeza, desespero e confusão que tomaram conta dos apóstolos foram transmitidos com grande força.
Memling. No final do século, há um enfraquecimento da atividade criativa, o ritmo de desenvolvimento desacelera, a inovação dá lugar ao epigonismo e ao conservadorismo. Estas características estão claramente expressas na obra de um dos mais artistas importantes desta vez - Hans Memling (c. 1433-1494). Natural de uma pequena cidade alemã do Meno, trabalhou no final dos anos 50 no estúdio de Roger van der Weyden e, após a morte deste, estabeleceu-se em Bruges, onde dirigiu a escola local de pintura. Memling toma emprestado muito de Roger van der Weyden, usando repetidamente suas composições, mas esses empréstimos são externos. A dramatização e o pathos do professor estão longe dele. Nele encontram-se características emprestadas de Jan van Eyck (representação detalhada dos ornamentos de tapetes orientais e tecidos de brocado). Mas os fundamentos do realismo eickiano lhe são estranhos. Sem enriquecer a arte com novas observações, Memling introduz, no entanto, novas qualidades na pintura holandesa. Em suas obras encontraremos graça refinada de poses e movimentos, rostos bonitos e atraentes, ternura de sentimentos, clareza, ordem e elegante decoratividade da composição. Essas características são especialmente expressas no tríptico “O Noivado de São Pedro”. Catarina" (1479, Bruges, Hospital St. John). A composição da parte central distingue-se pela simetria estrita, animada por uma variedade de poses. Nas laterais da Madonna há figuras de Santa formando um semicírculo. Catarina e Bárbara e os dois apóstolos; o trono de Nossa Senhora é ladeado por figuras contra o fundo das colunas de João Batista e João Evangelista. Silhuetas graciosas e quase desencarnadas realçam a expressividade decorativa do tríptico. Este tipo de composição, repetindo com algumas alterações a composição de mais trabalho cedo o tríptico do artista com a Madona, santos e clientes (1468, Inglaterra, coleção do Duque de Devonshire), será repetido e variado várias vezes pelo artista. Em alguns casos, o artista introduziu no conjunto decorativo elementos individuais emprestados da arte italiana, por exemplo, putti nus segurando guirlandas, mas a influência da arte italiana não se estendeu à representação da figura humana.
A frontalidade e o carácter estático também se distinguem na “Adoração dos Magos” (1479, Bruges, St. John’s Hospital), que remonta a uma composição semelhante de Roger van der Weyden, mas sujeita a simplificações e esquematizações. A composição do "Juízo Final" de Roger foi retrabalhada ainda mais no tríptico "O Juízo Final" de Memling (1473, Gdansk), encomendado pelo representante dos Medici em Bruges, Angelo Tani (excelentes retratos dele e de sua esposa estão colocados em as portas). A individualidade do artista manifestou-se nesta obra de forma especialmente clara na representação poética do paraíso. As graciosas figuras nuas são executadas com inegável virtuosismo. A meticulosidade de execução em miniatura característica de O Juízo Final ficou ainda mais evidente em duas pinturas que representam um ciclo de cenas da vida de Cristo (A Paixão de Cristo, Turim; As Sete Alegrias de Maria, Munique). O talento de um miniaturista revela-se também nos pitorescos painéis e medalhões que decoram a pequena urna gótica de S. Ursula" (Bruges, Hospital St. John). Esta é uma das obras mais populares e celebradas do artista. Muito mais significativo, porém, em termos artísticos, é o monumental tríptico “Santos Cristóvão, Mouro e Gilles” (Bruges, Museu da Cidade). As imagens dos santos nele se distinguem pela concentração inspirada e pela nobre contenção.
Seus retratos são especialmente valiosos no legado do artista. “Retrato de Martin van Nieuwenhove” (1481, Bruges, St. John's Hospital) é o único díptico de retratos intacto do século XV. A Madona e o Menino retratados na ala esquerda representam desenvolvimento adicional tipo de retrato no interior. Memling introduz outra inovação na composição do retrato, colocando a imagem do busto ora emoldurada pelas colunas de uma loggia aberta, através da qual a paisagem é visível (“Retratos emparelhados do burgomestre Morel e sua esposa”, Bruxelas), ou diretamente contra o fundo da paisagem (“Retrato de um homem orando”, Haia; “Retrato de um medalhista desconhecido”, Antuérpia). Os retratos de Memling sem dúvida transmitiam semelhanças externas, mas apesar de todas as diferenças de características, também encontraremos neles muitas semelhanças. Todas as pessoas que ele retrata se distinguem pela contenção, nobreza, gentileza espiritual e muitas vezes piedade.
G. David. O último grande artista da escola de pintura do sul da Holanda do século XV foi Gerard David (c. 1460-1523). Natural do norte da Holanda, estabeleceu-se em Bruges em 1483 e, após a morte de Memling, tornou-se Figura central escola de arte local. O trabalho de G. David difere acentuadamente do trabalho de Memling em vários aspectos. Ele contrastou a graça leve deste último com a pompa pesada e a solenidade festiva; suas figuras pesadas e atarracadas têm uma tridimensionalidade pronunciada. Em suas pesquisas criativas, David confiou em património artístico Jan van Eyck. Deve-se notar que nesta época o interesse pela arte do início do século tornou-se um fenômeno bastante característico. A arte da época de Van Eyck adquire o significado de uma espécie de “herança clássica”, que, em particular, se expressa no aparecimento de um número significativo de cópias e imitações.
A obra-prima do artista é o grande tríptico “O Batismo de Cristo” (c. 1500, Bruges, Museu da Cidade), que se distingue pela sua estrutura calmamente majestosa e solene. A primeira coisa que chama a atenção aqui é um anjo que se destaca em relevo em primeiro plano em uma casula de brocado lindamente pintada, feita na tradição da arte de Jan van Eyck. Particularmente notável é a paisagem, em que as transições de um plano para outro se dão nos tons mais finos. A representação convincente da iluminação noturna e a representação magistral de águas claras chamam a atenção.
A composição “Madonna entre as Santas Virgens” (1509, Rouen), que se distingue pela estrita simetria na disposição das figuras e por um esquema de cores cuidadoso, é importante para caracterizar o artista.
Imbuído de um espírito de igreja estrito, o trabalho de G. David era geralmente, como o de Memling, de natureza conservadora; refletia a ideologia dos círculos patrícios de Bruges, que estava em declínio.
TÓPICO 25. ARTE DA PINTURA NA ALEMANHA SÉCULOS XV-XVI.
4 horas de trabalho em sala de aula e 8 horas de trabalho independente
Palestra84. Pintura na AlemanhaSéculos XV - XVI.
4 horas de palestras e 4 horas de trabalho independente
Palestras
1. A pintura na Alemanha do primeiro terço do século XV. A obra do mestre do Alto Reno, a obra do Mestre Franke.
2. A pintura na Alemanha do segundo terço do século XV. A obra de Hans Mulcher, a obra de Konrad Witz, a obra de Stefan Lochner.
3. A pintura na Alemanha do último terço do século XV. A obra de Martin Schongauer, a obra de Michael Pacher.
4. A pintura na Alemanha na virada dos séculos XV para XVI. A obra de Matthias Grunewald, a obra de Lucas Cranach, o Velho, a obra de Albrecht Dürer, a obra de artistas da “Escola do Danúbio”: Albrecht Altdorfer.
5. A pintura na Alemanha do século XVI. O fenômeno da reforma.
1. A pintura na Alemanha do primeiro terço do século XV. A obra do mestre do Alto Reno, a obra do Mestre Franke
Características gerais da arte renascentista na Alemanha do século XV. Na pintura alemã do século XV, distinguem-se três fases: a primeira - do início do século até a década de 1430, a segunda - até a década de 1470. e a terceira - quase até o final do século. Mestres alemães criaram obras em forma de altares de igrejas.
Durante o período de 1400-1430. Os altares alemães abrem ao público um belo mundo montanhoso, atraindo as pessoas como um conto de fadas extremamente divertido. Isso pode ser confirmado pela imagem “ Jardim do Eden", criado por um mestre anônimo do Alto Reno por volta de
1410-1420
Acredita-se que a porta do altar de São Tomás com a cena “Adoração dos Reis Magos do Menino Jesus” foi feita pelo Mestre Franke de Hamburgo, que atuou no primeiro terço do século XV. A fabulosidade do evento gospel.
