Belas artes do classicismo. classicismo

Belas artes do classicismo. classicismo - (do lat.

MHC, 11º ano

Lição #6

A arte do classicismo e do rococó

D.Z.: Capítulo 6, ?? (pág.63), televisão. tarefas (p.63-65), guia. (p. 63) preencher caderno

LIÇÕES OBJETIVAS

dar uma ideia da arte do classicismo, do sentimentalismo e do rococó;
ampliar seus horizontes e habilidades na análise de gêneros artísticos;
cultivar a consciência nacional e a autoidentificação, o respeito pela criatividade musical do Rococó.

CONCEITOS, IDEIAS

O. Fragonard;
classicismo;
G. Rigo;
rococó;
sentimentalismo;
hedonismo;
rocaillea;
mascarões;
V.L. Borovikovsky;
Império;
JJ Rousseau

Testando o conhecimento dos alunos

1. Quais são as características cultura musical barroco? Como é diferente da música renascentista? Justifique sua resposta com exemplos específicos.

2. Por que C. Monteverdi é considerado o primeiro compositor barroco? Qual foi o caráter reformatório de sua obra? O que é característico do “Estilo Excited” de sua música? Como esse estilo se reflete em obras de ópera compositor? O que une a criatividade musical de C. Monteverdi às obras de arquitetura e pintura barroca?

3. O que distingue a criatividade musical de J. S. Bach? Por que é geralmente considerado no âmbito da cultura musical barroca? Você já ouviu música de órgão JS Bach? Onde? Quais são suas impressões? Quais obras do grande compositor são especialmente próximas de você? Por que?

4. Quais são os traços característicos da música barroca russa? Quais foram os concertos das Partes do século XVII? início do XVIII V.? Por que o desenvolvimento da música barroca russa está associado à formação escola de compositor na Rússia? Que impressão a espiritualidade causa em você? música coral M. S. Berezovsky e D. S. Bortnyansky?

Atividades de aprendizagem universais

 Avalie ; identificar maneiras e meios encontrar conexões associativas sistematizar e resumir
 identificar características essenciais de estilos classicismo e rococó, correlacionando-os com uma época histórica específica;
explorar relações de causa e efeito , padrões de mudança nos modelos artísticos do mundo;
Avalie estético, espiritual e artístico valor da era cultural e histórica ;
identificar maneiras e meios expressão de ideias sociais e ideais estéticos da época no processo de análise de obras de arte do classicismo, rococó e sentimentalismo;
encontrar conexões associativas e as diferenças entre as imagens artísticas do classicismo, barroco e rococó apresentadas em Vários tipos arte;
caracterizar as principais características , imagens e temas da arte do classicismo, rococó e sentimentalismo;
apresentar hipóteses, dialogar , defenda seu próprio ponto de vista sobre os problemas formulados;
sistematizar e resumir adquiriu conhecimento sobre os principais estilos e movimentos arte XVII-XVIII séculos (trabalhando com uma mesa)

APRENDENDO NOVO MATERIAL

Estética do classicismo.
Rococó e sentimentalismo.

Atribuição de aula. Qual o significado da estética do classicismo, da arte rococó e do sentimentalismo para a civilização e a cultura mundial?

sub-perguntas

Estética do classicismo. Apele à herança antiga e aos ideais humanísticos do Renascimento. Desenvolvimento do seu próprio programa estético. O conteúdo principal da arte do classicismo e seu método criativo. Características do classicismo em vários tipos de arte. A formação do sistema estilístico do classicismo na França e sua influência no desenvolvimento da cultura artística dos países da Europa Ocidental. O conceito do estilo Império.
Rococó e sentimentalismo *. Origem do termo "Rococó". As origens do estilo artístico e sua características. Objetivos do Rococó (a exemplo de obras-primas de artes decorativas e aplicadas). O sentimentalismo como um dos movimentos artísticos do classicismo. A estética do sentimentalismo e seu fundador J. J. Rousseau. Especificidades do sentimentalismo russo na literatura e na pintura (V. L. Borovikovsky)

Estética

classicismo

Novo Estilo de arte - classicismo(lat. classicus exemplar) - seguiu as conquistas clássicas da Antiguidade e os ideais humanísticos do Renascimento.
Arte Grécia antiga e a Roma Antiga tornou-se para o classicismo a principal fonte de temas e enredos: apelos a mitologia antiga e história, links para cientistas, filósofos e escritores de autoridade.
De acordo com a tradição antiga, foi proclamado o princípio da primazia da natureza.

Levitsky D.G.

