Ajuda na Tele2, tarifas, dúvidas

Mudanças na vida cotidiana e seu impacto nas artes e ofícios. Características de ornamento e decoração estilos artísticos Barroco, Rococó, Classicismo.

Fabricação de prata e ouro: escola de São Petersburgo, artesãos e manufaturas de Moscou, prata niello de Veliky Ustyug. Novos tipos de pratos em metais preciosos e não ferrosos: bules, cafeteiras, bouillottes, samovares. Utensílios domésticos e de igreja. Regalias do estado. Encomendas e medalhas. Esmaltes. Artistas de esmalte A.G. Ovsov, G.S. Musikiysky.

O surgimento da porcelana russa. D.I.Vinogradov. Fábricas de porcelana imperiais e privadas. Majólica, faiança. Arte em vidro. Tecidos decorativos e tapeçarias. Novidade em roupas. Armários e móveis tipográficos. Marchetaria. Escultura em madeira em interiores civis e de igrejas. Tripulações. Pedra decorativa. Camafeus.

Artesanato popular artístico. Fundo esculpido e incrustado de Gorodets. Escultura em osso Kholmogory. Bordado de ouro da província de Tver. Renda de Galich e Vologda. Cerâmica de Gzhel.

Música e teatro no século XVIII

Polifônico canto coral. Arestas. Música instrumental e orquestras. Arte da ópera. Balé. Música no tribunal, na cidade e vida camponesa. O surgimento de uma nação escola de compositor. E. I. Fomin. I. E. Khandoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S.Berezovsky. A. O. Kozlovsky.

Tentativas de criar um teatro público acessível sob Pedro, o Grande. Apresentações amadoras na corte. Teatros escolares em espiritual e secular instituições educacionais. Trupes profissionais de atores estrangeiros.

Drama do classicismo russo: tragédias e comédias. A influência do sentimentalismo no repertório teatral. O surgimento do drama e ópera cômica no palco russo. A.P. Sumarokov é dramaturgo e figura teatral. Criador do russo teatro profissional, ator e diretor FG Volkov. Seu amigo e seguidor I. A. Dmitrevsky. Apresentações teatrais de massa.

Teatro Fortaleza. Trupe do Conde P. B. Sheremetev. PI Kovaleva-Zhemchugova, TV Shlykova-Granatova e outros artistas. Teatro do Palácio em Ostankino. Teatro Popular.

ABREVIATURAS DOS NOMES DAS PRINCIPAIS COLEÇÕES DE MUSEUS MENCIONADAS NA LISTA DE MONUMENTOS CULTURAIS

BAN - Biblioteca Academia Russa Ciências (São Petersburgo)

VMDPNI - Museu Russo de Artes Decorativas e Aplicadas Arte folclórica(cidade de Moscou)

Museu Histórico Estadual - Estadual Museu Histórico(cidade de Moscou)

HMGS - Museu Estadual de Escultura Urbana (São Petersburgo)

GMMK - Museus Estatais do Kremlin de Moscou (Moscou)

GNIMA - Museu Estadual de Arquitetura de Pesquisa Científica (Moscou)

GOP - Câmara de Arsenal do Estado (Moscou)

Museu Estatal Russo - Museu Estatal Russo (São Petersburgo)

Galeria Tretyakov - Estado Galeria Tretyakov(cidade de Moscou)

GE - Museu Hermitage do Estado(São Petersburgo)

ZIKHMZ - antigo Zagorsk (agora Sergiev-Posad) histórico- Museu de Arte-reserva (Sergiev Posad, região de Moscou)

MIFA - Museu de Tesouros Históricos da Ucrânia (Kiev)

MPIB - Museu de Arte Aplicada e Vida do Século XVII "A Catedral dos Doze Apóstolos e as Câmaras Patriarcais no Kremlin de Moscou" (Moscou)

GPS - Museu-Reserva dos Estados Unidos de Novgorod (Novgorod)

NGP - Câmara Facetada de Novgorod (Novgorod)

SHM - Museu de Arte de Samara (Samara)

MONUMENTOS DA CULTURA RUSSA

SEÇÃO I. HISTÓRIA DA CULTURA RUSSA NA IDADE ANTIGA E MÉDIA

(ATÉ O FINAL DO SÉCULO XVII)