2. A pintura na Alemanha, segundo terço do século XV. A obra de Hans Mulcher, a obra de Konrad Witz, a obra de Stefan Lochner
Na fase de 1430-1470. as obras de arte na Alemanha são preenchidas com figuras humanas plasticamente volumosas, imersas em um espaço artisticamente projetado. Visualizações
TÓPICO 25. ARTE DA PINTURA NA ALEMANHA SÉCULOS XV-XVI.
várias facetas das condolências dos personagens da imagem são expostas aos sofrimentos terrenos de Cristo, na maioria das vezes apresentado como uma pessoa igual a outras pessoas, experimentando muitos tormentos da existência terrena. Realismo expressivo dos acontecimentos sensualmente revelados da Sagrada Escritura, tendo em conta a intensa empatia do público pelo sofrimento de Cristo como se fosse seu. Durante estes anos, os artistas Hans Mulcher e Konrad Witz trabalharam de forma muito interessante nas cidades alemãs de Basileia e Ulm.
Cidadão da cidade de Ulm, Hans Multscher é conhecido como pintor e escultor. As obras escultóricas do mestre incluem a decoração das janelas frontais da Câmara Municipal de Ulm (1427) e o desenho plástico da fachada ocidental da Catedral de Ulm (1430-1432). Influência holandesa, o que permite tirar uma conclusão sobre a estadia e formação do artista em Tours. Das pinturas de Mulcher, dois altares sobreviveram em fragmentos. A obra mais significativa do mestre é o “Altar Wurzach” (1433-1437), do qual sobreviveram oito portas representando a vida de Maria por fora e a Paixão de Cristo por dentro. Do “Altar da Virgem Maria de Štercin” (1456-1458) apenas algumas portas laterais e figuras individuais esculpidas em madeira sobreviveram até hoje.
A pintura “Cristo diante de Pilatos” é um fragmento do interior do “Altar Wurzach”. Diferentes atitudes dos personagens em relação à ação retratada. Outro painel do “Altar Wurzach” é a pintura “A Ressurreição de Cristo”.
Natural da Suábia e cidadão da cidade de Basileia, Konrad Witz é conhecido como o autor de vinte painéis de altar. Todos eles demonstram a influência sobre o artista da obra de mestres holandeses como Robert Campin e Rogier van der Weyden. As obras de Witz são caracterizadas pelo desejo de alcançar, através da modelagem de luz e sombra, uma representação realisticamente detalhada da carne das coisas e clareza espacial.
Em 1445-1446. Konrad Witz, enquanto estava em Genebra, encomendou ao Cardeal François de Mies a execução de “O Retábulo da Basílica de São Pedro”. Pintura do verso do altar “Pega Maravilhosa”.
O espaço artístico da obra, combinando duas histórias gospel, “A Wonderful Catch” e “Walking on the Waters”, visualiza os motivos que não permitem alcançar uma ligação religiosa com o Todo-Poderoso. Pecaminosidade humana, perda de fé no Senhor.
EM primeira metade do século XV As obras dos pintores alemães da cidade de Colônia distinguiram-se pela originalidade especialmente as pinturas de altar
criado por Stefan Lochner. A pesquisa mostrou que em sua obra original o artista contou com as conquistas da miniatura franco-flamenga dos irmãos Limburg com seu refinamento e colorismo requintado, bem como com a tradição local de Colônia representada pelo Mestre de Santa Verônica. Lochner pintava com frequência pinturas representando a Mãe de Deus com o Menino Cristo. Neste sentido, o mais pintura famosa Stefan Lochner é "Maria de Rosa"
TÓPICO 25. ARTE DA PINTURA NA ALEMANHA SÉCULOS XV-XVI.
Aula 84. Pintura na Alemanha nos séculos XV e XVI.
jardim" (c. 1448). A originalidade da composição da pintura está na forma de uma linha curva em forma de anel.
3. A pintura na Alemanha do último terço do século XV. A obra de Martin Schongauer, a obra de Michael Pacher
Durante o período 1460-1490. O processo de criação de obras de arte na Alemanha foi influenciado pelo Renascimento italiano do Trecento (principalmente pelas obras de Simone Martini) e pelo trabalho dos mestres holandeses Rogier van der Weyden e Hugo van der Goes. O problema de visualizar a gama de sentimentos.
Um dos principais pintores alemães da segunda metade do século XV. foi Martin Schongauer. O artista estava inicialmente destinado à carreira de padre. Schongauer estudou pintura com Caspar Isenmann em Colmar. O desenho à maneira de Rogier van der Weyden confirma o fato de Schongauer estar na Borgonha.
A obra “A Adoração dos Pastores” (1475-1480). Uma expressão visual da sinceridade espiritual dos heróis da ação pictórica. No evento retratado por Schongauer, a atenção principal é dada à sinceridade de todos os heróis em suas ações e pensamentos.
O trabalho de Michael Pacher. O artista estudou em Pustertal e também fez uma viagem educativa ao Norte da Itália, o que é claramente evidenciado pela linguagem plástica italianizada de suas obras.
Entre as melhores pinturas de Michael Pacher está o “Altar dos Padres da Igreja” (1477-1481). A pintura "A Oração de São Wolfgang" é parte do topo ala externa direita do “Altar dos Padres da Igreja”.
O espaço artístico da obra demonstra que foi a sinceridade e sinceridade da oração do Bispo de Regensburg que contribuiu para a inclusão divina de Wolfgang na categoria de Santos e a ascensão de sua alma às alturas do Mundo Celestial.
4. A pintura na Alemanha na virada dos séculos XV para XVI. A obra de Matthias Grunewald, a obra de Lucas Cranach, o Velho, a obra de Albrecht Dürer, a obra de artistas da “Escola do Danúbio”: Albrecht Altdorfer
As belas artes da Alemanha na virada dos séculos XV para XVI são o estágio mais alto do Renascimento alemão, os melhores períodos da criatividade de Albrecht Dürer e Niethart Gothardt (Matthias Grunewald), Lucas Cranach, o Velho e Hans Holbein, o Jovem. Freqüentemente, um motivo único separado e até resolvido naturalisticamente é elevado ao nível da ideia de geral e universal. Nas criações artísticas coexistem princípios racionais e místicos.
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Matthias Grunewald é um dos grandes pintores Renascimento “entusiasmado” alemão, cujas atividades estão associadas às regiões da Alemanha localizadas ao longo das margens do Meno e do Médio Reno. Sabe-se que o artista trabalhou alternadamente em Seligenstadt, Aschaffenburg, Mainz, Frankfurt, Halle e Isenheim.
A tarefa é visualizar as características de simpatia simplória, empatia, identificação, aceitação do tormento do Cristo sofredor como sua própria dor. A partilha do artista sobre as opiniões de Thomas a à Kempis. Na época de Grunewald, o livro Sobre a Imitação de Cristo, de Thomas a à Kempis, era tão popular que perdia apenas para a Bíblia em número de edições.
A obra mais significativa de Matthias Grunewald foi o Retábulo de Isenheim (1512-1516), criado para a Igreja de Santo António em Isenheim.
O altar é composto por um santuário com escultura e três pares de portas – duas móveis e uma fixa. Várias transformações nas portas do altar implicam o movimento de cenas da encarnação e sacrifício do Salvador.
EM Quando fechado, a parte central do altar representa a cena da Crucificação de Cristo. Ao final, o “Sepultamento” é representado de forma pitoresca, e nas portas laterais estão “Santo Antônio” e “São Sebastião”.
EM Em geral, os eventos religiosos retratados nas portas do altar visualizam a ideia do grande sacrifício de Jesus Cristo e dos líderes escolhidos da Igreja Cristã para a expiação dos pecados humanos, expressam visualmente a oração católica “Agnus Dei” - “Cordeiro de Deus, que tiras os pecados do mundo, tende piedade de nós”. Realismo expressivo dos acontecimentos da Sagrada Escritura, tendo em conta a intensa empatia do público pelo sofrimento de Cristo como se fosse seu. As bordas das condolências. Tradições dos mestres holandeses. Meios de transmitir detalhes realistas das coisas
E clareza espacial.
O espaço artístico da pintura “A Crucificação de Cristo” representa Jesus Cristo pregado na cruz com vários outros presentes. O Salvador é enorme e terrivelmente desfigurado. O corpo de Cristo representado testemunha o tormento selvagem ao qual o Messias foi submetido. Está completamente coberto por centenas de feridas terríveis. Jesus foi pregado na cruz com pregos gigantes que literalmente quebraram Suas mãos e pés. A cabeça está desfigurada pelos espinhos afiados de uma coroa de espinhos.
À esquerda da cruz do Calvário estão representados João Evangelista, apoiando Nossa Senhora, enfraquecida pela longa oração, e a pecadora Maria Madalena, que, ajoelhada aos pés da cruz, dirige-se ao Salvador em oração apaixonada.