Retrato

Denis Diderot. 1773-1774 Museu de Arte e História da Cidade de Genebra, na Suíça.

“...estudar a Antiguidade para aprender a ver a Natureza”

(Denis Diderot)

Estética

classicismo

Princípios estéticos do classicismo:

1. Idealização cultura grega antiga e arte, orientação para princípios morais e ideias de cidadania

2. Prioridade Valor educacional arte, reconhecimento do protagonismo da razão no conhecimento da beleza.

3. Proporcionalidade, rigor, clareza no classicismo são combinados com completude, completude imagens artísticas, universalismo e normatividade.

O conteúdo principal da arte do classicismo era a compreensão do mundo como um mecanismo racionalmente organizado, onde era atribuído ao homem um papel organizador significativo.

O. Fragonap. Retrato

Denis Diderot. 1765-1769 Louvre, Paris

Estética

classicismo

Método criativo do classicismo:

o desejo de clareza razoável, harmonia e simplicidade estrita;
aproximar-se de uma reflexão objetiva do mundo circundante;
manter a correção e a ordem;
subordinação do particular ao principal;
alto gosto estético;
contenção e calma;
racionalismo e lógica nas ações.

Cláudio Lorrain. Partida da Rainha de Sabá (1648). Nacional de Londres Galeria de Arte

Estética

classicismo

Cada uma das formas de arte foi

tem seus próprios recursos especiais:

1. A base da linguagem arquitetônica

o classicismo se torna ordem ( tipo

composição arquitetônica usando

certos elementos e

sujeito a uma certa arquitetura

processamento de estilo ) , muito mais

semelhante em forma e proporções a

arquitetura da Antiguidade.

2. Obras de arquitetura se destacam

organização estrita

proporcionalidade e equilíbrio

volumes, geométrico

correção de linhas, regularidade

layouts.

3. Característica da pintura : claro

demarcação de planos, rigor

desenho, cuidadosamente executado

modelagem de volume de corte.

4. Papel especial na decisão

tarefa educacional desempenhada

literatura e principalmente teatro ,

que se tornou a espécie mais difundida

arte desta época.

C. Percier, PFL. Foppep.

Arco do Triunfo na Place Carrousel em Paris. 1806 (estilo - estilo Império)

Estética

classicismo

Durante o reinado do “Rei Sol” Luís XIV (1643-1715), desenvolveu-se um certo modelo ideal de classicismo, que foi imitado na Espanha, Alemanha, Inglaterra e outros países. da Europa Oriental, América do Norte e do Sul.
No início, a arte do classicismo era inseparável da ideia de monarquia absoluta e era a personificação da integridade, grandeza e ordem.

G. Rigo. Retrato de Luís XIV.

1701 Louvre, Paris

Estética

classicismo

Catedral de Kazan em São Petersburgo (1801-1811) Arco. UM. Voronikhin.

A arte na forma do chamado classicismo revolucionário serviu aos ideais da luta contra a tirania, para a afirmação direitos civis personalidades sintonizadas com a Revolução Francesa.
No último estágio de seu desenvolvimento, o classicismo

expressou os ideais do Império Napoleônico.

Ele encontrou sua continuação artística no estilo estilo império (do estilo francês Império - “estilo imperial”) - estilo tardio (alto)

classicismo na arquitetura e Artes Aplicadas. Originado em

França durante o reinado do imperador Napoleão I.

Rococó e

Com e n T E eu e n T A eu E h eu

Um traço característico do século XVIII. na arte da Europa Ocidental tornou-se um fato indiscutível a existência simultânea do barroco, do rococó e do sentimentalismo com o classicismo.
Reconhecendo apenas harmonia e a ordem, o classicismo “endireitou” as formas bizarras da arte barroca, deixou de perceber o mundo espiritual do homem como trágico e transferiu o conflito principal para a esfera das relações entre o indivíduo e o Estado. O barroco, tendo sobrevivido à sua utilidade e chegado à sua conclusão lógica, deu lugar ao classicismo e ao rococó.

O. Fragonard. Feliz

possibilidades de balanço. 1766

Coleção Wallace, Londres

Rococó e

Com e n T E eu e n T A eu E h eu

Na década de 20 Século XVIII na França

um novo estilo de arte surgiu -

rococó (rocaille francês - pia). Já

o próprio nome revelado

principal, característica esse

estilo - paixão pelo refinado

E formas complexas, peculiar

linhas que em muitos aspectos se assemelhavam

contorno da concha.

