Ilustrações para livros infantis. Os melhores ilustradores do conto de fadas “O Quebra-Nozes”

Patrimônio artístico mestres não estão limitados apenas a gráficos de livros. A. F. Pakhomov - autor de pinturas monumentais, pinturas, gráficos de cavalete: desenhos, aquarelas, inúmeras gravuras, incluindo emocionantes folhas da série “Leningrado nos dias do cerco”. Porém, aconteceu que na literatura sobre o artista havia uma ideia imprecisa da verdadeira escala e tempo de sua atividade. Às vezes, a cobertura de sua obra começava apenas com obras de meados dos anos 30, e às vezes até mais tarde - com uma série de litografias dos anos de guerra. Uma abordagem tão limitada não apenas estreitou e restringiu a ideia do legado original e vibrante de A.F. Pakhomov, criado ao longo de meio século, mas também empobreceu a arte soviética como um todo.

A necessidade de estudar o trabalho de A. F. Pakhomov já era necessária. A primeira monografia sobre ele apareceu em meados dos anos 30. Naturalmente, apenas uma parte das obras foi considerada nele. Apesar disso e de alguma compreensão limitada das tradições características da época, a obra do primeiro biógrafo V. P. Anikieva manteve seu valor do lado factual, bem como (com os ajustes necessários) conceitualmente. Nos ensaios sobre o artista publicados na década de 50, a cobertura do material das décadas de 20 e 30 revelou-se mais restrita e a cobertura da obra dos períodos subsequentes foi mais seletiva. Hoje, o lado descritivo e avaliativo dos trabalhos sobre A.F. Pakhomov, a duas décadas de distância de nós, parece ter perdido muito de sua credibilidade.

Na década de 60, A.F. Pakhomov escreveu o livro original “Sobre seu trabalho”. O livro mostrou claramente a falácia de uma série de ideias predominantes sobre seu trabalho. Os pensamentos do artista sobre o tempo e a arte expressos nesta obra, bem como o extenso material das gravações de conversas com Alexei Fedorovich Pakhomov, feitas pelo autor destas linhas, ajudaram a criar a monografia oferecida aos leitores.

A.F. Pakhomov possui um número extremamente grande de obras de pintura e gráficos. Sem pretender abordá-los exaustivamente, o autor da monografia considerou sua tarefa dar uma ideia dos principais aspectos atividade criativa mestre, sobre sua riqueza e originalidade, sobre professores e colegas que contribuíram para o desenvolvimento da arte de A.F. Pakhomov. O espírito cívico, a profunda vitalidade e o realismo característicos das obras do artista permitiram mostrar o desenvolvimento da sua obra em constante e estreita ligação com a vida do povo soviético.

Sendo um dos maiores mestres Arte soviética, A.F. Pakhomov carregou ao longo de sua longa vida e caminho criativo um amor ardente pela Pátria, por seu povo. Alto humanismo, veracidade, riqueza imaginativa tornam suas obras tão sinceras, sinceras, cheias de calor e otimismo.

EM Região de Vologda perto da cidade de Kadnikov, às margens do rio Kubena, fica a vila de Varlamovo. Lá, em 19 de setembro (2 de outubro) de 1900, nasceu um menino da camponesa Efimiya Petrovna Pakhomova, que se chamava Alexei. Seu pai, Fyodor Dmitrievich, veio de agricultores “aparentes” que não conheciam os horrores da servidão no passado. Essa circunstância desempenhou um papel importante no modo de vida e nos traços de caráter predominantes, e desenvolveu a capacidade de se comportar com simplicidade, calma e dignidade. Traços de otimismo particular, mente aberta, franqueza espiritual e capacidade de resposta também estavam enraizados aqui. Alexey foi criado em um ambiente de trabalho. Não vivíamos bem. Como em toda a aldeia, não havia pão suficiente até a primavera; eles tiveram que comprá-lo. Era necessária uma renda adicional, fornecida por familiares adultos. Um dos irmãos era pedreiro. Muitos aldeões trabalhavam como carpinteiros. Mesmo assim, o jovem Alexei lembrava-se do período inicial de sua vida como o mais alegre. Depois de dois anos de estudo numa escola paroquial, e depois mais dois anos numa escola zemstvo numa aldeia vizinha, foi enviado “às custas do governo e para comida do governo” para uma escola primária superior na cidade de Kadnikov. O tempo que passou estudando lá permaneceu na memória de A.F. Pakhomov como muito difícil e faminto. “Desde então, minha infância despreocupada em casa do pai“”, disse ele, “para sempre começou a me parecer o momento mais feliz e poético, e essa poetização da infância mais tarde se tornou o motivo principal do meu trabalho”. Habilidade artística Os sintomas de Alexei manifestaram-se precocemente, embora no local onde vivia não houvesse condições para o seu desenvolvimento. Mas mesmo na ausência de professores, o menino alcançou alguns resultados. O vizinho proprietário de terras V. Zubov chamou a atenção para seu talento e deu a Alyosha lápis, papel e reproduções de pinturas de artistas russos. Os primeiros desenhos de Pakhomov, que sobreviveram até hoje, revelam algo que mais tarde, enriquecido pela habilidade profissional, se tornará característico de sua obra. O pequeno artista ficou fascinado pela imagem de uma pessoa e, sobretudo, de uma criança. Ele desenha seus irmãos, irmãs e filhos vizinhos. É interessante que o ritmo das linhas desses simples retratos a lápis ecoe os desenhos de sua maturidade.

Em 1915, quando se formou na escola da cidade de Kadnikov, por sugestão do líder distrital da nobreza Yu.Zubov, os amantes da arte local anunciaram uma assinatura e, com o dinheiro arrecadado, enviaram Pakhomov a Petrogrado para o escola de AL Stieglitz. Com a revolução vieram mudanças na vida de Alexei Pakhomov. Sob a influência dos novos professores que surgiram na escola - N. A. Tyrsa, M. V. Dobuzhinsky, S. V. Chekhonin, V. I. Shukhaev - ele se esforça para compreender melhor as tarefas da arte. Um breve estudo sob a orientação do grande mestre do desenho Shukhaev deu-lhe muitas coisas valiosas. Essas aulas lançaram as bases para a compreensão da estrutura corpo humano. Ele se esforçou por um estudo profundo da anatomia. Pakhomov estava convencido da necessidade não de copiar os arredores, mas de retratá-los de forma significativa. Ao desenhar, habituou-se a não depender das condições de luz e sombra, mas a “iluminar” a natureza com o olhar, deixando claras as partes próximas do volume e escurecendo as mais distantes. “É verdade”, observou o artista, “não me tornei um verdadeiro crente de Shukhaev, ou seja, não pintei com sangue, manchando-o com uma borracha para que o corpo humano parecesse impressionante”. As lições dos artistas mais proeminentes do livro, Dobuzhinsky e Chekhonin, foram úteis, como admitiu Pakhomov. Ele se lembrou especialmente do conselho deste último: conseguir escrever fontes na capa de um livro imediatamente com um pincel, sem esboço preparatório com um lápis, “como um endereço em um envelope”. Segundo o artista, esse desenvolvimento do olhar necessário ajudou posteriormente nos esboços da vida, onde ele poderia, a partir de algum detalhe, colocar tudo o que estava retratado na folha.

Em 1918, quando se tornou impossível viver na fria e faminta Petrogrado sem uma renda regular, Pakhomov partiu para sua terra natal, tornando-se professor de artes em uma escola em Kadnikov. Esses meses foram de grande benefício para o avanço de sua educação. Após as aulas da primeira e segunda séries, ele lia vorazmente, desde que a iluminação permitisse e seus olhos não se cansassem. “Eu estava sempre excitado; fui tomado por uma febre de conhecimento. O mundo inteiro estava se abrindo diante de mim, o que eu mal sabia”, lembrou Pakhomov sobre essa época. - Fevereiro e Revolução de Outubro Aceitei com alegria, como a maioria das pessoas ao meu redor, mas só agora, lendo livros de sociologia, economia política, materialismo histórico, história, comecei a compreender verdadeiramente a essência dos acontecimentos ocorridos.”

Os tesouros da ciência e da literatura foram revelados ao jovem; Era bastante natural que ele pretendesse continuar os estudos interrompidos em Petrogrado. Em um prédio familiar em Solyanoy Lane, ele começou a estudar com N.A. Tyrsa, que era então também comissário da antiga Escola Stieglitz. “Nós, alunos de Nikolai Andreevich, ficamos muito surpresos com sua fantasia”, disse Pakhomov. “Os comissários daqueles anos usavam bonés e jaquetas de couro com cinto de espada e revólver no coldre, e Tyrsa andava com bengala e chapéu-coco. Mas eles ouviam suas conversas sobre arte com a respiração suspensa.” O chefe da oficina refutou espirituosamente visões ultrapassadas sobre a pintura, apresentou aos alunos as conquistas dos impressionistas, a experiência do pós-impressionismo e gentilmente chamou a atenção para as pesquisas que são visíveis nas obras de Van Gogh e especialmente de Cézanne. Tyrsa não apresentou um programa claro para o futuro da arte, exigiu espontaneidade de quem estudou em sua oficina: escreva como você sente. Em 1919, Pakhomov foi convocado para o Exército Vermelho. Conheceu intimamente o ambiente militar até então desconhecido e compreendeu o carácter verdadeiramente popular do exército do País dos Sovietes, o que mais tarde afectou a interpretação deste tema na sua obra. Na primavera do ano seguinte, desmobilizado após doença, Pakhomov, tendo chegado a Petrogrado, mudou-se da oficina de N. A. Tyrsa para V. V. Lebedev, decidindo ter uma ideia dos princípios do cubismo, que se refletiam em um série de obras de Lebedev e seus alunos. Pouco do trabalho de Pakhomov concluído até então sobreviveu. Tal é, por exemplo, “Still Life” (1921), que se distingue por uma sutil sensação de textura. Revela o desejo, aprendido com Lebedev, de alcançar o “feito” nas obras, de procurar não a completude superficial, mas a organização pictórica construtiva da tela, sem esquecer as qualidades plásticas do retratado.

