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Ele criou suas pinturas durante o período Taisho (1912-26) e no início de Seva. Ele nasceu em 1891
ano em Tóquio, era filho do jornalista Kishida Ginko. Em 1908 ele se formou na escola, com a idade
Por 15 anos ele se tornou cristão e se dedicou às atividades da igreja, depois Kishida
Ryūsei estudou estilos de arte ocidentais no estúdio Hakubakai sob a orientação de
Seiki Kuroda (1866-1924), que foi um dos fundadores da Academia de Artes do Japão.
Já em 1910, o jovem artista começou a expor as suas obras na edição anual
Exposição Estadual de Banten. Suas primeiras obras, especialmente paisagens, foram escritas
fortemente influenciado e emulando o estilo de seu professor Kuroda Seika.

Retrato de Reiko

Mais tarde o artista conheceu e tornou-se amigo de Mushanokoji Saneatsu
que apresentou o artista à sociedade Shirakaba (Bétula Branca) e ao mundo europeu
Fauvismo e Cubismo. O surgimento de Kishida Ryūsei como artista ocorreu no primeiro
década do século XX, quando muitos jovens artistas japoneses foram estudar
pintando no exterior, principalmente para Paris. Kishida Ryūsei nunca esteve na Europa e
não estudou com mestres europeus, mas foi influenciado pelo pós-impressionismo europeu
foi enorme, especialmente o trabalho de Van Gogh e Cézanne. Do final de 1911 ao início
1912 ele se inspirou nas obras de contemporâneos Artistas franceses, com cujas obras
Conheci-o na revista Shirakaba e através de livros ilustrados. Dele trabalhos iniciais obviamente
criado sob a influência de Henri Matisse e dos Fauves.

Autorretrato com chapéu, 1912
estilo: fauvismo

Em 1912, aos vinte e um anos, Kishida Ryūsei estreou como
artista profissional, sua primeira exposição pessoal aconteceu em
galeria de arte Rokando. No mesmo ano o artista organizou seu
círculo de arte Fyizankai para estudar e promover
pós-impressionismo.

Jardim do Presidente da South Manchurian Railway Company, 1929

O círculo logo se desfez devido a conflitos internos após a realização de duas exposições.
Por volta de 1914, o artista abandonou o Fauvismo, seu estilo inicial. Em 1915
ano, Kishida Reisai criou o grupo Shodosa, no qual seu principal companheiro, estudante
e um seguidor foi o artista Michisai Kono.

Caminho no início do verão de 1917
estilo: yoga-ka

A partir daí, ele desenvolveu seu estilo próprio e único de grande mestre, em japonês
Na linguagem é chamado de "shajitsu" ou "shasei", geralmente traduzido para o russo como realismo.
O artista simplifica as formas, encontra um sabor único, tudo isso vem da arte
Cézanne. Embora Kishida Reisai apreciasse muito a arte da França, ele período tardio Ele
considerava a arte oriental muito superior à arte ocidental.

Estrada cortada em uma colina, 1915
estilo: yoga-ka

Retrato de Bernard Leach, 1913
estilo: fauvismo

Auto-retrato, 1915,
estilo: yoga-ka

Auto-retrato, 1913,
estilo: yoga-ka

Auto-retrato, 1917,
estilo: yoga-ka

Retrato de um homem
estilo: yoga-ka

Por volta de 1917, o artista mudou-se para Kugenuma Fujisawa, na área de Kanagawa. Ele começou
estudar os estilos e métodos do norte Artistas europeus Renascimento, como
Dürer e Van Dyck. Durante este período ele pintou sua famosa série de pinturas de sua filha Reiko
que combinam realismo quase fotográfico com surreal
elementos decorativos. No início da década de 1920, Kishida Ryūsei mostrou interesse em
elementos da arte oriental, em particular, às pinturas chinesas “Canções” e
"Dinastia Yuan".

"Retrato de Sanada Hisakichi"

Durante o Grande Terremoto de Kanto em 1923, a casa do artista em Kugenuma foi
destruído, Kishida Ryūsei mudou-se para Kyoto por um curto período, após o qual em fevereiro
Em 1926 ele voltou a morar em Kamakura. Na década de 1920, o artista pintou numerosos
artigos sobre estética e história Pintura japonesa.

Xícara de chá Tigela de chá e três maçãs verdes, 1917
estilo: cezannismo

Natureza morta, 1918,
estilo: cezannismo

Duas maçãs vermelhas, xícara de chá, tigela de chá e uma garrafa, 1918,
estilo: cezannismo

Em 1929, com a ajuda da Manchúria do Sul estrada de ferro Kishida Ryusei comprometido
a única viagem ao exterior da minha vida, visitando Dalian, Harbin e Fengtian
na Manchúria. No caminho de volta para casa, fez uma parada na cidade de Tokuyama, distrito
Yamaguchi, onde morreu repentinamente de auto-envenenamento agudo do corpo. Kishida Ryusei
criou seus retratos, paisagens e naturezas mortas até sua morte prematura, aos
38 anos. O túmulo do artista está localizado no Cemitério Tama Reien, em Tóquio. Após a morte
Kishida Ryūsei duas de suas pinturas Agência Governamental Japonesa para Assuntos Culturais
recebeu o título de "Nacional valor cultural" Em dezembro de 2000, um dos
Seus retratos de sua filha Reiko com um lenço nos ombros foram vendidos por 360 milhões de ienes, o que
tornou-se o preço mais alto em leilões de pinturas japonesas.

A cena artística japonesa contemporânea parece estar completamente globalizada. Os artistas se deslocam entre Tóquio e Nova York, quase todos receberam educação europeia ou americana e falam sobre seu trabalho em inglês artístico internacional. No entanto, este quadro está longe de estar completo.

As formas e tendências nacionais revelam-se um dos bens mais procurados que o Japão pode oferecer ao mercado mundial de ideias e obras artísticas.

Operação de avião. Como o movimento superflat combina a cultura geek americana e a pintura tradicional japonesa

Takashi Murakami. "Tang Tang Bo"

Se no mundo ocidental para quase todos (exceto talvez os mais fervorosos teóricos da pós-modernidade) a fronteira entre a alta cultura e a cultura de massa ainda permanece relevante, embora problemática, então no Japão esses mundos estão completamente misturados.

Exemplo disso é Takashi Murakami, que combina com sucesso exposições nas melhores galerias do mundo e produção em streaming.

Gravação de tour pela exposição Murakami “There Will Be Gentle Rain”

No entanto, a relação de Murakami com a cultura popular - e para o Japão esta é principalmente a cultura dos fãs de mangá e anime (otaku) - é mais complicada. O filósofo Hiroki Azuma critica a compreensão do otaku como um autêntico fenômeno japonês. Os Otaku consideram-se diretamente ligados às tradições do período Edo dos séculos XVII a XIX - uma era de isolacionismo e recusa à modernização. Azuma afirma que o movimento otaku é baseado em mangá, animação, histórias em quadrinhos, jogos de computador- só poderia surgir no contexto da ocupação americana do pós-guerra, como resultado da importação da cultura americana. A arte de Murakami e seus seguidores reinventa o otaku usando métodos da pop art e desmascara o mito nacionalista sobre a autenticidade desta tradição. Representa a “reamericanização da cultura americana japonesa”.