À direita da figura de Cristo está João Batista e o Cordeiro de Deus. A presença de João Batista na cena da Crucificação informa o tema do Gólgota dimensão extra, recordando a redenção pela qual foi feito o sacrifício de Cristo. O acontecimento evangélico apresenta-se com uma força tão expressiva que não pode deixar ninguém indiferente.
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Não é à toa que ao lado da figura de João Batista apontando para Jesus Cristo há uma inscrição: “Ele deve aumentar, eu devo diminuir”.
Com as portas do Altar de Isenheim abertas, o painel central da obra representa a cena da Glorificação de Maria, à esquerda da qual está a Anunciação, e à direita está a Ressurreição de Cristo.
Em termos de composição e cor, a pintura “Glorificação de Maria” é dividida em duas partes, cada uma das quais manifesta seu próprio evento especial na glória de Nossa Senhora.
A pitoresca obra “A Ressurreição de Cristo”, com as portas do “Altar de Isenheim” abertas, localizada ao lado da pintura “Glorificação de Maria”, representa o Salvador sob a forma de um cavaleiro elevado acima da terra no esplendor do místico luz. O Cavaleiro Cristo, tendo ressuscitado dos mortos, pelo próprio fato da Ressurreição obteve uma vitória total sobre os guerreiros armados. O simbolismo da tampa do sarcófago, onde o corpo do Salvador estava aprisionado. O significado do ato de rolar a pedra do túmulo de Cristo. A laje do túmulo do qual o Senhor surgiu como uma tábua contendo o registro da Lei do Antigo Testamento. A personificação da vitória sobre os adeptos dos princípios do Antigo Testamento simboliza o triunfo da Lei do Evangelho.
A construção do “Retábulo de Isenheim” facilita não só a abertura, mas também o movimento adicional das portas pitorescas, que revela a parte escultórica da obra com estátuas de Santo Agostinho, Santo António e São Jerónimo, bem como a predela com meias figuras esculpidas de Cristo e dos doze apóstolos. No verso das portas interiores, por um lado, está representada a cena “Conversa de Santo António com São Paulo Eremita” e, por outro, “A Tentação de Santo António”.
O espaço artístico da pintura “A Tentação de Santo António”.
A obra de Lucas Cranach, o Velho - pintor da corte do eleitor saxão Frederico, o Sábio, além de um maravilhoso artista gráfico. Cranach é considerado o criador e maior representante da escola de arte saxônica. Simultaneamente à sua atividade criativa, o mestre realizou uma importante trabalho municipal: era dono de uma taberna, de uma farmácia, de uma gráfica e de uma biblioteca. Cranach foi até membro do conselho municipal, no período de 1537 a 1544. foi eleito três vezes burgomestre de Wittenberg.
Apesar de muitas das obras significativas de Lucas Cranach, o Velho terem sido perdidas durante a Reforma e o incêndio que devastou Wittenberg em 1760, as obras que sobreviveram até hoje refletem a diversidade do talento do mestre. Pintou excelentes retratos e também criou pinturas sobre temas religiosos e mitológicos. Existem numerosos nus famosos de Cranach - Vênus, Eva, Lucretia, Salomé, Judith. Ao criar suas obras, o mestre utilizou temas de fontes humanísticas contemporâneas.
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O espaço artístico da pintura “O Castigo do Cupido” de Lucas Cranach. A deusa do amor é chamada a lavar-se com sua beleza nua alma humana do mal da contaminação pecaminosa, para libertar os corações humanos da insensibilidade e da fossilização. A tarefa é despertar a energia do amor cristalina, arrancando assim a alma humana da lama pegajosa da profanação cotidiana. Características da composição espiral da obra.
A obra "Martinho Lutero", realizada em 1529, revela Lucas Cranach, o Velho, como um excelente retratista.
O grande reformador alemão da Igreja Católica é retratado comunicando-se com Deus na “justa vida cotidiana”.
A obra de Albrecht Durer, o grande pintor, artista gráfico e gravador alemão do final do século XV – primeiro terço do século XVI. O trabalho de Dürer é caracterizado por:
1. Flutuação do interesse profissional de imagens filosóficas generalizadas para representações visuais estritamente naturalistas;
2. A base científica da atividade, uma combinação de competências práticas com conhecimentos profundos e precisos (Dürer é autor dos tratados teóricos “Guia para Medir com Compasso e Régua” e “Quatro Livros sobre Proporções Humanas”);
3. A descoberta de novas possibilidades de criação de obras gráficas e pictóricas (a gravura, que antes dele era entendida como um desenho preto sobre fundo branco, Dürer transformou-se num tipo especial de arte, cujas obras, juntamente com as cores preto e branco, são caracterizado por um grande número de tonalidades intermediárias);
4. A descoberta de novos géneros artísticos, temas e temas (Dürer foi o primeiro na Alemanha a criar uma obra de género paisagístico (1494), o primeiro na arte alemã a retratar uma mulher nua (1493), o primeiro a apresentar-se nu numa autorretrato (1498), etc.);
5. Pathos profético das criações artísticas.
Dois anos antes de sua morte, Albrecht Dürer criou seu famoso díptico pictórico “Os Quatro Apóstolos” (1526), que ele valorizava muito.
O espaço artístico da imagem esquerda do díptico representa os apóstolos João e Pedro, e o da direita – os apóstolos Paulo e Marcos.
Os apóstolos retratados personificam os temperamentos humanos. O evangelista João, apresentado como jovem e calmo, visualiza um temperamento sanguíneo. São Pedro, retratado como velho e cansado, simboliza um temperamento fleumático. O evangelista Marcos, representado em movimentos impetuosos e olhos brilhantes, personifica o temperamento colérico. São Paulo, mostrado sombrio e cauteloso, significa um temperamento melancólico.
A obra é como um espelho analítico muito hábil das almas humanas. Representação visual de todo o espectro de temperamentos.
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Por outro lado, a obra é uma evidência visual da veracidade do aparecimento dos profetas, divulgando a fé cristã em nome do Senhor, e não do Diabo. Características do retrato dos apóstolos.
Ambas as pinturas na parte inferior da imagem contêm textos especialmente selecionados do Novo Testamento, cuidadosamente executados em nome de Dürer pelo calígrafo Neiderfer.
O díptico "Adão e Eva", criado por Dürer em 1507, assim como a obra "Os Quatro Apóstolos", consiste em duas obras de pintura relativamente independentes. O espaço artístico da imagem à direita representa Eva parada perto da Árvore do Conhecimento do Bem e do Mal e recebendo uma maçã vermelha derramada da serpente tentadora. O espaço artístico da pintura à esquerda representa Adão com um galho frutífero de macieira na mão.
Um lembrete às pessoas sobre a pecaminosidade de cada pessoa, um aviso sobre as consequências fatais do pecado original.
A gravura em cobre “O Cavaleiro, a Morte e o Diabo” (1513) é uma das melhores obras gráficas de Albrecht Dürer. O espaço artístico da obra representa um cavaleiro montado em armadura pesada, cujo caminho está sendo tentado ser bloqueado pela Morte e pelo Diabo.
O enredo da gravura está correlacionado com o tratado de Erasmo de Rotterdam “Manual do Guerreiro Cristão” (1504) - um ensinamento moral e ético em que o autor apela a todos os cavaleiros de Cristo com um apelo para não terem medo das dificuldades se a estrada estiver bloqueada por demônios terríveis e mortais. Uma demonstração do poder da alma, lutando incansavelmente pelo Espírito de Deus, que ninguém e nada no mundo pode impedir, nem mesmo a Morte e o Diabo.
Um fenômeno extremamente original do Renascimento alemão do início do século XVI. tornou-se a atividade dos artistas da “Escola do Danúbio” (alemão: Donauschule), que descobriram o gênero da paisagem romanticamente fantástica com seu trabalho. Nas pinturas dos “Danubianos” foi visualizada a ideia da necessidade de unir a vida humana com a vida da natureza, o seu ritmo natural de existência e uma ligação orgânica panenteísta com Deus.
O principal mestre da “Escola do Danúbio” foi Albrecht Altdorfer. A pesquisa mostrou que o desenvolvimento do método criativo do artista foi influenciado pelas obras de Lucas Cranach, o Velho e Albrecht Durer.
Uma obra representativa da fase inicial da obra de Altdorfer foi a pintura “Oração pela Taça”, executada pelo mestre no início da década de 1510. O espaço artístico da obra, sensualmente revelador história do evangelho, representa a natureza como uma espécie de organismo vivo sensível que reage ativamente aos eventos que ocorrem no mundo humano.
