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Baykova Ekaterina Vladimirovna

O artigo apresenta um estudo estrutural-semiótico de motivos vegetais na Ásia Central e no Tartaristão, a determinação de seu aparecimento em imagens ornamentais das culturas dessas regiões. As funções subjacentes à proteção e ao culto à fertilidade são destacadas. Interpretado apresentações folclóricas sobre os jardins imortais do paraíso muçulmano, formas vegetais fantásticas e reais que cercam os habitantes dos oásis. São comparados cultos vegetais e ornamentos de regiões montanhosas e de planície. Endereço do artigo: www.gramota.net/materials/372017/10-272.html

Fonte

Ciências históricas, filosóficas, políticas e jurídicas, estudos culturais e história da arte. Questões de teoria e prática

Tambov: Certificado, 2017. Nº 10(84): em 2 partes, Parte 2. P. 15-18. ISSN 1997-292X.

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Lista de fontes

1. Winterhoff-Spurk P. Psicologia da mídia. Princípios básicos. 2ª ed., revisado, revisado. e adicional / por. com ele. A. V. Kochengin, O. A. Shipilova. Kharkov: Centro Humanitário, 2016. 268 p.

2. Relembrando Marshall McLuhan [ Recurso eletrônico]. URL: http://www.mcluhan.ru/articles/vspominaya-marshalla-makluena/ (data de acesso: 21/07/2017).

3. Internet versus televisão: a batalha continua [recurso eletrônico] // Centro Russo para o Estudo da Opinião Pública. Comunicado de imprensa nº 3.367 de 03/05/2017. URL: https://wciom.ru/index.php?id=236&uid=116190 (data de acesso: 21/07/2017).

4. Gerbner G., Gross L., Morgan M., Signorelli N. Vivendo com a televisão: a dinâmica do processo de cultivo // Perspectivas sobre os efeitos da mídia / ed. por J. Bryant, D. Zillman. Hillsdale, NJ: Erlbaum, 1986. pp.

5. Willifms R. Televisão. Tecnologia e Forma Cultural. Hanover - L., 1992. 234 p.

O PAPEL DA TELEVISÃO NA VIDA DO HOMEM

Akimova Irina Aleksandrovna, Ph. D. em Filosofia, Professor Associado Bauman Moscow State Technical University akira29@mail. ru

Este artigo dedica-se à análise da televisão como principal meio de comunicação de massa com especificidades próprias. A televisão moderna, concebida como meio de democratização da sociedade e a a possibilidade de aumentar o seu nível educacional e cultural, revelou-se capaz de gerar uma nova realidade sociocultural “midiática”. A televisão é capaz de influenciar insensivelmente a percepção de uma pessoa sobre a realidade circundante e de formular atitudes e opiniões sobre o mundo social.

Palavras e frases-chave: comunicação de massa; televisão como comunicação; televisão e socialização; cultura doméstica; realidade mediática; cultivo de crenças.

UDC 7.048; 72 História da arte

O artigo apresenta um estudo estrutural-semiótico de motivos vegetais na Ásia Central e no Tartaristão, a determinação de seu aparecimento em imagens ornamentais das culturas dessas regiões. As funções subjacentes à proteção e ao culto à fertilidade são destacadas. São interpretadas ideias populares sobre os jardins imortais do paraíso muçulmano, formas fantásticas e reais de plantas que cercam os habitantes dos oásis. São comparados cultos vegetais e ornamentos de regiões montanhosas e de planície.

Palavras e frases-chave: motivos vegetalistas; Tartaristão; Ásia Central; suzani; suzana.

Baykova Ekaterina Vladimirovna, Doutora em Estudos Culturais, Professora Associada

Universidade Técnica do Estado de Saratov em homenagem a Yu. Gagarin baykovaekaterina@yandex. caramba

MOTIVOS DE PLANTAS NAS ARTES DECORATIVAS E APLICADAS DA ÁSIA CENTRAL E DO TATARSTAN

Nas artes visuais, os sinais que revelam a essência de um objeto ou imagem são, em todos os casos, de natureza universal e podem ser usados ​​como papel vegetal em qualquer caso. texto literário objetos percebidos visualmente. São justamente essas características informativamente significativas que os ornamentos vegetais, utilizados em todos os tipos de arte da cultura muçulmana, ocupam um lugar de destaque.

O ornamento nos países muçulmanos tinha lugar especial e pelo significado especial de quase a única imagem permitida, refratada através da geometria do desenho, ele preservou uma imagem viva do mundo circundante.

Em vários casos, a arquitetura desta civilização utiliza imagens geomórficas, utilizadas tanto como objeto de culto como como elemento de decoração ou sistema estrutural.

Apesar da semelhança de motivos e ideias comuns, o sistema figurativo destas culturas difere significativamente, cada uma das quais envolve a reflexão de cultos pastorais e agrícolas. Diferentes localizações geográficas, climas e outros ambientes das civilizações deixaram a sua marca. A mais rigorosa regulamentação das imagens não exclui as características regionais destas culturas essencialmente diferentes, unidas numa única civilização muçulmana.

O principal arabista inglês H. A. R. Gibb definiu o termo “arte muçulmana” - um fenômeno que revela as características universais de formação de estilo da cultura artística dos muçulmanos neste contexto, ele também observa a especificidade da “arte islâmica”, com a qual ele se refere; a cultura artística da Idade Média, principalmente muçulmana, numa vasta área da Índia à Espanha. “A comunidade da arte do mundo muçulmano é revelada tanto no espaço quanto no tempo, que é determinada pela visão de mundo religiosa e filosófica, compromisso com o cânone estético e os ideais

lindo. Dotada de certas características unificadas, a arte muçulmana inclui a singularidade das províncias geográficas historicamente estabelecidas e das escolas de arte nacionais e desenvolve-se no âmbito das culturas regionais e locais.”

Cultura dos tártaros da região do Médio Volga

A adopção do Islão pelos búlgaros do Volga incluiu a sua cultura no vasto mundo da civilização muçulmana, esta metamorfose histórica predeterminada; caminho adicional pessoas e sua cultura artística. Na arte nacional, juntamente com as tradições étnicas, desenvolveram-se tradições trazidas de outros países muçulmanos.

Porém, no território da região do Médio Volga, onde se formou cultura nacional Tártaros, tendências da arte muçulmana em em maior medida pertencem à cultura urbana e não à antiga tradição étnica preservada em pequenas aldeias. Porém, com o tempo, a influência do Islã começou a ser sentida cada vez mais na arte popular.

A cultura material e espiritual dos tártaros “remonta na sua génese à antiga civilização turca e é uma síntese única das antigas tradições nómadas da cultura da “estepe” com a cultura agrícola estabelecida”. Sobre estágio inicial Durante a islamização deste território, inscrições árabes foram encontradas em sincronia com o rúnico turco. Desde o século XVIII, as tendências europeias penetraram cada vez mais nesta cultura. A partir do segundo metade do século XIX V. limites de características de estilo previamente expressos são apagados, tendências realistas aparecem na representação da natureza nos produtos Artes Aplicadas. No final do século XIX - início do século XX. Há uma convergência das culturas russa e tártara em geral, mas o estilo e os cânones da arte muçulmana, por um lado, e a tradição étnica, por outro, determinam e determinam a identidade nacional da cultura artística tártara.

No espaço das soluções arquitetônicas, o Volga Bulgária também atua como uma espécie de província da civilização muçulmana. Ela gravitou em torno das tradições do Oriente Médio e da Ásia Central.

As obras de A. S. Bashkirov, B. N. Zasypkin, F. X. Valeev, G. Valeeva-Suleimanova, A. P. Smirnov, R. G. Fakhrutdinov, S. foram dedicadas ao estudo do Volga Bulgária, suas características arquitetônicas e artísticas.

Segundo AP Smirnov, “os materiais sobreviventes, inclusive arqueológicos, testemunham vários tipos de decoração arquitetônica - pinturas a fresco, majólica e revestimento em mosaico de paredes internas e tumbas em mausoléus, esculturas em pedra e fundição de gesso. Composições geométricas e florais do ornamento em combinação com inscrições árabes nos estilos Kufi e Naskh foram usadas para enfatizar as partes mais importantes do edifício - aberturas de janelas e portas, nichos, arquivoltas, cornijas, etc.” [Ibidem].

A colorida decoração decorativa multicolorida das mesquitas tártaras, dos edifícios residenciais e públicos e dos túmulos de Khan aproxima sua aparência da arquitetura muçulmana do Oriente Médio e da Ásia Menor.

Cultos de plantas na Ásia Central e no Tartaristão

Na Ásia Central e no Tartaristão, as culturas do politeísmo e do zoroastrismo (na Ásia Central), que se desenvolveram antes mesmo da adoção do Islã, tiveram uma enorme influência no desenvolvimento das artes decorativas e aplicadas. “Entre as ideias geradas pela cultura da agricultura primitiva, um lugar importante é ocupado pela ideia da possibilidade e necessidade de ajudar a natureza a dar frutos por meios mágicos. Esta ideia deu origem a muitos cultos antigos, que eram basicamente uma expressão do culto da natureza."

