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INTRODUÇÃO

Os humanistas italianos da Renascença chamaram a cultura greco-romana de antiguidade (da palavra latina antiguidades - antiga) como a mais antiga conhecida por eles. E este nome permanece até hoje, embora culturas mais antigas tenham sido descobertas desde então. Foi preservado como sinónimo de antiguidade clássica, isto é, do mundo em cujo seio surgiu a nossa civilização europeia. Foi preservado como um conceito que separa precisamente a cultura greco-romana dos mundos culturais do Antigo Oriente.

A criação de uma aparência humana generalizada, elevada a uma norma bela – a unidade de sua beleza física e espiritual – é quase o único tema da arte e a principal qualidade da cultura grega como um todo. Isto proporcionou à cultura grega um raro poder artístico e uma importância fundamental para a cultura mundial no futuro.

A cultura grega antiga teve uma enorme influência no desenvolvimento da civilização europeia. Conquistas Arte grega formou parcialmente a base para as ideias estéticas de épocas subsequentes. Sem a filosofia grega, especialmente Platão e Aristóteles, o desenvolvimento nem da teologia medieval nem da filosofia do nosso tempo teria sido possível. O sistema educativo grego sobreviveu até hoje nas suas características básicas. A mitologia e a literatura da Grécia Antiga inspiraram poetas, escritores, artistas e compositores por muitos séculos. É difícil superestimar a influência da escultura antiga nos escultores de épocas subsequentes.

A importância da cultura grega antiga é tão grande que não é à toa que chamamos seu apogeu de “era de ouro” da humanidade. E agora, milhares de anos depois, admiramos as proporções ideais da arquitetura, as criações insuperáveis ​​de escultores, poetas, historiadores e cientistas. Esta cultura é a mais humana; ainda dá às pessoas sabedoria, beleza e coragem.

Os períodos em que a história e a arte do mundo antigo costumam ser divididas.

Período antigo- Cultura do Egeu: III milénio-século XI. AC e.

Períodos homérico e arcaico inicial: séculos XI-VIII. AC e.

Período arcaico: séculos VII-VI AC e.

Período clássico: do século V até o último terço do século IV. AC e.

Período helenístico: último terço dos séculos IV-I. AC e.

O período de desenvolvimento das tribos da Itália; Cultura etrusca: Séculos VIII-II. AC e.

Período real da Roma Antiga: Séculos VIII-VI. AC e.

Período republicano da Roma antiga: séculos VI AC e.

Período imperial da Roma Antiga: séculos I-V. n. e.

No meu trabalho gostaria de considerar a escultura grega dos períodos Arcaico, Clássico e Clássico Tardio, a escultura do período helenístico, bem como a escultura romana.

ARCAICO

A arte grega desenvolveu-se sob a influência de três correntes culturais muito diferentes:

Egeu, que aparentemente ainda mantinha vitalidade na Ásia Menor e cujo sopro leve atendeu às necessidades espirituais do antigo heleno em todos os períodos de seu desenvolvimento;

Dorian, agressivo (gerado pela onda da invasão dórica do norte), inclinado a introduzir ajustes estritos nas tradições do estilo que surgiram em Creta, a moderar a imaginação livre e o dinamismo desenfreado do padrão decorativo cretense (já bastante simplificado em Micenas ) com a esquematização geométrica mais simples, teimosa, rígida e imperiosa;

Oriental, que trouxe à jovem Hélade, como antes a Creta, exemplos de criatividade artística do Egito e da Mesopotâmia, a completa concretude das formas plásticas e pictóricas e as suas notáveis ​​​​habilidades visuais.

A criatividade artística da Hélade, pela primeira vez na história do mundo, estabeleceu o realismo como a norma absoluta da arte. Mas o realismo não reside na cópia exacta da natureza, mas em completar o que a natureza não conseguiu realizar. Assim, seguindo os planos da natureza, a arte teve que lutar por aquela perfeição que ela apenas insinuava, mas que ela mesma não alcançou.

No final do século VII - início do século VI. AC e. Uma mudança famosa ocorre na arte grega. Na pintura de vasos, o foco passa a ser a pessoa e sua imagem ganha cada vez mais feições reais. Um ornamento sem enredo perde seu significado anterior. Ao mesmo tempo, e este é um acontecimento de enorme significado, surge uma escultura monumental cujo tema principal, novamente, é o homem.

A partir deste momento, as belas-artes gregas entraram firmemente no caminho do humanismo, onde estavam destinadas a conquistar a glória imorredoura.

Nesse caminho, a arte adquire pela primeira vez uma finalidade especial e inerente. O seu objectivo não é reproduzir a figura do falecido para fornecer um abrigo salvador ao seu “Ka”, não é afirmar a inviolabilidade do poder estabelecido em monumentos que exaltam esse poder, não é influenciar magicamente as forças da natureza encarnadas pelo artista. em imagens específicas. O objetivo da arte é criar beleza, que equivale à bondade, equivale à perfeição espiritual e física de uma pessoa. E falando em Valor educacional arte, então aumenta imensamente. Pois a beleza ideal criada pela arte dá origem ao desejo de autoaperfeiçoamento na pessoa.

Para citar Lessing: “Onde, graças a pessoas bonitas, apareceram belas estátuas, estas últimas, por sua vez, impressionaram as primeiras, e o Estado devia belas estátuas para pessoas bonitas”.

As primeiras esculturas gregas que chegaram até nós ainda refletem claramente a influência do Egito. Frontalidade e a princípio superando timidamente a rigidez dos movimentos - com a perna esquerda estendida ou a mão presa ao peito. Estas esculturas de pedra, na maioria das vezes feitas de mármore, em que a Hélade é tão rica, têm um encanto inexplicável. Eles mostram o hálito juvenil, o impulso inspirado do artista, sua comovente crença de que através de um esforço persistente e meticuloso, do aprimoramento constante de suas habilidades, pode-se dominar completamente o material que a natureza lhe fornece.

No colosso de mármore (início do século VI a.C.), com quatro vezes a altura de um homem, lemos a orgulhosa inscrição: “Todo eu, estátua e pedestal, fui tirado de um bloco”.

Quem retratam as estátuas antigas?

São jovens nus (kuros), atletas, vencedores de competições. São latidos - mulheres jovens em túnicas e capas.

Uma característica significativa: mesmo nos primórdios da arte grega, as imagens escultóricas de deuses diferiam, e mesmo assim nem sempre, das imagens de humanos apenas em emblemas. Assim, na mesma estátua de um jovem, às vezes tendemos a reconhecer simplesmente um atleta ou o próprio Febo-Apolo, o deus da luz e das artes.

...Portanto, as primeiras estátuas arcaicas ainda refletem os cânones desenvolvidos no Egito ou na Mesopotâmia.

Frontal e imperturbável é o alto kouros, ou Apolo, esculpido por volta de 600 aC. e. (Nova York, Museu Metropolitano de Arte). O seu rosto é emoldurado por longos cabelos, habilmente tecidos “em gaiola”, como uma peruca rígida, e parece-nos que está esticado à nossa frente, ostentando a largura excessiva dos ombros angulosos, a imobilidade retilínea dos seus braços e a estreiteza suave dos quadris.

Estátua de Hera da ilha de Samos, provavelmente executada no início do segundo quartel do século VI. AC e. (Paris, Louvre). Neste mármore ficamos cativados pela majestade da figura, esculpida de baixo até à cintura em forma de pilar redondo. Majestade congelada e calma. A vida mal é visível sob as dobras estritamente paralelas do quíton, sob as dobras decorativamente dispostas do manto.

E é isso que mais distingue a arte da Hélade no caminho por ela aberto: a incrível velocidade de aprimoramento dos métodos de representação, aliada a uma mudança radical no próprio estilo de arte. Mas não como na Babilónia, e certamente não como no Egipto, onde o estilo mudou lentamente ao longo de milhares de anos.

Meados do século VI AC e. Apenas algumas décadas separam o "Apolo de Teney" (Munique, Glyptothek) das estátuas mencionadas anteriormente. Mas quão mais viva e graciosa é a figura deste jovem, já iluminado pela beleza! Ele ainda não havia se movido, mas estava pronto para se mover. O contorno de seus quadris e ombros é mais suave, mais comedido, e seu sorriso é talvez o mais radiante e inocentemente alegre do arcaico.

O famoso “Moschophorus” que significa portador de bezerro (Atenas, Museu Arqueológico Nacional). Este é um jovem heleno trazendo um bezerro ao altar da divindade. As mãos pressionando as pernas de um animal apoiado nos ombros contra o peito, a combinação cruciforme desses braços e dessas pernas, o focinho manso do corpo condenado ao abate, o olhar pensativo do doador, cheio de um significado indescritível - tudo isso cria um todo muito harmonioso, internamente inextricável, que nos encanta pela sua harmonia completa, ressoando musicalidade no mármore.

“Cabeça de Rampin” (Paris, Louvre), em homenagem ao seu primeiro proprietário (o Museu de Atenas abriga um busto de mármore sem cabeça encontrado separadamente, ao qual parece caber a cabeça do Louvre). Esta é a imagem do vencedor do concurso, evidenciada pela coroa. O sorriso é um pouco forçado, mas brincalhão. Penteado trabalhado com muito cuidado e elegância. Mas o principal nesta imagem é um ligeiro giro da cabeça: isso já é uma violação da frontalidade, da emancipação no movimento, um tímido prenúncio da verdadeira liberdade.

O kouros “Strangford” do final do século VI é magnífico. AC e. (Londres, Museu Britânico). Seu sorriso parece triunfante. Mas não é porque seu corpo é tão esbelto e quase livremente aparece diante de nós em toda a sua beleza corajosa e consciente?

Tivemos mais sorte com os koros do que com os kouros. Em 1886, quatorze núcleos de mármore foram escavados no solo por arqueólogos. Enterrado pelos atenienses durante a destruição de sua cidade pelo exército persa em 480 AC. e., as cascas mantiveram parcialmente sua cor (variegada e de forma alguma naturalista).

No seu conjunto, estas estátuas dão-nos uma ideia clara da escultura grega da segunda metade do século VI. AC e. (Atenas, Museu da Acrópole).

Ou misteriosamente e com alma, então inocentemente e até ingenuamente, então os latidos sorriem obviamente de forma sedutora. Suas figuras são esbeltas e imponentes, seus penteados elaborados são ricos. Vimos que as estátuas kouros contemporâneas estão gradualmente a libertar-se da sua antiga restrição: o corpo nu tornou-se mais vivo e mais harmonioso. Progresso não menos significativo é observado nas esculturas femininas: as dobras das vestes são dispostas cada vez mais habilmente para transmitir o movimento da figura, a emoção da vida do corpo drapeado.

A melhoria persistente do realismo é talvez o que é talvez mais característico do desenvolvimento de toda a arte grega daquela época. A sua profunda unidade espiritual superou os traços estilísticos característicos de várias regiões da Grécia.

A brancura do mármore parece-nos inseparável do próprio ideal de beleza encarnado pelo grego escultura em pedra. O calor do corpo humano brilha para nós através desta brancura, revelando maravilhosamente toda a suavidade da modelagem e, de acordo com a ideia arraigada em nós, harmonizando-se idealmente com a nobre contenção interior, a clareza clássica da imagem beleza humana, criado por um escultor.

Sim, esta brancura é cativante, mas foi gerada pelo tempo, que devolveu a cor natural do mármore. O tempo modificou a aparência das estátuas gregas, mas não as desfigurou. Pois a beleza dessas estátuas parece jorrar de suas almas. O tempo apenas iluminou essa beleza de uma nova maneira, diminuindo algo nela e involuntariamente enfatizando algo. Mas em comparação com as obras de arte que os antigos helenos admiravam, os antigos relevos e estátuas que chegaram até nós ainda estão privados do tempo em algo muito significativo e, portanto, a nossa própria ideia de escultura grega está incompleta.

Como a própria natureza da Hélade, a arte grega era brilhante e colorida. Leve e alegre, brilhava festivamente ao sol nas mais variadas combinações de cores, ecoando o ouro do sol, o roxo do pôr do sol, o azul do mar quente e o verde das colinas circundantes.

Os detalhes arquitetônicos e as decorações escultóricas dos templos foram pintados com cores vivas, o que conferiu a todo o edifício um aspecto elegante e festivo. As cores ricas realçaram o realismo e a expressividade das imagens - embora, como sabemos, as cores não tenham sido selecionadas de acordo com a realidade - atraíram e divertiram o olhar, tornando a imagem ainda mais clara, compreensível e identificável. E quase todas as esculturas antigas que chegaram até nós perderam completamente essa coloração.

Arte grega do final do século VI e início do século V. AC e. permanece essencialmente arcaico. Mesmo o majestoso templo dórico de Poseidon em Paestum, com a sua colunata bem preservada, construída em calcário já no segundo quartel do século V, não apresenta uma emancipação completa das formas arquitetónicas. A solidez e o agachamento, característicos da arquitetura arcaica, determinam sua aparência geral.

O mesmo se aplica à escultura do Templo de Atenas na ilha de Egina, construída depois de 490 aC. e. Os seus famosos frontões foram decorados com esculturas de mármore, algumas das quais chegaram até nós (Munique, Glyptothek).

Nos frontões anteriores, os escultores organizavam as figuras num triângulo, alterando a sua escala em conformidade. As figuras dos frontões de Egina são da mesma escala (só a própria Atenas é mais alta que as outras), o que já marca um progresso significativo: as que estão mais próximas do centro ficam em plena altura, as que estão nas laterais são representadas ajoelhadas e deitadas. Os enredos dessas composições harmoniosas são emprestados da Ilíada. Figuras individuais são lindas, por exemplo, um guerreiro ferido e um arqueiro puxando a corda do arco. O sucesso indubitável foi alcançado nos movimentos de libertação. Mas sente-se que este sucesso foi alcançado com dificuldade, que ainda é apenas um teste. Um sorriso arcaico ainda vagueia estranhamente pelos rostos dos combatentes. Toda a composição ainda não é suficientemente coerente, demasiado enfaticamente simétrica e não é inspirada por uma única respiração livre.

A GRANDE FLOR

Infelizmente, não podemos nos orgulhar de ter conhecimento suficiente da arte grega deste e de seu período subsequente e mais brilhante. Afinal, quase todas as esculturas gregas do século V. BC. AC e. morreu. Assim, com base em cópias posteriores em mármore romano de originais perdidos, principalmente em bronze, muitas vezes somos forçados a julgar o trabalho de grandes gênios, cujos iguais são difíceis de encontrar em toda a história da arte.

Sabemos, por exemplo, que Pitágoras de Régio (480-450 a.C.) foi um famoso escultor. Pela emancipação das suas figuras, que incluíam, por assim dizer, dois movimentos (o inicial e aquele em que parte da figura aparecia num momento), contribuiu poderosamente para o desenvolvimento da arte realista da escultura.

Os contemporâneos admiraram suas descobertas, a vitalidade e a veracidade de suas imagens. Mas, é claro, as poucas cópias romanas de suas obras que chegaram até nós (como “O menino tirando um espinho”. Roma, Palazzo Conservatori) são insuficientes para uma avaliação completa do trabalho deste corajoso inovador.

O agora mundialmente famoso “Cocheiro” é um raro exemplo de escultura em bronze, um fragmento sobrevivente acidental de uma composição de grupo realizada por volta de 450 aC. Um jovem esguio, como uma coluna que assumiu a forma humana (as dobras estritamente verticais do seu manto realçam ainda mais esta semelhança). A retidão da figura é um tanto arcaica, mas sua nobreza geral e calma já expressa o ideal clássico. Este é o vencedor da competição. Ele conduz a carruagem com confiança, e tal é o poder da arte que adivinhamos os gritos entusiasmados da multidão que alegram sua alma. Mas, cheio de coragem e coragem, ele é contido em seu triunfo - seus belos traços são imperturbáveis. Um jovem modesto, embora consciente da sua vitória, iluminado pela glória. Esta imagem é uma das mais cativantes da arte mundial. Mas nem sabemos o nome do seu criador.