ARQUITETURA FOLK DE MADEIRA

EDIFÍCIOS DE CULTO

1. Igrejas Kletsky: Igreja de Lázaro do Mosteiro de Murom (séculos XIV-XVI) - Reserva Natural Kizhi; Igreja da Deposição do Manto da aldeia de Borodavy (século XV) - Museu-Reserva Kirillo-Belozersky; Igreja da Transfiguração da aldeia de Spas-Vezhi (século XVII) - Museu-Reserva de Kostroma; Igreja de São Nicolau da aldeia de Tukholya (século XVII) - Museu-Reserva de Novgorod "Vitoslavlitsy"; Capela de Miguel Arcanjo da aldeia de Lelikozero (século XVIII) - Museu-Reserva Kizhi; Igreja de São Nicolau da aldeia de Glotova (século XVIII) - Museu-Reserva de Suzdal.

2. Igrejas de tendas: Igreja de São Nicolau na aldeia de Lyavlya (século XVI); Igreja de São Jorge da aldeia de Vershina (século XVII) - Museu-Reserva de Arkhangelsk "Malye Korely"; Igreja da Ressurreição da aldeia de Patakino (século XVIII) - Reserva-Museu Suzdal; Igreja da Assunção (século XVIII) na cidade de Kondopoga.

Como parte da celebração do 35º aniversário, o Museu Russo de Artes Decorativas, Aplicadas e Folclóricas abre uma exposição permanente atualizada “Artes Decorativas e Aplicadas” Rússia XVIII- primeiro terço do século XIX."

“Pedro, o Grande, desafiou a Rússia, e ela respondeu com Pushkin,” - bordão A. N. Herzen define com mais precisão o significado e os limites da época a que é dedicada a exposição destas salas. Os objetos aqui apresentados são marcos vivos que marcaram a formação e o florescimento da cultura nacional no seio da Europa tradição cultural Novo tempo. Capturam as mudanças no modo de vida e nas orientações artísticas, a transformação do antigo e o surgimento de novas formas temáticas, técnicas e até tipos de artes decorativas e aplicadas.

A concepção da nova exposição baseia-se no princípio de apresentar as peças como objectos artísticos únicos, que se combinam em blocos temáticos, estilísticos e tipológicos. Esta solução permite avaliar a importância de cada peça do ponto de vista da época, do estilo, do desenvolvimento de um determinado tipo de arte decorativa e aplicada e centra a atenção no seu valor artístico intrínseco.

O cenário de inspeção é construído com base na solução espacial da exposição, não só significativamente (em termos de tipologia, tema, estilo e cronologia), mas também visualmente - desde a época de Pedro, o Grande, até Biedermeier.

Terrina (terrina) com tampa 1795

Os temas centrais da nova exposição: “A Era da Mudança: a virada dos séculos XVII para XVIII”, que fica ao lado dos chamados “primitivos do século XVIII”, que traduziram em formas as realidades dos tempos modernos arte tradicional; "Clássico Russo XVIII século", representando a era de Pedro a Paulo em grandes exemplos de arte da corte, bem como "Império Russo" e "Nas Salas", demonstrando duas facetas da cultura russa do primeiro terço do século XIX - o brilhante estilo imperial e a formação de uma cultura de vida privada, correlacionada com o fenômeno do Biedermeier alemão Ao mesmo tempo, a exposição permite visualizar as obras na linha habitual - por tipo de arte, destacando mobiliário, arte metálica, vidro, porcelana, cerâmica, arte de lapidação, osso e miçangas.

Objetos eclesiásticos únicos como a Cruz Relicária e a Panagia, que datam do século XVII, merecem especial atenção. Foram confeccionados com uma técnica cara na época – o esmalte de filigrana. Entre as primeiras exposições estão baús com molduras de metal e acabamentos decorativos, tinteiros, utensílios de latão Ural do século XVII - início do XVIII século. Um exemplo notável de utensílios de mesa de metal representativos cerimoniais para servir de mesa são as canecas de latão da fábrica Demidov, nos Urais.