Motivos zoomórficos e " estilo animal"na arte dos búlgaros do Volga não eram realistas, eram convencionais, estilizados e esquemáticos. As imagens antropomórficas estão quase completamente ausentes. Apenas deuses pagãos foram representados: Tengri e Kuar.

Com o advento dos muçulmanos, os motivos zoomórficos do paganismo desapareceram gradualmente e no final do período pré-mongol foram gradualmente substituídos por padrões florais, vegetais e geométricos.

A este respeito, o feriado da primavera da “flor vermelha” - a tulipa ou a papoula - é de grande interesse como um antigo culto que provavelmente existia antes mesmo do advento do Islã. Foi esta flor que simbolizou a ressurreição primaveril da vegetação. Refletia não apenas o culto à natureza presente entre esses povos, mas também o culto às divindades vegetais moribundas e ressuscitadas que se desenvolveu na civilização agrícola. O pesquisador E.M. Peschereva descobriu e descreveu o festival das tulipas em Isfara para a ciência. Ela sugeriu que colher tulipas simbolizava a busca pelos restos mortais de uma divindade, um ritual registrado em antigas fontes chinesas. Amarrar tulipas em buquês ou combiná-las em um buquê simbolizava a “união das partes díspares de seu corpo” e provavelmente era uma condição para sua ressurreição. Na cultura muçulmana como um todo, há empréstimos dos árabes, por exemplo, as tulipas são o sangue do assassinado Hussein, vindo à superfície da terra na primavera. Essa crença, segundo E.M. Peschereva, tem semelhanças no enredo com o culto de Adônis, cujo sangue simbolizava a flor vermelha da primavera - a anêmona. A este respeito, o pesquisador E.M. Peschereva acredita que Hussein se tornou a hipóstase muçulmana da antiga divindade moribunda suplantada pelo Islã.

Segundo o etnógrafo uzbeque Khayot Ismailovich Ismailov, em Parkent (atual região de Tashkent), cuja população pertencia ao grupo dos uzbeques-Sarts, o “Festival da Papoula” era celebrado no início do século. As meninas saíram muito arrumadas para o feriado, muitas vestidas de vermelho, de modo que, segundo o etnógrafo, “elas mesmas pareciam papoulas”. Informações sobre o “feriado da flor vermelha” também foram registradas pelo etnógrafo N.P. Dependendo do terreno e das condições naturais, as tulipas cresciam nas montanhas e as papoulas nas planícies, o feriado era dedicado a uma ou outra flor. Sua imagem está impressa não apenas nas estampas das roupas, mas também na decoração em metal.

EM Cultura europeia a tulipa passa pela Turquia (daí seu nome errôneo, derivado da palavra “turbante”). Variedades das mundialmente famosas tulipas holandesas foram construídas a partir de flores trazidas não apenas da Turquia, mas também das estepes do Cazaquistão.

Atualmente, o “feriado da flor vermelha” está sendo revivido e realizado em nível estadual no Tadjiquistão, Turcomenistão e Uzbequistão. Também é comemorado no Irã.

O culto à flor vermelha também é muito popular e se reflete nos ornamentos de muitas nações. Somente na Ásia Central exemplos de seu uso estão presentes nos bordados de muitos centros: Bukhara, Samarcanda, Khorezm, Shakhrisabz, Karshi. O culto da flor vermelha está programado para coincidir com Navruz no dia do equinócio vernal, que no calendário oriental era o início do Ano Novo. O aparecimento das flores primaveris era um sinal para iniciar o cultivo da terra, e a decoração floral nos bordados de casamento deveria preparar uma próspera noite de núpcias, garantindo a fertilidade da noiva. Em geral, o simbolismo do bordado, como já observado, contém a ideia de proteção das forças naturais.

A imagem estilizada de pássaros e cavalos nos mesmos bordados provavelmente veio do Zoroastrismo e está associada ao culto ao fogo.

Suzani é uma colcha de casamento no Uzbequistão, suzani - traduzido do tadjique - um tapete costurado com agulha no Tadjiquistão, Uzbequistão, Irã. Muitas vezes, o centro da composição, ou pelo menos a forma de acentuar, torna-se uma flor vermelha sobre fundo branco, amarelo ou azul. É ao mesmo tempo um elemento independente e um componente de uma colcha de casamento, unido em círculos de flores. O vermelho e o amarelo (ouro) coexistem frequentemente. Nisto vemos uma semelhança com o antigo russo vestidos de noiva-amarelo no primeiro dia do casamento (vestido de verão amarelo) e vermelho no segundo (vestido de verão vermelho). A partir daqui o significado do romance russo fica imediatamente claro: “Não me costure, mãe, um vestido de verão vermelho...”. Imagens estilizadas de figuras simbólicas do Zoroastrismo - cavalos e pássaros - também estão presentes nos bordados russos.

Uma flor vermelha está no centro da composição de muitos bordados tártaros. Os fios ouro-prata são amplamente utilizados. Nas roupas, os padrões tornaram-se amuletos e, portanto, localizavam-se próximos aos pontos mais vulneráveis ​​do corpo, o que era universal para a cultura de muitos povos.

Elementos de cultos antigos mantiveram seu significado em outras áreas cultura moderna. Nomes turcos, tão comuns dentro das fronteiras Estado russo e além, são um reflexo de cultos antigos. Provavelmente o mais interessante para nós são os nomes tártaros, que parecem confirmar esta afirmação.

Nomes tártaros dotado de um certo devaneio poético. Mas se os nomes masculinos são por vezes associados à realeza bestas de rapina, depois as femininas - muitas vezes reproduzem nomes de flores emprestados do árabe, turco, latim; variações sobre o tema da flor Gul, comparações com estrelas, figos e tâmaras. Há também comparações com animais: Lenore – Filha do Leão; Leia - Antílope. Para efeito de comparação, entre os árabes: Azhar - Blooming; Zahrakh – Flor, beleza, estrela; Nauvar – Flor; Huarda-Rosa. Também há comparações com animais graciosos: Maha - Gazela.

O ornamento floral na arte dos muçulmanos, bem como dos povos vizinhos, foi esquematizado e abstraído. Mas a base eram as espécies de plantas que cresciam nesta área específica (por exemplo, trepadeira). Eles foram combinados em composições, “algumas das quais associadas ao folclore (por exemplo, imagens estilizadas de um pássaro, ganso, bufo-real, cobra), alegoria poética e observação ao vivo da natureza”. O ornamento torna-se cada vez mais generalizado, obedecendo a um determinado ritmo, construindo toda uma composição. Alguns elementos do ornamento são emprestados: a roseta, o trevo e a semipalmeta eram a expressão mais geral e abstrata da natureza vegetal.

Os motivos vegetalistas são preservados nas artes decorativas e aplicadas destes povos, tanto na concepção de trajes como na produtos de metal, na concepção de utensílios domésticos e utensílios, bem como de fachadas e interiores. A limitação dos paradigmas das artes plásticas, inclusive na decoração, é determinada pela eficácia de sua utilização para modelar métodos específicos de transmissão de informações. Hoje, este artesanato continua relevante e é óbvia a necessidade de regressar às origens e tradições da vida quotidiana e da cultura.

Lista de fontes

1. Valeeva-Suleimanova G.F. Arte muçulmana dos tártaros da região do Médio Volga: origens e desenvolvimento [recurso eletrônico]. URL: http://www.tataroved.ra/institut/islamoved/publ/1 (data de acesso: 20/09/2017).

2. Gibb H. A. R. Literatura árabe. Período clássico / trad. A. B. Khalidov, P. A. Gryaznevich; Instituto de Estudos Orientais da Academia de Ciências da URSS. M.: Nauka, 1960. 184 p.

3. Lobacheva N.P. Formação de novos rituais dos uzbeques. M.: Nauka, 1975. 140 p.

4. Peschereva E. M. Festival de Tulipas (Lola) da vila de Isfara, distrito de Kokand // V. V. Bartold - Amigos, estudantes e admiradores do Turquestão: coleção / ed. AE Schmidt, EK Betger; Uma organização para o estudo do Tajiquistão e dos povos iranianos além das suas fronteiras. Tashkent: KazGIZ, 1927. pp.

5. Smirnov A.P. Búlgaros do Volga: monografia. M.: Publicação do Museu Histórico do Estado, 1951. 302 p.

6. Sukhareva O. A. Festivais de flores entre os tadjiques das terras baixas (final do século XIX - início do século XX) // Antigos rituais, crenças e cultos dos povos da Ásia Central: ensaios históricos e etnográficos / rep. Ed. VN Basilov. M.: Nauka, 1986. pp.

7. Shaniyazov K. Sh., Ismailov Kh. I. Ensaios etnográficos sobre a cultura material dos uzbeques no final do século XIX - início do século XX. Tashkent: Ventilador, 1981. 124 p.