A ideia de um novo bom trabalho A pintura “Haymaking” de Pakhomov teve origem em sua aldeia natal, Varlamov. Lá foi coletado o material para isso. O artista retratou não uma cena cotidiana comum de corte de grama, mas a ajuda de jovens camponeses aos vizinhos. Embora a transição para o trabalho coletivo e coletivo agrícola fosse então uma questão de futuro, o próprio evento, mostrando o entusiasmo dos jovens e a paixão pelo trabalho, já estava, em alguns aspectos, próximo das novas tendências. Esboços e esboços de figuras de cortadores de grama, fragmentos de paisagem: gramíneas, arbustos, restolhos atestam a incrível consistência e seriedade do conceito artístico, onde ousadas buscas texturais se combinam com a solução de problemas plásticos. A capacidade de Pakhomov de captar o ritmo dos movimentos contribuiu para o dinamismo da composição. O artista trabalhou nesta pintura durante vários anos e realizou muitos trabalhos preparatórios. Em vários deles desenvolveu enredos próximos ou acompanhantes do tema principal.

O desenho “Vencendo as Foices” (1924) mostra dois jovens camponeses trabalhando. Eles foram desenhados por Pakhomov em vida. Em seguida, ele percorreu essa folha com um pincel, generalizando o que estava retratado sem observar seus modelos. Boas qualidades plásticas, combinadas com a transmissão de movimentos fortes e um uso geral de tinta na pintura, são visíveis na obra anterior de 1923, Dois cortadores de grama. Apesar da profunda veracidade, e pode-se dizer, da severidade do desenho, aqui o artista se interessou pela alternância de plano e volume. A folha faz uso inteligente de lavagens de tinta. Os arredores da paisagem são sugeridos. A textura da grama cortada e em pé é perceptível, o que acrescenta variedade rítmica ao design.

Entre o considerável número de desenvolvimentos na cor do enredo “Feação”, destaca-se a aquarela “Cortador de Camisa Rosa”. Nele, além das lavagens pictóricas com pincel, foram utilizados riscos na camada de tinta úmida, o que deu uma nitidez especial à imagem e foi introduzido no quadro em outra técnica (na pintura a óleo). A grande folha “Fena”, pintada em aquarela, é colorida. Nele a cena parece ser vista de ponto alto visão. Isto permitiu mostrar todas as figuras dos cortadores caminhando em fila e conseguir uma dinâmica especial na transmissão dos seus movimentos, o que é facilitado pela disposição das figuras na diagonal. Tendo apreciado esta técnica, o artista construiu o quadro desta forma, e depois não o esqueceu no futuro. Pakhomov alcançou uma paleta geral pitoresca e transmitiu a impressão de neblina matinal permeada pela luz do sol. O mesmo tema é tratado de forma diferente na pintura a óleo “At the Mow”, que retrata cortadores de grama trabalhando e um cavalo pastando ao lado de uma carroça. A paisagem aqui é diferente dos outros esboços, variantes e da própria pintura. Em vez de um campo, surge a margem de um rio rápido, realçado pelas correntes e um barco com remador. A cor da paisagem é expressiva, construída em vários tons frios de verde, apenas tons mais quentes são introduzidos em primeiro plano. Uma certa qualidade decorativa foi encontrada na combinação das figuras com o ambiente, o que realçou o tom geral da cor.

Uma das pinturas de Pakhomov sobre temas esportivos dos anos 20 é “Boys on Skates”. O artista construiu a composição sobre a imagem do momento de movimento mais longo e, portanto, mais fecundo, dando uma ideia do que passou e do que vai acontecer. Outra figura ao longe é mostrada em contraste, introduzindo variedade rítmica e completando a ideia composicional. Nesta foto, junto com seu interesse pelo esporte, pode-se ver o apelo de Pakhomov ao tema mais importante de seu trabalho - a vida das crianças. Anteriormente, essa tendência se refletia nos gráficos do artista. A partir de meados da década de 20, a profunda compreensão e criação de imagens de crianças da Terra dos Sovietes por Pakhomov foi a notável contribuição de Pakhomov para a arte. Estudando grandes problemas pictóricos e plásticos, o artista os resolveu em trabalhos sobre este novo e importante tema. Na exposição de 1927 foi apresentada a pintura “Moça Camponesa”, que, embora a sua finalidade tivesse algo em comum com os retratos acima discutidos, também era de interesse independente. A atenção do artista se concentrou na imagem da cabeça e das mãos da menina, pintadas com grande sentimento plástico. O tipo de rosto jovem é capturado de forma original. Perto desta pintura em termos de imediatismo de sensação está “Garota com Cabelo”, exibida pela primeira vez em 1929. Diferia da imagem do busto de 1927 por uma composição nova e mais ampliada, incluindo quase toda a figura em corpo inteiro, transmitida em um movimento mais complexo. A artista mostrou uma pose relaxada de uma menina, alisando os cabelos e se olhando em um pequeno espelho apoiado em seus joelhos. As combinações sonoras de rosto e mãos dourados, vestido azul e banco vermelho, jaqueta escarlate e paredes de toras ocre-esverdeadas da cabana contribuem para a emotividade da imagem. Pakhomov capturou sutilmente a expressão ingênua do rosto da criança e a postura comovente. Imagens vívidas e incomuns pararam o público. Ambas as obras fizeram parte de exposições estrangeiras de arte soviética.

Ao longo do seu meio século de atividade criativa, A.F. Pakhomov esteve em estreito contacto com a vida do país soviético, e isso imbuiu as suas obras de uma convicção inspirada e do poder da verdade da vida. Sua individualidade artística se desenvolveu cedo. O conhecimento da sua obra mostra que já na década de 20 se distinguia pela profundidade e rigor, enriquecido pela experiência de estudo da cultura mundial. Na sua formação, o papel da arte de Giotto e do Proto-Renascimento é óbvio, mas a influência da pintura russa antiga não foi menos profunda. AF Pakhomov foi um dos mestres que adotou uma abordagem inovadora à rica herança clássica. Suas obras têm um toque moderno na resolução de problemas pictóricos e gráficos.

O domínio de Pakhomov sobre novos temas nas telas “1905 na Vila”, “Cavaleiros”, “Spartakovka” e no ciclo de pinturas sobre crianças é importante para o desenvolvimento da arte soviética. O artista desempenhou um papel de destaque na criação da imagem do seu contemporâneo; a sua série de retratos é uma prova clara disso. Pela primeira vez, ele introduziu na arte imagens tão vívidas e realistas de jovens cidadãos da Terra dos Sovietes. Este lado de seu talento é extremamente valioso. Suas obras enriquecem e ampliam ideias sobre a história da pintura russa. Já a partir dos anos 20 maiores museus países compraram as pinturas de Pakhomov. Suas obras ganharam fama internacional em grandes exposições na Europa, América e Ásia.

A.F. Pakhomov foi inspirado pela realidade socialista. Sua atenção foi atraída para os testes de turbinas, o trabalho das fábricas de tecelagem e as novidades da vida. Agricultura. Suas obras revelam temas relacionados à coletivização, à introdução de tecnologia no campo, ao uso de colheitadeiras, à operação noturna de tratores e à vida do Exército e da Marinha. Enfatizamos o valor especial dessas conquistas de Pakhomov, pois tudo isso foi exibido pelo artista ainda na década de 20 e início dos anos 30. A sua pintura “Pioneiros com um Agricultor Individual”, uma série sobre a comuna “Sower” e os retratos de “Beautiful Sword” estão entre as obras mais profundas dos nossos artistas sobre as mudanças no campo e a coletivização.

As obras de A.F. Pakhomov distinguem-se pelas suas soluções monumentais. Na pintura mural soviética inicial, as obras do artista estão entre as mais marcantes e interessantes. Nos cartões “Juramento Vermelho”, pinturas e esboços da “Dança Redonda das Crianças de Todas as Nações”, pinturas sobre ceifeiros, bem como em geral nas melhores criações das pinturas de Pakhomov, há uma conexão tangível com as grandes tradições do antigo patrimônio nacional, que faz parte do tesouro da arte mundial. O lado colorístico e figurativo de suas pinturas, pinturas, retratos, bem como cavaletes e gráficos de livros. Os brilhantes sucessos da pintura ao ar livre são demonstrados pela série “In the Sun” - uma espécie de hino à juventude da Terra dos Sovietes. Aqui, na representação do corpo nu, o artista atuou como um dos grandes mestres que contribuíram para o desenvolvimento desse gênero na pintura soviética. As buscas por cores de Pakhomov foram combinadas com a solução de sérios problemas plásticos.

É preciso dizer que na pessoa de A.F. Pakhomov, a arte teve um dos maiores desenhistas do nosso tempo. O mestre dominou com maestria vários materiais. Trabalhos em nanquim e aquarela, caneta e pincel eram adjacentes a brilhantes desenhos a lápis de grafite. Suas conquistas vão além do âmbito da arte nacional e se tornam uma das criações mais marcantes da gráfica mundial. Exemplos disso não são difíceis de encontrar em uma série de desenhos feitos em casa na década de 1920, e em folhas feitas durante viagens pelo país na década seguinte, e em séries sobre acampamentos de pioneiros.

A contribuição de A.F. Pakhomov para os gráficos é enorme. Seus trabalhos em cavalete e livros dedicados às crianças estão entre os maiores sucessos nesta área. Um dos fundadores da literatura ilustrada soviética, introduziu nela uma imagem profunda e individualizada da criança. Seus desenhos cativaram os leitores pela vitalidade e expressividade. Sem ensinar, o artista transmitiu seus pensamentos de forma vívida e clara às crianças e despertou seus sentimentos. E temas importantes da educação e da vida escolar! Nenhum dos artistas os resolveu de forma tão profunda e verdadeira quanto Pakhomov. Pela primeira vez ele ilustrou os poemas de V. V. Mayakovsky de maneira tão figurativa e realista. Seus desenhos para as obras de L. N. Tolstoy para crianças tornaram-se uma descoberta artística. O material gráfico examinado mostrou claramente que a obra de Pakhomov, ilustrador da arte moderna e literatura clássica, não é apropriado limitá-lo apenas ao domínio dos livros infantis. Os excelentes desenhos do artista para as obras de Pushkin, Nekrasov, Zoshchenko testemunham grande sucesso Gráficos russos dos anos 30. Suas obras contribuíram para o estabelecimento do método do realismo socialista.