Itens de serviço de mesa e itens de bandeja foram então feitos usando diferentes técnicas. Por exemplo, duas taças de vidro azul escuro com os monogramas “EML” e “WGS”, produzidas pela Imperial Glass Factory, são um raro exemplo de produtos pintados do final do século XVIII – início do século XIX século. Os monogramas latinos nas xícaras pertencem ao enviado sueco à Rússia em 1793, Werner Gottlob von Schwenir - “WGS” - e à sua mãe Ebbe Maria Lagerbring - “EML”. As taças foram guardadas por mais de dois séculos no Castelo Skarhult, Skåne (Suécia), sendo um tesouro de família.

A exposição apresentará exemplares únicos de mobiliário palaciano russo dos séculos XVIII a XIX, entre os quais se destacam as mesas de xadrez e de cartas feitas na técnica de marchetaria. Entre as exposições estão móveis típicos do primeiro metade do século XIX séculos, dois slides de rara qualidade no estilo “Jacó” chamam a atenção. Duas cadeiras desenhadas por Osip Ivanovich Bove também pertencem à mesma época. De interesse também é o relógio de lareira “Minin e Pozharsky” feito pelo bronzeador parisiense Pierre-Philippe Thomire e, reproduzindo em formato de interior, monumento famoso Ivan Martos em pé na Praça Vermelha.

Bove I.O. Poltrona Primeiro quartel do século XIX

Um lugar especial na exposição é ocupado pela tapeçaria “O Resgate dos Pescadores”, realizada na Flandres numa oficina desconhecida na segunda metade do século XVII – início do século XVIII. Ingressou no VMDPNI em 1999 com o acervo do Museu de Arte Popular que leva seu nome. S. T. Morozova. O tema da tapeçaria é emprestado da Bíblia: no centro da composição está representado um dos milagres - “Caminhando sobre as Águas”. A treliça foi restaurada em várias etapas - foi parcialmente restaurada por especialistas do Museu de Arte Popular. S. T. Morozov, e já em 2014, a restauração completa foi concluída por restauradores especializados Museu de Toda a Rússia arte decorativa, aplicada e popular. Assim, a treliça encontrou vida nova e será apresentado na exposição pela primeira vez.

As seções temáticas correspondentes apresentam luminárias em vidro e cristal, peças de interior em porcelana e bronze do final do século XVIII ao XIX. Cada exposição é um exemplo de referência de um estilo particular, captando o espírito de sua época e representando as possibilidades de habilidade artística e técnica.

Esta solução espacial para a exposição permitirá ao museu organizar excursões e programas especiais da forma mais eficaz e interessante. As exposições mais interessantes e significativas serão apresentadas com anotações ampliadas, bem como suporte com códigos QR, graças aos quais os visitantes poderão obter informações mais detalhadas. A exposição está equipada sistema moderno equipamento de iluminação. Graças à sua elevada interactividade, a nova exposição promete ser mais viva e interessante, bem como promover o diálogo criativo com os visitantes, especialmente com crianças e jovens.

Exposição atualizada

“Arte decorativa e aplicada da Rússia no século XVIII - primeiro terço do século XIX”

Como parte da celebração do seu 35º aniversário, o Museu Russo de Artes Decorativas, Aplicadas e Folclóricas inaugurou uma exposição permanente atualizada “Arte Decorativa e Aplicada da Rússia no século XVIII - Primeiro Terço do Século XIX”.

“Pedro, o Grande, desafiou a Rússia, e ela respondeu com Pushkin”, é o bordão de A.N. Herzen define com mais precisão o significado e os limites da época à qual a exposição dessas salas é dedicada. Os objetos aqui apresentados são marcos vivos que marcaram a formação e o florescimento da cultura russa no seio da tradição cultural europeia da Nova Era. Capturam as mudanças no modo de vida e nas orientações artísticas, a transformação do antigo e o surgimento de novas formas temáticas, técnicas e até tipos de artes decorativas e aplicadas.

A concepção da nova exposição baseia-se no princípio de apresentar as peças como objectos artísticos únicos, que se combinam em blocos temáticos, estilísticos e tipológicos. Esta solução permite avaliar a importância de cada peça do ponto de vista da época, do estilo, do desenvolvimento de um determinado tipo de arte decorativa e aplicada e centra a atenção no seu valor artístico intrínseco.