Do ponto de vista da história da arte, o superflat está mais próximo da pintura ukiyo-e japonesa. A maioria trabalho famoso nesta tradição está a impressão The Great Wave off Kanagawa, de Katsushika Hokusai (1823–1831).

Para o modernismo ocidental, a descoberta da pintura japonesa foi um avanço. Permitiu-nos ver a imagem como um plano e não se esforçou para superar essa característica, mas para trabalhar com ela.

Katsushiki Hokusai. "A Grande Onda de Kanagawa"

Pioneiros da arte performática. O que a arte japonesa da década de 1950 significa hoje

Documentando o processo criativo de Akira Kanayama e Kazuo Shiraga

O Superflat só tomou forma na década de 2000. Mas significativo para a arte mundial eventos artísticos começou no Japão muito antes - e ainda mais cedo do que no Ocidente.

A virada performativa na arte ocorreu na virada das décadas de 60 e 70 do século passado. No Japão, a arte performática surgiu na década de cinquenta.

Pela primeira vez, o Grupo Gutai mudou o seu foco da criação de objetos autossuficientes para o processo de produção dos mesmos. A partir daqui estamos a um passo de abandonar o objeto de arte em favor de um acontecimento efêmero.

Embora artistas individuais de Gutai (eram 59 no total ao longo de vinte anos) existissem ativamente no contexto internacional, a compreensão da arte japonesa do pós-guerra como uma atividade coletiva em geral começou no Ocidente apenas recentemente. O boom veio em 2013: diversas exposições em pequenas galerias em Nova York e Los Angeles, “Tokyo 1955–1970: The New Avant-Garde” no MoMA e uma retrospectiva histórica em grande escala “Gutai: Splendid Playground” no Museu Guggenheim. A importação de arte japonesa por Moscovo parece ser uma continuação quase tardia desta tendência.

Sadamasa Motonaga. Obra (Água) no Museu Guggenheim

É incrível como essas exposições retrospectivas parecem contemporâneas. Por exemplo, o objeto central da exposição no Museu Guggenheim é uma reconstrução da Obra (Água) de Sadamasa Motonaga, na qual os níveis da rotunda do museu são conectados por tubos de polietileno com água colorida. Eles se assemelham a pinceladas que foram arrancadas da tela e exemplificam o foco central de Gutai na "concretude" (como traduzido do Nome japonês grupos), a materialidade dos objetos com os quais o artista trabalha.

Muitos participantes do Gutai receberam uma educação relacionada à pintura clássica nihonga, muitos estão biograficamente ligados ao contexto religioso do Zen Budismo, à sua característica caligrafia japonesa. Todos eles encontraram uma abordagem nova, processual ou participativa das tradições antigas. Kazuo Shiraga gravou vídeos de si mesmo pintando seus monocromos, antecipando Rauschenberg, com os pés, e até criou pinturas em público.

Minoru Yoshida transformou flores de estampas japonesas em objetos psicodélicos – exemplo disso é a Flor Bissexual, uma das primeiras esculturas cinéticas (em movimento) do mundo.

Os curadores da exposição do Museu Guggenheim falam sobre o significado político destas obras:

“Gutai demonstrou a importância da ação individual livre, da subversão das expectativas do espectador e até da estupidez como formas de combater a passividade social e a conformidade que, ao longo de várias décadas, permitiram a um governo militarista ganhar uma massa crítica de influência, invadir a China e então junte-se à Segunda Guerra Mundial.

Bom e sábio. Por que os artistas trocaram o Japão pela América na década de 1960?

Gutai foi a exceção à regra no Japão do pós-guerra. Os grupos de vanguarda permaneceram marginais, o mundo da arte era estritamente hierárquico. O principal caminho para o reconhecimento foi a participação em concursos realizados por associações reconhecidas de artistas clássicos. Portanto, muitos preferiram ir para o Ocidente e integrar-se ao sistema artístico de língua inglesa.

Foi especialmente difícil para as mulheres. Mesmo no progressista Gutai, a participação deles não chegava nem a um quinto. O que dizer das instituições tradicionais, cujo acesso exigia educação especial. Na década de sessenta, as meninas já tinham adquirido o direito, mas a formação em arte (se não estivéssemos falando de arte decorativa, que fazia parte do conjunto de habilidades) Ryosai Kenbo- uma boa esposa e mãe sábia) era uma atividade socialmente reprovada.

Yoko Ono. Peça cortada

A história da emigração de cinco poderosos artistas japoneses de Tóquio para os Estados Unidos tornou-se o tema do estudo de Midori Yoshimoto “Into Performance: Japanese Women Artists in New York”. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi e Shigeko Kubota decidiram se mudar para Nova York no início de suas carreiras e lá trabalharam, inclusive na modernização das tradições da arte japonesa. Apenas Yoko Ono cresceu nos Estados Unidos - mas ela também se recusou deliberadamente a regressar ao Japão, tendo ficado desiludida com a hierarquia artística de Tóquio durante uma curta estadia em 1962-1964.

Ono tornou-se a mais famosa dessas cinco - não apenas como esposa de John Lennon, mas também como autora de performances protofeministas dedicadas à objetificação do corpo feminino. Existem paralelos óbvios entre Cut Piece de Ono, em que os espectadores podiam cortar pedaços da roupa do artista, e “Rhythm 0” da “avó da performance” Marina Abramović.

Em pernas curtas. Como fazer o treinamento de atuação original de Tadashi Suzuki

No caso de Ono e Gutai, os métodos e temas de seu trabalho, separados dos autores, tornaram-se internacionalmente significativos. Existem outras formas de exportação – quando a obra do artista é recebida com interesse no cenário internacional, mas o método em si não é emprestado devido à sua especificidade. O caso mais marcante é o sistema de treinamento de atuação de Tadashi Suzuki.

O Teatro Suzuki é amado até na Rússia - e isso não é surpreendente. Última vez visitou-nos em 2016 com a peça “As Troianas” baseada nos textos de Eurípides, e nos anos 2000 veio diversas vezes com produções de Shakespeare e Tchekhov. Suzuki transferiu a ação das peças para o contexto japonês atual e ofereceu interpretações não óbvias dos textos: descobriu o antissemitismo em Ivanov e comparou-o com a atitude desdenhosa dos japoneses para com os chineses, e transferiu a ação do Rei Lear para um hospício japonês.

Suzuki construiu seu sistema em oposição à escola de teatro russa. No final do século XIX, durante o chamado período Meiji, um Japão imperial em modernização conheceu um aumento nos movimentos de oposição. O resultado foi uma ocidentalização em larga escala de uma cultura anteriormente extremamente fechada. Entre as formas importadas estava o sistema Stanislávski, que ainda continua sendo um dos principais métodos de direção no Japão (e na Rússia).