8. http://pesni.retroportal.ru/sr2/01.shtml (data de acesso: 20/09/2017).

MOTIVOS FLORAIS NAS ARTES APLICADAS DA ÁSIA CENTRAL E DO TATARSTAN

Baikova Ekaterina Vladimirovna, Doutora em Culturologia, Professora Associada Yuri Gagarin Universidade Técnica Estadual de Saratov baykovaekaterina@yandex. ru

No artigo é apresentado o estudo estrutural-semiótico dos motivos florais na Ásia Central e no Tartaristão e a determinação de sua ocorrência nas imagens ornamentais dessas culturas. O autor destaca as funções de proteção e culto à fertilidade, interpreta as ideias populares sobre os jardins imortais do paraíso muçulmano, as formas florais fantásticas e reais que cercam os habitantes dos oásis, e compara os cultos florais e os ornamentos das montanhas e áreas planas.

Palavras e frases-chave: motivos florais; Tartaristão; Ásia Central; suzani; Susana.

Ciências Históricas e Arqueologia

O artigo examina o problema do controle social sobre a vida da aldeia russa no final do século XIX e início do século XX. O grau de eficácia das atividades dos chefes zemstvo das províncias da Região Central da Terra Negra foi estudado. A atitude da população rural em relação ao funcionamento desta forma de assistência estatal está estabelecida. Conclui-se que a implementação da tutela imperiosa decorreu das realidades objetivas da aldeia, correspondeu à mentalidade camponesa e contribuiu para o desenvolvimento da cultura jurídica dos moradores da aldeia.

Palavras e frases-chave: sociedades rurais; chefes zemstvo; poder; camponeses; reunião; tribunal volost; lei; crime.

Bezgin Vladimir Borisovich, Doutor em Ciências Históricas, Professor

Universidade Técnica Estadual de Tambov vladyka62@mail. ru

Erin Pavel Viktorovich, Ph.D.

Universidade Agrária do Estado de Michurinsk erin198 7@m ail. ru

CUIDADO COMO FORMA DE CONTROLE DE AUTORIDADE (COM BASE EM MATERIAIS DAS PROVÍNCIAS DA REGIÃO CENTRAL DA TERRA NEGRA)

O artigo foi preparado com o apoio financeiro do projeto nº 15-01-00117a da Fundação Russa para Pesquisa Básica.

O problema do controle social e sua eficácia sempre foi relevante para pesquisa histórica. A procura de alavancas de influência do poder sobre a sociedade para conseguir a fidelização da população e a controlabilidade da sua atividade social também é significativa para os tempos modernos. Numa era de mudanças que acarreta um aumento dos desvios no comportamento público, a presença ou criação de tal mecanismo, como mostra a experiência histórica, é uma das formas de autopreservação do poder.

O tema do papel e da importância da instituição dos chefes distritais zemstvo está no campo de interesse de pesquisa dos cientistas, conforme evidenciado por publicações científicas anos recentes. Chama-se a atenção dos especialistas para as questões da viabilidade da introdução desta instituição e da eficácia do seu controlo, bem como do conteúdo das funções administrativas e judiciais dos chefes zemstvo, da sua relação com os órgãos de governo rural e da administração provincial.

O objetivo do artigo é descobrir a importância dos chefes zemstvo na função de controle do poder sobre as relações sociais na aldeia russa. final do século XIX- o início do século XX, o seu papel na luta contra o crime entre a população rural, a reacção dos camponeses à criação e funcionamento desta instituição.

O desenvolvimento da aldeia russa no período pós-reforma revelou uma série de fenómenos que tiveram consequências negativas no estado das relações sociais na aldeia. As autoridades ficaram alarmadas com a deterioração da situação criminal, as contradições e o aumento da tensão nas reuniões, a baixa cultura de gestão dos funcionários eleitos e o estado do sistema de justiça volost. A instituição dos chefes distritais zemstvo, introduzida pela lei de 12 de julho de 1889, foi projetada para corrigir a situação. A sua criação teve como objetivo combinar a tutela dos residentes rurais com as responsabilidades de proteger a decência e a ordem pública. Deveria ser reconhecido que a própria forma de controle era totalmente consistente com a tradição do paternalismo camponês. Isto é confirmado por uma nota de autor desconhecido dirigida a V.K. Plehve, na qual afirma que os camponeses aprovaram a ampliação da supervisão do autogoverno rural permitida por lei em 12 de julho de 1889 e alguma limitação de sua independência.

E ainda precisamos contar um pouco mais sobre a exposição.

Estado museu histórico apresenta pela primeira vez uma coleção única de obras de miçangas, bem como outros objetos de artes decorativas, aplicadas e plásticas da primeira metade do século XIX. com motivos florais e vegetalistas e seu simbolismo. A exposição exibe cerca de 100 peças com uma história interessante.

Isto é do site do museu.

A exposição é realmente muito pequena. E todas as exposições são pequenas, com a possível exceção de alguns vasos e estofados de miçangas em um sofá. É o caso quando você precisa caminhar e olhar mais de perto. As etiquetas não são muito detalhadas, mas podem ser lidas na tela do corredor trabalhos de arte. (Na exposição de desenhos de interiores, a história do álbum exposto na exposição foi contada na tela, foi muito interessante).

A exposição também é um tanto eclética. Tive até a impressão de que ou não havia miçangas suficientes, ou que de acordo com a estratégia do museu era necessário atrair exposições de outros departamentos e outras organizações, ou por algum outro motivo, mas algumas exposições, claro, continham imagens de folhas, flores e assim por diante, mas de alguma forma não se encaixavam no contexto. Embora, talvez eu simplesmente não tenha me aprofundado um pouco na exposição em si. Ao fotografar exposições, você se deixa levar por cada uma delas e, por isso, pode não ver a floresta por causa das árvores. E, no entanto, esta é a minha nona exposição em pouco mais de um ano no Museu Histórico, mas quase todas as anteriores foram “monográficas”: cavalaria, trajes folclóricos, ouro grego, móveis Gambs, e assim por diante. E nesta exposição, as exposições estão unidas por algum tipo de ligação artística entre si. Incomum! Porém, a seguir darei placas prussianas, um copo e mais duas cartas da Imperatriz Alexandra Feodorovna, esposa de Nicolau I, que claramente vieram por causa dos desenhos em um pedaço de papel, mesmo seu texto não foi traduzido;

Sobre miçangas. Entendo que os objetos apresentados na exposição - muitos - são tecidos com miçangas. Mais precisamente, eles são tricotados com miçangas. Ou seja, não há material, tecido ou couro onde as contas seriam costuradas. Se sim, então esta é uma descoberta para mim; eu não conhecia tal técnica.

Todas as exposições abaixo são apenas de duas vitrines da exposição, ou seja, não especialmente selecionadas por mim.

Miçangas, fios de seda; tricô
GIM 70488 BIS-1084

Miçangas, fios de seda; tricô
GIM 77419/33 BIS-1432

Contas, lona, ​​couro, liga de cobre; bordado, gravação em relevo, douramento, recartilhamento
GIM 78112 BIS-1240

Liga de cobre; fundição, douramento
GIM 68257/29 LU-6763; GIM 68257/47 LU-6764

AP Vershinin (autor e intérprete da pintura)
Fábrica de Bakhmetyev, Rússia, província de Penza, distrito de Gorodishchensky, vila. Nikolskoye, década de 1810.
Cristal incolor, vidro leitoso; sobreposição, borda diamantada, pintura com tintas de silicato
GIM 61679/3 1771 Art.

6. Carta da Imperatriz Alexandra Feodorovna. 1840
Carta da Imperatriz Alexandra Feodorovna ao seu pai, o rei Frederico Guilherme III da Prússia
Papel, tinta
GA RF, F. 728, op. 1, D. 829, Parte III, L. 179

TRABALHO METODOLÓGICO

Sobre o tema:

"Estilização de formas vegetais em ornamento"

Polishchuk Olga Veniaminovna

Professor da Escola de Arte Infantil nº 1 em homenagem. N.P.Shleina.

Kostroma 2015

“A arte é uma abstração, extraia-a da natureza, fantasie com base nela e pense mais no processo de criação do que no resultado.”

Paul Gauguin

Contente

1. Nota explicativa. O conceito de ornamento e seus tipos.

5. Resumo da aula sobre o tema: “Estilização de formas vegetais em ornamentos em aulas de composição decorativa”.

6. Lista de referências.

7. Trabalhos criativos de alunos de escolas de arte infantil.

8. Lista de diplomas de exposições e concursos municipais, regionais, regionais e internacionais.

1. Nota explicativa

A cultura mundial moderna é dona de um enorme patrimônio no campo de todos os tipos de artes plásticas. Ao estudar os maiores monumentos da arquitetura, da pintura, da escultura e das artes decorativas e aplicadas, não se pode ignorar outra área da criatividade artística. Estamos falando de ornamento.O ornamento faz parte da cultura material da sociedade. O estudo cuidadoso e o domínio do rico património desta componente da cultura artística mundial contribuem para o desenvolvimento do gosto artístico, a formação de ideias no campo da história cultural e tornam o mundo interior mais significativo.

