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As belas artes podem transmitir uma ampla gama de emoções. Algumas pinturas fazem você ficar olhando para elas por horas, enquanto outras literalmente chocam, surpreendem e explodem sua visão de mundo. Existem obras-primas que fazem você pensar e pesquisar significado secreto. Algumas pinturas estão envoltas em mistérios místicos, enquanto em outras o principal é o preço exorbitante.

Existem muitas pinturas estranhas na história da pintura mundial. Em nossa avaliação não mencionaremos deliberadamente Salvador Dali, que foi um mestre no gênero e cujo nome vem primeiro à mente. E embora o próprio conceito de estranheza seja subjetivo, podemos destacar aqueles trabalho famoso, que se destacam claramente da série geral.

Edvard Munch "O Grito". A obra, medindo 91x73,5 cm, foi realizada em 1893. Munch pintou em óleo, pastel e têmpera hoje a pintura é mantida; galeria Nacional Oslo. A criação do artista tornou-se um ícone para o impressionismo; é geralmente uma das pinturas mais famosas do mundo hoje. O próprio Munch contou a história de sua criação: “Eu estava caminhando por um caminho com dois amigos. Naquela hora o sol estava se pondo. De repente, o céu ficou vermelho-sangue, parei, sentindo-me exausto, e me encostei na cerca. o sangue e as chamas acima do azulado - o fiorde negro e a cidade Meus amigos seguiram em frente, mas eu ainda estava ali, tremendo de excitação, sentindo o grito interminável perfurando a natureza. Existem duas versões da interpretação do significado desenhado. Podemos supor que o personagem retratado é tomado de horror e grita silenciosamente com as mãos nos ouvidos. Outra versão diz que o homem cobriu os ouvidos dos gritos ao seu redor. No total, Munch criou até 4 versões de O Grito. Alguns especialistas acreditam que esta pintura é uma manifestação clássica da psicose maníaco-depressiva de que sofria o artista. Quando Munch foi tratado na clínica, ele nunca mais voltou a ver esta pintura.

Paul Gauguin "De onde viemos? Quem somos? Para onde vamos?" No Museu de Boston belas-Artes você pode encontrar esta obra impressionista medindo 139,1 x 374,6 cm. Foi pintada em óleo sobre tela em 1897-1898. Esta obra profunda foi escrita por Gauguin no Taiti, onde se retirou da agitação da vida parisiense. A pintura tornou-se tão importante para o artista que após sua conclusão ele até teve vontade de cometer suicídio. Gauguin acreditava que estava muito acima de tudo o que ele havia criado antes. O artista acreditava que não seria capaz de criar algo melhor ou semelhante; simplesmente não tinha mais nada pelo que lutar. Gauguin viveu mais 5 anos, provando a veracidade de seus julgamentos. Ele mesmo disse que imagem principal deve ser visto da direita para a esquerda. Nela existem três grupos principais de figuras, que personificam as questões que dão título à tela. Três mulheres com um filho mostram o início da vida, no meio as pessoas simbolizam a maturidade, a velhice é representada velha que está esperando por sua morte. Parece que ela aceitou isso e está pensando em algo próprio. Situado a seus pés pássaro branco, simbolizando a falta de sentido das palavras.

Pablo Picasso "Guernica". A criação de Picasso está guardada no Museu Reina Sofia, em Madrid. Panorama geral medindo 349 por 776 cm, pintado em óleo sobre tela. Esta pintura a fresco foi criada em 1937. O filme fala sobre o ataque de pilotos voluntários fascistas à cidade de Guernica. Como resultado desses acontecimentos, uma cidade com uma população de 6 mil habitantes foi completamente varrida da face da terra. O artista criou esta pintura em apenas um mês. Nos primeiros dias Picasso trabalhou de 10 a 12 horas, em seus primeiros esboços já se via idéia principal. Como resultado, a imagem tornou-se uma das melhores ilustrações todos os horrores do fascismo, da crueldade e da dor humana. Em Guernica pode-se ver um cenário de atrocidade, violência, morte, sofrimento e desamparo. Embora as razões para isso não sejam explicitamente declaradas, elas ficam claras na história. Dizem que em 1940 Pablo Picasso chegou a ser convocado para a Gestapo em Paris. Ele foi imediatamente questionado: “Você fez isso?” Ao que o artista respondeu: “Não, você conseguiu”.

