Material: Na natureza, as tulipas vêm em diversas cores: vermelho, creme, rosa, amarelo, lilás, vermelho com manchas pretas na base, carmesim com borda branca e roxo escuro. Esta flor é melhor feita de cambraia branca ou seda engomada. O padrão tulipa consiste em apenas 2 partes: uma pétala e uma folha. Uma flor exigirá 6 pétalas e 3 folhas.

Ferramentas: conjunto de bocha tamanhos diferentes, cortadores de papelão ondulado, tesouras, alicates pequenos, pincéis para tingir pétalas, pinças, almofada de borracha macia, almofada de borracha dura, bloco, furador.

Técnica: As pétalas são coloridas. Para isso, são colocados sobre uma folha de papel e pintados com pincel. parte do topo, depois vire com uma pinça e pinte a parte de baixo. Para secar, as pétalas são colocadas sobre uma nova folha de papel.

Um fio pré-embrulhado em papel fino da mesma cor das pétalas é colado nas pétalas secas.

Uma nervura central é feita na parte frontal da folha. Em seguida, o lençol é colocado sobre uma almofada de borracha macia e do lado avesso é ondulado com bala quente em ambos os lados da veia central. Depois, na parte da frente, bocha quente faz recortes na base da folha e na parte superior. A borda da pétala é ondulada com um gancho quente para que fique com formato côncavo.

Um arame é colado no meio da folha, após o qual os veios são cuidadosamente marcados ao longo da folha com uma faca.

Seis estames para a flor são feitos de arame fino com cerca de 4 cm de comprimento. As pontas do arame são dobradas e mergulhadas primeiro em cola e depois em sêmola amarela. O pistilo da flor também é feito de arame embrulhado em papel verde. É dobrado para obter 3 voltas, que são untadas com cola e mergulhadas em cereal amarelo ou marrom. Agora os estames e pistilos estão prontos. Eles são presos com fios à haste. 3 pétalas são amarradas ao redor do núcleo e mais 3 entre elas são cortadas do caule de arame e papel verde é embrulhado sob o cálice da flor. As folhas são fixadas na base do caule. As pétalas de uma flor totalmente acabada são arqueadas em forma de lanterna.

Interação de princípios

Assim, o arranjo de flores está finalmente concluído, mas há outra etapa séria pela frente - a avaliação. As pessoas tendem a olhar criticamente para o que fizeram com as próprias mãos. Existem certos critérios para avaliar o arranjo de flores acabado. Para simplificar, eles são divididos em dois grupos principais:

Escolha do material

O princípio da localização.

Ambas as características são igualmente importantes, pois se os meios composicionais forem escolhidos incorretamente, mesmo um bom arranjo não o salvará, e se houver erros de arranjo, mesmo o melhor material não parecerá impressionante. Há também um aspecto referente à técnica de fabricação, mas esta é uma questão prática.

Então, vamos primeiro analisar o primeiro grupo: análise do arranjo do ponto de vista do material utilizado. O florista em seu trabalho parte da forma, movimento, cores, estrutura, essência e essência desses meios.

Ao escolher um material, você deve se guiar por alguns princípios:

O que deveria dominar?

Onde devem ser localizados os grupos de materiais utilizados com as mesmas propriedades?

Como os contrastes devem ser posicionados para criar tensão em uma composição?

As peças se encaixam?

As partes cabem na composição como um todo?

As peças se enquadram no estilo composicional?

As partes da composição são adequadas à ocasião a que se destina o arranjo?

Quanto à avaliação do princípio da disposição, a exposição recebe uma única imagem com a disposição correta e ordenada das peças. Os princípios de disposição utilizados são em relação ao tipo de superfície (encordoamento, aspersão, agrupamento) e ao estilo de composição (linear, maciço, misto).

A florista utiliza três grupos de medidas destinadas a organizar as partes da composição:

Medidas que levam à unificação de partes de uma composição, os chamados princípios de ligação. Contorno, simetria, repetição, inclinação ou intersecção, equilíbrio óptico - aqui está uma lista de regras que vão ajudar nisso.

Medidas que combinam grupos utilizados numa composição num único todo. Agrupamento e encadeamento, construção de simetria ou assimetria, limitação e classificação - essas são as ferramentas que o florista utiliza neste caso.

Medidas de proporcionalidade, proporção quantitativa e proporção de quantidades do material utilizado.

Aplicação da proporção áurea

A proporção dos valores 3: 5 ou na solução calculada 1: 1,6 é a proporção entre o comprimento do dedo e a mão, a mão e o antebraço, o comprimento do braço e a altura de uma pessoa e muitos outros.

Então, esse padrão indica crescimento orgânico e é sinal de forma em desenvolvimento, o que significa que também se aplica a composições com flores.

Num arranjo, por exemplo, não é apenas a largura total que mantém uma relação definida com a altura. A proporção entre vaso e buquê, o tamanho das flores e dos grupos de flores também obedecem a esta lei. O florista deve relacionar muitas quantidades entre si, por isso a lei da proporção áurea é muito importante.

Cálculos com a proporção áurea

Portanto, sabemos que duas distâncias estão em relação à proporção áurea se a maior for 1,6 vezes a menor. Ou seja, conhecendo uma distância, você pode calcular uma nova, que deve estar na proporção áurea.

Por exemplo, se conhecermos um segmento de 25 cm de comprimento, o segmento proporcional a ele deverá ser 1,6 vezes maior, ou seja, 25 x 1,6 = 40 cm. Se quiser encontrar uma distância menor a 25 cm, também proporcional ao dourado. proporção, então você precisa divida esse número por 1,6, ou seja, 25: 1,6 = 15,6, arredondado para 15 cm. Assim, as proporções 15: 25 e 25: 40 são proporcionais na proporção áurea.

Como A e B juntos formam C, que determina toda a distância dos dois segmentos, então C é 2,6 vezes maior que A. Ou seja, você pode calcular facilmente o comprimento do segmento C, conhecendo o comprimento do segmento A.

Lei da proporção áurea

A distância é dividida em duas partes de modo que ambos os segmentos tenham comprimentos diferentes e estejam em uma determinada proporção: a parte menor está sempre relacionada com a maior da mesma forma que a parte maior está relacionada com toda a distância.

Matematicamente, fica assim: a distância C é dividida em dois segmentos - um segmento pequeno A e um segmento maior B. A está para B assim como B está para C (A: B = B: C).

Este relacionamento pode ser continuado. Ou seja, o grande segmento B se correlaciona com toda a distância C da mesma forma que a distância C com a nova distância, que é calculada a partir de B + C e é chamada de D, então B: C = C: D (B + C ).

Em números concretos, será semelhante a:

2: 3 = 3: 5 (2+3)

3: 5 = 5: 8 (3+5)

5: 8 = 8: 13(5+8)

Se realizarmos as ações na equação 3: 5 = 5: 8, obteremos:

Ambas as proporções são de aproximadamente 0,6. A equação está correta porque não são necessários cálculos matemáticos precisos. Se quisermos provar que a distância maior, chamada maior, é 1,6 vezes a menor, ou que a distância total é 1,6 vezes o segmento maior, devemos dividir novamente. Se tentarmos fazer isso com uma proporção de 8:5, obteremos 1,6.

Proporção áurea na floricultura

O princípio da proporção áurea.

Uma das principais questões da floricultura é a seguinte: como colocar as dimensões do arranjo em uma proporção favorável? Em que proporção devem estar a altura e a largura da composição? Quantas cores podem ser usadas para um determinado formato de vaso?

Questões semelhantes, embora relativas a outros assuntos, foram colocadas por escultores gregos e matemáticos há mais de 2.000 anos. E, finalmente, os gregos, nomeadamente os pitagóricos, que viviam na Sicília, combinaram diferenças de comprimento em consonância harmoniosa e derivaram um padrão de proporção 1: 1,6 no pentagrama.

Uma pessoa também é adequada para esta figura geométrica, os braços e as pernas são considerados como os raios de uma estrela, e apenas a cabeça não atinge o topo da quinta. Então, o pentagrama é o principal forma geométrica, que contém um sistema de medição de muitas imagens e, ao mesmo tempo, é uma figura da proporção áurea.

Lei da Classificação

Na música, uma voz executa o motivo principal, e outras vozes apenas a acompanham e lhe dão harmonia. Na floricultura, esses conceitos também estão muito próximos. Num grupo, existe um motivo principal que desempenha um papel de liderança, e todas as outras partes do arranjo se adaptam a ele. Graças a isso, a “rivalidade” é eliminada. Se isso não acontecesse, cada parte pareceria independente e o grupo se desintegraria.

Assim, propriedades composicionais que ajudarão a destacar o motivo principal do grupo:

Tamanho: o maior prevalece sobre o pequeno;

Cor: a luz domina o escuro, a ativa sobre a passiva, a cor pura domina a mista;

Forma de movimento: olhar orgulhoso e reto parece mais significativo do que baixo, largo e inclinado para o lado;

Posição em altura: o alto domina tudo que está abaixo, mesmo que o tamanho, a cor e a forma do movimento não sejam dominantes;

Localização: o parâmetro mais significativo. Com um arranjo simétrico, o dominante está no meio geométrico, com um arranjo assimétrico não;

A classificação pode variar. É expresso de forma muito forte, por exemplo, em um buquê de estilo linear-massivo com orquídeas, onde todos os outros elementos, mesmo que estejam localizados acima desta flor exótica, parecerão menos significativos. E em um buquê redondo e heterogêneo de flores de verão, apenas as flores maiores chamarão a atenção, enquanto o resto será percebido como pano de fundo. Portanto, em grupos fechados a lei de classificação tem valor mais alto na escolha das cores do que na escolha e disposição das formas.

Em grupos soltos, como em agrupamentos de partes individuais, a lei da classificação é muito importante. Graças ao seu uso, são alcançados os seguintes efeitos:

O grupo está interligado, as partes subordinadas adaptam-se ao motivo, que predomina na forma, movimento, cor e estrutura.

O grupo contém uma ideia bem compreendida, pois o dominante define o tema e tudo o que está ligado a ele o enfatiza.

O grupo deve ser facilmente visível, nosso olhar se move de acordo com a gradação de significância.

Todas as partes, mesmo as mais subordinadas, devem ser bem pensadas, pois o olhar, ainda que não de imediato, se deslocará para elas.

Agrupar com classificações claras prova habilidade criativa. Portanto, parece elite em comparação com um grupo onde as peças são simplesmente colocadas uma ao lado da outra.

Lei da Limitação

A lei da limitação afirma: um grupo não deve conter mais de três (no máximo quatro) partes e, portanto, nenhum motivo para influência. Se você pegar menos deles (por exemplo, dois), o grupo parecerá incompleto e, se houver mais, parecerá confuso, vasto e pouco claro.

A razão para esse padrão é a seguinte. Se você pegar apenas duas partes, o impacto delas será igual e elas estarão competindo. Apenas o terceiro participante alcança a harmonia. A triplicidade é a personificação da completude. A propósito, todo mundo conhece o ditado “Deus ama uma trindade”. Na arte japonesa de arranjos de buquês há sempre três linhas; nosso espaço visível é tridimensional. Todos os materiais ao nosso redor têm três estados - líquido, sólido e gasoso. EM estilo classico vestuário, é dada preferência a um terno composto por no máximo 3 cores. Uma flor cortada consiste em um botão, folhas e caule. No Cristianismo nos deparamos com a Divina Trindade - Deus Pai, Deus Filho e o Espírito Santo.

Em outras palavras, o mundo segue o exemplo da natureza, em que a triplicidade é a personificação da perfeição.

Além disso, existe uma “parte técnica” deste fenômeno. Numa revisão rápida, uma pessoa geralmente se lembra de três (ocasionalmente quatro) coisas diferentes. Portanto, a limitação da floricultura, baseada em três unidades básicas, torna a exposição visível e compreensível. E uma pessoa geralmente rejeita com indiferença as coisas incompreensíveis e confusas de sua percepção; elas se tornam feias para ela; Para que a composição chame a atenção e agrade o público, deve-se seguir a “regra dos três”.

Uma exposição devidamente concebida de acordo com a lei da limitação opõe-se a uma acumulação aleatória ou a uma desordem emaranhada.

Mas esta limitação não se aplica apenas ao número, por exemplo, de arranjos na exposição. A composição em si ficará mais interessante se contiver três cores ou três formas diferentes. O problema é que nosso olho não consegue captar fisicamente todas as nuances ao mesmo tempo. É por isso que os floristas dizem que “no limite está a habilidade”. Isso não significa que você precise fazer “pelo menos alguma coisa” com “um pouco”, mas, pelo contrário, colocar “muito” em ordem, transformá-lo em um quadro bem pensado.

Construção assimétrica

Ao contrário da ordem estrita de simetria, a assimetria é forma livre construindo uma composição. Embora a liberdade e a facilidade sejam na verdade imaginárias. O florista deve conhecer a regra do equilíbrio e saber aplicá-la, por isso criar composições assimétricas pode ser mais difícil do que simétricas.

O primeiro e mais importante princípio da criação de uma composição assimétrica é que o motivo principal não pode ser colocado no centro geométrico da composição. Na maioria dos casos, o motivo principal é colocado no terço direito ou esquerdo da área principal.

Entre o centro geométrico e o motivo principal, ou no próprio motivo principal, encontra-se o eixo de todo o grupo com o seu centro de gravidade. Só pode ser instalado de forma sensual e não geométrica, como acontece com uma estrutura simétrica. Todas as peças que complementam o motivo principal são diferentes em aparência, altura e profundidade. Ao lado da parte principal existe uma parte secundária, e do outro lado do grupo existe uma terceira parte, que cria equilíbrio óptico. A lei da alavancagem se aplica aqui e, portanto, quanto menor e, portanto, “mais fácil” o motivo oposto ao principal, mais longe ele deve ser colocado para manter o equilíbrio de todo o grupo como um todo.

O saldo pode ser ajustado das seguintes maneiras:

Alteração do peso óptico das peças principais ou secundárias;

Removendo ou aproximando uma peça do eixo do grupo.