A literatura sobre ornamento pode ser extensa. O texto em todas as obras é papel menor. Cheguei à conclusão de que é necessário falar sobre ornamento nas aulas de composição, o que daria ao aluno uma ideia de suas principais formas. Vou abordar mais sobre ornamentos florais. Chamei meu trabalho de “Estilização de formas vegetais em ornamento”, nele quero mostrar como as plantas podem ser transformadas em forma artística.

Sabe-se que natureza e arte estão intimamente interligadas. A pintura e a escultura baseiam-se na imitação mais ou menos direta da natureza. O ornamento também se baseia na imitação da natureza e, de fato, existem muitos protótipos de ornamento na natureza.

Os protótipos do ornamento são plantas, animais, pessoas e obras artísticas do trabalho humano. Como o artista deveria transformar uma amostra retirada da natureza em uma forma e cor que, em forma de ornamento, pudesse corresponder à sua finalidade? O que é um ornamento comparado a um protótipo na natureza? Esta é uma decoração feita mão humana, transformado por sua imaginação.

Ornamento- um padrão baseado na repetição e alternância de seus elementos constituintes; destinado à decoração vários itens. Ornamento é um dos espécie mais antiga Artes visuais uma pessoa que em um passado distante carregava um significado simbólico e mágico, Iconicidade.

O surgimento do ornamento remonta a séculos e, pela primeira vez, os seus vestígios foram registados no Paleolítico (15-10 mil anos a.C.). Na cultura neolítica, o ornamento já atingiu uma grande variedade de formas e começou a dominar. Com o tempo, o ornamento perde a sua posição dominante e significado cognitivo, mantendo, no entanto, um importante papel organizador e decorativo no sistema de criatividade plástica. Cada época, estilo e cultura nacional sucessivamente emergente desenvolveu o seu próprio sistema; portanto, o ornamento é um sinal confiável de que as obras pertencem a uma determinada época, povo ou país. O propósito do ornamento foi determinado - decorar. O ornamento atinge um desenvolvimento especial onde predominam as formas convencionais de refletir a realidade: no Antigo Oriente, na América pré-colombiana, nas culturas asiáticas da antiguidade e da Idade Média, na Idade Média europeia. EM Arte folclórica Desde os tempos antigos, foram formados princípios e formas estáveis ​​​​de ornamento, que determinam em grande parte as tradições artísticas nacionais.

Os enfeites podem ser colocados em locais diferentes, e a natureza do enfeite deve ser consistente com a natureza da parte do objeto que ele decora. Assim, um ornamento (decoração) é um padrão construído sobre a repetição rítmica de elementos geométricos - motivos vegetais ou animais, e destinado ao desenho de diversas coisas (utensílios domésticos, móveis, roupas, armas, etc.), estruturas arquitetônicas.

Dependendo dos motivos (um motivo faz parte de um ornamento, seu elemento principal), os ornamentos são divididos em vários grupos:geométrico, vegetal, zoomórfico, antropomórfico e combinado.

Ornamento geométrico pode consistir em pontos, linhas, círculos, losangos, poliedros, estrelas, cruzes, espirais, etc.

Ornamento floral composto por folhas estilizadas, flores, frutos, galhos, etc. O motivo mais comum entre todos os povos é a “árvore da vida” - este é um ornamento floral. É retratado tanto como um arbusto florido quanto de uma forma mais decorativa e generalizada. As composições desses ornamentos são muito diversas.

Ornamento zoomórfico retrata figuras estilizadas ou partes de figuras de animais reais e fantásticos.

Ornamento antropomórfico usa figuras estilizadas masculinas e femininas ou partes do rosto e corpo humano como motivos.

Ornamento teratológico. Seus motivos são personagens criados pela imaginação humana, que podem ter simultaneamente características de diferentes animais ou de um animal e de uma sereia humana, centauros, sereias.

Ornamento caligráfico . Consiste em letras individuais ou elementos de texto, às vezes em combinações complexas com elementos geométricos ou florais.

Ornamento heráldico . Sinais, emblemas, brasões, elementos de equipamento militar - escudos, armas, bandeiras são usados ​​​​como motivos.

Não é incomum encontrar combinações de uma variedade de motivos em padrões. Tal ornamento pode ser chamadocombinado.

De acordo com a composição, os ornamentos são divididos em vários tipos: em listras (frisos), em quadrados, em círculos, em triângulos (rosetas).

Existem três tipos: padrões lineares, celulares e fechados.

Ornamentos lineares - são enfeites listrados com alternância de motivos verticais ou horizontais.

Ornamento celular ou rapport - este é um motivo que se repete tanto na vertical como na horizontal, é um ornamento sem fim em todas as direções. Rapport é um elemento de ornamento, seu motivo principal.

Ornamento fechado dispostos em um retângulo, quadrado, círculo. O motivo nele não se repete ou se repete com uma virada no avião.

O ornamento pode ser simétrico ou assimétrico.

Simetria (do grego antigo - proporcionalidade) - correspondência, imutabilidade, manifestada durante quaisquer mudanças, durante repetições, durante a reprodução. Simetria bilateral, por exemplo, significa que direito e lado esquerdo em relação a qualquer plano, eles parecem iguais.Assimetria - ausência ou violação de simetria.

Um eixo de simetria é uma linha imaginária que divide uma figura em duas partes iguais semelhantes a um espelho. De acordo com o número de eixos de simetria, as figuras podem ser: com um eixo de simetria, com dois, com quatro e em um círculo geralmente há um número infinito de eixos de simetria.

Nas artes visuais, a simetria é um meio de criar forma artística. Está presente na composição ornamental e é uma das formas de manifestação do ritmo no ornamento.

Ritmo em uma composição ornamental chama-se o padrão de alternância e repetição de motivos, figuras e intervalos entre eles. O ritmo é a principal propriedade de qualquer composição ornamental. Uma característica do ornamento é a repetição rítmica de motivos e elementos desses motivos, suas inclinações e voltas.

Construção rítmica - esta é a disposição relativa dos motivos em uma composição ornamental. O ritmo organiza um certo movimento no ornamento: transições do pequeno para o grande, do simples para o complexo, do claro para o escuro, ou repetições das mesmas formas em determinados intervalos.

Dependendo do ritmo, o padrão torna-se estático ou dinâmico.

Um ritmo irregular confere dinâmica à composição, enquanto um ritmo uniforme a acalma.

2. Metas e objetivos do trabalho metodológico e do ensino da estilização nas aulas de composição decorativa.

Na Rússia moderna, um papel importante na educação de crianças e adolescentes é desempenhado pelo sistema de educação complementar, cujo objetivo principal é motivar a criança ao conhecimento e à criatividade.

A escola de arte não se trata apenas de adquirir conhecimentos e habilidades básicas belas artes poder, mas também sobre o desenvolvimento de capacidades criativas.

As aulas em uma escola de arte devem ensinar as crianças a conduzir trabalhos criativos de forma consistente e competente, desenvolver a capacidade de pensar figurativamente e ser capazes de ver e refletir o que é interessante, importante e surpreendente. Para fazer isso, o professor inclui uma série de técnicas metodológicas na observação, associações, emoções que levam a criança a determinadas experiências. Diversas formas destinadas a desenvolver o potencial criativo da criança. A tarefa do professor é preservar as qualidades características das crianças: frescor e espontaneidade de percepção, riqueza de imaginação, paixão pelo processo de imagem.

Todo o trabalho deve basear-se na vontade de desenvolver nos alunos a capacidade não só de retratar a realidade, mas também de expressar a sua atitude perante ela, ou seja, de criar uma imagem artística.

A intensidade emocional das atividades em que trabalham com tintas e outros materiais deve ser ponderada. O professor precisa cultivar a sensibilidade nas crianças para saber quais sentimentos e humores as cores como tais, suas gradações e combinações podem expressar. Isso é ajudado pela “tecnologia do humor emocional”. Envolve diversas técnicas: apelar à imaginação das crianças, despertar o interesse através de momentos lúdicos, ouvir músicas, textos, etc.

A novidade do ambiente, um início de trabalho inusitado e materiais bonitos e variados ajudam a evitar a monotonia e o tédio. Tudo isto desenvolve a imaginação das crianças, a capacidade de resposta emocional e revela capacidades criativas ao estabelecer ligações entre o mundo das imagens e o mundo dos sentimentos e emoções. O trabalho que produzem é diferente, mas o trabalho de todos é criativo.

Depois de muitos anos prática docente Você entende que ensinar uma criança a desenhar é um caminho bastante emocionante, intenso e criativo. Uma criança que vem para a escola inicialmente tem apenas vontade de aprender: está atenta, focada, pronta para aprender, mas pode ficar assustada, simplesmente “pasmo” com a teoria das artes visuais

perdulários, conceitos complexos e expressões. Portanto, tudo depende do professor.