Por volta do início da década de 1520. Mudanças significativas ocorreram na atividade artística de Altdorfer. Tema central
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A criatividade do mestre passou a visualizar as complexidades da interação entre o mundo da natureza divina e o mundo do homem abandonado por Deus. A pintura “Paisagem com Ponte” (década de 1520) é indicativa desta fase da atividade do artista. O tema central é a visualização das complexidades de interação entre o mundo da natureza divina e o mundo do homem abandonado por Deus.
O auge da arte de Altdorfer foi a pintura “A Batalha de Alexandre, o Grande”, criada pelo mestre em 1529 por ordem do duque Guilherme da Baviera.
O espaço artístico da obra representa um panorama do Universo. Os elementos divinos do fogo solar, do ar celestial, da água do oceano e da terra rochosa são descritos como vivendo de acordo com a lei única do Universo, em contato constante e bastante rígido uns com os outros. No entanto, esta não é uma batalha destrutiva dos elementos entre si, mas o princípio da sua interação natural. O princípio da interação natural dos elementos que vivem de acordo com uma única lei do Universo.
5. A pintura na Alemanha do século XVI. Fenômeno da Reforma
A história do Renascimento na Alemanha terminou repentinamente. Por 1530-1540 na verdade tudo acabou. A Reforma desempenhou um papel desastroso aqui. Alguns movimentos protestantes surgiram diretamente com slogans iconoclastas e com a determinação de destruir monumentos de arte como servos das ideias do catolicismo. Nas terras alemãs onde a primazia religiosa passou para o protestantismo, eles logo abandonaram completamente o desenho pitoresco das igrejas, razão pela qual a maioria dos artistas perdeu a base de sua existência. Somente em meados do século XVI. na Alemanha houve algum renascimento da actividade artística, e mesmo assim em áreas que permaneceram fiéis ao catolicismo. Aqui, como na Holanda, o romanismo se desenvolve.
Na segunda metade do século XVI, as belas-artes alemãs juntaram-se ativamente ao fluxo maneirista geral da pintura da Europa Ocidental. Contudo, agora os exemplos da arte alemã foram moldados não por mestres locais, mas por artistas holandeses e flamengos convidados a trabalhar no país.
A obra de Hans Holbein, o Jovem - pintor e artista gráfico alemão. Tal como o seu irmão Ambrosius, Hans Holbein começou a sua educação na oficina do seu pai.
No período inicial de sua criatividade, o mestre foi influenciado pelas obras de Matthias Grunewald, que conheceu pessoalmente em Isenheim em 1517. Da mesma forma, a influência italiana é sentida nas obras iniciais de Holbein, apesar de não haver evidências do artista. visitando a Itália. A obra “A Crucificação” remonta ao período inicial da obra de Hans Holbein.
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Muitas das obras de Holbein, criadas na Alemanha, foram vítimas da "iconoclastia" reformista em fevereiro de 1529. Esta foi a principal razão pela qual foi nesse ano que o mestre finalmente se estabeleceu na Inglaterra. Na Inglaterra, Holbein trabalhou principalmente como retratista na corte de Londres, ganhando gradualmente a reputação de ser o mais importante retratista do Norte da Europa.
A partir de 1536, o artista entrou ao serviço do rei Henrique VIII, para quem fez diversas viagens ao continente a fim de criar retratos de princesas consideradas possíveis festas adequadas.
Os retratos do período inglês retratam principalmente membros da família real e membros da alta aristocracia.
A obra “Henrique VIII” (c. 1540) pertence às melhores criações retratistas do mestre. Além de retratos, o mestre realizou diversas pinturas murais, além de esboços de trajes e utensílios. Uma verdadeira obra-prima Holbein tornou-se sua xilogravura "Dança da Morte", criada em 1538.
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Pintor holandês, geralmente identificado com o Mestre Flemal - um artista desconhecido que está nas origens da tradição da pintura holandesa primitiva (os chamados "primitivos flamengos"). Mentor de Rogier van der Weyden e um dos primeiros retratistas da pintura europeia.
(As Vestimentas Litúrgicas da Ordem do Tosão de Ouro - A Capa da Virgem Maria)
Sendo contemporâneo dos miniaturistas que trabalharam na iluminura de manuscritos, Campin foi, no entanto, capaz de atingir um nível de realismo e observação como nenhum outro pintor antes dele. Ainda assim, suas obras são mais arcaicas do que as obras de seus contemporâneos mais jovens. Nos detalhes cotidianos, a democracia é perceptível, às vezes há uma interpretação cotidiana de temas religiosos, que mais tarde seria característica da pintura holandesa.
(Virgem e Menino em um Interior)
Os historiadores da arte há muito tentam encontrar as origens da Renascença do Norte, para descobrir quem foi o primeiro mestre que estabeleceu este estilo. Há muito se acredita que o primeiro artista a se desviar ligeiramente das tradições góticas foi Jan van Eyck. Mas no final do século XIX, ficou claro que van Eyck foi precedido por outro artista, cujo pincel pertencia ao tríptico com a Anunciação, que anteriormente pertencia à Condessa Merode (o chamado “tríptico Merode”), também como o chamado. Altar flamengo. Supunha-se que ambas as obras pertenciam ao mestre Flemal, cuja identidade ainda não havia sido estabelecida naquela época.
(As Núpcias da Virgem)
(Santa Virgem em Glória)
(Retábulo de Werl)
(Trindade do Corpo Quebrado)
(Bendito Cristo e Virgem Orante)
(As Núpcias da Virgem - São Tiago O grande e São Clara)
(Virgem e o Menino)
Geertgen tot Sint Jans (Leiden 1460-1465 - Haarlem até 1495)
Este artista falecido precocemente, que trabalhou em Haarlem, é uma das figuras mais significativas da pintura do norte da Holanda no final do século XV. Possivelmente treinado em Haarlem na oficina de Albert van Auwater. Ele conhecia o trabalho de artistas de Ghent e Bruges. Em Haarlem, como aprendiz de pintor, viveu sob a Ordem Joanita - daí o apelido “do [mosteiro] de São João” (tot Sint Jans). O estilo de pintura de Hertgen é caracterizado por uma emotividade sutil na interpretação de assuntos religiosos e atenção aos fenômenos Vida cotidiana e elaboração de detalhes cuidadosa e poeticamente inspirada. Tudo isso será desenvolvido na pintura realista holandesa dos séculos subsequentes.
(Natividade, à noite) 
(Virgem e o Menino)
(A Árvore de Jessé)
(Gertgen tot Sint Jans St. Bavo)
O rival de Van Eyck pelo título de mestre mais influente da pintura holandesa antiga. O artista viu o objetivo da criatividade na compreensão da individualidade do indivíduo; foi um psicólogo profundo e um excelente retratista. Preservando o espiritualismo da arte medieval, preencheu os antigos esquemas pictóricos com o conceito renascentista de uma personalidade humana ativa. No final da sua vida, segundo a TSB, “ele abandona o universalismo da visão artística do mundo de van Eyck e concentra toda a sua atenção no mundo interior do homem”.
(Descoberta das relíquias de São Huberto)
Nasceu em uma família de escultores de madeira. As obras do artista indicam uma profunda familiaridade com a teologia, e já em 1426 ele era chamado de “Mestre Roger”, o que sugere que teve formação universitária. Começou a trabalhar como escultor e já maduro (após 26 anos) começou a estudar pintura com Robert Campin em Tournai. Ele passou 5 anos em sua oficina.
(Lendo Maria Madalena)
O período de desenvolvimento criativo de Rogier (ao qual, aparentemente, pertence a “Anunciação” do Louvre) é pouco iluminado pelas fontes. Existe a hipótese de que foi ele quem, na juventude, criou as obras atribuídas aos chamados. Mestre Flemal (um candidato mais provável para sua autoria é seu mentor Kampen). O aluno dominou tanto o desejo de Campen de saturar cenas bíblicas com detalhes aconchegantes da vida doméstica que era quase impossível distinguir entre suas obras do início da década de 1430 (ambos os artistas não assinaram suas obras).
(Retrato de Anton da Borgonha)
Os primeiros três anos de criatividade independente de Rogier não estão documentados de forma alguma. Talvez os tenha passado em Bruges com van Eyck (com quem provavelmente já se cruzou em Tournai). De qualquer forma, sua famosa composição “Lucas, o Evangelista Pintando a Madona” está imbuída da óbvia influência de van Eyck.
