Qual definição corresponde melhor ao conceito de perspectiva aérea? A sequência de execução de uma pintura
A sucursal do PFR em Sebastopol chama a atenção dos empregadores: último dia para recebimento de relatórios mensais no formulário SZV-M para novembro - 17 de dezembro de 2018(já que 15 e 16 de dezembro são dias de folga). Além disso, em janeiro de 2019, os empregadores que enviarem relatório em papel terão apenas 5 dias para enviar informações de dezembro de 2018 - de 9 a 15 de janeiro.
Líderes, desempenhem suas funções com responsabilidade! É importante compreender que a indexação das pensões dos cidadãos que deixaram de trabalhar depende do envio atempado de informação ao Fundo de Pensões. Siga duas regras: confiabilidade das informações e prazo de envio.
Lembramos também que em 2019, os segurados também precisam relatar a experiência de seguros de seus funcionários no formulário SZV-STAZH. Será necessário ser pontual no envio de informações sobre a experiência até 1º de março inclusivo. Se um empregador ignorar os prazos de apresentação de relatórios, serão aplicadas sanções financeiras a ele.
O formulário SZV-STAZH reflete informações sobre o período de trabalho durante o ano civil, incluindo os períodos de atividade do funcionário com condições especiais trabalhista que dá direito à aposentadoria antecipada.
Para preparar as informações, você pode utilizar o software postado no site oficial do Fundo de Pensões na seção “Para Empregadores”, na subseção “ Programas gratuitos, formulários e protocolos".
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Ao realizar uma pintura, você deve seguir uma determinada sequência. Normalmente, um artista começa a trabalhar em uma pintura ou pintura de parede completando vários esboços de pequeno porte nos quais concretiza sua ideia. Para o mesmo propósito, ele pode realizar esboços da vida real.Então o artista desenha a futura pintura. Ele pode usar um lápis, carvão ou tinta finamente diluída e um pincel fino para isso. É possível produzir o chamado “papel vegetal” ou “papelão” caso o desenho precise ser transferido para alguma superfície. Às vezes, os artistas pulam esta etapa do trabalho e imediatamente começam a pintar sem desenho preliminar.
Existem muitas maneiras de aplicar tinta em um avião. Alguns artistas preferem usar a técnica de envidraçamento: aplicar finas camadas transparentes sobre a camada de tinta seca. Outros alcançam o esquema de cores desejado imediatamente em uma camada, enquanto outros usam pinceladas separadas. 
O artista pode trabalhar simultaneamente no desenho, na composição, na escultura de formas, na transmissão do espaço e da cor. Era assim que P. Cézanne adorava trabalhar, principalmente quando pintava suas paisagens ou naturezas mortas da vida.
No entanto, esse caminho não está disponível para todos. Você deve ter excelente memória visual, desenho preciso, pensamento composicional e um senso de cor impecável.
A maioria dos artistas prefere trabalhar do geral ao específico, aplicando gradativamente a cor principal dos objetos e acompanhando a modelagem do volume. Em seguida, eles esclarecem as nuances da cor, os reflexos das cores e a coloração geral da imagem. Na última etapa, eles passam novamente para a generalização. Para alcançar a integridade do trabalho, você pode remover detalhes desnecessários, enfraquecer contrastes e destacar o principal. Era assim que o maravilhoso artista A. A. Ivanov adorava trabalhar. Ele fez muito trabalho preparatório antes de criar a pintura “A Aparição de Cristo ao Povo”. Numerosos estudos pictóricos expostos junto a esta pintura em Galeria Tretyakov, ajudam a traçar a busca criativa do autor.
EM Finalidade educacionalÉ melhor trabalhar sequencialmente na composição pictórica. As declarações dos mestres no final deste livro irão ajudá-lo a aprender alguns dos segredos e mistérios da pintura.
Os pintores transmitem a beleza do mundo ao seu redor com a ajuda de tintas. Você pode escolher qualquer base: tela, papel, papelão, cartão, parede, etc. A base geralmente é preparada com compostos especiais. Os pintores usam uma variedade de tintas: guache, aquarela, têmpera a óleo, etc. As tintas são aplicadas na base? pincéis redondos e planos de diferentes espessuras. Às vezes eles usam uma espátula, um pano ou até mesmo aplicam tinta com os dedos para isso, mas ainda é melhor criar obras de arte usando ferramentas especiais em vez de meios improvisados. A técnica de escrita e suas características dependem em grande parte das propriedades das tintas, solventes e ferramentas.
O conceito de “Pintura” (unidade didática).
1.Qual destas cores não é “quente”:
A) amarelo;
B) vermelho;
B) Laranja;
D) azul
2. Qual definição corresponde melhor ao conceito de “perspectiva aérea”:
A) a arte de representar o espaço tridimensional em um plano;
B) mudança no tamanho dos objetos em função da distância do ponto de observação;
C) mudança na cor de um objeto dependendo de sua distância do ponto de observação;
D) mudança proporcional nos objetos.
3. As cores primárias são
A) vermelho, roxo, verde;
B) vermelho, azul, amarelo;
B) amarelo, azul, verde;
D) amarelo, azul, laranja.
4. Combinação harmoniosa, interconexão, unificação tonal várias cores na foto é chamado:
A) cor local
B) cor
B) contraste
5. Ao realizar uma pintura, deve-se seguir a seguinte sequência:
A) do geral para o específico;
B) de frio para quente;
B) do claro ao escuro.