A arte de A.F. Pakhomov se distingue pela cidadania, modernidade e relevância. Durante o período das provações mais difíceis do bloqueio de Leningrado, o artista não interrompeu suas atividades. Juntamente com os mestres da arte da cidade do Neva, ele, como uma vez em sua juventude durante a Guerra Civil, trabalhou em missões na frente. A série de litografias de Pakhomov “Leningrado nos Dias do Cerco”, uma das criações artísticas mais significativas durante os anos de guerra, revela o valor e a coragem incomparáveis do povo soviético.

Autor de centenas de litografias, A.F. Pakhomov deve ser citado entre os artistas entusiastas que contribuíram para o desenvolvimento e divulgação deste tipo de grafismo impresso. A possibilidade de atrair uma ampla gama de espectadores e o apelo de massa da impressão em circulação atraíram sua atenção.

Suas obras são caracterizadas pela clareza clássica e pelo laconicismo. Artes visuais. A imagem de uma pessoa é o seu principal objetivo. Extremamente lado importante A criatividade do artista, que o aproxima das tradições clássicas, é o desejo de expressividade plástica, que é bem visível nas suas pinturas, desenhos, ilustrações, gravuras, até às suas obras mais recentes. Ele fez isso constante e consistentemente.

AF Pakhomov é “um grande artista russo profundamente original, completamente imerso em retratar a vida de seu povo, mas ao mesmo tempo absorvendo as conquistas da arte mundial. A obra de A. F. Pakhomov, pintor e artista gráfico, é uma contribuição significativa para o desenvolvimento da cultura artística soviética. /V.S. Matafonov/

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VLADIMIR VASILIEVICH LEBEDEV

14(26).05.1891, São Petersburgo - 21.11.1967, Leningrado

Artista do Povo da RSFSR. Membro Correspondente da Academia de Artes da URSS

Trabalhou em São Petersburgo no estúdio de F. A. Roubo e frequentou a escola de desenho, pintura e escultura de M. D. Bernstein e L. V. Sherwood (1910-1914), estudou em São Petersburgo na Academia de Artes (1912-1914). Membro da Sociedade das Quatro Artes. Colaborou nas revistas "Satyricon" e "New Satyricon". Um dos organizadores Windows ROSTA" em Petrogrado.

Em 1928, o Museu Russo de Leningrado acolheu uma exposição pessoal de Vladimir Vasilyevich Lebedev, um dos brilhantes artistas gráficos da década de 1920. Ele foi então fotografado tendo como pano de fundo suas obras. Colarinho e gravata brancos impecáveis, chapéu puxado até as sobrancelhas, expressão séria e um pouco arrogante no rosto, aparência correta que não o deixa se aproximar e, ao mesmo tempo, o paletó está jogado fora, e o as mangas da camisa, arregaçadas acima dos cotovelos, revelam braços grandes e musculosos com escovas “inteligentes” e “nervosas”. Tudo junto deixa a impressão de compostura, prontidão para trabalhar e, o mais importante, corresponde à natureza dos gráficos mostrados na exposição, tensos internamente, quase jogos de azar, às vezes irônicos e como se estivessem vestidos com a armadura de uma técnica gráfica levemente refrescante . O artista entrou na era pós-revolucionária com cartazes de “Janelas de CRESCIMENTO”. Como em “The Ironers” (1920), criado na mesma época, imitavam o estilo de colagem de cores. Porém, nos cartazes esta técnica, vinda do cubismo, adquiriu um significado completamente novo, expressando com o carácter lapidar de um sinal o pathos da defesa da revolução (“ Em guarda de outubro ", 1920) e vontade de trabalho dinâmico ("Demonstração", 1920). Um dos cartazes ("Eu tenho que trabalhar - o rifle está próximo", 1921) retrata um trabalhador com uma serra e ao mesmo tempo ele próprio é percebido como uma espécie de objeto firmemente montado. Laranja, amarelo e listras azuis, a partir dos quais a figura é composta, estão invulgarmente ligados às letras impressas, que, ao contrário das inscrições cubistas, têm um significado semântico específico. Com que expressividade se cruzam a diagonal formada pela palavra “trabalho”, a lâmina da serra e a palavra “deve”, e o arco agudo das palavras “o rifle está próximo” e a linha dos ombros do trabalhador! A mesma atmosfera de entrada direta do desenho na realidade caracterizava os desenhos de Lebedev para livros infantis da época. Em Leningrado, na década de 1920, formou-se toda uma tendência na ilustração de livros infantis. V. Ermolaeva e N. Tyrsa trabalharam juntos com Lebedev , N. Lapshin, um parte literária estava a cargo de S. Marshak, então próximo ao grupo de poetas de Leningrado - E. Schwartz, N. Zabolotsky, D. Kharms, A. Vvedensky. Naqueles anos estava completamente estabelecido imagem especial livros, diferentes daquele cultivado naqueles anos pela Moscou ilustração liderada por V. Favorsky. Enquanto no grupo de xilogravuras ou bibliófilos de Moscou reinava uma percepção quase romântica do livro, e o próprio trabalho continha algo “severamente ascético”, os ilustradores de Leningrado criaram uma espécie de “livro de brinquedo”, colocando-o diretamente nas mãos de um criança a que se destinava. O movimento da imaginação “nas profundezas da cultura” foi aqui substituído pela alegre eficiência, quando você podia girar um livro colorido nas mãos ou até mesmo rastejar por ele deitado no chão, rodeado de elefantes e cubos de brinquedo. Por fim, o “santo dos santos” da xilogravura de Favorsky - a gravidade dos elementos preto e branco da imagem na profundidade ou da profundidade da folha - deu lugar aqui a um dedilhado francamente plano, quando o desenho aparecia como se “sob as mãos de uma criança” a partir de pedaços de papel cortados com tesoura. A famosa capa de "Baby Elephant" (1926) de R. Kipling é formada como se fosse uma pilha de restos espalhados aleatoriamente sobre uma superfície de papel. Parece que o artista (e talvez a própria criança!) moveu essas peças no papel até obter uma composição completa em que tudo “funciona como uma roda” e onde, entretanto, nada pode ser movido nem um milímetro: no centro - um bebê elefante com uma curva nariz comprido, ao redor estão pirâmides e palmeiras, no topo há uma grande inscrição “Bebê Elefante” e abaixo está um crocodilo que sofreu derrota completa.

Mas o livro é executado com ainda mais paixão"Circo"(1925) e "Como um avião fez um avião", em que os desenhos de Lebedev foram acompanhados pelos poemas de S. Marshak. Nas páginas com palhaços apertando as mãos ou um palhaço gordo montado em um burro, o trabalho de recortar e colar peças verdes, vermelhas ou pretas está literalmente “a todo vapor”. Aqui tudo é “separado” - sapatos pretos ou narizes vermelhos de palhaço, calças verdes ou o violão amarelo de um gordo com uma carpa cruciana - mas com que brilho incomparável está tudo conectado e “colado”, permeado pelo espírito de iniciativa viva e alegre.

Todas essas imagens de Lebedev, dirigidas ao leitor infantil comum, incluindo obras-primas como as litografias do livro “Caça” (1925), foram, por um lado, produto de uma cultura gráfica refinada, capaz de satisfazer o olhar mais exigente, e por outro lado, a arte revelada na realidade viva. Os gráficos pré-revolucionários não apenas de Lebedev, mas também de muitos outros artistas, ainda não conheciam esse contato aberto com a vida (apesar até do fato de Lebedev ter pintado para a revista "Satyricon" na década de 1910) - essas "vitaminas" estavam faltando , ou melhor, aqueles “fermentos de vitalidade” nos quais a própria realidade russa “fermentou” na década de 1920. Os desenhos cotidianos de Lebedev revelaram essa conexão com uma clareza incomum, não se intrometendo tanto na vida como ilustrações ou cartazes, mas antes absorvendo-a em sua esfera figurativa. A base aqui é um interesse profundamente ganancioso por tipos sociais sempre novos que surgiam constantemente. Os desenhos de 1922-1927 poderiam ser reunidos sob o título “Painel da Revolução”, com o qual Lebedev intitulou apenas uma série de 1922, que representava uma série de figuras de uma rua pós-revolucionária, e a palavra “painel” indicava que provavelmente era espuma criada ao rolar por essas ruas com uma torrente de eventos. O artista pinta marinheiros com moças na encruzilhada de Petrogrado, comerciantes com barracas ou dândis vestidos à moda da época, e principalmente Nepmen - esses representantes cômicos e ao mesmo tempo grotescos da nova “fauna de rua”, que pintou com entusiasmo naqueles mesmos anos e V. Konashevich e vários outros mestres. Os dois Nepmen do desenho “Casal” da série “Nova Vida” (1924) poderiam passar pelos mesmos palhaços que Lebedev logo retratou nas páginas de “Circo”, se não fosse pela atitude mais dura do próprio artista em relação a eles. A atitude de Lebedev em relação a este tipo de personagens não pode ser chamada de “estigmatização”, muito menos de “flagelação”. Antes desses desenhos de Lebedev, não foi por acaso que P. Fedotov foi lembrado por seus não menos característicos esboços de tipos de ruas do século XIX. O que se quis dizer foi a inseparabilidade viva dos princípios irónicos e poéticos que marcaram ambos os artistas e que tornaram as suas imagens especialmente atractivas para ambos. Também podemos recordar os contemporâneos de Lebedev, os escritores M. Zoshchenko e Y. Olesha. Eles têm a mesma indivisibilidade de ironia e sorriso, ridículo e admiração. Lebedev, aparentemente, ficou de alguma forma impressionado tanto com o chique barato do andar de um verdadeiro marinheiro (“A Garota e o Marinheiro”), quanto com o traço provocativo da garota, com um sapato fixado na caixa do engraxate (“A Garota e o Engraxate ”), ele ficou até um pouco atraído também por aquela inocência zoológica ou puramente vegetal com que, como canecas debaixo de uma cerca, todos esses novos personagens sobem, demonstrando milagres de adaptabilidade, como, por exemplo, senhoras falantes de peles em uma vitrine (“People of Society”, 1926) ou um bando de NEPmen na rua noturna (“Napmans”, 1926). Particularmente impressionante é o início poético da série mais famosa de Lebedev, “The Love of Hopsies” (1926-1927). Que fascinante vitalidade respirando no desenho “Na pista de gelo” estão as figuras de um rapaz com um casaco de pele de carneiro aberto no peito e uma menina sentada em um banco com gorro com laço e pernas de garrafa enfiadas em botas de cano alto. Se na série “Nova Vida” talvez se possa falar de sátira, aqui ela é quase imperceptível. No desenho "Rash, Semyonovna, acrescente um pouco, Semyonovna!" - o auge da folia. No centro do lençol há um casal quente e jovem dançando, e o espectador parece ouvir o barulho das palmas das mãos ou o barulho das botas do cara, sente a flexibilidade serpentina de suas costas nuas, a leveza dos movimentos de seu parceiro. Da série “Painel da Revolução” aos desenhos “Amor aos Porcos”, o próprio estilo de Lebedev sofreu uma evolução notável. As figuras do marinheiro e da menina no desenho de 1922 ainda são compostas por manchas independentes - manchas de tinta de diversas texturas, tópicos semelhantes, que estavam em "The Ironers", mas mais generalizados e cativantes. Em “Nova Vida” foram adicionados aqui adesivos, transformando o desenho não mais em uma imitação de colagem, mas em uma verdadeira colagem. O avião dominou completamente a imagem, até porque, na opinião do próprio Lebedev, bom desenho deve antes de tudo “caber bem no papel”. Porém, nas folhas de 1926-1927, o plano de papel foi cada vez mais substituído pelo espaço representado com seu claro-escuro e fundo objetivo. Diante de nós não há mais manchas, mas gradações graduais de luz e sombra. Ao mesmo tempo, o movimento do desenho não consistia em “recortar e colar”, como acontecia em “NEP” e “Circo”, mas no deslizar de um pincel macio ou no fluxo da aquarela preta. Em meados da década de 1920, muitos outros desenhistas estavam migrando para um desenho cada vez mais livre, ou pictórico, como costuma ser chamado. N. Kupreyanov com seus “rebanhos” de aldeia, L. Bruni e N. Tyrsa estiveram aqui. O desenho não se limitava mais ao efeito de “captura”, uma compreensão aguçada “na ponta da caneta” de tipos característicos sempre novos, mas como se ele próprio fosse atraído para o fluxo vivo da realidade com todas as suas mudanças e emotividades . Em meados da década de 20, esse fluxo refrescante já havia varrido a esfera não apenas dos temas “de rua”, mas também de “casa” e até mesmo das camadas tradicionais do desenho, como a pintura em ateliê com um nu. figura humana. E que desenho novo era em toda a sua atmosfera, especialmente se o compararmos com o desenho asceticamente rigoroso da década pré-revolucionária. Se compararmos, por exemplo, os excelentes desenhos do modelo nu de N. Tyrsa de 1915 e os desenhos de Lebedev de 1926-1927, ficaremos impressionados com a espontaneidade dos lençóis de Lebedev e a força dos seus sentimentos.