A concha então se transformou em

ondulação complexa com alguns

fendas estranhas, então em

decoração em forma de escudo ou

pergaminho meio desdobrado com

imagem de um brasão ou emblema.

Na França, o interesse pelo estilo

Rococó enfraquecido no final da década de 1760

anos, mas nos países da Central

Europa, sua influência foi

visivelmente até o final do século XVIII

séculos.

Rinaldi Rococó:

interiores do Castelo de Gatchina.

Gatchina

Rococó e

Com e n T E eu e n T A eu E h eu

lar propósito da arte rococó - entregar sensualidade

prazer ( hedonismo ). A arte deveria ter

agradar, tocar e entreter, transformando a vida em um sofisticado baile de máscaras e “jardins de amor”.

Casos amorosos complexos, hobbies fugazes, ações ousadas e arriscadas de heróis que desafiam a sociedade, aventuras e fantasias, diversões galantes e celebrações determinaram o conteúdo das obras da arte rococó.

Alegoria das artes plásticas,

1764 – Óleo sobre tela; 103 x 130 cm. Rococó. França. Washington, Nat. galeria.

Rococó e

Com e n T E eu e n T A eu E h eu

Traços característicos do estilo Rococó nas obras de arte:

graciosidade e leveza, complexidade, sofisticação decorativa

e improvisação, pastoralismo (idílio de pastor), desejo pelo exótico;

Ornamentos em forma de conchas e cachos estilizados, arabescos, guirlandas de flores, estatuetas de cupidos, cartelas rasgadas, máscaras;

uma combinação de luz pastel e tons delicados com grande quantia detalhes em branco e dourado;

o culto da bela nudez, que remonta à tradição milenar, à sensualidade sofisticada, ao erotismo;

O culto às pequenas formas, à intimidade, à miniatura (especialmente na escultura e na arquitetura), o amor pelas pequenas coisas e bugigangas (“ninharias adoráveis”) que enchiam a vida de uma pessoa galante;

estética de nuances e sugestões, dualidade intrigante

imagens transmitidas com a ajuda de gestos leves, meias voltas,

movimentos faciais quase imperceptíveis, meio sorriso, nebuloso

olhar ou brilho úmido nos olhos.

Rococó e

Com e n T E eu e n T A eu E h eu

O estilo rococó atingiu seu maior florescimento nas obras de

artes decorativas e aplicadas da França (interiores de palácios

e trajes da aristocracia). Na Rússia, manifestou-se principalmente na decoração arquitetônica - na forma de pergaminhos, escudos e intrincados conchas - rocaille (ornamentos decorativos imitando

uma combinação de conchas extravagantes e plantas estranhas), bem como maekaranov (máscaras moldadas ou esculpidas em forma

rosto humano ou cabeça de animal colocado acima de janelas, portas, arcos, fontes, vasos e móveis).

Rococó e

Com e n T E eu e n T A eu E h eu

Sentimentalismo (Sentimento francês - sentimento). Em termos de visão de mundo, ele, assim como o classicismo, baseava-se nas ideias do Iluminismo.

Um lugar importante na estética do sentimentalismo foi ocupado pela representação do mundo dos sentimentos e experiências humanas (daí o seu nome).

Os sentimentos foram percebidos como uma manifestação do princípio natural da pessoa, seu estado natural, possível apenas através do contato próximo com a natureza.

Conquistas da civilização com muitos

tentações que corromperam a alma

“homem natural”, adquirido

claramente hostil por natureza.

Uma espécie de ideal

o sentimentalismo tornou-se a imagem do rural

cidadão que seguiu as leis

natureza intocada e vivendo em

harmonia absoluta com ela.

Tribunal Joseph-Desire (Jose-Desery Cours). pintura. França

Rococó e

Com e n T E eu e n T A eu E h eu

O fundador do sentimentalismo é considerado o iluminista francês J.J. Rousseau, que proclamou o culto

natural, sentimentos naturais E

necessidades humanas, simplicidade e

cordialidade.

Seu ideal era o sensível,

sonhador sentimental,

obcecado pelas ideias do humanismo,

um “homem natural” com uma “bela alma”, não corrompido pela civilização burguesa.

A principal tarefa da arte de Rousseau

via isso como ensinar as pessoas

virtudes, chame-os para o melhor

vida.

O principal pathos de suas obras

constitui um elogio aos sentimentos humanos, às altas paixões que entram em conflito com os preconceitos sociais e de classe.

Filósofo, escritor e pensador francês do Iluminismo. Também musicólogo, compositor e botânico. Nascido: 28 de junho de 1712, Genebra. Faleceu: 2 de julho de 1778 (66 anos), Ermenonville, perto de Paris.