O cenário de inspeção é construído com base na solução espacial da exposição, não só significativamente (em termos de tipologia, tema, estilo e cronologia), mas também visualmente - desde a época de Pedro, o Grande, até Biedermeier.

Os temas centrais da nova exposição são: “A Era da Mudança: a virada dos séculos XVII-XVIII”, que inclui os chamados “primitivos do século XVIII”, que traduziram as realidades dos tempos modernos nas formas de arte tradicional; “Clássicos do século XVIII russo”, representando a época de Pedro a Paulo em grandes exemplos de arte da corte, bem como “Império Russo” e “Nos quartos”, demonstrando duas facetas da cultura russa do primeiro terço do século XIX século - o brilhante estilo imperial e a formação de uma cultura da vida privada, correlacionada com o fenômeno do Biedermeier alemão. Ao mesmo tempo, a exposição permite visualizar as obras na linha habitual - por tipo de arte, destacando-se o mobiliário, o metal artístico, o vidro, a porcelana, a cerâmica, a arte da lapidação, o osso e as miçangas.

Objetos eclesiásticos únicos como a Cruz Relicária e a Panagia, que datam do século XVII, merecem especial atenção. Eles foram feitos com uma técnica cara na época - o esmalte de filigrana. Entre as primeiras exposições estão baús com molduras de metal e acabamentos decorativos, tinteiros e utensílios de latão dos Urais do século XVII ao início do século XVIII. Um exemplo notável de utensílios de mesa de metal representativos cerimoniais para servir de mesa são as canecas de latão da fábrica Demidov, nos Urais.

Itens de serviço de mesa e itens de bandeja foram então feitos usando diferentes técnicas. Por exemplo, duas taças de vidro azul escuro com os monogramas “EML” e “WGS”, produzidas pela Imperial Glass Factory, são um raro exemplo de produtos pintados do final do século XVIII - início do século XIX. Os monogramas latinos nas xícaras pertencem ao enviado sueco à Rússia em 1793, Werner Gottlob von Schwenir - "WGS" - e à sua mãe Ebbe Maria Lagerbring - "EML". As taças foram guardadas por mais de dois séculos no Castelo Skarhult, Skåne (Suécia), sendo um tesouro de família.

Na exposição você pode ver exemplos únicos de mobiliário palaciano russo dos séculos XVIII-XIX, entre os quais se destacam as mesas de xadrez e cartas feitas na técnica de marchetaria. Entre as exposições de mobiliário típico da primeira metade do século XIX, destacam-se dois armários de rara qualidade em estilo jacobino. Duas cadeiras desenhadas por Osip Ivanovich Bove também pertencem à mesma época. De interesse também são o relógio de lareira “Minin e Pozharsky” do bronzeador parisiense Pierre-Philippe Thomire e, reproduzindo em formato interior, o famoso monumento a Ivan Martos situado na Praça Vermelha.

Um lugar especial na exposição é ocupado pela tapeçaria “O Resgate dos Pescadores”, realizada na Flandres numa oficina desconhecida na segunda metade do século XVII - início do século XVIII. Ingressou no VMDPNI em 1999 com o acervo do Museu de Arte Popular que leva seu nome. ST. Morozova. O tema da tapeçaria é emprestado da Bíblia: no centro da composição está representado um dos milagres - “Caminhando sobre as Águas”. A treliça foi restaurada em várias etapas - foi parcialmente restaurada por especialistas do Museu de Arte Popular. ST. Morozov, e já em 2014, uma restauração completa foi concluída por restauradores especializados do Museu Russo de Artes Decorativas, Aplicadas e Folclóricas. Assim, a treliça ganhou uma nova vida e será apresentada pela primeira vez na exposição.

As seções temáticas correspondentes apresentam luminárias em vidro e cristal, peças de interior em porcelana e bronze do final do século XVIII ao XIX. Cada exposição é um exemplo de referência de um estilo particular, captando o espírito de sua época e representando as possibilidades de habilidade artística e técnica.