Exercícios Suzuki

Na década de 60, quando Suzuki iniciou sua carreira, difundia-se cada vez mais a tese de que, devido às suas características físicas, os atores japoneses não conseguiam se acostumar com os papéis dos textos ocidentais que preenchiam o repertório da época. O jovem diretor conseguiu oferecer a alternativa mais convincente.

O sistema de exercícios de Suzuki, chamado de gramática das pernas, inclui dezenas de maneiras de sentar e ainda mais de ficar em pé e andar.

Seus atores costumam atuar descalços e, devido ao rebaixamento do centro de gravidade, aparecem o mais pesados ​​possível, amarrados ao chão. Suzuki ensina sua técnica a eles e a artistas estrangeiros na vila de Toga, em antigas casas japonesas repletas de equipamentos modernos. Sua trupe faz apenas cerca de 70 apresentações por ano, e o resto do tempo vive, quase nunca saindo da aldeia e não tendo tempo para assuntos pessoais - apenas trabalho.

O centro de Toga surgiu na década de setenta, foi desenhado a pedido do diretor do mundo arquiteto famoso Arata Isozaka. O sistema de Suzuki pode parecer patriarcal e conservador, mas ele próprio fala de Toga em termos modernos de descentralização. Já em meados dos anos 2000, Suzuki entendeu a importância de exportar arte da capital para as regiões e organizar pontos de produção locais. Segundo o diretor, o mapa teatral do Japão é em muitos aspectos semelhante ao da Rússia – as artes estão concentradas em Tóquio e em vários centros menores. Teatro russo Também seria bom ter uma empresa que viajasse regularmente por cidades pequenas e estivesse localizada longe da capital.

Centro da empresa SCOT em Toga

Caminhos de flores. Que recursos o teatro moderno descobriu nos sistemas noh e kabuki?

O método Suzuki surge de duas antigas tradições japonesas - Kabuki. Não é apenas que estes tipos de teatro são frequentemente caracterizados como arte ambulante, mas também os detalhes mais óbvios. Suzuki muitas vezes segue a regra de que todos os papéis são desempenhados por homens e usa soluções espaciais características, por exemplo, o hanamichi (“caminho das flores”) do exemplo Kabuki - uma plataforma que se estende do palco até as profundezas do auditório. Ele também usa símbolos muito reconhecíveis, como flores e pergaminhos.

É claro que num mundo global não é há conversa sobre o privilégio dos japoneses de usarem suas formas nacionais.

O teatro de um dos diretores mais importantes do nosso tempo, o americano Robert Wilson, foi construído a partir dele.

Ele não apenas usa máscaras e maquiagem que lembram o Japão ao grande público, mas também empresta métodos de atuação baseados na máxima câmera lenta e na expressividade autossuficiente dos gestos. Combinando formas tradicionais e ritualísticas com partituras de iluminação de ponta e música minimalista (uma das obras mais famosas de Wilson é a produção de Einstein on the Beach, de Philip Glass), Wilson produz essencialmente a síntese de origens e relevância que grande parte da arte contemporânea busca.

Roberto Wilson. "Einstein na Praia"

Do noh e do kabuki cresceu um dos pilares dança moderna- butoh, traduzido literalmente - dança das trevas. Criado em 1959 pelos coreógrafos Kazuo Ono e Tatsumi Hijikata, que também contavam com um centro de gravidade baixo e concentração nas pernas, o butoh representou a tradução de reflexões sobre experiências traumáticas de guerra para a dimensão física.

“Eles mostraram um corpo doente, em decomposição, até monstruoso, monstruoso.<…>Os movimentos são ora lentos, ora deliberadamente bruscos, explosivos. Para isso, utiliza-se uma técnica especial, quando o movimento é realizado como se não utilizasse os músculos principais, devido às alavancas ósseas do esqueleto”, escreve a historiadora da dança Irina Sirotkina butoh na história da liberação do corpo, conectando isso com o afastamento da normatividade do balé. Ela compara o butô com as práticas de dançarinos e coreógrafos do início do século 20 - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, e fala sobre a influência na dança “pós-moderna” posterior.

Um fragmento de uma dança de Katsura Kan, um sucessor moderno da tradição butoh

Hoje, o butô em sua forma original não é mais uma prática de vanguarda, mas uma reconstrução histórica.

Contudo, o vocabulário dos movimentos desenvolvidos por Ono, Hijikata e seus seguidores permanece recurso significativo para coreógrafos modernos. No Ocidente, é usado por Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky e até no vídeo de “Belong To The World” do The Weekend. No Japão, o continuador da tradição do butô é, por exemplo, Saburo Teshigawara, que chegará à Rússia em outubro. Embora ele próprio negue qualquer paralelo com a dança das trevas, os críticos encontram sinais bastante reconhecíveis: um corpo aparentemente desossado, fragilidade e passos silenciosos. É verdade que eles já estão inseridos no contexto da coreografia pós-moderna - com seu ritmo acelerado, corrida, trabalho com música barulhenta pós-industrial.

Saburo Teshigawara. Metamorfose

Localmente global. Como a arte japonesa contemporânea é semelhante à arte ocidental?

As obras de Teshigawara e de muitos dos seus colegas enquadram-se perfeitamente nos programas dos melhores festivais de dança contemporânea ocidental. Se você olhar rapidamente as descrições das performances e performances que foram exibidas no Festival/Tóquio - o maior espetáculo anual de teatro japonês, será difícil notar diferenças fundamentais em relação às tendências europeias.

Um dos temas centrais é a especificidade do local - artistas japoneses exploram os espaços de Tóquio, desde aglomerados de capitalismo na forma de arranha-céus até áreas marginais de concentração de otakus.

Outro tema é a elaboração do mal-entendido intergeracional, o teatro como lugar de encontro vivo e comunicação organizada de pessoas Diferentes idades. Os projetos dedicados a ela por Toshiki Okada e Akira Tanayama foram levados a Viena por vários anos consecutivos para um dos principais Festivais europeus Artes performáticas. No final dos anos 2000, não havia nada de novo em trazer ao palco materiais documentais e histórias pessoais, mas o curador do Festival de Viena apresentou estes projetos ao público como uma oportunidade de contacto vivo e direcionado com outra cultura.

Outra linha principal é trabalhar experiências traumáticas. Para os japoneses, não está associado ao Gulag ou ao Holocausto, mas ao bombardeamento de Hiroshima e Nagasaki. O teatro refere-se a ele constantemente, mas a afirmação mais poderosa sobre as explosões atômicas como o momento de gênese de toda a cultura japonesa moderna ainda pertence a Takashi Murakami.

para a exposição “Little Boy: As Artes da Subcultura Explosiva do Japão”

“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” é o título de seu projeto curatorial, exibido em Nova York em 2005. “Little Boy” – “baby” em russo – é o nome de uma das bombas lançadas sobre o Japão em 1945. Colecionando centenas de quadrinhos de mangá de ilustradores renomados, brinquedos vintage distintos e souvenirs baseados em animes famosos - de Godzilla a Hello Kitty, Murakami inflou ao limite a concentração do fofo - kawaii - no espaço do museu. Ao mesmo tempo, lançou uma seleção de animações em que as imagens centrais eram imagens de explosões, terra descoberta e cidades destruídas.