6. Que tipo de iluminação não revela a forma, volume e textura dos objetos retratados.
A) retroiluminado
B) frontal
B) laterais
7. Que forma de pintura pode transmitir o volume dos objetos no espaço, sua relação com ambiente.
A) abstrato
B) decorativo
B) realista
8. Qual etapa pode ser negligenciada ao escrever um esboço de curto prazo de uma cabeça.
A) moldagem
B) relações cor-tom
B) elaboração de detalhes
9. O tipo de pintura é baseado no princípio da estilização:
A) realista
B) decorativo
B) abstrato
10. Tipo de pintura baseada numa composição de cores não figurativa.
A) decorativo
B) abstrato
B) realista
11. Escreva a vida, escreva vividamente, ou seja, transmitir a realidade de forma completa e convincente é:
Uma pintura
B) desenho
B) DPI
12. O trabalho realizado na vida é:
Um desenho
B) esboço
13. Ao realizar um esboço da cabeça, qual ângulo é mais vantajoso para transmitir volume:
A) frente
B) perfil
B) três quartos
14. Certos sistemas estabelecidos de métodos de trabalho que foram desenvolvidos por vários escolas nacionais.
A) técnica de pintura
B) materiais pintura guache
15. O desenho para pintura em guache geralmente é feito6
A) carvão
B) caneta hidrográfica
B) lápis
16. Ao trabalhar em uma paisagem natural, quanto tempo leva para o estado de natureza mudar completamente:
A) duas horas
B) quatro horas
B) trinta minutos
17. Estados harmoniosos, interconexão, combinação tonal de diferentes cores em uma imagem são:
Uma cor
B) leveza
B) monocromático
18. A cor principal de um objeto sem levar em conta as influências externas é:
A) reflexo
B) cor local
B) semitom
19. As principais tarefas da pintura realista:
A) escrever de forma vívida e cativante
B) escrever em relacionamentos
B) use mais cores
20. Qual dos seguintes diluentes é usado na pintura a guache:
Uma água
B) terebintina
B) acetona
21. Qual é a etapa mais importante ao escrever um estudo sobre um estado:
A) elaborando detalhes
B) relações de cores
B) moldagem
22. Onde começa o trabalho? esboço pictórico:
A) elaborando detalhes
B) layout em formato
B) construção
D) expor as relações básicas de cores e tons
23. Qual destas cores não pertence ao grupo acromático:
Um branco
B) roxo
B) cinza
D) preto
24. Se o artista retrata apenas paisagens marinhas, então eles são chamados:
A) "Marinami"
B) "Svetlana"
B) "Elena"
25. A sobreposição de uma camada de tinta sobre outra é chamada:
A) esmalte
B) alla prima
B) cru
26.Qual cor não é cromática:
A) vermelho
B) branco
B) azul
D) azul
27. No preto, o cinza parece mais claro, e no branco, mais escuro. Este fenômeno é denominado:
A) contraste de luz
B) cor
B) contraste de cores
28. A pintura de uma forma plástica complexa – a cabeça do modelo – deve basear-se no conhecimento:
A) estrutura anatômica do crânio
B) história da arte
B) perspectiva linear
29. O reflexo em relação à parte iluminada da cabeça do assistente é sempre:
Um isqueiro
B) mais escuro
B) exatamente igual
30. Método de pintura, em que a cor de cada detalhe da produção é tirada de imediato força total, em uma camada, é chamado:
A) esmalte
B) cru
B) "alaprima"
31. Escolha a sequência correta:
A) generalização, arranjo, moldagem, construção
B) layout, moldagem, construção, generalização
C) construção, layout, moldagem, generalização
D) layout, construção, moldagem, generalização.
RESPOSTAS AOS TESTES DE PINTURA
G
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Arquivos anexados
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Regra de transferência de movimento. Um objeto em uma pintura parecerá estar se movendo nas seguintes condições:
* se a cardine utiliza uma ou mais linhas diagonais, direções de movimento; *se você deixar espaço livre na frente de um objeto em movimento;
*se você escolher um determinado momento de movimento, que reflete mais claramente seu caráter, é o seu ponto culminante.
Além disso, a imagem parecerá estar em movimento se recriar não apenas um momento de movimento, mas suas fases sucessivas. Por exemplo, no antigo relevo egípcio. Cada uma das figuras está congelada em uma determinada posição, mas ao olhar a composição em círculo, é possível ver a sequência em movimento.
O movimento só é compreensível quando se considera a obra como um todo, e não momentos individuais de movimento. O espaço livre diante de um objeto em movimento permite continuar mentalmente o movimento, como se nos convidasse a acompanhá-lo.
Em outro caso, quando o objeto é representado muito próximo da borda da folha, parece que o movimento não pode continuar.
Você pode enfatizar o movimento usando a direção das linhas do desenho. Por exemplo, se todas as linhas estiverem direcionadas profundamente na folha. A expressividade do movimento é alcançada retratando o herói no momento de maior tensão de suas forças. Um fundo desfocado também dá uma sensação de movimento. contornos confusos e confusos de objetos. Um grande número de verticais ou linhas horizontais fundo pode retardar o movimento.
Mudar a direção do movimento às vezes acelera ou retarda. A peculiaridade da nossa visão é essa. que lemos o texto da esquerda para a direita, e o movimento da esquerda para a direita é mais fácil de perceber, parece mais rápido.