Jan van Eyck "Retrato do casal Arnolfini". Esta pintura foi pintada em 1434 em óleo sobre madeira. As dimensões da obra-prima são 81,8x59,7 cm e está armazenada na Galeria Nacional de Londres. Presumivelmente, a pintura retrata Giovanni di Nicolao Arnolfini junto com sua esposa. A obra é uma das mais difíceis da escola ocidental de pintura da época Renascença do Norte. Nisso pintura famosa um grande número de símbolos, alegorias e várias pistas. Basta olhar para a assinatura do artista “Jan van Eyck esteve aqui”. Como resultado, a pintura não é apenas uma obra de arte, mas um verdadeiro documento histórico. Afinal, ele retrata evento real, que van Eyck capturou. Esta foto em Ultimamente tornou-se muito popular na Rússia, porque a semelhança de Arnolfini com Vladimir Putin é perceptível a olho nu.

Mikhail Vrubel "O Demônio Sentado". A Galeria Tretyakov abriga esta obra-prima de Mikhail Vrubel, pintada a óleo em 1890. As dimensões da tela são 114x211 cm. O demônio aqui retratado é surpreendente. Ele aparece como um jovem triste com cabelo longo. Não é assim que as pessoas costumam imaginar os espíritos malignos. O próprio Vrubel disse sobre sua pintura mais famosa que, em sua compreensão, o demônio não é tanto um espírito maligno, mas sim um espírito sofredor. Ao mesmo tempo, não se pode negar-lhe autoridade e majestade. O demônio de Vrubel é uma imagem, antes de tudo, do espírito humano, da luta constante consigo mesmo e das dúvidas que reina dentro de nós. Esta criatura, rodeada de flores, apertou tragicamente as mãos, os seus enormes olhos olhando tristemente para longe. Toda a composição expressa a restrição da figura demoníaca. Ele parece estar imprensado nesta imagem entre a parte superior e inferior do porta-retratos.

Vasily Vereshchagin "Apoteose da Guerra". O quadro foi pintado em 1871, mas nele o autor parecia prever os horrores das futuras guerras mundiais. A tela medindo 127x197 cm está guardada na Galeria Tretyakov. Vereshchagin é considerado um dos melhores pintores de batalha da Pintura russa. No entanto, ele não escreveu guerras e batalhas porque as amava. Artista significa Artes visuais tentou transmitir às pessoas sua atitude negativa em relação à guerra. Certa vez, Vereshchagin até prometeu não pintar mais pinturas de batalha. Afinal, o artista levou muito perto do coração a dor de cada soldado ferido e morto. O resultado de uma atitude tão sincera em relação a este tema foi “A Apoteose da Guerra”. Uma imagem assustadora e fascinante mostra uma montanha de crânios humanos em um campo com corvos ao redor. Vereshchagin criou uma tela emocional atrás de cada crânio em uma enorme pilha, onde é possível traçar a história e o destino de indivíduos e pessoas próximas a eles. O próprio artista sarcasticamente chamou essa pintura de natureza morta, porque retrata a natureza morta. Todos os detalhes da “Apoteose da Guerra” gritam sobre a morte e o vazio, isso pode ser visto até no fundo amarelo da terra. E o azul do céu só enfatiza a morte. A ideia dos horrores da guerra é enfatizada por buracos de bala e marcas de sabre nos crânios.