Outras partes de ligação da exposição podem ser adicionadas aos três elementos principais.

Criar uma exposição assimétrica é bastante difícil, pois nem tudo nela está sujeito a regras geométricas estritas. O observador pode muitas vezes achá-la bonita sem entender o que exatamente causa tais sentimentos. É isso que torna o grupo assimétrico atraente.

O impacto das composições assimétricas é frágil, livre, casual, aleatório. Como cada parte é única, as diferenças tornam-se mais visíveis e eficazes do que na simetria. Sente-se movimento, ação e reação, consonância. Portanto, a assimetria tem algo em comum com a essência de todo o material vivo da exposição.

Assim, a vibração e o desenvolvimento, a liberdade e a variedade das flores e plantas expressam-se melhor em composições assimétricas do que em composições simétricas. Este impacto pode ser potencializado por combinações ricas de cores com tons suaves ou pelo uso de formas gráficas. A assimetria pode ser suavizada com uma ou duas cores claras ou com peças individuais desenhadas simetricamente.

A estrutura assimétrica é usada para todos os estilos vegetativos, linear-massivos e lineares. As composições soltas permitem que o olho se mova livremente por todas as partes da tela, enquanto um grupo simétrico atrai o olhar para o meio. Em grandes decorações e exposições temáticas, a assimetria é utilizada se houver um motivo alegre, alegre ou romântico. E numa composição fúnebre só pode ser usado se quiserem enfatizar a personalidade extraordinária do falecido.

Simetria na composição

O eixo da composição deve passar pelo seu meio geométrico. É também o eixo de simetria. O centro de gravidade óptico deve estar em um eixo que divida visualmente o arranjo em duas metades.

Tudo o que está de um lado deve ser repetido do outro lado em imagem espelhada, ter a mesma cor e aparência, estender-se à mesma distância do eixo do grupo e estar na mesma altura e profundidade.

Esta harmonia só pode ser válida opticamente. A aparência à direita deve corresponder à aparência à esquerda, embora o número real de cores na composição possa ser diferente em cada lado. Por exemplo, nosso rosto, ao que parece, tem exatamente as mesmas metades, mas se você olhar de perto, poderá detectar certas diferenças.

Uma composição simétrica é facilmente compreendida e atua de forma clara e estrita, como uma figura geométrica. Assim, ela representa algo claro e mensurável, estaticamente calmo, rigoroso e solene. Portanto, o princípio da simetria é adequado para uma ocasião solene ou oficial, decoração de igreja, decoração de palco para feriados.

Os floristas utilizam os seguintes meios simétricos de composição: árvores moldadas, guirlandas, colunas de flores ou pirâmides de flores, arranjos decorativos e até paredes de flores.

Se o florista quiser suavizar a severidade do desenho simétrico, ele pode usar motivos mais soltos, cores mais claras e delicadas e formas graciosamente fluidas.

Também deve ser lembrado que a simetria só tem o seu verdadeiro impacto quando vista de uma perspectiva central, pelo que as composições devem ser definidas em conformidade.

As composições feitas em estilo maciço possuem contornos geometricamente claros e atendem aos requisitos de clareza e simplicidade, mesmo que feitas em estilo decorativo e têm formatos em forma de gota, cúpula e cone. As exposições lineares massivas são extremamente raramente simétricas, mas em casos raros elas agem de maneira incomum e atraente.

Imagine que à sua frente está uma folha de papel que não contém absolutamente nenhum elemento de imagem. É mais fácil dizer - uma lousa em branco. Como isso é percebido por nós? Naturalmente, o plano da folha não contém nenhuma informação; nós o percebemos como sem sentido, vazio e desorganizado. Mas! Basta aplicar qualquer ponto, linha ou traço nele e esse plano começa a ganhar vida. Isso significa que nossos elementos pictóricos, quaisquer que sejam - uma mancha, uma linha, um traço - entram em uma conexão espacial com ele, formando algum tipo de conexão semântica. É mais fácil dizer - o avião e qualquer elemento nele começam a interagir, dialogam entre si e começam a “nos contar” sobre algo.

É assim que obtemos a composição mais primitiva, que é difícil até chamar assim, mas é isso que é.

Avançar. Você e eu temos uma ferramenta universal que nos foi dada pela natureza: nossos olhos, nossa visão. Assim, nosso olho vê e percebe o mundo ao nosso redor em proporções e proporções. O que isso significa? Nossa visão é capaz de sentir harmonia e o que não é harmonioso. Nosso olho é capaz de encontrar a diferença entre a discrepância entre os tamanhos das partes individuais e do todo, ou vice-versa - para ver a conformidade completa. A visão é capaz de perceber combinações de cores que não irritam os olhos ou, pelo contrário, podem revelar-se completamente desarmônicas. Direi mais, nosso instinto natural desde o início, goste ou não, busca um sentimento de harmonia em tudo. E subconscientemente obriga, pelo sentimento, a organizar os objetos e suas partes de modo que nenhuma parte da composição se revele estranha ou desproporcional. Você só precisa aprenda a ouvir seus sentimentos e entender como alcançar a harmonia, ou seja, criar uma boa composição. Eu amo isso.

Vá em frente. Vamos pegar uma forma, por exemplo um círculo, e tentar colocá-la em diferentes lugares do plano da folha. Podemos ver e sentir que em alguns casos ele ocupará uma posição mais estável, em outros - instável. Figura à esquerda: veja como funciona nossa visão - parece que o lugar mais estável para um círculo é a coincidência de seu centro com o centro geométrico do plano da folha (desenhando linhas diagonais de canto a canto da folha, nós obtenha o centro da folha na intersecção dessas linhas). No entanto, isso não é tudo. Por causa de ilusão de óptica(o olho superestima um pouco a parte superior e subestima a parte inferior do plano) o círculo é percebido ligeiramente deslocado para baixo. Você sente como o círculo parece ser atraído pela base do quadrado? O círculo não é claramente sentido nem no meio nem abaixo, e isso resulta em uma má compreensão de sua posição e em um sentimento de desarmonia. Como alcançar a harmonia? Em que posição deve estar o círculo para que possamos percebê-lo harmoniosamente no plano da folha? Naturalmente, precisa ser aumentado um pouco. Veja a foto à direita. Você sente que o círculo está em uma posição estável? Ocupa exatamente o seu lugar na praça. Assim, nossa composição mais simples ficará mais harmoniosa e, portanto, mais correta.
Compreensão: o plano e o objeto formam uma certa conexão espacial condicional que podemos corrigir.

Nosso plano inicialmente possui uma certa estrutura condicional, mesmo que ainda não exista um único elemento nele. O plano pode ser dividido em eixos - horizontal, vertical, diagonal. Obtemos a estrutura - veja a foto à esquerda. No centro do plano (centro geométrico), todas as forças desta estrutura oculta estão em estado de equilíbrio, e a parte central do plano é percebida ativamente, e as partes não centrais são percebidas passivamente. É assim que nos sentimos. Esta percepção do espaço condicional é como a nossa visão se esforça para encontrar a paz. Esse entendimento é bastante condicional, mas verdadeiro.

O olho se esforça para ver harmonia naquilo que observa; ele determina o centro da nossa composição, que para ele parece mais ativo, todo o resto é mais passivo. Isto é o que apenas o estudo de um plano limpo da folha pode nos dar. Além disso, isso é algo que apenas o estudo de uma forma quadrada do plano da folha pode nos fornecer. Mas o princípio é o mesmo. Isto é o que diz respeito à estrutura do plano da folha.

Mas isso não seria suficiente para dissecar um plano ou criar uma composição a partir de um elemento de uma folha. É chato e ninguém precisa disso, nem você nem o espectador. Há sempre mais, mais variado e muito mais interessante.

Agora vamos tentar compor outra composição, mas com vários participantes. Veja a foto à esquerda. O que vemos, o que sentimos? E sentimos que a nossa composição não é harmoniosa, porque as suas partes individuais não estão equilibradas. Os objetos são fortemente deslocados para a esquerda, deixando espaço vazio, desnecessário e não utilizado à direita da composição. E o olho sempre se esforça para equilibrar tudo e alcançar a harmonia. O que precisamos fazer aqui? Naturalmente, equilibre as partes da composição para que formem harmoniosamente uma grande composição e façam parte de um todo. Precisamos ter certeza de que nossa visão é confortável.

Veja a foto à direita. É assim que você se sente mais harmonioso? Acho que sim. O que isso significa? Ao perceber visualmente os elementos e o plano da chapa e analisar suas ligações: o impacto é sentido forças internas a estrutura do plano sobre a natureza do comportamento dos elementos visuais. O que isso significa? Nossos elementos participantes da composição interagem com os eixos diagonais, verticais e horizontais condicionais do plano. Alcançamos um equilíbrio visual estável de todos os componentes da composição em relação ao centro geométrico. Mesmo que aqui não haja uma única figura no meio, elas se equilibram, formando juntas um centro onde a visão o espera, por isso olhar para este desenho é mais confortável do que o anterior.

E se você adicionar mais alguns elementos, então neste caso eles deverão ser um pouco mais fracos em tamanho ou tom (ou cor) e em um determinado local, para não atrapalhar visualmente o centro geométrico da composição, caso contrário você terá que mudar a disposição dos elementos para voltar a alcançar a harmonia, ou seja, a percepção harmoniosa. Isto é sobre o conceito - centro geométrico da composição, que agora introduzimos no estudo.

Você deve sempre buscar um equilíbrio visual estável de todos os componentes da composição em suas diversas direções - para cima e para baixo, para a direita e para a esquerda, na diagonal. E a composição deve ficar harmoniosa em qualquer posição, em qualquer rotação - vire sua composição de cabeça para baixo, ou 90 graus, também deve ser agradável de ver, sem qualquer indício de desconforto. E é mais fácil supor que o centro geométrico da composição esteja na intersecção das linhas diagonais ou um pouco mais alto, é neste local que o olho, após visualizar a própria composição, seja ela qual for, acaba parando e encontra “ descanse”, acalma-se neste local, mesmo que não haja nenhum objeto sobre ele. Este é um lugar condicional. E considera-se composição harmoniosa aquela em que não há mais necessidade de introduzir novos elementos ou retirar algum deles. Todas as “pessoas” atuantes que participam da composição integral estão subordinadas a uma ideia geral.

Noções básicas de composição - equilíbrio estático e equilíbrio dinâmico

A composição deve ser harmoniosa e suas seções individuais equilibradas. Vamos prosseguir e examinar os seguintes conceitos:

Equilíbrio estático E equilíbrio dinâmico. São formas de equilibrar a composição, formas de criar harmonia. Os métodos são diferentes, pois afetam a nossa visão diferentemente. Digamos que temos duas composições. Olhamos a foto à esquerda: o que temos? Temos uma composição que inclui círculo e listras. Isso mostra o equilíbrio estático do círculo e das listras. Como isso é alcançado? Em primeiro lugar, se você observar a estrutura oculta da folha de composição, poderá entender que ela é construída principalmente ao longo dos eixos horizontal e vertical. Mais do que estático. Em segundo lugar: são utilizados elementos estáticos - um círculo e listras, o círculo é equilibrado por listras e não sai do plano e o centro visual geométrico convencional está localizado na intersecção das diagonais, e a composição pode ser vista de todos os lados, sem dar origem à identificação de desarmonia.
Agora olhe para a foto à direita. Vemos o equilíbrio dinâmico de vários semicírculos e círculos com a cor dominante destacada. Como o equilíbrio dinâmico é alcançado? Se você observar a estrutura oculta da folha, além dos eixos horizontal e vertical de construção da composição, poderá ver claramente o uso de um eixo diagonal. A sua presença e utilização são reveladas por um círculo vermelho, que nesta composição é o ponto dominante, a área onde o olhar presta atenção primeiro. Apresentamos o conceito- centro de composição.

Centro de composição. Dominante

Centro composicional, dominante, como entender: na composição da esquerda existe um determinado centro composicional, ou dominante, que é o início da composição e ao qual todos os outros elementos estão subordinados. Pode-se dizer mais: todos os outros elementos aumentam o significado do dominante e “jogam junto” com ele.

Temos o personagem principal – os elementos dominantes e secundários. Os elementos menores também podem ser divididos de acordo com a importância. Mais significativos são os acentos e menos significativos são os elementos secundários. Seu significado é determinado apenas pelo conteúdo da história, pelo enredo da composição, e todos os elementos da composição são importantes e devem estar subordinados uns aos outros, “torcidos” em um todo.

O centro composicional depende de:

1. Seu tamanho e o tamanho de outros elementos.

2. Posições no avião.

3. A forma de um elemento que difere da forma de outros elementos.

4. A textura de um elemento, que difere da textura de outros elementos.

5. Cores. Aplicando um contraste (cor oposta) à cor dos elementos secundários (uma cor brilhante em um ambiente neutro e vice-versa, ou uma cor cromática entre os acromáticos, ou uma cor quente com uma paleta geral fria de elementos secundários, ou cor escura entre os brilhantes...

6. Elaborações. O elemento principal, o dominante, é mais desenvolvido que os secundários.

Centros composicionais e geométricos da composição

Vamos continuar... Este elemento dominante, um elemento ativo conspícuo, não está localizado no centro da folha, mas seu peso e atividade são sustentados por muitos elementos secundários localizados diagonalmente mais adiante, opostos a este dominante. Se você desenhar outra diagonal, em ambos os lados o “peso” da composição será condicionalmente o mesmo. A composição é equilibrada vertical e horizontalmente, bem como diagonalmente. São usados ​​​​elementos que diferem em atividade da composição anterior - eles estão mais ativamente localizados e mais ativos em sua forma. Embora estejam dispostos de forma elementar, segundo uma grade convencional, e a estrutura da composição seja simples, além disso, a composição possui um equilíbrio dinâmico, pois conduz o espectador por uma determinada trajetória.

Observação: a composição da direita não foi criada com tintas sobre papel, mas gostei muito e, em geral, isso não muda. Vamos continuar...