Regra de transferência estática. A composição é considerada estática nas seguintes condições;
*se não houver direções diagonais na imagem;
se os objetos são representados em sax calmo (estático), não há clímax de ação;
se a composição for simétrica, equilibrada ou construída a partir de padrões geométricos simples (triângulo, círculo, oval, quadrado, retângulo).
Uma sensação de paz pode surgir numa obra de arte sob outras condições.
Por exemplo, na pintura “No Inverno” de K. Korovin, apesar da presença de direções diagonais, o cavalo com o trenó permanece calmo, não há sensação de movimento pelos seguintes motivos: os centros geométricos e composicionais da imagem coincidem, o a composição é equilibrada e o espaço livre à frente do cavalo é bloqueado por uma árvore.
Identificação da trama e centro composicional: Ao criar uma composição, é necessário determinar o que será o principal da imagem, e cuidar de como destacar esse principal, ou seja, o centro composicional do enredo, que muitas vezes é chamado de “centro semântico” ou “centro visual” da imagem.
É claro que nem tudo em uma trama é igualmente importante, e as partes menores estão subordinadas à principal. O centro da composição inclui o enredo, a ação principal e o principal personagens.
O centro composicional deve antes de tudo atrair a atenção. O centro é destacado por iluminação, cor, ampliação de imagem, contrastes e outros meios.
Não só em obras de pintura, mas também em grafismo, escultura, Artes decorativas, a arquitetura recebe um centro composicional. Por exemplo, os mestres da Renascença preferiam que o centro composicional coincidisse com o centro da tela.
Ao posicionar os personagens principais dessa forma, os artistas queriam enfatizar seu importante papel e significado para a trama.
Os artistas criaram muitas opções para construir uma pintura ao colocar o centro da composição em qualquer lugar da tela. Essa técnica foi usada com sucesso para transmitir o movimento, a dinâmica dos eventos e o rápido desenvolvimento do enredo na pintura “Boyaryna Morozova”, de V. Surikov.
Pintura "Retorno" de Rembrandt filho prodígio“é um exemplo clássico de composição onde o principal é fortemente deslocado do centro para revelar com mais precisão a ideia principal da obra.
O enredo desta imagem é inspirado em uma parábola do evangelho. Na porta de casa, pai e filho se conheceram, retornando depois de vagar pelo mundo. Pintando os trapos de um andarilho. Rembrandt parece estar contando uma história sobre o difícil caminho percorrido por seu filho.
Você pode olhar para isso por muito tempo, simpatizando com o sofrimento dos perdidos. A profundidade do espaço surge devido ao enfraquecimento consistente da luz e sombra e dos contrastes de cores, a partir do primeiro plano. Na verdade, é construído pelas figuras de testemunhas do sienna da petição, dissolvendo-se gradualmente no crepúsculo.
O pai cego colocou as mãos nos ombros do filho em sinal de perdão. Este gesto contém sabedoria, dor e melancolia, acumuladas ao longo de anos vividos na ansiedade e no perdão. Rembrandt destaca o principal da imagem com luz, concentrando nossa atenção nele.
O centro composicional está localizado quase na borda da imagem. O artista equilibra a composição com a figura do filho mais velho em pé à direita. A colocação do centro semântico principal a um terço da distância em altura corresponde à lei da proporção áurea.
Desde a antiguidade, é utilizado por artistas para alcançar a maior expressividade de suas criações.
A regra da proporção áurea na composição(um terço). Para identificar o centro composicional, o elemento mais importante da imagem é colocado de acordo com a proporção da proporção áurea, ou seja, aproximadamente distante do todo.As proporções proporcionais dos objetos retratados e da própria tela devem ser construído com base na proporção áurea para alcançar a harmonia.
Pinturas com dois ou grande quantia os centros composicionais permitem mostrar vários eventos ocorrendo simultaneamente e de igual importância.
Vejamos a pintura "Las Meninas" de Velázquez e seu diagrama. Um centro composicional da imagem é a jovem infanta. As damas de companhia, as meninas, inclinaram-se para ela de ambos os lados. No centro geométrico da tela existem dois pontos contrastantes do mesmo formato e do mesmo tamanho. Eles são opostos, como dia e noite, um é branco, o outro é preto - essas são duas saídas mundo externo- outro centro composicional da imagem.
Uma saída é uma porta iluminada pelo sol. O outro é um espelho no qual o casal real se reflete. A segunda saída pode ser entendida como uma saída para sociedade secular. O contraste entre os princípios claro e escuro na pintura pode ser entendido como uma disputa entre o artista e o governante.
Os personagens retratados pelo artista são numerosos o suficiente para que um espectador imaginativo crie retratos que se relacionam por semelhança ou contraste entre si (o artista e o rei, os cortesãos e a elite, a beleza e a feiúra, a criança e os pais, as pessoas e os animais ).
Em uma imagem você pode usar vários métodos ao mesmo tempo para destacar o principal.
Por exemplo, pode-se utilizar a técnica de “isolamento” (imagem do principal isolado de outros objetos), destacando o principal em tamanho e cor.
É importante utilizar as técnicas de destaque do centro composicional do enredo não formalmente, mas de forma informal. para a melhor maneira revelar a intenção e o conteúdo do trabalho.