Grant Wood "Gótico Americano" Esta pequena pintura mede 74 por 62 cm. Foi criada em 1930 e hoje está guardada no Art Institute of Chicago. A imagem é uma das mais exemplos famosos Arte americana do século passado. Já em nossa época, o nome “American Gothic” é frequentemente mencionado na mídia. A pintura retrata um pai bastante sombrio e sua filha. Numerosos detalhes falam da severidade, do puritanismo e da ossificação dessas pessoas. Eles têm rostos insatisfeitos, há forcados agressivos no meio da foto e as roupas do casal são antiquadas até para os padrões da época. Até a costura da roupa de um agricultor segue a forma de um forcado, duplicando a ameaça para aqueles que invadiriam o seu modo de vida. Os detalhes da imagem podem ser estudados indefinidamente, sentindo desconforto físico. É interessante que certa vez, em um concurso no Art Institute of Chicago, o quadro foi aceito pelos jurados como engraçado. Mas os moradores de Iowa ficaram ofendidos com o artista por mostrá-los de um ângulo tão desagradável. O modelo da mulher era a irmã de Wood, mas o protótipo do homem furioso era o dentista do pintor.

René Magritte "Amantes". A pintura foi pintada em 1928 em óleo sobre tela. Neste caso, existem duas opções. Em um deles, um homem e uma mulher se beijam, apenas as cabeças estão enroladas em um pano branco. Em outra versão da pintura, os amantes olham para o espectador. O que é desenhado surpreende e fascina. Figuras sem rosto simbolizam a cegueira do amor. É sabido que os amantes não veem ninguém por perto, mas não podemos vê-los sentimentos verdadeiros. Mesmo umas para as outras, essas pessoas, cegas pelos sentimentos, são na verdade um mistério. E embora a mensagem principal da imagem pareça clara, “Amantes” ainda faz você olhar para eles e pensar no amor. Em geral, quase todas as pinturas de Magritte são quebra-cabeças completamente impossíveis de resolver. Afinal, essas pinturas levantam as principais questões sobre o sentido de nossas vidas. Neles, o artista fala sobre o caráter ilusório do que vemos, sobre o fato de que existem muitas coisas misteriosas ao nosso redor que tentamos não perceber.

Marc Chagall "Caminhada". A pintura foi pintada em óleo sobre tela em 1917 e hoje está guardada no Estado; Galeria Tretyakov. Em suas obras, Marc Chagall costuma ser sério, mas aqui se permitiu demonstrar seus sentimentos. A pintura expressa a felicidade pessoal do artista; é cheia de amor e alegorias. Sua “Caminhada” é um autorretrato, onde Chagall retratou sua esposa Bella ao lado dele. Sua escolhida está voando alto no céu, ela está prestes a arrastar até lá o artista, que quase já saiu do chão, tocando-o apenas com a ponta dos sapatos. Na outra mão do homem está um chapim. Podemos dizer que foi assim que Chagall retratou sua felicidade. Ele tem uma torta no céu na forma de sua amada e um pássaro nas mãos, o que significa sua criatividade.

Hieronymus Bosch "O Jardim das Delícias Terrenas". Esta tela de 389x220 cm está guardada no Museu Espanhol de Direito. Bosch pintou a pintura a óleo sobre madeira entre 1500 e 1510. Este é o tríptico mais famoso de Bosch, embora a pintura tenha três partes, leva o nome da central, dedicada à volúpia. Existem debates constantes em torno do significado da estranha pintura; não há interpretação que seja reconhecida como a única correta; O interesse pelo tríptico surge devido aos muitos peças pequenas, que expressam a ideia principal. Existem figuras translúcidas, estruturas incomuns, monstros, pesadelos e visões que se tornam realidade e variações infernais da realidade. O artista conseguiu olhar tudo isso com um olhar penetrante e penetrante, conseguindo combinar elementos díspares em tela única. Alguns pesquisadores tentaram ver na imagem um reflexo vida humana, que o autor mostrou ser fútil. Outros encontraram imagens de amor, outros descobriram o triunfo da volúpia. No entanto, é duvidoso que o autor estivesse tentando glorificar os prazeres carnais. Afinal, as figuras humanas são retratadas com frio distanciamento e simplicidade. E as autoridades da igreja reagiram de forma bastante favorável a esta pintura de Bosch.