Os programas de ensino típicos visam principalmente o ensino de princípios e tarefas acadêmicas e não contêm material para o desenvolvimento de habilidades criativas, nem introduzem novas tecnologias, técnicas e técnicas.

No mundo moderno, as escolas de ensino complementar necessitam de apresentar constantemente um elevado nível de actividade; a participação em diversos concursos e exposições obriga-as ao estudo de novos materiais artísticos, tecnologia moderna e métodos de trabalho. Isto, por sua vez, leva à necessidade de reestruturar o trabalho.

O trabalho metodológico é compilado tendo em conta as tendências das artes plásticas do nosso tempo. Objetivos do trabalho metodológico:

Expandir e enriquecer o conhecimento e a compreensão das crianças no campo da alfabetização visual, cor e forma.

Desenvolver habilidades estéticas e moldar o gosto artístico dos alunos.

Aprenda a utilizar o método de demonstração e técnicas de visualização no ensino (é impossível ministrar aulas sem tabelas, maquetes e desenhos).

Metas e objetivos do ensino da estilização.

Metas:

Desenvolvimento artístico e estético da personalidade dos alunos com base nas competências e habilidades que adquiriram no processo de domínio do programa de estilização para traduzir as suas ideias em formas artísticas.

Ajude a moldar a visão de mundo da criança, nutrindo o pensamento artístico e imaginativo, o gosto e a percepção da beleza da natureza.

Identificação de crianças superdotadas no domínio da composição decorativa para o seu posterior desenvolvimento criativo.

Tarefas:

Introdução às técnicas de estilo.

Aprenda a estilizar formas de plantas de diferentes maneiras.

Aprenda a aplicar técnicas gráficas na estilização.

Aprenda as habilidades de trabalhar de forma independente com esboços.

Os alunos ganham experiência em atividades criativas.

3. Artes decorativas e aplicadas, estilização em ornamento.

Artistas de artes decorativas e aplicadas sempre prestaram grande atenção ao estudo várias formas flora e sua representação em utensílios domésticos: pratos, tecidos, produtos de madeira e muito mais.

Os artistas populares criaram imagens completamente diferentes do mundo vegetal em um plano ou em forma tridimensional, com base em sua visão e de acordo com seu gosto. Eles poderiam representar flores e plantas tanto na forma de um padrão linear quanto na forma de uma forma espacial complexa. Isto dependia do grau de estilização do motivo natural. A artista não utiliza motivos da natureza para decorar objetos sem qualquer grau de estilização. A estilização, que transforma a aparência real do retratado, é sempre alcançada pela sua generalização. O objetivo da estilização é apresentar uma imagem generalizada e simplificada do objeto retratado, para tornar o motivo mais compreensível, o mais expressivo possível para o espectador e, o que é importante, conveniente para a execução do artista. O material sobre o qual a imagem será executada e o espaço destinado à decoração obrigam o artista a escolher determinadas opções de estilização.

Plantas - flores, folhas, frutos podem ser simplificados, estilizados, representados de forma naturalista, ou sua imagem pode ser complicada. As folhas foram representadas como uma massa de folhagem, às vezes separadamente como a folha de papiro no Egito, a folha de louro e a folha de acanto na Grécia. As flores eram um motivo favorito, por exemplo, o lírio na arte do Egeu, a rosa na arte gótica, o lótus e o lírio na arte egípcia, o crisântemo no Japão, etc.

No século XVIII, o próprio mestre inventou o produto e o executou ele mesmo até a última operação. Ao criar um desenho ornamental, ele sempre focou em um modelo visual canônico. Os principais mestres da Renascença na Itália fizeram desenhos para tapeçarias, têxteis e cerâmicas. Os motivos visuais deste período distinguem-se pelo seu realismo e cores festivas.

No início do século XIX, o interesse pelos motivos vegetalistas aumentou na Europa. A representação de plantas está se tornando um tópico separado na arte. As escolas artísticas e industriais estão se difundindo. A manutenção da produção em rápido desenvolvimento de produtos decorados com ornamentos levou ao surgimento dos primeiros métodos de representação de vários motivos, como o método de “determinar as formas perfeitas das plantas” e estilizar esboços naturais de plantas para se assemelharem aos ornamentos do passado. Ao mesmo tempo, a cópia dos desenhos de amostra foi preservada. Este método é clássico e remonta à primeira metade do século XIX. Baseava-se na utilização como motivo ornamental de uma forma idealizada de uma planta ou de sua parte, obtida a partir de uma generalização criativa de formas naturais. A forma da planta, segundo o método das “formas perfeitas”, foi interpretada pelo artista levando em consideração os ornamentos dos séculos passados ​​e certas leis de construção de imagens artísticas de plantas. Por generalização criativa entendia-se como estilização elementar - esquematização baseada na semelhança do contorno de uma flor, folha, fruto com diversas formas geométricas (triângulo, quadrado, círculo, etc.).

Na segunda metade do século XIX, a maioria das obras de arte aplicada estavam saturadas de padrões florais, o que provocava repetições de motivos previamente desenvolvidos. As esperanças de renovação dos motivos ornamentais passaram a ser associadas ao crescente movimento de “retorno à natureza”. Existem tarefas para tirar plantas da vida.

Na Alemanha e na Áustria são publicados livros e manuais sobre desenho e estilização de plantas, nomeadamente: “Flowers and Ornament” de Karl Krumbolz, “Plants in Art” de Joseph Ritter von Stock, “Drawing Stylized and Natural Plants” de Johann Stauffager, “Formas vegetais. Amostras e uso de plantas na ornamentação” de Meurer.

Fizemos dois tipos de esboços. O primeiro tipo cobre esboços de grupos de plantas, mantendo todos os ângulos, proporções e cores aleatórios. O segundo tipo difere porque os ângulos de representação das plantas são selecionados levando em consideração a maior identificação das feições. O trabalho envolve muita análise do projeto e do desenho. A ornamentação foi alcançada achatando a imagem em escala real, introduzindo um contorno da mesma espessura, preenchendo-a uniformemente com cor, sem transferir o claro-escuro.

M. Meurer conseguiu combinar todas as conquistas acumuladas em um único método. O curso de estudo comparativo de formas vegetais de Meurer incluiu: estudo teórico noções básicas de botânica, desenho de plantas vivas, desenho de herbário, cópia de ornamentos antigos. Em seguida, os alunos poderiam passar a modificar formas naturais de plantas em formas artísticas com base em sua imaginação. Ao mesmo tempo, no processo de transformação das formas das plantas, foi necessário pensar não só na beleza, mas também levar em consideração o material com que seria feito o enfeite, e as próprias plantas, flores e folhas, deve ser reconhecível.

Por isso,alvoestilização criativa nas artes decorativas e aplicadas é a criação de uma nova imagem artística que tem maior expressividade e decoratividade e se situa acima da natureza, acima dos objetos reais do mundo circundante.

4. O princípio da estilização das formas vegetais. O conceito de estilização.

Então, o que é estilização?O termo “estilização” é equiparado ao conceito de “decoratividade” nas artes plásticas.

Estilização – esta é uma imitação deliberada ou interpretação livre da linguagem artística de qualquer estilo característico de um determinado autor, movimento, direção, escola nacional etc. num sentido diferente, aplicável apenas às artes plásticas,estilização – generalização decorativa de figuras e objetos representados usando uma série de técnicas convencionais, simplificação de desenho e forma, relações volumétricas e de cores. Na arte decorativa, a estilização é um método natural de organização rítmica do todo; A estilização mais típica é a do ornamento, em que o objeto da imagem passa a ser o motivo do padrão.

As aulas de estilização são uma das mais importantes no processo de desenvolvimento do pensamento artístico imaginativo dos alunos. Como a prática tem demonstrado, as aulas de estilização devem ser realizadas em estreita colaboração com o desenho e a pintura académicos, bem como em ligações interdisciplinares, por exemplo, com a composição e a ciência da cor.

Os professores têm uma tarefa importante - a criança deve olhar as coisas, os fenômenos que nos rodeiam, analisando a estrutura interna, o estado do objeto, para então poder transformar, modificar, simplificar, torná-lo mais conveniente, e finalmente criar um modelo novo e original. Assim, os alunos precisam ser ajudados a desenvolver uma visão planar-ornamental da natureza e um pensamento figurativo-associativo.

Conceito de estilização e estilo

Em uma composição decorativa, um papel importante é desempenhado pela forma criativa com que o artista pode processar a realidade circundante e trazer para ela seus pensamentos e sentimentos, tonalidades individuais. Isso é chamadoestilização .

Estilizaçãocomo o processo de trabalho é uma generalização decorativa dos objetos representados (figuras, objetos) utilizando uma série de técnicas convencionais para alterar a forma, as relações volumétricas e de cores.

Na arte decorativa, a estilização é um método de organização ritmada do todo, graças ao qual a imagem adquire sinais de maior decoratividade e é percebida como um motivo padrão único (então estamos falando de estilização decorativa na composição).