Esse contraste tornou-se a primeira declaração em grande escala sobre a infantilização da cultura japonesa como forma de lidar com o transtorno de estresse pós-traumático.

Agora esta conclusão parece óbvia. A pesquisa acadêmica de Inuhiko Yomota sobre o kawaii é baseada nele.

Existem também gatilhos traumáticos posteriores. Os mais importantes são os acontecimentos de 11 de Março de 2011, o terramoto e o tsunami que provocaram um grave acidente na central nuclear de Fukushima. No Festival/Tóquio 2018, todo um programa de seis apresentações foi dedicado à compreensão das consequências de um desastre natural e tecnológico; também se tornaram tema de um dos trabalhos apresentados em Solyanka. Este exemplo mostra claramente que o arsenal de métodos críticos na arte ocidental e japonesa não é fundamentalmente diferente. Haruyuki Ishii cria uma instalação de três televisões que reproduzem imagens em loop de programas de televisão sobre o terremoto.

“A obra é composta por 111 vídeos que o artista assistia diariamente nos noticiários até o momento em que tudo o que via passou a ser percebido como ficção”, explicam os curadores. O "Novo Japão" é um exemplo marcante de como a arte não resiste à interpretação baseada em mitos nacionais, mas ao mesmo tempo visão crítica revela que a mesma interpretação pode ser relevante para arte de qualquer origem. Curadores falam da contemplação como base Tradição japonesa, extraindo citações de Lao Tzu. Ao mesmo tempo, como que deixando parênteses, quase toda a arte contemporânea está focada no “efeito observador” (é o nome da exposição) - seja na forma de criar novos contextos para a percepção de fenómenos familiares ou na elevação a questão da possibilidade de percepção adequada como tal.

Comunidades Imaginadas é outro trabalho do videoartista Haruyuki Ishii

Jogo

Contudo, não se deve pensar que o Japão da década de 2010 representa uma concentração de progressismo.

Os hábitos do bom e velho tradicionalismo e do amor pelo exotismo orientalista ainda não foram superados. “Teatro das Virgens” é o título de um artigo bastante admirável sobre o Teatro Takarazuka japonês na revista conservadora russa PTZh. Takarazuka surgiu no final do século XIX como um projeto empresarial para atrair turistas para a remota cidade de mesmo nome, que acidentalmente se tornou o terminal de uma ferrovia privada. Eles só tocam no teatro meninas solteiras, que, segundo o plano do dono da ferrovia, deveriam atrair espectadores do sexo masculino para a cidade. Hoje Takarazuka funciona como uma indústria – com seu próprio canal de TV, um programa de concertos movimentado e até um parque de diversões local. Mas apenas as meninas solteiras ainda têm o direito de fazer parte da trupe - esperemos que pelo menos não verifiquem a virgindade.

No entanto, Takarazuka é insignificante em comparação com o clube Toji Deluxe em Kyoto, que os japoneses também chamam de teatro. Eles mostram coisas absolutamente selvagens, a julgar por descrição Colunista nova-iorquino Ian Buruma, show de strip-tease: várias garotas nuas no palco transformam a exibição dos órgãos genitais em um ritual público.

Como muitas práticas artísticas, este espetáculo é baseado em lendas antigas (com a ajuda de uma vela e uma lupa, os homens da plateia podiam se revezar na exploração dos “segredos da deusa mãe Amaterasu”), e o próprio autor lembrou-se de a tradição Nô.

Deixaremos a busca por análogos ocidentais de Takarazuka e Toji para o leitor - não é difícil encontrá-los. Notemos apenas que é precisamente para combater tais práticas de opressão que se destina uma parte significativa da arte contemporânea - tanto ocidental como japonesa, que vai do superflat à dança butoh.

Japão? Como isso se desenvolveu? Responderemos a essas e outras perguntas no artigo. A cultura japonesa foi formada como resultado de um movimento histórico que começou quando os japoneses se mudaram do continente para o arquipélago e nasceu a civilização do período Jomon.

O atual iluminismo deste povo foi muito influenciado pela Europa, Ásia (especialmente Coreia e China) e América do Norte. Um dos sinais da cultura japonesa é o seu longo desenvolvimento na era do completo isolamento do estado (política sakoku) de todos os outros países durante o reinado do Xogunato Tokugawa, que durou até meados do século XIX - início do período Meiji. era.

Influência

Como se desenvolveu cultura artística Japão? A civilização foi significativamente influenciada pela localização regional isolada do país, clima e características geográficas, bem como fenômenos naturais (tufões e terremotos frequentes). Isto foi expresso na extraordinária atitude da população em relação à natureza como ser vivo. Recurso figura nacional Os japoneses têm a capacidade de admirar a beleza fluida do Universo, que se expressa em muitos tipos de arte em um pequeno país.

A cultura artística do Japão foi criada sob a influência do Budismo, do Xintoísmo e do Confucionismo. Essas mesmas direções influenciaram seu desenvolvimento posterior.

Velhos tempos

Concordo, a cultura artística do Japão é magnífica. O xintoísmo tem suas raízes nos tempos antigos. O budismo, embora tenha surgido antes de nossa era, começou a se espalhar apenas a partir do século V. O período Heian (séculos VIII-XII) é considerado a era de ouro do Estado japonês. No mesmo período, a cultura pictórica deste país atingiu o seu apogeu.

O confucionismo apareceu no século XIII. Nesta fase, ocorreu a separação da filosofia de Confúcio e do Budismo.

Hieróglifos

A imagem da cultura artística japonesa está corporificada em um verso único denominado Neste país, a arte da caligrafia também é altamente desenvolvida, que, segundo a lenda, surgiu a partir de imagens divinas celestiais. Foram eles que deram vida à escrita, por isso a população é sensível a cada sinal da grafia.

Há rumores de que a cultura japonesa foi dada por hieróglifos, já que deles surgiram as imagens que cercam a inscrição. Um pouco mais tarde, começou a ser observada uma forte combinação de elementos de pintura e poesia em uma obra.

Se você estudar um pergaminho japonês, descobrirá que a obra contém dois tipos de símbolos. São sinais de escrita - selos, poemas, colofenos e também pinturas. Ao mesmo tempo, o teatro Kabuki ganhou grande popularidade. Um tipo diferente de teatro - Não - é preferido principalmente pelos militares. sua severidade e crueldade tiveram impacto em Mas forte influência.

Pintura

A cultura artística tem sido estudada por muitos especialistas. A pintura Kaiga, que em japonês significa desenho ou pintura, desempenhou um papel importante no seu desenvolvimento. Essa arte é considerada a pintura mais antiga do estado, caracterizada por um grande número de soluções e formas.

Nele, a natureza ocupa um lugar especial, que define o princípio sagrado. A divisão da pintura em sumi-e e yamato-e existe desde o século X. O primeiro estilo desenvolveu-se próximo ao século XIV. É uma espécie de aquarela monocromática. Yamato-e são pergaminhos dobrados horizontalmente que eram comumente usados ​​​​no design de obras literárias.