Gustav Klimt "As Três Idades da Mulher". Na Galeria Nacional de Roma arte contemporânea esta imagem está localizada. A tela quadrada, de 180 cm de largura, foi pintada em óleo sobre tela em 1905. Esta pintura expressa alegria e tristeza ao mesmo tempo. A artista conseguiu mostrar toda a vida de uma mulher em três figuras. O primeiro, ainda criança, é extremamente despreocupado. Uma mulher madura expressa paz e última idade simboliza o desespero. Em que idade Média organicamente tecido no padrão de vida, e o antigo se destaca visivelmente contra seu pano de fundo. O claro contraste entre a jovem e a mais velha é simbólico. Se o florescimento da vida é acompanhado por inúmeras possibilidades e mudanças, então a última fase é uma constância arraigada e um conflito com a realidade. Tal quadro chama a atenção e faz pensar na intenção do artista e em sua profundidade. Contém toda a vida com sua inevitabilidade e metamorfoses.

Egon Schiele "Família". Esta tela medindo 152,5x162,5 cm foi pintada a óleo em 1918. Hoje em dia está guardado no Belvedere de Viena. O professor de Schiele foi o próprio Klimt, mas o aluno não tentou copiá-lo diligentemente, buscando seus próprios métodos de expressão. Podemos dizer com segurança que as obras de Schiele são ainda mais trágicas, assustadoras e estranhas que as de Klimt. Alguns elementos hoje seriam chamados de pornográficos, existem muitas perversões diferentes, o naturalismo está presente em toda a sua beleza. Ao mesmo tempo, as pinturas estão literalmente permeadas por uma espécie de doloroso desespero. O auge da criatividade de Schiele e de sua própria criatividade Última fotoé "Família". Nesta pintura, o desespero é levado ao máximo, enquanto a obra em si se revela a menos estranha para o autor. Depois que a esposa grávida de Schiele morreu de gripe espanhola, e pouco antes de sua morte, esta obra-prima foi criada. Apenas 3 dias se passaram entre as duas mortes; foram suficientes para o artista se retratar com sua esposa e seu marido; criança nascida. Naquela época, Shila tinha apenas 28 anos.

Frida Kahlo "Duas Fridas". A imagem nasceu em 1939. Artista mexicano Frida Kahlo ficou famosa após o lançamento de um filme sobre ela com Salma Hayek em papel de liderança. O trabalho da artista foi baseado em seus autorretratos. Ela mesma explicou esse fato da seguinte maneira: “Escrevo-me porque passo muito tempo sozinha e porque sou o assunto que melhor conheço”. É interessante que Frida não sorri em nenhuma de suas pinturas. Seu rosto está sério, até um tanto triste. Sobrancelhas grossas fundidas e um bigode quase imperceptível acima dos lábios comprimidos expressam a máxima seriedade. As ideias das pinturas estão nas figuras, no fundo e nos detalhes do que cerca Frida. O simbolismo das pinturas é baseado em tradições nacionais México, intimamente ligado à antiga mitologia indígena. "Duas Fridas" é uma das mais melhores pinturas Mexicanos. Iniciar de uma forma original exibe masculino e feminino ter um único sistema circulatório. Assim, o artista mostrou a unidade e integridade desses dois opostos.

Claude Monet "Ponte Waterloo. O efeito do nevoeiro." No Hermitage de São Petersburgo você pode encontrar esta pintura de Monet. Foi pintado em óleo sobre tela em 1899. Após um exame mais detalhado da pintura, ela aparece como uma mancha roxa com pinceladas grossas aplicadas sobre ela. Porém, afastando-se da tela, o espectador compreende toda a sua magia. Primeiro, semicírculos vagos que atravessam o centro da imagem tornam-se visíveis e aparecem os contornos dos barcos. E à distância de alguns metros você já pode ver todos os elementos da imagem que estão conectados em uma cadeia lógica.

Jackson Pollock "Número 5, 1948". Pollock é um clássico do gênero expressionismo abstrato. Seu mais foto famosaé de longe o mais caro do mundo. E o artista pintou em 1948, simplesmente derramando Pintura a óleo em placa de fibra medindo 240x120 cm no chão. Em 2006, esta pintura foi vendida na Sotheby's por US$ 140 milhões. O proprietário anterior, colecionador e produtor de cinema David Giffen, vendeu-o ao financista mexicano David Martinez. Pollock disse que decidiu se afastar de ferramentas artísticas familiares como cavalete, tintas e pincéis. Suas ferramentas eram paus, facas, pás e tinta fluida. Ele também usou uma mistura com areia ou mesmo vidro quebrado. Começando a criar. Pollock se entrega à inspiração sem nem perceber o que está fazendo. Só então ocorre a realização do que é perfeito. Ao mesmo tempo, o artista não tem medo de destruir a imagem ou alterá-la inadvertidamente - a pintura começa a viver própria vida. A tarefa de Pollock é ajudá-lo a nascer, a sair. Mas se o mestre perder contato com sua criação, o resultado será caos e sujeira. Se for bem-sucedida, a pintura incorporará pura harmonia, facilidade de receber e implementar inspiração.