...Na década de 70 do século 19, arqueólogos alemães realizaram escavações em Olímpia, no Peloponeso. Antigamente aconteciam ali competições esportivas pan-gregas, os famosos Jogos Olímpicos, segundo os quais os gregos mantinham a cronologia. Os imperadores bizantinos proibiram os jogos e destruíram Olímpia com todos os seus templos, altares, pórticos e estádios.

As escavações foram enormes: durante seis anos consecutivos, centenas de trabalhadores descobriram uma enorme área coberta por sedimentos centenários. Os resultados superaram todas as expectativas: cento e trinta estátuas e baixos-relevos de mármore, treze mil objetos de bronze, seis mil moedas/até mil inscrições, milhares de peças de cerâmica foram escavadas do solo. É gratificante que quase todos os monumentos tenham sido deixados no local e, embora dilapidados, agora ostentam o seu céu habitual, no mesmo terreno onde foram criados.

As métopas e frontões do Templo de Zeus em Olímpia são, sem dúvida, as mais significativas das esculturas sobreviventes do segundo quartel do século V. AC e. Para compreender a enorme mudança que ocorreu na arte neste curto espaço de tempo - apenas cerca de trinta anos, basta comparar, por exemplo, o frontão ocidental do Templo Olímpico e os frontões de Egina, que lhe são bastante semelhantes no geral esquema composicional, que já consideramos. Aqui e ali há uma figura central alta, em cada lado da qual pequenos grupos de lutadores estão uniformemente espaçados.

O enredo do frontão olímpico: a batalha dos lapitas com os centauros. De acordo com a mitologia grega, os centauros (meio-humanos, meio-cavalos) tentaram sequestrar as esposas dos habitantes montanhosos dos Lápitas, mas salvaram suas esposas e destruíram os centauros em uma batalha feroz. Este enredo já foi utilizado mais de uma vez por artistas gregos (em particular, na pintura de vasos) como a personificação do triunfo da cultura (representada pelos lapitas) sobre a barbárie, sobre o mesmo poder sombrio da Besta na imagem de um finalmente derrotou o centauro chutando. Após a vitória sobre os persas, esta batalha mitológica adquiriu um significado especial no frontão olímpico.

Por mais mutiladas que estejam as esculturas de mármore do frontão, este som chega-nos completamente - e é grandioso! Porque, ao contrário dos frontões de Egina, onde as figuras não estão organicamente soldadas, aqui tudo está imbuído de um único ritmo, de uma única respiração. Junto com o estilo arcaico, o sorriso arcaico desapareceu completamente. Apollo reina sobre a batalha acirrada, decidindo seu resultado. Só ele, o deus da luz, está calmo em meio à tempestade que assola as proximidades, onde cada gesto, cada rosto, cada impulso se complementam, formando um todo único, inextricável, belo em sua harmonia e cheio de dinamismo.

As figuras majestosas do frontão oriental e as métopas do Templo Olímpico de Zeus também são equilibradas internamente. Não sabemos exactamente os nomes dos escultores (aparentemente foram vários) que criaram estas esculturas, nas quais o espírito de liberdade celebra o seu triunfo sobre o arcaico.

O ideal clássico é afirmado vitoriosamente na escultura. O bronze passa a ser o material preferido do escultor, porque o metal é mais suave que a pedra e é mais fácil dar a uma figura qualquer posição, mesmo a mais ousada, instantânea, por vezes até “imaginária”. E isso não viola de forma alguma o realismo. Afinal, como sabemos, o princípio da arte clássica grega é a reprodução da natureza, corrigida e complementada criativamente pelo artista, revelando nela um pouco mais do que o que o olho vê. Afinal, Pitágoras de Régio não pecou contra o realismo, captando dois movimentos diferentes numa única imagem!..

O grande escultor Myron, que trabalhou em meados do século V. BC. AC. em Atenas, criou uma estátua que teve grande influência no desenvolvimento das artes plásticas. Este é o seu “Discobolus” em bronze, que conhecemos através de várias cópias romanas em mármore, tão danificadas que apenas a sua totalidade

nos permitiu recriar de alguma forma a imagem perdida.

O lançador de disco (também conhecido como lançador de disco) é capturado no momento em que, jogando para trás a mão com um disco pesado, está pronto para lançá-lo para longe. Este é o momento culminante, prenuncia visivelmente o próximo, quando o disco dispara para o ar e a figura do atleta se endireita num solavanco: um intervalo instantâneo entre dois movimentos poderosos, como se ligasse o presente ao passado e ao futuro. Os músculos do lançador de disco estão extremamente tensos, seu corpo é curvado e, ainda assim, seu rosto jovem está completamente calmo. Criatividade maravilhosa! Uma expressão facial tensa provavelmente seria mais verossímil, mas a nobreza da imagem reside neste contraste entre impulso físico e paz mental.

“Assim como as profundezas do mar permanecem sempre calmas, por mais que o mar se revolte na superfície, da mesma forma as imagens criadas pelos gregos revelam uma alma grande e forte em meio a todas as perturbações da paixão.” Foi o que escreveu há dois séculos o famoso historiador de arte alemão Winckelmann, o verdadeiro fundador da investigação científica sobre o património artístico do mundo antigo. E isso não contradiz o que dissemos sobre os heróis feridos de Homero, que encheram o ar com as suas lamentações. Lembremos os julgamentos de Lessing sobre os limites das belas-artes na poesia, suas palavras de que “o artista grego não retratava nada além da beleza”. Este foi, obviamente, o caso durante a era de grande prosperidade.

Mas o que é belo na descrição pode parecer feio na imagem (os mais velhos olhando para Helen!). E por isso, observa ele também, o artista grego reduziu a raiva à severidade: para o poeta, o furioso Zeus lança raios, para o artista ele é apenas rigoroso.

A tensão distorceria as feições do lançador de disco, perturbaria a beleza brilhante da imagem ideal de um atleta confiante em sua força, um cidadão corajoso e fisicamente perfeito de sua polis, como Myron o apresentou em sua estátua.

Na arte de Myron, a escultura dominava o movimento, por mais complexo que fosse.

A arte de outro grande escultor - Policleto - estabelece o equilíbrio da figura humana em repouso ou em passo lento com ênfase em uma perna e um braço correspondentemente levantado. Um exemplo de tal figura é o seu famoso

“Doriphoros” - um jovem lanceiro (cópia romana em mármore de um original em bronze. Nápoles, Museu Nacional). Nesta imagem há uma combinação harmoniosa de beleza física ideal e espiritualidade: o jovem atleta, também, é claro, personificando um cidadão maravilhoso e valente, parece-nos profundamente imerso em seus pensamentos - e toda a sua figura está repleta de nobreza clássica puramente helênica .

Esta não é apenas uma estátua, mas um cânone no sentido estrito da palavra.

Polykleitos se propôs a determinar com precisão as proporções da figura humana, consistentes com sua ideia de beleza ideal. Aqui estão alguns resultados de seus cálculos: cabeça - 1/7 da altura total, rosto e mão - 1/10, pé - 1/6 Porém, para seus contemporâneos suas figuras pareciam “quadradas”, muito grandes. A mesma impressão, apesar de toda a sua beleza, nos causa o seu “Doriphoros”.

Policleto expôs seus pensamentos e conclusões em um tratado teórico (que não chegou até nós), ao qual deu o nome de “Cânon”; o mesmo nome foi dado na antiguidade ao próprio “Doriphoros”, esculpido em estrita conformidade com o tratado.

Polykleitos criou relativamente poucas esculturas, completamente absorto em seus trabalhos teóricos. E enquanto estudava as “regras” que determinam a beleza humana, seu contemporâneo mais jovem, Hipócrates, o maior médico da antiguidade, dedicou toda a sua vida ao estudo da natureza física do homem.

Revelar plenamente todas as possibilidades do homem - tal era o objetivo da arte, da poesia, da filosofia e da ciência desta grande época. Nunca antes na história da raça humana a consciência penetrou tão profundamente na alma que o homem é a coroa da natureza. Já sabemos que o contemporâneo de Policleto e de Hipócrates, o grande Sófocles, proclamou solenemente esta verdade na sua tragédia Antígona.

O homem coroa a natureza - é o que afirmam os monumentos da arte grega do apogeu, retratando o homem em todo o seu valor e beleza.

Voltaire chamou a era de maior florescimento cultural de Atenas de "era de Péricles". O conceito de “século” aqui não deve ser entendido literalmente, porque estamos falando de apenas algumas décadas. Mas em termos do seu significado, este curto período da história merece tal definição.

A maior glória de Atenas, o brilho radiante desta cidade na cultura mundial está inextricavelmente ligado ao nome de Péricles. Cuidou da decoração de Atenas, patrocinou todas as artes, atraiu os melhores artistas para Atenas e foi amigo e patrono de Fídias, cujo gênio provavelmente marca o mais alto nível em todo o patrimônio artístico do mundo antigo.

Em primeiro lugar, Péricles decidiu restaurar a Acrópole ateniense, destruída pelos persas, ou melhor, sobre as ruínas da antiga Acrópole, ainda arcaica, para criar uma nova, expressando o ideal artístico do helenismo completamente libertado.

A Acrópole era na Hélade o que o Kremlin era na Rússia Antiga: uma fortaleza urbana que continha templos e outras instituições públicas dentro das suas muralhas e servia de refúgio para a população circundante durante a guerra.

A famosa Acrópole é a Acrópole de Atenas com seus templos o Partenon e o Erecteion e os edifícios dos Propileus, os maiores monumentos da arquitetura grega. Mesmo em seu estado dilapidado, eles ainda deixam uma impressão indelével.

É assim que o famoso arquiteto russo A.K. Burov: “Subi a abordagem em zigue-zague... atravessei o pórtico - e parei. Diretamente à frente e ligeiramente à direita, em uma rocha ascendente de mármore azul coberta de rachaduras - a plataforma da Acrópole, o Partenon cresceu e flutuou em minha direção, como se saísse de ondas ferventes. Não me lembro quanto tempo fiquei imóvel... O Partenon, embora permanecesse inalterado, mudava constantemente... Aproximei-me, contornei-o e entrei. Fiquei perto dele, nele e com ele o dia todo. O sol estava se pondo no mar. As sombras estavam completamente horizontais, paralelas às costuras das paredes de mármore do Erecteion.

Sombras verdes engrossavam sob o pórtico do Partenon. O brilho avermelhado escorregou pela última vez e se apagou. O Partenon está morto. Junto com Febo. Até o dia seguinte."

Sabemos quem destruiu a antiga Acrópole. Sabemos quem explodiu e quem destruiu o novo, erguido pela vontade de Péricles.

É assustador dizer que estes novos atos bárbaros, que agravaram o trabalho destrutivo do tempo, não foram cometidos na antiguidade e nem mesmo por fanatismo religioso, como, por exemplo, a derrota selvagem de Olímpia.

Em 1687, durante a guerra entre Veneza e a Turquia, que então governava a Grécia, uma bala de canhão veneziana que voou sobre a Acrópole explodiu um paiol de pólvora construído pelos turcos no... Partenon. A explosão causou uma destruição terrível.

É bom que treze anos antes deste desastre, um certo artista que acompanhou o embaixador francês em visita a Atenas tenha conseguido esboçar a parte central do frontão ocidental do Partenon.

A bomba veneziana atingiu o Partenon, talvez por acidente. Mas um ataque completamente sistemático à Acrópole ateniense foi organizado no início do século XIX.

Esta operação foi realizada pelo “mais esclarecido” conhecedor de arte, Lord Elgin, um general e diplomata que serviu como enviado inglês em Constantinopla. Ele subornou as autoridades turcas e, aproveitando a sua conivência em solo grego, não hesitou em danificar ou mesmo destruir monumentos arquitetónicos famosos, apenas para tomar posse de decorações escultóricas especialmente valiosas. Ele causou danos irreparáveis ​​​​à Acrópole: removeu quase todas as esculturas de frontão sobreviventes do Partenon e quebrou parte do famoso friso de suas paredes. Ao mesmo tempo, o frontão desabou e quebrou. Temendo a indignação popular, Lord Elgin levou todo o seu butim para a Inglaterra à noite. Muitos ingleses (em particular, Byron no seu famoso poema “Childe Harold”) condenaram-no duramente pelo tratamento bárbaro de grandes monumentos de arte e pelos métodos impróprios de aquisição de valores artísticos. No entanto, o governo inglês adquiriu uma coleção única do seu representante diplomático - e as esculturas do Partenon são hoje o principal orgulho do Museu Britânico em Londres.

Tendo roubado o maior monumento da arte, Lord Elgin enriqueceu o vocabulário artístico com um novo termo: tal vandalismo é às vezes chamado de “Elginismo”.

O que é que tanto nos choca no panorama grandioso das colunatas de mármore com frisos e frontões quebrados, elevando-se sobre o mar e sobre as casas baixas de Atenas, nas estátuas mutiladas que ainda ostentam na íngreme falésia da Acrópole ou são exibidas em uma terra estrangeira como um valor museológico raro?

O filósofo grego Heráclito, que viveu às vésperas da maior prosperidade da Hélade, possui o seguinte famoso ditado: “Este cosmos, o mesmo para tudo o que existe, não foi criado por nenhum deus ou homem, mas sempre foi, é e será um fogo eternamente vivo, acendendo em medidas, extinguindo medidas.” E ele é

Ele disse que “o que diverge concorda por si mesmo”, que a mais bela harmonia nasce dos opostos e que “tudo acontece através da luta”.

A arte clássica da Hélade reflete com precisão essas ideias.

Não é no jogo de forças opostas que surge a harmonia global da ordem dórica (a relação entre coluna e entablamento), assim como a estátua de Dóríforo (as verticais das pernas e quadris em comparação com as horizontais dos ombros e os músculos do abdômen e do tórax)?

A consciência da unidade do mundo em todas as suas metamorfoses, a consciência da sua eterna regularidade inspirou os construtores da Acrópole, que desejaram estabelecer a harmonia deste mundo nunca criado e sempre jovem na criatividade artística, dando um único e completo impressão de beleza.

A Acrópole ateniense é um monumento que proclama a fé do homem na possibilidade de uma harmonia tão reconciliadora, não num mundo imaginário, mas num mundo muito real, a fé no triunfo da beleza, na vocação do homem para criá-la e servi-la em o nome do bem. E por isso este monumento é sempre jovem, como o mundo, sempre nos emociona e atrai. Na sua beleza imorredoura há tanto consolo na dúvida quanto um chamado brilhante: evidência de que a beleza brilha visivelmente sobre os destinos da raça humana.

A Acrópole é uma personificação radiante da vontade humana criativa e da mente humana, estabelecendo uma ordem harmoniosa no caos da natureza. E, portanto, a imagem da Acrópole reina em nosso imaginário sobre toda a natureza, assim como reina sob o céu da Hélade, sobre um bloco disforme de rocha.

...A riqueza de Atenas e a sua posição dominante proporcionaram a Péricles amplas oportunidades na construção que planeou. Para decorar a famosa cidade, ele retirou fundos a seu critério dos tesouros do templo e até mesmo do tesouro geral dos estados da união marítima.

Montanhas de mármore branco como a neve, extraídas muito próximas, foram entregues a Atenas. Os melhores arquitetos, escultores e pintores gregos consideraram uma honra trabalhar para a glória da capital geralmente reconhecida da arte helênica.

Sabemos que vários arquitetos participaram da construção da Acrópole. Mas, segundo Plutarco, Fídias estava encarregado de tudo. E sentimos em todo o complexo a unidade do design e um único princípio orientador, que deixou a sua marca até nos detalhes dos monumentos mais importantes.

Este conceito geral é característico de toda a cosmovisão grega, dos princípios básicos da estética grega.