Um pouco mais tarde, no século XVII, surgiu no país a impressão em tablets - ukiyo-e. Os mestres retrataram paisagens, gueixas, Atores famosos Teatro Kabuki. Este tipo de pintura teve forte influência na arte da Europa do século XVIII. A tendência emergente foi chamada de “Japanismo”. Na Idade Média, a cultura japonesa ultrapassou as fronteiras do país - começou a ser usada no design de interiores elegantes e modernos em todo o mundo.

Caligrafia

Oh, quão bela é a cultura artística do Japão! A conquista da harmonia com a natureza pode ser vista em todos os seus segmentos. O que é a caligrafia japonesa moderna? É chamado de shodo (“o caminho da notificação”). A caligrafia, assim como a escrita, é uma disciplina obrigatória. Os cientistas descobriram que esta arte surgiu ao mesmo tempo que a escrita chinesa.

A propósito, nos tempos antigos a cultura de uma pessoa era julgada pelo seu nível de caligrafia. Hoje há grande número estilos de escrita, e são desenvolvidos por monges budistas.

Escultura

Como surgiu a cultura japonesa? Estudaremos o desenvolvimento e os tipos desta área da atividade humana com o máximo de detalhes possível. A escultura é o tipo de arte mais antigo do Japão. Antigamente, o povo deste país fazia estatuetas de ídolos e pratos de cerâmica. Então as pessoas começaram a instalar esculturas haniwa feitas de barro cozido nos túmulos.

O desenvolvimento do artesanato escultórico na cultura japonesa moderna está associado à difusão do budismo no estado. Um dos mais antigos representantes dos monumentos japoneses é a estátua de madeira do Buda Amitabha localizada no Templo Zenko-ji.

As esculturas muitas vezes eram feitas de vigas, mas pareciam muito ricas: os artesãos as cobriam com verniz, ouro e cores vivas.

Origami

Você gosta da cultura artística japonesa? Compreender a harmonia com a natureza trará impressões inesquecíveis. Característica A cultura japonesa tornou-se a fonte de incríveis produtos de origami (“papel dobrado”). Essa habilidade deve sua origem à China, onde, de fato, o pergaminho foi inventado.

No início, o “papel dobrado” era utilizado em rituais religiosos. Esta arte só poderia ser estudada pela classe alta. Mas depois da Segunda Guerra Mundial, o origami deixou as casas dos nobres e encontrou admiradores em todo o planeta.

Ikebana

Cada pessoa deveria saber qual é a cultura artística dos países orientais. O Japão trabalhou muito em seu desenvolvimento. Outro componente da cultura deste país incrível é o ikebana (“flores frescas”, “ vida nova cores"). Os japoneses são fãs da estética e da simplicidade. Essas duas qualidades são colocadas em prática. A sofisticação das imagens é alcançada através do aproveitamento benéfico das belezas naturais da vegetação. Ikebana, assim como o origami, também servia como parte de uma cerimônia religiosa.

Miniaturas

Provavelmente muitos já perceberam que a cultura artística China antiga e o Japão estão intimamente interligados. O que é bonsai? Esta é uma habilidade japonesa única de cultivar uma cópia em miniatura quase exata de uma árvore real.

No Japão também é comum fazer netsuke – pequenas esculturas que são uma espécie de chaveiro. Freqüentemente, essas figuras eram anexadas nessa capacidade às roupas japonesas, que não tinham bolsos. Eles não apenas o decoraram, mas também serviram como contrapeso único. Os porta-chaves eram feitos em forma de chave, bolsa ou cesto de vime.

História da pintura

A cultura artística do Japão Antigo interessa a muitas pessoas. A pintura neste país teve origem durante o período Paleolítico Japonês e desenvolveu-se da seguinte forma:

• Período Yamato. Durante a época de Asuka e Kofun (séculos IV-VII), simultaneamente à introdução dos hieróglifos, à criação de um regime estatal baseado no modelo chinês e à popularização do Budismo, muitas obras de arte foram trazidas do Império Celestial para o Japão. . Depois disso no país sol Nascente começou a reproduzir pinturas no estilo chinês.
• Hora de Nara. Nos séculos VI e VII. O budismo continuou a se desenvolver no Japão. Nesse sentido, começou a florescer a pintura religiosa, utilizada para decorar numerosos templos construídos pela aristocracia. Em geral, a era Nara contribuiu mais para o desenvolvimento da escultura e da arte do que para a pintura. As primeiras pinturas deste ciclo incluem pinturas nas paredes internas do Templo Horyu-ji na província de Nara, retratando a vida do Buda Shakyamuni.
• Era Heian. Na pintura japonesa, a partir do século X, a tendência Yamato-e se destacou, como escrevemos acima. Essas pinturas são pergaminhos horizontais usados ​​para ilustrar livros.
• Era Muromachi. No século XIV surgiu o estilo supi-e (aquarela monocromática) e na primeira metade do século XVII. artistas começaram a imprimir gravuras em tablets - ukiyo-e.
• A pintura do período Azuchi-Momoyama contrasta fortemente com a pintura do período Muromachi. Caracteriza-se por um estilo policromado com uso extensivo de prata e, durante este período, gozou de grande prestígio e fama. instituição educacional Kano. Seu fundador foi Kano Eitoku, que pintou tetos e portas de correr para salas separadas. Tais desenhos decoravam castelos e palácios da nobreza militar.
• Era Maiji. A partir do segundo metade do século XIX século, a arte foi dividida em estilos tradicionais e europeus concorrentes. Durante a era Maiji, o Japão passou por grandes mudanças sociais e mudanças políticas no processo de modernização e europeização organizado pelas autoridades. Jovens artistas promissores foram enviados ao exterior para estudar, e pintores estrangeiros vieram ao Japão para criar programas escolares em arte. Seja como for, após a onda inicial de curiosidade sobre estilo artístico No Ocidente, o pêndulo oscilou na direção oposta e o estilo tradicional japonês foi revivido. Em 1880, as práticas artísticas ocidentais foram banidas das exposições oficiais e fortemente criticadas.

Poesia

A cultura artística do Japão Antigo ainda está sendo estudada. A sua peculiaridade é a versatilidade, alguma sintetidade, visto que se formou sob a influência de diferentes religiões. É sabido que a poesia clássica japonesa emergiu da vida cotidiana, agiu dentro dela, e essa realista foi até certo ponto preservada em formas tradicionais poesia moderna - haicai de três versos e tanka de cinco versos, que se distinguem por um caráter de massa claramente expresso. Aliás, é justamente esta qualidade que os distingue do “verso livre” tendente ao elitismo, surgido no início do século XX no Japão sob a influência da poesia europeia.

Você já percebeu que as etapas de desenvolvimento da cultura artística japonesa são multifacetadas? A poesia desempenhou um papel especial na sociedade deste país. Um dos gêneros mais famosos é o haicai; você só pode entendê-lo familiarizando-se com sua história.

