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Todos sabem que a Itália foi o coração de todo o período renascentista. Grandes mestres das palavras, pincéis e pensamento filosófico apareceu em cada uma das Culturas na Itália demonstra o surgimento de tradições que se desenvolveriam nos séculos subsequentes, este período tornou-se o ponto de partida, o início grande era desenvolvimento da criatividade na Europa.

Resumidamente sobre o principal

A arte do início da Renascença na Itália abrange o período de aproximadamente 1420 a 1500, precedendo e culminando o Proto-Renascimento. Como acontece com qualquer período de transição, estes oitenta anos são caracterizados tanto pelas ideias que os precederam como pelas novas, que, no entanto, foram emprestadas de um passado distante, dos clássicos. Gradualmente, os criadores se livraram dos conceitos medievais, voltando sua atenção para a arte antiga.

No entanto, apesar de na sua maioria procurarem regressar aos ideais de uma arte esquecida, tanto em geral como em particular, as tradições antigas ainda estavam entrelaçadas com as novas, mas em muito menor grau.

Arquitetura da Itália durante o início da Renascença

O principal nome da arquitetura deste período é, claro, Filippo Brunelleschi. Ele se tornou a personificação da arquitetura renascentista, incorporando organicamente suas ideias, conseguiu transformar projetos em algo fascinante e, aliás, suas obras-primas ainda são cuidadosamente protegidas por muitas gerações. Uma de suas principais realizações criativas são os edifícios localizados no centro de Florença, sendo os mais notáveis ​​​​a cúpula da Catedral Florentina de Santa Maria del Fiore e o Palácio Pitti, que se tornou o ponto de partida da arquitetura italiana. do início da Renascença.

Outras conquistas importantes do Renascimento italiano incluem também, que fica próximo à praça principal de Veneza, palácios em Roma pelas mãos de Bernardo di Lorenzo e outros. Neste período, a arquitetura italiana procura combinar organicamente as características da Idade Média e dos Clássicos, primando pela lógica das proporções. Um excelente exemplo desta afirmação é a Basílica de San Lorenzo, novamente pelas mãos de Filippo Brunelleschi. Em outros países europeus O início da Renascença não deixou exemplos igualmente marcantes.

Artistas da Primeira Renascença

Resultados

Embora a cultura do início da Renascença na Itália busque a mesma coisa - exibir os clássicos pelo prisma da naturalidade, os criadores seguem caminhos diferentes, deixando seus nomes na cultura renascentista. Muitos grandes nomes, obras-primas brilhantes e um repensar completo da cultura não só artística, mas também filosófica - tudo isso nos foi trazido por um período que prenunciou outras etapas do Renascimento, nas quais os ideais estabelecidos encontraram sua continuação.

Nas primeiras décadas do século XV, ocorreu uma viragem decisiva na arte italiana. O surgimento de um poderoso centro do Renascimento em Florença implicou uma renovação de toda a cultura artística italiana. A obra de Donatello, Masaccio e seus associados marca a vitória do realismo renascentista, que diferia significativamente do “realismo do detalhe” característico da arte do final do Trecento. As obras desses mestres estão imbuídas dos ideais do humanismo. Eles exaltam uma pessoa, elevam-na acima do nível da vida cotidiana. Na sua luta com a tradição gótica, os artistas do início da Renascença procuraram apoio na antiguidade e na arte do Proto-Renascimento. O que os mestres do Proto-Renascimento buscavam apenas intuitivamente, pelo tato, agora se baseia em conhecimentos precisos. A arte italiana do século XV distingue-se pela grande diversidade. A diversidade de condições em que se formam as escolas locais dá origem a uma variedade de movimentos artísticos. A nova arte, que triunfou na Florença avançada no início do século XV, não ganhou reconhecimento imediato e se espalhou por outras regiões do país. Enquanto Bruneleschi, Masaccio e Donatello trabalhavam em Florença, as tradições da arte bizantina e gótica ainda estavam vivas no norte da Itália, apenas gradualmente suplantadas pela Renascença.

Quattrocento

Do final do século XIV. O poder em Florença passa para a casa dos banqueiros Medici. Seu chefe, Cosimo de' Medici, tornou-se o governante não oficial de Florença. Escritores, poetas, cientistas, arquitetos e artistas afluem à corte de Cosimo de' Medici (e mais tarde de seu neto Lorenzo, apelidado de Magnífico). A era da cultura médica começa. Os primeiros sinais de uma nova cultura burguesa e do surgimento de uma nova visão de mundo burguesa manifestaram-se de forma especialmente clara no século XV, durante o período Quattrocento. Mas precisamente porque o processo de formação de uma nova cultura e de uma nova visão de mundo não foi concluído neste período (isso aconteceu mais tarde, na era da decomposição final e colapso das relações feudais), o século XV está cheio de liberdade criativa, ousadia e admiração pela individualidade humana. Esta é verdadeiramente a era do humanismo. Além disso, esta é uma era cheia de fé no poder ilimitado da mente, uma era de intelectualismo. A percepção da realidade é testada pela experiência, pelo experimento e controlada pela razão. Daí o espírito de ordem e medida tão característico da arte do Renascimento. Geometria, matemática, anatomia, o estudo das proporções corpo humano são de grande importância para os artistas; é então que começam a estudar cuidadosamente a estrutura do homem; no século 15 Os artistas italianos também resolveram o problema da perspectiva retilínea, já amadurecida na arte do Trecento. A antiguidade desempenhou um papel importante na formação da cultura secular do Quattrocento. O século XV demonstra ligações diretas com a cultura renascentista. Desde 1439, desde o concílio ecumênico da igreja realizado em Florença, ao qual chegaram o imperador bizantino João Paleólogo e o Patriarca de Constantinopla, acompanhados por uma magnífica comitiva, e especialmente após a queda de Bizâncio em 1453, quando muitos cientistas que fugiram do Oriente encontrou refúgio em Florença, esta cidade se torna um dos principais centros da Itália para o estudo da língua grega, bem como da literatura e da filosofia Grécia antiga. A Academia Platônica é fundada em Florença; a Biblioteca Laurentiana contém uma rica coleção de manuscritos antigos. E, no entanto, o papel principal na vida cultural de Florença na primeira metade e meados do século XV pertencia, sem dúvida, à arte. Surgiram os primeiros museus de arte, repletos de estátuas, fragmentos de arquitetura antiga, mármores, moedas e cerâmicas. A Roma Antiga está sendo restaurada. A beleza do sofredor Laocoonte, o belo Apolo (Belvedere) e Vênus (Medicina) aparecem diante da atônita Europa.

Escultura

No século 15 A escultura italiana estava florescendo. Adquiriu um significado independente, independente da arquitetura, e nele surgiram novos gêneros. A prática da vida artística passou a incluir encomendas de ricos comerciantes e círculos artesanais para a decoração de edifícios públicos; as competições de arte adquiriram o caráter de amplos eventos públicos. O evento que abre um novo período no desenvolvimento da escultura renascentista italiana é considerado o concurso realizado em 1401 para fazer em bronze as segundas portas norte do Batistério Florentino. Entre os participantes da competição estavam jovens mestres - Filippo Brunelleschi e Lorenzo Ghiberti (por volta de 1381-1455). O brilhante desenhista Ghiberti venceu o concurso. Uma das pessoas mais cultas do seu tempo, o primeiro historiador da arte italiana, Ghiberti, em cuja obra o principal era o equilíbrio e a harmonia de todos os elementos da imagem, dedicou a sua vida a um tipo de escultura - o relevo. Sua busca atingiu o auge na fabricação das portas orientais do Batistério Florentino (1425-1452), que Michelangelo chamou de “Portas do Paraíso”. As dez composições quadradas em bronze dourado que as compõem transmitem a profundidade do espaço em que se fundem figuras, natureza e arquitetura. Eles se assemelham a pinturas em sua expressividade. A oficina de Ghiberti tornou-se uma escola de verdade para toda uma geração de artistas. O jovem Donatello, futuro grande reformador da escultura italiana, trabalhou em sua oficina como assistente. Donato di Niccolo di Betto Bardi, chamado Donatello (c. 1386-1466), nasceu em Florença na família de um cardador de lã. Trabalhou em Florença, Siena, Roma, Pádua. Porém, a enorme fama não mudou seu estilo de vida simples. Dizia-se que o altruísta Donatello pendurava uma carteira com dinheiro na porta de sua oficina, e seus amigos e alunos tiravam da carteira o quanto precisavam.

