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Reflexo da virada da era de Pedro o Grande nas artes decorativas e aplicadas. Influências artísticas da Europa Ocidental (Holanda, Inglaterra, França, Itália). Os processos de formação do sistema de classes e de fortalecimento da cultura secular e sua influência no desenvolvimento das artes decorativas e aplicadas. A natureza multifacetada das artes decorativas e aplicadas, o desenvolvimento desigual de suas esferas individuais. Preservação e desenvolvimento de tendências tradicionais (cultura provincial e popular, arte sacra).

Melhorar a tecnologia de produção artesanal e manufatureira. O surgimento da indústria artística (produção de tapeçarias, vidro artístico, faiança, lapidação de pedra, produção de seda e tecidos). Fabricação de artigos de moda e artigos de luxo. Descoberta e desenvolvimento de jazidas de cobre, estanho, prata, pedras coloridas, argilas de alta qualidade.

O papel da Academia de Ciências na “prosperidade das artes e manufaturas livres”, um reflexo das novas ciências naturais e dos interesses técnicos nas artes decorativas e aplicadas. Novas formas de educação e formação de artesãos em fábricas de arte. Encerramento das oficinas da Câmara de Arsenal. Os reformados e o seu papel no desenvolvimento de determinados tipos de artes decorativas e aplicadas. O surgimento de organizações de guildas de artesãos na Rússia. Obras de mestres estrangeiros em diversas áreas das artes decorativas e aplicadas.

Estilo artístico nas artes decorativas e aplicadas. Moda, seu impacto na mudança de gostos, na mudança do ambiente sujeito. O surgimento de novos tipos de objetos, a renovação das ideias estéticas nas artes decorativas e aplicadas. Tendências na síntese das artes. O papel da arquitetura, da arte monumental, das publicações gráficas e ilustradas no desenvolvimento das artes decorativas e aplicadas. Tendências decorativas da cultura barroca na concepção de festivais, complexos de portões triunfais e arte paisagística.

A arte do design de interiores como um tipo especial atividade artística nas obras de arquitetos do primeiro quartel do século XVIII. As primeiras obras de interiores e as principais tendências estilísticas (Barroco, Rococó, Classicismo). Novos tipos de instalações (escritórios, quartos de aparato, salas de estar, “salas de viragem”, “salas de pintura”) e seu conteúdo temático (Palácio de Verão, Palácio A.D. Menshikov, Grande Palácio Peterhof, Monplaisir). Obras de mestres franceses. "Chinoiserie" nos interiores da época de Pedro, o Grande.

Solução de conjunto do ambiente em questão. O surgimento de atividades de projeto no campo cultura material e artes decorativas.

Desenvolvimento do negócio moveleiro. Novos tipos e formas de móveis, materiais e métodos de decoração. Influência do mobiliário inglês e holandês. Barroco e Rococó no mobiliário.

Escultura em madeira, o seu papel no interior. Relevos esculpidos. Iconóstase da Catedral de Pedro e Paulo. Escultura de navios e fabricação de carruagens.

Ourivesaria. Preservação das tradições do século XVII. Criação de oficinas para ourives e ourives. Arte em joias. Miniatura de retrato em esmalte. Solicite crachás e pessoas “concedidas”. Os primeiros mestres da pintura em miniatura foram Grigory Musikiysky e Andrey Ovsov.

Cerâmica e faiança da época de Pedro, o Grande. Azulejos holandeses no interior. Expandir a importação de faiança da Inglaterra e Holanda. A primeira fábrica privada de A. Grebenshchikov em Moscou, o surgimento da faiança fina doméstica.

Aumentar o consumo de vidro, estabelecendo fábricas de vidro em Yamburg e Zhabino, perto de São Petersburgo. Espelhos e luminárias. Formação do estilo dos pratos cerimoniais do palácio com gravura fosca. A primeira fábrica privada de vidro e cristal de Maltsov no distrito de Mozhaisk.

Escultura em pedra e lapidação de gemas. Fundação das primeiras fábricas de corte em Peterhof e Yekaterinburg. Escultura óssea. Técnicas básicas de escultura, dispositivos estilísticos. Tradições de Kholmogory. O aparecimento de tornos, mudanças nas formas dos produtos. Petrovskaya Turning e A. Nartov. A influência da gravura e dos livros ilustrados na escultura em osso. Fundação da Fábrica de Armas de Tula, desenvolvimento da arte do processamento artístico do aço em produtos decorativos.

Tipologia de traje. Trocar um vestido medieval por um terno de estilo europeu. O estabelecimento de regras de uso e tipos de vestimentas nobres por Pedro. Introdução de roupas e uniformes obrigatórios para o exército e a marinha, para oficiais. O surgimento de novas fábricas em conexão com mudanças de trajes. Substituição de tecidos orientais por tecidos da Europa Ocidental. Amostras de ternos masculinos do guarda-roupa de Pedro I.

Fundação da Fábrica de Treliças de São Petersburgo. Formação de mestres russos.

Decorativo artes aplicadas era de Anna Ioannovna. Prata artística. Fundação de uma fábrica estatal de vidro em Fontanka, em São Petersburgo. Atividades da fábrica de treliças. Estilo de treliças e utilização no interior. L. Caravaque e os seus projectos no domínio das artes decorativas.

Reavivamento em cultura artística durante o reinado de Elizabeth Petrovna. Predomínio Influências francesas. Barroco e Rococó na arte russa. Rococó em design de interiores, fantasias, joias, arte paisagística. Síntese da arquitetura e das artes decorativas em interiores barrocos e rococós. Obras de V.V. Rastrelli e A. Rinaldi na área de design de interiores. Materiais decorativos e técnicas de acabamento de interiores. Tipos de mobiliário barroco e rococó. Tecidos no interior. Dispositivos de iluminação. Ensemble em vários tipos de artes decorativas e aplicadas de meados e segunda metade do séc.

Ourivesaria. Aprovação do estilo barroco. Obras monumentais e decorativas. Grandes serviços cerimoniais. Mudando as formas dos objetos, novos tipos de pratos para novos produtos. Arte em joias. Atividades dos artesãos da corte. Estilo rococó em joias. Tipos de joias femininas. Pedra colorida em joias.

O traje, sua imagem, tipo de corte, materiais, acessórios, caráter da decoração. Influência da moda francesa. Barroco e Rococó em trajes femininos e masculinos.

Invenção da porcelana doméstica. Fundação de uma fábrica de porcelana em São Petersburgo. As atividades de D.I. Vinogradov e o período “Vinogradov” de desenvolvimento da porcelana russa. Os primeiros serviços palacianos, vasos, pequenos artigos de plástico. Criação de uma fábrica estatal de faiança em São Petersburgo.

Vidro elisabetano gravado. Atividades da Fábrica de Vidro do Estado de São Petersburgo e da fábrica no rio. Nazista. Barroco e Rococó em vidro artístico. Vidro na decoração de interiores de palácios de V.V. Fábricas privadas dos Nemchinovs e Maltsovs. Experimentos de M.V. Lomonosov na área de vidro colorido, início de sua produção na fábrica de Ust-Ruditsk.

Escultura óssea. Estilo rococó, obra do entalhador Osip Dudin.

Arte decorativa e aplicada da segunda metade do século XVIII.

Classicismo nas artes decorativas e aplicadas 1760-1790. Uma combinação de estilo rococó com motivos antigos. O papel dos arquitectos nas artes decorativas e aplicadas da época do classicismo. Formação de mestres de artes decorativas e aplicadas na Academia de Artes.

Interior do classicismo inicial. Materiais e formas, cor, decoração escultórica, redução no custo de acabamentos decorativos. Obras interiores de Charles Cameron. Uma gama de técnicas decorativas, novos materiais, imagem de instalações e conjunto. Interiores por V. Brenna.