Transferindo simetria e assimetria em uma composição. Artistas épocas diferentes usou uma construção simétrica da imagem. Muitos mosaicos antigos eram simétricos. Os pintores renascentistas muitas vezes construíam suas composições de acordo com as leis da simetria. Esta construção permite alcançar a impressão de paz, majestade, especial solenidade e significado dos acontecimentos. Em uma composição simétrica, pessoas ou objetos estão localizados quase como uma imagem espelhada em relação ao eixo central da imagem.
A simetria na arte é baseada na realidade, que está repleta de formas simétricas.
Por exemplo, uma figura humana, uma borboleta, um floco de neve, etc. estão dispostos simetricamente. As composições simétricas são estáticas (estáveis), as metades esquerda e direita são equilibradas.
Numa composição assimétrica, a disposição dos objetos pode ser muito diversa dependendo do enredo e da intenção da obra, as metades esquerda e direita não estão equilibradas.
Transferindo saldo na composição. Numa composição simétrica, todas as partes estão equilibradas; uma composição assimétrica pode ser equilibrada ou desequilibrada. Um grande ponto claro é equilibrado por um pequeno ponto escuro.
Muitos pequenos pontos podem ser equilibrados por um grande. As opções são muitas: as peças são balanceadas por peso, raça e cor. O equilíbrio diz respeito tanto às próprias figuras como aos espaços entre elas.
Exercícios especiais desenvolvem um senso de equilíbrio na composição. É preciso aprender a equilibrar grandes e pequenas quantidades, claro e escuro, silhuetas diversas e manchas coloridas. Aqui será útil relembrar sua experiência de encontrar equilíbrio em um balanço.
Todos podem facilmente descobrir que um adolescente pode ser equilibrado colocando duas crianças na outra extremidade do balanço. E o bebê pode balançar mesmo com um adulto que não está sentado na beira do balanço, mas mais perto do centro.
O mesmo experimento pode ser feito com escalas. Tais comparações ajudam a equilibrar as diferentes partes da imagem em tamanho, tom e cor para alcançar a harmonia, ou seja, encontrar o equilíbrio na composição.
Em uma composição assimétrica, o equilíbrio às vezes está completamente ausente se o centro semântico estiver mais próximo da borda da imagem. A impressão da pintura muda se você olhar sua imagem espelhada. Esta propriedade da nossa visão também deve ser levada em consideração no processo de busca do equilíbrio na composição.
As regras, técnicas e meios composicionais baseiam-se na rica experiência criativa de artistas de muitas gerações, mas a técnica de composição não pára, está em constante evolução, enriquecida pela prática criativa de novos mestres. Algumas técnicas composicionais tornam-se clássicas, mas novas surgem à medida que a vida impõe outras tarefas à arte.
3 . Guache como um dos materiais e técnicas de pintura
3.1 Materiais de arte de pintura e técnicas de trabalho
Os pintores transmitem a beleza do mundo ao seu redor com a ajuda de tintas: guaches, aquarelas, têmpera, óleos, etc. Você pode escolher qualquer base: tela, papel, papelão, cartão, parede, etc. . As tintas são aplicadas na base com pincéis redondos e planos de diferentes espessuras. Às vezes, uma espátula é usada para isso. faca. um pano, até mesmo um dedo, mas ainda é melhor usar ferramentas especiais do que meios improvisados.
As tintas são colocadas em uma paleta e misturadas até obter a tonalidade desejada. Uma paleta é uma pequena placa fina de formato retangular, oval ou outro. Paleta de óleo pintura feito principalmente de madeira e para trabalho aquarela e guache-- feito de plástico branco, às vezes com reentrâncias para tintas. Às vezes eu uso como paleta! pires branco, azulejo ou folha de papel. A lista de cores que um artista usa também é chamada de paleta. Nesse sentido, o termo “paleta” se aproxima do conceito de “cor”.
A técnica de escrita e suas características dependem em grande parte das propriedades das tintas, solventes e ferramentas. Antes final do XVII -- início do XVIII V. artistas e aprendizes preparavam as tintas por conta própria, geralmente confiadas aos alunos. Eles esmagaram pedras até virar pó e misturaram com cola, óleo ou ovo. A produção industrial de tintas tornou a paleta de cores mais diversificada.
As tintas para pintura têm nomes especiais. Muitas vezes estes nomes estão associados aos elementos químicos ou naturais (minerais, plantas) dos quais são feitos. A base de todas as tintas é o pigmento - são várias substâncias corantes ou corantes. Eles são mineral, químico, orgânico origem (animal ou vegetal). Para preparar tintas, os pigmentos são finamente moídos em pó e misturados com ligantes (óleo, cola, etc.). Os pigmentos orgânicos são inferiores em resistência aos minerais. Hoje em dia são utilizados principalmente pigmentos artificiais, por serem os mais duráveis.
Muitas vezes o nome das tintas vem do aglutinante usado para prepará-las. Por exemplo, a base pinturas à óleo- linhaça ou algum outro óleo. As tintas adesivas são aquarela, guache, têmpera. Deixe-nos falar mais detalhadamente sobre as tintas adesivas, pois são as mais utilizadas na prática do ensino de artes plásticas nas faculdades de formação de professores e nas escolas primárias.