Essa espontaneidade dos esboços de Lebedev a partir do modelo forçou outros críticos de arte a relembrar as técnicas do impressionismo. O próprio Lebedev estava profundamente interessado nos impressionistas. Em um de seus melhores desenhos na série “Acrobático” (1926), um pincel embebido em aquarela preta parece criar o movimento enérgico do modelo. Uma pincelada confiante é suficiente para um artista deixar de lado mão esquerda ou um toque deslizante para apontar para frente na direção do cotovelo. Na série “Dancer” (1927), onde os contrastes luminosos são enfraquecidos, o elemento da luz em movimento também evoca associações com o impressionismo. “De um espaço permeado de luz”, escreve V. Petrov, “como uma visão, aparecem contornos figura dançante“É “mal delineado por manchas claras e borradas de aquarela preta” quando “a forma se transforma em uma massa pitoresca e se funde discretamente com o ambiente de luz e ar”.

Escusado será dizer que este impressionismo de Lebedev já não é igual ao impressionismo clássico. Atrás dele você sempre pode sentir o “treinamento em construtividade” recentemente concluído pelo mestre. Tanto Lebedev quanto a própria direção de desenho de Leningrado permaneceram eles mesmos, sem esquecer nem por um minuto o plano construído ou a textura do desenho. Na verdade, ao criar uma composição de desenhos, o artista não reproduzia o espaço com uma figura, como fazia Degas, mas apenas esta figura, como se fundisse a sua forma com o formato do desenho. Quase não corta o topo da cabeça e a ponta do pé, razão pela qual a figura não repousa no chão, mas sim “enganchada” nas bordas inferior e superior do lençol. O artista se esforça para aproximar o mais possível o “plano figurado” do plano da imagem. O traço perolado do seu pincel molhado pertence, portanto, igualmente à figura e ao plano. Esses traços leves que desaparecem, transmitindo tanto a própria figura quanto, por assim dizer, o calor do ar aquecido próximo ao corpo, são simultaneamente percebidos como uma textura uniforme do desenho, associada aos traços desenhos chineses tinta e aparecendo aos olhos como as mais delicadas “pétalas”, sutilmente alisadas à superfície da folha. Além disso, nos “Acrobatas” ou “Dançarinos” de Lebedev há o mesmo arrepio de uma abordagem confiante, artística e ligeiramente distanciada do modelo que foi notado pelos personagens das séries “Nova Vida” e “NEP”. Em todos estes desenhos existe uma forte base clássica generalizada, que os distingue tão nitidamente dos esboços de Degas com a sua poesia de especificidade ou da vida quotidiana. Assim, em um dos brilhantes lençóis, onde a bailarina está de costas para o espectador, com o pé direito apoiado na ponta do pé atrás do esquerdo (1927), sua figura lembra uma estatueta de porcelana com penumbra e luz deslizando pela superfície . Segundo N. Lunin, o artista encontrou na bailarina “uma expressão perfeita e desenvolvida do corpo humano”. “Aqui está - este organismo sutil e plástico - desenvolvido, talvez um pouco artificialmente, mas verificado e preciso no movimento, capaz de “dizer sobre a vida” mais do que qualquer outro, porque nele há menos de tudo que é sem forma, desfeito, instável por acaso." A artista, na verdade, não estava interessada no balé em si, mas na forma mais expressiva de “dizer à vida”. Afinal, cada uma dessas FOLHAS é como um poema lírico dedicado a um movimento poeticamente valioso. A bailarina N. Nadezhdina, que posou para o mestre nas duas séries, obviamente o ajudou muito, parando naquelas “posições” que ela havia estudado bem, nas quais a plasticidade vital do corpo se revelava de forma mais impressionante.

A excitação do artista parece romper a correção artística da habilidade confiante e então é involuntariamente transmitida ao espectador. No mesmo magnífico esboço de uma bailarina vista de costas, o espectador observa com fascínio como um pincel virtuoso não apenas retrata, mas cria uma figura instantaneamente congelada na ponta dos pés. Suas pernas, desenhadas por duas “pétalas de traços”, elevam-se facilmente acima do fulcro, mais alto - como uma penumbra que desaparece - a cautelosa dispersão de um tutu branco como a neve, ainda mais alto - através de várias lacunas, dando ao desenho uma brevidade aforística - uma dançarina de costas incomumente sensível ou “muito auditiva” e o giro não menos “auditivo” de sua pequena cabeça sobre a ampla envergadura de seus ombros.

Quando Lebedev foi fotografado na exposição de 1928, um caminho promissor parecia estar à sua frente. Vários anos de trabalho árduo pareciam tê-lo elevado às alturas da arte gráfica. Ao mesmo tempo, tanto nos livros infantis da década de 1920 quanto em "Dançarinos", talvez tenha sido alcançado tal grau de perfeição completa que a partir desses pontos, talvez, não houvesse mais nenhum caminho de desenvolvimento. E, de fato, o desenho de Lebedev e, além disso, a arte de Lebedev atingiram aqui o seu auge absoluto. Nos anos seguintes, o artista esteve muito ativamente envolvido na pintura, ilustrando muito livros infantis e durante muitos anos. E, ao mesmo tempo, tudo o que ele fez nas décadas de 1930-1950 não se comparava mais às obras-primas de 1922-1927, e o mestre, claro, não tentou repetir as descobertas que havia deixado. Em particular, os desenhos da figura feminina de Lebedev permaneceram inatingíveis não apenas para o próprio artista, mas também para toda a arte dos anos subsequentes. Se a era subsequente não pôde ser atribuída ao declínio do desenho a partir da modelo nua, foi apenas porque ela não estava nem um pouco interessada nesses tópicos. Apenas para últimos anos como se houvesse um ponto de viragem na atitude em relação a esta esfera do desenho mais poética e criativamente nobre, e se assim for, então V. Lebedev pode estar destinado a uma nova glória entre os desenhistas da nova geração.

Ilustradores de livros infantis. Quem são os autores das suas fotos favoritas? De que serve um livro, pensou Alice, se nele não há imagens ou conversas? "As Aventuras de Alice no País das Maravilhas"

Quem disse miau?

Boris Aleksandrovich Dekhterev (1908-1993, Kaluga, Moscou) - artista popular, artista gráfico soviético, ilustrador. Ele trabalhou principalmente em desenho a lápis e técnicas de aquarela. As boas e velhas ilustrações de Dekhterev representam uma época inteira na história da ilustração infantil; muitos ilustradores chamam Boris Alexandrovich de seu professor. Dekhterev ilustrou contos de fadas infantis de A. S. Pushkin, Vasily Zhukovsky, Charles Perrault, Hans Christian Andersen, M. Lermontov, Ivan Turgenev, William Shakespeare.

Yuri Alekseevich Vasnetsov (1900-1973, Vyatka, Leningrado) - artista popular e ilustrador. Todas as crianças gostam de suas fotos de canções folclóricas, canções infantis e piadas (Ladushki, Rainbow-arc). Ele ilustrou contos populares, contos de fadas de Leo Tolstoy, Pyotr Ershov, Samuil Marshak, Vitaly Bianki e outros clássicos da literatura russa.

Leonid Viktorovich Vladimirsky (nascido em 1920, Moscou) é um artista gráfico russo e o ilustrador mais popular dos livros sobre Pinóquio de A. N. Tolstoy e sobre a Cidade Esmeralda de A. M. Volkov, graças aos quais se tornou amplamente conhecido. Pintado com aquarelas. Pinóquio na forma como várias gerações de crianças o conheceram e amaram é sem dúvida o seu mérito.