Rococó e

Com e n T E eu e n T A eu E h eu

É mais legítimo considerar o sentimentalismo como um dos movimentos artísticos que operaram no quadro do classicismo.

Se o Rococó enfatiza a manifestação externa de sentimentos e emoções, então o sentimentalismo

enfatiza o interior

o lado espiritual da existência humana.

Na Rússia o mais personificação vívida encontrou o sentimentalismo na literatura e na pintura, por exemplo na obra de V. L. Borovikovsky.

V.L. Borovikovsky. Lizynka e Dasha. Estado de 1794

Galeria Tretyakovaya, Moscou

Perguntas de controle

1. Qual é o programa estético da arte do classicismo? Quais são as conexões e diferenças entre a arte do classicismo e do barroco?

2. Que exemplos da Antiguidade e do Renascimento seguiu a arte do classicismo? Quais ideais do passado e por que ele teve que desistir?

3. Por que o Rococó é considerado o estilo da aristocracia? Que características correspondiam aos gostos e humores de sua época? Por que não havia lugar para a expressão de ideais cívicos? Por que você acha que o estilo Rococó atingiu seu apogeu nas artes decorativas e aplicadas?

4. Compare os princípios básicos do Barroco e do Rococó. É possível

5*. Em que ideias do Iluminismo se baseou o sentimentalismo? Quais são seus principais focos? É correto considerar o sentimentalismo no quadro do grande estilo do classicismo?

Tópicos de apresentações, projetos

“O papel da França no desenvolvimento da cultura artística europeia”.
“Homem, natureza, sociedade em programa estético classicismo."
"Amostras da Antiguidade e do Renascimento na arte do classicismo."
“A crise dos ideais barrocos e da arte do classicismo”.
“O Rococó e o sentimentalismo acompanham estilos e movimentos do classicismo.”
“Características do desenvolvimento do classicismo na arte da França (Rússia, etc.).”
"E. J. Rousseau como o fundador do sentimentalismo.”
“O culto do sentimento natural na arte do sentimentalismo.”
"O futuro destino do classicismo na história da arte mundial."

Hoje eu descobri...
Foi interessante…
Foi difícil…
Aprendi…
Eu fui capaz...
Eu estava surpreso...
Eu queria…

Literatura:

Programas para instituições educacionais. Danilova G. I. Mirovaya cultura artística. – M.: Abetarda, 2011
Danilova, GI Art/MHC. 11 º ano Nível básico: livro didático / G.I. Danilova. M.: Abetarda, 2014.
Kobyakov Ruslan. São Petersburgo

Classicismo CLASSICISMO (do latim classicus exemplar), estilo e direção na literatura e na arte 17º início. XIX, voltando-se para o património antigo como norma e modelo ideal. Baseado nas ideias do racionalismo filosófico, nas ideias sobre a regularidade racional do mundo, sobre a bela natureza enobrecida, ele se esforçou para expressar grande conteúdo social, sublime heróico e ideais morais, à organização rigorosa de imagens lógicas, claras e harmoniosas.

Rococó ROCOCO (“bizarro”, “caprichoso”; rococó francês de fragmentos rocaille de pedras, conchas), um movimento de estilo que dominou a arte europeia durante os primeiros três quartéis do século XVIII. A arte rococó é um mundo de ficção e experiências íntimas, teatralidade decorativa, sofisticação, sofisticação sofisticada; não há lugar para heroísmo e pathos; eles são substituídos por um jogo de amor, fantasia e bugigangas encantadoras.

Nicolas Poussin Poussin (Poussin) Nicolas (), pintor francês. Representante do classicismo. Sublime nas imagens, profundo na intenção filosófica, claro na composição e no design, imagens históricas, mitológicas, temas religiosos, afirmando o poder da razão e das normas sociais e éticas (“Tancred e Erminia”, década de 1630, “Pastores Arcadianos”, década de 1630); majestosas paisagens heróicas (“Paisagem com Polifemo”, 1649; série “Estações”).

Mestres do “gênero galante” Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, “festividades galantes”, imagens idílicas da vida de “pastor” tendo como pano de fundo a natureza intocada, o mundo de casos amorosos complexos e alegorias engenhosas . A vida humana é instantânea e passageira, por isso devemos aproveitar o “momento feliz”, apressar-nos para viver e sentir. “O espírito das coisinhas charmosas e arejadas” (M. Kuzmin) torna-se o leitmotiv do trabalho de muitos artistas do “estilo real”. Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, “festividades galantes”, imagens idílicas da vida de “pastor” tendo como pano de fundo a natureza intocada, o mundo de casos amorosos complexos e alegorias engenhosas. A vida humana é instantânea e passageira, por isso devemos aproveitar o “momento feliz”, apressar-nos para viver e sentir. “O espírito das coisinhas charmosas e arejadas” (M. Kuzmin) torna-se o leitmotiv do trabalho de muitos artistas do “estilo real”.