Guache- tinta opaca (corpo, cobertura), que é diluída em água. Uma obra de arte feita com essas tintas também é chamada de “guache”. As tintas guache são feitas de pigmentos e cola com adição de branco. Ao contrário da aquarela, a camada de tinta aplicada ao papel não é transparente, mas fosca, densa, com superfície aveludada, que é conferida por uma mistura de branco. Ao secar, as cores do guache ficam um tanto esbranquiçadas (clareadas), o que o artista deve levar em consideração no processo de desenho. As tintas guache são brilhantes, correções são possíveis durante o trabalho, basta colocar uma cor diferente em cima do local ruim. Cores escuras pode ser coberto com outros leves. O branco é adicionado ao guache para obter um tom mais claro.
3. 2 A sequência de execução de uma pintura
Ao criar uma pintura, você deve seguir uma determinada sequência. Normalmente, o artista começa a trabalhar em uma pintura ou pintura mural com vários pequenos esboços composicionais, nos quais a ideia é especificada. Para o mesmo propósito, ele pode realizar esboços da vida real.
Para criar uma pintura interessante, você precisa aprender a ver a vida ao seu redor. eventos interessantes, personagens, motivos, perspectivas e estados. Fazer constantemente esboços, esboços e esboços da natureza desenvolve não apenas o olho e a mão, mas também o pensamento composicional.
Ver um motivo composicional interessante na vida não é tão fácil. Uma moldura de visor, fácil de fazer você mesmo, pode ajudar nisso. O principal é que seus lados opostos permaneçam móveis, então será possível alterar facilmente o formato, aumentar ou diminuir o círculo de objetos incluídos no campo de visão. Se não houver moldura, você pode simplesmente dobrar as palmas das mãos conforme mostrado na figura.
Escolher o tema mais expressivo para uma composição também não é uma tarefa fácil. Centenas de pessoas percebem e interpretam a mesma história de maneiras diferentes, ou seja, criam sua própria versão. Por enredo devemos entender o que o artista retrata diretamente na tela, mas o conteúdo ou tema pode ser muito mais amplo, ou seja, podem ser criadas obras com enredos diferentes sobre um mesmo tema.
É importante tentar imaginar a imagem futura antes mesmo de começar a imagem. Via de regra, o artista primeiro faz vários pequenos esboços para encontrar a composição mais expressiva. Nesta fase, é determinado o formato da pintura (alongada verticalmente, retangular, quadrada, alongada horizontalmente, etc.) e seu tamanho.
O formato alongado para cima confere à imagem uma sensação de harmonia e sublimidade. O formato de retângulo horizontal é útil para representar ações épicas. Já dissemos que um formato baseado na proporção áurea é adequado para representar um amplo motivo paisagístico. O formato obtido pela ampliação do quadrado em diagonal completa é igualmente conveniente para representar paisagens, naturezas mortas e composições temáticas.
Um aumento excessivo no formato vertical transforma a imagem em um pergaminho, e um aumento excessivo no formato horizontal dita o uso de uma composição panorâmica ou friso. Ao escolher um formato, deve-se levar em consideração a localização dos principais objetos da composição - horizontal ou verticalmente, o desenvolvimento do enredo - da esquerda para a direita, na profundidade da imagem, etc.
O formato quadrado é melhor usado para criar composições estáticas e equilibradas porque estão mentalmente relacionadas a eixos centrais iguais e lados iguais das bordas da imagem.
A composição em forma oval e circular é construída em relação a eixos centrais imaginários mutuamente perpendiculares. A parte superior e inferior da imagem devem ser claramente definidas aqui. O oval é frequentemente usado como formato para retratos, pois esta configuração se correlaciona facilmente com o oval rosto humano ou o contorno da imagem do tórax.
Os artistas também utilizam formatos de configurações complexas, consistindo na combinação de duas formas geométricas, por exemplo, um semicírculo e um retângulo.
O esboço retrata o esquema composicional geral, a localização e a relação dos personagens principais sem desenho detalhado. É possível um esquema de tons e cores do esboço. Em seguida, passam ao desenho da composição e depois à sua concretização pictórica.
Um de fases interessantes obras - recolha de material natural: observações da vida envolvente, esboços e esboços da casa e da rua, dependendo do terreno escolhido. Você pode coletar material natural imediatamente após escolher um tema, ou fazer isso após o primeiro esboço da composição.
Em seguida, o artista desenha a futura pintura usando um lápis, carvão ou tinta finamente diluída e um pincel fino. É possível fazer o chamado papel vegetal ou papelão caso o desenho precise ser transferido para alguma superfície. Se algo não der certo no desenho, você pode voltar aos esboços, trabalhar os detalhes que causaram dificuldades e depois refinar o desenho usando o material natural coletado. Você pode até fazer um novo esboço composicional.", levando em consideração os esboços concluídos e os esboços da vida, esclareça o plano.
Depois disso, passam para a solução pictórica da tela. Primeiro, é realizada uma pintura de base com tintas finamente diluídas, nas quais são determinadas as relações gerais de cor e tom dos objetos e sua cor local. Em seguida, eles iniciam o palco principal - a pintura propriamente dita da tela. O melhor é trabalhar do geral ao específico, aplicando gradativamente a cor principal dos objetos e modelando o volume com precisão. É necessário esclarecer os contrastes e nuances das cores, os reflexos das cores e a coloração geral da imagem. Na última etapa, eles passam novamente para a generalização. Para alcançar a integridade da obra, devem ser removidos elementos desnecessários, os contrastes devem ser enfraquecidos e o principal deve ser destacado.