A colina sobre a qual foram erguidos os monumentos da Acrópole não tem nem contorno e seu nível não é o mesmo. Os construtores não entraram em conflito com a natureza, mas, tendo aceitado a natureza como ela era, quiseram enobrecê-la e decorá-la com a sua arte, de forma a criar um conjunto artístico igualmente luminoso sob um céu luminoso, claramente delineado contra o pano de fundo de as montanhas circundantes. Um conjunto mais perfeito em sua harmonia que a natureza! Em uma colina acidentada, a integridade desse conjunto é percebida gradativamente. Cada monumento vive nele sua própria vida, é profundamente individual, e sua beleza novamente se revela aos olhos em partes, sem violar a unidade da impressão. Subindo a Acrópole, ainda hoje, apesar de toda a destruição, percebemos claramente a sua divisão em secções precisamente demarcadas; Você examina cada monumento, caminhando por todos os lados, a cada passo, a cada curva, descobrindo nele alguma característica nova, uma nova personificação de sua harmonia geral. Separação e comunidade; a individualidade mais brilhante do particular, incorporando-se suavemente na harmonia unificada do todo. E o facto de a composição do conjunto, obedecendo à natureza, não se basear na simetria, realça ainda mais a sua liberdade interna com equilíbrio impecável das suas partes componentes.

Assim, Fídias se encarregou de tudo no planejamento desse conjunto, que, talvez, não tivesse igual significado artístico no mundo inteiro. O que sabemos sobre Fídias?

Ateniense nativo, Fídias provavelmente nasceu por volta de 500 aC. e morreu depois de 430. O maior escultor, sem dúvida o maior arquiteto, já que toda a Acrópole pode ser reverenciada como sua criação, também trabalhou como pintor.

Criador de enormes esculturas, aparentemente também teve sucesso nas artes plásticas de pequenas formas, como outros artistas famosos da Hélade, não hesitando em se expressar nas mais diversas formas de arte, mesmo aquelas reverenciadas pelos menores: por exemplo, sabemos que ele cunhou estatuetas de peixes, abelhas e cigarras

Grande artista, Fídias foi também um grande pensador, um verdadeiro expoente na arte do gênio filosófico grego, dos impulsos mais elevados do espírito grego. Autores antigos testemunham que em suas imagens ele foi capaz de transmitir uma grandeza sobre-humana.

Essa imagem sobre-humana era, aparentemente, sua estátua de Zeus de treze metros, criada para o templo de Olímpia. Ela morreu lá junto com muitos outros monumentos preciosos. Esta estátua de marfim e ouro foi considerada uma das “sete maravilhas do mundo”. Há informações, aparentemente provenientes do próprio Fídias, de que a grandeza e a beleza da imagem de Zeus lhe foram reveladas nos seguintes versos da Ilíada:

Rios, e como sinal do Zeus negro

mexe as sobrancelhas:

Cabelo rapidamente perfumado

subiu de Kronid

Ao redor da cabeça imortal, e balançou

O Olimpo é multi-montanhoso.

...Como muitos outros gênios, Fídias não escapou da inveja maliciosa e da calúnia durante sua vida. Ele foi acusado de se apropriar de parte do ouro destinado a decorar a estátua de Atena na Acrópole - foi assim que os adversários do partido democrático procuraram desacreditar seu chefe, Péricles, que confiou a Fídias a reconstrução da Acrópole. Fídias foi expulso de Atenas, mas sua inocência logo foi provada. No entanto - como disseram então - depois dele... a própria deusa do mundo Irina “deixou” Atenas. EM comédia famosa“O Mundo” do grande Aristófanes contemporâneo de Fídias diz nesta ocasião que, obviamente, a deusa da paz está próxima de Fídias e “é, portanto, tão bela porque é parente dele”.

...Atenas, em homenagem à filha de Zeus Atena, era o principal centro do culto desta deusa. A Acrópole foi erguida em sua glória.

Segundo a mitologia grega, Atenas emergiu totalmente armada da cabeça do pai dos deuses. Esta era a filha amada de Zeus, a quem ele não podia recusar nada.

Deusa eternamente virgem do céu puro e radiante. Juntamente com Zeus ele envia trovões e relâmpagos, mas também calor e luz. Deusa guerreira, repelindo os golpes dos inimigos. Padroeira da agricultura, das assembleias públicas e da cidadania. A personificação da razão pura, da sabedoria mais elevada; deusa do pensamento, da ciência e da arte. Olhos claros, rosto redondo e oval aberto, tipicamente ático.

Subindo a colina da Acrópole, o antigo heleno entrou no reino desta deusa multifacetada, imortalizada por Fídias.

Aluno dos escultores Hégias e Ageladas, Fídias dominou plenamente as conquistas técnicas de seus antecessores e foi ainda mais longe que eles. Mas embora a habilidade do escultor Fídias marque a superação de todas as dificuldades que surgiram diante dele na representação realista de uma pessoa, ela não se limita à perfeição técnica. A capacidade de transmitir o volume e a libertação das figuras e o seu agrupamento harmonioso não dão origem, por si só, a um verdadeiro bater de asas na arte.

Aquele que “sem o frenesi enviado pelas Musas se aproxima do limiar da criatividade, na confiança de que, só graças à destreza, se tornará um belo poeta, ele é fraco”, e tudo o que ele criou “será eclipsado pelo criações dos frenéticos.” Isto é o que disse um dos maiores filósofos do mundo antigo, Platão.

...Acima da encosta íngreme da colina sagrada, o arquitecto Mnesicles ergueu os famosos edifícios de mármore branco dos Propileus com pórticos dóricos localizados em diferentes níveis, ligados por uma colunata jónica interna. Surpreendente a imaginação, a majestosa harmonia dos Propylaea - a entrada cerimonial da Acrópole, apresentou imediatamente o visitante ao radiante mundo da beleza, afirmado pelo gênio humano.

Do outro lado do Propileu cresceu uma gigantesca estátua de bronze de Atena Promachos, que significa Atena, a Guerreira, esculpida por Fídias. A destemida filha do Trovão personificou aqui, na Praça da Acrópole, o poder militar e a glória de sua cidade. Desta praça, vastas distâncias se abriam aos olhos, e os marinheiros que contornavam o extremo sul da Ática viram claramente o alto capacete e a lança da deusa guerreira brilhando ao sol.

Agora a praça está vazia, porque tudo o que resta da estátua, que nos tempos antigos causava um deleite indescritível, é um vestígio do pedestal. E à direita, atrás da praça, está o Partenon, a criação mais perfeita de toda a arquitetura grega, ou melhor, o que foi preservado do grande templo, à sombra do qual existiu outra estátua de Atenas, também esculpida por Fídias, mas não um guerreiro, mas Atena, a Virgem: Atena Partenos.

Tal como Zeus do Olimpo, era uma estátua criso-elefantina: feita de ouro (em grego - “chrysos”) e marfim (em grego - “elephas”), encaixando-se numa moldura de madeira. No total, foram produzidos cerca de mil e duzentos quilos de metais preciosos.

Sob o brilho quente de armaduras e mantos dourados, o marfim no rosto, pescoço e mãos da deusa calmamente majestosa com uma Nike (Vitória) alada de tamanho humano na palma estendida se iluminou.

Evidências de autores antigos, um exemplar menor (Atenas Varvakion, Atenas, Museu Arqueológico Nacional) e moedas e medalhões com a imagem de Atena Fídias dão-nos uma ideia desta obra-prima.

O olhar da deusa era calmo e claro, e suas feições eram iluminadas por uma luz interior. A sua imagem pura não expressava uma ameaça, mas uma alegre consciência de vitória, que trouxe prosperidade e paz ao povo.

A técnica criso-elefantina foi considerada o auge da arte. Colocar placas de ouro e marfim em madeira exigia o melhor artesanato. A grande arte do escultor foi combinada com a arte meticulosa do joalheiro. E como resultado - que brilho, que esplendor no crepúsculo da cela, onde a imagem da divindade reinava como a mais elevada criação das mãos humanas!

O Partenon foi construído (447-432 aC) pelos arquitetos Ictinus e Callicrates sob a direção geral de Fídias. De acordo com Péricles, desejava encarnar a ideia de uma democracia triunfante neste maior monumento da Acrópole. Pois a deusa que ele glorificou, guerreira e donzela, foi reverenciada pelos atenienses como a primeira cidadã de sua cidade; de acordo com lendas antigas, eles próprios escolheram esta deusa celestial como padroeira do estado ateniense.

Pináculo da arquitetura antiga, o Partenon já era reconhecido na antiguidade como o monumento mais notável do estilo dórico. Este estilo é extremamente melhorado no Partenon, onde não há mais vestígios da robustez e solidez dórica tão características de muitos dos primeiros templos dóricos. Suas colunas (oito nas fachadas e dezessete nas laterais), mais leves e mais finas em proporção, são levemente inclinadas para dentro com ligeira curvatura convexa das horizontais da base e do teto. Estes subtis desvios do cânone são de importância decisiva. Sem alterar suas leis básicas, a ordem dórica aqui parece absorver a graça relaxada da jônica, que cria, no geral, um acorde arquitetônico poderoso e cheio de voz, com a mesma clareza e pureza impecáveis ​​​​da imagem virgem de Atena Partenos. E esse acorde adquiriu ressonância ainda maior graças às cores vivas das decorações em relevo das métopas, que se destacavam harmoniosamente contra o fundo vermelho e azul.

Quatro colunas jônicas (que não chegaram até nós) erguiam-se no interior do templo, e em sua parede externa havia um friso jônico contínuo. Assim, por trás da grandiosa colunata do templo com suas poderosas métopas dóricas, o núcleo jônico oculto foi revelado ao visitante. Uma combinação harmoniosa de dois estilos, que se complementam, conseguida pela sua combinação num só monumento e, o que é ainda mais notável, pela sua fusão orgânica num mesmo motivo arquitectónico.

Tudo sugere que as esculturas dos frontões do Partenon e seu friso em relevo foram executadas, se não inteiramente pelo próprio Fídias, pelo menos sob a influência direta de seu gênio e de acordo com sua vontade criativa.

Os restos destes frontões e frisos são talvez os mais valiosos, os maiores que sobreviveram até hoje de todas as esculturas gregas. Já dissemos que agora a maioria dessas obras-primas adorna, infelizmente, não o Partenon, do qual eram parte integrante, mas o Museu Britânico de Londres.

As esculturas do Partenon são um verdadeiro depósito de beleza, a personificação das mais elevadas aspirações do espírito humano. O conceito da natureza ideológica da arte encontra neles talvez a sua expressão mais marcante. Pois a grande ideia inspira cada imagem aqui, vive nela, determinando toda a sua existência.

Os escultores dos frontões do Partenon glorificaram Atenas, afirmando sua posição elevada na multidão de outros deuses.

E aqui estão os números sobreviventes. Esta é uma escultura redonda. No contexto da arquitetura, em perfeita harmonia com ela, destacavam-se as estátuas de mármore dos deuses em todo o seu volume, comedidamente, sem qualquer esforço, colocadas no triângulo do frontão.

Um jovem reclinado, um herói ou deus (talvez Dionísio), com o rosto espancado, mãos e pés quebrados. Com que liberdade, com que naturalidade se instalou no troço do frontão que lhe foi atribuído pelo escultor. Sim, esta é a libertação completa, um triunfo vitorioso da energia da qual nasce a vida e a pessoa cresce. Acreditamos no seu poder, na liberdade que conquistou. E ficamos encantados com a harmonia das linhas e dos volumes da sua figura nua, alegremente imbuída da profunda humanidade da sua imagem, qualitativamente levada à perfeição, que de facto nos parece sobre-humana.

Três deusas sem cabeça. Dois estão sentados e o terceiro está esticado, apoiado nos joelhos do vizinho. As dobras das roupas revelam com precisão a harmonia e a esbeltez da figura. Nota-se que na grande escultura grega do século V. BC. AC e. a cortina torna-se um “eco do corpo”. Poderíamos dizer: “um eco da alma”. Com efeito, na combinação das dobras, aqui respira a beleza física, revelando-se generosamente na névoa ondulada da vestimenta, como encarnação da beleza espiritual.

Pode ser venerado o friso jónico do Partenon, com cento e cinquenta e nove metros de comprimento, no qual estavam representadas em baixo relevo mais de trezentas e cinquenta figuras humanas e cerca de duzentos e cinquenta animais (cavalos, touros de sacrifício e ovelhas). como um dos mais notáveis ​​​​monumentos de arte criados no século pelo gênio iluminado Fídias.

Tema do friso: procissão panatenaica. A cada quatro anos, as meninas atenienses presenteavam solenemente os sacerdotes do templo com um peplos (manto) que haviam bordado para Atenas. Todo o povo participou desta cerimônia. Mas o escultor não retratou apenas os cidadãos de Atenas: Zeus, Atenas e outros deuses os aceitam como iguais. Parece que não existe uma linha divisória entre deuses e pessoas: ambos são igualmente belos. Esta identidade foi, por assim dizer, proclamada pelo escultor nas paredes do santuário.

Não é de surpreender que o próprio criador de todo esse esplendor do mármore se sentisse igual aos habitantes celestiais que retratou. Na cena da batalha, no escudo de Atena Partenos, Fídias cunhou sua própria imagem na forma de um velho levantando uma pedra com as duas mãos. Tal audácia sem precedentes colocou novas armas nas mãos de seus inimigos, que acusaram o grande artista e pensador de ateísmo.

Os fragmentos do friso do Partenon são o patrimônio mais precioso da cultura helênica. Eles reproduzem em nosso imaginário toda a procissão ritual panatenaica, que em sua infinita diversidade é percebida como uma procissão solene da própria humanidade.

Os naufrágios mais famosos: “Riders” (Londres, Museu Britânico) e “Girls and Elders” (Paris, Louvre).

Cavalos com focinhos virados para cima (são retratados com tanta veracidade que parece que podemos ouvir seus relinchos altos). Os jovens sentam-se sobre eles com as pernas retas e estendidas, formando uma única linha, às vezes reta, às vezes lindamente curvada, junto com sua figura. E esta alternância de diagonais, movimentos semelhantes mas não repetidos, belas cabeças, focinhos de cavalo, patas humanas e de cavalo direcionadas para a frente, cria um certo ritmo unificado que cativa o espectador, em que um impulso constante para a frente se combina com uma regularidade absoluta.

Meninas e idosos são figuras retas de impressionante harmonia, frente a frente. Nas meninas, uma perna ligeiramente saliente indica movimento para frente. É impossível imaginar composições mais claras e concisas de figuras humanas. As dobras suaves e cuidadosamente trabalhadas das vestimentas, como as flautas das colunas dóricas, conferem às jovens atenienses uma majestade natural. Acreditamos que estes são os representantes mais dignos da raça humana.

A expulsão de Atenas e depois a morte de Fídias não diminuíram o brilho do seu génio. Aqueceu toda a arte grega do último terço do século V. AC. O Grande Policleto e outro famoso escultor, Cresilau (autor do retrato heróico de Péricles, uma das primeiras esculturas de retratos gregos) foram influenciados por ele. Todo um período de cerâmica ática leva o nome de Fídias. Na Sicília (em Siracusa) são cunhadas moedas maravilhosas, nas quais reconhecemos claramente um eco da perfeição plástica das esculturas do Partenon. E na nossa região norte do Mar Negro, foram encontradas obras de arte que reflectem talvez mais claramente o impacto desta perfeição.

...À esquerda do Partenon, do outro lado da colina sagrada, ergue-se o Erecteion. Este templo, dedicado a Atenas e Poseidon, foi construído depois que Fídias deixou Atenas. Uma obra-prima muito elegante do estilo jônico. Seis esbeltas meninas de mármore em peplos - as famosas cariátides - servem como colunas em seu pórtico sul. O capitel apoiado sobre suas cabeças lembra o cesto em que as sacerdotisas carregavam objetos sagrados de culto.

O tempo e as pessoas não pouparam este pequeno templo, repositório de muitos tesouros, que na Idade Média foi transformado em igreja cristã e, sob os turcos, em harém.