Antoine Watteau Watteau Antoine (completo Jean Antoine Watteau, Watteau) (10 de outubro de 1684, Valenciennes 18 de julho de 1721, Nogent-sur-Marne), pintor e desenhista francês. Em casa e palcos de teatro festividades galantes, marcadas pela requintada ternura das nuances coloridas e pela reverência do design, ele recriou o mundo dos mais sutis estados de espírito.

arte classicismo e rococó

Nicolas Poussin - artista classicista

A Academia Francesa proclamou a obra do artista o auge do classicismo na pintura. Nicolas Poussin(1594-1665). Durante sua vida ele foi chamado de “o mais habilidoso e experiente de mestres modernos pincéis”, e após sua morte foi declarado “a tocha da pintura francesa”.

Sendo um brilhante expoente das ideias do classicismo, Poussin desenvolveu um método criativo, que se baseava na sua própria ideia das leis da beleza. Ele viu seu ideal na proporcionalidade das partes do todo, na ordem externa, na harmonia e na clareza das formas. Suas pinturas se distinguem por uma composição equilibrada, um sistema rígido e matematicamente verificado de organização do espaço, desenho preciso e um incrível senso de ritmo baseado no antigo ensinamento dos modos musicais.

Segundo Poussin, os principais critérios de verdade e beleza artística são a razão e o pensamento. Isto é o que ele pediu para criar “como a natureza e a razão ensinam”. Ao escolher os temas, Poussin deu preferência a feitos heróicos e feitos baseados em elevados motivos cívicos, e não em paixões humanas básicas.

O tema principal da arte, segundo o artista, é aquele que está associado à ideia do sublime e do belo, que pode servir de modelo e meio de cultivar as melhores qualidades morais na pessoa. Poussin dedicou sua obra à glorificação do homem heróico, capaz de conhecer e transformar a natureza com o poder de uma mente poderosa. Seus heróis favoritos são pessoas fortes e obstinadas, com alto qualidades morais. Freqüentemente, eles se encontram em situações dramáticas que exigem compostura especial, grandeza de espírito e força de caráter. O pintor transmitiu seus sentimentos sublimes por meio de poses, expressões faciais e gestos.

Dos temas históricos, Poussin escolheu apenas aqueles em que havia ação, movimento e expressão. Começou a trabalhar na pintura com um estudo cuidadoso da fonte literária (a Sagrada Escritura, as “Metamorfoses” de Ovídio ou “Jerusalém Libertada” de T. Tasso). Se cumprisse os objetivos traçados, o artista ponderava não a complexa vida interior dos personagens, mas o culminar da ação. A luta mental, as dúvidas e as decepções foram relegadas a segundo plano. A fórmula habitual do enredo de Poussin era: “A sorte está lançada, a decisão está tomada, a escolha está feita” (Yu. K. Zolotov).

As ideias do classicismo, em sua opinião, deveriam se refletir na composição da pintura. Ele contrastou a improvisação com um arranjo cuidadosamente considerado de figuras individuais e grupos principais.

O espaço visual deve ser facilmente visível, os planos devem seguir-se claramente. Para a ação em si, apenas uma pequena área de fundo deve ser alocada. Na maioria das pinturas de Poussin, o ponto de intersecção das diagonais do quadro acaba sendo o seu centro semântico mais importante.

O sistema composicional das pinturas de Poussin baseava-se em dois princípios: o equilíbrio das formas (construindo grupos em torno do centro) e na sua relação livre (afastando-se do centro). A interação destes dois princípios permitiu alcançar uma extraordinária impressão de ordem, liberdade e mobilidade da composição.

Grande importância V sistema artístico Poussin ganha cor. A interligação dos principais sons coloridos foi conseguida graças a um sistema de reflexos: a cor intensa no centro da composição costuma ser acompanhada por cores neutras e opacas.

Nicolas Poussin é autor de inúmeras pinturas sobre temas mitológicos, históricos, religiosos, bem como paisagens. Neles você quase sempre encontra mise-en-scène refinada, cheia de reflexão e drama. Voltando-se para o passado distante, ele não recontou, mas recriou e reinterpretou criativamente enredos conhecidos.