Viktor Aleksandrovich Chizhikov (nascido em 1935, Moscou) - Artista do Povo da Rússia, autor da imagem do filhote de urso Mishka, o mascote do verão jogos Olímpicos 1980 em Moscou. Ilustrador das revistas “Crocodile”, “Funny Pictures”, “Murzilka”, desenhou durante muitos anos para a revista “Around the World”. Chizhikov ilustrou as obras de Sergei Mikhalkov, Nikolai Nosov (Vitya Maleev na escola e em casa), Irina Tokmakova (Alya, Klyaksich e a letra “A”), Alexander Volkov (O Mágico da Cidade Esmeralda), poemas de Andrei Usachev, Korney Chukovsky e Agnia Barto e outros livros.

Nikolai Ernestovich Radlov (1889-1942, São Petersburgo) - artista russo, crítico de arte, professor. Ilustrador de livros infantis: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov desenhou com grande prazer para as crianças. Seu livro mais famoso são os quadrinhos infantis “Stories in Pictures”. Este é um livro-álbum com histórias engraçadas sobre animais e pássaros. Os anos se passaram, mas a coleção ainda é muito popular. As histórias em imagens foram republicadas repetidamente não apenas na Rússia, mas também em outros países. Sobre Competição internacional livro infantil na América em 1938, o livro recebeu o segundo prêmio.

Alexey Mikhailovich Laptev (1905-1965, Moscou) - artista gráfico, ilustrador de livros, poeta. As obras do artista estão em muitos museus regionais, bem como em coleções particulares na Rússia e no exterior. Ilustrou “As Aventuras de Não sei e seus amigos” de Nikolai Nosov, “Fábulas” de Ivan Krylov e a revista “Funny Pictures”. O livro com seus poemas e fotos “Peak, pak, pok” é muito querido por mais de uma geração de crianças e pais (Briff, o urso ganancioso, os potros Chernysh e Ryzhik, cinquenta coelhos e outros)

Ivan Yakovlevich Bilibin (1876-1942, Leningrado) - artista russo, ilustrador de livros e designer de teatro. Bilibin ilustrado um grande número de contos de fadas, incluindo Pushkin A. Ele desenvolveu seu próprio estilo - “Bilibinsky” - uma representação gráfica levando em consideração as tradições do russo antigo e Arte folclórica, cuidadosamente desenhado e detalhado desenho de contorno, colorido com aquarelas. Contos de fadas, épicos, imagens antiga Rússia' Para muitos, eles estão inextricavelmente ligados às ilustrações de Bilibin.

Vladimir Mikhailovich Konashevich (1888-1963, Novocherkassk, Leningrado) - artista russo, artista gráfico, ilustrador. Comecei a ilustrar livros infantis por acidente. Em 1918, sua filha tinha três anos. Konashevich fez desenhos para ela para cada letra do alfabeto. Foi assim que foi publicado “The ABC in Pictures” - o primeiro livro de V. M. Konashevich. Desde então, o artista tornou-se ilustrador de livros infantis. As principais obras de Vladimir Konashevich: - ilustração de contos de fadas e canções nações diferentes, alguns dos quais foram ilustrados diversas vezes; contos de fadas de G.H. Andersen, os Irmãos Grimm e Charles Perrault; - “O Velho do Ano” de V. I. Dahl; - obras de Korney Chukovsky e Samuil Marshak. Último emprego O artista ilustrou todos os contos de fadas de A. S. Pushkin a.

Anatoly Mikhailovich Savchenko (1924-2011, Novocherkassk, Moscou) - animador e ilustrador de livros infantis. Anatoly Savchenko foi designer de produção dos desenhos animados “Kid and Carlson” e “Carlson is Back” e autor de ilustrações para os livros de Astrid Lindgren. Os desenhos animados mais famosos com sua participação direta: Moidodyr, as aventuras de Murzilka, Petya e Chapeuzinho Vermelho, Vovka em Reino muito distante, O Quebra-Nozes, A Mosca Desordenada, Kesha, o Papagaio e outros. As crianças estão familiarizadas com as ilustrações de Savchenko dos livros: “Piggy Gets Offended” de Vladimir Orlov, “Little Brownie Kuzya” de Tatyana Alexandrova, “Fairy Tales for the Little Ones” de Gennady Tsyferov, “Little Baba Yaga” de Otfried Preussler, como bem como livros com obras semelhantes a desenhos animados.

Oleg Vladimirovich Vasiliev (n. 1931, Moscou) Suas obras estão nas coleções de muitos museus de arte na Rússia e nos EUA, incl. no Estado Galeria Tretyakov em Moscou. Desde a década de 60, ele desenha livros infantis há mais de trinta anos. As mais famosas são as ilustrações dos artistas para os contos de fadas de Charles Perrault e Hans Andersen, os poemas de Valentin Berestov e os contos de fadas de Gennady Tsyferov.

Boris Arkadyevich Diodorov (nascido em 1934, Moscou) - Artista do Povo. A técnica favorita é a gravura colorida. Autor de ilustrações para muitas obras de clássicos russos e estrangeiros. Suas ilustrações mais famosas para contos de fadas são: - Jan Ekholm “Tutta Karlsson o Primeiro e Único, Ludwig o Décimo Quarto e Outros”; - Selma Lagerlöf “A Incrível Jornada de Nils com Gansos Selvagens”; - Sergei Aksakov “ A Flor Escarlate"; - obras de Hans Christian Andersen. Diodorov ilustrou mais de 300 livros. Seus trabalhos foram publicados nos EUA, França, Espanha, Finlândia, Japão, Coreia do Sul e outros países. Trabalhou como artista-chefe da editora "Literatura Infantil".

Evgeny Ivanovich Charushin (1901-1965, Vyatka, Leningrado) - artista gráfico, escultor, escritor de prosa e escritor de animais infantis. A maioria das ilustrações é feita no estilo aquarela livre, com um pouco de humor. As crianças gostam, até as crianças. Ele é conhecido pelas ilustrações de animais que desenhou para suas próprias histórias: “Sobre Tomka”, “Lobo e Outros”, “Nikitka e Seus Amigos” e muitas outras. Ele também ilustrou outros autores: Chukovsky, Prishvin, Bianchi. O livro mais famoso com suas ilustrações é “Children in a Cage”, de Samuil Yakovlevich Marshak.

Evgeny Mikhailovich Rachev (1906-1997, Tomsk) – artista animal, artista gráfico, ilustrador. Ele ilustrou principalmente contos folclóricos russos, fábulas e contos de clássicos da literatura russa. Ele ilustrou principalmente obras em que os personagens principais são animais: contos de fadas russos sobre animais, fábulas.

Hoje eu quero falar sobre ilustradores modernos livros infantis. Quando eu estava preparando o material para este artigo, percebi que os artistas modernos criam ilustrações muito bonitas e de alta qualidade, mas principalmente para crianças de nível médio e superior. idade escolar. Muitas vezes você pode ver belas ilustrações dos contos de fadas de Andersen, Alice no País das Maravilhas de Lewis Carroll e dos contos de fadas de Hoffmann.

Infelizmente, não consegui encontrar Artistas russos, criando para crianças. Aqueles que poderiam estar no mesmo nível dos nomes - Suteev, Charushin, Tokmakov, Miturich, Konashevich... Mas esperemos que esta lacuna temporária seja em breve preenchida com novos nomes brilhantes.

E agora apresentamos a vocês os 7 melhores ilustradores infantis modernos da escola nacional.

Igor Oleinikov

Este é extraordinário artista talentoso conhecido não apenas como ilustrador de livros infantis, mas também como excelente cartunista. Ele participou da criação de desenhos maravilhosos como “O Segredo do Terceiro Planeta”, “Califa, a Cegonha”, “O Conto do Czar Saltan” e muitos outros, que foram amados por telespectadores de todas as idades.

Surpreendentemente, um dos mais brilhantes artistas infantis russos não tem uma educação artística profissional (o que ele lamenta profundamente, como ele próprio admite). Ele nasceu em Lyubertsy, região de Moscou, e se formou no Instituto de Engenharia Química. Começou a trabalhar no estúdio Soyuzmultfilm como assistente do designer de produção.

Igor Oleynikov é vencedor de vários festivais de animação e livro. Suas ilustrações são fascinantes, encantam tanto que é difícil acreditar que ele não tenha estudado em nenhuma universidade de artes.

O conto de fadas “O Imperador e o Rouxinol”, de H.H. Andersen. Editora Azbuka-classics

Evgeny Antonenkov

Graduado pelo Instituto Poligráfico de Moscou. Por muito tempo colaborou com a editora Rosmen. Ele ilustrou muitos livros, incluindo livros de Yunna Moritz, Korney Chukovsky, Boris Zakhoder, Alan Milne, Sergei Kozlov e outros autores.

“Bibigon”, K. Chukovsky

“Compressa de Limão Malinovich”, Yunna Moritz

“Pequeno Muk”, V. Gauf

Vladislav Erko

Muitas mães provavelmente conhecem as maravilhosas ilustrações deste artista. Meu sonho sempre foi “A Rainha da Neve” com desenhos de Vladislav Erko. O artista nasceu e vive em Kiev, colabora há muito tempo e com sucesso com a famosa editora ucraniana “A-ba-ba-ga-la-ma-ga”.

Livro " A rainha da neve"com ilustrações de Yerko foi reconhecido como o melhor livro infantil dos Estados Unidos em 2006 e recebeu a Medalha da Fundação Andersen.

Evgenia Gapchinskaya

Famoso ilustrador infantil, que conquistou o reconhecimento de muitos pais com sua criatividade. Evgeniya nasceu em Kharkov em 1964 e estudou lá. Agora ele mora em Kiev e colabora com a editora de Kiev “A-ba-ba-ga-la-ma-ga”.

Galina Zinko

Artista ucraniano que ilustrou muitos livros infantis, incluindo contos de fadas de Pushkin, Aksakov, C. Perrault, H. H. Andersen. Galina Zinko colabora com sucesso com a editora Clever há muito tempo, por isso muitos pais modernos estão familiarizados com seu estilo romântico e comovente.