Por um lado, Donatello ansiava por arte verdade da vida. Por outro lado, deu às suas obras características de heroísmo sublime. Essas qualidades já eram evidentes nas primeiras obras do mestre - estátuas de santos destinadas aos nichos externos das fachadas da Igreja de Or San Michele, em Florença, e nos profetas do Antigo Testamento do campanário florentino. As estátuas ficavam em nichos, mas imediatamente chamaram a atenção pela expressividade áspera e pela força interior das imagens. Especialmente famoso é “São Jorge” (1416) - um jovem guerreiro com um escudo na mão. Ele tem um olhar concentrado e profundo; ele fica firme no chão, com as pernas bem abertas. Nas estátuas dos profetas, Donatello enfatizou especialmente seus traços característicos, às vezes ásperos, sem adornos, até feios, mas vivos e naturais. Os profetas de Donatello, Jeremias e Habacuque, são naturezas íntegras e espiritualmente ricas. Suas figuras fortes estão escondidas por pesadas dobras de mantos. A vida franziu o rosto desbotado de Avvakum com rugas profundas; ele ficou completamente careca, razão pela qual em Florença o apelidaram de Zuccone (Abóbora). Em 1430 Donatello criou "David" - o primeiro estátua nua na escultura renascentista italiana. A estátua foi destinada a uma fonte no pátio do Palazzo Medici. O pastor bíblico, vencedor do gigante Golias, é um dos imagens favoritas Renascimento. Ao retratar seu corpo jovem, Donatello, sem dúvida, partiu de modelos antigos, mas os reelaborou no espírito de sua época. Pensativo e calmo, Davi, usando um chapéu de pastor protegendo seu rosto, pisoteia a cabeça de Golias com o pé e parece ainda não ter consciência do feito que realizou. Uma viagem a Roma com Brunelleschi expandiu enormemente as capacidades artísticas de Donatello; seu trabalho foi enriquecido com novas imagens e técnicas, influenciadas pela antiguidade. Um novo período começou na obra do mestre. Em 1433 completou o púlpito de mármore da Catedral de Florença. Todo o campo do púlpito é ocupado por uma jubilosa dança redonda de putti dançantes - algo como cupidos antigos e ao mesmo tempo anjos medievais na forma de meninos nus, às vezes alados, representados em movimento. Este é um motivo preferido na escultura do Renascimento italiano, que mais tarde se difundiu na arte dos séculos XVII-XVIII. Durante quase dez anos Donatello trabalhou em Pádua, a antiga cidade universitária, um dos centros da cultura humanística, berço do profundamente reverenciado Igreja Católica Santo Antônio de Pádua. Para a catedral da cidade dedicada a Santo Antônio, Donatello a concluiu em 1446-1450. um enorme altar esculpido com muitas estátuas e relevos. O lugar central sob o dossel era ocupado por uma estátua da Madona com o Menino, mas em ambos os lados havia seis estátuas de santos. EM final do XVI V. o altar foi desmontado. Apenas parte dele sobreviveu até hoje e agora é difícil imaginar como era originalmente. Os quatro relevos de altar que chegaram até nós, representando os feitos milagrosos de Santo António, permitem-nos apreciar as técnicas inusitadas utilizadas pelo mestre. Este é um tipo de relevo plano e aparentemente achatado. Cenas lotadas são apresentadas em um único movimento em um cenário da vida real. O pano de fundo são enormes edifícios e arcadas da cidade. Graças à transferência de perspectiva, surge a impressão de profundidade do espaço, como nas pinturas. Ao mesmo tempo, Donatello fez em Pádua uma estátua equestre do condottiere Erasmo de Narni, natural de Pádua que estava a serviço da República de Veneza. Os italianos o apelidaram de Gattamelata (gato manhoso). Este é um dos primeiros monumentos equestres do Renascimento. A calma dignidade transparece na aparência de Gattamelata, vestido com uma armadura romana, com a cabeça nua ao estilo romano, o que é um magnífico exemplo de retrato. A estátua de quase oito metros sobre um pedestal alto é igualmente expressiva de todos os lados. O monumento está colocado paralelamente à fachada da Catedral de Sant'Antonio, o que permite que seja visto quer contra o fundo do céu azul, quer em espectacular justaposição com as poderosas formas das cúpulas.

Nos últimos anos em Florença, Donatello passou por uma crise mental, suas imagens tornaram-se cada vez mais dramáticas. Criou o complexo e expressivo grupo “Judite e Holofernes” (1456-1457); a estátua de “Maria Madalena” (1454-1455) na forma de uma velha decrépita, um eremita emaciado em pele de animal - trágicos relevos para a Igreja de San Lorenzo, completados por seus alunos. Entre maiores escultores primeira metade do século XV não se pode ignorar Jacopo della Quercia (1374-1438), um contemporâneo mais antigo de Ghiberti e Donatello. A sua obra, rica em muitas descobertas, ficou como que à parte do caminho geral ao longo do qual se desenvolveu a arte do Renascimento. Natural de Siena, Quercia trabalhou em Lucca. Ali, na catedral da cidade, encontra-se uma rara e bela lápide da jovem Ilaria del Careto, feita por este mestre. Em 1408 - 1419 Quercia criou esculturas para a monumental fonte Fonte Gaia na Piazza Campo em Siena. Depois o mestre viveu em Bolonha, onde a sua principal obra foram os relevos do portal da Igreja de San Petronio (1425-1438). Fabricados em pedra local dura, cinzenta escura, distinguem-se por uma poderosa monumentalidade, antecipando as imagens de Michelangelo. A segunda geração de escultores florentinos gravitou em torno de uma arte mais lírica, pacífica e secular. O papel principal pertencia à família de escultores della Robbia. O chefe da família, Lucca della Robbia (1399 ou 1400-1482), contemporâneo de Brunelleschi e Donatello, tornou-se famoso pelo uso de técnicas de esmalte em escultura circular e relevo, muitas vezes combinando-as com a arquitetura. A técnica do esmalte (majólica), conhecida desde a antiguidade pelos povos da Ásia Ocidental, foi trazida para a Península Ibérica e para a ilha de Maiorca na Idade Média, daí o seu nome, e depois difundida amplamente na Itália. Lucca della Robbia criou medalhões com relevos sobre fundo azul profundo para edifícios e altares, guirlandas de flores e frutas, bustos em majólica de Nossa Senhora, Cristo e João Batista. A arte alegre, elegante e gentil deste mestre recebeu o merecido reconhecimento de seus contemporâneos. Seu sobrinho Andrea della Robbia (1435-1525) também alcançou grande perfeição na técnica da majólica.

Pintura

O enorme papel que Brunelleschi desempenhou na arquitetura do início da Renascença, e Donatello na escultura, pertenceu a Masaccio na pintura. Brunelleschi e Donatello estavam no auge da criatividade quando Masaccio nasceu. Segundo Vasari, “Masaccio procurou retratar figuras com grande vivacidade e a maior espontaneidade, como a realidade”. Masaccio morreu jovem, antes dos 27 anos, e ainda assim conseguiu fazer tantas coisas novas na pintura que nenhum outro mestre conseguiu em toda a sua vida. Tommaso di Giovanni di Simone Cassai, apelidado de Masaccio (1401 - 1428), nasceu na cidade de San Valdarno, perto de Florença, para onde foi estudar pintura quando jovem. Supunha-se que seu professor fosse Masolino de Panicale, com com quem ele então colaborou; agora foi rejeitado pelos pesquisadores. Masaccio trabalhou em Florença, Pisa e Roma. Exemplo clássico A composição do altar foi a sua “Trindade” (1427-1428), criada para a igreja de Santa Maria Novella em Florença. O afresco foi pintado em uma parede que penetra profundamente na capela, construída em forma de nicho em arco renascentista. A pintura mostra um crucifixo, as figuras de Maria e João Batista. A imagem de Deus Pai os obscurece. No primeiro plano do afresco estão representados clientes ajoelhados, como se estivessem no próprio prédio da igreja. Localizada na parte inferior do afresco está a imagem de um sarcófago sobre o qual jaz um esqueleto Adão. A inscrição acima do sarcófago contém o tradicional ditado medieval: “Eu já fui como você e você será como eu”. Até os anos 50. Século XX esta obra de Masaccio, aos olhos dos amantes da arte e dos cientistas, ficou em segundo plano diante de seu famoso ciclo de pinturas da Capela Brancacci. Depois que o afresco foi transferido para lugar antigo no templo, lavado, restaurado, quando foi descoberta sua parte inferior com sarcófago, a “Trindade” atraiu a atenção de pesquisadores e amantes da arte. A criação de Masaccio é notável em todos os sentidos. O majestoso distanciamento das imagens combina-se aqui com uma realidade inédita do espaço e da arquitetura, com o volume das figuras, as características expressivas do retrato dos rostos dos clientes e com a imagem da Mãe de Deus, surpreendente em seu poder de sentimento contido. Nos mesmos anos, Masaccio (em colaboração com Masolino) criou os murais da Capela Brancacci na igreja de Santa Maria del Carmine, em homenagem a um rico cliente florentino. O pintor se deparou com a tarefa de construir um espaço em perspectiva linear e aérea, nele colocando figuras poderosas de personagens, retratando com veracidade seus movimentos, poses, gestos e, em seguida, conectando a escala e a cor das figuras com o fundo natural ou arquitetônico. . Masaccio não só cumpriu com sucesso esta tarefa, mas também conseguiu transmitir a tensão interna e a profundidade psicológica das imagens. Os temas das pinturas são principalmente dedicados à história do Apóstolo Pedro. A composição mais famosa, “O Milagre do Stater”, conta como um coletor de impostos parou Cristo e seus discípulos nos portões da cidade de Cafarnaum, exigindo deles dinheiro para manter o templo. Cristo ordenou ao apóstolo Pedro que pescasse peixes no lago Genesaré e extraísse dele um statir. À esquerda, ao fundo, o espectador vê esta cena. À direita, Peter entrega o dinheiro ao cobrador. Assim, a composição conecta três episódios em momentos distintos, nos quais o apóstolo aparece três vezes. Na pintura essencialmente inovadora de Masaccio, esta técnica é uma homenagem tardia à tradição medieval de contar histórias pictóricas; muitos mestres já a tinham abandonado naquela época e há mais de um século o próprio Giotto. Mas isso não perturba a impressão de novidade ousada, que distingue toda a estrutura figurativa da pintura, sua dramaturgia, personagens vitalmente convincentes e levemente rudes. Às vezes, ao expressar a força e a acuidade dos sentimentos, Masaccio está à frente de seu tempo. Aqui está o afresco “A Expulsão de Adão e Eva do Paraíso” na mesma Capela Brancacci. O espectador acredita que Adão e Eva, que violaram a proibição divina, são na verdade expulsos do paraíso por um anjo com uma espada nas mãos. O principal aqui não é o enredo bíblico e os detalhes externos, mas o sentimento de desespero humano sem limites que envolve Adão, cobrindo o rosto com as mãos, e Eva soluçando, com os olhos fundos e um buraco escuro na boca distorcido por um grito. Em agosto de 1428, Masaccio partiu para Roma sem terminar a pintura e logo morreu repentinamente. A Capela Brancacci tornou-se local de peregrinação de pintores que adotaram as técnicas de Masaccio. No entanto, muito disso é criativo; O legado de Masaccio só foi apreciado pelas gerações subsequentes. Na obra de seu contemporâneo Paolo Uccello (1397-1475), pertencente à geração de mestres que trabalharam após a morte de Masaccio, o desejo por contos de fadas elegantes às vezes adquiria um tom ingênuo. Esta característica do estilo criativo do artista tornou-se seu cartão de visita único. Sua pequena pintura inicial “São Jorge” é encantadora. Anda decididamente sobre duas pernas Dragão Verde com cauda em forma de parafuso e asas estampadas, como se esculpidas em estanho. Ele não é assustador, mas engraçado. O próprio artista provavelmente sorriu ao criar esta imagem. Mas no trabalho de Uccello, a fantasia rebelde foi combinada com uma paixão pelo estudo da perspectiva. Vasari descreveu os experimentos, desenhos e esboços aos quais dedicou noites sem dormir como excentricidades. Enquanto isso, Paolo Uccello entrou para a história da pintura como um dos pintores que começou a utilizar a técnica da perspectiva linear em suas telas. Na juventude, Uccello trabalhou na oficina de Ghiberti, depois fez mosaicos para a Catedral de São Marcos em Veneza e, ao retornar a Florença, conheceu as pinturas de Masaccio na Capela Brancacci, que o influenciaram enormemente. Seu fascínio pela perspectiva refletiu-se na primeira obra de Uccello, um retrato que pintou em 1436 do condottiere inglês John Hawkwood, conhecido pelos italianos como Giovanni Acuto. O enorme afresco monocromático (de uma cor) retrata não uma pessoa viva, mas uma estátua equestre dela, que o espectador olha de baixo para cima. As ousadas buscas de Uccello encontraram expressão em três de suas famosas pinturas, encomendadas por Cosimo de' Medici e dedicadas à batalha de dois comandantes florentinos com as tropas de Siena em San Romano. Nas incríveis pinturas de Uccello, tendo como pano de fundo uma paisagem de brinquedo, cavaleiros e guerreiros se enfrentaram em uma batalha feroz, lanças, escudos e mastros de estandartes se misturaram. E ainda assim, a batalha parece convencional, congelada em uma decoração dourada extremamente bela e brilhante com figuras de cavalos em vermelho, rosa e até azul.