As etapas listadas para a conclusão de uma pintura são muito importantes, especialmente para fins educacionais. Porém, acontece que os artistas recusam algum palco. Todo mundo trabalha de maneira diferente. Alguns fazem um esboço detalhado, outros escrevem imediatamente, sem desenho prévio a lápis. Alguém busca persistentemente na natureza tudo o que voou para a foto, faz esboços em vários estados da natureza, desenha modelos em trajes e poses apropriados, estuda o material histórico ou histórico da arte necessário. Outro artista confia mais em sua memória visual e imaginação e geralmente se recusa a estudar a natureza.
Um artista pode trabalhar simultaneamente no desenho, na composição, na escultura de uma forma, na transmissão de espaço e cor. Era assim que P. Cézanne adorava trabalhar, principalmente quando pintava suas paisagens ou naturezas mortas da vida. No entanto, esse caminho não está disponível para todos. Você deve ter excelente memória visual, desenho preciso, pensamento composicional e um senso de cor impecável.
A maioria dos artistas prefere realizar todas as etapas necessárias para criar uma pintura. Era assim que L.A. Ivanov adorava trabalhar. Realizou um enorme trabalho preparatório para o quadro “A Aparição de Cristo ao Povo”. Numerosos esboços pictóricos exibidos na Galeria Estatal Tretyakov ajudam a traçar a busca criativa do autor.
Tudo o que foi dito acima sobre o trabalho em uma pintura não deve ser entendido como uma ordem permanente, obrigatória e imutável. Porém, seguir as regras ajuda a alcançar bons resultados e dominar habilidades.
3. 3 Métodos de trabalhar em uma pintura de natureza morta
pintando composição de cores guache
A pintura de naturezas mortas é fundamental no processo educativo. Este é um estágio necessário no desenvolvimento da mão e do olho, no desenvolvimento do senso de cor e na integridade da visão. Através da natureza morta aprende-se mundo real em toda a sua diversidade. Uma natureza morta não é uma coleção aleatória de objetos. Uma atitude ativa em relação à natureza e um senso de beleza devem se manifestar em todas as fases
Sequência de imagens de uma natureza morta de utensílios domésticos: Primeira etapa. Realização de desenho detalhado de uma natureza morta com linhas finas, identificando as relações proporcionais básicas e desenho dos objetos.
Segunda fase. Execução de pintura de base. A primeira colocação de cores locais de objetos e cortinas. A cor dos objetos é compilada em uma paleta em branco.
Terceira etapa. Identificação de relações de cor e tom. Elaboração e clarificação de detalhes do claro ao escuro e do escuro ao claro. Guache permite fazer alterações no trabalho; se algo não der certo, cubra uma cor com outra. Resumo e conclusão do trabalho.
Sequência da imagem da paisagem Guache: Primeira etapa. Desenhando uma composição de paisagem. A pintura com pincel é leve e livre, utilizando tinta quente ou fria dependendo da cor da pintura.
Segunda fase. Colocando a cor principal do céu, copas das árvores, água. Transferência de relações corretas de tons e cores.
Terceira etapa. Desenhando detalhes, resumindo e completando o trabalho. Alcançar a unidade colorística da paisagem.
3. 4 Métodos para trabalhar em uma imagem pictórica de uma cabeça humana
Pintar a cabeça humana é baseado em princípios gerais criando imagens pictóricas. Vamos parar em alguns características metodológicas realizando estudos de cabeça. As tarefas de representar a cabeça se resumem em transmitir sua estrutura, esculpir a forma com cores e identificar as qualidades individuais da natureza. É necessário transmitir a riqueza de cores do vivo corpo humano, a conexão da cabeça humana com o meio ambiente.
Um desenho para pintura pode ser feito com lápis, carvão ou você pode desenhar diretamente com pincel. É necessário usar linhas finas para transmitir a estrutura estrutural da cabeça, sua posição no espaço e delinear os limites de luz e sombra.
O trabalho, como sempre, é realizado do geral ao específico: primeiro, as relações tonais e coloridas gerais dos grandes planos são determinadas na pintura de base, depois a forma é esculpida com pequenos traços, os detalhes são desenhados e no última etapa tudo é generalizado para alcançar a integridade.
É melhor começar a trabalhar no lugar mais escuro da natureza. As sombras no rosto são muito transparentes. quase não escondem a tez vibrante. Ao comparar as partes iluminadas do alto-falante com elas, será mais fácil encontrar os meios-tons. cor branca o papel substitui temporariamente as superfícies iluminadas. Não se apresse em escrever cada cílio se outras partes do rosto ainda não tiverem sido decididas, pelo menos em geral. Trabalhe através de todas as partes da natureza ao mesmo tempo, trabalhe usando o método dos relacionamentos. No processo de transferência do volume da cabeça, tome cuidado. para que os traços se ajustem à forma. A sutil variedade de cores depende de muitos reflexos. A cor do rosto e das roupas sempre assume um tom complementar à cor de fundo.
Na última etapa do trabalho, preste muita atenção à expressividade da silhueta da cabeça, ao seu contato com ([jovem. Em alguns locais é necessário dissolver as linhas de contorno, e em outros locais, pelo contrário, para torná-los mais claros.Se o pintor tiver uma visão holística da natureza, completará a obra corretamente.
A sequência de realização de um estudo pictórico da cabeça de um modelo vivo: Primeira etapa. Desenhar com pincel. Descreva o formato geral da cabeça e sua posição no espaço. Desenhe as partes do lábio, o formato do penteado sem detalhes desnecessários.