Móveis, caráter, formas, influências do classicismo. Protótipos antigos. Novos tipos de móveis. Participação de arquitetos no desenvolvimento da arte moveleira na Rússia (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). Móveis de D. Roentgen na Rússia. Oficina de G. Gambs e I. Ott. Estilo Jacob em móveis russos. Mudança de materiais na arte do mobiliário (mogno, madeira dourada, choupo, bétula da Carélia). Tecidos e bordados em móveis.

Oficina de Spol em Moscou. Decoração esculpida nos interiores de M. Kazakov. Móveis esculpidos do Palácio Ostankino. O florescimento das técnicas de composição tipográfica no mobiliário russo da segunda metade do século, métodos de execução e materiais. Produção de móveis na Okhta em São Petersburgo. O papel machê como material para móveis e artes decorativas.

Bronze artístico russo e francês. Principais tipos de produtos e técnicas decorativas. Bronze e vidro em luminárias. Bronze em pedra de acabamento e vasos de porcelana e móveis. Atividades da Casa de Fundição. Bronzeiros estrangeiros em São Petersburgo (P. Azhi, I. Tsekh, etc.).

Fantasia. Mudanças nos tipos e silhuetas das roupas nas décadas de 1770-1780. Introdução do traje nobre uniforme. Traje cerimonial da corte, o uso de estilizados formulários nacionais. "Estilo grego" da década de 1790 em trajes e penteados. Uma mudança radical no design do traje. Moda para xales, lenços, capas, mantilhas, xales.

Arte em joias. Atividades de I. Pozier, Dubulon, J. Adora, I.G. Sharf, I.V. Bukh, irmãos Duval. Grande coroa imperial. Oficina de diamantes da corte. Prata artística. Influência da prata francesa estilo Luís XVI. A arte do niello na prata. O papel crescente dos centros joalheiros do norte - Vologda, Veliky Ustyug. Fábrica de produtos pretos e esmaltados dos irmãos Popov em Veliky Ustyug. Esmalte com sobreposições prateadas.

Técnicas de porcelana, fabricação e decoração. Fábrica de Porcelana Imperial. Classicismo inicial nas formas e decoração dos produtos. Influência da porcelana e da faiança europeias. Atividades de J.-D. Rashetta. Contactos do IPE com a Academia das Artes. Vasos decorativos e serviços palacianos no interior da época clássica. Grandes serviços cerimoniais, sua composição, a natureza de seu desenho. Procure formas adequadas de objetos e métodos de decoração de produtos. Escultura em porcelana (série de figuras “Povos da Rússia”, “Comerciantes e mascates”). Desenho e gravura de gênero em escultura em porcelana e pintura em porcelana. Produtos de biscoito. Porcelana "Pavlovsk" do final da década de 1790.

Fábrica de F. Gardner em Verbilki. Solicite serviços.

Arte em vidro. Fábrica de G. Potemkin em Ozerki. Vidro colorido e cristal. Vidro nos interiores de Charles Cameron. A Fábrica Imperial de Vidro na década de 1790. Ligação entre os produtos das fábricas imperiais de porcelana e vidro. Fábrica Bakhmetev na província de Penza. O apogeu da pintura em vidro nas décadas de 1780-90. Motivos góticos em vidro artístico.

Atividades da fábrica de treliças. A conexão entre as tapeçarias e a direção geral da pintura russa ( tema histórico, alegoria, retrato em tapeçaria). A transição do Rococó para o Classicismo. Treliça em design de interiores.

Escultura em pedra. O papel de Charles Cameron no desenvolvimento da cultura da pedra colorida e sua utilização no interior. Novas técnicas de utilização da pedra, “mosaico russo”. Atividades da Fábrica de Lapidários Peterhof. Descoberta de novos depósitos de pedras coloridas nos Urais e Altai. Fábrica de Ekaterinburg e fábrica de Kolyvan. Invenção de máquinas para processamento de pedra. Vasos baseados em desenhos de A. Voronikhin e D. Quarenghi.

O apogeu do aço Tula (móveis e artigos de decoração). Fábricas nobres e mercantis. Fábrica miniaturas de laca PI Korobova. O surgimento do artesanato nas manufaturas artísticas. Desenvolvimento do artesanato artístico na segunda metade do século XVIII: pintura Khokhloma, tecelagem de rendas, tecelagem estampada, tecelagem de tapetes, arte metálica etc.

Mudanças na vida cotidiana e seu impacto nas artes e ofícios. Características da ornamentação e decoração dos estilos artísticos Barroco, Rococó e Classicismo.

Fabricação de prata e ouro: escola de São Petersburgo, artesãos e manufaturas de Moscou, prata niello de Veliky Ustyug. Novos tipos de pratos em metais preciosos e não ferrosos: bules, cafeteiras, bouillottes, samovares. Utensílios domésticos e de igreja. Regalias do estado. Encomendas e medalhas. Esmaltes. Artistas de esmalte A.G. Ovsov, G.S. Musikiysky.

O surgimento da porcelana russa. D.I.Vinogradov. Fábricas de porcelana imperiais e privadas. Majólica, faiança. Arte em vidro. Tecidos decorativos e tapeçarias. Novidade em roupas. Armários e móveis tipográficos. Marchetaria. Esculturas em madeira em interiores civis e de igrejas. Tripulações. Pedra decorativa. Camafeus.

Artesanato popular artístico. Fundo esculpido e incrustado de Gorodets. Escultura em osso Kholmogory. Bordado de ouro da província de Tver. Renda de Galich e Vologda. Cerâmica de Gzhel.

Música e teatro no século XVIII

Polifônico canto coral. Bordas. Música instrumental e orquestras. Arte da ópera. Balé. Música na corte, na cidade e na vida camponesa. O surgimento de uma escola nacional de composição. E. I. Fomin. I. E. Khandoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S.Berezovsky. A.O.

Tentativas de criar um teatro público acessível sob Pedro, o Grande. Apresentações amadoras na corte. Teatros escolares em espiritual e secular instituições educacionais. Trupes profissionais de atores estrangeiros.

Dramaturgia do classicismo russo: tragédias e comédias. A influência do sentimentalismo no repertório teatral. O surgimento do drama e ópera cômica no palco russo. A.P. Sumarokov é dramaturgo e figura teatral. Criador do russo teatro profissional, ator e diretor F.G. Seu amigo e seguidor I.A. Apresentações teatrais de massa.

Teatro Fortaleza. Trupe do Conde P.B. P.I. Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova e outros artistas. Teatro do Palácio em Ostankino. Teatro Popular.

ABREVIATURAS DOS NOMES DAS PRINCIPAIS COLEÇÕES DE MUSEUS MENCIONADAS NA LISTA DE MONUMENTOS CULTURAIS

BAN - Biblioteca da Academia Russa de Ciências (São Petersburgo)

VMDPNI- Museu de Toda a Rússia artes e ofícios e arte popular(Moscou)

Museu Histórico do Estado - Museu Histórico do Estado (Moscou)

HMGS - Museu Estadual de Escultura Urbana (São Petersburgo)

GMMK - Museus Estatais do Kremlin de Moscou (Moscou)

GNIMA - Museu Estadual de Arquitetura de Pesquisa Científica (Moscou)

GOP - Câmara de Arsenal do Estado (Moscou)

Museu Estatal Russo - Museu Estatal Russo (São Petersburgo)

Galeria Tretyakov - Estado Galeria Tretyakov(Moscou)

State Hermitage - Museu State Hermitage (São Petersburgo)

ZIKHMZ - antigo Zagorsk (agora Sergiev-Posad) histórico- museu de arte-reserva (Sergiev Posad, região de Moscou)

MIFA - Museu de Tesouros Históricos da Ucrânia (Kiev)