O início do século XV viu grandes mudanças na vida e na cultura da Itália. Os habitantes da cidade, comerciantes e artesãos da Itália travaram uma luta heróica contra a dependência feudal desde o século XII. Ao desenvolver o comércio e a produção, os habitantes da cidade tornaram-se gradualmente mais ricos, derrubaram o poder dos senhores feudais e organizaram cidades-estado livres. Estes são gratuitos Cidades italianas tornou-se muito poderoso. Os seus cidadãos estavam orgulhosos das suas conquistas. A enorme riqueza das cidades italianas independentes foi a razão da sua vibrante prosperidade. A burguesia italiana olhava o mundo com outros olhos, acreditava firmemente em si mesma, na sua força. Eles eram alheios ao desejo de sofrimento, de humildade e de renúncia a todas as alegrias terrenas que lhes haviam sido pregadas até então. Cresceu o respeito pelo homem terreno que desfruta das alegrias da vida. As pessoas começaram a ter uma abordagem ativa da vida, a estudar o mundo com avidez e a admirar sua beleza. Durante este período, várias ciências nasceram e a arte se desenvolveu.

A Itália preservou muitos monumentos de arte Roma antiga, É por isso tempos antigos eles novamente começaram a ser reverenciados como modelo, a arte antiga tornou-se objeto de adoração. A imitação da antiguidade deu origem à denominação deste período na arte - Renascimento, o que significa em francês "Renascimento". Claro, esta não foi uma repetição cega e exata da arte antiga, já era uma arte nova, mas baseada em exemplos antigos. O Renascimento italiano está dividido em 3 etapas: séculos VIII - XIV - Pré-Renascença (Proto-Renascença ou Trecento)-sentar.); Século XV - início da Renascença (Quattrocento); final do século XV - início do século XVI - Alta Renascença.

Escavações arqueológicas foram realizadas em toda a Itália em busca de monumentos antigos. Estátuas, moedas, pratos e armas recém-descobertos foram cuidadosamente preservados e coletados em museus especialmente criados para esse fim. Os artistas aprenderam com esses exemplos da antiguidade e os pintaram da vida.

Trecento (pré-renascimento)

O verdadeiro início do Renascimento está associado ao nome Giotto di Bondone (1266? - 1337). Ele é considerado o fundador da pintura renascentista. O Florentino Giotto presta grandes serviços à história da arte. Foi um renovador, o ancestral de toda a pintura europeia após a Idade Média. Giotto deu vida às cenas do Evangelho, criou imagens pessoas reais, espiritual, mas terreno.

Giotto primeiro cria volumes usando claro-escuro. Ele adora os limpos cores claras tons frios: rosa, cinza pérola, roxo claro e lilás claro. As pessoas nos afrescos de Giotto são atarracadas e andam pesadamente. Eles têm traços faciais grandes, maçãs do rosto largas e olhos estreitos. Sua pessoa é gentil, atenciosa e séria.

Das obras de Giotto, os afrescos dos templos de Pádua são os mais bem preservados. Histórias do evangelho ele apresentou aqui como existente, terreno, real. Nessas obras, ele fala sobre problemas que preocupam as pessoas em todos os momentos: sobre bondade e compreensão mútua, engano e traição, sobre profundidade, tristeza, mansidão, humildade e o eterno amor materno que tudo consome.

Em vez de figuras individuais díspares, como na pintura medieval, Giotto conseguiu criar uma história coerente, uma narrativa completa sobre a complexa vida interior dos heróis. Em vez do fundo dourado convencional Mosaicos bizantinos, Giotto apresenta um fundo paisagístico. E se em Pintura bizantina as figuras pareciam flutuar e ficar suspensas no espaço, então os heróis dos afrescos de Giotto encontraram terreno sólido sob seus pés. A busca de Giotto em transmitir o espaço, a plasticidade das figuras e a expressividade do movimento fizeram de sua arte um palco do Renascimento.

Um de mestres famosos Pré-Renascimento -

Simone Martini (1284 - 1344).

Suas pinturas mantiveram as características do gótico nortenho: as figuras de Martini são alongadas e, via de regra, sobre fundo dourado. Mas Martini cria imagens usando claro-escuro, dá-lhes movimento natural e tenta transmitir um certo estado psicológico.

Quattrocento (início da Renascença)

A antiguidade desempenhou um papel importante na formação da cultura secular do início da Renascença. A Academia Platônica é inaugurada em Florença, a Biblioteca Laurentiana contém uma rica coleção de manuscritos antigos. Surgiram os primeiros museus de arte, repletos de estátuas, fragmentos de arquitetura antiga, mármores, moedas e cerâmicas. Durante o Renascimento surgiram os principais centros da vida artística na Itália - Florença, Roma, Veneza.

Florença foi um dos maiores centros, o berço da arte nova e realista. No século XV, muitos mestres famosos da Renascença viveram, estudaram e trabalharam lá.

Arquitetura do início da Renascença

Os moradores de Florença tinham uma elevada cultura artística, participaram ativamente na criação de monumentos da cidade e discutiram opções para a construção de belos edifícios. Os arquitetos abandonaram tudo que lembrasse o gótico. Sob a influência da antiguidade, os edifícios encimados por uma cúpula passaram a ser considerados os mais perfeitos. O modelo aqui foi o Panteão Romano.

Florença é uma das cidades mais bonitas do mundo, uma cidade-museu. Preservou quase intacta a sua arquitectura da antiguidade, sendo os seus mais belos edifícios construídos principalmente durante o Renascimento. Erguendo-se acima dos telhados de tijolos vermelhos dos edifícios antigos de Florença está o enorme edifício da catedral da cidade. Santa Maria del Fiore, que muitas vezes é chamada simplesmente de Catedral de Florença. Sua altura chega a 107 metros. Uma magnífica cúpula, cuja esbeltez é enfatizada por nervuras de pedra branca, coroa a catedral. A cúpula tem um tamanho incrível (seu diâmetro é de 43 m), coroando todo o panorama da cidade. A catedral é visível de quase todas as ruas de Florença, claramente recortada contra o céu. Esta magnífica estrutura foi construída por um arquiteto

Filippo Brunelleschi (1377 - 1446).