Antes de nos despedirmos da Acrópole, vejamos o relevo da balaustrada do templo de Nike Apteros, ou seja, Vitória sem asas (sem asas para nunca voar para longe de Atenas), pouco antes dos Propileus (Atenas, Museu da Acrópole). Executado nas últimas décadas do século V, este baixo-relevo marca já a transição da arte corajosa e imponente de Fídias para uma arte mais lírica, apelando a uma fruição serena da beleza. Uma das Vitórias (há várias na balaustrada) desata a sandália. Seu gesto e a perna levantada agitam seu manto, que parece úmido, tão suavemente que envolve toda a sua figura. Podemos dizer que as dobras da cortina, ora se espalhando em largos riachos, ora se sobrepondo, dão origem no claro-escuro cintilante do mármore a um poema cativante de beleza feminina.

Cada ascensão genuína do gênio humano é única em sua essência. Obras-primas podem ser equivalentes, mas não idênticas. Nunca haverá outra Nika como ela na arte grega. Infelizmente, sua cabeça está perdida, seus braços estão quebrados. E, olhando para esta imagem ferida, torna-se assustador pensar quantas belezas únicas, desprotegidas ou deliberadamente destruídas, pereceram por nós de forma irrevogável.

CLÁSSICO TARDE

A nova era na história política da Hélade não foi brilhante nem criativa. Se século V. AC. foi marcado pelo apogeu das cidades-estado gregas, então no século IV. A sua decomposição gradual ocorreu juntamente com o declínio da própria ideia de um Estado democrático grego.

Em 386, a Pérsia, completamente derrotada pelos gregos sob a liderança de Atenas no século anterior, aproveitou a guerra destruidora que enfraqueceu as cidades-estado gregas para lhes impor a paz, segundo a qual todas as cidades do A costa da Ásia Menor ficou sob o controle do rei persa. O poder persa tornou-se o principal árbitro do mundo grego; não permitiu uma unificação nacional dos gregos.

As guerras destruidoras mostraram que os estados gregos não foram capazes de se unir por conta própria.

Entretanto, a unificação era uma necessidade económica para o povo grego. A potência vizinha dos Balcãs, a Macedónia, já então fortalecida, cujo rei Filipe II derrotou os gregos em Queronéia em 338, foi capaz de completar esta tarefa histórica. Esta batalha decidiu o destino da Hélade: ela se viu unida, mas sob domínio estrangeiro. E o filho de Filipe II, o grande comandante Alexandre, o Grande, liderou os gregos em uma campanha vitoriosa contra seus inimigos ancestrais - os persas.

Este foi o último período clássico da cultura grega. No final do século IV. AC. O mundo antigo entrará em uma era que não será mais chamada de helênica, mas helenística.

Na arte dos clássicos tardios reconhecemos claramente as novas tendências. Durante a era de grande prosperidade, a imagem humana ideal foi incorporada no valente e belo cidadão da cidade-estado.

O colapso da polis abalou esta ideia. A confiança orgulhosa no poder conquistador do homem não desaparece completamente, mas às vezes parece ser obscurecida. Surgem pensamentos que dão origem à ansiedade ou à tendência de aproveitar a vida com serenidade. O interesse pelo mundo individual do homem está crescendo; em última análise, marca um afastamento das poderosas generalizações de épocas anteriores.

A grandeza da visão de mundo, incorporada nas esculturas da Acrópole, diminui gradativamente, mas a percepção geral da vida e da beleza é enriquecida. A nobreza calma e majestosa dos deuses e heróis, como Fídias os retratou, dá lugar à identificação na arte de experiências, paixões e impulsos complexos.

Grego do século V AC. valorizava a força como base de um começo saudável e corajoso, de uma vontade forte e de uma energia vital - e por isso a estátua de um atleta, vencedor de competições, personificava para ele a afirmação do poder e da beleza humana. Artistas do século 4 AC. atraída pela primeira vez pelo encanto da infância, pela sabedoria da velhice, pelo encanto eterno da feminilidade.

A grande mestria alcançada pela arte grega no século V continua viva no século IV. AC, para que os monumentos artísticos mais inspirados dos clássicos tardios sejam marcados com o mesmo selo da mais alta perfeição.

O século IV reflete novas tendências na sua construção. A arquitetura clássica tardia grega é marcada por um certo desejo de pompa, até mesmo de grandiosidade, e de leveza e graça decorativa. A tradição artística puramente grega está entrelaçada com influências orientais vindas da Ásia Menor, onde as cidades gregas estavam sujeitas ao domínio persa. Junto com as principais ordens arquitetônicas - dórica e jônica, a terceira - a coríntia, que surgiu posteriormente, é cada vez mais utilizada.

A coluna coríntia é a mais magnífica e decorativa. A tendência realista nele supera o esquema geométrico abstrato original do capitel, vestido na ordem coríntia com o manto florido da natureza - duas fileiras de folhas de acanto.

O isolamento das políticas foi abolido. Para o mundo antigo, estava nascendo uma era de despotismos escravistas poderosos, embora frágeis. A arquitetura recebeu tarefas diferentes das da era de Péricles.

Um dos monumentos mais grandiosos da arquitetura grega dos clássicos tardios foi o túmulo que não chegou até nós na cidade de Halicarnasso (na Ásia Menor) do governante da província persa de Carius Mausolo, de onde vem a palavra “mausoléu”. .

O mausoléu de Halicarnasso combinou todas as três ordens. Consistia em dois níveis. O primeiro abrigava uma câmara mortuária, o segundo um templo mortuário. Acima das camadas havia uma alta pirâmide encimada por uma carruagem de quatro cavalos (quadriga). A harmonia linear da arquitetura grega foi revelada neste monumento de enormes dimensões (aparentemente atingia quarenta a cinquenta metros de altura), cuja solenidade lembrava as estruturas funerárias dos antigos governantes orientais. O mausoléu foi construído pelos arquitectos Sátiro e Pítias, e a sua decoração escultórica foi confiada a vários mestres, incluindo Skopas, que provavelmente desempenhou um papel de destaque entre eles.

Escopas, Praxíteles e Lísippo são os maiores escultores gregos dos clássicos tardios. Em termos da influência que tiveram em todo o desenvolvimento subsequente da arte antiga, a obra destes três gênios pode ser comparada às esculturas do Partenon. Cada um deles expressou sua brilhante visão de mundo individual, seu ideal de beleza, sua compreensão da perfeição, que através do pessoal, revelado apenas por eles, atinge picos eternos - universais. Além disso, mais uma vez, na obra de cada um, esta coisa pessoal está em sintonia com a época, encarnando aqueles sentimentos, aqueles desejos dos seus contemporâneos, que mais correspondiam aos seus.

A arte de Skopas respira paixão e impulso, ansiedade, luta contra algumas forças hostis, dúvidas profundas e experiências dolorosas. Tudo isso era obviamente característico de sua natureza e, ao mesmo tempo, expressava claramente certos estados de espírito de sua época. Por temperamento, Skopas é próximo de Eurípides, assim como eles são próximos na percepção dos tristes destinos da Hélade.

...Nativo da ilha rica em mármore de Paros, Skopas (c. 420 - c. 355 aC) trabalhou na Ática, nas cidades do Peloponeso e na Ásia Menor. A sua criatividade, extremamente extensa tanto em número de obras como em temática, pereceu quase sem deixar vestígios.

Da decoração escultórica do templo de Atena em Tegea, criada por ele ou sob sua supervisão direta (Skopas, famoso não só como escultor, mas também como arquiteto, foi também o construtor deste templo), apenas alguns fragmentos permaneceram . Mas basta olhar para a cabeça mutilada de um guerreiro ferido (Atenas, Museu Arqueológico Nacional) para sentir o grande poder do seu génio. Para esta cabeça de sobrancelhas arqueadas, olhos voltados para cima e boca ligeiramente aberta, uma cabeça em que tudo - tanto o sofrimento como a dor - parece expressar a tragédia não só da Grécia do século IV. BC, dilacerado por contradições e pisoteado por invasores estrangeiros, mas também a tragédia primordial de toda a raça humana na sua luta constante, onde a vitória ainda segue a morte. Assim, parece-nos que pouco resta da brilhante alegria da existência que outrora iluminou a consciência do heleno.

Fragmentos do friso do túmulo de Mausolus, representando a batalha dos gregos com as amazonas (Londres, Museu Britânico) ... Este é sem dúvida obra de Skopas ou de sua oficina. A genialidade do grande escultor respira nestas ruínas.

Vamos compará-los com fragmentos do friso do Partenon. Tanto lá como aqui há liberdade de movimento. Mas ali a emancipação resulta em uma regularidade majestosa, e aqui - em uma verdadeira tempestade: os ângulos das figuras, a expressividade dos gestos, as roupas esvoaçantes criam um dinamismo selvagem sem precedentes na arte antiga. Lá a composição é construída na coordenação gradual das partes, aqui nos contrastes mais nítidos.

E, no entanto, o gênio de Fídias e o gênio de Escópas estão relacionados em algo muito significativo, quase o principal. As composições de ambos os frisos são igualmente harmoniosas, harmoniosas e as suas imagens são igualmente específicas. Não foi à toa que Heráclito disse que a mais bela harmonia nasce dos contrastes. Scopas cria uma composição cuja unidade e clareza são tão impecáveis ​​quanto a de Fídias. Além disso, nem uma única figura se dissolve nele ou perde seu significado plástico independente.

Isso é tudo o que resta do próprio Skopas ou de seus alunos. Outras coisas relacionadas ao seu trabalho são cópias romanas posteriores. No entanto, um deles nos dá provavelmente a ideia mais vívida de sua genialidade.

A pedra pariana é uma bacante.

Mas o escultor deu alma à pedra.

E, como uma mulher bêbada, ela deu um pulo e correu

ela está dançando.

Tendo criado esta mênade, em frenesi,

com uma cabra morta,

Você fez um milagre com um cinzel idolatrado,

Escopas.

Foi assim que um poeta grego desconhecido glorificou a estátua da Ménade, ou Bacantes, que só podemos julgar por uma pequena cópia (Museu de Dresden).

Em primeiro lugar, notamos uma inovação característica, muito importante para o desenvolvimento da arte realista: em contraste com as esculturas do século V. AC, esta estátua foi totalmente projetada para ser vista de todos os lados, sendo necessário contorná-la para perceber todos os aspectos da imagem criada pelo artista.

Jogando a cabeça para trás e dobrando todo o corpo, a jovem corre em uma dança tempestuosa e verdadeiramente báquica - para a glória do deus do vinho. E embora a cópia em mármore também seja apenas um fragmento, talvez não haja outro monumento de arte que transmita com tanta força o pathos altruísta da fúria. Esta não é uma exaltação dolorosa, mas patética e triunfante, embora nela se tenha perdido o poder sobre as paixões humanas.

Assim, no último século dos clássicos, o poderoso espírito helênico foi capaz de preservar toda a sua grandeza primordial mesmo no frenesi gerado pelas paixões fervilhantes e pela insatisfação dolorosa.

...Praxiteles (um ateniense nativo, trabalhou em 370-340 aC) expressou um início completamente diferente em seu trabalho. Sabemos um pouco mais sobre este escultor do que sobre seus irmãos.

Tal como Scopas, Praxíteles desdenhou o bronze, criando as suas maiores obras em mármore. Sabemos que ele era rico e gozava de grande fama, que em certa época eclipsou até mesmo a glória de Fídias. Sabemos também que amava Friné, a famosa cortesã, acusada de blasfémia e absolvida pelos juízes atenienses, que admiravam a sua beleza, que reconheciam como digna de culto nacional. Friné serviu-lhe de modelo para estátuas da deusa do amor Afrodite (Vênus). O estudioso romano Plínio escreve sobre a criação dessas estátuas e seu culto, recriando vividamente a atmosfera da era de Praxíteles:

“...Mais alta que todas as obras não só de Praxíteles, mas geralmente existentes no Universo, está a Vénus da sua obra. Para vê-la, muitos nadaram até Knidus. Praxíteles fabricou e vendeu simultaneamente duas estátuas de Vênus, mas uma estava coberta de roupas - era a preferida pelos habitantes de Kos, que tinham o direito de escolher. Praxíteles cobrou o mesmo preço pelas duas estátuas. Mas os habitantes de Kos reconheceram esta estátua como séria e modesta; os Cnidianos compraram o que rejeitaram. E sua fama era imensamente maior. Posteriormente, o rei Nicomedes quis comprá-lo dos Cnidianos, prometendo perdoar ao estado Cnidiano todas as enormes dívidas que eles tinham. Mas os Cnidianos preferiram mover tudo em vez de se desfazer da estátua. E não em vão. Afinal, Praxíteles criou a glória de Cnido com esta estátua. O prédio onde está localizada esta estátua é todo aberto, por isso pode ser visto de todos os lados. Além disso, acreditam que a estátua foi construída com a participação favorável da própria deusa. E por um lado o deleite que evoca não é menor...”

Praxiteles é uma cantora inspirada na beleza feminina, tão reverenciada pelos gregos do século IV. AC. No jogo quente de luz e sombra, como nunca antes, a beleza do corpo feminino brilhou sob seu incisivo.

Já se foi o tempo em que uma mulher não era retratada nua, mas desta vez Praxíteles expôs em mármore não apenas uma mulher, mas uma deusa, e isso a princípio causou uma censura surpresa.

O Cnidus Afrodite é conhecido por nós apenas por meio de cópias e empréstimos. Em duas cópias romanas em mármore (em Roma e na Gliptoteca de Munique) chegou até nós na sua totalidade, pelo que conhecemos o seu aspecto geral. Mas essas réplicas inteiras não são de primeira qualidade. Algumas outras, embora em ruínas, dão uma ideia mais viva desta grande obra: a cabeça de Afrodite no Louvre, em Paris, com traços tão doces e espirituais; seus torsos, também no Louvre e no Museu de Nápoles, nos quais adivinhamos a encantadora feminilidade do original, e até uma cópia romana, retirada não do original, mas de uma estátua helenística inspirada no gênio de Praxíteles, “Vênus de Khvoshchinsky” (em homenagem ao colecionador russo que o adquiriu), em que, parece-nos, o mármore irradia o calor do belo corpo da deusa (este fragmento é o orgulho do departamento de antiguidades do Museu A.S. Pushkin de Belas-Artes).

O que é que tanto encantou os contemporâneos do escultor com esta imagem da mais cativante das deusas, que, depois de se despir, se preparava para mergulhar na água?

O que nos encanta mesmo nas cópias quebradas que transmitem algumas características do original perdido?

Com a modelagem mais fina, na qual superou todos os seus antecessores, avivando o mármore com reflexos cintilantes de luz e conferindo à pedra lisa uma delicada qualidade aveludada com virtuosismo que só lhe é inerente, Praxíteles capturou nos contornos suaves e nas proporções ideais do corpo da deusa , na comovente naturalidade da sua pose, no seu olhar, “molhado e brilhante”, segundo o testemunho dos antigos, aqueles grandes princípios que Afrodite expressou na mitologia grega, os princípios eternos na consciência e nos sonhos da raça humana: Beleza e Amor.

Praxíteles é por vezes reconhecido como o expoente mais marcante na arte antiga daquela tendência filosófica, que via no prazer (seja lá em que consistisse) o bem maior e o objetivo natural de todas as aspirações humanas, ou seja, hedonismo. E, no entanto, a sua arte já prenuncia a filosofia que floresceu no final do século IV. AC. “nos bosques de Epicuro”, como Pushkin chamou o jardim ateniense onde Epicuro reunia seus alunos...

A ausência de sofrimento, um estado de espírito sereno, a libertação das pessoas do medo da morte e do medo dos deuses - estas eram, segundo Epicuro, as principais condições para o verdadeiro gozo da vida.

Afinal, pela sua própria serenidade, a beleza das imagens criadas por Praxíteles, a gentil humanidade dos deuses que ele esculpiu, afirmavam o benefício da libertação deste medo numa época que não era de forma alguma serena e misericordiosa.

A imagem de atleta obviamente não interessava a Praxíteles, assim como ele não se interessava por motivos cívicos. Procurou encarnar no mármore o ideal de um jovem fisicamente belo, não tão musculoso quanto Policleto, muito esbelto e gracioso, sorrindo alegremente, mas um pouco astuto, sem muito medo de ninguém, mas sem ameaçar ninguém, serenamente feliz e cheio de alegria. consciência da harmonia de todas as suas criaturas.