MPIB - Museu de Arte Aplicada e Vida do Século XVII "A Catedral dos Doze Apóstolos e as Câmaras Patriarcais no Kremlin de Moscou" (Moscou)

GPS - Museu-Reserva dos Estados Unidos de Novgorod (Novgorod)

NGP - Câmara Facetada de Novgorod (Novgorod)

SHM - Museu de Arte de Samara (Samara)

MONUMENTOS DA CULTURA RUSSA

SEÇÃO I. HISTÓRIA DA CULTURA RUSSA NA IDADE ANTIGA E MÉDIA

(ATÉ O FINAL DO SÉCULO XVII)

ARQUITETURA FOLK DE MADEIRA

EDIFÍCIOS DE CULTO

1. Igrejas Kletsky: Igreja de Lázaro do Mosteiro de Murom (séculos XIV-XVI) - Reserva Natural Kizhi; Igreja da Deposição do Manto da aldeia de Borodavy (século XV) - Museu-Reserva Kirillo-Belozersky; Igreja da Transfiguração da aldeia de Spas-Vezhi (século XVII) - Museu-Reserva de Kostroma; Igreja de São Nicolau da aldeia de Tukholya (século XVII) - Museu-Reserva de Novgorod "Vitoslavlitsy"; Capela de Miguel Arcanjo da aldeia de Lelikozero (século XVIII) - Museu-Reserva Kizhi; Igreja de São Nicolau da aldeia de Glotova (século XVIII) - Museu-Reserva de Suzdal.

2. Igrejas de tendas: Igreja de São Nicolau na aldeia de Lyavlya (século XVI); Igreja de São Jorge da aldeia de Vershina (século XVII) - Museu-Reserva de Arkhangelsk "Malye Korely"; Igreja da Ressurreição da aldeia de Patakino (século XVIII) - Museu-Reserva de Suzdal; Igreja da Assunção (século XVIII) na cidade de Kondopoga.

Na segunda metade do século XVIII, a arte aplicada russa alcançou um aumento significativo. Isto foi facilitado pelo desenvolvimento da economia, do comércio, da ciência e da tecnologia e, em grande medida, pelos laços estreitos com a arquitectura e artes plásticas. Cresceu o número de grandes e pequenas fábricas, fábricas, oficinas de produção de tecidos, vidros, porcelanas e móveis. Os proprietários de terras montaram em suas propriedades diversas oficinas baseadas no trabalho servil.

As ideias humanísticas do Iluminismo refletiram-se de forma única na arte aplicada do final do século XVIII. Os artesãos desta época distinguiam-se pela atenção aos gostos pessoais e às necessidades humanas, e pela procura da comodidade no ambiente.

Um novo estilo - o classicismo russo - na virada das décadas de 1770-1780 foi estabelecido em todos os tipos de arte aplicada. Os arquitetos M. F. Kazakov, I. E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A. N. Voronikhin criaram interiores no espírito de nobre simplicidade e contenção com uma divisão clara de partes, com um arranjo construtivamente justificado de decoração arquitetônica plástica e pitoresca.

Móveis, candelabros e lustres foram projetados usando os mesmos princípios para as instalações do palácio. Na ornamentação de móveis, louças e tecidos, construídos em ritmo nítido, surgiram motivos antigos - acantos, meandros, iônicos, flores vividamente interpretadas, guirlandas, imagens de cupidos, esfinges. O dourado e as cores tornaram-se mais suaves e contidos do que em meados do século XVIII.

No final do século XVIII, a paixão pela antiguidade obrigou as pessoas a abandonar até mesmo o traje complexo e magnífico. Vestidos leves e soltos com dobras esvoaçantes e cinto alto em estilo antigo entraram na moda (V. L. Borovikovsky. “Retrato de M. I. Lopukhina.” 1797).

A síntese das artes no classicismo russo baseia-se no princípio de uma combinação harmoniosa de todos os tipos de artes.

Mobília. No período do classicismo, suas formas são simples, equilibradas, claramente construídas e os ritmos são calmos. Os contornos ainda mantinham alguma suavidade e redondeza, mas as linhas verticais e horizontais já se destacavam. As decorações (talhas baixas, pinturas, placas de bronze e latão) enfatizavam a expressividade das estruturas. Havia mais preocupação com a conveniência. As suítes foram projetadas para ambientes frontais para diversas finalidades: sala, escritório, quarto frontal, hall. Surgiram novas formas de mobiliário: mesas para jogos de cartas, artesanato, pufes portáteis leves (com tampa em formato de feijão) e vários tipos de cômodas. Os sofás se difundiram e em móveis de escritório, mesas de secretariado, mesas com tampa cilíndrica de enrolar.

Como nos períodos anteriores, o mobiliário russo, em comparação com o mobiliário ocidental, é mais maciço, mais generalizado e mais simples nos detalhes. O material para isso foram espécies de madeira locais - tília, bétula (dourada e pintada em cores claras), nogueira, carvalho, choupo, freixo, pêra, carvalho pantanoso. No final do século XVIII, começaram a ser utilizadas bétulas da Carélia e madeiras coloridas importadas de mogno, amaranto, pau-rosa e outras espécies. Os artesãos souberam mostrar sua beleza, estrutura, cor, brilho, enfatizados com habilidade pelo polimento.

Os mestres russos alcançaram grandes conquistas na técnica da tipografia (marcharia). Sua essência é compor ornamentos e pinturas inteiras (geralmente baseadas em gravuras) a partir de pedaços de madeira colorida na superfície de objetos de madeira. Esse tipo de trabalho é conhecido não apenas pelos fabricantes de móveis judiciais da capital, mas também pelos ex-servos que trabalharam em Moscou e na região de Moscou: Nikifor Vasiliev (il. 78), Matvey Veretennikov e os mestres anônimos de Tver e Arkhangelsk, que introduziram marfim de morsa no conjunto. Amostras arte elevada As esculturas dos móveis do Palácio Ostankino pertencem aos servos Ivan Mochalin, Gavrila Nemkov e outros. Em São Petersburgo, eram famosos os móveis e esculturas dos mestres de Okhta, que foram transferidos para a capital de vários lugares sob Pedro I. A aparência artística dos móveis era completada por estofados com sedas estampadas, veludo, chita estampada, linho. tecidos, que estavam em harmonia com a decoração das paredes.

Tecidos. De todas as indústrias da segunda metade do século XVIII, os têxteis desenvolveram-se com mais sucesso (Moscou, Ivanovo, Yaroslavl, província de Vladimir). A sua ascensão foi determinada não apenas pelas grandes fábricas, mas também pelas pequenas empresas camponesas. Os artesãos alcançaram uma perfeição particular em novos tecidos de linho estampados com tramas complexas, com um jogo de tons naturais de linho branco prateado. As tradições da tecelagem camponesa e uma profunda compreensão do material foram refletidas aqui. Também eram produzidos produtos baratos e produzidos em massa, coloridos e coloridos. As qualidades decorativas dos tecidos coloridos e dos tecidos de lã melhoraram significativamente.

A produção de tecidos de seda para vestidos e tecidos decorativos, lenços e fitas desenvolveu-se rapidamente (il. 80). No final do século XVIII, não eram inferiores em qualidade aos franceses - os melhores da Europa. Os tecelões russos aprenderam a usar uma variedade de fios e padrões de tecelagem complexos que lembram bordados. Técnicas de composição e uma rica paleta de tecidos decorativos foram utilizadas para conseguir a transferência de espaço, a sutileza das transições tonais e a precisão no desenho de flores, pássaros e paisagens. Esses tecidos eram usados ​​para decorar palácios e enviados ao exterior como presentes.

Em tecidos para vestidos, especialmente em tecidos para vestidos de verão, até as décadas de 1780-1790, eram usados ​​​​padrões de guirlandas florais onduladas e complexas, fitas e miçangas. Mas aos poucos as guirlandas foram substituídas por listras, os padrões tornaram-se mais simples, seus ritmos mais suaves, as cores mais claras e suaves.