Aparecendo pela primeira vez na era Heian, era semelhante ao estilo renga, que era uma espécie de válvula de escape para os poetas que queriam fazer uma pausa nos pensativos poemas waha. O haicai desenvolveu seu próprio gênero no século 16, quando o renga se tornou muito sério e o haicai dependia da linguagem falada e ainda era humorístico.

É claro que a cultura artística do Japão é brevemente descrita em muitas obras, mas tentaremos falar sobre isso com mais detalhes. Sabe-se que na Idade Média um dos gêneros literários japoneses mais famosos era o tanka (“canção lacônica”). Na maioria dos casos, trata-se de um pentaverso, composto por um par de estrofes com um número fixo de sílabas: 5-7-5 sílabas em três versos da primeira estrofe e 7-7 em dois versos da segunda. Quanto ao conteúdo, o tanque utiliza o seguinte esquema: a primeira estrofe representa uma imagem natural específica, e a segunda reflete o sentimento humano que ecoa esta imagem:

• Nas montanhas remotas e distantes
  Faisão de cauda longa cochilando -
  Esta longa, longa noite
  Devo dormir sozinho? ( Kakinomoto no Hitowaro, início do século VIII, tradução de Sanovich.)

Drama japonês

Muitas pessoas afirmam que a cultura artística da China e do Japão é fascinante. Você gosta de artes cênicas? A dramaturgia tradicional da Terra do Sol Nascente é dividida em joruri (teatro de fantoches), dramaturgia Noh (kyogen e yokyouku), teatro Kabuki e Shingeki. Os costumes desta arte incluem cinco gêneros teatrais básicos: kyogen, no, bugaku, kabuki e bunraku. Todas essas cinco tradições ainda estão presentes hoje. Apesar das suas enormes diferenças, eles estão ligados por princípios estéticos comuns que fundamentam a arte japonesa. A propósito, o drama japonês originou-se no palco do Noh.

O teatro Kabuki surgiu no século XVII e atingiu o seu apogeu no final do século XVIII. A forma de performances que se desenvolveu durante este período é preservada no palco moderno do Kabuki. As produções deste teatro, ao contrário dos palcos Noh, que se destinam a um círculo restrito de fãs da arte antiga, destinam-se ao público de massa. As raízes das habilidades do Kabuki originam-se nas performances de comediantes - intérpretes de pequenas farsas, esquetes que consistiam em dançar e cantar. Habilidades teatrais Kabuki absorveu elementos de joruri e Noh.

O surgimento do teatro Kabuki está associado ao nome de um trabalhador do santuário budista O-Kuni em Kyoto (1603). O-Kuni se apresentou no palco com danças religiosas, que incluíam os movimentos das danças folclóricas Nembutsu-odori. Suas performances foram intercaladas com peças cômicas. Nesta fase, as produções eram chamadas de yujo-kabuki (Kabuki das cortesãs), O-Kuni-kabuki ou onna-kabuki (Kabuki feminino).

Gravuras

No século passado, os europeus, e depois os russos, encontraram o fenómeno da arte japonesa através da gravura. Enquanto isso, na Terra do Sol Nascente, desenhar na madeira a princípio não era considerado uma habilidade, embora tivesse todas as propriedades cultura popular- baixo custo, disponibilidade, circulação. Os especialistas em Ukiyo-e souberam alcançar a mais alta clareza e simplicidade tanto na concretização dos enredos como na sua escolha.

Ukiyo-e era uma escola de arte especial, por isso foi capaz de produzir vários artistas notáveis. Assim, a fase inicial do desenvolvimento da gravura em enredo está associada ao nome de Hishikawa Moronobu (1618-1694). EM meados do século 18 século, foi criado o primeiro especialista em gravura multicolorida, Suzuki Harunobu. Os principais motivos de seu trabalho foram cenas líricas, nas quais a atenção não era dada à ação, mas à transmissão de estados de espírito e sentimentos: amor, ternura, tristeza. Como requintado Arte antiga Durante a era Heian, os virtuosos do ukiyo-e reviveram o extraordinário culto da beleza refinada das mulheres num ambiente urbano renovado.

A única diferença era que, em vez dos orgulhosos aristocratas Heian, as gravuras representavam graciosas gueixas dos bairros de entretenimento de Edo. O artista Utamaro (1753-1806) é talvez um exemplo único na história da pintura de um profissional que dedicou totalmente a sua criação à representação de mulheres em diversas poses e trajes, nas mais diversas circunstâncias da vida. Uma de suas melhores obras é a gravura “Geisha Osama”, que se encontra em Moscou, no Museu de Pintura A. S. Pushkin. O artista transmitiu de maneira incrivelmente sutil a unidade de gesto e humor, expressão facial.

Mangá e anime

Muitos artistas estão tentando estudar a pintura japonesa. O que é anime (animação japonesa)? Difere de outros gêneros de animação por seu maior foco no espectador adulto. Aqui há uma divisão duplicada em estilos para inequívoca público-alvo. A medida da fragmentação é o sexo, a idade ou o retrato psicológico do espectador do filme. Muitas vezes, o anime é uma adaptação cinematográfica de um mangá japonês, que também ganhou grande fama.

A parte básica do mangá é destinada ao espectador adulto. Em 2002, cerca de 20% do mercado total de livros japonês era ocupado por quadrinhos mangá.

O Japão está geograficamente próximo de nós, mas, apesar disso, durante muito tempo permaneceu incompreensível e inacessível para todo o mundo. Hoje sabemos muito sobre este país. O longo isolamento voluntário levou ao fato de que sua cultura é completamente diferente das culturas de outros estados.

Tem muito Rica história; a sua tradição é vasta, com a posição única do Japão no mundo influenciando enormemente os estilos e técnicas dominantes dos artistas japoneses. Fato conhecido O facto de o Japão ter estado bastante isolado durante muitos séculos deve-se não só à geografia, mas também à tendência cultural japonesa dominante para o isolamento que marcou a história do país. Durante os séculos do que poderíamos chamar de “civilização japonesa”, a cultura e a arte desenvolveram-se separadamente das do resto do mundo. E isso é perceptível até na prática da pintura japonesa. Por exemplo, as pinturas de Nihonga estão entre as principais obras da prática da pintura japonesa. Baseia-se em mais de mil anos de tradição, e as pinturas são geralmente criadas com pincéis em Vashi (papel japonês) ou Egina (seda).

No entanto, a arte e a pintura japonesas foram influenciadas por práticas artísticas estrangeiras. Primeiro, foi a arte chinesa no século XVI e Arte chinesa e a tradição artística chinesa, que foi particularmente influente em vários aspectos. A partir do século XVII, a pintura japonesa também foi influenciada pelas tradições ocidentais. Em particular durante o período pré-guerra que durou de 1868 a 1945 a pintura japonesa foi influenciada pelo impressionismo e Romantismo europeu. Ao mesmo tempo, os novos movimentos artísticos europeus também foram significativamente influenciados pelas técnicas artísticas japonesas. Na história da arte, essa influência é chamada de "japoneseismo" e é especialmente significativa para os impressionistas, cubistas e artistas associados ao modernismo.