Joan Miró “Homem e mulher diante de uma pilha de excrementos”. Esta pintura encontra-se hoje guardada na fundação do artista em Espanha. Foi pintado a óleo sobre folha de cobre em 1935, em apenas uma semana, de 15 a 22 de outubro. O tamanho da criação é de apenas 23x32 cm. Apesar do nome tão provocativo, a imagem fala de horror. guerras civis. O próprio autor retratou, assim, os acontecimentos daqueles anos ocorridos na Espanha. Miro tentou demonstrar um período de ansiedade. Na foto você pode ver um homem e uma mulher imóveis, que, no entanto, se sentem atraídos um pelo outro. A tela está saturada de flores venenosas ameaçadoras e, junto com genitais aumentados, parece deliberadamente nojenta e repugnantemente sexy.

Jacek Yerka "Erosão". Nas obras deste neo-surrealista polaco, imagens da realidade, entrelaçadas, geram nova realidade. De certa forma, até mesmo pinturas tocantes são extremamente detalhadas. Eles contêm ecos dos surrealistas do passado, de Bosch a Dali. Yerka cresceu na atmosfera arquitetura medieval, que sobreviveu milagrosamente aos bombardeios da Segunda Guerra Mundial. Começou a desenhar antes mesmo de entrar na universidade. Tentaram mudar seu estilo para um mais moderno e menos detalhado, mas o próprio Yerka manteve sua individualidade. Hoje é pinturas incomuns exibido não apenas na Polônia, mas também na Alemanha, França, Mônaco e EUA. Eles estão em várias coleções ao redor do mundo.

As mãos de Bill Stoneham resistem a ele. A pintura, pintada em 1972, dificilmente pode ser chamada de clássico da pintura. Porém, não há dúvida de que é uma das criações mais estranhas dos artistas. A pintura retrata um menino, uma boneca ao lado dele e inúmeras palmas pressionadas contra o vidro atrás dele. Esta pintura é estranha, misteriosa e um tanto mística. Já está repleto de lendas. Dizem que por causa dessa pintura alguém morreu, mas as crianças nela estão vivas. Ela parece realmente assustadora. Não é de surpreender que a imagem evoque medos e fantasias terríveis em pessoas com a psique doente. O próprio Stoneham garantiu que se pintou aos 5 anos de idade. A porta atrás do menino é uma barreira entre a realidade e o mundo dos sonhos. A boneca é um guia que pode levar uma criança de um mundo a outro. As mãos são vidas alternativas ou capacidades humanas. A imagem ficou famosa em fevereiro de 2000. Foi colocado à venda no eBay com a alegação de que era mal-assombrado. Como resultado, "Hands Resist Him" ​​​​foi comprado por US$ 1.025 por Kim Smith. Logo o comprador foi literalmente inundado com cartas de Histórias assustadoras associado à pintura e exige a destruição desta pintura.

“Você não deve perder a fé na humanidade. A humanidade é como um oceano, e algumas gotas sujas não podem sujar todo o oceano”, disse Mahatma Gandhi. O coração humano é multifacetado e a manifestação dos sentimentos e aspirações das pessoas não é menos diversa. Esta seleção de fotografias reflete o desejo indomável de uma pessoa de viver, de dar amor, mas ao mesmo tempo, o desespero e a dor que ela pode experimentar. Esta é a história da humanidade, boa e má, tal como é.

1. O Menino Faminto e o Missionário

2. Dentro da câmara de gás de Auschwitz

3. Cirurgião cardíaco

Cirurgião cardíaco após uma operação de transplante cardíaco bem-sucedida de 23 horas. Seu assistente está dormindo no canto.