Esta solução espacial para a exposição permite ao museu organizar excursões e programas especiais da forma mais eficaz e interessante. As exposições mais interessantes e significativas serão apresentadas com anotações ampliadas, bem como suporte com códigos QR, graças aos quais os visitantes poderão obter informações mais detalhadas. A exposição está equipada com um moderno sistema de equipamentos de iluminação. Graças à sua elevada interactividade, a nova exposição promete ser mais viva e interessante, bem como promover o diálogo criativo com os visitantes, especialmente com crianças e jovens.

Lugar importante em cultura XVIII V. ocupada pelas artes decorativas e aplicadas. O design de interiores em estilo rococó tornava o espaço leve, as paredes pareciam finas, escondidas atrás de painéis decorativos e espelhos que se refletiam, e as telas desempenhavam um papel importante. Os móveis tornam-se elegantes, parecem frágeis e assumem formas bizarras. EM esquema de cores O papel de parede e os móveis são dominados por cores pastel.

A sala deveria dar a impressão de um boudoir (uma sala destinada à comunicação apenas com pessoas próximas).

Os interiores rococó eram frequentemente complementados por produtos chineses genuínos: telas, porcelanas, pinturas em laca ou composições decorativas estilizadas como pintura chinesa.

De meados do século XVIII. Com o desenvolvimento do neoclassicismo, o design de interiores tornou-se simples e bastante rigoroso. Se os interiores franceses foram um exemplo do Rococó, os ingleses foram um exemplo do Neoclassicismo. Os interiores do arquiteto inglês tornaram-se especialmente famosos Roberto Adão(1728-1792). Ao criar solares, o artista os decorou com colunas, pilastras e esculturas. Este estilo foi chamado de “estilo Adam”. Distingue-se pela sua graça e decoratividade, que às vezes inclui organicamente objetos antigos genuínos.

Em roupas e penteados do século XVIII. uma mudança de estilos também é revelada. Na época de Luís XV, a aparência de uma pessoa tornava-se uma obra de arte: os banheiros da nobreza eram elaborados e sofisticados, os penteados fantásticos (as perucas entraram na moda), as manchas pretas no rosto empoado tornaram-se linguagem especial em um diálogo amoroso. “Uma mulher, vestida e penteada como um brinquedo, e calçando sapatos estreitos de salto alto, tinha que andar com muito cuidado para manter o equilíbrio e não desmoronar - isso desenvolveu o hábito do andar flutuante e dos movimentos suaves do minueto. Eles queriam ver uma mulher como uma boneca preciosa, uma ave do paraíso ou uma flor primorosa. O fantástico e caprichoso ambiente arejado dos interiores rocaille combinava com essas criaturas” (2, 45).

Um terno, principalmente feminino, torna-se uma obra de arte. Esse traje era desconfortável e pouco prático, mas extremamente atraente.

O terno masculino era tão elegante quanto o feminino, e foram escolhidos delicados tons pastéis.

O amor por tudo que é elegante contribuiu para o florescimento da joalheria e da porcelana.

O apogeu da arte da porcelana europeia também ocorreu em meados do século XVIII. e está associado ao estilo Rococó. As mais famosas são a porcelana francesa da cidade de Sèvres e a porcelana alemã de Meissen (Saxônia). Em suas composições, os mestres de Meissen retratavam “festividades galantes” - o entretenimento sofisticado dos aristocratas.

O Rococó não era um estilo como o Gótico e o Barroco, não se tornou grande e holístico direção artística. A difusão dos gostos da época da Regência foi preparada pelo próprio destino Nobreza francesa, que prosperou no século XVIII. em apenas uma coisa - na organização de um ambiente seguro e vida feliz. Era uma vida ociosa, cercada de luxo elegante. A arte era um adorno para a vida ociosa da nobreza francesa.

Desempenhe um papel especial Artes decorativas(até a gastronomia é elevada ao nível da arte).

A principal tarefa da arte é agradar: a própria arte é identificada com luxo, ludicidade e zombaria.

Os espelhos tornam-se uma decoração de parede preferida, pois são colocados frente a frente, proporcionando uma infinidade de reflexos.

A necessidade de bens de luxo criou ramos inteiros da produção artística na França graças ao trabalho de marceneiros, tecelões, modelistas, joalheiros e bordadores.