Você diz, onde está o centro geométrico da composição? Eu respondo: o centro geométrico da composição está onde deveria estar. Inicialmente, pode parecer que está localizado onde está o dominante. Mas o dominante é antes um acento, o início da composição, ou seja, o centro composicional. No entanto, não esquecemos que existe também uma estrutura oculta da composição, cujo centro geométrico se encontra como na composição à esquerda. O espectador volta seu primeiro olhar para centro de composição, o dominante, mas depois de examiná-lo, e depois de revisar toda a composição, seu olho ainda parou em centro geométrico, certo? Confira você mesmo, monitore seus sentimentos. Ele encontrou ali “calma”, o lugar mais confortável. De vez em quando ele examina novamente a composição, prestando atenção na dominante, mas depois se acalma novamente no centro geométrico. É por isso que esse equilíbrio é chamado de dinâmico, ele introduz movimento - a atenção visual não se espalha uniformemente pela composição, mas segue um determinado curso que o artista criou. Seu olho encontrará movimento no centro composicional, mas não será capaz de se estabelecer ali. E é precisamente com o sucesso da construção da composição, nomeadamente, a correta utilização do centro geométrico, que esta fica harmoniosamente visível a partir de qualquer curva. E o centro composicional é onde a composição começa a dialogar com o espectador. Esta é uma seção da composição que permite controlar a atenção do espectador e direcioná-la na direção certa;

Composição estática e composição dinâmica

Agora chegamos aos seguintes termos que precisamos considerar. Esses termos diferem em significado de equilíbrio estático e dinâmico, ou seja: você pode equilibrar qualquer composição de diferentes maneiras. Então o que é composição estática? Este é um estado de composição em que os elementos equilibrados entre si como um todo dão a impressão de sua composição. imobilidade estável.

1. Uma composição a partir da qual se pode observar visualmente com clareza a utilização de uma estrutura de folha oculta para a construção. Em uma composição estática existe uma ordem condicional de construção.

2. São selecionados objetos para uma composição estática que tenham formato, peso e textura mais próximos.

3. Há uma certa suavidade na solução tonal.

4. O esquema de cores é baseado em nuances - cores semelhantes.

Composição dinâmica, portanto, pode ser construído de maneira oposta. Este é o estado de uma composição em que os elementos equilibrados entre si dão a impressão disso. movimento e dinâmica interna.

Repito: mas seja qual for a composição, deve-se sempre buscar um equilíbrio visual estável de todos os componentes da composição em suas diversas direções - para cima e para baixo, para a direita e para a esquerda, na diagonal.

E a composição deve ficar harmoniosa em qualquer posição, em qualquer rotação - vire sua composição de cabeça para baixo, ou 90 graus, com massas gerais e manchas coloridas/tonais, também deve ser agradável de visualizar, sem qualquer indício de desconforto.

Noções básicas de composição - exercícios

Exercícios adicionais podem ser realizados com guache, como apliques, lápis de cor e outros materiais que seu coração desejar trabalhar. Você pode realizar desde o exercício que achar mais fácil ou interessante até o mais difícil.

1. Equilibre vários elementos de formato simples em um plano quadrado. Usando o mesmo princípio, crie uma composição de um motivo paisagístico simples.

2. A partir de motivos estilizados simples de formas naturais, faça um esboço de uma composição fechada (não fora do âmbito da imagem), encerrada em formato de folha. Composição fechada - a ação gira apenas no espaço que você utiliza, clareza total. As composições apresentam um movimento circular.

3. Organize vários triângulos e círculos de acordo com o princípio da composição dinâmica (disposição assimétrica das figuras sobre um plano), variando a cor, a luminosidade das figuras e o fundo.

4. Aplicação do princípio da divisão elementos de composição, equilibram diversas formas de diferentes configurações em formato retangular. Usando este princípio, faça uma composição simples sobre um tema arbitrário.

5. A partir de motivos estilizados simples de formas naturais, usando o princípio da divisão de elementos, faça um esboço de uma composição aberta. Uma composição aberta é uma composição que pode ser desenvolvida ainda mais - em largura e altura.

6. Divida o plano da folha em uma estrutura condicional baseada na sensação e crie uma composição a partir dela: uma solução em preto e branco.

Meios expressivos de composição

Rumo a meios expressivos de composição em elementos decorativos e Artes Aplicadas incluem linha, ponto, mancha, cor, textura... Esses meios são ao mesmo tempo elementos de composição. Com base nas tarefas e objetivos atribuídos e tendo em conta as capacidades de um determinado material, o artista utiliza os meios de expressão necessários.

A linha é o principal elemento formativo que transmite com mais precisão a natureza dos contornos de qualquer forma. A linha desempenha uma dupla função, sendo ao mesmo tempo meio de representação e meio de expressão.

Existem três tipos de linhas:

Reto: vertical, horizontal, inclinado
Curvas: círculos, arcos
Curvas com raio de curvatura variável: parábolas, hipérboles e seus segmentos

A expressividade da percepção associativa das linhas depende da natureza do seu contorno, som tonal e colorido.

As linhas transmitem:

Vertical - esforçando-se para cima

Inclinado - instabilidade, queda

Linhas tracejadas - movimento variável

Ondulado - movimento suave e uniforme, balançando

Espiral - movimento rotacional lento, acelerando em direção ao centro

Rodada - movimento fechado

Oval - a direção do formulário em direção aos pontos focais.

Linhas grossas se projetam para frente e linhas finas recuam mais profundamente no plano. Ao esboçar uma composição, eles criam combinações de certas linhas e manchas que estimulam a manifestação de suas propriedades plásticas e coloridas.

O ponto é amplamente utilizado como um dos meios de expressão em muitas obras de arte decorativa e aplicada. Ajuda a identificar a textura da imagem e transmitir o espaço condicional.

A mancha é utilizada na organização rítmica de motivos ornamentais não figurativos. Spots de diversas configurações, organizados em uma composição específica, adquirem expressividade artística e, tendo impacto emocional no espectador, evocam nele o clima adequado.

Os artistas costumam usá-los como elementos visuais em suas obras. figuras geométricas: círculo, quadrado, triângulo. Suas composições podem simbolizar o movimento do tempo, os ritmos da vida humana.

A organização rítmica de motivos ornamentais a partir de elementos não figurativos (manchas de configuração abstrata, silhuetas de figuras geométricas), combinados em estruturas composicionais, torna-se um meio de expressão artística.

Mais meios de composição

1. Subordinação: a pessoa no primeiro segundo começa a perceber a composição como uma imagem de silhueta sobre um determinado fundo: a área da silhueta, o desenho da linha de contorno, o grau de compactação, tom, cor, textura da superfície , e assim por diante.

2. Simetria e assimetria: Um meio eficaz de alcançar o equilíbrio numa composição é a simetria – a disposição regular dos elementos da forma em relação a um plano, eixo ou ponto.

Assimetria - a harmonia de uma composição assimétrica é mais difícil de alcançar, pois se baseia na utilização de uma combinação de vários padrões de construção de composição; No entanto, as composições construídas sobre os princípios da assimetria não são de forma alguma inferiores em valor estético às simétricas. Ao trabalhar sua estrutura espacial, o artista combina simetria e assimetria, focando no padrão dominante (simetria ou assimetria), e utiliza a assimetria para destacar os principais elementos da composição.

3. As proporções são a relação quantitativa das partes individuais de uma composição entre si e com o todo, sujeitas a uma determinada lei. Uma composição organizada por proporções é percebida com muito mais facilidade e rapidez do que uma massa visualmente desorganizada. As proporções são divididas em modulares (aritméticas), quando a relação das partes e do todo se forma pela repetição de um único tamanho dado, e geométricas, que se baseiam na igualdade das relações e se manifestam na semelhança geométrica das divisões das formas.

4. Nuance e contraste: relacionamentos matizados são diferenças menores e fracamente expressas em objetos em tamanho, padrão, textura, cor e localização no espaço da folha. Como meio de composição, a nuance pode se manifestar em proporções, ritmo, cores e relações tonais e plasticidade.
Contraste: consiste numa forte oposição de elementos da composição. O contraste torna a imagem perceptível e a destaca das outras. Existem contrastes: direção do movimento, tamanho, massa convencional, forma, cor, luz, estrutura ou textura. Quando a direção é contrastada, a horizontal se opõe à vertical, a inclinação da esquerda para a direita é a inclinação da direita para a esquerda. Ao contrastar o tamanho, o alto contrasta com o baixo, o longo com o curto, o largo com o estreito. Com contraste de massa, o elemento visualmente pesado da composição fica próximo ao leve. Em contraste, as formas “duras” e angulares contrastam com as “suaves” e arredondadas. Com contraste claro, as áreas claras da superfície contrastam com as escuras.

6. O ritmo é uma certa ordenação dos elementos de um único caractere de uma composição, criada pela repetição de elementos, alternando-os, aumentando ou diminuindo. O padrão mais simples a partir do qual se constrói uma composição é a repetição de elementos e intervalos entre eles, denominado ritmo modular ou repetição métrica.

Uma série métrica pode ser simples, consistindo em um elemento de forma, repetido em intervalos regulares no espaço (a), ou complexa.

Uma série métrica complexa consiste em grupos de elementos idênticos (c) ou pode incluir elementos individuais que diferem dos elementos principais da série em forma, tamanho ou cor (b).

A forma é significativamente animada pela combinação de várias linhas métricas combinadas em uma composição. Em geral, a ordem métrica expressa estática, paz relativa.

Um certo direcionamento pode ser dado à composição criando um ritmo dinâmico, que se constrói nos padrões de proporções geométricas, aumentando (diminuindo) os tamanhos de elementos semelhantes ou em uma mudança natural nos intervalos entre elementos idênticos da série (um -d). Um ritmo mais ativo é obtido alterando simultaneamente o tamanho dos elementos e os intervalos entre eles (e).
À medida que o grau de ritmo aumenta, a dinâmica composicional da forma se intensifica no sentido de engrossar a série rítmica.

Para criar uma série rítmica, você pode usar uma mudança natural na intensidade da cor. Em condições de repetição métrica, a ilusão de ritmo é criada como resultado de uma diminuição ou aumento gradual da intensidade da cor do elemento. Com a mudança do tamanho dos elementos, a cor pode aumentar o ritmo se a sua intensidade aumentar simultaneamente com o aumento do tamanho dos elementos, ou equilibrar visualmente o ritmo se a intensidade da cor diminuir com o aumento do tamanho dos elementos. O papel organizador do ritmo em uma composição depende do tamanho relativo dos elementos que compõem a série rítmica e da sua quantidade (para criar uma série é necessário ter pelo menos quatro a cinco elementos).

Cores quentes e brilhantes são usadas para destacar os elementos ativos da composição. Cores frias os removem visualmente. A cor tem um efeito ativo na psique humana e pode evocar uma grande variedade de sentimentos e experiências: agradar e entristecer, revigorar e deprimir. A cor afeta uma pessoa independente de sua vontade, pois recebemos até 90% das informações através da visão. Estudos experimentais mostram que a menor fadiga ocular ocorre ao observar cores na parte intermediária do espectro (região amarelo-verde). As cores nesta área proporcionam uma percepção de cores mais estável, e as partes extremas do espectro (violeta e vermelho) causam maior fadiga ocular e irritação do sistema nervoso.

De acordo com o grau de impacto na psique humana, todas as cores são divididas em ativas e passivas. As cores ativas (vermelho, amarelo, laranja) têm efeito estimulante e aceleram os processos vitais do corpo. As cores passivas (azul, roxo) têm o efeito oposto: acalmam, causam relaxamento e diminuição do desempenho. O desempenho máximo é observado sob a influência da cor verde.

A necessidade humana natural é harmonia de cores = subordinação de todas as cores da composição a um único conceito composicional. Toda a variedade de harmonias de cores pode ser dividida em combinações diferenciadas baseadas na convergência (identidade de tonalidade, luminosidade ou saturação) e combinações contrastantes baseadas na oposição.

São sete opções de harmonia de cores, baseadas em semelhanças:

1. a mesma saturação com diferentes luminosidades e tons de cor;

2. a mesma luminosidade com saturação e tom de cor diferentes;

3. o mesmo tom de cor com saturação e luminosidade diferentes;

4. Mesma luminosidade e saturação para diferentes tons de cores;

5. o mesmo tom de cor e luminosidade em diferentes saturações;

6. o mesmo tom de cor e saturação com luminosidade diferente;

7. Tom de cor idêntico, leveza e saturação de todos os elementos da composição.

Com a mudança de tonalidade, a harmonia pode ser alcançada combinando duas cores principais e intermediárias (por exemplo, amarelo, verde e mostarda) ou contrastando a tonalidade. As combinações contrastantes são formadas por cores complementares (por exemplo, vermelho com verde frio, azul com laranja, violeta com amarelo...) ou por tríades que incluem cores igualmente espaçadas no círculo cromático (por exemplo, amarelo, roxo, verde-azul, vermelho, verde e azul-violeta). A harmonia de cores é formada não apenas por combinações de cores cromáticas, mas também por ricas cores cromáticas e acromáticas (azul e cinza, marrom e cinza e assim por diante).

Mais exercícios...

1. Esboce um motivo natural com uma linha e um ponto

2. Crie uma composição temática usando meios gráficos de expressão - linha, ponto, ponto

3. A partir de objetos colocados livremente no espaço, crie uma composição equilibrada de uma natureza morta, sem recorrer a abreviações de perspectiva de objetos e planos espaciais

8. Dissecar o plano de um círculo inscrito em um quadrado (solução preto e branco), e a partir dos círculos dissecados criar uma composição relatora. Você pode fazer o mesmo com outras formas geométricas.