“A história do pombo”, A. Borovetskaya

“Bloshkins e Frew da Baía de Barakhty”, A. Nikolskaya

Anton Lomaev

Nasceu em 1971 na cidade de Vitebsk (que deu ao mundo Chagall e Malevich). Ele estudou na Academia de Artes (Instituto Repin) em São Petersburgo, vive e trabalha lá e colabora com sucesso com várias editoras russas. É membro do Sindicato dos Artistas.

Anton Lomaev é conhecido por suas ilustrações brilhantes e imaginativas para contos de fadas infantis. Entre meus favoritos - ilustrações mágicas a "A Pequena Sereia" e outros contos de fadas de Andersen.

Ilustrador Anton Lomaev. Conto de fadas “A Pequena Sereia”

17.01.2012 Avaliação: 0 Votos: 0 Comentários: 23

Para que serve um livro, pensou Alice.
- se não houver fotos ou conversas nele?
"Alice no País das Maravilhas"

Surpreendentemente, as ilustrações infantis na Rússia (URSS)
Há ano exato nascimento - 1925. Este ano
um departamento de literatura infantil foi criado em Leningradsky
editora estadual(GIZe). Antes deste livro
com ilustrações não foram publicados especificamente para crianças.

Quem são eles - os autores das mais queridas e belas ilustrações que ficam na nossa memória desde a infância e que agradam aos nossos filhos?
Descubra, lembre-se, compartilhe sua opinião.
O artigo foi escrito usando histórias de pais de crianças atuais e resenhas de livros em sites de livrarias online.

Vladimir Grigorievich Suteev(1903-1993, Moscou) - escritor, ilustrador e animador infantil. Suas fotos gentis e alegres parecem fotos de um desenho animado. Os desenhos de Suteev transformaram muitos contos de fadas em obras-primas.
Por exemplo, nem todos os pais consideram as obras de Korney Chukovsky clássicos necessários, e a maioria deles não considera suas obras talentosas. Mas quero ter em minhas mãos os contos de fadas de Chukovsky, ilustrados por Vladimir Suteev, e lê-los para as crianças.

Boris Alexandrovich Dekhterev(1908-1993, Kaluga, Moscou) - artista popular, artista gráfico soviético (acredita-se que a “Escola Dekhterev” determinou o desenvolvimento da gráfica de livros no país), ilustrador. Ele trabalhou principalmente em desenho a lápis e técnicas de aquarela. As boas e velhas ilustrações de Dekhterev representam uma época inteira na história da ilustração infantil; muitos ilustradores chamam Boris Alexandrovich de seu professor.

Dekhterev ilustrou contos de fadas infantis de Alexander Sergeevich Pushkin, Vasily Zhukovsky, Charles Perrault e Hans Christian Andersen. Bem como obras de outros escritores russos e clássicos mundiais, por exemplo, Mikhail Lermontov, Ivan Turgenev, William Shakespeare.

Nikolai Alexandrovich Ustinov(n. 1937, Moscou), seu professor foi Dekhterev, e muitos ilustradores modernos já consideram Ustinov seu professor.

Nikolai Ustinov - artista popular, ilustrador. Contos de fadas com suas ilustrações foram publicados não apenas na Rússia (URSS), mas também no Japão, Alemanha, Coréia e outros países. Quase trezentas obras foram ilustradas pelo famoso artista para editoras: “Literatura Infantil”, “Malysh”, “Artista da RSFSR”, editoras de Tula, Voronezh, São Petersburgo e outras. Trabalhou na revista Murzilka.
As ilustrações de Ustinov para contos folclóricos russos continuam sendo as mais queridas pelas crianças: Três Ursos, Masha e o Urso, Irmã Raposa, A Princesa Sapo, Gansos e Cisnes e muitos outros.

Iuri Alekseevich Vasnetsov(1900-1973, Vyatka, Leningrado) - artista popular e ilustrador. Todas as crianças gostam de suas fotos de canções folclóricas, canções infantis e piadas (Ladushki, Rainbow-arc). Ele ilustrou contos populares, contos de Leo Tolstoy, Pyotr Ershov, Samuil Marshak, Vitaly Bianki e outros clássicos da literatura russa.

Ao comprar livros infantis com ilustrações de Yuri Vasnetsov, certifique-se de que as imagens sejam nítidas e moderadamente brilhantes. Usando o nome artista famoso, V Ultimamente os livros são frequentemente publicados com imagens digitalizadas pouco nítidas ou com maior brilho e contraste não naturais, e isso não é muito bom para os olhos das crianças.

Leonid Viktorovich Vladimirsky(nascido em 1920, Moscou) é um artista gráfico russo e o ilustrador mais popular dos livros sobre Buratino de A. N. Tolstoy e sobre a Cidade Esmeralda de A. M. Volkov, graças aos quais se tornou amplamente conhecido na Rússia e nos países da ex-URSS. Pintado com aquarelas. São as ilustrações de Vladimirsky que muitos reconhecem como clássicas entre as obras de Volkov. Pois bem, Pinóquio na forma como várias gerações de crianças o conheceram e amaram é sem dúvida o seu mérito.

Victor Aleksandrovich Chizhikov(nascido em 1935, Moscou) - Artista do Povo da Rússia, autor da imagem do filhote de urso Mishka, mascote dos Jogos Olímpicos de Verão de 1980 em Moscou. Ilustrador das revistas “Crocodile”, “Funny Pictures”, “Murzilka”, desenhou durante muitos anos para a revista “Around the World”.
Chizhikov ilustrou as obras de Sergei Mikhalkov, Nikolai Nosov (Vitya Maleev na escola e em casa), Irina Tokmakova (Alya, Klyaksich e a letra “A”), Alexander Volkov (O Mágico cidade esmeralda), poemas de Andrei Usachev, Korney Chukovsky e Agnia Barto e outros livros.

Para ser justo, é importante notar que as ilustrações de Chizhikov são bastante específicas e de desenho animado. Portanto, nem todos os pais preferem comprar livros com suas ilustrações, se houver alternativa. Por exemplo, muitas pessoas preferem os livros “O Mágico da Cidade das Esmeraldas” com ilustrações de Leonid Vladimirsky.

Nikolai Ernestovich Radlov(1889-1942, São Petersburgo) - Artista russo, crítico de arte, professor. Ilustrador de livros infantis: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov desenhou com grande prazer para as crianças. Seu livro mais famoso são os quadrinhos infantis “Stories in Pictures”. Este é um livro-álbum com histórias engraçadas sobre animais e pássaros. Os anos se passaram, mas a coleção ainda é muito popular. As histórias em imagens foram republicadas repetidamente não apenas na Rússia, mas também em outros países. Na competição internacional de livros infantis na América em 1938, o livro recebeu o segundo prêmio.

Alexei Mikhailovich Laptev(1905-1965, Moscou) - artista gráfico, ilustrador de livros, poeta. As obras do artista estão em muitos museus regionais, bem como em coleções particulares na Rússia e no exterior. Ilustrou “As Aventuras de Não sei e seus amigos” de Nikolai Nosov, “Fábulas” de Ivan Krylov e a revista “Funny Pictures”. O livro com seus poemas e fotos “Peak, pak, pok” é muito querido por mais de uma geração de crianças e pais (Briff, o urso ganancioso, os potros Chernysh e Ryzhik, cinquenta coelhos e outros)

Ivan Yakovlevich Bilibin(1876-1942, Leningrado) - Artista russo, ilustrador de livros e designer de teatro. Bilibin ilustrou um grande número de contos de fadas, incluindo os de Alexander Sergeevich Pushkin. Ele desenvolveu seu próprio estilo - “Bilibinsky” - uma representação gráfica levando em consideração as tradições da antiga arte russa e popular, um desenho de contorno cuidadosamente desenhado e detalhado, colorido com aquarelas. O estilo de Bilibin tornou-se popular e começou a ser imitado.

Para muitos, contos de fadas, épicos e imagens da antiga Rus estão há muito tempo inextricavelmente ligados às ilustrações de Bilibin.

Vladimir Mikhailovich Konashevich(1888-1963, Novocherkassk, Leningrado) - Artista russo, artista gráfico, ilustrador. Comecei a ilustrar livros infantis por acidente. Em 1918, sua filha tinha três anos. Konashevich fez desenhos para ela para cada letra do alfabeto. Um dos meus amigos viu esses desenhos e gostou deles. Foi assim que foi publicado “The ABC in Pictures” - o primeiro livro de V. M. Konashevich. Desde então, o artista tornou-se ilustrador de livros infantis.
A partir da década de 1930, ilustrar a literatura infantil tornou-se a principal obra de sua vida. Konashevich também ilustrou literatura adulta, pintou e desenhou em sua técnica específica favorita - tinta ou aquarela em papel chinês.

As principais obras de Vladimir Konashevich:
- ilustração de contos de fadas e canções de diferentes povos, alguns dos quais ilustrados diversas vezes;
- contos de fadas de G.Kh. Andersen, Irmãos Grimm e Charles Perrault;
- “O Velho do Ano” de V. I. Dahl;
- obras de Korney Chukovsky e Samuil Marshak.
O último trabalho do artista ilustrou todos os contos de fadas de A. S. Pushkin.

Anatoly Mikhailovich Savchenko(1924-2011, Novocherkassk, Moscou) - animador e ilustrador de livros infantis. Anatoly Savchenko foi designer de produção dos desenhos animados “Kid and Carlson” e “Carlson is Back” e autor de ilustrações para os livros de Astrid Lindgren. Os desenhos animados mais famosos funcionam com sua participação direta: Moidodyr, as aventuras de Murzilka, Petya e Chapeuzinho Vermelho, Vovka no Reino Tão Tão Distante, O Quebra-Nozes, Tsokotukha a Mosca, Kesha o Papagaio e outros.
As crianças estão familiarizadas com as ilustrações de Savchenko dos livros: “Piggy Gets Offended” de Vladimir Orlov, “Little Brownie Kuzya” de Tatyana Alexandrova, “Fairy Tales for the Little Ones” de Gennady Tsyferov, “Little Baba Yaga” de Otfried Preussler, como bem como livros com obras semelhantes a desenhos animados.

Oleg Vladimirovich Vasiliev(n. 1931, Moscou). Suas obras estão nas coleções de muitos museus de arte na Rússia e nos EUA, incl. na Galeria Estatal Tretyakov em Moscou. Desde a década de 60, há mais de trinta anos desenha livros infantis em colaboração com Eric Vladimirovich Bulatov(nascido em 1933, Sverdlovsk, Moscou).
As mais famosas são as ilustrações dos artistas para os contos de fadas de Charles Perrault e Hans Andersen, os poemas de Valentin Berestov e os contos de fadas de Gennady Tsyferov.