(Evangelista Lucas pintando a Madonna)
Em 1435, o artista mudou-se para Bruxelas devido ao seu casamento com um natural desta cidade e traduziu o seu nome verdadeiro Roger de la Pasture do francês para o holandês. Ele se tornou membro da guilda de pintores da cidade e ficou rico. Ele trabalhou como pintor urbano por ordem da corte ducal de Filipe, o Bom, de mosteiros, da nobreza e de mercadores italianos. Ele pintou a prefeitura com quadros da administração da justiça de pessoas famosas do passado (os afrescos foram perdidos).
(Retrato de uma senhora)
A grandiosa e emocionante “Descida da Cruz” (agora no Prado) remonta ao início do período de Bruxelas. Nesta obra, Rogier abandona radicalmente o fundo pictórico, concentrando a atenção do espectador nas experiências trágicas de numerosos personagens que preenchem todo o espaço da tela. Alguns pesquisadores tendem a explicar a reviravolta em seu trabalho pela sua paixão pela doutrina de Tomás de Kempis.
(Descida da cruz com o doador Pierre de Ranchicourt, Bispo de Arras)
O retorno de Rogier do rude realismo de Kampen e da sofisticação do proto-renascimento de Vaneykov à tradição medieval é mais óbvio no políptico “O Juízo Final”. Foi escrito em 1443-1454. encomendado pelo Chanceler Nicolas Rolin para o altar da capela do hospital, fundada por este último na cidade de Beaune, na Borgonha. O lugar dos complexos cenários paisagísticos aqui é ocupado pelo brilho dourado, testado por gerações de seus antecessores, que não consegue distrair o espectador da reverência às imagens sagradas.
(Altar do Juízo Final em Bonn, porta externa direita: Inferno, porta externa esquerda: Paraíso)
No ano de aniversário de 1450, Rogier van der Weyden viajou para a Itália e visitou Roma, Ferrara e Florença. Ele foi calorosamente recebido pelos humanistas italianos (Nicolau de Cusa é conhecido por ter uma crítica louvável sobre ele), mas ele próprio estava interessado principalmente em artistas conservadores como Fra Angelico e Gentile da Fabriano.
(Decapitação de João Batista)
Na história da arte, costuma-se associar a esta viagem o primeiro contato dos italianos com a técnica da pintura a óleo, que Rogier dominou com perfeição. Encomendado pelas dinastias italianas Medici e d'Este, o Fleming completou a "Madonna" da Galeria Uffizi e o famoso retrato de Francesco d'Este. As impressões italianas foram refratadas em composições de altar ("Altar de João Batista", trípticos "Sete". Sacramentos" e "Adoração dos Magos"), executaram-nos no seu regresso à Flandres.
(Adoração dos Magos)
Os retratos de Rogier apresentam algumas características comuns, o que se deve em grande parte ao facto de quase todos retratarem representantes da mais alta nobreza da Borgonha, em cuja aparência e comportamento deixaram a sua marca. ambiente geral, educação e tradições. A artista desenha detalhadamente as mãos das modelos (principalmente os dedos), enobrece e alonga os traços de seus rostos.
(Retrato de Francesco D'Este)
Nos últimos anos, Rogier trabalhou em sua oficina em Bruxelas, cercado por numerosos estudantes, entre os quais, aparentemente, estavam representantes tão importantes da próxima geração como Hans Memling. Eles espalharam sua influência por toda a França, Alemanha e Espanha. Na segunda metade do século XV, no norte da Europa, o estilo expressivo de Rogier prevaleceu sobre as lições tecnicamente mais complexas de Campin e van Eyck. Mesmo no século XVI, muitos pintores permaneceram sob sua influência, de Bernard Orley a Quentin Masseys. No final do século, seu nome começou a ser esquecido e já no século XIX o artista era lembrado apenas em estudos especiais sobre a pintura holandesa antiga. A reconstrução de sua trajetória criativa é complicada pelo fato de ele não ter assinado nenhuma de suas obras, com exceção do retrato de uma mulher em Washington.
(Anunciação a Maria)
Hugo van der Goes (c. 1420-25, Gante - 1482, Oderghem)
Artista flamengo. Albrecht Dürer considerou-o o maior representante da pintura holandesa antiga, juntamente com Jan van Eyck e Rogier van der Weyden.
(Retrato de um Homem de Oração com São João Batista)
Nasceu em Ghent ou Ter Goes na Zelândia. Data exata o nascimento é desconhecido, mas foi encontrado um decreto datado de 1451, que lhe permitiu retornar do exílio. Conseqüentemente, a essa altura ele já havia conseguido fazer algo errado e passar algum tempo no exílio. Ingressou na Guilda de St. Lucas. Em 1467 tornou-se mestre da guilda e em 1473-1476 foi reitor em Ghent. Ele trabalhou em Ghent e, a partir de 1475, no mosteiro agostiniano de Rodendaal, perto de Bruxelas. Lá ele foi ordenado monge em 1478. Últimos anos ele foi marcado por uma doença mental. No entanto, continuou a trabalhar, cumprindo encomendas de retratos. O futuro Sacro Imperador Romano Maximiliano Habsburgo o visitou no mosteiro.
(A crucificação)
Ele deu continuidade às tradições artísticas da pintura holandesa da primeira metade do século XV. As atividades artísticas são variadas. Seus primeiros trabalhos mostram a influência de Bouts.
Participou como decorador na decoração da cidade de Bruges por ocasião do casamento em 1468 do Duque da Borgonha, Carlos, o Temerário e Margarida de York, e posteriormente na decoração de celebrações na cidade de Gante por ocasião da entrada na cidade de Carlos, o Temerário e da nova Condessa de Flandres, em 1472. Obviamente, o seu papel nestas obras foi importante, pois, segundo documentos sobreviventes, recebeu um pagamento mais elevado do que outros artistas. Infelizmente, as pinturas que faziam parte da decoração não sobreviveram. A biografia criativa apresenta muitas ambigüidades e lacunas, uma vez que nenhuma das pinturas é datada pelo artista ou assinada por ele.
(Monge Beneditino)
A obra mais famosa é o grande retábulo “Adoração dos Pastores”, ou “Retábulo de Portinari”, pintado c. 1475 encomendado por Tommaso Portinari, representante do Banco Medici em Bruges, e teve profunda influência nos pintores florentinos: Domenico Ghirlandaio, Leonardo da Vinci e outros.
(Altar de Portinari)
Jan Reitor (1465-1529)
Há menção ao Mestre Reitor em documentos de 1493 guardados na Câmara Municipal de Antuérpia. E em 1494 o mestre mudou-se para Bruges. Sabemos também que em 1498 casou-se com a viúva do pintor e miniaturista francês Simon Marmion.
(O Martírio de Santa Catarina)
Não sabemos com quem Provost estudou, mas a sua arte foi claramente influenciada pelos últimos clássicos do início do Renascimento holandês, Gerard David e Quentin Masseys. E se David procurou expressar uma ideia religiosa através do drama da situação e das experiências humanas, então em Quentin Massey encontraremos outra coisa - um desejo por imagens ideais e harmoniosas. Em primeiro lugar, aqui se sentiu a influência de Leonardo da Vinci, cuja obra Masseys conheceu durante a sua viagem à Itália.
Nas pinturas de Provost, as tradições de G. David e K. Masseys se uniram. No acervo da Ermida do Estado encontra-se uma obra do Reitor - “Maria na Glória”, pintada sobre tábua de madeira na técnica da pintura a óleo.
(A Virgem Maria na Glória)
Esta enorme pintura retrata a Virgem Maria rodeada por um brilho dourado, parada em uma lua crescente nas nuvens. Em seus braços está o bebê Cristo. Acima dela, Deus Pai e São pairam no ar. Espírito em forma de pomba e quatro anjos. Abaixo está o Rei David ajoelhado com uma harpa nas mãos e o Imperador Augusto com uma coroa e cetro. Além deles, a imagem retrata sibilas (personagens mitologia antiga, prevendo o futuro e interpretando sonhos) e profetas. Nas mãos de uma das Sibilas está um pergaminho com a inscrição “O ventre da virgem será a salvação das nações”.
No fundo da imagem avista-se uma paisagem com prédios urbanos e um porto, marcante pela sutileza e poesia. Todo esse enredo complexo e teologicamente intrincado era tradicional na arte holandesa. Mesmo a presença de personagens antigos foi percebida como uma espécie de tentativa de justificação religiosa dos clássicos antigos e não surpreendeu ninguém. O que nos parece complexo foi percebido com facilidade pelos contemporâneos do artista e foi uma espécie de ABC em suas pinturas.