Artista e composição

Agora não falaremos sobre como compor uma composição, mas sim sobre as forças que motivam sua criação. Essas forças são muito mais fortes e eficientes do que se você passasse muitas horas estudando minuciosamente os aspectos técnicos de sua criação, mas economizasse em colocar pelo menos uma gota de sua alma no processo. Esta é uma forte motivação, uma força motriz. Você é um artista, não importa quais conhecimentos e habilidades você tenha e em que estágio de desenvolvimento você se encontra. Você é um ARTISTA, uma pessoa criativa. Antes de criar uma composição, qualquer composição, você abriga uma ideia, pensa, sente emoções e observa sua criação dentro de você. Alguns de nós sonhamos com isso, alguns de nós estamos sob a influência desse processo mágico dia após dia, às vezes isso simplesmente nos impede de viver como todas as pessoas comuns, porque nós o criamos desde o início dentro de nós mesmos. Qualquer composição, qualquer criação é uma sublimação daquelas sensações e experiências que acompanham o artista e crescem nele, na sua consciência. E então, um dia, num momento, você entende que aqui está, a criação, agora pode nascer e você finalmente entende o que deve fazer. E nasce a composição. Agora nada pode impedir o seu processo criativo. Mas, em geral, a composição é o humor, os pensamentos do artista, a própria ideia que ele espalha no plano sem vida de uma folha ou tela, forçando-os a VIVER sua própria vida única, não como todo mundo. E mesmo que o artista não seja muito forte no estudo das leis da composição em uma folha de papel, o poder criativo da criação é muitas vezes mais forte, todo o resto é uma questão de lucro. Não tenha medo de expressar seus pensamentos e sentimentos. Ousado e simples, misterioso e raivoso, alegre e fantástico.... ninguém pode lhe dizer melhor sobre seus pensamentos, só você mesmo.

Uma vontade constante de melhorar a qualidade de vida, incluindo a sua vertente artística e estética atualizações investigação fundamental no domínio dos fundamentos da arte - composição. Hoje em dia é considerada sob três formas: a expressão da estrutura direta de uma obra, a disciplina científica da arquitetura, da arte e da história da arte sobre o design visual de uma ideia em uma obra, e a obra acabada também pode ser chamada de obra como um sinônimo.

Também é relevante porque é muito comum controverso atitude perante a composição como um conjunto de regras e técnicas que podem resolver todos os problemas do artista. Como se a composição fosse uma disciplina tão lógica, sistemática e funcionalmente organizada. Mas isso não é verdade. Apesar da importância fundamental indicada da norma para a unidade da formação, da comunicação profissional e da prática na avaliação empírica geral, não existe um sistema na composição. Embora o artista gráfico e teórico da arte N.N. Volkov em seu livro “Composição na Pintura” em 1977 tenha falado sobre a necessidade de criar uma teoria da composição, e também formulou uma série de problemas principais que a teoria da composição como ciência é projetada para resolver. resolver, estes pensamentos não adquiriram a sua solução lógica nem na estética, nem na crítica de arte, nem na pedagogia. Os interessados ​​em questões de composição se deparam com questões objetivas problema a ausência de uma teoria normativa unificada da composição nas artes visuais. A experiência e o conhecimento historicamente acumulados sobre composição aparecem constantemente na literatura científica e educacional, mas cada cientista, artista ou professor interpreta sua estrutura e conteúdo, muitas vezes de forma irracional, a seu próprio critério, em seu próprio arranjo com conteúdos individuais muito diferentes. Isto pode ser confirmado comparando vários estudos material didáctico, notas de palestras, cursos em vídeo, etc. Mesmo entre cientistas de renome não há acordo. Por exemplo, artista popular URSS e professor, acadêmico da Academia de Artes da URSS, E. A. Kibrik, segundo as memórias de outro artista, cientista e professor E. V. Shorokhov, identificou três leis básicas: tipificação, expressividade e integridade. O próprio trabalhador homenageado ensino médio Rússia, Doutor em Ciências Pedagógicas, professor, membro do Sindicato dos Artistas E.V. Shorokhov em sua obra “Composição” nomeia leis como a lei da integridade, a lei dos contrastes, a lei da novidade, a lei da subordinação de todos os meios de composição ao plano ideológico, a lei da vitalidade, a lei da influência “frames”. Além disso, ele se refere a regras composicionais como ritmo, centro sujeito-composicional, simetria, assimetria, paralelismo de composição, localização do principal no fundo. O cientista refere-se aos métodos de composição como transmitindo a impressão de monumentalidade, espaço, direções horizontais e verticais e diagonais. Os meios incluem linha, linhas tracejadas, pontos (tonais e coloridos), claro-escuro, leis da perspectiva linear e aérea. Isto levanta a questão da base para tal classificação. Por que, segundo E. V. Shorokhov, o contraste é uma lei, e não um meio (junto com o ritmo) de expressar o centro composicional e o significado da obra? Por que a linha, o traço, o spot são um meio de composição quando são elementos morfológicos de tudo? Artes visuais. Em outras palavras, as classificações existentes não resistem às críticas.

Com base no problema, o trabalho prossegue alvo modelar uma variante da estrutura da composição com explicação do conteúdo dos seus elementos, tanto para ajudar estudantes como pintores, e considerar a possibilidade de aceitá-la como normativa. Por outras palavras, apelar aos artistas, aos historiadores da arte e aos professores para que cheguem a um acordo entre si de uma vez por todas e proponham um modelo.

Base teórica para criar o esquema lógico-estrutural do autor, a mesma experiência e conhecimento acumulados, captados em trabalhos teóricos, anotações de diários, correspondência de artistas, professores, críticos de arte L. B. Alberti, E. A. Kibrik, V. A. Favorsky, K. F. Yuona, E.V. M.V. Alpatova, G.I. Panksenova, etc. A teoria psicológica da percepção da imagem humana, desenvolvida pelos psicólogos alemães da Gestalt K. Koffka, M. Wertheimer, R. Arnheim, foi colocada em serviço. Base metodológica O trabalho consistiu principalmente na análise de diferentes teorias, sua comparação, crítica pelo prisma da lógica e da funcionalidade, síntese, estruturação e modelagem.

A essência conceito do autor O modelo da teoria da composição (expresso no diagrama lógico-estrutural da Figura 1), em grande parte baseado na experiência e no conhecimento existentes, expressa um novo sistema de visões e abordagens à sua organização. A arte é cumulativa por natureza (novas conquistas não anulam as antigas, mas são adicionadas ao tesouro geral de conquistas) e a experiência testada pelo tempo na criação de beleza, com padrões de trabalho identificados objetivamente, fatos e formas de expressar ideias concebidas, deve ser incluída em vários grupos elementos estruturais por parentesco de funções e subordiná-los de acordo com sua capacidade de expressar a intenção do artista.

O mais difícil é combinar num só modelo o processo composicional (o algoritmo recomendado para trabalhar uma obra) e a propedêutica teórica da composição, porque são lógicas estruturantes completamente diferentes. A dificuldade reside no fato de que na vida real existe um processo e existe um conteúdo teórico do processo, e no conhecimento teórico o algoritmo de trabalho de uma composição pode ser considerado na estrutura dos métodos de identificação de uma imagem artística. Pareceria conveniente atribuir às etapas do processo o seu conteúdo teórico, mas isso é difícil de fazer tendo em vista que a composição é desenvolvida inteiramente desde o início e as etapas de concepção, decisão e execução determinam apenas o grau de elaboração do trabalho com o mesmo conteúdo teórico. Portanto, a decisão do autor é dividir a teoria e a prática em duas seções não relacionadas: a composição como processo e a propedêutica composicional, embora na vida estejam interligadas. E este não é um desejo ambicioso de abraçar a imensidão, mas a necessidade de uma divisão detalhada e de uma nova generalização necessária para descrever o quadro geral do conhecimento composicional.

Naturalmente, em primeiro lugar, como qualquer disciplina científica, propedêutica composicional deverá descrever a definição, os fundamentos científicos e as conexões interdisciplinares, a história do desenvolvimento e outros elementos necessários do aparato científico da disciplina. Neste ponto, pode-se argumentar que as várias teorias de composição são conceitualmente as mesmas. Também se pode concordar com a variedade de definições porque cada um deles introduz apenas nuances específicas na explicação geral do termo, que (de acordo com a definição mais simples, por exemplo, S.I. Ozhegova) coincide com a tradução direta e significa composição, disposição das partes.

Além disso, a categoria fundamental para o domínio da propedêutica composicional é imagem artística. É ele quem, pensando logicamente, determina todas as demais escolhas do artista após a ideia, começando pela direção e tipo de arte, terminando com técnicas específicas de organização dos elementos visuais da obra. Nesta seção do conhecimento, deve-se considerar a definição, a história do desenvolvimento do conceito e os conceitos filosóficos de sua compreensão. Com base na definição de uma imagem artística como uma forma de interpretação do mundo em objetos que afetam esteticamente, a teoria deve ser dividida e considerada posteriormente no contexto de relações e diferenças Tópicos funciona e método sua exibição, pois as categorias respondem a questões fundamentalmente diferentes: o tema é “o que desenhar” e o método é “como desenhar”. A divisão ajuda a identificar vetores de aprendizagem e aplicar o conhecimento na prática na análise crítica. A interligação das seções se manifesta no fato de que o tema determina em grande parte os métodos, mas o mesmo tema, dependendo das preferências do autor, pode encontrar sua concretização visual em diferentes métodos. Na opinião do autor, outros grupos de conhecimentos úteis para a composição são considerados com maior precisão no paradigma dos métodos de expressão de uma imagem artística. Assim, os métodos incluem uma série de escolhas relacionadas a trama, belas artes, (pintura, grafismo, escultura), direção(arte objetiva ou não objetiva), material E tecnologia, em que a ideia influenciará o espectador de forma mais eficaz. Deve-se notar que na prática o artista não se propõe a tarefa experimental de escolher uma forma, direção e gênero artístico, mas trabalha mais ou menos constantemente em certo gênero, material e maneira, devido a interesses pessoais, inclinações, expectativas de imagem (ou visão pré-criada). Em outras palavras, um pintor raramente se transforma em artista gráfico, um abstracionista em realista, etc. Via de regra, uma busca de esboço é realizada na direção do enredo e da técnica. Por uma questão de exaustividade, a teoria deve ser designada propriedades dos objetos do mundo transmitido, baseia-se na regra de ouro da formação da imagem, que afirma que o material da obra, a cor com que é pintada e a própria forma devem unir-se harmoniosamente na obra. Quanto às tendências na arte, são importantes as seções dedicadas à comparação entre composição não objetiva e composição temática (gênero (refletindo qualquer gênero de arte) ou associativa (violando a unidade aristotélica clássica)). Na opinião do autor, no nível dos esboços iniciais de pesquisa, o desenvolvimento de uma imagem na arte de objetos pode parecer uma distribuição muito abstrata de escuridão e luz, grandes e pequenos pontos de objetos futuros do mundo observado. Consequentemente, as abordagens para transmitir quaisquer propriedades de uma composição têm características semelhantes e recomendações gerais, bem como específicas. Mais adiante no artigo, propõe-se introduzir nos métodos meios de melhorar as imagens que são conhecidos da literatura: alegoria, antítese, hipérbole, grotesco, litotes, metáfora, citação e outros. Em graus variados, eles podem influenciar a leitura do enredo ou personagem de cada personagem em uma obra de arte. Um tópico separado para artes plásticas não foi desenvolvido, mas tem potencial para pesquisa. Por exemplo, para transmitir o caráter com mais força, os traços individuais são mostrados de uma forma um pouco grotesca e realçados. Lembremos também os famosos simbolistas russos M. A. Vrubel e V. E. Borisov-Musatov, bem como G. Klimt, cujas imagens são inteiramente alegorias e personificações. Ao mesmo tempo, a formação de imagens também pode incluir estilização em dois aspectos principais: dar um estilo específico à época e ao país, ou a interpretação da forma pelo autor para se adequar à ideia. E, claro, o método de expressar uma imagem inclui uma seção grande e difícil de interpretar. organização de composição ou colocar todos os elementos pictóricos dentro de limites físicos ou lógicos. Esta seção inclui e descreve princípios, leis, regras, técnicas, instalações construção da composição, bem como tipos, tipos E propriedades, ou seja especificamente o que determina a localização do elemento pictórico em uma ou outra parte do formato. Com base na análise e comparação de diversas teorias, é em termos de leis e regras que se revelam enormes discrepâncias. Isto é compreensível, porque a relação entre princípios, leis, padrões e regras é um verdadeiro problema filosófico e problema científico para as humanidades. Nem as ciências políticas, nem a história, nem a linguística, nem a ética, a estética e a história da arte estabelecem quaisquer leis científicas, mas fornecem uma explicação causal para os fenômenos em estudo ou destacam afirmações avaliativas.