Nas décadas de 1750-1760 em São Petersburgo e mais tarde em Moscou, na aldeia. Ivanovo (hoje cidade de Ivanovo) desenvolveu a produção de chita (tecido de algodão com estampa estampada com tintas infundidas que não desbotam e posterior polimento). Nos padrões de chita, os artesãos, especialmente os de Ivanovo, processavam com exclusividade os motivos dos tecidos de seda. Com base em material impresso popular, eles combinaram uma rica mancha pictórica e recorte gráfico (contornos do padrão, grades, pontos de fundo). No início, as chitas eram muito caras. No final do século XVIII, começaram a ser produzidas variedades baratas.

Porcelana. No final do século XVIII, a porcelana russa tornou-se uma das melhores da Europa. A Fábrica Estatal de Porcelana em São Petersburgo funcionou com sucesso. Seus produtos se diferenciavam pela brancura levemente quente, esmalte brilhante e alta qualidade técnica. Os formatos dos pratos, vasos e suas pinturas não eram inferiores aos ocidentais.

É criado o mais significativo dos serviços - Arabesco para recepções judiciais (1784, il. 77). A decoração da mesa deste serviço de nove esculturas alegóricas glorifica a anexação da Geórgia e da Crimeia, a “virtude” de Catarina II (escultor Zh. D. Rashet). É dominado por poses calmas características do classicismo do final do século XVIII, douramento claro, proporções estritas das formas de servir os pratos com pinturas em forma de arabescos, baseadas em ornamentos antigos.

Na década de 1780, foi criada uma série de esculturas “Povos da Rússia” (processamento criativo de gravuras) - brilhantemente decorativas, com imagens características - representantes de nacionalidades individuais (Yakut, Samoieda, Tártaro). Foram produzidas figuras escultóricas de vendedores ambulantes e artesãos, retratadas em movimento e em ação. A escultura em porcelana tornou-se uma decoração favorita de interiores nobres durante muitas décadas.

Das fábricas privadas de porcelana, a fábrica de Franz Gardner (1765) (aldeia Verbilki, perto de Moscou) revela-se a mais viável. Já no final do século XVIII, realiza cenários para a casa real com a utilização original de motivos da ordem russa nas pinturas. Gardner's bastante barato China, caracterizado pela simplicidade de forma, exuberante pintura floral, próxima de tradições folclóricas, foi um sucesso tanto na capital como nas províncias (il. 79).

Vidro. O último terço do século XVIII traz verdadeira glória ao vidro russo. vidro colorido. M.V. Lomonosov, com seu trabalho sobre a teoria da cor e a tecnologia do vidro colorido, abriu novos caminhos para a fabricação de vidro russa, enriqueceu a paleta do vidro e reviveu os mosaicos russos. Ele organizou uma fábrica para a produção de smalt, miçangas e vidro na vila de Ust-Ruditsa, província de São Petersburgo. Os mestres da Fábrica Estatal de São Petersburgo, Druzhinin e Kirillov, foram treinados por Lomonosov na fusão de vidro colorido. A fábrica domina a produção de vidros em tons profundos e puros - azul, violeta, vermelho rosa, verde esmeralda. Agora sua produção não é mais dominada pelo cristal gravado, mas sim pelo vidro fino colorido e incolor. Copos, taças e decantadores recebem formas suaves nas quais o corpo faz uma transição suave para a haste, criando contornos suaves e graciosos. As pinturas em ouro e prata de guirlandas, laços, estrelas e monogramas têm ritmo calmo e enfatizam os volumes plásticos dos vasos.

Também são produzidos os chamados vidros branco leitoso (canecas, decantadores, objetos de igreja), que lembram aparência e a natureza das pinturas são porcelanas mais caras.

No final do século XVIII, as fábricas privadas de vidro de Bakhmetyev na província de Penza, dos Maltsev nas províncias de Vladimir e Oryol e de muitas outras estavam a desenvolver-se e a alcançar grande sucesso. Seus vidros e cristais incolores e coloridos são amplamente distribuídos por toda a Rússia.

Processamento artístico de metal. O florescimento da arte joalheira na Rússia começou em meados do século XVIII e continuou ao longo do século. Possui materiais artísticos de extraordinária beleza: diamantes, esmeraldas, safiras e outras pedras preciosas e semipreciosas, esmaltes pintados, metais não ferrosos (ouro, prata, platina, ligas). A arte de lapidar pedras atinge um alto grau de perfeição. Para realçar o jogo da pedra, os joalheiros encontram uma variedade de técnicas artísticas e técnicas para montar e fixar peças de forma móvel. Os joalheiros criam joias multicoloridas e com formatos complexos: brincos, anéis, caixas de rapé, fivelas de sapatos, botões para ternos luxuosos para homens e mulheres.

No último terço do século XVIII, as formas das joias adquiriram equilíbrio, cores pedras preciosas fica mais rigoroso.

Durante este período, os ourives alcançaram grande sucesso. De acordo com os novos gostos, os formatos dos serviços de prata são simples e claros. Eles são decorados com flautas e ornamentos antigos. Em copos de prata e caixas de rapé, os artesãos de Veliky Ustyug reproduzem imagens de cenas antigas e vitórias das tropas russas a partir de gravuras.

Um fenômeno notável em aplicação arte XVII Século I - aço produtos de arte Mestres de Tula: móveis, caixas, castiçais, botões, fivelas, caixinhas de rapé. Eles constroem o efeito decorativo de suas obras na justaposição de aço leve e liso e decorações em forma de peças facetadas que brilham como diamantes. Os artesãos utilizam o blueing (tratamento térmico em forja em diferentes temperaturas) do metal, o que dá vários tons- verde, azul, roxo, de grosso a claro. As tradições da arte popular se refletem no amor pelas cores vivas e em uma profunda compreensão do material.

Pedra colorida. Na segunda metade do século XVIII, foram descobertos depósitos de mármores, orletas rosa-cereja nos Urais, jaspes multicoloridos, brechas variadas, pórfiros de Altai e lápis-lazúli azul do Baikal. Além de Peterhof (1722-1723) e Yekaterinburg (início da década de 1730), a fábrica Loktev começou a operar no coração de Altai em 1787 (desde 1802 foi substituída pela fábrica Kolyvan). As possibilidades de utilização da pedra colorida no acabamento e decoração de obras monumentais e decorativas de interiores palacianos são amplas.

A capacidade de identificar as qualidades estéticas de um material sempre distinguiu os artesãos russos, mas foi especialmente expressa na arte do corte de pedra. Trabalhando de acordo com os projetos dos arquitetos, os lapidadores revelam artisticamente a fabulosa beleza da pedra, seu padrão natural, extraordinários tons de cor, brilho, realçando-os com excelente polimento. Bronze dourado em forma de alças, o pomo apenas complementa e enfatiza a forma. Projetos de esculturas em pedra, obeliscos, vasos, baseados em formas antigas, foram criados por Quarenghi e Voronikhin.

O florescimento da arte aplicada russa do século XVIII foi associado ao trabalho dos arquitetos Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin e vários profissionais treinados. artistas folclóricos. Mas sua verdadeira glória foi criada principalmente por servos artesãos que permaneceram desconhecidos - fabricantes de móveis, escultores, tecelões, lapidários, joalheiros, vidreiros, ceramistas.