Esta imagem, aparentemente, correspondia à sua própria visão de mundo e, portanto, era especialmente querida para ele. Encontramos uma confirmação indireta disso em uma anedota divertida.

A relação amorosa entre o famoso artista e uma beleza incomparável como Friné fascinou muito seus contemporâneos. A mente viva dos atenienses era sofisticada em conjecturas sobre eles. Foi relatado, por exemplo, que Friné pediu a Praxíteles que lhe desse sua melhor escultura como sinal de amor. Ele concordou, mas deixou a escolha para ela, escondendo maliciosamente qual de suas obras considerava a mais perfeita. Então Friné decidiu enganá-lo. Um dia, um escravo enviado por ela correu até Praxíteles com a terrível notícia de que a oficina do artista havia pegado fogo... “Se a chama destruiu Eros e Sátiro, então tudo estava perdido!” - Praxíteles exclamou em pesar. Então Friné descobriu a avaliação do autor...

Conhecemos através de reproduções estas esculturas, que gozaram de enorme fama no mundo antigo. Pelo menos cento e cinquenta cópias em mármore de “O Sátiro em Repouso” chegaram até nós (cinco delas estão em l'Hermitage). São inúmeras estátuas antigas, estatuetas de mármore, argila ou bronze, estelas funerárias e todo tipo de arte aplicada inspirada no gênio de Praxíteles.

Dois filhos e um neto deram continuidade ao trabalho de Praxíteles na escultura, ele próprio filho de um escultor. Mas esta continuidade familiar, é claro, é insignificante em comparação com a continuidade artística geral que remonta ao seu trabalho.

A este respeito, o exemplo de Praxíteles é particularmente ilustrativo, mas longe de ser excepcional.

Mesmo que a perfeição de um original verdadeiramente grande seja única, uma obra de arte que revela uma nova “variação do belo” é imortal mesmo no caso de sua destruição. Não temos uma cópia exata nem da estátua de Zeus em Olímpia nem da Atena Partenos, mas a grandeza dessas imagens, que determinaram o conteúdo espiritual de quase toda a arte grega durante seu apogeu, é claramente visível mesmo em joias e moedas em miniatura. daquela época. Eles não teriam estado neste estilo sem Fídias. Assim como não teria havido estátuas de jovens descuidados apoiados preguiçosamente em uma árvore, nem deusas nuas de mármore cativantes com sua beleza lírica, que adornavam as vilas e parques de nobres em grande número nos tempos helenísticos e romanos, assim como teria havido nenhum estilo praxiteliano, nenhuma doce felicidade praxiteliana, mantida por tanto tempo na arte antiga - se não fosse pelo genuíno “Sátiro em Repouso” e pela genuína “Afrodite de Cnido”, agora perdida sabe Deus onde e como. Voltemos a dizer: a sua perda é irreparável, mas o seu espírito continua vivo mesmo nas obras mais comuns dos imitadores e, portanto, vive também para nós. Mas se estas obras não tivessem sido preservadas, este espírito teria de alguma forma brilhado na memória humana, apenas para brilhar novamente na primeira oportunidade.

Ao perceber a beleza de uma obra de arte, a pessoa enriquece espiritualmente. A ligação viva entre gerações nunca é completamente quebrada. O antigo ideal de beleza foi resolutamente rejeitado pela ideologia medieval, e as obras que o encarnavam foram destruídas impiedosamente. Mas o renascimento vitorioso deste ideal na era do humanismo testemunha que ele nunca foi completamente exterminado.

O mesmo pode ser dito sobre a contribuição para a arte de todo artista verdadeiramente grande. Pois um gênio, incorporando uma nova imagem de beleza nascida em sua alma, enriquece a humanidade para sempre. E assim, desde os tempos antigos, quando pela primeira vez aquelas formidáveis ​​​​e majestosas imagens de animais foram criadas em uma caverna paleolítica, de onde vieram todas as belas-artes, e na qual nosso ancestral distante colocou toda a sua alma e todos os seus sonhos, iluminado pela inspiração criativa .

Brilhantes avanços na arte se complementam, introduzindo algo novo que não morre mais. Essa novidade às vezes deixa sua marca em uma época inteira. Assim foi com Fídias, assim foi com Praxíteles.

Porém, tudo o que o próprio Praxíteles criou pereceu?

Segundo o antigo autor, sabia-se que a estátua de Praxíteles “Hermes com Dionísio” ficava no templo de Olímpia. Durante as escavações em 1877, uma escultura de mármore desses dois deuses relativamente pouco danificada foi descoberta lá. A princípio ninguém teve dúvidas de que se tratava do original de Praxíteles, e ainda hoje a sua autoria é reconhecida por muitos especialistas. No entanto, o estudo cuidadoso da própria técnica de processamento do mármore convenceu alguns cientistas de que a escultura encontrada em Olímpia é uma excelente cópia helenística, substituindo o original, provavelmente retirado pelos romanos.

Esta estátua, mencionada por apenas um autor grego, aparentemente não foi considerada a obra-prima de Praxíteles. No entanto, seus méritos são indiscutíveis: modelagem incrivelmente fina, linhas suaves, um maravilhoso jogo de luz e sombra puramente praxiteliano, uma composição muito clara e perfeitamente equilibrada e, o mais importante, o encanto de Hermes com seu olhar sonhador e levemente distraído. e o charme infantil do pequeno Dionísio. E, no entanto, neste encanto há uma certa doçura visível, e sentimos que em toda a estátua, mesmo na figura surpreendentemente esbelta de um deus muito bem enrolado em sua curva suave, a beleza e a graça cruzam ligeiramente a linha além da qual beleza e graça começam. A arte de Praxíteles está muito próxima desta linha, mas não a viola nas suas criações mais espirituais.

A cor parece ter desempenhado um papel importante na aparência geral das estátuas de Praxíteles. Sabemos que alguns deles foram pintados (através da fricção de tintas de cera derretida, que avivaram suavemente a brancura do mármore) pelo próprio Nicias, o famoso pintor da época. A sofisticada arte de Praxiteles adquiriu ainda maior expressividade e emotividade graças à cor. A combinação harmoniosa de duas grandes artes provavelmente se concretizou em suas criações.

Acrescentemos finalmente que na nossa região norte do Mar Negro, perto da foz do Dnieper e do Bug (em Olbia), foi encontrado um pedestal de uma estátua com a assinatura do grande Praxíteles. Infelizmente, a estátua em si não estava enterrada.

...Lísipo trabalhou no último terço do século IV. AC e., durante a época de Alexandre, o Grande. Sua obra parece completar a arte dos clássicos tardios.

O bronze era o material preferido deste escultor. Não conhecemos os seus originais, pelo que só podemos julgá-lo pelas cópias em mármore sobreviventes, que estão longe de reflectir toda a sua obra.

O número de monumentos de arte da Antiga Hélade que não chegaram até nós é imenso. O destino do enorme património artístico de Lísipo é uma terrível prova disso.

Lysippos foi considerado um dos artistas mais prolíficos de seu tempo. Dizem que ele reservou uma moeda da recompensa para cada pedido concluído: depois de sua morte, chegaram a mil e quinhentos. Enquanto isso, entre suas obras havia grupos escultóricos de até vinte figuras, e a altura de algumas de suas esculturas ultrapassava os vinte metros. Pessoas, elementos e tempo lidaram com tudo isso sem piedade. Mas nenhuma força poderia destruir o espírito da arte de Lísipo, apagar o rastro que ele deixou.

Segundo Plínio, Lísippo disse que, ao contrário de seus antecessores, que retratavam as pessoas como elas são, ele, Lísippo, procurava retratá-las como aparecem. Com isto, afirmou o princípio do realismo, que há muito triunfava na arte grega, mas que pretendia concretizar plenamente de acordo com os princípios estéticos do seu contemporâneo, o maior filósofo da antiguidade, Aristóteles.

A inovação de Lysippos residiu no fato de ter descoberto enormes possibilidades realistas na arte da escultura que ainda não haviam sido utilizadas. E de facto, as suas figuras não são por nós percebidas como criadas “para exibição”, não posam para nós, mas existem por si mesmas, pois o olhar do artista as capturou em toda a complexidade dos mais variados movimentos, refletindo um ou mais. outro impulso emocional. O bronze, que pode facilmente assumir qualquer formato quando fundido, era o mais adequado para resolver esses problemas esculturais.

O pedestal não isola as figuras de Lísipo do ambiente; elas realmente vivem nele, como se se projetassem de uma certa profundidade espacial, na qual sua expressividade se manifesta de forma igualmente clara, embora de forma diferente, de qualquer lado. Eles são, portanto, completamente tridimensionais, completamente liberados. A figura humana é construída por Lísipo de uma maneira nova, não em sua síntese plástica, como nas esculturas de Myron ou Policleto, mas em algum aspecto fugaz, exatamente como apareceu (apareceu) para o artista em um determinado momento e como ainda não existia no passado e já não acontecerá no futuro.

A incrível flexibilidade das figuras, a própria complexidade e às vezes o contraste dos movimentos - tudo isso é harmoniosamente ordenado, e não há nada neste mestre que, mesmo no mínimo grau, se assemelhe ao caos da natureza. Transmitindo, antes de mais nada, uma impressão visual, ele subordina essa impressão a uma determinada ordem, estabelecida de uma vez por todas de acordo com o próprio espírito de sua arte. É ele, Lísippo, quem viola o antigo cânone policleitano da figura humana para criar o seu próprio, novo, muito mais leve, mais adequado à sua arte dinâmica, que rejeita toda imobilidade interna, todo peso. Neste novo cânone, a cabeça não tem mais 1,7, mas apenas 1/8 da altura total.

As repetições em mármore de suas obras que chegaram até nós dão, em geral, uma imagem clara das realizações realistas de Lísippo.

Os famosos "Apoxiomen" (Roma, Vaticano). Este jovem atleta, porém, não é nada igual à escultura do século anterior, onde a sua imagem irradiava uma orgulhosa consciência de vitória. Lysippos nos mostrou o atleta após a competição, limpando cuidadosamente seu corpo de óleo e poeira com um raspador de metal. O movimento nada brusco e aparentemente inexpressivo da mão reverbera por toda a figura, conferindo-lhe uma vitalidade excepcional. Ele está aparentemente calmo, mas sentimos que ele passou por uma grande excitação, e o cansaço causado pelo estresse extremo é visível em suas feições. Esta imagem, como se arrancada de uma realidade em constante mudança, é profundamente humana, extremamente nobre na sua total facilidade.

“Hércules com um Leão” (São Petersburgo, Museu Estatal Hermitage). Este é o pathos apaixonado de uma luta pela vida ou pela morte, novamente como se fosse visto de fora pelo artista. Toda a escultura parece carregada de um movimento violento e intenso, fundindo irresistivelmente as poderosas figuras do homem e do animal em um todo harmoniosamente belo.

Podemos julgar pela história a seguir que impressão as esculturas de Lísipo causaram em seus contemporâneos. Alexandre, o Grande, amava tanto sua estatueta “Festa de Hércules” (uma de suas repetições também está em l'Hermitage) que não se desfez dela em suas campanhas, e quando chegou sua hora última hora, mandou colocá-lo na frente dele.

Lísipo foi o único escultor que o famoso conquistador reconheceu como digno de captar as suas feições.

“A estátua de Apolo é o mais elevado ideal de arte entre todas as obras que nos foram preservadas desde a antiguidade.” Winckelmann escreveu isso.

Quem foi o autor da estátua que tanto encantou o famoso ancestral de várias gerações de cientistas - os “antiguidades”? Nenhum dos escultores cuja arte brilha mais até hoje. Como isso é possível e qual é o mal-entendido aqui?

O Apolo de que fala Winckelmann é o famoso “Apolo Belvedere”: uma cópia romana em mármore de um original em bronze de Leochares (último terço do século IV a.C.), assim chamado em homenagem à galeria onde foi exposto por muito tempo (Roma , Vaticano). Esta estátua já causou muita admiração.

Reconhecemos no Belvedere “Apollo” um reflexo dos clássicos gregos. Mas é apenas uma reflexão. Conhecemos o friso do Partenon, que Winckelmann não conhecia e, portanto, apesar de toda a sua eficácia indiscutível, a estátua de Leochares parece-nos internamente fria, um tanto teatral. Embora Leochares tenha sido contemporâneo de Lísippo, a sua arte, perdendo o verdadeiro significado do seu conteúdo, cheira a academicismo e marca um declínio em relação aos clássicos.

A fama de tais estátuas às vezes deu origem a uma concepção errada sobre toda a arte helênica. Essa ideia não foi apagada até hoje. Alguns artistas tendem a reduzir a importância do património artístico da Hélade e a voltar-se nas suas pesquisas estéticas para mundos culturais completamente diferentes, na sua opinião, mais sintonizados com a visão de mundo da nossa época. (Basta dizer que um expoente tão autorizado dos gostos estéticos ocidentais mais modernos, como o escritor e teórico da arte francês Andre Malraux, incluiu em sua obra “O Museu Imaginário da Escultura Mundial” metade das reproduções de monumentos escultóricos da Antiga Hélade. como as chamadas civilizações primitivas da América, África e Oceania!) Mas quero teimosamente acreditar que a majestosa beleza do Partenon triunfará novamente na consciência da humanidade, estabelecendo nela o eterno ideal do humanismo.

Concluindo este breve panorama da arte clássica grega, gostaria de mencionar outro notável monumento conservado em l'Hermitage. Este é um vaso italiano mundialmente famoso do século IV. AC e. , encontrada perto da antiga cidade de Cumas (na Campânia), chamada pela perfeição da composição e riqueza da decoração a "Rainha dos Vasos", e embora provavelmente não tenha sido criada na própria Grécia, reflete maiores conquistas Arte plástica grega. O principal no vaso de laca preta de Qom são suas proporções verdadeiramente impecáveis, contorno esbelto, harmonia geral de formas e relevos multifigurados de beleza impressionante (preservando traços de cores vivas), dedicados ao culto da deusa da fertilidade Deméter, a famosos mistérios de Elêusis, onde as cenas mais sombrias foram substituídas por visões róseas, simbolizando a morte e a vida, o eterno definhamento e o despertar da natureza. Estes relevos são ecos da escultura monumental dos maiores mestres gregos dos séculos V e IV. AC. Assim, todas as figuras em pé lembram as estátuas da escola de Praxíteles, e as sentadas - a escola de Fídias.

ESCULTURA DO PERÍODO HELENISMO

Com a morte de Alexandre, o Grande, começa a época do helenismo.

Ainda não havia chegado o momento de estabelecer um único império escravista, e a Hélade não estava destinada a governar o mundo. O pathos do Estado não era a sua força motriz, por isso ele próprio nem sequer foi capaz de se unir.

A grande missão histórica da Hélade foi cultural. Tendo liderado os gregos, Alexandre, o Grande, foi o executor desta missão. Seu império entrou em colapso, mas a cultura grega permaneceu nos estados que surgiram no Oriente após suas conquistas.

Nos séculos anteriores, os assentamentos gregos espalharam o brilho da cultura helênica para terras estrangeiras.

Nos séculos do helenismo, as terras estrangeiras desapareceram; o brilho da Hélade parecia abrangente e conquistador.

O cidadão de uma pólis livre deu lugar a um “cidadão do mundo” (cosmopolita), cujas atividades aconteciam no universo, o “ecumene”, como a entendia a humanidade da época. Sob a liderança espiritual da Hélade. E isto, apesar das rixas sangrentas entre os “diadochi” – os insaciáveis ​​sucessores de Alexandre na sua sede de poder.

É assim. No entanto, os recém-formados “cidadãos do mundo” foram forçados a combinar a sua elevada vocação com o destino de súditos impotentes de governantes igualmente recém-formados, governando à maneira dos déspotas orientais.

O triunfo da Hélade já não era contestado por ninguém; mas escondia profundas contradições: o espírito brilhante do Partenon revelou-se ao mesmo tempo vencedor e vencido.