Segunda fase. Dispor a cor básica do rosto, cabelo, fundo, mantendo as corretas relações tonais e de cores.
Terceira etapa. Prescrever detalhes, resumir e completar o trabalho, conseguindo a semelhança do retrato, transmitindo o caráter e a imagem do modelo.
3. 5 Métodos para trabalhar em uma imagem pictórica de uma figura humana
Para fins educativos, a figura humana é representada da cintura para cima e em altura total. Pintar uma figura requer conhecimento de anatomia plástica, perspectiva e das leis da ciência das cores. É útil, antes de trabalhar na representação pictórica de uma figura humana, realizar vários estudos deste objeto com uma tinta (grisaille).
Logo no início do trabalho é importante não apenas plantar ou colocar a natureza em uma determinada pose, mas estudá-la características e movimentos, considere a escolha do traje. Portanto, é recomendável fazer esboços pictóricos da natureza. No processo de busca da solução composicional de maior sucesso nos esboços, deve-se determinar o posicionamento plástico da figura no formato escolhido e a cor geral. O caráter do modelo decide toda a composição.
Na pintura de base, são determinados os fundamentos do esquema de tons e cores. Além disso, transmitindo as qualidades volumétricas, materiais e espaciais do modelo, é necessário esculpir a forma com traços e trabalhar com relações.
Ao representar uma figura humana, é imperativo encontrar relações de cores em relação aos objetos circundantes e ao fundo. A mesma cortina próxima à parte iluminada da natureza parecerá um pouco mais escura, e nas proximidades de seus locais escuros - um pouco mais clara.
Na última etapa, você deve prestar atenção às características do material e da textura do rosto, cabelo e roupas. O rosto e as mãos são sempre trabalhados com mais cuidado do que os acessórios e o fundo. É importante concluir a obra no prazo, para evitar fragmentação, elaboração excessiva de detalhes e esboços incompletos. São possíveis várias abordagens criativas para representar a figura humana.
A sequência de realização de um esboço pictórico de uma figura humana: Primeira etapa. Desenhar com pincel. Descreva o movimento geral da figura, suas proporções e posição no espaço. Desenhe a cabeça e o pescoço. rasgou, braços, pernas sem detalhes desnecessários.
Segunda fase. Dispor a cor básica do corpo, cabelo, roupas, fundo, transmitindo as corretas relações tonais e de cores.
Terceira etapa. Desenhando detalhes, resumindo e completando o trabalho, transmitindo o caráter e a imagem do modelo.
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| 1. O conceito de “Pintura”. Tarefas de pintura realista. | 4 | ||
| 2.A cor é a qualidade mais importante da pintura. Espectro de cores. | 2 | ||
| 3. Cores acromáticas e cromáticas. Cores primárias e adicionais. | 2 | ||
| 4. O conceito de pintura a guache e sua diferença em relação à aquarela | 2 | ||
| 5. Técnica, materiais e características da pintura a óleo | 2 | ||
| 6. Nude e suas nuances | 4 | ||
| 7. Formas básicas de dobras, suas características de cor e propriedades de imagem | 4 | ||
| 8. Interior na história da pintura | 4 | ||
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| TEMA dos seminários | NÚMERO DE HORAS | VISITA | RESPOSTAS ÀS PERGUNTAS | TITING | ||
| TRABALHO INDEPENDENTE Preparação resumos sobre tópicos do curso | FALANDO UM RELATÓRIO |
||
| FUNCIONA | FONTES | ||
Informações/relatório adicionais. Prepara com antecedência. A norma é 1 apresentação por semestre - de 3 a 5 valores.
4.| TRABALHOS FINAIS ESCRITOS | TOTAL DE PONTOS | |
| Teste (pontos) | Teste (pontos) | |
MATERIAIS
3.2.1. Controle atual
Formas de controle atual: avaliação de classificação, implementação de aulas práticas e tarefas independentes. Conteúdo das atividades de controle atuais: uma lista aproximada de aulas práticas e tarefas independentes. Para aulas práticas apresentado em recomendações metodológicas para estudantes.OPD.F.04 Pintura Acadêmica
O conceito de "F" e pintura» (unidade didática).
1.Qual destas cores não é “quente”:
A) amarelo;
B) vermelho;
B) Laranja;
2. Qual definição corresponde melhor ao conceito de “perspectiva aérea”:
A) a arte de representar o espaço tridimensional em um plano;
B) mudança no tamanho dos objetos em função da distância do ponto de observação;
C) mudança na cor de um objeto dependendo de sua distância do ponto de observação;
D) mudança proporcional nos objetos.
3. As cores primárias são...
A) vermelho, roxo, verde;
B) vermelho, azul, amarelo;
B) amarelo, azul, verde;
D) amarelo, azul, laranja.
4. Uma combinação harmoniosa, inter-relação, combinação tonal de cores diferentes em uma imagem é chamada:
A) cor local
B) cor
B) contraste
5. Ao realizar uma pintura, deve-se seguir a seguinte sequência:
A) do geral para o específico;
B) de frio para quente;
B) do claro ao escuro.