Já na arte do século XVII, especialmente na sua segunda metade, observaram-se tendências que prepararam o terreno para o rápido desenvolvimento da arte realista secular do século XVIII. A convenção iconográfica dá lugar à reprodução realista de pessoas, paisagens e eventos históricos. Tradicional, que foi interpretado de forma bastante convencional, é substituído pela reprodução de flores, frutos, folhas, guirlandas e conchas reproduzidos de forma realista. Nas obras de arte aplicada, a pintura sobre temas religiosos assume um caráter quase secular, por vezes enfaticamente decorativo e teatral. As formas dos objetos tornam-se magníficas, solenes, com uma grande variedade de decorações. Muitos tipos antigos de utensílios domésticos estão desaparecendo, como xícaras com prateleiras e alças planas e moedas de prata. As conchas tradicionais antigas estão se transformando em itens de recompensa puramente decorativos que perderam seu significado prático.

Surgiram novos tipos de utensílios: xícaras decoradas com ornamentos barrocos, cenas cotidianas e inscrições seculares, xícaras em forma de águia, xícaras de chifre em suportes e muitos outros. Os utensílios da igreja e utensílios domésticos do clero agora não diferiam em estilo das coisas puramente seculares, e às vezes até os superavam em maior pompa e valor material. Após a secularização das terras em 1764, a Lavra da Trindade de São Sérgio perdeu suas posses, mas sua riqueza nessa época era tão grande que essa reforma não afetou seu alcance trabalho de construção no mosteiro, nem na rica decoração dos interiores das igrejas, nos aposentos pessoais do governador e metropolita que viviam no mosteiro, bem como na riqueza da sua sacristia e tesouraria. O mosteiro continuou a receber contribuições de imperatrizes e altos dignitários da corte, do Metropolita de Moscou e de outros clérigos. Via de regra, eram obras realizadas os melhores mestres

Moscou, São Petersburgo, Veliky Ustyug, Rostov-Yaroslavl e outros centros de arte aplicada. Portanto, a coleção Lavra de arte aplicada do século XVIII. representa os mais diversos tipos de técnicas de joalheria da época.

A arte da cunhagem de prata adquiriu um aspecto único, sobretudo a partir de meados do século XVIII. Trata-se, em sua maioria, de grandes pergaminhos barrocos executados com maestria em alto relevo, combinados com imagens de frutas, cestos de flores, cupidos, guirlandas de flores e folhas.

O mestre moscovita P. Vorobey fez uma tigela de prata em 1768 (usada no mosteiro como tigela sagrada). É decorado com um excelente ornamento cinzelado de peculiares cartelas enroladas e folhas largas sobre fundo dourado. As pernas da tigela são patas de leão, segurando bolas lisas em suas garras. Um saleiro feito em 1787 por um mestre moscovita, decorado com entalhes e niello, é um presente de Catarina II ao Metropolita Platão3.

O novo centro de joalheria - São Petersburgo - é representado no acervo do museu por um pino de prata entalhada com bico em formato de cabeça de águia, feito em 1768 pelo mestre Claes Johann Ehlers4. O mesmo mestre fez no campo um prato de prata cinzelada com ornamento barroco e representação de uma cena bíblica: uma baleia lava Jonas5. Ao mesmo tempo, o mestre retratou aqui a costa de São Petersburgo com Fortaleza de Pedro e Paulo e a torre da catedral. A mão e o prato são contribuição do Metropolita Platão.

Os objetos para fins rituais também adquiriram um caráter secular e decorativo, e sua solenidade foi enfatizada por seus tamanhos inéditos. Típico do século XVIII. um conjunto de vasos litúrgicos (cálice, patena, estrela e duas placas) contribuídos em 1789 por A. V. Sheremetyev6. A taça alta de comunhão aqui tem uma grande base em forma de sino martelada, um invólucro prateado perfurado no corpo da taça e um encaixe com esmalte pintado. Patenas e placas de grande diâmetro, confeccionadas especialmente para este cálice, são decoradas com gravuras representando cenas iconográficas tradicionais.

A arte da filigrana assume um caráter completamente diferente.

Em vez de um cacho plano com ramos enrolados na superfície lisa do metal nas obras antigas, o desenho de filigrana do século XVIII. é ainda mais complicado por decorações adicionais colocadas no topo, às vezes em combinação com esmalte e pedras preciosas. Em alguns casos, a filigrana é perfurada e sobreposta a um fundo adicional. Às vezes, o item era feito de fios de filigrana.

Uma notável obra de filigrana é o tabernáculo de 1789, contribuído pelo Metropolita Platão7. Aqui estão filigranas vazadas, filigranas combinadas com esmalte e filigranas sobrepostas a um fundo liso prateado.

Grande desenvolvimento foi alcançado no século XVIII. Esmaltes Solvychegodsk e Veliky Ustyug com fundo monocromático (azul ou branco), sobre os quais se sobrepõem figuras humanas, flores e outras imagens, por vezes adicionalmente coloridas com esmaltes, em forma de placas metálicas separadas. O museu possui uma grande coleção de utensílios domésticos de Solvychegodsk e Ustyug.

No século 18 Para o interior dos templos da Lavra, foram feitas estruturas monumentais em prata conforme desenhos artistas famosos Moscou e São Petersburgo. Para o altar da Catedral da Trindade, por ordem do Metropolita Platão, também foi feito um grande castiçal de prata em forma de louro9; O mestre moscovita David Prif fez um dossel de prata sobre o santuário de Sérgio de Radonezh a partir de um desenho de Caravacca (encomendado pela imperadora Anna Ivanovna10). Assim, aplicado arte XVIII V. representado no acervo do museu pelas obras mais características.

As obras de artesanato artístico do acervo do museu permitem traçar o seu desenvolvimento desde os primeiros monumentos do grão-ducal de Moscou até o final do século XVIII. Ao longo deste longo período, as competências técnicas mudaram e melhoraram, as antigas formas desapareceram e surgiram novas formas de objectos, mudou a natureza da decoração, que sempre dependeu de visões estéticas, determinado pelas condições socioeconómicas e políticas do seu tempo, pelo desenvolvimento dos mercados interno e externo, pela escala e método de produção.

Sobre obras dos séculos XIV-XV. é revelada a imagem do renascimento gradual do artesanato artístico após a devastação tártaro-mongol das terras russas no século XIII. Mestres de Moscou e outros centros de arte Rússia Antiga dominar diversas técnicas artísticas e aprimorar suas habilidades.

No século 16 Moscou está finalmente conquistando um lugar de liderança no vida cultural países. As artes aplicadas deste período distinguem-se pela variedade de formas e decorações artísticas, bem como pela grande habilidade técnica. A complexa arte do esmalte, que assumiu um caráter principalmente ornamental, está sendo aprimorada, e a arte do niello dourado, do relevo e da gravura está ganhando maior domínio.

As obras em prata para uso doméstico e religioso seguem as tradições da arte popular e estão associadas às condições de vida das pessoas, aos seus rituais e modo de vida.

O colorido e a decoratividade dos produtos do século XVII, a complexidade dos ornamentos, o aspecto dos esmaltes pintados e a utilização de grandes quantidades de pedras preciosas, pérolas e vidros coloridos conferem um carácter mais secular à arte aplicada.

No século 18 foram adotadas novas formas de objetos, um caráter realista de ornamento e pintura em esmalte. Na coleção do Museu Zagorsk, esse período é representado pelas melhores oficinas de Moscou e São Petersburgo. Suas obras permitem julgar as novas mudanças que estão ocorrendo nas artes aplicadas.

O elevado domínio artístico das obras de arte aplicada, apresentadas ao longo de mais de cinco séculos, coloca o acervo do Museu de Zagorsk em lugar de destaque na história da cultura artística russa.

A história da Rússia no final do século XVII - primeiro quartel do século XVIII é inseparável do nome de uma das maiores figuras políticas da Rússia - Pedro I. Inovações significativas invadiram nesta época não apenas o campo da cultura e da arte, mas também indústria - metalurgia, construção naval, etc. No início do século XVIII surgiram os primeiros mecanismos e máquinas para processamento de metais. Muito foi feito nesta área pelos mecânicos russos Nartov, Surnin, Sobakin e outros.