A estilização pode ser dividida em dois tipos:

a) superfície externa , não tendo caráter individual, mas pressupondo a presença de um modelo pronto ou de elementos de um estilo já criado (por exemplo, um painel decorativo feito com técnicas de pintura Khokhloma);

b) decorativo , em que todos os elementos da obra estão sujeitos às condições do existente conjunto artístico(por exemplo, um painel decorativo, subordinado ao ambiente do interior previamente estabelecido).

A estilização decorativa difere da estilização em geral na sua ligação com o ambiente espacial. Portanto, para maior clareza da questão, consideremos o conceito de decoratividade. A decoratividade é geralmente entendida como a qualidade artística de uma obra, que surge como resultado da compreensão do autor sobre a ligação entre a sua obra e o ambiente objeto-espacial a que se destina. Nesse caso trabalho separado concebido e implementado como um elemento de um todo composicional mais amplo. Pode-se dizer queestilo é uma experiência artística do tempo, e a estilização decorativa é uma experiência artística do espaço.

A estilização decorativa é caracterizada pela abstração - distração mental de características insignificantes e aleatórias do ponto de vista do artista, a fim de focar a atenção em detalhes mais significativos que refletem a essência do objeto.

Estilização de formas naturais

A natureza que nos rodeia é um excelente objeto de estilização artística. Um mesmo assunto pode ser estudado e apresentado inúmeras vezes, revelando constantemente novos aspectos do mesmo, dependendo da tarefa em questão.

Você pode começar a estilizar formas naturais representando plantas. Podem ser flores, ervas, árvores, musgos, líquenes em combinação com insetos e pássaros.

No processo de estilização decorativa de motivos naturais, você pode seguir dois caminhos: inicialmente, esboçar objetos da vida, e depois processá-los no sentido de identificar qualidades decorativas, ou realizar imediatamente um esboço decorativo estilizado, partindo das características naturais de os objetos. Ambas as formas são possíveis dependendo do método de representação mais próximo do autor. No primeiro caso, é necessário um desenho cuidadoso dos detalhes e um estudo gradual das formas à medida que o trabalho avança. No segundo método, o artista estuda longa e cuidadosamente os detalhes do objeto e destaca os mais característicos dele.

Por exemplo, o cardo espinhoso se distingue pela presença de espinhos e angularidade no formato das folhas, portanto, ao esboçar, pode-se usar cantos vivos, linhas retas, silhueta quebrada, aplicar contrastes no processamento gráfico da forma, uma linha e um ponto, claro e escuro, ao usar um esquema de cores - contraste e tonalidades diferentes

O mesmo motivo pode ser transformado de diferentes maneiras: próximo à natureza ou em forma de alusão a ela, associativamente; no entanto, devem ser evitadas interpretações excessivamente naturalistas ou esquematismos extremos, que privam o reconhecimento. Você pode pegar uma característica específica e torná-la dominante, enquanto a forma do objeto muda em direção à característica, tornando-a simbólica..

O trabalho de esboço preliminar é uma etapa muito importante na criação do desenho de uma composição estilizada, pois ao realizar esboços naturais, o artista estuda mais profundamente a natureza, revelando a plasticidade das formas, do ritmo, estrutura interna e textura de objetos naturais. A fase de desenho ocorre de forma criativa, cada um encontra e pratica seu próprio estilo, sua caligrafia individual para transmitir motivos conhecidos.

Destacamos os requisitos básicos para esboços de formas naturais:

Ao iniciar o trabalho, é importante identificar as características mais marcantes da forma da planta, sua silhueta animal e curvas de escorço.

Ao organizar os motivos, é necessário prestar atenção à sua orientação plástica (vertical, horizontal, diagonal) e organizar o desenho de acordo.

Preste atenção à natureza das linhas que compõem o contorno dos elementos representados: se são retas ou suaves, configurações simplificadas terá e pode depender do estado da composição como um todo (estático ou dinâmico).

É importante não apenas esboçar o que se vê, mas encontrar ritmo e agrupamentos interessantes de formas, fazendo uma seleção de detalhes visíveis no ambiente retratado na folha.

Principais características comuns que surgem durante o processo de estilização para objetos e elementos de composição decorativa, este ésimplicidade das formas, sua generalidade e simbolismo, excentricidade, geometria, colorido, sensualidade.

Em primeiro lugar, a estilização decorativa é caracterizada pela generalidade e simbolismo dos objetos e formas representados. Este método artístico implica uma rejeição consciente da autenticidade total da imagem e do seu detalhamento detalhado.Método de estilo exige separar da imagem tudo o que é desnecessário, secundário, interferindo em uma clara percepção visual para expor a essência dos objetos retratados, mostrar o que há de mais importante neles, chamar a atenção do espectador para a beleza anteriormente escondida e evocar nele o correspondente emoções vívidas.

Para exibir de forma mais clara e sensual a essência do objeto estilizado, tudo o que é desnecessário, supérfluo e secundário é separado dele e dele removido.são utilizados seus traços mais característicos e marcantes e, ao mesmo tempo, via de regra, características do objeto representado são exagerados em vários graus e, às vezes, distorcidos para criar abstração. Para tais exageros artísticos, formas naturais (por exemplo, formatos de folhas) próximas do geométrico são finalmente transformadas em geométricas, quaisquer formas alongadas são ainda mais esticadas e as arredondadas são arredondadas ou comprimidas. Muitas vezes, dentre vários traços característicos de um objeto estilizado, um é selecionado e tornado dominante, enquanto outros traços característicos do objeto são suavizados, generalizados ou mesmo completamente descartados. Como resultado, há uma distorção e deformação consciente dos tamanhos e proporções dos objetos naturais retratados, cujos objetivos são: aumentar a decoratividade, aumentar a expressividade (expressão), facilitar e acelerar a percepção do espectador sobre a intenção do autor. Neste processo criativo surge espontaneamente uma situação em que quanto mais a imagem se aproxima da essência da natureza do objeto, mais generalizada e condicional ela se torna. Como regra, uma imagem estilizada pode ser facilmente transformada em abstrata.

O resultado da estilização criativa é a imagem de um objeto com características generalizadas que conferem simbolismo à imagem.

Todos os tipos e métodos de estilização de objetos naturais são baseados em um único princípio pictórico -transformação artística objetos naturais reais usando uma variedade de Artes visuais e técnicas visuais.

A transformação artística de objetos naturais tem como objetivo principal - a transformação de formas naturais reais em estilizadas ou abstratas, dotadas de expressividade e emotividade de tal força,brilho e memorabilidade, inatingíveis em imagens realistas.

Resumo da aula sobre o tema: “Estilização de formas vegetais em padrão de fita nas aulas de composição decorativa”.

Tópico da lição : “Estilização de formas vegetais em padrão listrado”

Lições objetivas:

Educacional: introduzirestudantescom as características de estilização das formas vegetais, revelam o conceito de “estilização”, contam tudo sobre o ornamento, seus tipos. Dominar a estilização como forma de traduzir as formas externas das plantas em motivos ornamentais.

Organização de um enfeite de fita composto por motivos vegetalistas obtidos no processo de estilização.

Desenvolvimento: contribuirdesenvolver o pensamento criativo e proporcionar a oportunidade para a sua implementação, criando condições na aula para a escolha de uma solução criativa para a sua composição de motivos vegetalistas,ampliando os horizontes e conhecimentos dos alunos na área de composição decorativa.

Educacional: cultivar nos alunos o sentimento de amor pela arte, desenvolver um senso de composição e incutir precisão na execução do trabalho.

Tarefas:

1. Reforçar o conceito de “ornamento”.

2. Dê o conceito de estilização.

3. Estude a estrutura das formas vegetais.

4. Ensinar a estilização destas formas vegetais através de meios de expressão gráfica.

5. Reforçar os conceitos de simetria e assimetria.

6. Desenvolvimento do senso de ritmo.

Métodos: verbais, visuais,prático.

Etapas do trabalho:

1. Analise a estrutura desta forma de planta (na qual formas geométricas pode ser representado na imagem).

2. Estilize esta forma de planta usando meios gráficos:

Crie uma imagem linear de um motivo ornamental, tomando como base elementos geométricos (formas).

Crie uma imagem de um motivo ornamental com base no local.

3. Usando a imagem resultante, crie um motivo floral que servirá de repetição para o enfeite de fita (trabalhe em um esboço).

4. Amplie a imagem do enfeite. Limite o ornamento a 2-3 motivos vegetais repetidos (relacionamentos).

5. Desenhe uma imagem do enfeite colorido.

Progresso da lição.

Relatando o tema, discutindo o objetivo da aula. Então,HojeO tema da nossa lição: “Estilização de formas vegetais em um enfeite de fita”.

O objetivo da aula é conhecer as características de estilização das formas vegetais e aplicar na prática os conhecimentos adquiridos. Primeiro, lembraremos o que é um ornamento e seus tipos, e depois passaremos à estilização. Ornamento é decoração.A origem do ornamento não é conhecida ao certo. A origem do ornamento remonta a séculos. O ornamento é um sinal confiável de que uma obra pertence a uma época, povo ou país específico.