Pintura de N. Poussin "Pastores Arcadianos"- um dos pináculos da criatividade do artista, onde as ideias do classicismo encontraram concretização plena e vívida. Nele pode-se sentir o desejo do autor pela clareza escultural das formas, completude plástica e precisão do desenho, clareza e equilíbrio. composição geométrica usando o princípio da proporção áurea. A severidade das proporções, o ritmo linear suave e claro transmitiam perfeitamente a severidade e sublimidade de ideias e personagens.

A imagem é baseada em um profundo pensamento filosófico sobre a fragilidade da existência terrena e a inevitabilidade da morte. Quatro pastores, moradores da feliz Arcádia (região do sul da Grécia, símbolo de prosperidade eterna, de uma vida serena, sem guerras, doenças e sofrimentos), encontram acidentalmente um túmulo entre os arbustos com a inscrição: “Eu estava em Arcádia. Mas agora não estou entre os vivos, assim como você, que está lendo esta inscrição, não estará.” O significado destas palavras faz-nos pensar... Um dos pastores baixou humildemente a cabeça, apoiando a mão na lápide. O segundo, ajoelhado, passa o dedo pelas letras, tentando ler a inscrição meio apagada.

O terceiro, sem tirar a mão das palavras tristes, lança um olhar interrogativo ao companheiro. A mulher à direita também olha calmamente para a inscrição. Ela colocou a mão em seu ombro, como se tentasse ajudá-lo a aceitar a ideia de seu fim inevitável. Assim, a figura da mulher é percebida como foco da paz espiritual, aquele equilíbrio filosófico ao qual a autora conduz o espectador.

Poussin se esforça claramente para criar imagens generalizadas próximas aos cânones da beleza antiga: elas são verdadeiramente perfeitas fisicamente, jovens e cheias de força. As figuras, que em muitos aspectos lembram estátuas antigas, estão equilibradas no espaço. Em sua escrita, o artista utilizou claro-escuro expressivo.

Profundo ideia filosófica, que está no cerne da imagem, é expresso de uma forma cristalina e classicamente estrita. Tal como num relevo romano, a ação principal ocorre numa área de primeiro plano relativamente rasa. A composição do quadro é extremamente simples e lógica: tudo se constrói sobre um ritmo cuidadosamente pensado de movimentos equilibrados e está subordinado aos mais simples formas geométricas, alcançado graças à precisão dos cálculos matemáticos. Os personagens estão agrupados quase simetricamente perto da lápide, conectados pelo movimento das mãos e pela sensação de uma pausa contínua. O autor consegue criar a imagem de um mundo ideal e harmonioso, organizado de acordo com as mais elevadas leis da razão.

O sistema de cores das pinturas de Poussin geralmente se baseava na crença do autor de que a cor é o meio mais importante para criar volume e profundidade no espaço. A divisão em planos costumava ser enfatizada pela consonância de cores fortes. O primeiro plano era geralmente dominado por amarelo e cores marrons, no segundo - quente, verde, no terceiro - frio, principalmente azul. Nesta foto, tudo está sujeito às leis da beleza clássica: o choque das cores do céu frio com o primeiro plano quente, e a beleza do corpo humano nu, transmitida mesmo em iluminação difusa, foi percebida de maneira especialmente impressionante e sublime contra o fundo da exuberante folhagem verde da paisagem serena.

No geral, a imagem estava imbuída de um sentimento de tristeza oculta, paz e paz de espírito idílica. A reconciliação estóica com o destino, uma aceitação sábia e digna da morte tornaram o classicismo de Poussin semelhante à visão de mundo antiga. A ideia da morte não causava desespero, mas era percebida como uma manifestação inevitável das leis da existência.

Mestres do “gênero galante”: pintura rococó

Os principais temas da pintura rococó são a vida requintada da aristocracia da corte, “festividades galantes”, imagens idílicas da vida de “pastor” tendo como pano de fundo a natureza intocada, o mundo de casos amorosos complexos e alegorias engenhosas. A vida humana é instantânea e passageira, por isso devemos aproveitar o “momento feliz”, apressar-nos para viver e sentir. “O espírito das coisinhas charmosas e arejadas” (M. Kuzmin) torna-se o leitmotiv do trabalho de muitos artistas do “estilo real”.