O edifício abobadado mais magnífico e famoso da Renascença foi Basílica de São Pedro em Roma. Demorou mais de 100 anos para ser construído. Os idealizadores do projeto original foram arquitetos Bramante e Michelangelo.

Os edifícios renascentistas são decorados com colunas, pilastras, cabeças de leões e "putti"(bebês nus), guirlandas de gesso de flores e frutos, folhas e muitos detalhes, exemplos dos quais foram encontrados nas ruínas de antigas construções romanas. Voltei para a moda arco semicircular. Pessoas ricas começaram a construir casas mais bonitas e confortáveis. Em vez de casas próximas umas das outras, surgiram casas luxuosas palácios - palácios.

Escultura do início da Renascença

No século XV, em Florença, havia dois escultor famoso -Donatello e Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- um dos primeiros escultores da Itália que utilizou a experiência da arte antiga. Ele criou um dos belos trabalhos início da Renascença - estátua de David.

Segundo a lenda bíblica, um simples pastor, o jovem Davi derrotou o gigante Golias e, assim, salvou os habitantes da Judéia da escravidão e mais tarde tornou-se rei. David foi uma das imagens favoritas do Renascimento. Ele é retratado pelo escultor não como um humilde santo da Bíblia, mas como um jovem herói, vencedor, defensor de sua cidade natal. Em sua escultura, Donatello glorifica o homem como ideal de beleza personalidade heróica que surgiu durante o Renascimento. David é coroado com a coroa de louros do vencedor. Donatello não teve medo de introduzir um detalhe como o chapéu de pastor - um sinal de sua origem simples. Na Idade Média, a igreja proibia a representação do corpo nu, por considerá-lo um vaso do mal. Donatello foi o primeiro mestre a violar corajosamente esta proibição. Ele afirma com isso que o corpo humano é belo. A estátua de David é a primeira escultura redonda daquela época.

Também é conhecida outra bela escultura de Donatello - a estátua de um guerreiro , general de Gattamelata. Foi o primeiro monumento equestre do Renascimento. Criado há 500 anos, este monumento ainda se ergue sobre um alto pedestal, decorando uma praça da cidade de Pádua. Pela primeira vez na escultura, não foi imortalizado um deus, nem um santo, nem uma pessoa nobre e rica, mas um guerreiro nobre, valente e formidável com ótima alma, que ganhou fama através de grandes feitos. Vestido com uma armadura antiga, Gattemelata (este é seu apelido, que significa “gato malhado”) monta em um cavalo poderoso em uma pose calma e majestosa. As características faciais do guerreiro enfatizam um caráter forte e decidido.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

O aluno mais famoso de Donatello, que criou o famoso monumento equestre ao condottiere Colleoni, que foi erguido em Veneza, na praça próxima à Igreja de San Giovanni. O que mais chama a atenção no monumento é o movimento energético conjunto do cavalo e do cavaleiro. O cavalo parece correr para além do pedestal de mármore onde está instalado o monumento. Colleoni, de pé nos estribos, esticado, com a cabeça erguida, espia ao longe. Uma careta de raiva e tensão congelou em seu rosto. Pode-se sentir uma enorme vontade em sua pose, seu rosto lembra Ave de rapina. A imagem está repleta de força indestrutível, energia e autoridade severa.

Pintura do início da Renascença

O Renascimento também renovou a arte da pintura. Os pintores aprenderam a transmitir com precisão o espaço, a luz e a sombra, as poses naturais e vários sentimentos humanos. Foi o início da Renascença que foi a época de acumulação desses conhecimentos e habilidades. As pinturas da época estão imbuídas de um clima alegre e otimista. O fundo é frequentemente escrito em cores claras, e os edifícios e motivos naturais são delineados com linhas nítidas, predominando as cores puras. Todos os detalhes do evento são retratados com diligência ingênua: os personagens são na maioria das vezes alinhados e separados do fundo por contornos claros.

A pintura do início do Renascimento buscava apenas a perfeição, porém, graças à sua sinceridade, toca a alma do espectador.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, conhecido como Masaccio (1401 - 1428)

É considerado um seguidor de Giotto e o primeiro mestre da pintura do início do Renascimento. Masaccio viveu apenas 28 anos, mas durante sua curta vida deixou uma marca na arte que dificilmente pode ser superestimada. Conseguiu completar as transformações revolucionárias iniciadas por Giotto na pintura. Suas pinturas se distinguem pelas cores escuras e profundas. As pessoas nos afrescos de Masaccio são muito mais densas e poderosas do que nas pinturas da era gótica.

Masaccio foi o primeiro a organizar corretamente os objetos no espaço, levando em consideração a perspectiva; Ele começou a representar pessoas de acordo com as leis da anatomia.

Ele soube conectar figuras e paisagem em uma única ação, transmitindo de forma dramática e ao mesmo tempo com bastante naturalidade a vida da natureza e das pessoas - e esse é o grande mérito do pintor.

Esta é uma das poucas obras de cavalete de Masaccio, encomendada a ele em 1426 para a capela da igreja de Santa Maria del Carmine em Pisa.

A Madonna está sentada em um trono construído estritamente de acordo com as leis de perspectiva de Giotto. Sua figura é pintada com pinceladas claras e confiantes, o que cria a impressão de volume escultural. Seu rosto está calmo e triste, seu olhar desapegado está direcionado para lugar nenhum. Envolta num manto azul escuro, a Virgem Maria segura nos braços o Menino, cuja figura dourada se destaca nitidamente sobre um fundo escuro. As dobras profundas da capa permitem ao artista brincar com o claro-escuro, o que também cria um efeito visual especial. O bebê come uvas pretas - símbolo de comunhão. Anjos perfeitamente desenhados (o artista conhecia muito bem a anatomia humana) ao redor da Madonna dão à imagem uma ressonância emocional adicional.

Único painel pintado por Masaccio para um tríptico dupla face. Após a morte precoce do pintor, o resto da obra, encomendada pelo Papa Martinho V para a Igreja de Santa Maria em Roma, foi concluída pelo artista Masolino. Aqui estão representadas duas figuras de santos austeras e monumentalmente executadas, todas vestidas de vermelho. Jerônimo segura um livro aberto e uma maquete da basílica, com um leão caído a seus pés. João Batista é retratado em sua forma usual: está descalço e segura uma cruz na mão. Ambas as figuras surpreendem pela precisão anatômica e pela sensação de volume quase escultural.

O interesse pelo homem e a admiração pela sua beleza foram tão grandes durante o Renascimento que levou ao surgimento de um novo gênero na pintura - o gênero do retrato.

Pinturicchio (versão de Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Nativo de Perugia na Itália. Por algum tempo pintou miniaturas e ajudou Pietro Perugino a decorar a Capela Sistina de Roma com afrescos. Adquiriu experiência nas mais complexas formas de pintura mural decorativa e monumental. Em poucos anos, Pinturicchio tornou-se um muralista independente. Ele trabalhou em afrescos nos apartamentos Borgia, no Vaticano. Ele fez pinturas murais na biblioteca da Catedral de Siena.

O artista não apenas transmite a semelhança do retrato, mas se esforça para revelar o estado interior de uma pessoa. Diante de nós está um adolescente, vestido com um vestido formal rosa de morador da cidade, com um pequeno boné azul na cabeça. Os cabelos castanhos descem até os ombros, emoldurando um rosto meigo, o olhar atento dos olhos castanhos é pensativo, um pouco ansioso. Atrás do menino está uma paisagem da Úmbria com árvores finas, um rio prateado e um céu rosado no horizonte. A ternura primaveril da natureza, como eco do caráter do herói, está em harmonia com a poesia e o encanto do herói.

A imagem do menino é dada em primeiro plano, grande e ocupa quase todo o plano do quadro, e a paisagem é pintada ao fundo e bem pequena. Isto cria a impressão da importância do homem, do seu domínio sobre a natureza circundante, e afirma que o homem é a criação mais bela da terra.

Eis a partida solene do Cardeal Capranica para o Concílio de Basileia, que durou quase 18 anos, de 1431 a 1449, primeiro em Basileia e depois em Lausanne. O jovem Piccolomini também fazia parte da comitiva do cardeal. Um grupo de cavaleiros acompanhados de pajens e criados apresenta-se numa elegante moldura de arco semicircular. O evento não é tão real e confiável, mas sim cavalheirescamente refinado, quase fantástico. Em primeiro plano, um belo cavaleiro montado em um cavalo branco, com vestido e chapéu luxuosos, vira a cabeça e olha para o espectador - este é Enéias Silvio. O artista tem prazer em pintar roupas ricas e lindos cavalos em mantas de veludo. As proporções alongadas das figuras, os movimentos levemente educados, as leves inclinações da cabeça aproximam-se do ideal da corte. A vida do Papa Pio II foi repleta de acontecimentos luminosos, e Pinturicchio falou sobre os encontros do Papa com o Rei da Escócia, com o Imperador Frederico III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Surgiram lendas sobre a vida de Lippi. Ele próprio era monge, mas deixou o mosteiro, tornou-se um artista errante, raptou uma freira do mosteiro e morreu envenenado pelos familiares de uma jovem por quem se apaixonou na velhice.