Os motivos decorativos favoritos do Rococó são conchas, caules e flores.

No campo da decoração, o neoclassicismo voltou-se para o interior dos salões, decorados de forma antiga. As façanhas do exército napoleônico trouxeram novos motivos decorativos: espadas, estandartes. Durante a era napoleônica, ocorreram mudanças nas roupas e nos penteados. A moda se espalha por tudo que é antigo: desde a silhueta e o corte dos vestidos que lembram chitons e túnicas, até os cachos soltos que caem livremente. Não apenas as crinolinas e as argolas desapareceram, mas também os diamantes; pedras esculpidas em molduras (gemas) entraram na moda.

Ao contrário de outras formas de arte, música XVIII V. O barroco como movimento de estilo ainda estava amplamente representado. Os maiores mestres A era barroca na música tornou-se Bach e Handel.

João Sebastião Bach(1685-1750) foi o maior músico do século XVIII, e o poder da sua música está cada vez maior. Seu trabalho de composição foi surpreendentemente versátil, apesar de sua vida aparentemente modesta (ele era cantor - líder e regente de um coro de igreja). Desde a infância, Bach foi profundamente religioso e aderiu à religião protestante. Foi a Reforma na Alemanha que trouxe à tona o fervor do coral protestante (canto coral). Tendo feito cerimônia da igreja mais simples e rigoroso, o protestantismo aumentou a importância da música nele. A igreja tornou-se o centro da arte musical e o organista da igreja era o seu representante. A arte do órgão foi extremamente difundida na Alemanha e por isso não é surpreendente que o órgão tenha acompanhado toda a vida de Bach. O seu património organístico inclui vários géneros, entre os quais se destacam os prelúdios corais e os ciclos polifónicos de duas partes. eu fuga A música de Bach expressa humildade religiosa, pathos, lirismo e impulso. Junto com a naturalidade e a simplicidade, suas obras são caracterizadas pela sublimidade e pelo significado. Entre as criações musicais de Bach há um grande número de verdadeiras obras-primas que receberam reconhecimento mundial.

Ao lado de Bach está outra grande figura do barroco musical -George Friedrich Handel(1685-1759). Sua vida foi passada em grande Cidades europeias, ele ficou excelente educação musical. A primeira ópera que Rinaldo encenou em Londres trouxe fama a Handel. Handel escreveu música em vários gêneros, mas o ápice de seu legado são os oratórios (grandes obras vocais-sinfônicas com enredo desenvolvido). Fonte literária O oratório mais famoso do compositor foi a primeira parte da Bíblia - Antigo Testamento. Handel viveu na Inglaterra e seus acontecimentos história política, bem como o alcance épico das histórias bíblicas, não poderiam deixar de despertar o seu interesse.

O compositor foi caracterizado principalmente por temas civis. Eleger histórias bíblicas, Handel admira o poder das paixões humanas. Foi a paixão, o dinamismo e a imagem de confronto que caracterizaram o Barroco.

Se a primeira metade do século XVIII. Na música, o Barroco foi definido como um estilo musical, então sua segunda metade tornou-se o apogeu da obra dos compositores da escola clássica vienense:

Gluck, Haydn, Mozart e Beethoven. As maiores conquistas do classicismo foram associadas a Viena, capital do vasto Império Austríaco, uma cidade totalmente saturada de música.

vienense escola clássica correspondia aos humores e ideias do Iluminismo. Arte musical refletiu buscas espirituais e contraditórias processos artísticos do seu tempo. Por exemplo, Lessing influenciou a obra de Mozart.

Os princípios do classicismo encontraram sua implementação na música do Iluminismo.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) entrou para a história da música como um reformador da arte da ópera, que lançou as bases para uma nova estilo de ópera. As óperas que Gluck escreveu eram inusitadas tanto no conteúdo quanto na forma de expressar os sentimentos dos personagens. As atividades de Gluck aconteceram em Viena e Paris e também estiveram associadas a polêmicas em filosofia e estética, nas quais estiveram envolvidos educadores. Eles criticavam a ópera da corte e acreditavam que o teatro antigo combinava idealmente música, plasticidade e declamação.