A arquitetura, a escultura e a pintura floresceram em todo o vasto mundo helenístico. O planeamento urbano numa escala sem precedentes nos novos estados, afirmando o seu poder, o luxo das cortes reais e o enriquecimento da nobreza escravista no rápido florescimento do comércio internacional, proporcionou aos artistas grandes encomendas. Talvez, como nunca antes, a arte tenha sido incentivada por quem estava no poder. E em todo caso, nunca antes a criatividade artística foi tão extensa e variada. Mas como avaliar esta criatividade em comparação com o que foi produzido na arte do arcaico, do apogeu e dos clássicos tardios, cuja continuação foi a arte helenística?

Os artistas tiveram que difundir as conquistas da arte grega por todos os territórios conquistados por Alexandre com suas novas formações estatais multitribais e ao mesmo tempo, em contato com as antigas culturas do Oriente, preservar essas conquistas na pureza, refletindo a grandeza do ideal artístico grego. Os clientes - reis e nobres - queriam decorar seus palácios e parques com obras de arte que fossem tão semelhantes quanto possível àquelas que foram consideradas perfeição durante a grande era do poder de Alexandre. Não é de surpreender que tudo isso não tenha atraído o escultor grego para o caminho de novas buscas, levando-o a simplesmente “fazer” uma estátua que não pareceria pior que a original de Praxíteles ou Lísippo. E isso, por sua vez, levou inevitavelmente ao empréstimo de uma forma já encontrada (com adaptação ao conteúdo interno que esta forma expressava de seu criador), ou seja, ao que chamamos de academicismo. Ou ao ecletismo, ou seja, uma combinação de características individuais e descobertas da arte de vários mestres, por vezes impressionantes, espectaculares pela elevada qualidade das amostras, mas carentes de unidade, integridade interna e não propícias à criação do seu próprio, precisamente do seu - um expressivo e linguagem artística plena, estilo próprio.

Muitas, muitas esculturas do período helenístico mostram-nos ainda mais precisamente aquelas deficiências que o Apolo Belvedere já prenunciava. O helenismo expandiu-se e, em certa medida, completou as tendências decadentes que surgiram no final dos clássicos tardios.

No final do século II. AC. Um escultor chamado Alexandre ou Agesandro trabalhou na Ásia Menor: na inscrição da única estátua de sua obra que chegou até nós, nem todas as letras foram preservadas. Esta estátua, encontrada em 1820 na ilha de Milos (no Mar Egeu), representa Afrodite-Vênus e hoje é conhecida em todo o mundo como a “Vênus Milos”. Este não é apenas um monumento helenístico, mas sim um monumento helenístico tardio, o que significa que foi criado numa época marcada por algum declínio da arte.

Mas é impossível colocar esta “Vênus” no mesmo nível de muitas outras esculturas de deuses e deusas, contemporâneas ou mesmo anteriores, que atestam uma considerável habilidade técnica, mas não a originalidade do design. No entanto, não parece haver nele nada de particularmente original, algo que já não tenha sido expresso nos séculos anteriores. Um eco distante da Afrodite de Praxíteles... E, no entanto, nesta estátua tudo é tão harmonioso e harmonioso, a imagem da deusa do amor é, ao mesmo tempo, tão regiamente majestosa e tão cativantemente feminina, toda a sua aparência é tão puro e o mármore maravilhosamente modelado brilha tão suavemente que nos parece: um cinzel que um escultor da grande era da arte grega não poderia ter esculpido nada mais perfeito.

Deverá a sua fama ao facto de as esculturas gregas mais famosas, admiradas pelos antigos, terem sido irremediavelmente perdidas? Estátuas como a Vênus de Milo, orgulho do Louvre em Paris, provavelmente não eram as únicas. Ninguém no “ecúmeno” daquela época, ou mais tarde, na época romana, cantou-a em verso, seja em grego ou em latim. Mas quantas linhas entusiásticas, manifestações de agradecimento são dedicadas a ela

agora em quase todas as línguas do mundo.

Esta não é uma cópia romana, mas sim um original grego, embora não da era clássica. Isto significa que o antigo ideal artístico grego era tão elevado e poderoso que, sob o cinzel de um mestre talentoso, ganhou vida em toda a sua glória, mesmo em tempos de academicismo e ecletismo.

Grandiosos grupos escultóricos como “Laocoonte com seus filhos” (Roma, Vaticano) e “Touro Farnese” (Nápoles, Museu Nacional Romano), que despertaram a admiração sem limites de muitas gerações dos representantes mais esclarecidos Cultura europeia, agora que a beleza do Partenon foi revelada, parece-nos excessivamente teatral, sobrecarregado, esmagado em detalhes.

No entanto, provavelmente pertencente à mesma escola rodiana destes grupos, mas esculpida por um artista desconhecido para nós num período anterior do helenismo, “Nike de Samotrácia” (Paris, Louvre) é um dos pináculos da arte. Esta estátua ficava na proa do navio-monumento de pedra. Com o bater de suas asas poderosas, Nika-Victory avança incontrolavelmente, cortando o vento, sob o qual seu manto tremula ruidosamente (parece que ouvimos). A cabeça está quebrada, mas a grandiosidade da imagem chega até nós por completo.

A arte do retrato é muito comum no mundo helenístico. Multiplicam-se “pessoas eminentes”, que tiveram sucesso ao serviço dos governantes (diadochi) ou que ascenderam ao topo da sociedade graças a uma exploração mais organizada do trabalho escravo do que na antiga Hélade fragmentada: querem deixar as suas características impressas para a posteridade . O retrato vai se tornando cada vez mais individualizado, mas ao mesmo tempo, se temos diante de nós o mais alto representante do poder, então se enfatiza sua superioridade e a exclusividade do cargo que ocupa.

E aqui está ele, o governante principal - Diadokh. Sua estátua de bronze (Roma, Museu dos Banhos) é o exemplo mais brilhante da arte helenística. Não sabemos quem é este governante, mas à primeira vista fica claro para nós que não se trata de uma imagem generalizada, mas de um retrato. Características características e nitidamente individuais, olhos ligeiramente semicerrados, nada físico perfeito. Este homem é capturado pelo artista em toda a originalidade dos seus traços pessoais, repleto da consciência do seu poder. Ele foi provavelmente um governante habilidoso, capaz de agir de acordo com as circunstâncias, parece que foi inflexível na busca de um objetivo pretendido, talvez cruel, mas talvez às vezes generoso, de caráter bastante complexo e governou no mundo helenístico infinitamente complexo, onde a primazia da cultura grega teve de ser combinada com o respeito pelas antigas culturas locais.

Ele está completamente nu, como um antigo herói ou deus. O giro da cabeça, tão natural, completamente liberado, e a mão erguida apoiada na lança, conferem à figura uma majestade orgulhosa. Realismo nítido e deificação. A deificação não é a de um herói ideal, mas a deificação mais específica e individual de um governante terreno dada às pessoas... pelo destino.

...A orientação geral da arte dos clássicos tardios está na base da arte helenística. Às vezes desenvolve com sucesso esta direção, até aprofunda-a, mas, como vimos, às vezes esmaga-a ou leva-a ao extremo, perdendo o abençoado sentido de proporção e o gosto artístico impecável que marcaram toda a arte grega da era clássica.

Alexandria, onde se cruzavam as rotas comerciais do mundo helenístico, é o centro de toda a cultura helenística, a “nova Atenas”.

Nesta enorme cidade da época com meio milhão de habitantes, fundada por Alexandre na foz do Nilo, floresceram a ciência, a literatura e a arte, patrocinadas pelos Ptolomeus. Eles fundaram o “Museu”, que se tornou o centro da vida artística e científica durante muitos séculos, a famosa biblioteca, a maior do mundo antigo, contendo mais de setecentos mil rolos de papiro e pergaminho. Farol de Alexandria, com cento e vinte metros de altura, com torre forrada de mármore, cujos oito lados se localizavam nas direções dos ventos principais, com estátuas de cata-ventos, com cúpula encimada por estátua de bronze do senhor dos mares Poseidon, possuía um sistema de espelhos que potencializava a luz do fogo aceso na cúpula, para que pudesse ser visto a uma distância de sessenta quilômetros. Este farol foi considerado uma das “sete maravilhas do mundo”. Sabemos disso pelas imagens de moedas antigas e pela descrição detalhada de um viajante árabe que visitou Alexandria no século XIII: cem anos depois, o farol foi destruído por um terremoto. É claro que apenas avanços excepcionais no conhecimento preciso permitiram erguer esta grandiosa estrutura, que exigiu os mais complexos cálculos. Afinal, Alexandria, onde Euclides ensinava, foi o berço da geometria que leva seu nome.

A arte alexandrina é extremamente diversificada. As estátuas de Afrodite remontam a Praxíteles (seus dois filhos trabalharam como escultores em Alexandria), mas são menos majestosas que seus protótipos e são enfaticamente graciosas. No camafeu Gonzaga há imagens generalizadas inspiradas nos cânones clássicos. Mas tendências completamente diferentes aparecem nas estátuas dos idosos: o brilhante realismo grego aqui se transforma em naturalismo quase franco com a representação mais implacável de pele flácida e enrugada, veias inchadas, tudo de irreparável que a velhice traz à aparência humana. A caricatura floresce, engraçada, mas às vezes pungente. O gênero cotidiano (às vezes com tendência ao grotesco) e o retrato estão se tornando cada vez mais difundidos. Surgem relevos com alegres cenas bucólicas, encantadoras imagens de crianças, às vezes animando uma grandiosa estátua alegórica com um marido majestosamente reclinado, semelhante a Zeus e personificando o Nilo.

Diversidade, mas também perda da unidade interna da arte, da integridade do ideal artístico, o que muitas vezes reduz o significado da imagem. O Antigo Egito não está morto.

Experientes na política de governo, os Ptolomeus enfatizaram o respeito pela sua cultura, tomaram emprestados muitos costumes egípcios, ergueram templos às divindades egípcias e... eles próprios incluíram-se no exército destas divindades.

E os artistas egípcios não traíram o seu antigo ideal artístico, os seus antigos cânones, mesmo nas imagens dos novos governantes estrangeiros do seu país.

Um notável monumento de arte do Egito ptolomaico é uma estátua feita de basalto negro da Rainha Arsínoe II. Salva por sua ambição e beleza, Arsínoe, com quem, segundo o costume real egípcio, seu irmão Ptolomeu Filadelfo se casou. Também um retrato idealizado, mas não à maneira grega clássica, mas à maneira egípcia. Esta imagem remonta aos monumentos do culto fúnebre dos faraós, e não às estátuas das belas deusas da Hélade. Arsínoe também é bela, mas sua figura, limitada pela tradição antiga, é frontal e parece congelada, como nas esculturas de retratos dos três reinos egípcios; esta restrição harmoniza-se naturalmente com o conteúdo interno da imagem, completamente diferente daquele dos clássicos gregos.

Acima da testa da rainha estão cobras sagradas. E talvez a redondeza suave das formas de seu corpo jovem e esbelto, que parece completamente nu sob um manto leve e transparente, de alguma forma reflita, talvez, o hálito quente do helenismo com sua felicidade oculta.

A cidade de Pérgamo, capital do vasto estado helenístico da Ásia Menor, era famosa, como Alexandria, por sua rica biblioteca (pergaminho, em grego “pele de Pérgamo” - uma invenção de Pérgamo), seus tesouros artísticos, alta cultura e pompa. Os escultores de Pérgamo criaram estátuas maravilhosas dos gauleses mortos. Essas estátuas têm sua inspiração e estilo em Skopas. O friso do Altar de Pérgamo também remonta a Skopas, mas não se trata de forma alguma de uma obra académica, mas sim de um monumento de arte, marcando um novo grande bater de asas.

Os fragmentos do friso foram descobertos em Ultimo quarto Século XIX por arqueólogos alemães e trazido para Berlim. Em 1945, eles foram levados pelo Exército Soviético do incêndio de Berlim, depois armazenados no Hermitage, e em 1958 retornaram a Berlim e agora estão expostos lá no Museu Pergamon.

Um friso escultórico de cento e vinte metros de comprimento margeava a base do altar de mármore branco com leves colunas jônicas e degraus largos erguendo-se no meio da enorme estrutura em forma de U.

O tema das esculturas é “gigantomaquia”: a batalha dos deuses com os gigantes, representando alegoricamente a batalha dos helenos com os bárbaros. Trata-se de uma escultura em alto relevo, quase circular.

Sabemos que no friso trabalhou um grupo de escultores, entre os quais não estavam apenas os pergamonianos. Mas a unidade do plano é óbvia.

Podemos dizer sem reservas: em toda a escultura grega nunca houve uma imagem tão grandiosa de uma batalha. Uma batalha terrível e impiedosa pela vida ou pela morte. Uma batalha que é verdadeiramente titânica - tanto porque os gigantes que se rebelaram contra os deuses, quanto os próprios deuses que os derrotam, são de estatura sobre-humana, e porque toda a composição é titânica em seu pathos e alcance.

A perfeição da forma, o incrível jogo de luz e sombra, a combinação harmoniosa dos contrastes mais nítidos, o dinamismo inesgotável de cada figura, de cada grupo e de toda a composição estão em consonância com a arte de Skopas, equivalentes às mais altas realizações plásticas do Século IV. Esta é a grande arte grega em toda a sua glória.

Mas o espírito destas estátuas às vezes nos afasta da Hélade. As palavras de Lessing de que o artista grego domou as manifestações das paixões para criar imagens calmamente belas não se aplicam a elas de forma alguma. É verdade que este princípio já foi violado nos clássicos tardios. Porém, ainda que repletas do mais violento impulso, as figuras de guerreiras e amazonas no friso do túmulo de Mausolo parecem-nos contidas em comparação com as figuras da “gigantomaquia” de Pérgamo.

O verdadeiro tema do friso de Pérgamo não é a vitória do começo brilhante sobre as trevas do submundo, de onde os gigantes escaparam. Vemos o triunfo dos deuses Zeus e Atena, mas ficamos chocados com outra coisa que involuntariamente nos captura quando olhamos para toda essa tempestade. O êxtase da batalha, selvagem, altruísta - é isso que glorifica o mármore do friso de Pérgamo. Neste arrebatamento, as figuras gigantescas dos combatentes lutam freneticamente entre si. Seus rostos estão distorcidos e parece-nos que ouvimos seus gritos, rugidos furiosos ou jubilosos, gritos e gemidos ensurdecedores.

É como se alguma força elementar se refletisse aqui no mármore, uma força indomada e indomável que adora semear horror e morte. Não é aquele que desde os tempos antigos apareceu ao homem na terrível imagem da Besta? Parecia que tudo havia acabado com ele na Hélade, mas agora ele está claramente ressuscitado aqui, na Pérgamo helenística. Não só no seu espírito, mas também na sua aparência. Vemos rostos de leões, gigantes com cobras contorcidas em vez de pernas, monstros como se gerados por uma imaginação acalorada do horror despertado pelo desconhecido.

Para os primeiros cristãos, o altar de Pérgamo parecia o “trono de Satanás”!..

Terão os artesãos asiáticos, ainda sujeitos às visões, sonhos e medos do Antigo Oriente, participado na criação do friso? Ou será que os próprios mestres gregos ficaram imbuídos deles nesta terra? A última suposição parece mais provável.

E este é o entrelaçamento do ideal helênico de uma forma harmoniosa e perfeita, transmitindo o mundo visível em sua beleza majestosa, o ideal de uma pessoa que se percebeu como a coroa da natureza, com uma visão de mundo completamente diferente, que reconhecemos nas pinturas das cavernas paleolíticas, capturando para sempre o formidável poder do touro, e nas faces não resolvidas dos ídolos de pedra da Mesopotâmia, e nas placas “animais” citas, encontra, talvez pela primeira vez, uma incorporação tão completa e orgânica nas imagens trágicas do Altar de Pérgamo.

Essas imagens não consolam, como as imagens do Partenon, mas nos séculos seguintes seu pathos inquieto estará em consonância com muitas das mais elevadas obras de arte.