4. Pai e filho (1949 e 2009)

5. No funeral da professora

O menino brasileiro de 12 anos, Diego Frazão Torvato, toca violino no funeral de seu professor. Com a ajuda da música, a professora ajudou o rapaz a escapar da pobreza e da crueldade.

6. Um soldado russo toca um piano abandonado na Chechênia em 1994.

7. Um jovem acabou de descobrir que seu irmão foi morto

8. Os cristãos defendem os muçulmanos durante as orações durante as revoltas de 2011 no Cairo.

9. Um bombeiro dá água a um coala durante os grandes incêndios na Austrália em 2009.

10. Terry Gurrola abraça sua filha após retornar de sete meses de serviço no Iraque.

11. Pessoas sem-abrigo na Índia esperam por comida gratuita distribuída numa mesquita antes do Eid al-Fitr em Nova Deli, Índia.

12. Zanjir

O cachorro Zanjeer salvou milhares de vidas durante os atentados de Mumbai, ocorridos em março de 1993. Zanjeer recuperou mais de 3.329 kg de explosivos, 600 detonadores, 249 granadas de mão e 6.406 cartuchos reais de munição. Ele foi enterrado com todas as honras em 2000.

13. "Homem em queda"

Um homem cai do mundo Shopping 11 de setembro de 2011.

14. Um alcoólatra e seu filho

15. Casal abraçado nas ruínas de uma fábrica desabada

16. Pôr do sol em Marte

17. Na comunidade cigana

Um menino cigano de cinco anos na véspera de Ano Novo de 2006 em comunidade cigana St. Jacques, no sul da França. Nesta comunidade, fumar não é proibido para meninos e é considerado normal e normal.

18. Hang Te Yu, de 29 anos, cobriu o rosto com as mãos enquanto estava sobre as ruínas de sua casa.

Em Maio de 2008, o ciclone Nargis atingiu a costa sul de Myanmar, matando mais de cem mil pessoas e deixando milhões de desalojados.

19. Amigo dedicado

Um cachorro chamado Leau senta-se pelo segundo dia consecutivo no túmulo de seu antigo dono, que morreu durante deslizamentos de terra devastadores perto do Rio de Janeiro em 2011.

20. “Espere por mim, papai”

21. Um veterano idoso que serviu como motorista de tanque durante a Segunda Guerra Mundial finalmente encontrou o tanque no qual passou toda a guerra.

22. "Poder das Flores"

23. Uma mulher está sentada entre as ruínas após um poderoso terremoto e tsunami na cidade japonesa de Natori em março de 2011.

1.Leonardo da Vinci. Monalisa. A imagem mais reconhecida do mundo tem muito a ensinar aos fotógrafos, mas o principal é que tipo de relação deve haver com o assunto. Como já foi dito muitas vezes, seu sorriso fala do vínculo especial entre artista e modelo. É isso que todo fotógrafo deve buscar ao criar retratos.

2. Rafael. Escola de Atenas. Muitos fotógrafos preferem tirar fotografias objetos individuais. Uma pessoa, uma coisa e um momento. Esta obra é daquela época em que uma pintura demorava meia hora para ser vista. Há uma dúzia acontecendo nele situações diferentes e nenhum deles interfere no outro. É muito importante poder compor uma cena multifacetada em um quadro.

3.Jan Vermeer. Garota com Brinco de Pérola. Vermeer adorava a luz das janelas. Esta é a melhor luz para retratos. Quando usamos iluminação de estúdio ou flash, tentamos obter uma luz remotamente boa. Assim como no retrato da Mona Lisa, há uma ligação com a artista que é transmitida ao espectador.

4. Edward Hopper. Falcões Noturnos. Todos os fotógrafos procuram aqueles breves momentos que posteriormente “fisgarão” o espectador. Esta pintura chama a atenção pela sua calma. Os fotógrafos deveriam tentar ver e capturar momentos como este.

5. M. Escher. Mão e bola de espelhos. Uma das coisas que qualquer fotógrafo deve ser capaz de fazer é mostrar perspectiva na fotografia.