Ao mesmo tempo, são lançadas as bases do sistema estadual de educação geral e especial. Em 1725, foi criada a Academia de Ciências, com a abertura de um departamento de ofícios artísticos.

A.Nartov. Torno. A época de Pedro. Século XVIII

No século XVIII, novos princípios de arquitetura e planejamento urbano foram formados. Este período foi marcado pelo fortalecimento dos traços característicos do Barroco da Europa Ocidental (Holanda, Inglaterra) na formação dos produtos.

Como resultado das iniciativas de Pedro I, os produtos das formas tradicionais russas desaparecem rapidamente da vida real e aristocrática do palácio, permanecendo ainda nas casas das massas da população rural e urbana, bem como no uso da igreja. Foi no primeiro quartel do século XVIII que surgiu uma diferença significativa no desenvolvimento estilístico, que por muito tempo permaneceu característico da criatividade profissional e do artesanato artístico popular. Neste último, as tradições centenárias da arte aplicada russa, ucraniana, estoniana, etc. são desenvolvidas direta e organicamente.

As normas da vida nobre exigem uma demonstração de riqueza, sofisticação e esplendor na vida de uma pessoa soberana. As formas do antigo modo de vida, incluindo o de Pedro, o Grande (ainda profissional e rigoroso), foram finalmente suplantadas em meados do século XVIII. A posição dominante na arte russa é ocupada pelo chamado estilo Rococó, que completou logicamente as tendências do Barroco tardio. Os interiores cerimoniais desta época, por exemplo, algumas salas dos palácios Peterhof e Tsarskoye Selo, são quase inteiramente decorados com esculturas elaboradas.

As características gerais da ornamentação rocaille (curvatura das linhas, disposição abundante e assimétrica de flores estilizadas ou próximas da natureza, folhas, conchas, olhos, etc.) são integralmente reproduzidas na arquitetura russa e nos móveis da época, cerâmicas, roupas, carruagens, armas cerimoniais, etc. Mas o desenvolvimento da arte aplicada russa seguiu um caminho completamente independente. Apesar da semelhança incondicional das formas dos nossos próprios produtos com os da Europa Ocidental, não é difícil notar as diferenças entre eles. Portanto, mas em comparação com os franceses, os móveis russos têm formas muito mais livres e são mais suaves nos contornos e no desenho. Os mestres ainda mantinham as habilidades da escultura popular, maiores e mais generalizadas do que no Ocidente. Não menos característica é a natureza policromada dos produtos russos e a combinação de douramento e pintura, raramente encontrada na França, mas aceita em toda a Rússia.

A partir da década de 60 do século XVIII, iniciou-se na arquitetura russa uma transição para o classicismo com suas formas lacônicas e rígidas, voltadas para a antiguidade e marcadas por grande contenção e graça. O mesmo processo ocorre na arte aplicada.

No layout, equipamento e decoração das mansões e palácios da cidade (arquitetos Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov, etc.) aparecem uma simetria clara e uma clareza proporcional. As paredes dos quartos (entre as janelas ou em frente a elas) são escondidas por espelhos e painéis de seda adamascada, tecidos decorativos de algodão e tecidos.

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Sofá - estilo Rococó. Rússia (fragmento). Meados do século 18

Cadeira de estilo clássico. Rússia. Segunda metade do século XVIII.

Os pisos são de madeira de diversas espécies, sendo por vezes revestidos com lona ou tecido; os tetos são pintados (por exemplo, na técnica grisaille, imitando modelagem em relevo). Em vez de parquete empilhado, são utilizadas tábuas de abeto “sob cera”. Paredes e tetos são frequentemente cobertos com tecido ou papel de parede. Se nas salas principais são instaladas lareiras de mármore de tamanhos impressionantes, nas salas íntimas os fogões mais tradicionais são construídos sobre mesas ou pés, forrados com azulejos. A diferença nas lâmpadas é igualmente perceptível: nos corredores há lustres, candelabros, arandelas feitos de joias e caros, nos quartos há castiçais e luminárias muito mais modestos. Há ainda mais contraste nas formas dos móveis formais e domésticos. Tudo isso fala não tanto sobre o desejo dos proprietários de palácios e mansões de economizar dinheiro, mas sobre a consideração do ambiente em questão como um fator importante na atmosfera psicologicamente adequada.

A maior parte do mobiliário e uma série de outros produtos do final do século XVIII e da primeira metade do século XIX não eram constantemente necessários; se não houvesse necessidade, eles eram removidos ou transferidos para partes das instalações usadas de forma inativa. Os móveis dos assentos devem ser cobertos. No mesmo sentido, os móveis transformáveis ​​​​com superfície de trabalho tiveram grande desenvolvimento - mesas de chá e cartas, uma mesa de jantar dobrável, uma mesa para bordado, um sistema de mesas altas irregulares que cabem umas nas outras, etc. o conforto da vida, a diferenciação subtil do seu suporte funcional e a variedade de aparência dos locais nas diferentes situações do quotidiano. Ao mesmo tempo, foram especialmente destacados vários processos quotidianos que decorriam no exterior do edifício durante a estação quente - na esplanada e no parque. Como resultado, novos tipos de produtos se espalharam - móveis de jardim, toldos de guarda-chuva, luminárias de parque, etc. No século XVIII, oficinas de servos foram organizadas em propriedades individuais, produzindo lotes bastante grandes de móveis, porcelanas, tapetes e outros produtos.

No final do século XVIII, nos equipamentos dos grandes palácios, a separação do próprio design dos produtos (móveis, candeeiros, relógios, tapeçarias e outros utensílios e mobiliário) como área especial de actividade criativa da sua produção artesanal já estava afetando visivelmente. O papel dos designers é desempenhado principalmente por arquitetos e artistas profissionais. A produção de produtos para o mercado de massa utiliza máquinas e métodos mecânicos de processamento de materiais, tornando o engenheiro uma figura de destaque na produção. Isto leva à distorção e à perda das elevadas qualidades estéticas inerentes aos produtos de consumo, à separação entre a indústria e a arte. Esta tendência foi natural nas condições de desenvolvimento capitalista da sociedade e uma das principais de todo o século XIX.

Durante o intenso desenvolvimento das relações capitalistas na Rússia no século XIX, a capacidade de produção industrial aumentou. Em meados do século XIX, já existia uma necessidade urgente de pessoal artisticamente profissional de desenvolvedores de produtos e artesãos. Para sua formação, foram abertas instituições educacionais especializadas em Moscou (Conde Stroganov) e São Petersburgo (Barão Stieglitz). O próprio nome - “escolas de desenho técnico” - fala do surgimento de um novo tipo de artista. Desde 1860, foi desenvolvida a educação artesanal especial para mestres intérpretes. Muitos livros são publicados sobre a tecnologia de processamento de diversos materiais: madeira, bronze, ferro, ouro, etc. São publicados catálogos comerciais, substituindo a revista Economic Store publicada anteriormente. Desde meados do século XIX, foram formadas ciências relacionadas às questões de higiene ocupacional e ao uso de utensílios domésticos. No entanto, ao longo de todo o século XIX, todos os produtos fabris em massa permaneceram artisticamente completamente subordinados à ideia indivisamente dominante de beleza como o design decorativo e ornamental dos produtos. A consequência disso foi a introdução de elementos estilísticos do classicismo na forma da maioria dos produtos: acabamentos de perfis complexos, colunas caneladas, rosetas, guirlandas, ornamentos baseados em motivos antigos, etc. até mesmo na forma de equipamentos industriais - máquinas-ferramentas.