No final do século I. AC. Roma afirma seu domínio no mundo helenístico. Mas é difícil definir, mesmo que condicionalmente, a faceta final do helenismo. Em todo caso, no seu impacto na cultura de outros povos. Roma adotou a cultura da Hélade à sua maneira e tornou-se helenizada. O brilho da Hélade não desapareceu nem sob o domínio romano nem após a queda de Roma.

No campo da arte do Médio Oriente, especialmente de Bizâncio, a herança da antiguidade era em grande parte grega, não romana. Mas isso não é tudo. O espírito da Hélade brilha na pintura russa antiga. E esse espírito ilumina no Ocidente grande era Renascimento.

ESCULTURA ROMANA

Sem os alicerces lançados pela Grécia e Roma, não existiria a Europa moderna.

Tanto os gregos como os romanos tinham a sua própria vocação histórica - complementavam-se e a fundação da Europa moderna é a sua causa comum.

A herança artística de Roma significou muito na fundação cultural da Europa. Além disso, este legado foi quase decisivo para a arte europeia.

...Na Grécia conquistada, os romanos inicialmente se comportaram como bárbaros. Numa de suas sátiras, Juvenal mostra-nos um rude guerreiro romano daquela época, “que não sabia apreciar a arte dos gregos”, que “como sempre” quebrava em pequenos pedaços “xícaras de artistas famosos” para para decorar seu escudo ou armadura com eles.

E quando os romanos ouviram falar do valor das obras de arte, a destruição deu lugar ao roubo - no atacado, aparentemente, sem qualquer seleção. Os romanos levaram quinhentas estátuas de Épiro, na Grécia, e, tendo derrotado os etruscos antes mesmo disso, levaram duas mil de Veii. É improvável que todas fossem obras-primas.

É geralmente aceito que a queda de Corinto em 146 AC. O verdadeiro período grego da história antiga termina. Esta próspera cidade às margens do Mar Jônico, um dos principais centros da cultura grega, foi arrasada pelos soldados do cônsul romano Múmio. Os navios consulares removeram inúmeros tesouros artísticos dos palácios e templos queimados, de modo que, como escreve Plínio, literalmente toda Roma ficou repleta de estátuas.

Os romanos não só trouxeram uma grande variedade de estátuas gregas (além disso, também trouxeram obeliscos egípcios), mas copiaram os originais gregos em larga escala. E só por isso deveríamos ser gratos a eles. Qual foi, porém, a verdadeira contribuição romana para a arte da escultura? Em torno do tronco da Coluna de Trajano, erguida no início do século II. AC e. no Fórum de Trajano, acima do túmulo deste imperador, um relevo enrola-se como uma larga fita, glorificando as suas vitórias sobre os Dácios, cujo reino (atual Roménia) foi finalmente conquistado pelos romanos. Os artistas que criaram este relevo eram, sem dúvida, não apenas talentosos, mas também familiarizados com as técnicas dos mestres helenísticos. E, no entanto, esta é uma obra típica romana.

Diante de nós está o mais detalhado e cuidadoso narração. É uma narrativa, não uma imagem generalizada. No relevo grego, a história de acontecimentos reais era apresentada de forma alegórica, geralmente entrelaçada com a mitologia. No relevo romano, desde os tempos da República, é bem visível a vontade de ser o mais preciso possível, mais especificamente transmitir o curso dos acontecimentos em sua sequência lógica, juntamente com os traços característicos das pessoas que deles participam. No relevo da Coluna de Trajano vemos acampamentos romanos e bárbaros, preparativos para uma campanha, assaltos a fortalezas, travessias e batalhas impiedosas. Tudo parece realmente muito preciso: os tipos de soldados romanos e dácios, suas armas e roupas, o tipo de fortificações - portanto este relevo pode servir como uma espécie de enciclopédia escultórica da vida militar da época. No seu desenho geral, toda a composição assemelha-se bastante às já conhecidas narrativas em relevo das façanhas abusivas dos reis assírios, mas com menos poder pictórico, embora com melhor conhecimento de anatomia e a capacidade, vinda dos gregos, de organizar figuras com mais liberdade. no espaço. O baixo relevo, sem qualquer identificação plástica das figuras, pode ter sido inspirado em pinturas não preservadas. As imagens do próprio Trajano são repetidas pelo menos noventa vezes, os rostos dos guerreiros são extremamente expressivos.

É esta mesma concretude e expressividade que constitui o traço distintivo de toda escultura de retratos romana, na qual, talvez, a originalidade do gênio artístico romano se manifestou mais claramente.

A parte puramente romana incluída no tesouro da cultura mundial é perfeitamente definida (precisamente em conexão com o retrato romano) pelo maior conhecedor da arte antiga O.F. Waldhauer: “...Roma existe como indivíduo; Roma existe naquelas formas estritas em que imagens antigas foram revividas sob seu domínio; Roma está naquele grande organismo que espalhou as sementes da cultura antiga, dando-lhes a oportunidade de fecundar novos povos, ainda bárbaros, e, finalmente, Roma está na criação de um mundo civilizado com base em elementos culturais helênicos e, modificando-os de acordo com as novas tarefas, somente Roma poderia criar... uma grande era de escultura de retratos...".

O retrato romano tem uma história complexa. A sua ligação com o retrato etrusco é óbvia, bem como com o helenístico. A raiz romana também é bastante clara: o primeiro retrato romano em mármore ou bronze era simplesmente uma reprodução exata de uma máscara de cera retirada do rosto do falecido. Isto não é arte no sentido usual.

Nos tempos subsequentes, a precisão permaneceu no cerne do retrato artístico romano. Precisão inspirada na inspiração criativa e no trabalho artesanal notável. O legado da arte grega, claro, desempenhou um papel aqui. Mas podemos dizer sem exagero: a arte de um retrato vividamente individualizado, levado à perfeição, expondo completamente mundo interior esta pessoa, é essencialmente uma conquista romana. Em qualquer caso, em termos do âmbito da criatividade, da força e da profundidade da penetração psicológica.

O retrato romano revela-nos o espírito da Roma Antiga em todos os seus aspectos e contradições. Um retrato romano é, por assim dizer, a própria história de Roma, contada em rostos, a história de sua ascensão sem precedentes e morte trágica: “Toda a história da queda romana é expressa aqui em sobrancelhas, testas, lábios” (Herzen) .

Entre os imperadores romanos havia personalidades nobres, a maior estadistas, havia pessoas ambiciosas e gananciosas, havia monstros, déspotas,

enlouquecidos pelo poder ilimitado, e na consciência de que tudo lhes era permitido, derramando um mar de sangue, existiram tiranos sombrios, que pelo assassinato de seu antecessor alcançaram o posto mais alto e, portanto, destruíram todos que os inspiraram com a menor suspeita. Como vimos, a moral nascida da autocracia divinizada às vezes levava até os mais esclarecidos aos atos mais cruéis.

Durante o período de maior poder do império, um sistema escravista fortemente organizado, em que a vida de um escravo não era considerada nada e ele era tratado como um animal de trabalho, deixou sua marca na moralidade e na vida não apenas dos imperadores e nobres, mas também cidadãos comuns. E ao mesmo tempo, encorajado pelo pathos do Estado, aumentou o desejo de dinamizar a vida social em todo o império à maneira romana, com plena confiança de que não poderia haver um sistema mais durável e benéfico. Mas esta confiança revelou-se infundada.

Guerras contínuas, conflitos destruidores, revoltas provinciais, fuga de escravos e a consciência da ilegalidade minaram cada vez mais os alicerces do “mundo romano” a cada século que passava. As províncias conquistadas mostraram a sua vontade cada vez mais decisivamente. E no final minaram o poder unificador de Roma. As províncias destruíram Roma; A própria Roma se transformou em cidade provincial, semelhante a outros, privilegiado, mas não mais dominante, tendo deixado de ser o centro de um império mundial... O Estado romano transformou-se numa gigantesca máquina complexa exclusivamente para sugar a energia dos seus súbditos.

Novas tendências vindas do Oriente, novos ideais, buscas por novas verdades deram origem a novas crenças. O declínio de Roma estava a chegar, o declínio do mundo antigo com a sua ideologia e estrutura social.

Tudo isso se refletiu na escultura de retratos romanos.

Durante a república, quando a moral era mais dura e simples, a precisão documental da imagem, o chamado “verismo” (da palavra verus - verdadeiro), ainda não era equilibrada pela influência enobrecedora grega. Esta influência manifestou-se na época de Augusto, por vezes até em detrimento da veracidade.

A famosa estátua completa de Augusto, onde ele é representado com toda a pompa do poder imperial e da glória militar (estátua de Prima Porta, Roma, Vaticano), bem como a sua imagem na forma do próprio Júpiter (Hermitage), de claro, retratos cerimoniais idealizados equiparando o governante terrestre aos celestiais. E, no entanto, revelam os traços individuais de Augusto, o relativo equilíbrio e o significado indubitável de sua personalidade.

Numerosos retratos de seu sucessor, Tibério, também são idealizados.

Vejamos o retrato escultórico de Tibério em sua juventude (Copenhague, Glyptothek). Imagem enobrecida. E ao mesmo tempo, claro, individual. Algo antipático e retraído aparece em suas feições. Talvez, colocada em condições diferentes, essa pessoa aparentemente vivesse sua vida de maneira bastante decente. Mas medo eterno e poder ilimitado. E parece-nos que o artista capturou na sua imagem algo que nem mesmo o perspicaz Augusto reconheceu ao nomear Tibério como seu sucessor.

Mas o retrato do sucessor de Tibério, Calígula (Copenhaga, Glyptothek), um assassino e torturador, que acabou por ser morto a facadas pelo seu confidente, já é completamente revelador, apesar de toda a sua nobre contenção. Seu olhar é terrível, e você sente que não pode haver piedade deste jovem governante (ele terminou sua vida terrível aos vinte e nove anos) de lábios bem comprimidos, que adorava lembrá-lo de que ele poderia fazer qualquer coisa: e com qualquer um. Olhando para o retrato de Calígula, acreditamos em todas as histórias sobre suas inúmeras atrocidades. “Ele forçou os pais a estarem presentes na execução de seus filhos”, escreve Suetônio, “enviou uma maca para um deles quando ele tentou fugir devido a problemas de saúde; o outro, logo após o espetáculo da execução, convidou-o para a mesa e com todo tipo de gentilezas obrigou-o a brincar e se divertir.” E outro historiador romano, Dion, acrescenta que quando o pai de um dos executados “perguntou se ele poderia pelo menos fechar os olhos, ele ordenou que seu pai fosse morto também”. E também de Suetônio: “Quando o preço do gado, que servia para engordar animais selvagens para espetáculos, ficou mais caro, ele ordenou que os criminosos fossem atirados até eles para serem despedaçados; e, percorrendo as prisões para isso, não olhou para quem era o culpado de quê, mas ordenou diretamente, parado na porta, que levasse todos embora...” Sinistro em sua crueldade é o rosto de Nero, o mais famoso dos monstros coroados da Roma Antiga (mármore, Roma, Museu Nacional).

O estilo dos retratos escultóricos romanos mudou junto com a atitude geral da época. A veracidade documental, a pompa, chegando à divinização, o realismo mais agudo, a profundidade da penetração psicológica prevaleceram nele alternadamente e até se complementaram. Mas enquanto a ideia romana esteve viva, o seu poder pictórico não se esgotou.

O imperador Adriano conquistou a reputação de governante sábio; sabe-se que ele era um conhecedor esclarecido de arte, um zeloso admirador da herança clássica da Hélade. Seus traços esculpidos em mármore, seu olhar pensativo, junto com um leve toque de tristeza, complementam nossa ideia dele, assim como seus retratos complementam nossa ideia de Caracalla, capturando verdadeiramente a quintessência da crueldade bestial, a mais desenfreada , poder violento. Mas o verdadeiro “filósofo no trono”, um pensador repleto de nobreza espiritual, parece ser Marco Aurélio, que pregou o estoicismo e a renúncia aos bens terrenos em seus escritos.

Imagens verdadeiramente inesquecíveis pela sua expressividade!

Mas o retrato romano ressuscita diante de nós não apenas as imagens dos imperadores.

Paremos em l'Hermitage diante de um retrato de um romano desconhecido, provavelmente executado em finais do século I. Esta é uma obra-prima indiscutível em que a precisão romana da imagem se combina com o artesanato helênico tradicional, a natureza documental da imagem com a espiritualidade interior. Não sabemos quem é o autor do retrato - se um grego, que deu o seu talento a Roma com a sua visão de mundo e gostos, um romano ou outro artista, um sujeito imperial, inspirado em modelos gregos, mas firmemente enraizado em solo romano - assim como os autores são desconhecidos (em sua maioria, provavelmente, escravos) e outras esculturas notáveis ​​criadas na época romana.

Esta imagem retrata um homem idoso que viu e viveu muito em sua vida, em quem se pode adivinhar algum tipo de sofrimento doloroso, talvez a partir de pensamentos profundos. A imagem é tão real, verdadeira, arrancada com tanta tenacidade do meio da humanidade e tão habilmente revelada na sua essência que nos parece que conhecemos este romano, o conhecemos, é quase exactamente a mesma coisa - mesmo que a nossa comparação é inesperado - como conhecemos, por exemplo, os heróis dos romances de Tolstói.

E a mesma persuasão em outro obra-prima famosa do Hermitage, um retrato em mármore de uma jovem, convencionalmente chamada de “Síria” com base em seu tipo de rosto.

Já estamos na segunda metade do século II: a mulher retratada é contemporânea do imperador Marco Aurélio.

Sabemos que foi uma época de revalorização de valores, de aumento das influências orientais, de novos climas românticos, de amadurecimento do misticismo, que prenunciou a crise do orgulho das grandes potências romanas. “O tempo da vida humana é um momento”, escreveu Marco Aurélio, “sua essência é um fluxo eterno; o sentimento é vago; a estrutura de todo o corpo é perecível; a alma é instável; o destino é misterioso; a fama não é confiável."

A imagem da “Mulher Síria” respira a contemplação melancólica característica de muitos retratos desta época. Mas o seu devaneio pensativo - sentimos isso - é profundamente individual, e novamente ela mesma nos parece familiar há muito tempo, quase até querida, assim como o cinzel vital do escultor, com trabalho sofisticado, extraiu do mármore branco seus traços encantadores e espirituais com uma delicada tonalidade azulada.

E aqui está novamente o imperador, mas um imperador especial: Filipe, o Árabe, que surgiu no auge da crise do século III. - o sangrento “salto imperial” - das fileiras da legião provincial. Este é o seu retrato oficial. A severidade da imagem do soldado é ainda mais significativa: foi nessa altura que, em geral, o exército se tornou um reduto do poder imperial.

Sobrancelhas franzidas. Um olhar ameaçador e cauteloso. Nariz pesado e carnudo. Rugas profundas nas bochechas, formando um triângulo com uma linha horizontal nítida de lábios grossos. Pescoço poderoso, e no peito uma larga dobra transversal da toga, conferindo finalmente a todo o busto de mármore uma solidez verdadeiramente granítica, força lacônica e integridade.

É o que Waldhauer escreve sobre este maravilhoso retrato, também guardado em nosso Hermitage: “A técnica é simplificada ao extremo... Os traços faciais são desenvolvidos com linhas profundas, quase ásperas, com uma rejeição total da modelagem detalhada da superfície. A personalidade, como tal, é caracterizada impiedosamente, destacando os traços mais importantes.”

Um novo estilo, uma nova forma de alcançar uma expressividade monumental. Não será esta a influência da chamada periferia bárbara do império, penetrando cada vez mais nas províncias que se tornaram rivais de Roma?

No estilo geral do busto de Filipe, o Árabe, Waldhauer reconhece características que serão plenamente desenvolvidas nos retratos escultóricos medievais das catedrais francesas e alemãs.

A Roma Antiga tornou-se famosa pelos seus feitos e realizações de destaque que surpreenderam o mundo, mas o seu declínio foi sombrio e doloroso.

Toda uma era histórica estava terminando. O sistema ultrapassado teve que dar lugar a um novo e mais avançado; sociedade escravista - degenerar em feudal.