No entanto, o Reitor dá um certo passo no sentido do domínio deste tema religioso. Ele une todos os seus personagens em um único espaço. Ele combina em uma cena o terreno (Rei Davi, o Imperador Augusto, as Sibilas e os profetas) e o celestial (Maria e os anjos). Segundo a tradição, ele retrata tudo isso tendo como pano de fundo uma paisagem, o que aumenta ainda mais a impressão da realidade do que está acontecendo. O Reitor traduz cuidadosamente a ação para a vida contemporânea. Nas figuras de David e Augusto pode-se facilmente adivinhar os clientes da pintura, holandeses ricos. As antigas Sibilas, cujos rostos são quase como retratos, lembram vividamente as ricas mulheres da cidade daquela época. Mesmo uma paisagem magnífica, apesar de toda a sua natureza fantástica, é profundamente realista. Ele, por assim dizer, sintetiza em si mesmo a natureza da Flandres, idealiza-a.
A maioria das pinturas do Reitor são natureza religiosa. Infelizmente, uma parte significativa das obras não sobreviveu e é quase impossível recriar uma imagem completa da sua obra. No entanto, segundo depoimentos de contemporâneos, sabemos que o Reitor participou na formalização da entrada cerimonial do Rei Carlos em Bruges. Isso fala da fama e dos grandes méritos do mestre.
(Virgem e o Menino)
Segundo Dürer, com quem o reitor viajou por algum tempo na Holanda, a entrada foi organizada com grande pompa. Todo o caminho desde os portões da cidade até a casa onde o rei se hospedava era decorado com arcadas sobre colunas, havia coroas, coroas, troféus, inscrições e tochas por toda parte. Havia também muitos quadros e representações alegóricas dos "talentos do imperador".
O Reitor teve grande participação no projeto. Arte holandesa do século XVI, representante típico que foi Jan Provost, deu origem a obras que, segundo B. R. Wipper, “cativam não tanto como as criações de grandes mestres, mas como evidência de um elevado e variado cultura artística».
(Alegoria Cristã)
Jeroen Anthony van Aken (Hieronymus Bosch) (por volta de 1450-1516)
O artista holandês, um dos maiores mestres da Renascença do Norte, é considerado um dos pintores mais misteriosos da história da arte ocidental. Na cidade natal de Bosch - 's-Hertogenbosch - foi aberto um centro de trabalho de Bosch, que exibe cópias de suas obras.
Jan Mandijn (1500/1502, Haarlem - 1559/1560, Antuérpia)
Artista holandês do Renascimento e do Maneirismo do Norte.
Jan Mandijn pertence ao grupo de artistas de Antuérpia que seguiram Hieronymus Bosch (Peter Hayes, Herry met de Bles, Jan Wellens de Kock), que continuaram a tradição das imagens fantásticas e lançaram as bases do chamado Maneirismo do Norte, em oposição a Italiano. As obras de Jan Mundain, com seus demônios e espíritos malignos, são as que mais se aproximam da herança do misterioso.
(São Cristóvão. (Museu Estatal Hermitage, São Petersburgo))
A autoria das pinturas atribuídas a Mundain, exceto “As Tentações de St. Anthony”, não foi estabelecido com certeza. Acredita-se que Mundain era analfabeto e, portanto, não poderia ter assinado suas Tentações em escrita gótica. Os historiadores da arte sugerem que ele simplesmente copiou a assinatura de uma amostra acabada.
Sabe-se que por volta de 1530 Mundein tornou-se mestre em Antuérpia, seus alunos foram Gillis Mostert e Bartholomeus Spranger.
Maarten van Heemskerk (nome verdadeiro Maarten Jacobson van Ven)
Maarten van Ven nasceu na Holanda do Norte, numa família de camponeses. Contra a vontade de seu pai, ele foi para Haarlem para estudar com o artista Cornelis Willems, e em 1527 tornou-se aluno de Jan van Scorel, e atualmente os historiadores da arte nem sempre são capazes de determinar a identidade exata das pinturas individuais de Scorel. ou Heemskerk. Entre 1532 e 1536 o artista viveu e trabalhou em Roma, onde as suas obras tiveram grande sucesso. Na Itália, van Heemskerck cria suas pinturas em estilo artístico maneirismo.
Depois de regressar à Holanda, recebeu inúmeras encomendas da igreja, tanto para pintura de altares como para a realização de vitrais e tapeçarias de parede. Ele foi um dos principais membros da Guilda de São Lucas. De 1550 até sua morte em 1574, Maarten van Heemskerk serviu como diretor da Igreja de St. Bavo em Haarlem. Entre outras obras, van Heemskerk é conhecido por sua série de pinturas As Sete Maravilhas do Mundo.
(Retrato de Anna Codde 1529)
(São Lucas Pintando a Virgem com o Menino 1532)
(Homem das Dores 1532)
(O lote infeliz dos ricos 1560)
(Autorretrato em Roma com o Coliseu 1553)
Joachim Patinir (1475/1480, Dinan na província de Namur, Valônia, Bélgica - 5 de outubro de 1524, Antuérpia, Bélgica)
Pintor flamengo, um dos fundadores da pintura paisagística europeia. Trabalhou em Antuérpia. Fez da natureza o principal componente da imagem em composições sobre temas religiosos, nas quais, seguindo a tradição dos irmãos Van Eyck, Gerard David e Bosch, criou um majestoso espaço panorâmico.
Trabalhou com Quentin Masseys. Presumivelmente, muitas das obras agora atribuídas a Patinir ou Masseys são, na verdade, colaborações entre eles.
(Batalha de Pavia)
(Milagre de Santa Catarina)
(Paisagem com O voo para o Egito)
Herry conheceu de Bles (1500/1510, Bouvigne-sur-Meuse - por volta de 1555)
Artista flamengo, juntamente com Joachim Patinir, um dos fundadores da pintura paisagística europeia.
Quase nada se sabe de forma confiável sobre a vida do artista. Em particular, o seu nome é desconhecido. O apelido "met de Bles" - "com uma mancha branca" - ele provavelmente herdou de uma mecha de cabelo branca. Ele também tinha o apelido italiano de "Civetta" - "coruja" - já que seu monograma, que usava como assinatura em suas pinturas, era uma pequena estatueta de uma coruja.
(Paisagem com cena de fuga para o Egito)
Herry conheceu de Bles e passou a maior parte de sua carreira em Antuérpia. Presume-se que ele era sobrinho de Joachim Patinir, e o nome verdadeiro do artista era Herry de Patinir. De qualquer forma, em 1535, um certo Herry de Patinir juntou-se à Guilda de São Lucas de Antuérpia. Herry met de Bles também está incluído no grupo de artistas do sul da Holanda que seguiram Hieronymus Bosch, juntamente com Jan Mandijn, Jan Wellens de Kock e Pieter Geys. Esses mestres deram continuidade às tradições da pintura fantástica de Bosch, e seu trabalho é às vezes chamado de “maneirismo do norte” (em oposição ao maneirismo italiano). Segundo algumas fontes, o artista morreu em Antuérpia, segundo outras - em Ferrara, na corte do Duque del Este. Não se sabe o ano de sua morte nem se ele alguma vez visitou a Itália.
Herry met de Bles pintou principalmente paisagens, seguindo o padrão de Patinir, que também retratava composições multifiguradas. A atmosfera é cuidadosamente transmitida nas paisagens. Típica dele, assim como de Patinir, é uma imagem estilizada de pedras.
Lucas van Leyden (Lucas de Leiden, Lucas Huygens) (Leiden 1494 - Leiden 1533)
Estudou pintura com Cornelis Engelbrects. Desde muito cedo dominou a arte da gravura e trabalhou em Leiden e Middelburg. Em 1522 juntou-se à Guilda de São Lucas em Antuérpia, depois regressou a Leiden, onde morreu em 1533.
(Tríptico com danças ao redor do bezerro de ouro. 1525-1535. Rijksmuseum)
Nas cenas de gênero, ele deu um passo ousado em direção a uma representação nitidamente realista da realidade.
Em termos de habilidade, Luke de Leiden não é inferior a Durer. Ele foi um dos primeiros artistas gráficos holandeses a demonstrar compreensão das leis perspectiva do ar leve. Porém, ele estava mais interessado nos problemas de composição e técnica, e não na fidelidade à tradição ou no som emocional das cenas sobre temas religiosos. Em 1521, em Antuérpia, conheceu Albrecht Dürer. A influência da obra do grande mestre alemão manifestou-se numa modelagem mais rígida e numa interpretação mais expressiva das figuras, mas Lucas de Leiden nunca perdeu as características próprias do seu estilo: figuras altas e bem constituídas em poses um tanto educadas. e rostos cansados. No final da década de 1520, a influência do gravador italiano Marcantonio Raimondi apareceu em sua obra. Quase todas as gravuras de Lucas de Leiden são assinadas com a inicial “L”, e cerca de metade de suas obras são datadas, incluindo a famosa série “Paixão de Cristo” (1521). Cerca de uma dúzia de suas xilogravuras sobreviveram, a maioria retratando cenas do Antigo Testamento. Do pequeno número de pinturas sobreviventes de Lucas de Leiden, uma das mais famosas é o tríptico “O Juízo Final” (1526).