As conclusões e propostas do autor para esta secção foram previamente apresentadas em detalhe e evidenciadas no artigo “O conceito da teoria da organização da composição nas artes plásticas” no nº 4 da revista “Arte e Educação” de 2017. A ideia central do artigo era focar nos princípios de composição, e foi proposto privar as leis e regras de seu lugar independente na estrutura e colocá-las a serviço do cumprimento do princípio. Afinal, que tipo de limites um criador pode realmente ter? Aristóteles, Platão e Quintiliano também disseram que a arte não obedece a leis (embora falassem da arte da pedagogia). Por um lado, os gostos estéticos da sociedade em constante mudança, tendo em conta o desenvolvimento da tecnologia, tornam impossível aplicar categoricamente leis e regras “testadas pelo tempo” (formuladas para atingir o ideal estético de uma determinada época e direção) para arte Moderna. Por outro lado, as leis gerais não são adequadas para resolver problemas individuais não repetitivos, porque numa composição a ideia dita a sua solução de uma forma, e de outra – de forma diametralmente oposta. A desvantagem de todas as leis e regras imperativas é que nenhuma análise séria é realizada sobre a conexão entre o conteúdo da composição e as formas composicionais de expressão desejadas. Portanto, leis e regras não são adequadas para expressar uma ideia. No entanto, é promissor introduzir a experiência acumulada, distribuindo funções por parentesco, na estrutura do indicativo princípios, em que se pode confiar na resolução de problemas relacionados à expressão de uma ideia. E como com valor positivo, e vice versa. Na verdade, em filosofia, um princípio é o mesmo que um fundamento, algo que fundamenta um determinado corpo de conhecimentos ou fatos. A lei é perfeita para descrever as manifestações físicas e matemáticas do mundo circundante, mas onde a diversidade das manifestações humanas (culturais) na vida não se enquadra numa forma clara e completa da lei, o princípio dá maior liberdade para generalizações. Mas para descrever e alcançar a conformidade com um princípio específico, podem ser formuladas leis e regras. Talvez esta abordagem pareça radical para a comunidade profissional. É difícil abandonar repentinamente o conhecimento sobre o qual se desenvolveu uma atitude profissional e baseada em valores ao longo dos anos. Justifiquemos nosso ponto de vista pelo fato de que uma regra geralmente é uma instrução clara sobre o que deve ser feito para alcançar o cumprimento certa condição. Surge imediatamente a questão de quê, se estamos a falar de composição em geral e da ideia sempre diferente do autor. E tudo se encaixa quando conseguimos o cumprimento de um determinado princípio. O direito é uma categoria que denota conexões objetivas, significativas, repetitivas e estáveis ​​​​dentro de um fenômeno ou entre fenômenos, componentes de um sistema, refletindo os mecanismos de sua auto-organização, desenvolvimento e funcionamento. Nos dicionários filosóficos, a interpretação de leis e princípios é em grande parte sinônimo, e o problema da correlação é tão eterno quanto a disputa entre materialismo e idealismo porque, falando do mesmo fenômeno, as leis são de natureza descritiva e os princípios determinam instruções de ação. A cientista e professora Maria Aleksandrovna Erofeeva chegou às mesmas conclusões em sua pesquisa. Deixe-a fazer isso pela pedagogia, mas o grão racional pode ser extrapolado para as artes plásticas. O significado de suas conclusões é que as leis não contêm instruções diretas para atividades práticas. Constituem apenas uma base teórica para o desenvolvimento e aperfeiçoamento de regras e princípios. Como resultado recomendações práticas e as demandas são expressas em princípios e regras. Eles (princípios) como diretrizes, princípios fundamentais determinam o conteúdo e as recomendações práticas, caracterizam as formas de utilização das leis e padrões de acordo com os objetivos pretendidos. Aspectos individuais de um princípio revelam as regras. As regras decorrem dos princípios.

Então a estrutura de organização da composição proposta pode ser semelhante à descrita abaixo. A seguir, será nomeado o princípio do equilíbrio, que exige uma distribuição uniforme dos elementos visuais dentro do formato, mas pode ser omitido por causa da ideia do autor. A lei pode soar assim: um objeto pictórico colocado próximo à borda do formato chama muita atenção e causa sensação de esforço além da borda, desconforto e peso superior à metade da folha em que está inserido. É claro que você pode equilibrar o plano pictórico colocando um objeto próximo à borda oposta. A regra será esta: para criar sensações equilibradas, deve-se dividir o formato em quatro partes ao longo dos eixos horizontal e vertical e preencher cada uma com elementos visuais. Mas isso desde que seja necessário para alcançar o equilíbrio. Esta é uma metodologia pela qual um cientista meticuloso pode formular ele mesmo muitas leis e regras. O artigo tem como tarefa identificar o lugar na estrutura dos grandes grupos.

O conjunto de princípios será composto por: proporcionalidade, equilíbrio, estrutura, integridade, expressividade, originalidade e novidade, reflexão da passagem do tempo, veracidade (ou vitalidade), tendo em conta a psicologia e a fisiologia da percepção. Proporcionalidade, em essência, reside no fato de que dentro dos limites físicos ou lógicos do plano pictórico, o aglomerado de elementos interagentes da composição não deve ser pequeno (para que haja vazios onde nada aconteça) ou grande (para que um sentimento de cãibras é criado). Equilíbrio propõe organizar os elementos figurativos sem permitir que a maior parte deles se acumule em nenhuma parte da folha, deixando o restante vazio. Estruturalidade como princípio, determina a identificação do principal e a subordinação do secundário a ele, porque Quanto mais simples e claro for o sistema de relações entre elementos e cores de uma composição, mais inteligível ela será. Integridade como princípio, exige a percepção da composição como uma unidade de ideia, forma, escala, cor, técnicas técnicas e materiais, na qual nada pode ser movido ou substituído, da qual nada pode ser retirado e à qual nada pode ser acrescentado sem comprometendo o impacto emocional. Expressividade concentra-se em uma reflexão artística da realidade que excita e mantém a atenção e o interesse do público. Originalidade e a novidade é determinada não pelo desenvolvimento de um autor anteriormente inexistente, mas por um afastamento do chamado “mainstream” e pela descoberta de um círculo de interesses do autor que é diferente de qualquer outro linguagem figurativa. Exibindo a passagem do tempo foi formulado pela primeira vez por N.N. Volkov (embora ele a tenha chamado de lei da vitalidade), explicando que o ponto da trama representado deve conter uma sugestão do desenvolvimento passado e futuro. Veracidade como princípio, recomenda que o artista aborde apenas temas que lhe sejam profundamente conhecidos, para que correspondam a toda a verdade da vida. O princípio de levar em consideração a psicologia e a fisiologia da percepção O espectador convida o artista a modelar a correta interpretação de sua obra pelo espectador, levando em consideração a linguagem dos símbolos gráficos e das cores, os códigos culturais, os fundamentos fisiológicos da visão e a psicologia da percepção. Na verdade, além do nível semântico de percepção, onde as tramas do mundo objetivo são decifradas, também são criados níveis que influenciam o espectador pela ressonância com sensações profundas, associações, gestalts - os blocos de construção da psique. Não é por acaso que as descobertas científicas dos psicólogos alemães da Gestalt K. Koffka e M. Wertheimer sobre a percepção humana desempenham um grande papel no campo das artes plásticas. O livro “Arte e Percepção Visual” de R. Arnheim é de grande importância para as artes plásticas.

Para garantir o cumprimento dos princípios, além das leis e regulamentos, o nível mais baixo é técnicas E caminhos. São muitos os que podem ser nomeados, por exemplo, enquadrar uma figura com folhagens no Renascimento, entrar na composição através de uma sombra em primeiro plano, inscrever os elementos da composição numa forma geométrica, condensar e afinar, pausar e sobrepor , reunindo todas as linhas de perspectiva da imagem no centro composicional, etc. O momento definidor de uma técnica ou método é a especificidade do problema a ser resolvido, a organização de um elemento ou grupo. É inútil listá-los e descrevê-los, porque, como resultado de muitos anos de prática, você poderá desenvolver os seus próprios.

Também conhecido e importante para a organização de uma composição é um conjunto de meios morfológicos (que determinam objetivamente a aparência). Quer você componha uma composição de forma consciente ou intuitiva, eles estão sempre presentes com intensidades variadas. Geralmente são chamados de meios expressivos ou meios de expressar uma ideia. Às vezes também são chamados de “meios de harmonização de composição”. O significado dos meios é, em primeiro lugar, identificar o centro composicional ou o principal da obra. Em segundo lugar, ao determinarem as formas, tamanhos, alternância, brilho e cor dos elementos visuais, criam um sistema de acentos e estímulos para a percepção do espectador, direcionando-o ao longo da trajetória planejada pelo artista, revelando de um nó semântico a outro uma completa imagem da intenção do autor. Em terceiro lugar, revelam o clima emocional da obra, conferindo à composição propriedades como, por exemplo, estática, dinâmica, solidez, leveza, calma, tensão, etc. A lista de meios consiste em formato, contraste, nuance, tom, cor, ritmo (métrica), escala e proporções.

Formato de imagem, ou melhor, a sua forma geométrica e proporções determinam frequentemente a percepção da imagem. Contraste como meio artístico reside na justaposição de duas qualidades opostas para enfatizar a atenção. Contrastes técnicos de formas, cores e tons conferem à composição uma força decorativa. Semântica contrastes determinar a natureza da imagem artística. Em contraste com o contraste, nuances acalmar a percepção do espectador, generalizar os elementos em um todo. Capacidade expressiva ritmoé o caminho que o olhar deve seguir para “passar” de um objeto a outro. Se a distância não for grande e o olho “saltar” rapidamente de um elemento para outro, o ritmo acelera e vice-versa. Além disso, o ritmo em pintura manifesta-se na construção do sistema cor-tonal da imagem e na energia dos traços coloridos. Escala o significado ou insignificância semântica do objeto de desenho, sensações massivas e leves podem ser expressas. Ao mesmo tempo, a experiência do autor nota: as formas grandes tendem a unir visualmente as menores em grupos, as médias, via de regra, desempenham a tarefa principal de criar um enredo, e as pequenas decoram primorosamente a obra. Proporções permitem criar certas sensações emocionais de elevação ou agachamento na imagem, para obter efeitos decorativos e estilizações. Um grande aspecto da proporção na arte envolve o uso da proporção áurea. Tom com base no princípio dos contrastes, destaca o principal e também pode definir o clima emocional geral. Por analogia com as observações da vida, as imagens escuras estão associadas a estados mentais difíceis e patológicos e, pelo contrário, as claras estão associadas à alegria e à pureza. Cor transmite significado e humor emocional com qualidades próprias (saturação, tom de cor, leveza) e não próprias (possuindo níveis mentais, fisiológicos, culturais, religiosos, sociais, étnicos e individuais de sua percepção).

Às qualidades e propriedades da composição Propõe-se incluir conceitos associativos como estático, dinamismo, simetria e assimetria, massividade, leveza, abertura, sonoridade, surdez, escuridão, leveza, etc. Essas qualidades são criadas no trabalho pelos meios listados anteriormente. Não servem como um fim em si mesmos, mas apenas como forma de transmitir o estado geral, de atingir um determinado estado de espírito emocional na obra.

Tipos de composição dois são invariavelmente nomeados: fechado, ou seja limitado às bordas da folha formas figurativas como “cenas”; E abrir, com bordas abertas livres do plano pictórico.

Tipos de composição também é consistentemente denominado em diversas literaturas com base no arranjo espacial dos elementos. Existem três tipos de composição: frontal, volumétrico E espacial profundo. A composição frontal (planar) é uma composição bidimensional, desenvolvida horizontalmente e verticalmente. Inerente a trabalhos decorativos baseados em divisões planas de forma, composições ornamentais e possivelmente algumas manifestações de abstracionismo. Uma composição volumétrica é caracterizada pela distribuição da massa ao longo de 3 coordenadas espaciais, formando uma forma tridimensional, por exemplo, uma escultura redonda. A composição profundidade-espacial é caracterizada pela criação de imagens destinadas a perceber largura, altura e profundidade, ou seja, uma imagem realista comum que copia o mundo observado com suas três dimensões.

Se considerarmos a composição como processo, então a prática define três etapas principais: ideia, solução, execução. Este é um conhecimento puramente aplicado e otimizado pela experiência, que permite trabalhar rapidamente trabalho criativo, ao mesmo tempo que consegue a correspondência mais expressiva da obra com a imagem esperada da imaginação do autor. O conteúdo das etapas é descrito em detalhes em um artigo separado publicado anteriormente “Etapas de trabalho na visualização”. Vamos apenas indicar que ideia caracterizado pelo desenho de formas aceitáveis ​​​​de concretização visual em um esboço, busca a visão de uma ideia pré-criada na imaginação. Ou seja, nesta fase é necessário um esboço rápido e livre, sem desenhar especificamente os detalhes de todas as diversas opções de apresentação do tema que lhe vêm à mente, porque Ao mesmo tempo, é difícil transmitir com precisão um desempenho dinâmico sem limites. Um método comum de formação de uma imagem artística é escrever um conto antes do trabalho e visualizá-lo linha por linha em uma composição. Na fase de projeto, é necessário atingir o cumprimento dos requisitos de integridade, subordinação, equilíbrio, novidade, expressividade, etc. É importante estabelecer uma interação harmoniosa das massas principal e secundária, grande e pequena, escura e clara nas condições de “influência do quadro”. Criar, por meio da expressividade, um sistema de estímulos visuais que oriente o olhar e o pensamento de quem vê ao longo da trajetória concebida pelo artista. Todas as qualidades listadas inicialmente encontradas não desaparecerão em lugar nenhum se forem tratadas com cuidado durante o processo de trabalho. Caso contrário, eles não terão de onde vir na execução final. O número de esboços depende do grau de aproximação ao plano de ideia e do desenho da variante, delineando a trajetória exata de um desenvolvimento mais detalhado. No palco soluções você deve, tendo previamente selecionado uma das opções de esboço com maior potencial, desenvolvê-la forças e trabalhar detalhadamente cada imagem ou personagem, encontrar belos movimentos, esclarecer linhas, escalas, ritmos, tons. O enredo deve estar livre de detalhes confusos que evocam subtextos e associações perturbadoras durante a percepção. Nesta fase, se necessário (dependendo da direção da arte), é feito o acesso a materiais naturais que refletem a verdade da vida: são criados e aplicados esboços em escala real, são utilizadas fotos e a Internet. O método de acabamento da imagem com aleijados também é típico desta etapa. A conclusão lógica da etapa é a criação de um “cartão” (esboço detalhado em tamanho real da pintura para transferência para tela) para o trabalho futuro. Execução- a etapa final do trabalho em uma obra, em que nada foi alterado na solução encontrada. Um esboço ou projeto é incorporado com extrema precisão no material. Não é permitido especular sobre um esboço no esforço de realçar a expressividade artística da obra sem antes analisar o possível resultado.

O artigo levanta um tema complexo e apresenta tarefas que parecem impossíveis de serem concluídas com perfeição. Apesar disso, o modelo da teoria da composição do autor é apresentado conceitualmente e pode ser, se não a espinha dorsal, então uma razão para novos desenvolvimentos fundamentais. O artigo pretende, em primeiro lugar, chamar a atenção para a necessidade de testar logicamente muitos desenvolvimentos existentes sobre o tema e, em segundo lugar, encorajar os colegas a chegarem a um acordo entre si, possivelmente com base no modelo proposto.