Para a maioria dos pintores rococó, Vênus, Diana, ninfas e cupidos eclipsam todas as outras divindades. Todos os tipos de “banhos”, “banheiros matinais” e prazeres instantâneos são agora quase o tema principal da imagem. Nomes de cores exóticas estão na moda: “a cor da coxa de uma ninfa assustada” (carne), “a cor de uma rosa flutuando no leite” (rosa claro), “a cor do tempo perdido” (azul). Claramente pensadas, as composições harmoniosas do classicismo dão lugar a designs elegantes e sofisticados.

Antoine Watteau(1684-1721) foi chamado pelos seus contemporâneos de “o poeta do lazer despreocupado”, “o cantor da graça e da beleza”. Em suas obras, ele capturou piqueniques em parques verdes, concertos musicais e teatrais no seio da natureza, confissões apaixonadas e brigas de amantes, encontros idílicos, bailes e máscaras. Ao mesmo tempo, suas pinturas contêm uma tristeza dolorosa, uma sensação de transitoriedade da beleza e da efemeridade do que está acontecendo.

Uma das pinturas famosas do artista - "Peregrinação à ilha de Citera", graças ao qual foi admitido na Real Academia de Pintura e Escultura e recebeu o título de “mestre das festividades galantes”. Adoráveis senhoras e galantes cavalheiros reuniram-se na costa florida da baía marítima. Eles navegaram para a ilha de Citera - a ilha da deusa do amor e da beleza Vênus (identificada com deusa grega amo Afrodite), onde, segundo a lenda, ela emergiu da espuma do mar. O festival do amor começa com uma estátua de Vênus e cupidos, um dos quais se abaixa para colocar uma guirlanda de louros na mais bela das deusas. Ao pé da estátua estão empilhadas armas, armaduras, uma lira e livros - símbolos da guerra, das artes e das ciências. Bem, o amor realmente pode conquistar tudo!

A ação se desenrola como um filme, contando sequencialmente a caminhada de cada um dos casais apaixonados. Nas relações entre os personagens, reina a linguagem das dicas: de repente

olhares, um gesto convidativo de leque nas mãos da menina, um discurso cortado no meio da frase... A harmonia do homem e da natureza sente-se em tudo. Mas já é noite, o pôr do sol dourado colore o céu. O feriado do amor está acabando, enchendo de tristeza a diversão despreocupada dos casais apaixonados. Muito em breve eles retornarão ao seu navio, que os levará do mundo irreal para o mundo da realidade cotidiana. Um maravilhoso veleiro - o navio do amor - está pronto para navegar. Tintas quentes e suaves, cores suaves, pinceladas leves que mal tocam a tela - tudo isso cria uma atmosfera especial de charme e amor.

E novamente eu amo a terra porque

Por que os raios do pôr do sol são tão solenes,

Com um pincel leve Antoine Watteau

Tocou meu coração uma vez.

G. Ivanov

PARA verdadeiras obras-primas pertence à pintura de Watteau "Gilles" (Pierrô), criado como letreiro para apresentações de comediantes viajantes. Gilles é o personagem principal e preferido da comédia francesa de máscaras, em sintonia com Pierrot - o herói Comédia italiana da arte. A criatura desajeitada e ingênua parece ter sido criada especialmente para o constante ridículo e truques do inteligente e astuto Arlequim. Gilles é retratado em um tradicional terno branco com capa e chapéu redondo. Ele fica imóvel e perdido diante do espectador, enquanto outros comediantes se acomodam para descansar. Ele parece procurar um interlocutor que o ouça e compreenda. Há algo comovente e vulnerável na pose absurda do comediante, com os braços caídos e o olhar fixo. Escondido na aparência cansada e triste do palhaço está o pensamento da solidão de um homem forçado a divertir e entreter um público entediado. A abertura emocional do herói faz dele uma das imagens mais profundas e significativas da história da pintura mundial.

Artisticamente, a pintura é brilhantemente executada. A extrema simplicidade do motivo e da composição é combinada aqui com um design preciso e cuidadosamente pensado esquema de cores. O manto branco fantasmagórico é pintado com movimentos de pincel cuidadosos e ao mesmo tempo ousados. Tons cintilantes de prata pálida, lilás-acinzentado e ocre-acinzentado fluem e brilham, quebrando-se em centenas de destaques trêmulos. Tudo isso cria uma atmosfera incrível para a percepção de profundidade significado filosófico pinturas. Como discordar da afirmação de um de seus contemporâneos: “Watteau pinta não com tintas, mas com mel, âmbar derretido”.

François Boucher(1703-1770) considerava-se um fiel aluno de Watteau. Alguns o chamavam de “artista das graças”, “Anacreonte da pintura”, “pintor real”. Este último viu nele um “artista hipócrita”, “que tem tudo menos a verdade”. Outros ainda observaram com ceticismo: “Sua mão colhe rosas onde outros só encontram espinhos”.