Ornamento é um padrão construído na repetição rítmica de elementos geométricos - motivos vegetais, animais, etc., destinado ao desenho de diversas coisas (utensílios domésticos, móveis, roupas, armas, arquitetura).

Dependendo do motivo, os ornamentos são divididos em: geométricos, florais, animais, antropomórficos, etc. Veremos padrões florais. Os padrões florais são baseados em plantas que realmente existem na natureza: flores, folhagens, frutas, etc. De acordo com a composição, os enfeites são divididos em vários tipos: em tira (o que faremos com você), em quadrado, em retângulo, em círculo. Com base nisso, distinguem-se três tipos de ornamento: linear, celular, fechado.

Os ornamentos lineares são ornamentos listrados com alternância linear de motivos.

Os padrões celulares são um motivo que se repete tanto vertical quanto horizontalmente. Este é um padrão infinito em todas as direções.

Os ornamentos fechados são dispostos em um retângulo, quadrado e círculo.

Olhando para todos esses enfeites, notamos que a forma natural, pelo poder da imaginação com a ajuda de linhas e manchas convencionais, se transforma em algo novo. Adivinhamos a planta, embora ainda não seja a mesma da natureza. A forma existente é simplificada para uma forma geométrica extremamente generalizada. Isso permite que você repita o motivo do ornamento muitas vezes sem esforço extra. O que foi perdido pela forma natural durante a simplificação e generalização levou ao nivelamento da imagem. Isto é estilização - generalização decorativa, simplificação, achatamento dos objetos representados através da mudança de forma e cor.

Como as formas naturais se transformam em motivos ornamentais? Primeiro, é feito um esboço da vida. A seguir vem a transformação - a transição de um esboço para uma forma convencional. Precisamos simplificar, decompor a imagem em formas geométricas simples. Esta é uma transformação, estilização de um motivo. A estilização implica distração de características sem importância, concentrando a atenção em características mais significativas que transmitem a essência (por exemplo, cardo espinhoso). A partir de um esboço você pode criar diferentes ornamentos. Em seguida, repetindo o motivo, você cria seu próprio ornamento exclusivo.

O trabalho preliminar de esboço é uma etapa muito importante na criação do desenho de uma composição estilizada. O trabalho da aula é realizado em duas etapas: na primeira, os alunos fazem um esboço da vida e, na segunda, traduzem-no para forma geométrica. Esta planta deve ser reconhecível.

Depois que o enfeite estiver totalmente representado, começamos a pensar na cor. A cor é um dos meios importantes na ornamentação e está intimamente relacionada à composição. As combinações de cores podem ser repetidas ritmicamente. bem como elementos de formulário. Eles podem ser nítidos, contrastantes ou suaves. Combinações contrastantes são criadas usando cores de diferentes luminosidade e saturação. O maior contraste é criado combinando o preto com cores claras. Uma combinação mais suave cria uma conexão com o cinza. Cores complementares, tons quentes e frios, são nitidamente separadas pelo contraste. A suavidade das cores é conseguida com cores tiradas em tons diferentes. Combinações coloridas podem ser criadas tons diferentes Uma cor.

1. Um exemplo de como traduzir o esboço de uma flor da vida para uma forma geométrica estilizada, em uma aula de composição decorativa, sem atrapalhar a imagem da planta.

A silhueta deve caber em formas geométricas simples.

Ao desenvolver um motivo ornamental, é aconselhável transformar uma forma tridimensional em plana. Se for necessária uma imagem tridimensional, é imperativo usar generalizações e convenções.

2. Um exemplo de flor Thrandun, estilizada em diferentes formas, em uma aula de composição decorativa. É importante não apenas esboçar o que você vê, mas encontrar ritmo e agrupamentos interessantes de formas (caules, folhas), fazendo uma seleção de elementos visíveis.detalhesno ambiente retratado na folha.

Um mesmo motivo pode ser transformado de diferentes maneiras: próximo da natureza ou na forma de uma alusão a ela,associativamente; porém, nenhuma planta pode ser privada de reconhecimento quando estilizada (material demonstrativo - fotografias e desenhos com exemplos de estilização de plantas).

Ao trabalhar emesboços do motivo (flor.) É preciso atentar para seus traços característicos e mais marcantes, abandonando detalhes secundários. Nesse caso, as características da flor podem ser exageradas ao máximo e levadas à icônica.

Como você pode alterar a forma de um objeto? Por exemplo, se um sino tiver um formato alongado, ele pode ser esticado de forma mais ativa, e uma flor de dente-de-leão, com formato próximo a um círculo, pode ser arredondada tanto quanto possível.

Também é importante prestar atenção ao ângulo do objeto representado. Nocomposição estática É aconselhável evitar três quartos de volta e utilizar uma vista superior ou lateral, posicionando o motivo ao longo dos eixos verticais ou horizontais.

EMcomposição dinâmica Faz mais sentido usar ângulos e inclinações.

A cor e o sabor da composição ornamental também estão sujeitos a transformações. Pode ser condicional, totalmente abstraído da versão natural.

Trabalhos infantis realizados durante as aulas de composição.

“Composição ornamental” - Regras para construção de uma composição ornamental. Construção rítmica de uma composição ornamental. Simetria axial. A capacidade do artista de pensamento abstrato. Composição. Estrutura rítmica do xadrez. Composição ornamental. Tipos de simetria. Arranjo assimétrico. Elementos estruturais do ornamento.

“Ornamentos e padrões” - Ornamentos orientais. Ornamento zoomórfico. Traje folclórico russo. Xales de Pavlovsky Posad. Khokhloma Dourado. As principais épocas do desenvolvimento da ornamentação. Renascimento. Ornamento geométrico. Bandejas Zhostovo. Revise as perguntas. A natureza da composição da superfície a ser decorada. Principais motivos. Séculos XVII-XVIII (Europa).

“Ornamentos das Nações” - Ornamento zoomórfico. Ornamentos orientais. Ornamentos Khanty e Mansi. Matryoshka. A antiga arte do rangoli. Ornamento em lenços. Ornamento em tecidos. Alternação. Ornamento indiano. Pequenos padrões limítrofes. Ornamento. Tipos de enfeites. Disposição de elementos ornamentais em tecido. Ornamento cazaque. Ornamentos do Oriente.

“Belos ornamentos” - Turquemenistão. Enfeites em pratos. China. Padrões e ornamentos. Aplicação de enfeite. A fonte da criação do ornamento foi a natureza. Que tipos de enfeites existem? Diferentes países dão seu próprio significado aos ornamentos. Árabes. Ornamento simétrico. Meio-fio. Ornamentos dos povos do mundo. Ornamento. Mongólia Cazaquistão. Ornamentos na arquitetura.

“Ornamento de Pepino Turco” - Cipreste Persa. Motivos orientais no padrão nacional russo. Lágrima de Allah. Motivo de pepino turco em design. O “pepino turco” ganhou popularidade na Rússia. Motivos do “pepino turco” na Rússia. A Pérsia é considerada o berço do ornamento. Círculo. Paleta "Pepino Turco". A sequência da pintura.

“Classificação dos Ornamentos” – Origem. Conteúdo do ornamento do assunto. Ornamento simbólico. Ornamento geométrico. Ornamento epigráfico (caligráfico). Ornamento floral. Classificação dos ornamentos. Motivos. Ornamento animal. Tipos de ornamento. Ornamento paisagístico. Ornamento fantástico.

São 12 apresentações no total

Flores - um símbolo da primavera, a personificação do que há de mais brilhante e puro na terra, eram cantadas na antiguidade. Os artistas sempre souberam alegrar-se e surpreender-se com as flores. No Antigo Egito, as colunas dos templos eram feitas na forma de ramos de lótus ou papiro, e os capitéis eram feitos na forma de botões pintados já prontos. Os antigos pergaminhos chineses e japoneses trouxeram até hoje as cores vibrantes das peônias, glicínias e lírios. Sem flores, a arte decorativa e aplicada ficaria infinitamente empobrecida. (Apêndice 6, Fig. 1, 2)

A arte russa recorreu repetidamente a motivos florais. Artistas de diversas aspirações criativas abordaram este tópico. Então, eu. Levitan, sendo principalmente um paisagista, prestou atenção à natureza morta floral.