A longa história da pintura japonesa pode ser vista como uma síntese de diversas tradições que criam partes de uma reconhecida estética japonesa. Em primeiro lugar, a arte budista e os métodos de pintura, bem como a pintura religiosa, deixaram uma marca significativa na estética das pinturas japonesas; pintura de paisagens com tinta aquosa na tradição chinesa pintura literária- outro elemento importante reconhecido em muitas pinturas japonesas famosas; pinturas de animais e plantas, especialmente pássaros e flores, são comumente associadas às composições japonesas, assim como paisagens e cenas da vida cotidiana. Finalmente, grande influência A pintura japonesa tinha ideias antigas sobre a beleza provenientes da filosofia e da cultura do Japão Antigo. Wabi, que significa beleza transitória e robusta, sabi (a beleza da pátina natural e do envelhecimento) e yugen (graça e sutileza profundas) continuam a influenciar os ideais na prática da pintura japonesa.

Por fim, se nos concentrarmos na seleção das dez obras-primas japonesas mais famosas, devemos mencionar o ukiyo-e, que é um dos gêneros de arte mais populares no Japão, embora pertença à gravura. Ele dominou Arte japonesa dos séculos XVII a XIX, enquanto artistas pertencentes ao gênero criaram xilogravuras e pinturas com objetos como lindas garotas, atores de Kabuki e lutadores de sumô, bem como cenas da história e contos populares, cenas e paisagens de viagens, flora e fauna e até erotismo.

É sempre difícil compilar uma lista das melhores pinturas de tradições artísticas. Muitas obras incríveis serão excluídas; no entanto, esta lista apresenta dez das pinturas japonesas mais reconhecidas do mundo. Este artigo apresentará apenas pinturas criadas desde o século XIX até os dias atuais.

A pintura japonesa tem uma história extremamente rica. Ao longo dos séculos, os artistas japoneses desenvolveram um grande número de técnicas e estilos únicos que são a contribuição mais valiosa do Japão para o mundo da arte. Uma dessas técnicas é sumi-e. Sumi-e significa literalmente "desenho a tinta" e combina caligrafia e pintura a tinta para criar uma beleza rara de composições desenhadas com pincel. Esta beleza é paradoxal – antiga mas moderna, simples mas complexa, ousada mas moderada, reflectindo sem dúvida a base espiritual da arte no Zen Budismo. Os sacerdotes budistas introduziram blocos de tinta sólida e pincéis de bambu no Japão vindos da China no século VI e, ao longo dos últimos 14 séculos, o Japão desenvolveu uma rica herança de pintura a tinta.

Role para baixo e veja 10 obras-primas da pintura japonesa

1. Katsushika Hokusai “O sonho da esposa do pescador”

Uma das pinturas japonesas mais reconhecidas é “O Sonho da Mulher do Pescador”. Foi pintado em 1814 pelo famoso artista Hokusai. Se você seguir definições estritas, isso Ótimo trabalho Hokusai não pode ser considerado uma pintura, pois é uma xilogravura do gênero ukiyo-e do livro Young Pines (Kinoe no Komatsu), que é um livro shunga de três volumes. A composição retrata uma jovem mergulhadora entrelaçada sexualmente com um par de polvos. Esta imagem foi muito influente nos séculos XIX e XX. A obra influenciou artistas posteriores como Félicien Rops, Auguste Rodin, Louis Aucock, Fernand Knopff e Pablo Picasso.

2. Tessai Tomioka “Abe no Nakamaro escreve um poema nostálgico enquanto observa a lua”

Tessai Tomioka é o pseudônimo de um famoso artista e calígrafo japonês. Ele é considerado o último grande artista da tradição do bunjing e um dos primeiros grandes artistas Estilo Nihonga. Bunjinga foi uma escola de pintura japonesa que floresceu no final da era Edo entre artistas que se consideravam literatos ou intelectuais. Cada um desses artistas, incluindo Tessaya, desenvolveu seu próprio estilo e técnica, mas todos eram grandes fãs de arte chinesa e cultura.

3. Fujishima Takeji “Nascer do sol sobre o Mar do Leste”

Fujishima Takeji foi um artista japonês conhecido por seu trabalho no desenvolvimento do Romantismo e do Impressionismo no movimento artístico yoga (estilo ocidental) do final do século XIX e início do século XX. Em 1905, viajou para França, onde foi influenciado pelos movimentos franceses da época, nomeadamente pelo Impressionismo, como pode ser visto no seu quadro Sunrise over the Eastern Sea, pintado em 1932.

4. Kitagawa Utamaro “Dez tipos de rostos femininos, uma coleção de belezas dominantes”

Kitagawa Utamaro foi um proeminente artista japonês que nasceu em 1753 e morreu em 1806. Ele é certamente mais conhecido por uma série chamada “Dez tipos de rostos femininos. Uma coleção de belezas dominantes, grandes temas de amor da poesia clássica" (às vezes chamada de "Mulheres apaixonadas", contendo gravuras separadas "Amor nu" e "Amor pensativo"). É um dos artistas mais importantes do gênero xilogravura ukiyo-e.

5. Kawanabe Kyosai “Tigre”

Kawanabe Kyosai foi um dos artistas japoneses mais famosos do período Edo. Sua arte foi influenciada pelo trabalho de Tohaku, um pintor da escola Kano do século XVI que foi o único artista de sua época a pintar telas inteiramente a tinta sobre um fundo delicado de ouro em pó. Embora Kyosai seja conhecido como cartunista, ele escreveu alguns dos mais pinturas famosas V História japonesa arte do século XIX. "Tigre" é uma daquelas pinturas que Kyosai usou aquarela e tinta para criar.

6. Hiroshi Yoshida “Fuji do Lago Kawaguchi”

Hiroshi Yoshida é conhecido como uma das principais figuras do estilo Shin-hanga (Shin-hanga é um movimento artístico no Japão do início do século XX, durante os períodos Taisho e Showa, que reviveu a arte tradicional do ukiyo-e, que teve suas raízes nos períodos Edo e Meiji (séculos XVII - XIX)). Ele treinou na tradição da pintura a óleo ocidental, que foi adotada no Japão durante o período Meiji.

7.Takashi Murakami “727”

Takashi Murakami é provavelmente o artista japonês mais popular do nosso tempo. Suas obras são vendidas por preços astronômicos em grandes leilões, e seu trabalho já inspira novas gerações de artistas não apenas no Japão, mas também no exterior. A arte de Murakami inclui uma variedade de mídias e geralmente é descrita como superplana. Seu trabalho é conhecido pelo uso da cor incorporando motivos do tradicional japonês e cultura popular. O conteúdo de suas pinturas é frequentemente descrito como "fofo", "psicodélico" ou "satírico".

8. Yayoi Kusama “Abóbora”

Yaoi Kusama também é um dos artistas japoneses mais famosos. Ela cria em uma variedade de mídias, incluindo pintura, colagem, escultura scat, performance, arte ambiental e instalação, a maioria das quais demonstra seu interesse temático em cores, repetições e padrões psicodélicos. Uma das séries mais famosas deste grande artista é a série “Pumpkin”. Coberta por um padrão de bolinhas, uma abóbora regular em amarelo brilhante é apresentada sobre um fundo líquido. Coletivamente, todos esses elementos formam uma linguagem visual que é inequivocamente fiel ao estilo do artista e que foi desenvolvida e refinada ao longo de décadas de produção e reprodução meticulosas.