O artista pintou vários retratos cerimoniais da favorita do rei Luís XV, a Marquesa de Pompadour. Sabe-se que ela patrocinou Boucher e mais de uma vez lhe encomendou pinturas de temas religiosos para residências de campo e mansões parisienses. Na foto "Madame de Pompadour" a heroína é apresentada rodeada de flores espalhadas e objetos luxuosos, que lembram seus gostos artísticos e hobbies. Ela reclina-se majestosamente contra o pano de fundo de cortinas exuberantes e solenes. O livro em suas mãos é uma clara sugestão de iluminação e compromisso com atividades intelectuais. A Marquesa de Pompadour agradeceu generosamente ao artista, nomeando-o primeiro diretor da Manufatura Gobelin e depois presidente da Academia de Artes, dando-lhe o título de “o primeiro pintor do rei”.

François Boucher voltou-se mais de uma vez para a representação de cenas frívolas, cujos personagens principais eram pastoras fofas e tímidas ou belezas rechonchudas e nuas na forma de Vênus e Dianas mitológicas. Suas pinturas estão repletas de sugestões ambíguas, detalhes picantes (a bainha levantada de uma saia de cetim de uma pastora, a perna levantada coquete de uma Diana tomando banho, um dedo pressionado nos lábios, um olhar eloqüente e convidativo, cordeiros amontoados aos pés de amantes, beijar pombas, etc.). Pois bem, o artista conhecia muito bem a moda e os gostos de sua época!

Na história da pintura mundial, François Boucher continua sendo um magnífico mestre da cor e do design requintado. Composições engenhosamente desenhadas, ângulos incomuns dos personagens, ricos detalhes em cores, destaques brilhantes de tintas transparentes aplicadas em pequenos traços leves, ritmos suaves e fluidos - tudo isso faz de F. Boucher um pintor insuperável. Suas pinturas se transformam em painéis decorativos, decoram os exuberantes interiores de corredores e salas, invocam o mundo da felicidade, do amor e de lindos sonhos.

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CLASSICISMO - (do latim classicus - exemplar) - o estilo artístico da arte europeia dos séculos XVII-XIX, uma das características mais importantes do qual foi o apelo à arte antiga como o maior exemplo e a confiança nas tradições alta Renascença. A arte do classicismo refletia as ideias da estrutura harmoniosa da sociedade, mas em muitos aspectos as perdeu em comparação com a cultura do Renascimento. Os conflitos entre personalidade e sociedade, ideal e realidade, sentimentos e razão atestam a complexidade da arte do classicismo.

Formas de arte O classicismo é caracterizado pela estrita organização, equilíbrio, clareza e harmonia das imagens. A arquitetura do classicismo é caracterizada por um sistema de ordem inspirado em exemplares antigos, clareza e correção geométrica de volumes e traçados, pórticos, colunas, estátuas e relevos que se destacam na superfície das paredes. Ordem Jônica Ordem Dórica Ordem Coríntia

Na pintura, o desenvolvimento lógico do enredo, uma composição clara e equilibrada, uma transferência clara de volume, com a ajuda do claro-escuro o papel subordinado da cor e o uso de cores locais (Nicolas Poussin) adquiriram a importância principal. As façanhas de Rinaldo As façanhas de Rinaldo 1628

Pastores em Arcádia Pastores em Arcádia

O classicismo do século XVIII e início do século XIX (na história da arte estrangeira é frequentemente chamado de neoclassicismo), que se tornou um estilo pan-europeu, formou-se principalmente no seio de cultura francesa, sob forte influência das ideias do Iluminismo. Drama corajoso de história e imagens de retrato inerente às obras do chefe do classicismo francês, o pintor Jacques Louis David. A travessia dos Alpes por Napoleão

Bertel Thorvaldsen JasonBertel Thorvaldsen Jason, Museu Thorvaldsen Copenhague Jean Antoine Houdon. Voltaire "Comédie Française", Paris

Classicismo russo na segunda metade do século XVIII - início do século XIX séculos incorporou um novo florescimento de cultura, sem precedentes em escopo, pathos nacional e conteúdo ideológico: conjuntos arquitetônicos e estruturas de V. Bazhenov, M. Kazakov, G. Quarenghi, A. Zakharov, K. Rossi, A. Voronikhin, esculturas de M. Kozlovsky, F. Shchedrin, I. Martos, pinturas de A. Losenko, A. Ivanov e outros.