Gluck tentou dramatizar a ópera, dar-lhe veracidade e naturalidade. Todos melhores óperas Gluck, começando com Orfeu, foram escritos precisamente em histórias antigas, neles o compositor encontrou personagens poderosos e paixões fortes. Durante a vida de Gluck, suas óperas causaram grande polêmica, mas o tempo mostrou a viabilidade dos princípios, e não é por acaso que outros compositores de destaque também os implementaram.

José Haydn(1732-1809) permaneceu como maestro (líder da capela coral e orquestral) durante quase três décadas, dedicando apenas o seu tempo livre à composição musical. Se Gluck reformou a ópera, Haydn criou sinfonias perfeitas. Dele caminho criativo passou por diferentes eras artísticas, mas a obra do compositor foi associada justamente ao Iluminismo. O Iluminismo acreditava no progresso da sociedade e do homem, e a música de Haydn expressa otimismo e o desejo de felicidade. As criações de Haydn são bastante racionalistas: caracterizam-se pela consideração e harmonia, o que também está em sintonia com os princípios racionalistas do Iluminismo.

Em seus oratórios, Haydn aborda o tema da natureza, cujo culto era característico de um iluminista como Rousseau. Foi Haydn quem se tornou o compositor mais brilhante do Iluminismo.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) começou a compor em primeira infância, ele viajou muito e ganhou fama cedo. Tal como Gluck, Mozart tornou-se um grande reformador da ópera, não só sinfonizando-a, mas também actualizando-a. Ao escolher uma peça como “Dia Louco ou As Bodas de Fígaro”, Mozart mostrou seu compromisso com ideias educacionais. EM " Flauta Mágica“O compositor representa uma espécie de utopia, próxima da fé do Iluminismo no progresso moral da humanidade. A música de Mozart combina surpreendentemente naturalidade e harmonia, sinceridade e perfeição, clareza impecável e excitação vibrante. A maior conquista A música de Mozart tornou-se o famoso "Requiem" - sua última composição.

Alemão compositor Ludwig van Beethoven(1770-1827) passou a maior parte da sua vida em Viena. Seus escritos também trazem a marca do Iluminismo. O compositor se destacou justamente nos gêneros sonata e sinfonia, que finalmente ganharam corpo nesta época. Suas obras revelam a consideração de todo o plano e dos detalhes individuais, e a clareza das formas.

Nas suas obras mais famosas está corporificado o tema heróico, o tema da luta, que está associado tanto à personalidade do próprio compositor como às peculiaridades da sua biografia: os acontecimentos do Grande revolução Francesa ele sobreviveu quando era um jovem de dezenove anos. Embora as ideias do Iluminismo fossem características da música de Beethoven, ele já representa nova era, antecipando o romantismo. Estilo musical compositor difere da arte dos outros Clássicos vienenses escopo, drama, poder emocional. São elas a “Sonata Pathétique”, a Terceira Sinfonia (“Eroica”), a Quinta e a Nona Sinfonias, especialmente a “Ode à Alegria”, que conclui a última. Todo o legado de Beethoven teve um impacto tremendo no desenvolvimento da música, especialmente na formação do romantismo.

O estilo de meados do século também afeta as artes e ofícios. Produtos feitos de porcelana, por exemplo, o serviço “Próprio” de Elizaveta Petrovna, e outros materiais são caracterizados por formas curvilíneas, além de ricos ornamentos moldados, que remontam em design à concha e aos brotos flexíveis das plantas. A silhueta caprichosa dos objetos é combinada organicamente com cores vivas, abundância de dourados e brilho de superfícies espelhadas, complementando a imagem festiva do interior.