No desenvolvimento estilístico da arte aplicada e dos produtos domésticos no século XIX, distinguem-se cronologicamente convencionalmente três períodos principais: a continuação das tendências do classicismo em consonância com o chamado estilo Império (primeiro quartel do século); classicismo tardio (por volta de 1830-1860) e ecletismo (após a década de 1860).

O primeiro quartel do século XIX foi marcado por um aumento geral do espírito ideológico e do âmbito construtivo da arquitetura russa, o que causou um renascimento significativo nas artes aplicadas.

Poltrona estilo Império. Primeiro quartel do século XIX.

A vitória na guerra de 1812, em certa medida, acelera e completa o processo de formação da cultura nacional russa, que está a adquirir significado pan-europeu. As atividades dos arquitetos mais famosos - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, intimamente ligadas ao classicismo da época anterior, ocorreram apenas na primeira década do século. Eles estão sendo substituídos por uma galáxia de mestres maravilhosos como Rossi, Stasov, Grigoriev, Bove, que trouxeram novas ideias e um espírito estilístico diferente para a arte russa.

Severidade e monumentalidade são traços característicos da arquitetura e das formas de diversos utensílios domésticos no estilo Império. Neste último, os motivos decorativos mudam sensivelmente, ou melhor, a sua tipologia expande-se através da utilização de símbolos decorativos do Antigo Egipto e da Roma - grifos, esfinges, fasces, atributos militares (“troféus”), coroas entrelaçadas com uma guirlanda, etc. com exemplos do classicismo inicial em geral aumenta a quantidade de decoração, seu “peso visual” no design composicional dos produtos. A monumentalização, por vezes como o engrossamento das formas, ocorre devido à maior generalização e geometrização dos motivos ornamentais clássicos - orlas, coroas, liras, armaduras, etc., que se afastam cada vez mais dos seus protótipos reais. A pintura de objetos (cenas, paisagens, buquês) desaparece quase completamente. O ornamento tende a ser irregular, contornado e aplicado. A maioria dos produtos, especialmente móveis, tornam-se grandes, maciços, mas variados na configuração e silhueta geral. O peso do estilo Império nos móveis quase desapareceu já na década de 1830.

A partir de meados do século XIX, iniciaram-se novas pesquisas no campo da arquitetura, da criatividade aplicada e industrial.

Nasceu um movimento artístico pan-europeu, denominado “Biedermeier”, em homenagem à burguesia de um dos personagens do escritor alemão L. Eichrodt (a obra foi publicada na década de 1870) com seu ideal de conforto e intimidade.

Ferro fabricado em fábrica. Rússia. Segunda metade do século XI.

Na segunda metade do século XIX, o trabalho manual foi ainda mais deslocado da produção de produtos domésticos utilitários. Ao longo dos séculos, os métodos e técnicas da sua solução artística, os princípios da construção da forma, que se desenvolveram ao longo dos séculos, entraram em conflito com as novas tendências económicas na produção em massa e na rentabilidade da produção de coisas para o mercado. A resposta à situação em mudança é dupla. Alguns mestres – a maioria deles – fazem concessões. Considerando inviolável a visão tradicional de todas as coisas do cotidiano como objetos de arte decorativa e aplicada, passam a adaptar os motivos ornamentais do classicismo às capacidades da máquina e das tecnologias seriais. Surgem tipos “eficazes” de decoração e acabamento dos produtos. Na década de 1830, na Inglaterra, Henry Kuhl apresentou um slogan aparentemente reformista para decorar os produtos da fábrica com elementos “do mundo das belas artes”. Muitos industriais adoptam voluntariamente o slogan, tentando tirar o máximo partido do apego das massas consumidoras às formas de mobiliário doméstico decoradas exteriormente e ornamentalmente enriquecidas.

Outros teóricos e praticantes da arte aplicada (D. Ruskin, W. Morris), pelo contrário, propõem organizar um boicote à indústria. Seu credo é a pureza das tradições do artesanato medieval.

Nos países Europa Ocidental E na Rússia, pela primeira vez, artels e mestres do artesanato, em cujo trabalho ainda se preservavam profundas tradições folclóricas, atraíram a atenção de teóricos e artistas profissionais. Na Rússia, as feiras de Nizhny Novgorod das décadas de 1870-1890 demonstram a viabilidade destas tradições em novas condições. Muitos artistas profissionais - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich e outros - recorrem com entusiasmo às origens populares da arte decorativa. Em várias regiões e províncias da Rússia, em cidades como Pskov, Voronezh, Tambov, Moscou, Kamenets-Podolsk, etc., estão surgindo empresas artesanais, cuja base é o trabalho manual. O trabalho das oficinas em Abramtsovo, perto de Moscou, em Talashkino, perto de Smolensk, a empresa de P. Vaulin, perto de São Petersburgo, e o artel de cerâmica Murava em Moscou foram especialmente importantes para o renascimento do artesanato criativo e moribundo.

Samovar. Século XIX

Rússia. Segundo tempo

Bomba industrial. Século XIX

No entanto, os produtos de todas estas oficinas constituíam uma parte tão insignificante do consumo total que não podiam ter qualquer influência perceptível na produção em massa, embora provassem a legitimidade da existência, juntamente com a produção mecanizada em massa, de peças de arte decorativa que preservam tradições folclóricas. Isto foi posteriormente confirmado pela invasão da tecnologia da máquina em áreas das artes decorativas e aplicadas, como joalharia, tecelagem de tapetes e alfaiataria, o que levou a uma queda acentuada na sua qualidade artística.

Nas formas da maior parte dos produtos manufaturados da segunda metade do século XIX, praticamente nada de novo foi desenvolvido ainda. No entanto, a novidade da situação geral já nesta altura contribui para a formação de pré-requisitos internos para buscas inovadoras - a consciência das pesquisas estilísticas como uma importante necessidade criativa, como manifestação da individualidade artística do mestre. Se até agora as tendências estilísticas (gótico, renascentista, barroco, classicismo, etc.) nasceram e se espalharam, via de regra, como resultado de tendências gerais, quase “globais”, cristalizadas espontaneamente no desenvolvimento estético do mundo, então de em meados do século XIX, a originalidade estilística é considerada uma realização criativa direta de um artista ou arquiteto individual. A este respeito, o interesse pelo património artístico de todos os tempos e povos está a intensificar-se fortemente. Esta rica herança torna-se uma fonte de imitações, empréstimos diretos ou é sujeita a um processamento criativo bizarro.

Mesa estilo Art Nouveau com cadeira. Final do século 19

Como resultado, a maior parte dos produtos apresenta uma imagem invulgarmente heterogénea, na qual reminiscências óbvias ou subtis da antiguidade, da era românica, do Renascimento gótico, italiano ou francês, da arte de Bizâncio e da Rússia Antiga, do barroco, etc. muitas vezes misturando-se ecleticamente no design de um produto, interior, edifício. Portanto, esse período da história da arquitetura e das artes aplicadas foi denominado eclético. EM vida popular No entanto, começam a ser introduzidos produtos (lâmpadas, baldes de metal, gamelas, pratos, bancos, etc.), relativamente baratos, mas feitos sem qualquer finalidade artística, muitas vezes em formas feias e de má qualidade.

A procura de um novo estilo faz-se tendo em conta a real necessidade nas condições de produção mecanizada, uma abordagem fundamentalmente nova à modelação dos produtos, por um lado, e a preservação das tradições decorativas do passado, por o outro. A burguesia, que no final do século XIX ocupava uma posição forte na economia russa, lutou pela sua própria ideologia artística na arquitetura e no design - o culto do racional, relativa liberdade dos arcaísmos da cultura nobre, encorajando na arte tudo que pudesse competir com os estilos do passado. Foi assim que surgiu o estilo Art Nouveau no final do século XIX - “nova arte” na Bélgica, Grã-Bretanha e EUA, “Jugendstil” na Alemanha, “estilo Secessions” na Áustria, “estilo livre” na Itália. Seu nome - “moderno” (do francês moderne) significava “novo, moderno” - do lat. modo - “agora, recentemente.” Na sua forma pura, desaparecendo e misturando-se com outros movimentos estilísticos, durou relativamente pouco, até cerca de 1920, ou seja, cerca de 20-25 anos, como quase todos os movimentos estilísticos dos séculos XVII-XX.