Boris Arkadyevich Diodorov(nascido em 1934, Moscou) - Artista do Povo. A técnica favorita é a gravura colorida. Autor de ilustrações para muitas obras de clássicos russos e estrangeiros. Suas ilustrações para contos de fadas são mais famosas:

Jan Ekholm “Tutta Karlsson o Primeiro e Único, Ludwig o Décimo Quarto e Outros”;
- Selma Lagerlöf "A incrível jornada de Nils com os gansos selvagens";
- Sergey Aksakov “A Flor Escarlate”;
- obras de Hans Christian Andersen.

Diodorov ilustrou mais de 300 livros. Seus trabalhos foram publicados nos EUA, França, Espanha, Finlândia, Japão, Coreia do Sul e outros países. Trabalhou como artista-chefe da editora "Literatura Infantil".

Evgeny Ivanovich Charushin(1901-1965, Vyatka, Leningrado) - artista gráfico, escultor, prosador e escritor de animais infantis. A maioria das ilustrações é feita no estilo aquarela livre, com um pouco de humor. As crianças gostam, até as crianças. Ele é conhecido pelas ilustrações de animais que desenhou para suas próprias histórias: “Sobre Tomka”, “Lobo e Outros”, “Nikitka e Seus Amigos” e muitas outras. Ele também ilustrou outros autores: Chukovsky, Prishvin, Bianchi. O livro mais famoso com suas ilustrações é “Children in a Cage”, de Samuil Yakovlevich Marshak.

Evgeniy Mikhailovich Rachev(1906-1997, Tomsk) - artista animal, artista gráfico, ilustrador. Ele ilustrou principalmente contos folclóricos russos, fábulas e contos de clássicos da literatura russa. Ele ilustrou principalmente obras em que os personagens principais são animais: contos de fadas russos sobre animais, fábulas.

Ivan Maksimovich Semenov(1906-1982, Rostov-on-Don, Moscou) - artista popular, artista gráfico, caricaturista. Semyonov trabalhou em jornais " TVNZ», « Verdade pioneira", revistas "Smena", "Crocodile" e outras. Em 1956, por sua iniciativa, foi criada a primeira revista humorística da URSS para crianças pequenas, “Funny Pictures”.
Suas ilustrações mais famosas são para as histórias de Nikolai Nosov sobre Kolya e Mishka (Fantasers, Living Hat e outros) e os desenhos “Bobik visitando Barbos”.

Os nomes de alguns outros famosos ilustradores russos contemporâneos de livros infantis:

- Vyacheslav Mikhailovich Nazaruk(n. 1941, Moscou) - designer de produção de dezenas de filmes de animação: Pequeno Guaxinim, As Aventuras do Gato Leopoldo, Mãe de um Bebê Mamute, Contos de Bazhov e ilustrador de livros de mesmo nome.

- Nadejda Bugoslavskaya(o autor do artigo não encontrou informações biográficas) - autor de belas e gentis ilustrações para muitos livros infantis: Poemas e canções da Mamãe Ganso, poemas de Boris Zakhoder, obras de Sergei Mikhalkov, obras de Daniil Kharms, histórias de Mikhail Zoshchenko, "Pippi Meia longa»Astrid Lindgren e outros.

- Igor Egunov(o autor do artigo não encontrou informações biográficas) - artista contemporâneo, autor de ilustrações brilhantes e bem desenhadas para livros: “As Aventuras do Barão Munchausen” de Rudolf Raspe, “O Pequeno Cavalo Corcunda” de Pyotr Ershov, fada contos dos Irmãos Grimm e Hoffmann, contos de heróis russos.

- Evgeny Antonenkov(nascido em 1956, Moscou) - ilustrador, técnica favorita é aquarela, caneta e papel, mídia mista. As ilustrações são modernas, inusitadas e se destacam entre outras. Alguns olham para eles com indiferença, outros se apaixonam pelas fotos engraçadas à primeira vista.
A maioria ilustrações famosas: aos contos do Ursinho Pooh (Alan Alexandre Milne), “Contos de fadas infantis russos”, poemas e contos de fadas de Samuil Marshak, Korney Chukovsky, Gianni Rodari, Yunna Moritz. “The Stupid Horse”, de Vladimir Levin (antigas baladas folclóricas inglesas), ilustrado por Antonenkov, é um dos livros mais populares do ano de 2011.
Evgeniy Antonenkov colabora com editoras na Alemanha, França, Bélgica, EUA, Coreia, Japão, participante regular Prestigiado exposições internacionais, laureado do concurso Corvo Branco"(Bolonha, 2004), vencedor do diploma Livro do Ano (2008).

- Igor Yulievich Oleynikov(n. 1953, Moscou) - artista-animador, trabalha principalmente com animação desenhada à mão, ilustrador de livros. Surpreendentemente, um artista contemporâneo tão talentoso não tem uma educação artística especial.
Na animação, Igor Oleinikov é conhecido pelos filmes: “O Segredo do Terceiro Planeta”, “O Conto do Czar Saltan”, “Sherlock Holmes e Eu” e outros. Trabalhou com revistas infantis "Tram", "Vila Sésamo" Boa noite, crianças! e outros.
Igor Oleynikov colabora com editoras no Canadá, EUA, Bélgica, Suíça, Itália, Coreia, Taiwan e Japão, e participa em prestigiadas exposições internacionais.
As ilustrações mais famosas do artista para livros: “O Hobbit, ou Lá e Volta Outra Vez” de John Tolkien, “As Aventuras do Barão Munchausen” de Erich Raspe, “As Aventuras de Despereaux, o Rato” de Kate DiCamillo, “Peter Pan” de James Barrie. Últimos livros com ilustrações de Oleinikov: poemas de Daniil Kharms, Joseph Brodsky, Andrei Usachev.

Anna Agrova

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Ilustradores de livros infantis. Quem são os autores das fotos favoritas?

Para que serve um livro, pensou Alice.
– se não houver fotos ou conversas nele?
"Alice no País das Maravilhas"

Surpreendentemente, as ilustrações infantis na Rússia (URSS)
Existe um ano exato de nascimento - 1925. Este ano
um departamento de literatura infantil foi criado em Leningradsky
Editora Estadual (GIZ). Antes deste livro
com ilustrações não foram publicados especificamente para crianças.

Vladimir Grigorievich Suteev(1903-1993, Moscou) - escritor, ilustrador e animador infantil. Suas fotos gentis e alegres parecem fotos de um desenho animado. Os desenhos de Suteev transformaram muitos contos de fadas em obras-primas.
Por exemplo, nem todos os pais consideram as obras de Korney Chukovsky clássicos necessários, e a maioria deles não considera suas obras talentosas. Mas quero ter em minhas mãos os contos de fadas de Chukovsky, ilustrados por Vladimir Suteev, e lê-los para as crianças.

Boris Alexandrovich Dekhterev(1908-1993, Kaluga, Moscou) – artista popular, artista gráfico soviético (acredita-se que a “Escola Dekhterev” determinou o desenvolvimento da gráfica de livros no país), ilustrador. Ele trabalhou principalmente em desenho a lápis e técnicas de aquarela. As boas e velhas ilustrações de Dekhterev representam uma época inteira na história da ilustração infantil; muitos ilustradores chamam Boris Alexandrovich de seu professor.

Nikolai Alexandrovich Ustinov(n. 1937, Moscou), seu professor foi Dekhterev, e muitos ilustradores modernos já consideram Ustinov seu professor.

Nikolai Ustinov é um artista e ilustrador nacional. Contos de fadas com suas ilustrações foram publicados não apenas na Rússia (URSS), mas também no Japão, Alemanha, Coréia e outros países. Quase trezentas obras foram ilustradas pelo famoso artista para editoras: “Literatura Infantil”, “Malysh”, “Artista da RSFSR”, editoras de Tula, Voronezh, São Petersburgo e outras. Trabalhou na revista Murzilka.
As ilustrações de Ustinov para contos folclóricos russos continuam sendo as mais queridas pelas crianças: Três Ursos, Masha e o Urso, Irmã Raposa, A Princesa Sapo, Gansos e Cisnes e muitos outros.

Iuri Alekseevich Vasnetsov(1900-1973, Vyatka, Leningrado) - artista popular e ilustrador. Todas as crianças gostam de suas fotos de canções folclóricas, canções infantis e piadas (Ladushki, Rainbow-arc). Ele ilustrou contos populares, contos de Leo Tolstoy, Pyotr Ershov, Samuil Marshak, Vitaly Bianki e outros clássicos da literatura russa.

Ao comprar livros infantis com ilustrações de Yuri Vasnetsov, certifique-se de que as imagens sejam nítidas e moderadamente brilhantes. Usando o nome de um artista famoso, recentemente foram publicados livros com digitalizações pouco nítidas de desenhos ou com maior brilho e contraste não naturais, e isso não é muito bom para os olhos das crianças.

Leonid Viktorovich Vladimirsky(nascido em 1920, Moscou) é um artista gráfico russo e o ilustrador mais popular dos livros sobre Buratino de A. N. Tolstoy e sobre a Cidade Esmeralda de A. M. Volkov, graças aos quais se tornou amplamente conhecido na Rússia e nos países da ex-URSS. Pintado com aquarelas. São as ilustrações de Vladimirsky que muitos reconhecem como clássicas entre as obras de Volkov. Pois bem, Pinóquio na forma como várias gerações de crianças o conheceram e amaram é sem dúvida o seu mérito.

Victor Aleksandrovich Chizhikov(nascido em 1935, Moscou) - Artista do Povo da Rússia, autor da imagem do filhote de urso Mishka, mascote dos Jogos Olímpicos de Verão de 1980 em Moscou. Ilustrador das revistas “Crocodile”, “Funny Pictures”, “Murzilka”, desenhou durante muitos anos para a revista “Around the World”.
Chizhikov ilustrou as obras de Sergei Mikhalkov, Nikolai Nosov (Vitya Maleev na escola e em casa), Irina Tokmakova (Alya, Klyaksich e a letra “A”), Alexander Volkov (O Mágico da Cidade Esmeralda), poemas de Andrei Usachev, Korney Chukovsky e Agnia Barto e outros livros.