Ele pintou imagens da Madona com o Menino, repletas de sentimentos e experiências humanas vivas. Em suas pinturas ele retratava muitos detalhes: objetos do cotidiano, ambientes, de modo que seus temas religiosos eram semelhantes às pinturas seculares.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Ele pintou não apenas temas religiosos, mas também cenas da vida da nobreza florentina, sua riqueza e luxo, e retratos de pessoas nobres.

Diante de nós está a esposa de um rico florentino, amigo do artista. Nesta jovem não muito bonita e luxuosamente vestida, a artista expressou calma, um momento de quietude e silêncio. A expressão no rosto da mulher é fria, indiferente a tudo, parece que ela antevê a sua morte iminente: logo após pintar o retrato ela morrerá. A mulher é retratada de perfil, o que é típico de muitos retratos da época.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Um dos nomes mais significativos da pintura italiana do século XV. Ele completou inúmeras transformações nos métodos de construção da perspectiva do espaço pictórico.

A pintura foi pintada sobre placa de choupo com têmpera de ovo - obviamente, a essa altura o artista ainda não havia dominado os segredos da pintura a óleo, técnica com a qual seriam pintadas suas obras posteriores.

O artista captou o aparecimento do mistério da Santíssima Trindade no momento do Batismo de Cristo. pomba branca, abrindo as asas sobre a cabeça de Cristo, simboliza a descida do Espírito Santo sobre o Salvador. Figuras de Cristo, João Batista e parado por perto com eles os anjos são pintados com cores contidas.
Seus afrescos são solenes, sublimes e majestosos. Francesca acreditava no destino elevado do homem e nas suas obras as pessoas sempre fazem coisas maravilhosas. Ele usou transições de cores sutis e suaves. Francesca foi a primeira a pintar en plein air (ao ar livre).

A pintura renascentista constitui o fundo dourado não só da arte europeia, mas também mundial. O período da Renascença substituiu a sombria Idade Média, subjugada até o âmago cânones da igreja, e precedeu o Iluminismo subsequente e a Nova Era.

Vale a pena calcular a duração do período dependendo do país. A era do florescimento cultural, como é comumente chamada, começou na Itália no século XIV, e depois se espalhou por toda a Europa e atingiu o seu apogeu no final do século XV. Os historiadores dividem este período da arte em quatro fases: Proto-Renascença, Renascença inicial, alta e tardia. A pintura renascentista italiana é, obviamente, de particular valor e interesse, mas os mestres franceses, alemães e holandeses não devem ser esquecidos. É sobre eles no contexto dos períodos da Renascença que será discutido mais adiante neste artigo.

Proto-Renascença

O período Proto-Renascentista durou a partir da segunda metade do século XIII. ao século XIV Está intimamente ligado à Idade Média, em cuja fase tardia se originou. O Proto-Renascimento é o antecessor do Renascimento e combina as tradições bizantina, românica e gótica. Antes de todas as tendências nova era apareceu na escultura e só depois na pintura. Esta última foi representada por duas escolas de Siena e Florença.

A principal figura do período foi o artista e arquiteto Giotto di Bondone. O representante da escola florentina de pintura tornou-se um reformador. Ele delineou o caminho ao longo do qual ela se desenvolveu. As características da pintura renascentista originam-se precisamente neste período. É geralmente aceito que Giotto conseguiu superar em suas obras o estilo de pintura de ícones comum a Bizâncio e à Itália. Ele tornou o espaço não bidimensional, mas tridimensional, usando o claro-escuro para criar a ilusão de profundidade. A foto mostra a pintura “O Beijo de Judas”.

Representantes da escola florentina estiveram nas origens do Renascimento e fizeram de tudo para tirar a pintura da longa estagnação medieval.

O período Proto-Renascentista foi dividido em duas partes: antes e depois de sua morte. Até 1337 trabalharam os mestres mais brilhantes e ocorreram as descobertas mais importantes. Depois, a Itália é atingida por uma epidemia de peste.

Pintura Renascentista: Brevemente sobre o Período Inicial

O início do Renascimento cobre um período de 80 anos: de 1420 a 1500. Nesta época, ainda não se afastou completamente das tradições passadas e ainda está associado à arte da Idade Média. No entanto, o sopro das novas tendências já se faz sentir: os mestres começam a recorrer com mais frequência a elementos da antiguidade clássica. Artistas acabam desistindo completamente estilo medieval e comece a usar com ousadia os melhores exemplos da cultura antiga. Observe que o processo foi bastante lento, passo a passo.

Representantes brilhantes do início da Renascença

A obra do artista italiano Piero della Francesca pertence inteiramente ao início do período renascentista. Suas obras se distinguem pela nobreza, beleza e harmonia majestosas, perspectiva precisa, cores suaves e cheias de luz. Nos últimos anos de sua vida, além da pintura, estudou aprofundadamente matemática e até escreveu dois de seus próprios tratados. Seu aluno foi outro pintor famoso, Luca Signorelli, e o estilo se refletiu nas obras de muitos mestres da Úmbria. Na foto acima está um fragmento de um afresco na Igreja de San Francesco em Arezzo, “A História da Rainha de Sabá”.

Domenico Ghirlandaio é outro representante proeminente da escola florentina de pintura renascentista Período inicial. Ele foi o fundador de uma famosa dinastia artística e chefe da oficina onde o jovem Michelangelo começou. Ghirlandaio foi um mestre famoso e bem-sucedido que se dedicou não apenas à pintura a fresco (Capela Tornabuoni, Sistina), mas também à pintura de cavalete (“Adoração dos Magos”, “Natividade”, “Velho com Neto”, “Retrato de Giovanna Tornabuoni” - foto abaixo).

Alta Renascença

Este período, em que o estilo se desenvolveu magnificamente, cai entre 1500-1527. Nesta época, o centro da arte italiana mudou-se de Florença para Roma. Isto está relacionado com a ascensão ao trono papal do ambicioso e empreendedor Júlio II, que atraiu mais melhores artistas Itália. Roma tornou-se algo como Atenas durante a época de Péricles e experimentou um incrível crescimento e boom de construção. Ao mesmo tempo, existe harmonia entre os ramos da arte: escultura, arquitetura e pintura. A Renascença os uniu. Eles parecem andar de mãos dadas, complementando-se e interagindo.

A antiguidade é estudada durante o período Alta Renascença de forma mais completa e reproduzida com a máxima precisão, rigor e consistência. A dignidade e a tranquilidade substituem a beleza sedutora e as tradições medievais são completamente esquecidas. O auge do Renascimento é marcado pela obra de três dos maiores mestres italianos: Raphael Santi (o quadro “Donna Velata” na imagem acima), Michelangelo e Leonardo da Vinci (“Mona Lisa” na primeira foto).

Renascença tardia

A Renascença Tardia cobre o período de 1530 a 1590 e 1620 na Itália. Críticos de arte e historiadores reduzem as obras desta época a um denominador comum com alto grau de convenção. O Sul da Europa estava sob a influência da Contra-Reforma que nele triunfou, que percebia com grande cautela qualquer pensamento livre, incluindo a ressurreição dos ideais da antiguidade.

Em Florença, predominava o Maneirismo, caracterizado por cores artificiais e linhas quebradas. Porém, só chegou a Parma, onde Correggio trabalhava, após a morte do mestre. A pintura veneziana do final da Renascença teve seu próprio caminho de desenvolvimento. Palladio e Ticiano, que ali trabalharam até a década de 1570, são seus representantes mais destacados. O seu trabalho nada teve a ver com as novas tendências em Roma e Florença.

Renascença do Norte

Este termo é usado para descrever o Renascimento em toda a Europa, fora da Itália em geral e nos países de língua alemã em particular. Possui vários recursos. O Renascimento do Norte não foi homogêneo e caracterizou-se por características específicas de cada país. Os historiadores da arte dividem-no em várias direções: francês, alemão, holandês, espanhol, polonês, inglês, etc.

O despertar da Europa tomou dois caminhos: o desenvolvimento e difusão de uma visão de mundo secular humanista e o desenvolvimento de ideias de renovação tradições religiosas. Ambos se tocavam, às vezes se fundiam, mas ao mesmo tempo eram antagonistas. A Itália escolheu o primeiro caminho e o Norte da Europa - o segundo.

O Renascimento praticamente não teve influência na arte do norte, incluindo a pintura, até 1450. A partir de 1500 espalhou-se por todo o continente, mas em alguns locais a influência do gótico tardio permaneceu até ao advento do Barroco.

A Renascença do Norte é caracterizada por uma influência significativa do estilo gótico, menos atenção ao estudo da antiguidade e da anatomia humana e uma técnica de escrita detalhada e cuidadosa. A Reforma teve uma importante influência ideológica sobre ele.

Renascença do Norte Francês

O que mais se aproxima do italiano é a pintura francesa. O Renascimento foi uma etapa importante para a cultura francesa. Nesta altura, a monarquia e as relações burguesas foram-se fortalecendo ativamente, as ideias religiosas da Idade Média ficaram em segundo plano, dando lugar a tendências humanísticas. Representantes: François Quesnel, Jean Fouquet (na foto um fragmento do "Díptico Melen" do mestre), Jean Clouse, Jean Goujon, Marc Duval, François Clouet.