A. S. Chuvashov

Lista de fontes usadas

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4. Um pequeno dicionário de estética: um livro para professores / Ed. M. F. Ovsyannikova. M.: Educação, 1983. 223 p.
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7. Erofeeva M. A. Fundamentos gerais da pedagogia: notas de aula. M.: Ensino superior, 2006. 188 pág.
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9. Koffka K. Princípios da psicologia da Gestalt. NY, 1935.
10. Wertheimer M. Pensamento produtivo / Trad. do inglês Em geral Ed. SF Gorbova e VP Zinchenko. Entrada Arte. V. P. Zinchenko. M.: Progresso, 1987. 336 p.
11. Arnheim R. Arte e percepção visual / Trans. do inglês V.L Samokhina; em geral Ed. V. P. Shestakova M.: Progresso, 1974. 392 p.
12. Chuvashov A.S. Etapas do trabalho de visualização. // Imagens visuais da cultura moderna: tradições e inovações na cultura da metrópole: uma coleção de artigos científicos baseados nos materiais da III conferência científica e prática de toda a Rússia com participação internacional, 10 a 11 de abril de 2014 / Conselho Editorial : P.L. Zaitsev e outros - Omsk: Golden Edition, 2014. P. 178 - 183.

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Instituição educacional estadual

ensino profissional superior

Departamento de Design e Processamento Artístico de Materiais

"Teoria da Composição"

Contente

• Introdução
• 1.1 Integridade
• 2. Tipos de composição
• 2.1 Composição fechada
• 2.2 Composição aberta
• 2.3 Composição simétrica
• 2.4 Composição assimétrica
• 2.5 Composição estática
• 2.6 Composição dinâmica
• 3. Formas de composição
• 3.4 Composição volumétrica
• 3.6 Combinação de composiçõeseuformulários
• 4.1 Agrupamento
• 4.2 Sobreposição e corte
• 4.3 Divisão
• 4.4 Formato
• 4.5 Escala e proporção
• 4.6 Ritmo e métrica
• 4.7 Contraste e nuance
• 4.8 Cor
• 4.9 Eixos de composição
• 4.10 Simetria
• 4.11 Textura e textura
• 4.12 Estilização
• 6. Estilo e unidade estilística
• 7. Composição associativa
• Bibliografia

Introdução

Pinturas com dois ou grande quantia Os artistas utilizam centros composicionais para mostrar diversos eventos que ocorrem simultaneamente e de igual importância.

Em uma imagem, você pode usar várias maneiras de destacar o principal ao mesmo tempo.

Por exemplo, usando a técnica de “isolamento” - retratando o principal isolado de outros objetos, destacando-o em tamanho e cor - você pode conseguir a construção de uma composição original.

É importante que todas as técnicas para destacar o centro composicional do enredo sejam utilizadas não formalmente, mas para revelar a melhor maneira a intenção do artista e o conteúdo da obra.

1. Características formais da composição

Artistas, lutando apaixonadamente com sua próxima obra-prima, mudando de cor e forma pela centésima vez, alcançando a perfeição do trabalho, às vezes ficam surpresos ao descobrir que sua paleta, onde simplesmente misturaram tintas, acaba sendo a mesma tela abstrata brilhante que carrega beleza sem qualquer conteúdo substantivo.

Uma combinação aleatória de cores formou o eixo de uma composição que não foi planejada com antecedência, mas surgiu por si mesma. Isso significa que ainda existe uma relação puramente formal entre os elementos, neste caso as cores, o que produz uma sensação de ordem. Você pode chamar isso de leis da composição, mas em relação à arte você não quer usar essa palavra rígida “lei”, que não permite a ação livre do artista. Portanto, chamamos essas relações de características de composição. São muitos, mas de todos os sinais podemos destacar os mais significativos, absolutamente necessários em qualquer forma organizada.

Portanto, existem três características formais principais da composição:

integridade;

subordinação do secundário ao principal, ou seja, presença de um dominante;

equilíbrio.

1.1 Integridade

Se toda a imagem ou objeto for capturado pelo olho como um todo e não se desintegrar claramente em partes independentes separadas, então há integridade como o primeiro sinal de composição. A integridade não pode ser entendida necessariamente como um monólito soldado; esta sensação é mais complexa, podem existir lacunas e lacunas entre os elementos da composição, mas ainda assim a atração dos elementos entre si, a sua interpenetração distingue visualmente a imagem ou objeto do espaço envolvente. A integridade pode estar no layout do quadro em relação à moldura, pode ser como uma mancha colorística de todo o quadro em relação ao campo da parede, e talvez dentro da imagem, para que o objeto ou figura não caia separados em pontos aleatórios separados.

Integridade é a unidade interna de uma composição.

1.2 Subordinação do secundário ao principal (presença de dominante)

No teatro costuma-se dizer que o rei não é interpretado pelo rei, mas por sua comitiva. A composição também conta com seus próprios “reis” e a “séquita” que os rodeia, como instrumentos solo e uma orquestra. O elemento principal da composição costuma chamar imediatamente a atenção; é este, o elemento principal, que todos os outros elementos secundários servem, sombreando, destacando ou direcionando o olhar na visualização da obra. Este é o centro semântico da composição. Em nenhum caso o conceito de centro da composição está associado apenas ao centro geométrico da imagem. O centro, o foco da composição, seu elemento principal pode estar tanto no fundo quanto no fundo, pode estar na periferia ou literalmente no meio da imagem - não importa, o principal é que o os elementos secundários “fazem o papel de rei”, conduzem o olhar ao ápice da imagem, por sua vez subordinados entre si.

1.3 Equilíbrio (estático e dinâmico)

Este não é um conceito simples, embora, à primeira vista, não haja nada complicado aqui. O equilíbrio de uma composição, por definição, está associado à simetria, mas uma composição simétrica tem a qualidade do equilíbrio inicialmente, como um dado, portanto não há o que falar aqui. Interessa-nos justamente aquela composição onde os elementos se situam sem eixo ou centro de simetria, onde tudo se constrói segundo o princípio da intuição artística numa situação muito específica.

Um campo vazio ou um único ponto colocado em determinado local da imagem pode equilibrar a composição, mas no caso geral é impossível indicar que local é esse e qual deve ser a intensidade de cor do ponto. É verdade que podemos notar de antemão: quanto mais brilhante a cor, menor pode ser o ponto de equilíbrio.

Deve ser dada especial atenção ao equilíbrio na composições dinâmicas, onde a tarefa artística é precisamente perturbar e destruir a paz de equilíbrio. Curiosamente, a composição mais assimétrica nas obras de arte, dirigida para além da tela, é sempre cuidadosamente equilibrada. Uma operação simples permite verificar isso: basta cobrir parte da imagem - e a composição do restante se desintegrará, ficará fragmentada, inacabada.

composição imagem formal

2. Tipos de composição

2.1 Composição fechada

Uma imagem com composição fechada cabe no quadro de tal forma que não tende para as bordas, mas parece fechar-se sobre si mesma. O olhar do espectador desloca-se do foco da composição para os elementos periféricos, retorna através de outros elementos periféricos novamente ao foco, ou seja, tende de qualquer lugar da composição para o seu centro.

Uma característica distintiva de uma composição fechada é a presença de campos. Nesse caso, a integridade da imagem se manifesta no sentido literal - contra qualquer fundo, o ponto composicional tem limites claros, todos os elementos composicionais estão intimamente interligados e plasticamente compactos.

2.2 Composição aberta

O preenchimento do espaço visual em uma composição aberta pode ser duplo. Ou são detalhes que vão além do enquadramento e fáceis de imaginar fora da imagem, ou se trata de um grande espaço aberto no qual está imerso o foco da composição, dando origem ao desenvolvimento e movimento de elementos subordinados. Nesse caso, não há direcionamento do olhar para o centro da composição, pelo contrário, o olhar se desloca livremente para além dos limites da imagem com alguma conjectura da parte não retratada;

A composição aberta é centrífuga, tende a avançar ou deslizar ao longo de uma trajetória em expansão em espiral. Pode ser bastante complexo, mas acaba sempre se afastando do centro. Muitas vezes falta o centro da composição, ou melhor, a composição é composta por muitos minicentros iguais que preenchem o campo da imagem.

2.3 Composição simétrica

A principal característica de uma composição simétrica é o equilíbrio. Ele mantém a imagem com tanta firmeza que também é a base da integridade. A simetria corresponde a uma das leis mais profundas da natureza – o desejo de estabilidade. É fácil construir uma imagem simétrica; basta determinar os limites da imagem e o eixo de simetria e, em seguida, repetir o desenho na imagem espelhada. A simetria é harmoniosa, mas se cada imagem for simétrica, depois de um tempo estaremos rodeados de obras bem-sucedidas, mas monótonas.

A criatividade artística vai tão além dos limites da correção geométrica que em muitos casos é necessário quebrar conscientemente a simetria da composição, caso contrário é difícil transmitir movimento, mudança e contradição. Ao mesmo tempo, a simetria, como a álgebra que verifica a harmonia, será sempre um juiz, um lembrete da ordem e do equilíbrio originais.

2.4 Composição assimétrica

As composições assimétricas não contêm um eixo ou ponto de simetria; a criatividade nelas é mais livre, mas não se pode pensar que a assimetria elimine o problema do equilíbrio. Pelo contrário, é nas composições assimétricas que os autores prestam especial atenção ao equilíbrio como condição indispensável à construção competente do quadro.

2.5 Composição estática

Firmes, imóveis, muitas vezes simetricamente equilibrados, composições deste tipo são calmas, silenciosas, dão a impressão de autoafirmação e carregam consigo não uma descrição ilustrativa, não um acontecimento, mas profundidade e filosofia.

2.6 Composição dinâmica

Externamente instável, propenso ao movimento, à assimetria, à abertura, este tipo de composição reflete perfeitamente o nosso tempo com o seu culto à velocidade, à pressão, à vida caleidoscópica, à sede de novidade, à rapidez da moda e ao pensamento baseado em clipes. A dinâmica muitas vezes exclui majestade, solidez e completude clássica; mas seria um grande erro considerar a simples negligência no trabalho como dinâmica; são conceitos completamente desiguais; As composições dinâmicas são mais complexas e individuais e, portanto, requerem reflexão cuidadosa e execução virtuosa.

Se os três pares de composições acima forem comparados entre si e tentarem encontrar uma relação entre eles, então, com um ligeiro exagero, devemos admitir que os primeiros tipos em cada par são uma família e os segundos são outra família. Em outras palavras, as composições estáticas são quase sempre simétricas e frequentemente fechadas, enquanto as composições dinâmicas são assimétricas e abertas. Mas nem sempre isso acontece; além disso, não é visível uma ligação estrita de classificação entre pares, ao definir composições segundo outros critérios iniciais, é necessário criar outra série, que por conveniência não chamaremos mais de tipos, mas de formas de composição; , onde a aparência da obra desempenha um papel decisivo.

3. Formas de composição

Todas as disciplinas do ciclo projetivo, da geometria descritiva ao projeto arquitetônico, dão o conceito dos elementos que compõem a forma do mundo circundante:

ponto;

linha;

avião;

superfície volumétrica;

espaço.

Utilizando esses conceitos, é fácil classificar as formas de composição. Basta ter em mente que as artes plásticas não operam com objetos matemáticos, portanto um ponto como lugar geométrico do espaço que não possui dimensões, é claro, não pode ser uma forma de composição. Para artistas, um ponto pode ser um círculo, uma mancha ou qualquer ponto compacto concentrado no centro. As mesmas observações se aplicam a linhas, planos e espaço tridimensional.

Assim, as formas da composição, nomeadas de uma forma ou de outra, não são definições, mas são apenas designadas aproximadamente como algo geométrico.

3.1 Composição pontual (cêntrica)

numa composição pontilhada o centro está sempre visível; pode ser um centro de simetria no sentido literal ou um centro condicional em uma composição assimétrica, em torno do qual os elementos composicionais que compõem o ponto ativo estão localizados de forma compacta e aproximadamente equidistante. Uma composição de pontos é sempre centrípeta, mesmo que suas partes pareçam divergir do centro, o foco da composição torna-se automaticamente o principal elemento organizador da imagem. A importância do centro é mais enfatizada numa composição circular.

Uma composição pontual (cêntrica) caracteriza-se pela maior integridade e equilíbrio, é fácil de construir e muito conveniente para dominar as primeiras técnicas profissionais de composição. Para uma composição de pontos, o formato do campo pictórico é de grande importância. Em muitos casos, o formato determina diretamente a forma e as proporções específicas da imagem ou, inversamente, a imagem determina o formato específico.

3.2 Composição de fita linear

Na teoria do ornamento, o arranjo de elementos repetidos ao longo de uma linha aberta reta ou curva é chamado de simetria translacional. Em geral, uma composição de tira não precisa necessariamente consistir em elementos repetidos, mas seu arranjo geral costuma ser alongado em alguma direção, o que sugere a presença de uma linha central imaginária em relação à qual a imagem é construída. A composição da fita linear é aberta e muitas vezes dinâmica. O formato do campo pictórico permite relativa liberdade; aqui a imagem e o campo não estão tão rigidamente ligados entre si em tamanho absoluto, o principal é o alongamento do formato.

Em uma composição de tira, muitas vezes é mascarada a segunda das três características principais da composição - a subordinação do secundário ao principal, por isso é muito importante identificar o elemento principal nela. Se for um ornamento, então em elementos repetidos que se dividem em miniimagens separadas, o elemento principal também se repete. Se a composição for única, o elemento principal não será mascarado.

3.3 Composição plana (frontal)

O próprio nome sugere que todo o plano da folha é preenchido com a imagem. Tal composição não possui eixos ou centro de simetria, não tende a se tornar um ponto compacto e não possui um foco único claramente definido. O plano da folha (inteiramente) determina a integridade da imagem. A composição frontal é frequentemente utilizada na criação de obras decorativas - tapetes, pinturas, padrões de tecidos, bem como em pinturas abstratas e realistas, vitrais, mosaicos. Esta composição tende a ser aberta. Uma composição plana (frontal) não deve ser considerada apenas como aquela em que o volume visível dos objetos desaparece e é substituído por manchas planas de cor. Uma pintura realista multifacetada que transmite ilusões espaciais e volumétricas, segundo a classificação formal, pertence à composição frontal.