6. Que tipo de iluminação não revela a forma, volume e textura dos objetos retratados.
A) retroiluminado
B) frontal
B) laterais
7. Que forma de pintura consegue transmitir o volume dos objetos no espaço, sua relação com o meio ambiente.
A) abstrato
B) decorativo
B) realista
8. Qual etapa pode ser negligenciada ao escrever um esboço de curto prazo de uma cabeça.
A) moldagem
B) relações cor-tom
B) elaboração de detalhes
9. O tipo de pintura é baseado no princípio da estilização:
A) realista
B) decorativo
B) abstrato
10. Tipo de pintura baseada numa composição de cores não figurativa.
A) decorativo
B) abstrato
B) realista
11. Escreva a vida, escreva vividamente, ou seja, transmitir a realidade de forma completa e convincente é:
Uma pintura
B) desenho
12. O trabalho realizado na vida é:
13. Ao realizar um esboço da cabeça, qual ângulo é mais vantajoso para transmitir volume:
B) perfil
B) três quartos
14. Certos sistemas estabelecidos de métodos de trabalho que foram desenvolvidos por várias escolas nacionais.
A) técnica de pintura
B) materiais de pintura em guache
15. O desenho para pintura em guache geralmente é feito6
B) caneta hidrográfica
B) lápis
16. Ao trabalhar em uma paisagem natural, quanto tempo leva para o estado de natureza mudar completamente:
A) duas horas
B) quatro horas
B) trinta minutos
17. Estados harmoniosos, interconexão, combinação tonal de diferentes cores em uma imagem são:
Uma cor
B) leveza
B) monocromático
18. A cor principal de um objeto sem levar em conta as influências externas é:
A) reflexo
B) cor local
B) semitom
19. As principais tarefas da pintura realista:
A) escrever de forma vívida e cativante
B) escrever em relacionamentos
B) use mais cores
20. Qual dos seguintes diluentes é usado na pintura a guache:
B) terebintina
B) acetona
21. Qual é a etapa mais importante ao escrever um estudo sobre um estado:
A) elaborando detalhes
B) relações de cores
B) moldagem
22. Como começa o trabalho em um esboço pictórico:
A) elaborando detalhes
B) layout em formato
B) construção
D) expor as relações básicas de cores e tons
23. Qual destas cores não pertence ao grupo acromático:
B) roxo
D) preto
24. Se o artista retrata apenas paisagens marítimas, elas são chamadas:
A) "Marinami"
B) "Svetlana"
B) "Elena"
25. A sobreposição de uma camada de tinta sobre outra é chamada:
A) esmalte
B) alla prima
B) cru
26.Qual cor não é cromática:
A) vermelho
D) azul
27. No preto, o cinza parece mais claro, e no branco, mais escuro. Este fenômeno é denominado:
A) contraste de luz
B) cor
B) contraste de cores
28. A pintura de uma forma plástica complexa – a cabeça do modelo – deve basear-se no conhecimento:
A) estrutura anatômica do crânio
B) história da arte
B) perspectiva linear
29. O reflexo em relação à parte iluminada da cabeça do assistente é sempre:
Um isqueiro
B) mais escuro
B) exatamente igual
30. O método de pintura, em que a cor de cada detalhe da produção é tomada imediatamente com força total, em uma camada, é denominado:
A) esmalte
B) cru
B) "alaprima"
31. Escolha a sequência correta:
A) generalização, arranjo, moldagem, construção
B) layout, moldagem, construção, generalização
C) construção, layout, moldagem, generalização
D) layout, construção, moldagem, generalização.
RESPOSTAS AOS TESTES DE PINTURA
3.2.2. Controle final
Formas de controle final: visualização acadêmicaPERGUNTAS PARA O EXAME
7º semestre
Que tipos de pintura existem?
Qual o papel da cor como meio de expressão no design de objetos de arte aplicada e decorativa?
Qual é o papel do desenho na pintura.
Qual é a diferença entre cores acromáticas e cromáticas? Quais cores são chamadas de primárias?
Como os contrastes se manifestam: tonal, colorido.
Qual é a diferença entre mistura óptica de cores e mistura de tintas?
Que pares de cores complementares e contrastantes você conhece?
Quais são os requisitos para um esboço preliminar em cores?
Com a ajuda de quais gradações de luz e sombra e cores podem-se expressar o volume, a materialidade das formas, a textura dos objetos.
Qual o papel da luz em um esboço de pintura?
Como o ambiente de cores afeta a cor da superfície de um objeto?
A forma como a natureza do brilho e dos reflexos depende da textura superficial das formas na natureza.
Em que parte do formulário a cor local (assunto) é mais claramente legível?
Quais são as características de representar uma natureza morta usando a técnica grisaille?
Como determinar cores quentes e frias na superfície de um objeto em relação à direção dos raios de luz.
Por onde você deve começar a registrar a cor dos objetos de natureza morta - a partir das áreas iluminadas ou sombreadas da forma (aquarela).
Como conseguir a unidade de cores e tons de um esboço.
Como as leis e regras da perspectiva aérea são aplicadas na resolução de problemas de pintura durante o trabalho em um esboço.
Como você entende a expressão profissional “tirar relacionamentos”, “escrever relacionamentos”.
Como o volume e a posição espacial dos objetos são transmitidos no plano pictórico e qual o papel que suas próprias sombras e as sombras caindo desempenham na revelação da iluminação de uma natureza morta.
O que é cor?
8º semestre
1. Pintura tonal, sua aplicação na obra.Forma como natureza do tema, sua transmissão por métodos pictóricos.