Nas composições do mestre eram comuns arranjos compostos por um grande número de cores. Levitan atribuiu grande importância à pintura de flores no domínio das cores e das relações de cores. Composição “Primavera. White Lilac" é interessante do ponto de vista da técnica e do esquema de cores. Pastel com sua textura aveludada e principalmente o método de traçar grandes planos de cores, ao longo dos quais uma cor diferente é aplicada por cima com traços de lápis, como se fosse um vitral - essa técnica facilitou ao Levitan generalizar as formas e ligá-las. Conseguiu-se assim uma solução mais decorativa e de natureza morta para o motivo de um bouquet de flores lilases num vaso. Encontramos tudo isso de forma ainda mais desenvolvida nas naturezas mortas “Buquê de Centáureas” e “Coleus”. (Apêndice 7, Fig. 1,2)

Na Rússia nos anos 90. Século XIX muitos artistas K. Korovin, Z.E. Serebryakova, V.A. Serov, A.Ya. Golovin, N. E. Grabar voltou-se para motivos florais. Esses artistas criam naturezas mortas para uma análise especial de cor, forma, composição decorativa, ritmo; o nivelamento aparece em soluções pictóricas.

O incentivo para K. Korovin criar obras sempre foi uma realidade concreta, nova e mutável a cada momento. Porque, por exemplo, rosas escritas em tempo diferente- “Flores e Frutos”, “Rosas e Violetas”, “Rosas”, “Natureza Morta. Rosas”, refletindo cada vez a singularidade do momento, um novo clima. Mas o mestre sempre faz isso - glorificando a alegria, o multicolorido, a riqueza da vida terrena. A tela “Flores e Frutas”, brilhando com o sol em cada centímetro, é uma verdadeira obra-prima do impressionismo russo. (Apêndice 7, Fig. 3)

O mestre da arte teatral e decorativa A. Golovin também aborda o tema da natureza morta. Nas suas naturezas mortas “Porcelana e Flores”, “Menina e Porcelana”, “Natureza Morta. Phloxes”, foi revelado o estilo característico do mestre - gráfico, contornos claros, padrões planos, coloração requintada da imagem. A pincelada é deliberadamente linear. Dessa forma decorativa, marcada pela influência da Art Nouveau, foram criados arranjos florais que lembram tapeçarias.

As naturezas mortas de Golovin se distinguem por seu esplendor requintado. Isso também refletia a propensão do artista para a decoração. (Apêndice 8, Fig. 1)

Durante sua longa vida criativa, Saryan pintou muitas pinturas bonitas. Ele transmitiu de forma surpreendente, lírica e verdadeira a beleza majestosa e a originalidade da vida e da natureza circundantes. Ele criou imagens cheias de alegria exultante e revelou às pessoas um mundo gentil, generoso e ensolarado.

As naturezas-mortas são “detalhadas”, espaciais e próximas da natureza. Em vez de alguns objetos cuidadosamente selecionados pela forma e pela cor, cuja originalidade é enfatizada por um fundo neutro, como foi o caso em “Uvas”, o artista preenche a tela com muitas coisas, flores, frutas, aproveitando essa abundância. .

Muitas das obras de Saryan pertencem aos ápices de sua criatividade, combinando a força e a energia do pincel com a sutileza e complexidade da expressão. (Apêndice 8, Fig. 2)

As pesquisas colorísticas de Saryan levaram o artista ao tema da natureza morta. Esse gênero deu ao artista grande liberdade no manuseio de formas e cores, permitindo combiná-las em qualquer combinação.

O lirismo e o pitoresco incrível são característicos das naturezas-mortas de S. Gerasimov.

“Amo tanto a minha terra natal que tudo o que está ligado a ela, que nela vive e cresce, me é caro...” - foi o que disse Gerasimov, e estas palavras podem igualmente ser aplicadas às suas magníficas naturezas-mortas. As tradições subjacentes à arte do mestre são facilmente traçadas neles. As melhores naturezas mortas do artista são caracterizadas por um pitoresco vívido. Ao mesmo tempo, não podemos deixar de ver a diferença direta entre a pintura rústica de Gerasimov e as criações poéticas de A. Arkhipov ou K. Korovin.

Pintadas com pinceladas largas e texturizadas, as naturezas-mortas de Gerasimov transmitem bem a riqueza das folhas verdes, o brilho elegante das flores, tudo isso com materialidade visível, porém, privando a natureza da poesia reverente. Sem dúvida, os melhores trabalhos de Gerasimov incluem a grande composição de “quadro”, “paisagem e natureza morta” “After the Rain” (“ Terraço molhado"). Este trabalho incorporou com sucesso o interesse do pintor pela paisagem, natureza morta e design de interiores. Como pode ser visto nas memórias da irmã do artista, ele, literalmente chocado com a aparência do jardim após uma chuva torrencial e tempestuosa, pintou o quadro “na velocidade da luz” - em três horas.

Escrito sob a impressão de que capturou completamente seu criador, “Wet Terrace”, no entanto, não parece ser um esboço que capture o estado brilhante, mas fugaz da natureza. Trata-se de um quadro totalmente acabado, que se distingue pela integridade e generalização da imagem artística. A sua composição, repleta de dinâmica, é, no entanto, marcada por uma rigorosa reflexão. A mesa, empurrada para a entrada do terraço, revela a profundidade do antigo jardim. As tábuas molhadas do piso brilham, fortes gotas de chuva brilham na vegetação luxuriante dos arbustos, nas pétalas das peônias em uma jarra de vidro, nas bordas de um copo derrubado pela chuva. As nuvens ainda não se separaram e por isso tudo na natureza, refrescado por uma generosa chuva de verão, é pintado em tons prateados frios e puros. A combinação de cores frias e vibrantes com que foi executado “Wet Terrace” permitiu a Gerasimov expressar a sua alegria pela riqueza e beleza do mundo, para criar um clima alegre, que o pintor generosamente partilha com o espectador. Noutra natureza morta - “Rosas” - pode-se perceber a influência de K. Korovin, o apelo de Gerasimov a certas técnicas da sua pintura. Isto sente-se não só na escolha do tema, mas também no “aprofundamento” do espaço do quadro ao incluir um espelho na composição, na fragmentação geral da natureza morta.

O artista possui um excelente domínio das cores - o mais importante meios expressivos pintura, e nesta natureza morta você pode sentir isso claramente na maneira como ele pinta o verde transparente do lado de fora da janela ou as folhas escuras e densas das rosas. E as próprias rosas, todos os tipos de tons de vermelho, não estão em sua imagem - do rosa suave ao lilás profundo. As suas pinturas “Presentes de Outono”, “Bouquet” e outras testemunham a diversidade das naturezas mortas do pintor. (Apêndice 8, Fig. 3)

Grandes sucessos no campo da natureza morta foram alcançados por artistas talentosos como P. Kuznetsov, M. Saryan (“Jarro e buquê verde”, “Natureza morta persa”), K. Petrov-Vodkin, P. Konchalovsky (“Natureza morta com Gladíolos Vermelhos”), A. Kuprin (“Buquê vermelho-lilás sobre fundo rosa”), I. Mashkov (“Maçãs e peras sobre fundo branco”, “Natureza morta com leque”), R. Falk.

A cor, a sua expressividade, a interpretação generalizada da forma - esta é a linguagem destes artistas do século XX. Eles expandem de maneira incomum os limites da natureza morta como gênero visual. Numa natureza morta pode-se sentir não só a especificidade do modo de vida, mas também aquelas características únicas que são inerentes a uma certa individualidade.

Com a riqueza de formas e cores, o conceito de beleza na natureza morta tornou-se mais diversificado.

Parece que as flores não são nada difíceis de escrever, mas essa impressão engana. As flores ajudarão a desenvolver o gosto, a dominar a alfabetização profissional e a compreender as leis da forma, luz e sombra e cor. “Você não pode pintar uma flor mais ou menos”, diz Konchalovsky, com pinceladas simples, ela deve ser estudada, e tão profundamente quanto todo o resto.” As flores são grandes professoras de artistas: para compreender e compreender a estrutura de uma rosa é preciso trabalhar não menos do que estudar rosto humano. As rosas têm tudo o que existe na natureza, só que de forma mais sutil e formas complexas, e em cada flor, e principalmente em um buquê de flores silvestres, é preciso entendê-la como em algum matagal da floresta, até compreender a lógica da construção, derivar leis de combinações que parecem aleatórias.

As flores podem ser desenhadas e pintadas durante todo o ano. No inverno - dentro de casa, e em março e abril - snowdrops. Em seguida, as luzes amarelas dos malmequeres, kupavnets e dentes-de-leão acendem. Nem todo mundo prefere rosas luxuosas, peônias e dálias exuberantes ou gladíolos requintados. I. Shishkin, I. Levitan, S. Polenov retratavam com mais frequência florestas modestas e flores silvestres - centáureas, margaridas, dentes-de-leão.

Algumas pessoas gostam de buquês enormes e coloridos, outras de buquês pequenos, com poucas plantas.

A vida da natureza na arte transforma-se em imagens artísticas e torna-se interessante não só em si, mas também como imagem dos processos de vida interpretados pelo artista, como a sua atitude perante a realidade. Nessa relação, mediada pela visão de mundo e cosmovisão do indivíduo, expressa-se o julgamento do autor sobre a realidade e concretiza-se o conceito artístico.

As flores para artistas são examinadores rigorosos. Pela forma como os vê, como os trata, como os retrata, pode-se julgar sua atitude em relação às pessoas, à natureza e à vida.