3.4 Composição volumétrica

Seria muito ousado chamar qualquer pintura de composição volumétrica. Esta forma composicional estende-se às artes tridimensionais – escultura, cerâmica, arquitetura, etc. A diferença de todas as formas anteriores é que a percepção da obra ocorre sequencialmente a partir de vários pontos de observação, de vários ângulos. A integridade da silhueta é de igual importância em diferentes curvas. A composição volumétrica inclui uma nova qualidade - extensão no tempo; é visto de diferentes ângulos e não pode ser completamente coberto por uma única visão. A exceção é o relevo, que é uma forma intermediária em que o claro-escuro volumétrico desempenha o papel de linha e ponto.

A composição volumétrica é muito sensível à iluminação da obra, e o papel principal não é desempenhado pela intensidade da luz, mas pela sua direção.

O relevo deve ser iluminado por luz deslizante e não frontal, mas isso não basta também levar em conta de que lado a luz deve incidir, pois mudar a direção das sombras altera completamente a aparência da obra.

A composição volumétrica é criada pelo autor e a iluminação a completa.

3.5 Composição espacial

O espaço é moldado por arquitetos e, até certo ponto, designers. A interação de volumes e planos, tecnologia e estética com que operam os arquitetos não é tarefa direta das artes plásticas, mas a composição espacial passa a ser objeto de atenção do artista se for construída a partir de elementos artísticos e decorativos volumétricos, de alguma forma localizados no espaço . Em primeiro lugar, trata-se de uma composição cênica, que inclui cenários, adereços, móveis, etc. Em segundo lugar, a organização rítmica dos grupos de dança (ou seja, a cor e a forma dos trajes). Em terceiro lugar, combinações de exposição de elementos decorativos em salões ou vitrines. Em todas essas composições, o espaço entre os objetos é ativamente utilizado.

Como em uma composição volumétrica, a iluminação desempenha aqui um papel importante. O jogo de luz e sombra, volume e cor pode mudar radicalmente a percepção de uma composição espacial.

A composição espacial como forma é muitas vezes confundida com uma pintura que transmite a ilusão de espaço. Não há espaço real na imagem; na forma, trata-se de uma composição plana (frontal), na qual a disposição dos pontos coloridos parece afastar os objetos do observador para as profundezas da imagem, mas sim a própria construção da imagem. percorre todo o avião.

3.6 Combinação de formas composicionais

Nas obras concretas reais, nem sempre se encontram as formas de composição em sua forma pura. Como tudo na vida, a composição de uma pintura ou produto utiliza elementos e princípios de diferentes formas. A melhor e mais precisa resposta à classificação pura é o ornamento. Aliás, foi o ornamento a base sobre a qual, em primeiro lugar, foram revelados os padrões e formas da composição. Pintura de cavalete, pintura monumental, gravura de enredo, ilustração muitas vezes não se enquadram nas formas geometricamente simplificadas da composição. É claro que muitas vezes mostram um quadrado, um círculo, uma fita, horizontais e verticais, mas tudo isso está combinado entre si, em movimento livre, em entrelaçamento.

4. Técnicas e meios de composição

Se você pegar várias formas geométricas e tentar juntá-las em uma composição, terá que admitir que apenas duas operações podem ser feitas com as formas - agrupá-las ou sobrepô-las umas às outras. Se algum grande plano monótono precisar ser transformado em uma composição, então, muito provavelmente, esse plano terá que ser dividido em uma série rítmica de qualquer forma - cor, relevo, fendas. Se precisar aproximar ou afastar visualmente um objeto, você pode usar o efeito de aumento de zoom vermelho ou o efeito de redução de zoom azul. Em suma, existem métodos formais e ao mesmo tempo reais de composição e meios correspondentes que o artista utiliza no processo de criação de uma obra.

4.1 Agrupamento

Essa técnica é a mais comum e, de fato, a primeira ação na hora de compor uma composição. Concentração de elementos num local e rarefação consistente noutro, destaque para o centro composicional, equilíbrio ou instabilidade dinâmica, imobilidade estática ou vontade de movimento - tudo está ao alcance do grupo. Qualquer imagem, antes de tudo, contém elementos que estão de uma forma ou de outra mutuamente localizados entre si, mas agora estamos falando de uma composição formal, então vamos começar com figuras geométricas. O agrupamento também envolve espaços na composição, ou seja, as distâncias entre os elementos. Você pode agrupar pontos, linhas, pontos, sombras e partes iluminadas da imagem, cores quentes e frias, tamanhos de figuras, textura e textura - enfim, tudo que é visualmente diferente um do outro.

4.2 Sobreposição e corte

Em termos de ação composicional, trata-se de um agrupamento que ultrapassou os limites das figuras. A colocação de elementos ou seus fragmentos uns sobre os outros, a sobreposição parcial de silhuetas são um modelo do esquema composicional da imagem ao transmitir perspectivas próximas, distantes e medianamente abafadas. Esta técnica parece especialmente impressionante ao usar simultaneamente mudanças de cor, contraste e escala com a remoção de planos.

4.3 Divisão

Existem dois métodos práticos de trabalhar em escultura. De acordo com o primeiro método, a argila é aplicada em partes na moldura e gradualmente construída até o formato desejado. De acordo com o segundo método, pega-se aproximadamente a massa total da figura e depois retira-se todo o excesso de argila, a forma fica, por assim dizer, livre de massas desnecessárias. Algo semelhante acontece no nascimento de uma composição.

O agrupamento e a superposição são semelhantes ao primeiro método do escultor, e a divisão lembra o segundo método, ou seja, a técnica de divisão extrai uma estrutura composicional detalhada de uma grande superfície monótona.

A divisão é uma técnica secundária em geral, é o reverso do agrupamento e trata de uma base composicional já existente, conferindo expressividade rítmica à obra. Um exemplo típico de construção de uma composição por divisão são as pinturas de Filonov. Neles, cada elemento figurativo da composição é dividido em uma série de manchas coloridas, o que confere à obra uma originalidade especial, e do ponto de vista da composição, o quadro é percebido antes de tudo como um conjunto dessas células de cor. , e só então como imagem de figuras e objetos. A técnica de divisão é amplamente utilizada na arquitetura desde as ordens antigas e templos góticos até o construtivismo do século XX.

Independentemente de tarefas artísticas específicas, gêneros, costumes, imagens, premissas morais, o artista utiliza apenas algumas técnicas formais na criação de uma composição. Uma gama infinitamente ampla de resultados concretos é proporcionada por esses meios, essas ferramentas de composição que, embora permaneçam formais, já são portadoras de categorias estéticas e correspondem à nossa percepção sensorial do mundo. Isto é ritmo, contraste, cor, senso de proporção e outras manifestações de nossa consciência da ordem na natureza.

É absolutamente impossível dar preferência a qualquer um dos meios de composição, aceitar o seu significado desigual, pois nesta obra a sequência da sua consideração é puramente acidental. É verdade que um dos meios pode ser colocado em ordem primeiro. A composição, via de regra, começa com a escolha de um formato específico - este será o primeiro meio de composição.

4.4 Formato

a grande maioria das pinturas é retangular. Isto leva a três formatos possíveis: vertical, horizontal, quadrado. Formas de composições como centro provavelmente exigirão um campo quadrado, fita linear, formato ativamente alongado, frontal-planar, dependendo da tarefa específica, pode caber em qualquer formato. Paisagem panorâmica ou retrato. - . uma pintura multifigurada ou uma pintura ornamental - cada uma das composições requer seu próprio formato, e não apenas a proporção, mas também o tamanho absoluto do formato é significativo. Os artistas gráficos derivaram empiricamente a seguinte lei: quanto menor a composição, relativamente maiores devem ser os campos de trabalho. Exibições, marcas registradas, emblemas e quaisquer grafemas semelhantes ficam bem em folhas cujas margens são significativamente maiores do que a própria imagem. Para uma composição do tamanho de um papel Whatman, as margens devem ser bem pequenas (3-5 cm).

O formato, se for especificado antecipadamente, torna-se diretamente um dos meios de composição, pois a proporção e o tamanho absoluto da folha determinam imediatamente as formas possíveis da composição, o grau de detalhe, e dão, por assim dizer, , o germe de uma ideia composicional. Além de retangular, o formato pode ser oval, redondo, poligonal ou qualquer outra coisa. As tarefas composicionais também mudam dependendo disso;

4.5 Escala e proporção

Tocamos na questão da escala no parágrafo anterior. Como meio de composição, a escala funciona, por assim dizer, de forma estratégica. Basta comparar uma obra gráfica e uma obra decorativa monumental para compreender como a escala afeta a forma da composição.

O aspecto formal do trabalho gráfico é a filigrana de todos os seus elementos, vistos de perto. Uma composição monumental certamente tem maior generalidade, alguma rigidez de forma e detalhes simplificados. À medida que a escala aumenta, aumentam os requisitos de equilíbrio e integridade da composição.

Se considerarmos a escala dentro da composição, então a relação entre os elementos é regulada pela proporção. A conhecida proporção áurea, isto é, uma relação tão proporcional entre os elementos quando o todo se relaciona com a parte maior como a parte maior se relaciona com a menor, é percebida como harmoniosa não apenas na sensação, mas também logicamente. De modo geral, a proporcionalidade da escala como meio de composição muda praticamente constantemente, em qualquer ordenação de figuras ou objetos. Nem todas as proporções de tamanhos são consistentes entre si, portanto a escala interna e a proporção são meios de composição muito sutis, baseados na intuição. A escala e a proporção são os principais meios de transmitir a perspectiva - reduzir os elementos à profundidade da imagem cria uma sensação de espaço.

4.6 Ritmo e métrica

O ritmo, por definição, é uma alternância uniforme de elementos. Já que se trata de composição, é especialmente necessário observar a uniformidade da alternância. A uniformidade é a forma de ritmo mais simples, semelhante à marcha. Numa composição, a alternância uniforme de elementos é determinada pela palavra “metro” (daí o metrônomo). A métrica mais primitiva, indiferente e fria é quando os tamanhos dos elementos e os tamanhos dos espaços são iguais. A expressividade e, consequentemente, a complexidade do ritmo aumentam se os intervalos entre os elementos mudam constantemente.

Neste caso, as seguintes opções são possíveis:

a alternância de elementos acelera ou desacelera naturalmente;

as distâncias entre os elementos não são de natureza naturalmente regular, mas são esticadas ou

restringir sem uma métrica explícita.

A segunda opção tem mais possibilidades, embora seja mais difícil de construir – isso torna a composição internamente tensa, com mais mistério.

O ritmo como meio de composição é frequentemente usado em combinação com a proporção: então os elementos não apenas se alternam, mas também mudam de tamanho de acordo com algum padrão (ornamento) ou livremente.

4.7 Contraste e nuance

De modo geral, o contraste é um parente próximo do ritmo. A justaposição de elementos nitidamente diferentes entre si (em área, cor, luz e sombra, forma, etc.) é semelhante à alternância rítmica, só que sincopada, eliminada da contagem direta. O contraste confere poder expressivo à composição; com a ajuda do contraste, é fácil destacar os elementos principais; o contraste expande a gama dinâmica da composição; No entanto, em contrastes muito nítidos, existe o perigo de violar a integridade da composição: portanto, um meio alternativo é a nuance - um contraste calmo e nivelado. A nuance, ao mesmo tempo que cria integridade, em algum momento pode não deixar nada de contraste, transformando a composição em uma monotonia lenta. Tudo precisa de um senso de proporção. Recordemos que na Grécia Antiga isto era considerado um indicador do desenvolvimento mental de uma pessoa.

4.8 Cor

Três qualidades padrão de cor - matiz (a cor em si), saturação e luminosidade - estão intimamente relacionadas com o incomum, mas para a composição são muito característica importante- brilho. É o brilho que destaca visualmente um objeto e desempenha o papel de contraste. Quando a composição é construída principalmente com cor, a integridade é alcançada aproximando os pontos em termos de luminosidade, então a diferença de tons e saturação pode permanecer significativa. Se a harmonia da composição for baseada em tons monocromáticos ou semelhantes, também é aconselhável diminuir a diferença de luminosidade. esta situação é muito semelhante a meios de composição como contraste ou nuance. Freqüentemente, a propriedade da cor é usada para criar a ilusão de aproximar ou afastar um objeto: tons quentes saturados parecem aproximá-lo e tons frios e pouco saturados se afastam. Assim, somente com a ajuda da cor o espaço pode ser transmitido. A cor como meio de composição está presente literalmente em todas as imagens, independentemente de seus objetivos e formas composicionais. A onipresença da cor dá-lhe o direito de ser considerada um meio de composição universal e necessário (ou seja, a cor não pode ser ignorada).

4.9 Eixos de composição

Não estamos falando apenas dos eixos de simetria nas composições em fita, que são apenas um caso especial de eixos composicionais, mas mais daquelas direções de desenvolvimento da composição que conduzem o olhar do espectador, criando a impressão de movimento ou repouso. Esses eixos podem ser verticais, horizontais, diagonais e os chamados de perspectiva (levando à profundidade da imagem). A direção vertical confere solenidade, aspiração ao espírito, a horizontalidade, por assim dizer, demonstra ao espectador um movimento sem pressa, a diagonalidade é a mais dinâmica;

enfatiza o desenvolvimento. Os eixos de perspectiva ocupam um lugar especial. Por um lado, correspondem à propriedade natural do aparelho ocular, que percebe objetos convergindo para um ponto distante do observador ao infinito, e por outro lado, atraem o olhar para a profundidade da imagem, fazendo o espectador como participante do evento. Em interação com outros meios de composição, os eixos geralmente aparecem em combinação uns com os outros, formando conexões cruciformes, multipassadas e complexas.

4.10 Simetria

Existe um provérbio francês: se você não sabe mentir, diga a verdade. Os artistas, por analogia com este provérbio, têm uma regra: se você não sabe construir uma composição, faça simetria. Como meio de composição, a simetria não tem igual em termos de eficiência e simplicidade, porque é inicialmente equilibrada e holística e, além disso, não requer nenhum esforço criativo especial: basta espelhar um ao outro - e a composição está pronto. Se este meio é apropriado num determinado trabalho é outra questão, mas formalmente é uma situação em que todos ganham.