Pintura da primeira metade do século XVIII

Desde a era de Pedro, o Grande, a pintura passou por enormes mudanças. A arte da pintura de cavalete com sua semântica e características composicionais. A perspectiva reversa está sendo substituída pela transmissão direta e associada da profundidade do espaço. A característica mais importante é a representação da figura de acordo com os princípios da correção anatômica. Estão surgindo novos meios de transmissão de volume. A qualidade mais importante é o claro-escuro, que substituiu a linha de contorno convencionalmente simbólica. A própria técnica da pintura a óleo, com suas características técnicas específicas e sistema de relações de cores, está firmemente, embora não imediatamente, entrando no uso artístico. A sensação de textura é intensificada. O artista ganha a capacidade de transmitir as propriedades específicas do veludo macio, da pele áspera de arminho, do pesado brocado de ouro e da renda fina. EM imagem do enredo novos princípios de interconexão de figuras podem ser traçados. A imagem do corpo nu constitui uma nova e a tarefa mais difícil. A própria estrutura da pintura torna-se mais ramificada. Do início do século XVIII arte secular cultiva tipos diferentes trabalhos de cavalete, pintura monumental em forma de painéis e abajures, escrita em miniatura. O retrato inclui todas as variedades conhecidas - frontal, de câmara, regular e fantasiada, dupla e emparelhada. Artistas dominam a alegoria e histórias mitológicas. A presença destas características, embora inicialmente reveladas de forma conciliatória, permite-nos falar da emergência de um novo tipo de pintura.

Os primeiros passos para o desenvolvimento de um retrato estão ligados às atividades da oficina de pintura do Arsenal. As obras feitas por mestres russos e estrangeiros tendem a ser de natureza parsuna. De todas as opções tipológicas, a parsuna dá preferência ao retrato cerimonial e encontra-se nesta qualidade em diversas variedades. Dentre elas, a “tese-retrato” é a mais arcaica. Combina dentro do espaço de ícones convencional imagens de retrato e numerosas inscrições explicativas. Também podemos falar de um “retrato de apoteose”. Estas são pinturas de retratos que simbolizam façanhas de armas Peter I. Distribuído e retratos comuns Peter, Menshikov, Sheremetev à vista e a cavalo.

O espaço é tratado em todos os lugares de uma maneira muito estereotipada, e a disposição geral dos objetos serve antes como uma designação simbólica de relações espaciais reais. O problema do espaço interno e externo é resolvido de forma igualmente convencional em termos de significado e escala. Parsuna se afasta um pouco da riqueza de cores característica da pintura de ícones do século XVII. No entanto, a meticulosa representação da ornamentação das vestes e dos vários detalhes conferem às telas uma elevada qualidade decorativa.

O mestre ainda não domina totalmente os novos princípios de transmissão de volume, combinando rostos pintados enfaticamente convexos e roupas com estampas planas. Tamanhos grandes As telas, o seu espírito imponente, a riqueza do mobiliário e a exposição de jóias pretendem ilustrar significado social retratado. A imagem é autônoma, está focada em si mesma e é indiferente aos outros. A pintura, que ainda não amadureceu para transmitir o indivíduo, à sua maneira tenta perceber os traços inerentes a um determinado personagem. Contudo, o geral e o individual ainda não foram fundidos numa unidade orgânica, e as propriedades específicas mal aparecem sob a máscara tipificadora combinada.

A linha Parsuna, que existiu durante relativamente pouco tempo, principalmente na década de 80 e sobretudo na década de 90 do século XVII, encontrou posteriormente um fluxo muito forte de obras de artistas estrangeiros e reformados, que praticamente a substituíram. Ao mesmo tempo, não se deve pensar que se trata de um episódio acidental no processo geral de desenvolvimento do retrato russo. Tendo sido afastado das suas posições principais, o Parsuna continuou a existir. Além disso, suas características apareceram no trabalho de vários artistas avançados como evidência de uma transição incompleta da escrita medieval para uma nova maneira. Nesta qualidade pode ser encontrado nas obras de I. Nikitin, I. Vishnyakov e A. Antropov.

Traços de parsunismo também são encontrados na segunda metade do século XVIII, especialmente nas obras de servos ou artistas provinciais que chegaram de forma independente à nova arte, via de regra, a partir da pintura de ícones. Notemos que o parsunismo como fenômeno artístico existe não apenas na escola russa, mas também na Ucrânia e na Polônia. Encontra-se também na Bulgária, na Jugoslávia e mesmo nos países do Médio Oriente, ou seja, onde a pintura, numa situação histórica semelhante, experimenta uma introdução fundamentalmente semelhante à arte dos tempos modernos e à arte secular.