A Art Nouveau é diversificada em diferentes países e no trabalho de mestres individuais, o que dificulta a compreensão dos problemas que eles resolveram. No entanto, tornou-se característica a quase completa erradicação de todos os motivos e técnicas decorativas e ornamentais anteriormente utilizadas e a sua renovação radical. Cornijas tradicionais, rosetas, capitéis, flautas, cintos de “ondas rolantes”, etc. são substituídos por plantas locais estilizadas (lírios, íris, cravos, etc.), cabeças femininas com cabelos longos e encaracolados, etc. , e o efeito artístico é alcançado pela expressividade da silhueta, divisões de forma, linhas, geralmente finamente desenhadas, como se fluíssem livremente, pulsassem. Nas formas dos produtos Art Nouveau quase sempre se pode sentir alguma vontade caprichosa do artista, a tensão de uma corda bem esticada e proporções exageradas. Nas manifestações extremas, tudo isso é fortemente agravado, elevado a princípio. Às vezes há um desrespeito pela lógica construtiva da forma, um entusiasmo quase falso pelo lado espetacular da tarefa, especialmente no design de interiores, que muitas vezes são espetacularmente teatralizados.

Na frente de todos fraquezas- surgiu a pretensão, por vezes a sonoridade das formas, surgiu uma nova abordagem à solução do edifício, do interior, do mobiliário com a lógica de uma solução funcional, construtiva e tecnológica.

Castiçal estilo Art Nouveau. Início do século 20

Conjunto de pratos. Final do século 19

Penteadeira do período Art Nouveau. Início do século 20

A Art Nouveau na grande maioria dos seus exemplares não abandonou a decoração dos produtos, apenas substituiu antigos motivos e técnicas decorativas por novos. Já no início do século XX, na época dos triunfos do novo estilo, a moda dos estilos antigos voltou, primeiro timidamente, depois amplamente, o que teve uma ligação notória com o início dos preparativos para a celebração do centenário Guerra Patriótica 1812. A exposição “Arte Moderna”, organizada em São Petersburgo em 1903, mostrou claramente o nascimento da “modernidade classicizante”.

Os resultados da modernidade são complexos. Esta é a purificação da arte aplicada do ecletismo e do “anti-maquinismo” dos campeões do artesanato e das tentativas fracassadas de restaurar os estilos do passado. Estes são os primeiros sintomas da arquitetura e da arte aplicada entrando no caminho do funcionalismo e do construtivismo, no caminho do design moderno. Ao mesmo tempo, logo revelando uma tendência à nacionalização do estilo, o Art Nouveau provocou uma nova onda de buscas puramente decorativas. Muitos pintores recorrem à arte aplicada e ao design de interiores (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin, etc.), gravitando em torno do colorido do conto de fadas russo, do “pão de gengibre”, etc. perspectiva do processo histórico subsequente , soluções para problemas prementes da produção industrial em massa, tais experiências não poderiam ter um significado ideológico e artístico sério, embora tenham dado impulso ao desenvolvimento de outro ramo da arte aplicada - o artesanato artístico e especialmente a arte teatral e decorativa.

A modernidade, por assim dizer, abriu e preparou o caminho para o estabelecimento de novos princípios estéticos e criativos na arte de criar coisas cotidianas e acelerou o surgimento de uma nova profissão artística - o design artístico (design).

A formação do funcionalismo e do construtivismo em direções especiais na arquitetura e no design artístico dos países ocidentais ocorreu no final da década de 1910, em conexão com a estabilização da vida e o sucesso econômico após a Primeira Guerra Mundial. Mas os fundamentos fundamentais da nova arquitetura moderna foram determinados no período pré-guerra no trabalho de arquitetos como T. Garnier e O. Perret (França), H. Berlaga (Holanda), A. Loos (Áustria), P. Behrens (Alemanha), F. Wright (EUA), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rússia), etc. Cada um deles superou a influência da modernidade e lutou à sua maneira.

Em 1918, departamentos especiais de arquitetura e indústria da arte foram formados no Departamento de Belas Artes do Comissariado do Povo para a Educação. É dada muita atenção às questões de formação de especialistas. Em 1920, V.I. Lenin assinou um decreto sobre a criação das Oficinas Artísticas e Técnicas Superiores do Estado (VKHUTEMAS). Os graduados criaram novas amostras de tecidos, móveis, pratos, etc.

A formação em oficinas (em 1927 transformada no Instituto Técnico e de Arte VKHUTEIN All-Union) foi ministrada nas faculdades: arquitetura, cerâmica, têxteis, etc. Na faculdade de processamento de madeira e metal sob a direção de A. Rodchenko, D. . Lisitsky, V. Tatlin e outros mestres buscaram novas formas e designs para vários objetos. Todas as atividades do VKHUTEMAS tiveram como objetivo desenvolver as habilidades dos alunos abordagem integrada ao design do ambiente sujeito da vida cotidiana e da produção.

Na década de 1920, surgiu um movimento de “arte industrial”, desenvolvendo os princípios do funcionalismo e do construtivismo, que procurava estabelecer nas mentes dos artistas o ideal estético da produção material racionalmente organizada. Quaisquer formas de arte anteriores foram declaradas “producionistas” burguesas e inaceitáveis ​​para o proletariado. Daí a sua rejeição não só das belas-artes “praticamente inúteis”, mas também de toda a criatividade puramente decorativa, por exemplo a joalharia. Na década de 20, as condições técnicas e económicas no nosso país ainda não estavam maduras para a implementação das suas ideias.

VKHUTEMAS e os “produtores” da década de 1920 estavam ideológica e esteticamente intimamente ligados à Bauhaus e em vários momentos importantes representaram com ela essencialmente um movimento único no design artístico da época. No quadro deste novo movimento, formou-se a estética do design moderno, superando as contradições da arte aplicada do período anterior. A atividade artística prática dos fundadores do design foi também o desenvolvimento de um arsenal de meios artísticos e expressivos da arte de criar coisas. Em suas obras (móveis, luminárias, louças, tecidos, etc.), a maior atenção foi dada a propriedades dos materiais e da forma como textura, cor, expressividade plástica, estrutura rítmica, silhueta, etc., que adquiriram importância decisiva no produtos de composição, sem conflitar com os requisitos de lógica construtiva e fabricabilidade da forma. Outra direção que se desenvolveu com sucesso em nosso país na década de 20 foi o projeto de engenharia. Em 1925, em Moscou, de acordo com o projeto do notável engenheiro V. Shukhov, foi erguida a famosa torre de rádio, cuja silhueta aberta se tornou por muito tempo um símbolo da rádio soviética. Um ano antes, J. Gakkel criou, com base nos mais recentes avanços tecnológicos, a primeira locomotiva diesel soviética, cujo formato ainda hoje parece bastante moderno. Na década de 1920, percebeu-se a necessidade de pesquisas científicas sobre os padrões da atividade humana em um ambiente criado artificialmente. O Instituto Central do Trabalho está sendo organizado, dentro de seus muros são realizadas pesquisas sobre questões de organização científica do trabalho e da cultura produtiva. A atenção de cientistas e designers é atraída para questões de biomecânica, organoléptica, etc. Entre os trabalhos notáveis ​​​​daqueles anos está o projeto do local de trabalho de um motorista de bonde (N. Bernstein).

Sim, Gakkel. Locomotiva. Início da década de 1930