4.11 Textura e textura

Textura é a natureza da superfície: suavidade, rugosidade, relevo. Os indicadores texturais carregam certas características de um dispositivo composicional, embora não tão claramente e não tão categoricamente como, digamos, ritmo e cor. O artista completa a composição com textura superficial.

A textura é amplamente utilizada por escultores, arquitetos e designers. Na pintura, desempenha, senão coadjuvante, não o papel mais importante, mas por vezes atua como meio igual de composição artística, como, por exemplo, nas pinturas de Van Gogh. A textura raramente é usada em gráficos, onde um parente próximo da textura desempenha um papel muito maior - a chamada textura, ou seja, o padrão de superfície visível (textura de madeira, tecido, mármore, etc.). A textura tem uma variedade verdadeiramente ilimitada e, em muitos casos, é a textura que cria a característica estética de uma peça.

4.12 Estilização

Este meio de composição está sobretudo associado às artes decorativas, onde a organização rítmica do todo é muito importante. Estilização é a generalização e simplificação das figuras representadas em design e cor, trazendo as figuras para uma forma conveniente para ornamentação. A segunda hipóstase das formas estilizadas é um meio de design e arte monumental. Finalmente, a estilização é usada nas artes plásticas do cavalete para realçar a decoratividade.

A estilização é especialmente amplamente utilizada na criação ornamento floral. As formas naturais, extraídas da vida, estão sobrecarregadas de detalhes sem importância, plasticidade aleatória e abundância de nuances de cores. Esboços da natureza são a fonte de material para estilização. Ao estilizar, o artista revela o padrão decorativo das formas, descarta acidentes, simplifica detalhes e encontra a base rítmica da imagem. A forma estilizada cabe facilmente em qualquer tipo de transformação simétrica e possui a estabilidade de uma mônada no mais complexo entrelaçamento de elementos.

5. Aspecto estético da composição formal

A pintura abstrata de V. Kandinsky, o Suprematismo de K. Malevich, a retangularidade de Mondrian, na verdade, são obras construídas como pura composição formal. Eles contêm grande poder emocional, não por meio de descritividade ou objetividade, mas por meio da disposição relativa e da forma das manchas coloridas. Outra coisa não pode ser negada: os meios de composição formal têm sido usados ​​por artistas desde tempos imemoriais, e os historiadores da arte há muito usam os mesmos termos que nós usamos. Intuitivamente, os artistas compreenderam o lado estético da composição formal no distante período clássico, por isso, quando Kandinsky teve uma ideia maluca sobre a opcionalidade

a base objetiva do quadro, esta revelou o eixo como a conclusão lógica da verdade flutuando no ar, de que sem aqueles signos e meios de composição de que falamos aqui não pode haver obra de arte. Kandinsky decidiu fazer o que outros não ousaram fazer antes dele - preservar todas as características formais da composição e remover a literatura e a história do quadro. E a imagem aparentemente vazia, sobre nada e ninguém, revelou-se muito viável. Os realistas aceitaram o ato de Kandinsky com grande resistência e, embora existam sérias razões para essa resistência, já está claro para muitos: a abstração carrega uma certa energia emocional.

O autor não pretende de forma alguma fazer seus próprios julgamentos e avaliações processo artístico, nossa tarefa é mais simples - elogiar uma composição formal, enfatizar sua eficácia efetiva.

A divisão convencional de formas e meios de composição em elementos componentes, esperamos, não interferirá na manutenção do frescor da percepção, não destruirá a alegre admiração pela beleza do mundo real e não substituirá a comunidade sincera com a natureza com análise seca. A composição formal consiste apenas em notas, sons e acordes individuais e, na melhor das hipóteses, peças de exercício. A melodia ainda está por vir.

6. Estilo e unidade estilística

Aqui queremos dizer estilo individual, dentro de uma composição. As características estáveis ​​​​da imagem dos elementos e sua inter-relação constituem uma unidade estilística. Parece que numa composição formal este problema não deveria surgir de forma alguma, mas uma composição formal facilmente se transforma em um ornamento, além disso, um ornamento em si é, de fato, uma das formas composição abstrata. A unidade estilística torna-se uma condição necessária para a percepção estética; a rigor, em qualquer imagem acabada, independentemente da sua finalidade e tipo, pelo facto de uma pessoa viver numa determinada época, estar rodeada de objectos com características artísticas específicas, um conjunto de selos psicológicos sistémicos, o sentido de estilo de uma pessoa é embutido no subconsciente.

7. Composição associativa

Associação é uma conexão psicológica de ideias sobre vários objetos e fenômenos desenvolvidos pela experiência de vida. Na verdade, cada objeto evoca algum tipo de associação, cada forma expressa um determinado caráter (esquimó - neve, norte; céu noturno - infinito; pantera - graça e engano). A palavra “carnaval” tem uma associação muito simples. São cores brilhantes, dinâmicas, flashes de fogo, contrastes.

E se tomarmos conexões mais sutis, por exemplo, os sons do violino, os poemas de Mayakovsky, então entraremos naquela seção da composição que exigirá um processo de pensamento adicional, pura criatividade, indo além da habilidade técnica. A criatividade é um processo quase incontrolável; Embora a versificação possa ser aprendida, a poesia não pode ser aprendida. Mas ainda.

Vamos tentar rebaixar um pouco o problema, colocar os pés no chão, talvez assim nosso raciocínio consiga trazer benefícios tangíveis. Passemos às formas e meios de composição que estão mais intimamente relacionados com o lado externo da imagem, ou seja, são materiais em si: cor, contraste, simetria, textura, etc. conceitos abstratos, são facilmente aplicáveis ​​e, o mais importante, facilmente traduzidos em palavras. Vamos listar aleatoriamente alguns conceitos que não têm nenhuma relação entre si, apenas os primeiros que me vieram à mente:

emoção;

um país;

escritor;

música;

Cada um dos conceitos pode ser especificado e dado o nome da composição. EMOÇÃO: Medo, Tristeza, Alegria, Ternura.

Bibliografia

1. Baukova, T.K. Composição em pintura [Texto]: / T.K. Baukov. - M: Progresso, 2006. - 176 p.

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7. Enciclopédia de arte popular: Arquitetura. Pintura. Escultura. Artes gráficas. Artes decorativas[Texto]: / editado por V.M. Polevoy. - M: Enciclopédia Soviética, 1986. - 447 p.

8. Tribis, E.E. Pintura. O que uma pessoa moderna deve saber sobre ela [Texto] / E.E. Tribos. - M: RIPOL CLÁSSICO, 2003. - 384 p.

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A origem da composição, o seu papel na arte do mundo antigo, no nosso tempo. Análise fontes literárias e obras de artistas. Composição durante a Idade Média e o Renascimento. A sua avaliação na pintura monumental a partir do exemplo da obra “A Última Ceia” de L. da Vinci.

Sessão de treinamento nº 1.

Tópico 1. Teoria e tipos de composição. Conceitos Básicos.

Conceitos e termos básicos sobre o tema:

Tipos de composição: frontal, volumétrica, volumétrico-espacial. Os principais elementos da composição: ponto, linha, ponto, plano, volume. Composição formal, técnicas, meios, leis, regras de composição. Design artístico e figurativo, dominante, integridade.Simetria, assimetria, simetria axial (espelho), simetria central. Eixo e centro de simetria.

Plano de estudo do tópico

Tipos de composição.

Elementos de composição.

Composição formal.

Trabalho prático nº 1 (tarefa 1).

Postando novo material.

Composição (do latimcomposição) - significa a composição, conexão e disposição mútua de várias partes em um único todo de acordo com alguma ideia. (Composição de romance, sinfonia, pintura, ornamento).

Nas artes plásticas, composição é a construção de uma obra de arte, determinada pelo seu conteúdo, caráter e finalidade. Os elementos mais importantes do enredo da imagem não são colocados aleatoriamente, mas formam formas geométricas simples: círculo, quadrado, triângulo, retângulo, oval.

Tipos de composição

Como você sabe, existem vários tipos principais de composição inerentes às principais artes espaciais. A arquitetura é caracterizada pela composição espacial (frontal, volumétrica, espacial profunda). A pintura é caracterizada pela composição pictórico-planar, a escultura - plástica volumétrica, a gráfica de cavalete e livro - pela composição gráfica linear.

Consideremos 3 tipos principais de composição: frontal, volumétrica, volumétrico-espacial.

Frontal. Distribuição dos elementos em duas direções: vertical e horizontal. Isso inclui composições planas e relevo.

Volumétrico. Distribuição de um elemento segundo as coordenadas de altura, largura e profundidade.

Volumétrico-espacial. Consiste em diversas composições volumétricas localizadas no espaço em determinados intervalos.

Composição frontal

O próprio nome sugere que todo o plano da folha é preenchido com a imagem. Tal composição não possui eixos ou centro de simetria, não tende a se tornar um ponto compacto e não possui um foco único claramente definido. A composição frontal é frequentemente utilizada na criação de obras decorativas - tapetes, pinturas, padrões de tecidos, bem como em pinturas abstratas e realistas, vitrais, mosaicos. Normalmente, essa composição está aberta.

Condições das quais depende a preservação da frontalidade da composição:

1) Uma certa relação entre dimensões verticais e horizontais.

2) A frontalidade depende da silhueta do avião.

3) Depende da natureza dos elementos em profundidade.

4) Textura da superfície, cor...

Arroz. 1. Composição frontal

Composição volumétrica.

Esta forma composicional está incluída nas artes tridimensionais - escultura, cerâmica, arquitetura. Seu diferencial está no fato de que a percepção da obra ocorre sequencialmente a partir de vários pontos de observação, de vários ângulos. A composição volumétrica inclui uma nova qualidade - duração no tempo; é visto de diferentes ângulos e não pode ser completamente capturado pelo olho. A exceção é o relevo, que é uma forma intermediária em que o claro-escuro volumétrico desempenha o papel de linha e ponto.

Arroz. 2 Composição volumétrica.

Composição espacial.

O espaço é moldado por arquitetos e, até certo ponto, designers. A interação de volumes e planos, tecnologia e estética que os arquitetos utilizam não é tarefa direta das artes plásticas, mas a composição espacial passa a ser objeto de atenção do artista se for construída a partir de elementos artísticos e decorativos volumétricos que de alguma forma se localizam no espaço.

Arroz. 3. Composição espacial

A composição espacial como forma é muitas vezes confundida com uma pintura que transmite a ilusão de espaço. Não há espaço real na imagem; na forma, é uma composição plana, na qual a disposição dos pontos coloridos parece afastar os objetos do observador para as profundezas da imagem, mas a própria construção da imagem segue ao longo do quadro. avião inteiro.

Elementos de composição

Elementos básicos: ponto, linha, ponto, plano, volume.

A primeira base para a influência da pintura sobre uma pessoa, como acreditava Leonardo da Vinci, é o ponto, a segunda é a linha, a terceira é a superfície, a quarta é o corpo, que é coberto pela superfície.

vocêpontos e linhas sem propriedades (exceto uma: se um ponto for ampliado até um determinado tamanho, ele se transforma em um ponto e vice-versa).

Classificação de propriedadespontos:

Físico: magnitude (dimensões e proporções)

Plástico (forma e estrutura)

Propriedades da superfície da mancha (cor, textura, textura, etc.)

Elementos subjetivos: (constituídos por combinações de elementos físicos): expressividade/inexpressividade, estático/dinâmico.

A essência do conceito de "harmonia"

Harmonia, traduzida do grego, é consonância, acordo, o oposto do caos. Harmonia significa alto nível ordem e atende aos critérios estéticos de perfeição e beleza. No que diz respeito à composição, a harmonia é entendida como sua característica formal.

A essência do conceito de "formalidade"

Composição formal. A forma está interligada com o conteúdo, mas é possível separar forma do conteúdo substituindo objetos realistas por formais (ou abstratos), mas de forma que a composição formal expresse a ideia e o conceito artístico e figurativo através de:

Características e propriedades dos elementos da composição

Através da organização estrutural dos elementos da composição.

Existem 3 características formais principais da composição:

1. Integridade.

Esta é a unidade interna da composição. A integridade pode estar no layout do quadro em relação à moldura, pode ser como uma mancha colorística de todo o quadro em relação ao campo da parede, e talvez dentro da imagem, para que o objeto ou figura não caia separados em pontos aleatórios separados.

Os princípios básicos da composição, garantindo a obtenção da sua integridade composicional, são: unidade do todo e das partes da forma; subordinação de elementos de formulário; equilíbrio dos elementos do formulário; proporcionalidade dos elementos do formulário.

2. Subordinação do secundário ao principal, ou sejapresença de um dominante.

Dominante – o elemento principal da composição, que deve chamar imediatamente a atenção.Este é o centro semântico da composição , não coincide necessariamente com o centro geométrico, mas este é o principal da obra e todos os elementos secundários conduzem o olhar do observador para ele.

O centro (foco) da composição determina toda a imagem.

3. Equilíbrio – a base da harmonia no trabalho.

Equilíbrio é a colocação de elementos de uma composição em que cada item se encontra em posição estável.

Para estabelecer o equilíbrio na composição, a forma, a direção e a localização dos elementos visuais são importantes.

Simetria e assimetria

Simetria - assimetria são categorias de composição que expressam a lei física da igualdade dos momentos de força e estão associadas ao princípio do equilíbrio.

Simetria é a identidade dos elementos de uma forma que estão localizados de forma idêntica em relação à linha média (eixo) de simetria, ao centro de simetria, ao plano de simetria. Tipos de simetria - espelho, axial (a compatibilidade é obtida girando a figura em relação ao eixo de simetria), helicoidal.

Assimetria é a ausência ou violação de simetria. É percebido visualmente (em oposição às composições simétricas estáticas) como dinâmica e movimento. Uma composição assimétrica é mais complexa, mais expressiva e mais interessante que uma simétrica, mas requer boa intuição desenvolvida, bom senso de equilíbrio.

A simetria é sempre equilibrada, a assimetria exige equilíbrio visual.

Não é fornecido trabalho laboratorial.

Aulas práticas