9. Tenmyoya Hisashi “Espírito Japonês nº 14”

Tenmyoya Hisashi é um artista japonês contemporâneo conhecido por suas pinturas neo-nihonga. Ele participou do renascimento da antiga tradição da pintura japonesa, que é o completo oposto da pintura japonesa moderna. Em 2000 ele também criou seu um novo estilo butouha, que demonstra uma forte atitude em relação à autoridade sistema artístico através de suas pinturas. "Japanese Spirit No. 14" foi criado como parte de esquema artístico“BASARA”, interpretado na cultura japonesa como o comportamento rebelde da baixa aristocracia durante o período dos Reinos Combatentes para negar aos que estavam no poder a capacidade de alcançar um estilo de vida ideal, vestindo roupas exuberantes e luxuosas e agindo por livre arbítrio, inapropriado para seus classe social.

10. Katsushika Hokusai “A Grande Onda de Kanagawa”

Finalmente, "The Great Wave off Kanagawa" é provavelmente o mais reconhecível pintura japonesa já escrito. Na verdade, é a obra de arte mais famosa criada no Japão. Ele retrata ondas enormes ameaçando barcos na costa da província de Kanagawa. Embora às vezes confundida com um tsunami, a onda, como sugere o título da pintura, é provavelmente simplesmente anormalmente alta. A pintura é feita na tradição ukiyo-e.

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Um comentário:

Boa tarde, queridos leitores! Continuo minha seleção de longas-metragens sobre o Japão que recomendo assistir. Os filmes, assim como os livros, permitem aproximar-se do estilo de vida, da mentalidade e da cultura dos habitantes da terra do sol nascente.

Longas-metragens do Japão:

1.Imperador, filme conjunto Japão e EUA, lançado em 2012, gênero - história militar, dirigido por Pitter Webber. O filme mostra os acontecimentos ocorridos no Japão após a Segunda Guerra Mundial, quando as tropas americanas chegaram ao Japão para restaurar a ordem, prender criminosos de guerra e determinar o curso futuro do desenvolvimento do Japão. A situação é vista através dos olhos de um general americano que estava apaixonado por uma japonesa antes da guerra. Ele precisava determinar o grau de culpa do imperador Hirohito do Japão no início da guerra.

O filme é interessante do ponto de vista histórico, pois mostra acontecimentos reais da época. E o Japão é apresentado não apenas como um país agressor, mas também como um país danificado - cidades foram completamente destruídas e queimadas, centenas de milhares de pessoas foram queimadas na explosão de bombas atômicas.

2.Shinsengumi, ano de produção do filme 1969, produzido no Japão, dirigido por Tadashi Sawashima.

O filme mostra últimos anos governo do xogunato Tokugawa. Quando um pequeno destacamento foi formado a partir de um grupo de samurais livres (ronin) para proteger o último shogun do clã Tokugawa, o chamado destacamento policial autoproclamado. Este destacamento militar de samurais desesperados e corajosos foi liderado por Kondo Isami, um camponês de nascimento. O destacamento era famoso por sua destreza militar insuperável em combate mão-a-mão e as ideias da vitória do shogunato sobre o poder imperial.

Sobre o mesmo tema, você encontra um documentário que resgata os acontecimentos da época e faz uma avaliação objetiva da atuação do destacamento Shinsengumi e de seu comandante Kondo Isami. O filme é baseado em acontecimentos históricos e o longa-metragem praticamente não altera a essência do documentário.

3. Lâmina Oculta, produzido no Japão, lançado em 2004, dirigido por Yoji Yamada. O gênero do filme é drama, melodrama. O filme se passa em meados do século 19 no pequeno principado de Unasaku, na costa noroeste do Japão. Nesse período ocorreram grandes mudanças no país, os samurais se reajustaram ao estilo ocidental e dominaram as armas de fogo e novos métodos de guerra. Começa um conflito entre o antigo modo de vida e tudo o que é novo que está rapidamente tomando conta da vida dos japoneses.

Tendo como pano de fundo a relação entre um homem e uma mulher, surge discretamente a imagem de um samurai, que consiste no cumprimento estrito das regras de honra, dignidade e honestidade. Depois de assistir a este filme, você mais uma vez chega à conclusão de que o estereótipo de que os samurais são uma classe militante está errado. Nas palavras do herói do filme, “para um samurai, matar uma pessoa é tão difícil quanto para qualquer outra pessoa”.

4.Meus dias chuvosos, produzido no Japão em 2009, gênero drama. O filme retrata a vida de estudantes praticando enjo-kasai. Tudo muda quando personagem principal conhece um jovem, professor de história. Este filme romântico fala sobre o desenvolvimento do relacionamento entre eles. Um filme muito doce e comovente.

5. Amor em um nível especial— produzido no Japão, do diretor de cinema Naoto Kumazawa, lançado em 2014, gênero melodrama.

Tudo começa no ensino médio, Kururuki Yuni é uma estudante do ensino médio, inteligente, tem notas altas em todas as disciplinas, exceto inglês. Ela é decidida e inteligente, esconde todas as emoções profundamente dentro de si e, portanto, é muito solitária.

A jovem professora de inglês Sakurai dá aulas diárias para Yuni. O que o fez fazer isso? O desejo de ensinar a língua a Kukuruki ou o desejo de tirar a garota de sua concha. Mas seja o que for, aulas adicionais língua Inglesa levou a um resultado que ninguém esperava. O filme é fofo, todas as ações acontecem lentamente com conjunto mínimo palavras e jogos de sentimentos, belos atores, acompanhamento musical tranquilo. Projetado para um público feminino adolescente. Pode parecer um pouco prolongado.

6. Quero te abraçar— produzido no Japão, pelo diretor de cinema Akihiko Shioto, lançado em 2014.

A triste e comovente história da relação entre o menino Masami e a menina Tsukasa é baseada em acontecimentos reais. O filme se passa na ilha de Hokkaido. Um dia, um grupo de jovens que joga basquetebol chega ao ginásio, que estava reservado para o mesmo horário por um grupo de deficientes. Este evento permitiu que o taxista Masami, que jogava basquete desde a escola, conhecesse Tsukasa, que como resultado acidente de carro ficou incapacitado.

Tsukasa não gosta de ser tratado como uma pessoa com deficiência. Tendo sobrevivido às graves consequências do acidente e gradualmente retornado à vida, ela se tornou forte. Masami, por sua vez, é uma pessoa gentil e gentil. A relação deles não foi compreendida pelos pais de ambos os lados, mas, apesar disso, os jovens continuaram a se encontrar. Percebendo que a relação entre os jovens era sincera, os pais também se apaixonaram por Tsukasa. Houve um casamento maravilhoso de um belo jovem e uma garota em cadeira de rodas, mas a vida tem seu próprio caminho...