Renascença do Norte Alemã e Holandesa

Obras notáveis ​​​​da Renascença do Norte foram criadas por mestres alemães e flamengo-holandeses. A religião continuou a desempenhar um papel significativo nestes países e influenciou grandemente a pintura. O Renascimento seguiu um caminho diferente na Holanda e na Alemanha. Ao contrário das obras dos mestres italianos, os artistas destes países não colocaram o homem no centro do universo. Ao longo de quase todo o século XV. eles o retrataram em estilo gótico: leve e etéreo. Os representantes mais proeminentes do Renascimento holandês são Hubert van Eyck, Jan van Eyck, Robert Campen, Hugo van der Goes, o alemão - Albert Durer, Lucas Cranach, o Velho, Hans Holbein, Matthias Grunewald.

A foto mostra um autorretrato de A. Durer de 1498.

Apesar de as obras dos mestres do norte diferirem significativamente das obras dos pintores italianos, elas são, de qualquer forma, reconhecidas como exposições de valor inestimável. Artes visuais.

A pintura renascentista, como toda cultura como um todo, é caracterizada por um caráter secular, pelo humanismo e pelo chamado antropocentrismo, ou, em outras palavras, por um interesse primário pelo homem e suas atividades. Durante este período, houve um verdadeiro florescimento do interesse pela arte antiga e ocorreu o seu renascimento. A época deu ao mundo uma galáxia de escultores, arquitetos, escritores, poetas e artistas brilhantes. Nunca antes ou depois o florescimento cultural foi tão difundido.

O Renascimento trouxe grandes mudanças na arte da pintura. Os artistas dominaram a capacidade de transmitir sutilmente luz e sombra, espaço, e as poses e gestos de seus personagens tornaram-se naturais. Com grande habilidade eles retrataram sentimentos humanos complexos em suas pinturas.

Na pintura do início da Renascença, ou Quattrocento (século XV), geralmente soam notas maiores; distingue-se pelas cores puras, os personagens são alinhados e contornados com contornos escuros que os separam do fundo e dos planos de fundo claro. Todos os detalhes são muito detalhados e cuidadosamente escritos. Embora a pintura do Quattrocento ainda não seja tão perfeita quanto a arte do Alto e Renascença tardia, ela toca o espectador nas profundezas de sua alma com sua pureza e sinceridade.

O primeiro pintor significativo do início da Renascença foi Masaccio. Embora o artista tenha vivido apenas 28 anos, conseguiu deixar uma contribuição significativa não só para a pintura renascentista, mas para toda a arte mundial. Suas pinturas se distinguem pela cor profunda, as figuras parecem densas e surpreendentemente vivas. Masaccio transmite perfeitamente perspectiva e volume e domina os efeitos de luz e sombra. Ele foi o primeiro pintor do início da Renascença a retratar o corpo humano nu e apresentou seus heróis como belos e fortes, dignos de respeito e admiração. Mais tarde, grandes mestres da Alta Renascença como Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael estudaram as obras de Masaccio (“Expulsão do Paraíso”, “Milagre com Imposto”).

Durante este período, muitos artistas maravilhosos criaram suas criações. Paolo Uccello trabalhou em Florença, pintou cenas de batalha e era famoso por sua habilidade de retratar cavalos e cavaleiros em ângulos e poses complexas. Giorgio Vasari, artista medíocre e notável biógrafo e historiador da arte que viveu no século XVI, disse que Uccello não podia sair de casa durante semanas ou até meses, resolvendo os mais complexos problemas de perspectiva. Aos seus entes queridos, que lhe imploraram que interrompesse essas atividades, ele respondeu: “Deixem-me, não há nada mais doce do que a perspectiva”.

O pintor Filippo Lippi trabalhou em Florença. Na juventude foi monge no mosteiro dos irmãos carmelitas, mas logo o abandonou, dedicando-se à pintura. Existem muitas lendas sobre sua vida. Dizem que toda Florença acompanhou com interesse os casos amorosos do ex-monge. O artista sequestrou do mosteiro sua futura esposa, Lucrezia Buti. Posteriormente, ele a pintou mais de uma vez à imagem de Nossa Senhora (“A Coroação de Maria”, 1447; “A Madona Velada”). As pinturas de Filippo Lippi estão relacionadas apenas formalmente com temas religiosos: são desprovidas de drama e pathos, não há grandeza ou monumentalidade nelas. Ao mesmo tempo, alegres anjos de cabelos cacheados, lindas crianças e lindas mulheres cativam o espectador com seu charme. Com muita habilidade, o artista pinta paisagens florestais aconchegantes e frescas que servem de pano de fundo para cenas bíblicas. As obras de Filippo Lippi eram muito populares entre os seus contemporâneos; ele era o artista favorito de Cosimo de' Medici, que era o governante de Florença na época.

Paralelamente, trabalhou outro mestre florentino, o monge dominicano e abade do mosteiro de São Marcos, Fra Beato Angelico, cujas obras estão repletas de profundos sentimentos religiosos. Toda minha vida Fra
Angélico dedicou-se à criação de ícones e afrescos para mosteiros. Suas pinturas se distinguem por cores vivas e limpas e dourados brilhantes. As figuras góticas alongadas de suas Madonas parecem espiritualizadas, desligadas de tudo o que é terreno. Uma das melhores obras de Fra Angelico é a composição do altar “A Coroação de Maria” (c. 1435-1436). Sua Mãe de Deus é a personificação da feminilidade poética, pura, alegre e calma. Não há misticismo sombrio na pintura do mestre florentino; mesmo no altar multifigurado sobre o tema do Juízo Final, no lado esquerdo o artista retratou um paraíso feliz com figuras de anjos felizes em lindas roupas.

Nessa época, as tintas a óleo foram inventadas na Holanda, o que permitiu aos pintores tornar as transições de cores mais sutis e usar a luz com mais liberdade para dar vida às cores. Eles também ajudaram a obter um tom de cor uniforme. O primeiro de Artistas italianos pinturas à óleo Representante da escola florentina, veneziano de nascimento, Domenico Veneziano começou a escrever. Já nas suas primeiras obras (“Adoração dos Magos”, 1434), o talento colorístico do artista manifesta-se claramente. Cores puras, quase transparentes, saturadas de luz, formam uma única gama tonal. Obras posteriores surpreendem pela representação magistral do ambiente claro-ar - acredita-se que Domenico Veneziano foi um dos primeiros a retratá-lo em suas telas.

A habilidade do artista foi expressa de maneira especialmente plena nos famosos retratos florentinos de Domenico Veneziano.

Na maioria das vezes ele retratou rostos de mulheres de perfil (a maioria dos modelos não tem nome) contra um céu ou paisagem prateada. Tentando deixar as tintas mais limpas e brilhantes, o artista adicionou óleo de linhaça a elas.

As realizações de Domenico Veneziano foram desenvolvidas por seu aluno e seguidor Piero della Francesca, a quem seus contemporâneos consideravam o “monarca da pintura”. Natural da Toscana e trabalhou em Florença, estudou as obras de Giotto, Masaccio e Paolo Uccello. A pintura holandesa também teve alguma influência sobre ele. Não apenas artista, mas também famoso pesquisador de arte, Piero della Francesca escreveu tratados teóricos - “Sobre a Perspectiva na Pintura” e o livro “Sobre os Cinco Corpos Regulares”.

As obras de Piero della Francesca distinguem-se pela sua composição clara e precisa, pela representação hábil do ambiente claro e arejado e pelas cores limpas e frescas. O homem em suas pinturas é desprovido daquele conflito interno que apareceria mais tarde na pintura do Renascimento Tardio e do Barroco. Os heróis de Piero della Francesca são calmos, imponentes e corajosos. São estas qualidades inerentes às imagens do Duque e da Duquesa de Urbino - Federigo da Montefeltro e sua esposa, Battista Sforza, no famoso retrato de casal.

O comandante, político e filantropo, governante de Urbino Federigo da Montefeltro, era amigo íntimo do artista. Piero della Francesca retratou o duque em outra pintura famosa - “Madonna com Santos e Anjos e o cliente Federigo da Montefeltro”.

Perfeitamente capaz de transmitir perspectiva, Piero della Francesca pintou magníficas vedutas arquitetônicas (veduta é uma planta pictórica de uma “cidade ideal”), que tiveram um impacto grande influência sobre o trabalho de arquitetos contemporâneos.

Durante a Alta Renascença, a arte de Piero della Francesca começou a parecer ultrapassada, e o Papa convidou Rafael para pintar as paredes do Vaticano, cobertas de afrescos de Piero della Francesca. Rafael concordou e fez o trabalho com maestria.

Os ideais artísticos mais vívidos do final do Quattrocento foram apresentados pelo mestre da escola de pintura da Úmbria, Pietro Perugino. As suas pinturas, calmas, contemplativas e líricas, estão repletas de imagens frágeis e graciosas, rodeadas pelas poéticas paisagens montanhosas da Úmbria. A clara harmonia das pinturas de Perugino aproxima a sua pintura da arte da Alta Renascença (“Lamentação de Cristo”, c. 1494-1495; “Madona e Santos, 1496”). Pintor
teve grande influência sobre seu aluno - o famoso Rafael.