(Carlos V, Cardeal Wolseley, Margarida da Áustria)
Jos van Cleve (data de nascimento desconhecida, provavelmente Wesel - 1540-41, Antuérpia)
A primeira menção de Jos van Cleve remonta a 1511, quando foi admitido na Guilda de São Lucas de Antuérpia. Anteriormente, Joos van Cleve estudou com Jan Joost van Kalkar juntamente com Bartholomeus Brain the Elder. Ele é considerado um dos artistas mais ativos de sua época. A sua estadia em França é evidenciada pelas suas pinturas e pela sua posição como artista na corte de Francisco I. Há factos que confirmam a viagem de Jos à Itália.
As principais obras de Jos van Cleve são dois altares representando a Assunção da Virgem (atualmente em Colônia e Munique), que antes eram atribuídos ao desconhecido artista Mestre da Vida de Maria.
(Adoração dos Magos. 1º terço do século XVI. Galeria de quadros. Dresden)
Joos van Cleve é considerado um romancista. Em suas técnicas de modelagem suave de volumes, sente-se um eco da influência do sfumato de Leonardo da Vinci. No entanto, em muitos aspectos significativos do seu trabalho ele está firmemente ligado à tradição holandesa.
A Assunção da Virgem da Alte Pinakothek já esteve localizada na Igreja da Virgem Maria em Colônia e foi encomendada por representantes de várias famílias ricas e relacionadas de Colônia. A pintura do altar apresenta duas portas laterais representando os padroeiros dos clientes. A porta central representa maior interesse. Van Mander escreveu sobre o artista: “Ele foi o melhor colorista de sua época, sabia dar um relevo muito bonito às suas obras e transmitia a cor do corpo extremamente próxima da natureza, usando apenas uma tinta corporal. Suas obras foram altamente valorizadas pelos amantes da arte, o que eles mereciam.”
O filho de Joos van Cleve, Cornelis, também se tornou um artista.
Artista flamengo da Renascença do Norte. Estudou pintura com Bernard van Orley, que iniciou sua visita à península italiana. (Coxcie às vezes é escrito Coxie, como em Mechelen, numa rua dedicada ao artista). Em Roma, em 1532, pintou as capelas do Cardeal Enckenvoirt na igreja de Santa Maria Delle "Anima e Giorgio Vasari, suas obras executadas à maneira italiana. Mas a principal obra de Coxie foi o desenvolvimento para gravadores e a fábula de Psiquê em trinta e dois deixa por Agostino Veneziano e pelo Mestre de Daia exemplos favoráveis de sua habilidade.
Regressando à Holanda, Coxey desenvolveu significativamente a sua prática nesta área da arte. Coxey voltou para Mechelen, onde projetou o altar da capela da Guilda de São Lucas. No centro deste altar está apresentado São Lucas Evangelista, padroeiro dos artistas, com a imagem da Virgem, nas partes laterais está a cena do martírio de São Vito e a Visão de São João Evangelista em Patmos. Ele foi patrocinado por Carlos V, o imperador romano. Suas obras-primas 1587 - 1588 são mantidos na catedral de Mechelen, na catedral de Bruxelas, nos museus de Bruxelas e Antuérpia. Ele era conhecido como o Rafael Flamengo. Ele morreu em Mechelen em 5 de março de 1592, caindo de um lance de escadas.
(Christina da Dinamarca)
(Assassinato de Abel)
Marinus van Reimerswaal (c. 1490, Reimerswaal - depois de 1567)
O pai de Marinus era membro da guilda de artistas de Antuérpia. Marinus é considerado aluno de Quentin Masseys, ou pelo menos influenciado por ele em seu trabalho. No entanto, van Reimerswaele não se dedicou apenas à pintura. Depois de deixar sua terra natal, Reimerswaal, mudou-se para Middelburg, onde participou de um assalto a uma igreja, foi punido e expulso da cidade.
Marinus van Reimerswaele permaneceu na história da pintura graças às suas imagens de São Pedro. Jerônimo e retratos de banqueiros, agiotas e cobradores de impostos em roupas elaboradas cuidadosamente pintadas pelo artista. Esses retratos eram muito populares naquela época como a personificação da ganância.
Pintor e artista gráfico do sul da Holanda, o mais famoso e significativo dos artistas que levaram este sobrenome. Mestre em paisagens e cenas de gênero. Pai dos artistas Pieter Bruegel, o Jovem (Inferno) e Jan Bruegel, o Velho (Paraíso).
Os Países Baixos são uma região histórica que ocupa parte das vastas planícies da costa norte da Europa, desde o Golfo da Finlândia até ao Canal da Mancha. Atualmente, este território inclui os estados dos Países Baixos (Holanda), Bélgica e Luxemburgo.
Após o colapso do Império Romano, os Países Baixos tornaram-se um conjunto heterogêneo de grandes e pequenos estados semi-independentes. Os mais significativos entre eles foram o Ducado de Brabante, os condados de Flandres e Holanda e o Bispado de Utrecht. No norte do país, a população era principalmente alemã - frísios e holandeses, no sul predominavam os descendentes de gauleses e romanos - flamengos e valões;
Os holandeses trabalharam desinteressadamente com seu talento especial de “fazer as coisas mais chatas sem tédio”, como disse o historiador francês Hippolyte Taine sobre esse povo, totalmente dedicado à vida cotidiana. Eles não conheciam a poesia sublime, mas reverenciavam com ainda mais reverência as coisas mais simples: uma casa limpa e confortável, uma lareira quente, uma comida modesta, mas saborosa. O holandês está habituado a ver o mundo como uma enorme casa onde é chamado a manter a ordem e o conforto.
Principais características da arte renascentista holandesa
Comum à arte do Renascimento na Itália e nos países da Europa Central é o desejo de uma representação realista do homem e do mundo que o rodeia. Mas estes problemas foram resolvidos de forma diferente devido às diferenças na natureza das culturas.Para os artistas italianos do Renascimento, era importante generalizar e criar uma imagem ideal, do ponto de vista do humanismo, de uma pessoa. A ciência desempenhou um papel importante para eles - os artistas desenvolveram teorias de perspectiva e a doutrina das proporções.
Os mestres holandeses foram atraídos pela diversidade da aparência individual das pessoas e pela riqueza da natureza. Eles não buscam criar uma imagem generalizada, mas transmitem o que é característico e especial. Os artistas não usam teorias de perspectiva e outras, mas transmitem a impressão de profundidade e espaço, efeitos ópticos e a complexidade das relações de luz e sombra através de observação cuidadosa.
Caracterizam-se pelo amor à sua terra e pela atenção incrível a todas as pequenas coisas: à sua natureza nativa do Norte, às peculiaridades da vida quotidiana, aos detalhes do interior, aos trajes, à diferença de materiais e texturas...
Artistas holandeses reproduzem os mínimos detalhes com o máximo cuidado e recriam a riqueza cintilante das cores. Estes novos problemas de pintura só poderiam ser resolvidos com a ajuda de uma nova técnica de pintura a óleo.
A descoberta da pintura a óleo é atribuída a Jan van Eyck. A partir de meados do século XV, esta nova “maneira flamenga” substituiu a antiga técnica da têmpera na Itália. Não é por acaso que nos altares holandeses, que são um reflexo de todo o Universo, você pode ver tudo o que o compõe - cada folha de grama e árvore da paisagem, detalhes arquitetônicos de catedrais e casas da cidade, pontos de ornamentos bordados nas vestes dos santos, bem como em uma série de outros detalhes muito pequenos.
A arte do século XV é a época de ouro da pintura holandesa.
Seu representante mais brilhante Jan Van Eyck. OK. 1400-1441.
O maior mestre da pintura europeia:
abriu com sua criatividade nova era Início do Renascimento na arte holandesa.
Ele era o artista da corte do duque da Borgonha, Filipe, o Bom.
Um dos primeiros a dominar o plástico e capacidades expressivas pintura a óleo, usando finas camadas transparentes de tinta colocadas umas sobre as outras (o chamado estilo flamengo de pintura transparente multicamadas).
A maior obra de Van Eyck foi o Retábulo de Gante, que ele executou junto com seu irmão.