6.Norman Rockwell. Fofoca. Narração através da expressão facial. Não precisamos conhecer os rumores em si para entender o que está acontecendo nesta imagem. A capacidade de capturar uma expressão facial “falante” é uma habilidade importante para um fotógrafo.

7.Norman Rockwell. A fuga. Norman Rockwell tinha o talento de apelar às memórias dos espectadores quando viam suas pinturas. A história que este trabalho conta é muito mais do que às vezes pode contar livro inteiro. Crie uma foto como essa e ela lhe trará sucesso.

8. Andy Warhol. Alguns fotógrafos lutam para encontrar assuntos para fotografar. Eles estão procurando por algo emocionante. É muito mais importante poder transformar coisa simples em algo extraordinário, e foi exatamente isso que Warhol fez com as latas de sopa.

9. Gustav Klimt. Beijo. Muitos fotógrafos seguem as últimas tendências em fotografia. Existem milhões de imagens na Internet usando HDR (High Dynamic Range), onde três quadros da mesma cena são filmados em exposições diferentes e combinados usando um editor. Engana-se quem pensa que basta novidade, que você pode fotografar qualquer coisa com essa técnica e vai dar certo. Boa foto. Klimt ficou muito famoso por suas pinturas estilizadas, mas nesta mostra um momento de profunda conexão entre objetos. Isso deve servir de lição para todos os fotógrafos.

11. Miguel Ângelo. Teto Capela Sistina. Uma boa habilidade para um fotógrafo é observar as coisas de diferentes ângulos para obter a melhor foto. Não deixe que uma postura estranha atrapalhe a inspiração. Tire fotos, mesmo que tenha que olhar para cima.

12. Salvador Dalí. Três Esfinges da Ilha do Biquíni. É importante ver formas e texturas repetidas na fotografia e criar com base nelas boas fotos.

13. Grafite de Banksy. Banksy é um mestre em combinar coisas incompatíveis. Você espera ver uma coisa, mas ele te surpreende com algo completamente diferente.

14. William Blake. Grande arquiteto. Blake pode ensinar aos fotógrafos como equilibrar inspiração e técnica.

15. Vincent Van Gogh. Café noturno. Deveríamos fotografar coisas que significam algo para nós. Ao olhar para esta foto, você entende que esse café tinha um certo significado para Van Gogh, era importante para ele.

16. Katsushika Hokusai. Uma grande onda em Kanagawa. Momentos decisivos não acontecem apenas na vida das pessoas. Os fotógrafos deveriam procurar momentos semelhantes no mundo ao seu redor.

17. Hiroshige. Uma mulher caminhando por uma estrada através de campos. O fotógrafo deve garantir que tudo no enquadramento corresponda às ações do objeto principal. Por exemplo, aqui as linhas das árvores, o caminho e as pessoas são paralelos.

18. Obras de Edgar Muller. Müller é um mestre da perspectiva. Dependendo da distância a partir da qual se observa o seu trabalho, a ilusão de profundidade muda radicalmente. Isso pode ensinar os fotógrafos a nunca parar de procurar o ângulo certo.

19. Georgia O'Keeffe. Mac. Existe toda uma "subcultura" de fotografia de flora. Georgia O'Keeffe é ótima para obter inspiração para fotografar flores.

20. Emily Carr. Kitwancool. Emily Kahr era famosa por suas pinturas de totens. Ela passou a vida inteira procurando totens para suas obras. Os fotógrafos devem estar sempre atentos aos projetos. Um assunto específico que pode ser estudado e mostrado através de uma série de fotografias.

21. Pierre Auguste Renoir. Baile no Moulin de la Galette. Este é um ótimo exemplo de representação de vários objetos que não competem com o assunto principal.

22. Conceda Madeira. Gótico americano. O American Gothic de Grant Wood é um ótimo exemplo de como o assunto projeta e reflete o meio ambiente. Grant Wood tentou imaginar que tipo de pessoas poderiam viver na casa ao fundo. Esta casa e o casal têm uma semelhança quase física.

23. Édouard Monet. Chez le père Lathuille. Esta cena poderia ser uma fotografia de rua.