Em quase todas as cidades da Itália havia escola de Artes com personalidade própria.
Mas todos procuraram mostrar em sua arte a beleza da terra e do homem. Durante esta época, um dos mais significativos centros culturais havia Pádua com sua famosa universidade. Nesta cidade no século XV. viveu o conhecedor de arte Francesco Squarcione. Ele colecionou moedas antigas, medalhas e fragmentos de baixos-relevos nas proximidades de Pádua, bem como muito além da cidade. Sua paixão foi transmitida aos pintores, escultores e ourives paduanos, que o cercaram e o consideraram seu professor.

Squarcione criou o grande pintor Andrea Mantegna, que veio para sua casa aos dez anos. A obra de Mantegna, que viveu vida longa, invulgarmente multifacetado: além da pintura e da gravura, interessou-se por geometria, óptica e arqueologia. Tendo se apaixonado pela arte da Roma Antiga ainda na casa de Squarcione (durante o Renascimento na Itália ainda não conheciam a arte da Grécia Antiga), o pintor utilizou suas imagens em suas obras, conferindo-lhes traços heróico-românticos. Seus santos, governantes e guerreiros, pintados contra o pano de fundo de uma paisagem rochosa sombria, dão a impressão de grandeza e poder. Muitas das obras de Mantegna estão imbuídas de um drama profundo. Esta é a sua famosa composição “Dead Christ”, que surpreendeu os seus contemporâneos pela sua emotividade.

Mantegna também ficou famoso como um talentoso gravador de cobre. Ele foi o primeiro a fazer da gravura uma forma igual de arte.

A pintura proto-renascentista atingiu seu apogeu na obra de Botticelli.

Sandro Botticelli

Poucas informações sobreviveram até hoje sobre a vida de Sandro Botticelli e a história de sua criação de obras que mais tarde se tornaram pérolas da arte mundial. Críticos de arte e historiadores tomaram conhecimento de apenas alguns fatos da biografia do grande mestre.

Botticelli nasceu em 1444. Estudou pintura na oficina de arte de Filippo Lippi. Criatividade precoce Botticelli é marcado pela influência da arte de Lippi, bem como pelas ideias formadas na corte de Lorenzo de 'Medici. No entanto, podemos afirmar com grande segurança que as imagens criadas pelo grande artista eram mais volumosas e significativas do que as obras dos pintores que trabalharam sob os auspícios dos Médici.

Os primeiros retratos de Botticelli trazem vestígios da influência do estilo de pintura de Filippo Lippi, bem como de Andrea Verrocchio e Pollaiuolo. Em obras posteriores, a individualidade do mestre se manifesta mais profundamente. Sim, em pintura famosa“A Adoração dos Magos” retrata membros da família Médici e apresenta um autorretrato do artista. A composição se distingue pela riqueza, brilho e ao mesmo tempo ternura de cores, além de sutil graça e leveza. As imagens criadas por Botticelli são repletas de lirismo e de extraordinária beleza vinda do fundo da alma.

Nos anos 70 Século XV Surge a primeira pintura de Botticelli, que trouxe enorme fama ao pintor entre seus contemporâneos e deixou a memória do mestre por séculos. Esta pintura é "Primavera", hoje conservada na Galeria Uffizi, em Florença. A obra foi escrita após o artista ler um poema de Poliziano. Imagens alegóricas são apresentadas tendo como pano de fundo uma maravilhosa paisagem florestal. Assemelhando-se a um paraíso, o jardim surpreende pela sua singularidade e beleza sobrenatural. O lugar central na composição é dado a Vênus. COM lado direito A partir dela está a flora, espalhando flores fabulosas, à esquerda estão graças dançantes, leves e arejadas, semelhantes a nuvens brancas, quase transparentes. A dinâmica é criada justamente pela imagem das graças movendo-se em roda.

Todo o quadro se distingue pela sua extraordinária beleza e ternura. Apesar de o título ser “Primavera”, ao olhar para a fotografia surge um sentimento de ligeira tristeza, com o qual não estamos habituados a identificar a primavera. Na cabeça de qualquer pessoa, a primavera é uma renovação do mundo, alegria, deleite. Em Botticelli, há um repensar de imagens geralmente aceitas e familiares.

Em 1481, Sandro Botticelli foi para Roma, onde pintou paredes Capela Sistina. Entre outros afrescos, pintou a famosa “Vida de Moisés”.

Em 1482, o artista instalou-se novamente em Florença. Críticos de arte e biógrafos consideram este ano o mais fecundo para a formação e desenvolvimento da criatividade do mestre pintor. Foi então que surge a famosa pintura “O Nascimento de Vênus”, agora na Galeria Uffizi, em Florença.

Não há imagem plana na imagem - Botticelli aparece aqui como um mestre na transmissão de linhas espaciais.
São eles que criam a impressão de profundidade e volume, destinadas a mostrar a dinâmica dos movimentos dos personagens da narrativa pictórica. As cores pastéis claras da tela e as combinações de cores habilmente utilizadas (águas verdes transparentes do mar, cabos azuis dos zéfiros, cabelos dourados de Vênus, um manto vermelho escuro nas mãos de uma ninfa) criam uma sensação de extraordinária ternura e falam do sutil senso de cor do artista.

A figura central da composição é Vênus, que acaba de emergir das águas do mar azul. Ela está nua. Porém, graças ao seu olhar calmo e espiritual, o espectador não se sente constrangido. A deusa é linda, tão bela quanto pode ser um ser sobrenatural que desceu do céu. A imagem de Vênus pode ser facilmente reconhecida nas pinturas criadas por Botticelli a partir do famoso motivos bíblicos. Entre as pinturas de conteúdo religioso, destacam-se “Madona Entronizada” (1484) e “Madona em Glória” (“Magnificat”).

Ambos estão atualmente na Galeria Uffizi, em Florença. “Madonna in Glory” distingue-se pelo lirismo subtil das suas imagens. A dinâmica da composição é criada graças a Forma redonda pinturas cujos ritmos se repetem
na disposição de figuras em movimento. A paisagem, trazida para o fundo da composição, cria volume e espaço.

Os retratos do grande pintor também são extremamente belos e líricos. De particular interesse entre eles são
retrato de Giuliano de' Medici e "Retrato de um Jovem". Porém, atualmente, alguns historiadores da arte atribuem a autoria da última obra ao aluno de Sandro Botticelli, Filippino Lippi (filho de Filippo Lippi).

anos 90 O século XV foi um ponto de viragem para o artista. Esta época foi marcada pela expulsão dos Medici e pela ascensão ao poder
Savonarola, cujos sermões religiosos visavam denunciar o Papa e as famílias ricas florentinas. Ele
Ele também criticou a arte secular, e todos os artistas e poetas, segundo Savonarola, enfrentaram a Geena de fogo após a morte. Para evitar isso, você precisa renunciar à arte e se arrepender de seus pecados...

Esses sermões influenciaram significativamente a visão de mundo de Botticelli, o que não poderia deixar de afetar seu trabalho. As obras do artista criadas durante este período distinguem-se pelo seu pessimismo, desesperança e destruição invulgarmente profundos. O autor agora se volta cada vez mais para assuntos cristãos, esquecendo-se da antiguidade. Uma obra característica desta época para Botticelli é “O Abandonado”, hoje guardado na coleção Pallavicini em Roma. O enredo da imagem é bastante simples: uma mulher chorando está sentada em degraus de pedra encostada em uma parede com portão bem fechado. Mas, apesar da simplicidade do conteúdo, a imagem é muito expressiva e cria no espectador um clima deprimente, triste e sombrio.

Na década de 1490 Século XV Ilustrações de Botticelli para " Divina Comédia»Dante. Apenas 96 desenhos sobreviveram até hoje, que agora estão nos museus de Berlim e do Vaticano. Todas as imagens dos esboços são extraordinariamente frágeis, arejadas e leves, o que é característica distintiva toda a obra de Botticelli.

Nos mesmos anos 90. O grande mestre criou a tela “Calúnia”, que está guardada na Galeria Uffizi, em Florença. A pintura é notável pelo fato de que o estilo da pintura muda um pouco aqui. As linhas que criam as imagens tornam-se mais nítidas e pontiagudas. A composição é repleta de pathos, emotividade e maior clareza de imagens em comparação com outras obras.

O auge da expressão do fanatismo religioso do artista foi a pintura intitulada “A Lamentação de Cristo”. Atualmente, versões da tela são mantidas no Museu Poldi Pezzoli, em Milão, e na Alte Pinakothek, em Munique. De particular interesse aqui são as imagens daqueles que estão próximos de Cristo, cheios de profunda tristeza e saudade. A impressão de tragédia é reforçada pelo uso pelo artista de cores contrastantes, às vezes escuras, às vezes brilhantes. O espectador já não vê imagens incorpóreas, quase sem peso e invisíveis, mas sim figuras concretas e claras.

Um dos trabalhos mais brilhantes relacionados a período tardio criatividade de Botticelli, é a tela “Cenas da vida de São Zenóbio”, atualmente guardada no Dresden galeria de Arte Na Alemanha. Feita no estilo da pintura das antigas capelas-altar, a composição é uma espécie de colagem composta por pinturas individuais que contam a vida do santo. Porém, apesar das semelhanças com a arte antiga, a individualidade criativa do mestre da pintura ficou claramente demonstrada na tela. Suas imagens são sólidas e claras. Eles não são colocados em um espaço abstrato, mas contra o pano de fundo de uma paisagem concreta. O local de ação de Botticelli está claramente definido: na maioria das vezes são ruas comuns de cidades com uma bela floresta visível à distância.