O Retábulo de Gante é um grandioso políptico de várias camadas. Sua altura na parte central é de 3,5 m, largura quando aberta é de 5 m.
Do lado de fora do altar (quando está fechado) está o ciclo diário:
- na linha inferior estão representados os doadores - o citadino Jodok Veidt e sua esposa, rezando diante das estátuas dos Santos João Batista e João Evangelista, padroeiros da igreja e da capela.
- acima está a cena da Anunciação, com as figuras da Mãe de Deus e do Arcanjo Gabriel separadas pela imagem de uma janela de onde emerge a paisagem da cidade.
O ciclo festivo está representado no interior do altar.
Quando as portas do altar se abrem, uma transformação verdadeiramente impressionante ocorre diante dos olhos do espectador:
- o tamanho do políptico é duplicado,
- a imagem da vida cotidiana é instantaneamente substituída pelo espetáculo do paraíso terrestre.
- os armários apertados e sombrios desaparecem, e o mundo parece se abrir: a ampla paisagem se ilumina com todas as cores da paleta, luminosas e frescas.
A pintura do ciclo festivo é dedicada ao tema, raro nas belas-artes cristãs, do triunfo do mundo transformado, que deverá vir depois do Juízo Final, quando o mal será finalmente derrotado e a verdade e a harmonia serão estabelecidas na terra.
Na linha superior:
- na parte central do altar, Deus Pai é representado sentado em um trono,
- a Mãe de Deus e João Batista estão sentados à esquerda e à direita do trono,
- então em ambos os lados há anjos cantando e tocando música,
- as figuras nuas de Adão e Eva fecham a fila.
A linha inferior de pinturas retrata uma cena de adoração ao Divino Cordeiro.
- no meio da campina ergue-se um altar, sobre ele está um Cordeiro branco, o sangue escorre de seu peito perfurado para um cálice
- mais perto do observador existe um poço de onde flui água viva. 
Hierônimo Bosch (1450 - 1516)
A ligação da sua arte com as tradições folclóricas e o folclore.
Em suas obras, ele combinou intrinsecamente as características da ficção medieval, do folclore, das parábolas filosóficas e da sátira.
Ele criou composições religiosas e alegóricas com várias figuras, pinturas sobre temas provérbios populares, provérbios e parábolas.
As obras de Bosch estão repletas de inúmeras cenas e episódios, imagens e detalhes vívidos e bizarros-fantásticos, cheios de ironia e alegoria.
O trabalho de Bosch teve uma enorme influência no desenvolvimento de tendências realistas na pintura holandesa do século XVI.
Composição “Tentação de S. Anthony" é uma das obras mais famosas e misteriosas do artista. A obra-prima do mestre foi o tríptico “Jardim das Delícias”, uma intrincada alegoria que recebeu muitos diferentes interpretações. No mesmo período, foram publicados os trípticos “O Juízo Final”, “Adoração dos Magos”, composições “S. João em Patmos", "João Batista no Deserto".
O período tardio da obra de Bosch inclui o tríptico “Céu e Inferno”, as composições “O Vagabundo”, “Carregando a Cruz”.
A maioria das pinturas de Bosch de seu período maduro e tardio são grotescas bizarras contendo profundas conotações filosóficas.
O grande tríptico “Hay Wagon”, muito apreciado por Filipe II de Espanha, remonta ao período maduro de criatividade do artista. A composição do altar é provavelmente baseada em um antigo provérbio holandês: “O mundo é um palheiro e todos tentam tirar dele o máximo que podem”.
Tentação de S. Antônia. Tríptico. Parte central Madeira, óleo. 131,5 x 119 cm (parte central), 131,5 x 53 cm (folha) Museu Nacional Arte antiga, Lisboa 
Jardim das Delícias. Tríptico. Por volta de 1485. Parte central
Madeira, óleo. 220 x 195 cm (parte central), 220 x 97 cm (folha) Museu do Prado, Madrid
Arte holandesa do século XVI. marcado pelo surgimento do interesse pela antiguidade e pelas atividades dos mestres do Renascimento italiano. No início do século surgiu um movimento baseado na imitação dos modelos italianos, denominado “Romanismo” (de Roma, nome latino para Roma).
O auge da pintura holandesa na segunda metade do século foi a criatividade Pieter Bruegel, o Velho. 1525/30-1569. Apelidado de Muzhitsky.
Ele criou uma arte profundamente nacional, inspirando-se nas tradições holandesas e no folclore local.
Desempenhou um papel importante na formação do gênero camponês e da paisagem nacional. Na obra de Bruegel, o humor folclórico áspero, o lirismo e a tragédia, os detalhes realistas e o grotesco fantástico, o interesse pela narrativa detalhada e o desejo de ampla generalização estão intrinsecamente interligados.
Nas obras de Bruegel há uma proximidade com as performances moralizantes do teatro popular medieval.
O duelo do bobo da corte entre Maslenitsa e a Quaresma é uma cena comum em apresentações justas realizadas na Holanda durante os dias de despedida de inverno.
Em todos os lugares a vida está a todo vapor: há danças circulares, aqui se lavam janelas, uns jogam dados, outros negociam, alguém pede esmola, alguém é levado para ser enterrado...
Provérbios. 1559. A pintura é uma espécie de enciclopédia do folclore holandês.
Os personagens de Bruegel conduzem-se pelo nariz, sentam-se entre duas cadeiras, batem a cabeça na parede, ficam pendurados entre o céu e a terra... O provérbio holandês “E há rachaduras no telhado” tem um significado próximo do russo “E as paredes têm ouvidos.” O holandês “jogar dinheiro na água” significa o mesmo que o russo “desperdiçar dinheiro”, “jogar dinheiro no ralo”. Todo o quadro é dedicado ao desperdício de dinheiro, energia e de toda a vida - aqui eles cobrem o telhado com panquecas, atiram flechas no vazio, tosquiam porcos, se aquecem com as chamas de uma casa em chamas e confessam o diabo.
A terra inteira tinha uma língua e um dialeto. Movendo-se do leste, encontraram uma planície na terra de Sinar e estabeleceram-se ali. E disseram uns aos outros: “Vamos fazer tijolos e queimá-los no fogo”. E usaram tijolos em vez de pedras e alcatrão em vez de cal. E eles disseram: “Construamos para nós uma cidade e uma torre cuja altura chegue até o céu, e façamos um nome para nós mesmos antes de sermos espalhados pela face da terra. E o Senhor desceu para ver a cidade e a torre que os filhos dos homens estavam construindo. E o Senhor disse: “Eis que há um povo, e todos eles têm uma língua, e foi isso que começaram a fazer, e não desistirão do que planejaram fazer. Desçamos e confundamos ali a língua deles, para que um não entenda a fala do outro.” E o Senhor os espalhou dali por toda a terra; e pararam de construir a cidade e a torre. Por isso, lhe foi dado o nome: Babilônia, pois ali o Senhor confundiu a língua de toda a terra, e dali o Senhor os espalhou por toda a terra (Gênesis, capítulo 11). Em contraste com a agitação colorida das primeiras obras de Bruegel, esta pintura surpreende o espectador com sua calma. A torre retratada na imagem lembra o anfiteatro romano Coliseu, que o artista viu na Itália, e ao mesmo tempo - um formigueiro. Em todos os andares da enorme estrutura, o trabalho incansável está a todo vapor: blocos giram, escadas são lançadas, figuras de trabalhadores correm. Percebe-se que a ligação entre os construtores já se perdeu, provavelmente devido à “mistura de linguagens” que se iniciou: em algum lugar a construção está a todo vapor, e em algum lugar a torre já se transformou em ruínas.
Depois que Jesus foi entregue para ser crucificado, os soldados colocaram-lhe uma pesada cruz e levaram-no ao local de execução chamado Gólgota. No caminho, capturaram Simão de Cirene, que voltava do campo para casa, e obrigaram-no a carregar a cruz por Jesus. Muitas pessoas seguiram Jesus, entre elas mulheres que choraram e lamentaram por Ele. “Carregando a Cruz” é uma imagem religiosa e cristã, mas não é mais uma imagem de igreja. Bruegel correlacionou as verdades da Sagrada Escritura com a experiência pessoal, refletiu sobre os textos bíblicos, deu-lhes a sua própria interpretação, ou seja, violou abertamente o decreto imperial de 1550 em vigor na época, que, sob pena de morte, proibia o estudo independente da Bíblia.
Bruegel cria uma série de paisagens “Os Meses”. “Hunters in the Snow” é dezembro-janeiro.
Para um mestre, cada estação é, antes de tudo, um estado único da terra e do céu.
Uma multidão de camponeses, cativados pelo ritmo rápido da dança.