Nikolai Ernestovich Radlov(1889-1942, São Petersburgo) - Artista russo, historiador da arte, professor. Ilustrador de livros infantis: Agnia Barto, Samuil Marshak, Sergei Mikhalkov, Alexander Volkov. Radlov desenhou com grande prazer para as crianças. Seu livro mais famoso são os quadrinhos infantis “Stories in Pictures”. Este é um livro-álbum com histórias engraçadas sobre animais e pássaros. Os anos se passaram, mas a coleção ainda é muito popular. As histórias em imagens foram republicadas repetidamente não apenas na Rússia, mas também em outros países. Na competição internacional de livros infantis na América em 1938, o livro recebeu o segundo prêmio.

Alexei Mikhailovich Laptev(1905-1965, Moscou) - artista gráfico, ilustrador de livros, poeta. As obras do artista estão em muitos museus regionais, bem como em coleções particulares na Rússia e no exterior. Ilustrou “As Aventuras de Não sei e seus amigos” de Nikolai Nosov, “Fábulas” de Ivan Krylov e a revista “Funny Pictures”. O livro com seus poemas e fotos “Peak, pak, pok” é muito querido por mais de uma geração de crianças e pais (Briff, o urso ganancioso, os potros Chernysh e Ryzhik, cinquenta coelhos e outros)

Ivan Yakovlevich Bilibin(1876-1942, Leningrado) - Artista russo, ilustrador de livros e designer de teatro. Bilibin ilustrou um grande número de contos de fadas, incluindo os de Alexander Sergeevich Pushkin. Ele desenvolveu seu próprio estilo - “Bilibinsky” - uma representação gráfica levando em consideração as tradições da antiga arte russa e popular, um desenho de contorno cuidadosamente desenhado e detalhado, colorido com aquarelas. O estilo de Bilibin tornou-se popular e começou a ser imitado.

Para muitos, contos de fadas, épicos e imagens da antiga Rus estão há muito tempo inextricavelmente ligados às ilustrações de Bilibin.

Vladimir Mikhailovich Konashevich(1888-1963, Novocherkassk, Leningrado) - Artista russo, artista gráfico, ilustrador. Comecei a ilustrar livros infantis por acidente. Em 1918, sua filha tinha três anos. Konashevich fez desenhos para ela para cada letra do alfabeto. Um dos meus amigos viu esses desenhos e gostou deles. Foi assim que foi publicado “The ABC in Pictures” - o primeiro livro de V. M. Konashevich. Desde então, o artista tornou-se ilustrador de livros infantis.
A partir da década de 1930, ilustrar a literatura infantil tornou-se a principal obra de sua vida. Konashevich também ilustrou literatura adulta, pintou e desenhou em sua técnica específica favorita - tinta ou aquarela em papel chinês.

As principais obras de Vladimir Konashevich:
- ilustração de contos de fadas e canções de diferentes povos, alguns dos quais ilustrados diversas vezes;
- contos de fadas de G.Kh. Andersen, Irmãos Grimm e Charles Perrault;
- “O Velho do Ano” de V. I. Dahl;
- obras de Korney Chukovsky e Samuil Marshak.
O último trabalho do artista ilustrou todos os contos de fadas de A. S. Pushkin.

Anatoly Mikhailovich Savchenko(1924-2011, Novocherkassk, Moscou) - animador e ilustrador de livros infantis. Anatoly Savchenko foi designer de produção dos desenhos animados “Kid and Carlson” e “Carlson is Back” e autor de ilustrações para os livros de Astrid Lindgren. Os desenhos animados mais famosos funcionam com sua participação direta: Moidodyr, as aventuras de Murzilka, Petya e Chapeuzinho Vermelho, Vovka no Reino Tão Tão Distante, O Quebra-Nozes, Tsokotukha a Mosca, Kesha o Papagaio e outros.
As crianças estão familiarizadas com as ilustrações de Savchenko dos livros: “Piggy Gets Offended” de Vladimir Orlov, “Little Brownie Kuzya” de Tatyana Alexandrova, “Fairy Tales for the Little Ones” de Gennady Tsyferov, “Little Baba Yaga” de Otfried Preussler, como bem como livros com obras semelhantes a desenhos animados.

Oleg Vladimirovich Vasiliev(n. 1931, Moscou). Suas obras estão nas coleções de muitos museus de arte na Rússia e nos EUA, incl. na Galeria Estatal Tretyakov em Moscou. Desde a década de 60, há mais de trinta anos se dedica ao design de livros infantis em colaboração com Erik Vladimirovich Bulatov (nascido em 1933, Sverdlovsk, Moscou).
As mais famosas são as ilustrações dos artistas para os contos de fadas de Charles Perrault e Hans Andersen, os poemas de Valentin Berestov e os contos de fadas de Gennady Tsyferov.

- Jan Ekholm “Tutta Karlsson o Primeiro e Único, Ludwig o Décimo Quarto e Outros”;
- Selma Lagerlöf "A incrível jornada de Nils com os gansos selvagens";
- Sergey Aksakov “A Flor Escarlate”;
- obras de Hans Christian Andersen.

Evgeny Ivanovich Charushin(1901-1965, Vyatka, Leningrado) - artista gráfico, escultor, prosador e escritor de animais infantis. A maioria das ilustrações é feita no estilo aquarela livre, com um pouco de humor. As crianças gostam, até as crianças. Ele é conhecido pelas ilustrações de animais que desenhou para suas próprias histórias: “Sobre Tomka”, “Lobo e Outros”, “Nikitka e Seus Amigos” e muitas outras. Ele também ilustrou outros autores: Chukovsky, Prishvin, Bianchi. O livro mais famoso com suas ilustrações é “Children in a Cage”, de Samuil Yakovlevich Marshak.

Evgeniy Mikhailovich Rachev(1906-1997, Tomsk) – artista animal, artista gráfico, ilustrador. Ele ilustrou principalmente contos folclóricos russos, fábulas e contos de clássicos da literatura russa. Ele ilustrou principalmente obras em que os personagens principais são animais: contos de fadas russos sobre animais, fábulas.

Ivan Maksimovich Semenov(1906-1982, Rostov-on-Don, Moscou) - artista popular, artista gráfico, caricaturista. Semenov trabalhou nos jornais “Komsomolskaya Pravda”, “Pionerskaya Pravda”, revistas “Smena”, “Crocodile” e outros. Em 1956, por sua iniciativa, foi criada a primeira revista humorística da URSS para crianças pequenas, “Funny Pictures”.
Suas ilustrações mais famosas são para as histórias de Nikolai Nosov sobre Kolya e Mishka (Fantasers, Living Hat e outros) e os desenhos “Bobik visitando Barbos”.

Os nomes de alguns outros famosos ilustradores russos contemporâneos de livros infantis:

- Vyacheslav Mikhailovich Nazaruk(n. 1941, Moscou) – desenhista de produção de dezenas de filmes de animação: Pequeno Guaxinim, As Aventuras de Leopoldo, o Gato, Mãe para um Bebê Mamute, contos de fadas de Bazhov e ilustrador de livros de mesmo nome.

- Nadejda Bugoslavskaya(o autor do artigo não encontrou informações biográficas) - autor de belas e gentis ilustrações para muitos livros infantis: Poemas e canções da Mamãe Ganso, poemas de Boris Zakhoder, obras de Sergei Mikhalkov, obras de Daniil Kharms, histórias de Mikhail Zoshchenko, “Pippi das Meias Altas” de Astrid Lindgren e outros.

- Igor Egunov (o autor do artigo não encontrou informações biográficas) é um artista contemporâneo, autor de ilustrações brilhantes e bem desenhadas para livros: “As Aventuras do Barão Munchausen” de Rudolf Raspe, “O Pequeno Cavalo Corcunda” de Pyotr Ershov, contos de fadas dos Irmãos Grimm e Hoffmann, contos de heróis russos

- Evgeny Antonenkov(nascido em 1956, Moscou) - ilustrador, técnica favorita é aquarela, caneta e papel, mídia mista. As ilustrações são modernas, inusitadas e se destacam entre outras. Alguns olham para eles com indiferença, outros se apaixonam pelas fotos engraçadas à primeira vista.
As ilustrações mais famosas: para contos de fadas sobre o Ursinho Pooh (Alan Alexander Milne), “Contos de fadas infantis russos”, poemas e contos de fadas de Samuil Marshak, Korney Chukovsky, Gianni Rodari, Yunna Moritz. “The Stupid Horse” de Vladimir Levin (antigas baladas folclóricas inglesas), ilustrado por Antonenkov, é um dos livros mais populares de 2011.
Evgeniy Antonenkov colabora com editoras na Alemanha, França, Bélgica, EUA, Coreia, Japão, é participante regular em prestigiadas exposições internacionais, laureado no concurso White Crow (Bolonha, 2004), vencedor do diploma Livro do Ano ( 2008).

- Igor Yulievich Oleynikov (n. 1953, Moscou) – artista-animador, trabalha principalmente com animação desenhada à mão, ilustrador de livros. Surpreendentemente, um artista contemporâneo tão talentoso não tem uma educação artística especial.
Na animação, Igor Oleinikov é conhecido pelos filmes: “O Segredo do Terceiro Planeta”, “O Conto do Czar Saltan”, “Sherlock Holmes e Eu” e outros. Trabalhou com revistas infantis "Bonde", "Vila Sésamo" "Boa noite, crianças!" e outros.
Igor Oleynikov colabora com editoras no Canadá, EUA, Bélgica, Suíça, Itália, Coreia, Taiwan e Japão, e participa em prestigiadas exposições internacionais.
As ilustrações mais famosas do artista para livros: “O Hobbit, ou Lá e Volta Outra Vez” de John Tolkien, “As Aventuras do Barão Munchausen” de Erich Raspe, “As Aventuras de Despereaux, o Rato” de Kate DiCamillo, “Peter Pan” de James Barrie. Últimos livros com ilustrações de Oleinikov: poemas de Daniil Kharms, Joseph Brodsky, Andrei Usachev.
Sou Eu realmente não queria apresentar ilustradores, relembrar nossa infância e recomendá-los aos pais jovens.

(texto) Anna Agrova

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