De particular interesse são as combinações de cores utilizadas pelo pintor. A maneira de escrever deste ponto de vista é em muitos aspectos semelhante à técnica da pintura. ícones antigos, cuja cor não se baseia no contraste brilhante, mas na seleção de tons calmos e de cores próximas.

Sandro Botticelli morreu em 17 de maio de 1510. Sua obra teve grande influência não só nos mestres dos séculos XV-XVI, mas também em muitos pintores de épocas posteriores.

Na era do Proto-Renascimento, artistas maravilhosos como os pintores de Siena que viveram na mesma época que Duccio, os irmãos Ambrogio e Pietro Lorenzetti; os florentinos Masolino e Benozzo Gozzoli, Úmbria Gentile de Fabriano; o pintor e medalhista Pisanello; Os florentinos Filippino Lippi (filho de Filippo Lippi) e Piero di Cosimo. Os representantes da escola da Úmbria foram os pintores Luca Signorelli, Pinturicchio, Melozzo da Forli. Cosimo Tura, Ercole Roberti, Francesco del Cossa, Lorenzo Costa trabalharam em Ferrara.

No século 15 Outro gênero de pintura era muito popular em Florença. Muitas famílias tinham baús elegantes (cassones) nos quais as meninas guardavam seus dotes. Os artesãos os cobriram com entalhes habilidosos e pinturas elegantes. Na maioria das vezes, os artistas usavam temas mitológicos em pinturas.

Pintura veneziana

Veneza ocupa um lugar especial na arte do Quattrocento. A incrível cidade, localizada em cento e dezoito ilhas, separadas umas das outras por cento e sessenta canais, era naquela época uma cidade-estado. Veneza, uma república de mercadores, negociando com o Egito, Grécia, Turquia, Síria, Bagdá, Índia, Arábia, norte da África, Alemanha e Flandres, estava aberto à penetração de outras culturas.

A pintura veneziana foi projetada para capturar toda a beleza, riqueza e esplendor desta grande cidade. Atingiu o seu apogeu na segunda metade do século XV. As obras dos mestres venezianos, coloridas e festivamente decorativas, decoraram templos, palácios e instalações de diversas instituições públicas, deliciando governantes e cidadãos comuns.

Um exemplo marcante da pintura veneziana é a obra de Vittore Carpaccio. Suas composições narrativas simples representam poeticamente Veneza durante as cerimônias (“Recepção dos Embaixadores”). O artista retrata e vida cotidiana cidade natal; escreve cenas da História Sagrada, interpretando-as desde um ponto de vista moderno. Estas são a sua “Vida de S. Úrsula" (1490), "Cenas da Vida de Maria", "Vida de Santa Maria". Estêvão" (1511-1520).

As tendências realistas da pintura veneziana do início da Renascença refletiram-se na obra de Antonello da Messina. Uma de suas pinturas mais famosas é “St. Sebastião" (1476). Tema do martírio de S. Sebastião, vítima de Diocleciano, adversário do cristianismo, era muito difundido entre os artistas renascentistas, mas Antonello da Messina interpreta-o de forma especial: na imagem de Sebastião não há aquela exaltação sofrida que caracteriza as obras escritas no mesmo assunto por outros pintores com este assunto. A artista faz o espectador admirar a beleza do corpo humano e admirar a coragem e fortaleza do belo jovem. A paisagem calma contra a qual Sebastião é retratado é permeada de ar e luz. Edifícios majestosos da cidade erguem-se atrás dele e uma coluna antiga está a seus pés.

Antonello da Messina é um maravilhoso mestre do retrato, as melhores obras do gênero são as chamadas. “Auto-retrato” (c. 1473), “Condottiere”, “ Retrato de um homem"(década de 1470). Estas obras caracterizam-se pela contenção e generalidade, qualidades tão valorizadas pelos contemporâneos do artista. O retrato do mestre antecipou a obra de Giovanni Bellini.

Grande mestre do Quattrocento veneziano, Giovanni Bellini é considerado um dos fundadores da Alta Renascença. Suas obras “Madona e os Santos” (1476) e “Lamentação de Cristo” (1475) são marcadas por uma grandeza trágica. Sua misteriosa “Madona do Lago” (c. 1500), inspirada em um poema francês, chama a atenção
sobre a idade de ouro "Peregrinação da Alma". Esta imagem combina belas imagens da antiguidade e sonhos de um paraíso cristão.

Até agora, os pesquisadores não entenderam completamente o que o artista queria dizer quando retratou pessoas comuns ao lado da Virgem Maria, dos apóstolos e dos santos.

Bellini pintou vários retratos maravilhosos (“Menino”, “Retrato do Doge Leonardo Loredano”, etc.), a partir dos quais começou o florescimento do retrato em Veneza. A habilidade do pintor em retratar a natureza, parte integrante de todas as suas obras (“São Francisco”, década de 1470), teve grande influência em muitos pintores paisagistas venezianos das gerações seguintes. Os alunos de Bellini foram pintores famosos como Giorgione e Ticiano.

Giorgione

Giorgione, não só grande pintor, mas também músico talentoso e poeta, destaca-se claramente entre os pintores venezianos. Vasari escreveu que “seu toque de alaúde e seu canto eram considerados divinos”. Provavelmente é daí que vem a musicalidade e a poesia especiais das pinturas de Giorgione - nisso ele não tem igual não só na arte italiana, mas também na arte mundial.

Há poucas informações sobre a vida de Giorgione. Seu nome verdadeiro é Giorgio Barbarelli da Castelfranco. Como escreve Vasari,
O artista recebeu o apelido de Giorgione (“Grande Giorgio”) “pela sua grandeza de espírito”.

Giorgione nasceu por volta de 1478 em Castelfranco. Ainda jovem veio para Veneza, onde ingressou na oficina de Giovanni Bellini. Desde então, o pintor quase nunca mais saiu de Veneza, onde morreu em 1510 durante uma epidemia de peste.

Uma das pinturas mais famosas de Giorgione é a famosa “Judite”, guardada em l'Hermitage. Diz a lenda que a bela Judite entrou na tenda do líder do exército inimigo, Holofernes, e o seduziu. Quando Holofernes adormeceu, a menina o decapitou.

O artista russo A. Benois escreveu sobre esta pintura misteriosa: “ Imagem estranha, tão “ambíguo” e “insidioso” quanto as pinturas de Leonardo. Esta é Judite? - Gostaria de perguntar sobre esta beleza severa e triste com rosto de Vênus de Dresden, pisoteando com tanta calma sua cabeça decepada.” Na verdade, há algum tipo de contradição e mistério escondido nesta pintura: a impiedosa Judith bíblica aparece na obra de Giorgione na imagem poética de uma garota sonhadora tendo como pano de fundo uma natureza calma e tranquila.

E este não é o único mistério na obra de Giorgione.

Que segredo se esconde no quadro “A Tempestade”, em que, sob um céu tempestuoso, entre árvores e fragmentos de colunas antigas, vemos uma jovem sentada alimentando uma criança e um jovem caminhando ao longe? Também não está claro o que o artista quis dizer quando retratou duas mulheres nuas na companhia de dois músicos, situadas à sombra de uma árvore, na tela intitulada “Concerto Rural”. No “Concerto Rural” - o seu último emprego- Giorgione não teve tempo de terminar de pintar a paisagem ao fundo, e Ticiano fez isso por ele. Já em outra época, a ideia da composição foi utilizada por E. Manet em seu famoso “Almoço na Grama”.

Árvores, colinas, distâncias brilhantes nas obras de Giorgione não são apenas um pano de fundo sobre o qual são representadas figuras humanas. A paisagem está intimamente ligada aos personagens e à ideia das obras do mestre veneziano. Assim, na composição “Três Filósofos”, um velho com vestes antigas, um homem de meia-idade com turbante oriental e um jovem, encarnando diferentes estágios de conhecimento da natureza, representam com ela um todo único: o delicado verde de um vale montanhoso, uma massa rochosa, um céu pálido iluminado pelos fracos raios do sol.

A mesma ideia de harmonia entre o homem e a natureza se refletiu em uma das obras-primas de Giorgione - a pintura “Vênus Adormecida”. A nudez sensual e ao mesmo tempo casta da bela imersa no sono tornou-se a personificação de uma paisagem italiana encantadora e ao mesmo tempo simples, cujos tons amarelo-ouro se repetem nos tons quentes do corpo de Vênus. Mais tarde, o motivo de “Vênus Adormecida” foi usado por Ticiano (“Vênus de Urbino”), depois por D. Velázquez (“Vênus diante do Espelho”), F. Goya (“Mach”) e E. Manet (“Olympia ”).

O profundo interesse de Giorgione pela paisagem como elemento independente de composição preparou o surgimento de um novo gênero na pintura italiana - a paisagem.

A obra de Giorgione teve uma influência significativa não só em Veneza, mas em todo o mundo. Pintura italiana. O notável artista tornou-se um dos fundadores da arte da Alta Renascença. Posteriormente, os princípios e ideias de sua arte, Giorgione, foram refletidos nas obras de seu aluno Ticiano.