Em 313, o cristianismo, há muito perseguido, foi reconhecido como religião oficial no Império Romano, que no final do século IV. tornou-se dominante em todo o Império Romano.

O Cristianismo, com a sua pregação da humildade, do ascetismo, com o seu sonho do paraíso não na terra, mas no céu, criou uma nova mitologia, cujos heróis, os devotos da nova fé, que aceitaram por ela a coroa do martírio, levaram o lugar que pertenceu aos deuses e deusas que personificavam o princípio de afirmação da vida, o amor terreno e a alegria terrena. Difundiu-se gradualmente e, portanto, mesmo antes do seu triunfo legalizado, o ensino cristão e os sentimentos sociais que o prepararam minaram radicalmente o ideal de beleza que outrora brilhou com plena luz na Acrópole ateniense e que foi aceite e aprovado por Roma em todo o mundo. sob seu controle.

A Igreja Cristã tentou concretizar crenças religiosas inabaláveis ​​​​uma nova visão de mundo na qual o Oriente, com os seus medos das forças não resolvidas da natureza, a luta eterna com a Besta, encontrou uma resposta entre os desfavorecidos de todo o mundo antigo. E embora a elite dominante deste mundo esperasse unir o decrépito poder romano a uma nova religião universal, a visão do mundo, nascida da necessidade de transformação social, minou a unidade do império juntamente com a cultura antiga da qual surgiu o Estado romano.

Crepúsculo do mundo antigo, crepúsculo da grande arte antiga. Por todo o império continuam a ser construídos majestosos palácios, fóruns, banhos e arcos triunfais, segundo os antigos cânones, mas estes são apenas repetições do que foi conseguido nos séculos anteriores.

A cabeça colossal - cerca de um metro e meio - da estátua do imperador Constantino, que em 330 transferiu a capital do império para Bizâncio, que se tornou Constantinopla - a “Segunda Roma” (Roma, Palazzo dos Conservadores). O rosto é construído de maneira correta e harmoniosa, segundo os modelos gregos. Mas o principal neste rosto são os olhos: parece que se você os fechasse, não haveria rosto em si... O que nos retratos de Fayum ou no retrato de Pompeia de uma jovem dava à imagem uma expressão inspirada, aqui está levado ao extremo, esgotando toda a imagem. O antigo equilíbrio entre espírito e corpo é claramente violado em favor do primeiro. Não um rosto humano vivo, mas um símbolo. Um símbolo de poder, impresso no olhar, poder que subjuga tudo o que é terreno, impassível, inflexível e inacessivelmente elevado. Não, mesmo que a imagem do imperador mantenha características de retrato, não é mais uma escultura de retrato.

O arco triunfal do imperador Constantino em Roma é impressionante. Sua composição arquitetônica é rigorosamente mantida no estilo romano clássico. Mas na narrativa em relevo que glorifica o imperador, esse estilo desaparece quase sem deixar vestígios. O relevo é tão baixo que as pequenas figuras parecem planas, não esculpidas, mas riscadas. Eles se alinham monotonamente, agarrados um ao outro. Olhamos para eles com espanto: este é um mundo completamente diferente do mundo da Hélade e de Roma. Não há renascimento - e a frontalidade aparentemente superada para sempre é ressuscitada!

Uma estátua de pórfiro dos co-governantes imperiais - os tetrarcas, que naquela época governavam partes individuais do império. Este grupo escultórico marca um fim e um começo.

O fim - porque terminou decisivamente com o ideal helênico de beleza, a redondeza suave das formas, a harmonia da figura humana, a graça da composição, a suavidade da modelagem. Aquela aspereza e simplicidade, que deram especial expressividade ao retrato de Filipe, o Árabe, em l'Hermitage, tornaram-se aqui, por assim dizer, um fim em si mesmo. Cabeças quase cúbicas e toscamente esculpidas. Não há sequer um indício de retrato, como se a individualidade humana não fosse mais digna de representação.

Em 395, o Império Romano dividiu-se em Ocidental - Latino e Oriental - Grego. Em 476, o Império Romano Ocidental caiu sob os golpes dos alemães. Uma nova era histórica chamada Idade Média chegou.

Uma nova página se abriu na história da arte.

BIBLIOGRAFIA

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Como em breve terei que ministrar um curso de palestras sobre história geral da arte, estou preparando e repetindo o material. Resolvi postar um pouco disso e minha opinião sobre esse assunto. Esta não é a palestra em si, mas reflexões sobre um tópico específico e restrito.

É difícil superestimar o lugar da escultura na arte da Antiguidade. No entanto, as suas duas manifestações nacionais mais importantes - a escultura da Grécia Antiga e a escultura da Roma Antiga - representam dois fenómenos completamente diferentes e, em muitos aspectos, opostos. O que eles são?

A escultura da Grécia é verdadeiramente famosa e deveria, de facto, ser classificada em primeiro lugar em comparação com a arquitectura grega. O fato é que os gregos viam a própria arquitetura como escultura. Para um grego, qualquer edifício é, antes de mais, um volume plástico, um monumento, perfeito nas suas formas, mas destinado principalmente à contemplação do exterior. Mas escreverei sobre arquitetura separadamente.

Os nomes dos escultores gregos são bem conhecidos e ouvidos por todos que frequentaram a escola. Os pintores de cavalete gregos eram igualmente famosos e renomados, porém, como às vezes acontece na história da arte, nada sobreviveu de suas obras, bem, talvez, supostas cópias nas paredes das casas de romanos ricos (como pode ser visto em Pompéia). Contudo, como veremos, a situação não é tão boa com os originais das estátuas gregas, uma vez que a maioria delas é conhecida, novamente, a partir de réplicas romanas desprovidas de perfeição grega.

Porém, com tanta atenção aos nomes dos criadores da arte, os gregos permaneceram completamente indiferentes à individualidade, ao que hoje se chamaria de personalidade de uma pessoa. Tendo feito do homem o centro da sua arte, os gregos viam nele um ideal sublime, uma manifestação de perfeição, uma combinação harmoniosa de alma e corpo, mas não se interessavam de forma alguma pelas características particulares da pessoa retratada. Os gregos não conheciam um retrato no nosso entendimento da palavra (com a possível exceção do período helenístico posterior). Ao erguer estátuas de deuses humanóides, heróis, cidadãos famosos de sua polis, eles criaram uma imagem típica e generalizada que incorporava as qualidades positivas da alma, heroísmo, virtude e beleza.

A visão de mundo dos gregos começou a mudar apenas com o fim da era clássica no século IV aC. Fim o velho mundo estabelecido por Alexandre o Grande, cuja atividade sem precedentes deu origem ao fenômeno cultural de mistura do grego e do Oriente Médio, que foi chamado de helenismo. Mas só depois de mais de dois séculos, Roma, já poderosa naquela época, entrou na arena da história da arte.

Curiosamente, mas durante boa metade (se não a maior parte) da sua história, Roma não mostrou quase nada de si mesma do ponto de vista artístico. Foi assim que passou quase todo o período republicano, permanecendo na memória do povo como uma época de valor romano e pureza de moral. Mas finalmente, no século I AC. Surgiu o retrato escultural romano. É difícil dizer quão grande foi o papel dos gregos nisso, agora trabalhando para os romanos que os conquistaram. Deve-se presumir que sem eles Roma dificilmente teria criado uma arte tão brilhante. No entanto, não importa quem criou as obras de arte romanas, elas eram exatamente romanas.

Paradoxalmente, embora tenha sido Roma quem criou aquela que pode ser a arte do retrato mais individual do mundo, nenhuma informação foi preservada sobre os escultores que criaram esta arte. Assim, a escultura de Roma e, sobretudo, o retrato escultórico é o fenómeno oposto à escultura clássica da Grécia.

De referir desde já que outra tradição italiana, desta vez local, nomeadamente a arte dos etruscos, desempenhou um papel importante na sua formação. Pois bem, vamos dar uma olhada nos monumentos e usá-los para caracterizar os principais fenômenos da escultura antiga.

Já nesta cabeça de mármore das Ilhas Cíclades, 3 mil aC. e. estabeleceu aquele sentimento plástico que se tornaria o principal trunfo da arte grega. Isto não é prejudicado pelo minimalismo dos detalhes, que claro foi complementado pela pintura, pois até ao alto Renascimento a escultura nunca foi incolor.

Um grupo bem conhecido (bem, isso pode ser dito sobre quase qualquer estátua de um escultor grego) representando os assassinos de tiros Harmodius e Aristogeiton, esculpidos por Critias e Nesiot. Sem nos distrairmos com a formação da arte grega na época arcaica, já nos voltamos para os clássicos do século V. AC. Representando dois heróis, lutadores pelos ideais democráticos de Atenas, os escultores retratam duas figuras convencionais, apenas em linhas gerais semelhante aos próprios protótipos. Sua principal tarefa é unir em um único corpo dois corpos belos e ideais, capturados por um impulso heróico. A perfeição corporal aqui implica a retidão interior e a dignidade daqueles retratados.

Em algumas de suas obras, os gregos procuraram transmitir a harmonia contida na paz, na estática. Polykleitos conseguiu isso tanto pela proporção da figura quanto pela dinâmica contida no posicionamento da figura. T.n. quiasma ou contrapposto - movimento direcionado de forma oposta partes diferentes as figuras são uma das conquistas desta época, para sempre incrustadas na carne da arte europeia. Os originais de Policleto foram perdidos. Ao contrário do costume do observador moderno, os gregos muitas vezes trabalhavam fundindo estátuas em bronze, o que evitava as arquibancadas obstrutivas que surgiam nas repetições de mármore da época romana. (À direita está uma cópia-reconstrução em bronze do Museu Estadual de Belas Artes de Pushkin, como é melhor!)

Miron ficou famoso por sua transmissão condições complexas, em que a paz está prestes a dar lugar ao movimento ativo Mais uma vez, apresento duas versões de seu lançador de disco (ambas tardias): mármore e bronze.

“Rublev” da Grécia Antiga, o grande criador da escultura da Acrópole ateniense, Fídias, pelo contrário, alcançou beleza e equilíbrio mesmo nas composições mais intensas e comoventes. Aqui temos a oportunidade de ver os originais do século V. AC, desta vez feito de mármore relacionado à arquitetura do Partenon. Mesmo em sua forma quebrada, sem braços, pernas e cabeças, na forma de ruínas lamentáveis, os clássicos gregos são surpreendentemente perfeitos. Nenhuma outra arte poderia fazer isso.

E o retrato? Aqui está uma famosa imagem do grande Péricles. Mas o que podemos aprender com isso sobre esse homem? Só que ele era um grande cidadão de sua cidade, uma figura destacada e um valente comandante. E nada mais.

O “retrato” de Platão foi resolvido de forma diferente, não mais apresentado como um jovem sábio com uma barba espessa e um rosto intelectual e mentalmente tenso. A perda da pintura dos olhos, é claro, priva em grande parte a expressão da imagem.

A imagem já era percebida de forma diferente no final do século IV. As réplicas sobreviventes dos retratos de Alexandre o Grande criados por Lísippo mostram-nos uma personalidade que já não é tão íntegra, confiante e inequívoca como acabamos de ver no período clássico da Grécia.

Agora, finalmente, chegou a hora de passar para Roma, ou melhor, por enquanto, para os etruscos, que criaram imagens funerárias dos falecidos. Os etruscos fizeram urnas canópicas - urnas para cinzas - com imagens de cabeças e mãos, comparando-as, até agora condicionalmente, a uma pessoa falecida. Jarro canópico de terracota do século VI aC. e.

Obras mais complexas eram lápides com figuras de pessoas, muitas vezes casais, reclinadas como se estivessem em uma festa.

Sorrisos encantadores, semelhantes aos sorrisos das estátuas gregas arcaicas... Mas outra coisa é importante aqui - são pessoas específicas enterradas aqui.

As tradições etruscas estabeleceram uma espécie de base para o próprio retrato romano. Tendo surgido apenas no século I aC, o retrato romano era nitidamente diferente de qualquer outro. O principal era a autenticidade em transmitir a verdade da vida, a aparência despojada de uma pessoa, a representação dela como ela é. E nisso os romanos, sem dúvida, viram a sua própria dignidade. O termo verismo pode ser melhor aplicado ao retrato romano do fim da era republicana. Ele até assusta com sua franqueza repulsiva, que não se detém em nenhum traço de feiúra e velhice.

Para ilustrar a seguinte tese, darei um exemplo enciclopédico - imagens de um romano em toga com retratos de seus ancestrais. Neste costume romano obrigatório não havia apenas um desejo humano de preservar a memória das gerações passadas, mas também uma componente religiosa, tão típica de uma religião doméstica como a romana.

Seguindo os etruscos, os romanos representavam casais em suas lápides. Em geral, as artes plásticas e a escultura eram tão naturais para um residente de Roma como a fotografia é para nós.

Mas agora chegou um novo momento. Na virada do milênio (e das eras), Roma tornou-se um império. A partir de agora, nossa galeria será representada principalmente por retratos de imperadores. No entanto, esta arte oficial não só preservou, mas também aumentou o extraordinário realismo que apareceu originalmente no retrato romano. No entanto, pela primeira vez na era de Augusto (27 aC - 14 dC), a arte romana experimentou a sua primeira interação séria com a beleza ideal inerente a tudo o que é grego. Mas mesmo aqui, tendo se tornado perfeito em forma, permaneceu fiel recursos de retrato Imperador. Ao permitir a convenção num corpo perfeito, idealmente regular e saudável, vestido com armadura e em pose cerimonial, a arte romana coloca neste corpo a verdadeira cabeça de Augusto, tal como ele era.

Um incrível domínio do processamento da pedra passou da Grécia para os romanos, mas aqui esta arte não poderia obscurecer o que era inerentemente romano.

Outra versão da imagem oficial de Augusto como o Grande Pontífice com um véu sobre a cabeça.

E agora, já no retrato de Vespasiano (69 - 79 dC), vemos novamente o verismo evidente. Esta imagem ficou na minha memória desde a infância, cativando-me com os traços pessoais do imperador retratado. Um rosto inteligente, nobre e ao mesmo tempo astuto e calculista! (Como um nariz quebrado combina com ele))

Ao mesmo tempo, novas técnicas de processamento de mármore estão sendo dominadas. A utilização de uma broca permite criar um jogo mais complexo de volumes, luz e sombra, e introduzir contrastes de diferentes texturas: cabelos ásperos, pele polida. Por exemplo, uma imagem feminina, caso contrário até agora apresentamos apenas homens.

Troiano (98 - 117)

Antonino Pio foi o segundo imperador depois de Adriano a deixar crescer a barba no estilo grego. E isso não é apenas um jogo. Junto com a aparência “grega”, algo filosófico também aparece na imagem de uma pessoa. O olhar vai para o lado, para cima, privando a pessoa de um estado de equilíbrio e contentamento com o corpo. (Agora as pupilas dos olhos são delineadas pelo próprio escultor, que preserva o visual mesmo que a tonalidade anterior seja perdida.)

Isso fica claramente evidente nos retratos do filósofo no trono - Marco Aurélio (161 - 180).

Este interessante fragmento me atrai por esse motivo. Tente desenhar características faciais e você obterá um ícone! Observe mais de perto o formato do olho, pálpebra e pupila e compare-os com os ícones bizantinos.

Mas os valentes e justos não deveriam ser apenas o tema de um retrato romano! Heliogábalo (corretamente - Heliogábalo), adepto do culto oriental ao sol, surpreendeu os romanos com costumes que lhes eram completamente repugnantes e que não brilhavam com a pureza da vida. Mas isto também nos mostra claramente o seu retrato.

Finalmente, a idade de ouro de Roma ficou muito para trás. Os chamados soldados imperadores estão sendo entronizados um após o outro. Pessoas de qualquer classe, país ou povo podem subitamente tornar-se governantes de Roma, sendo proclamados pelos seus soldados. Retrato de Filipe, o Árabe (244 - 249), não o pior deles. E novamente há algum tipo de melancolia ou ansiedade no olhar...

Bem, isso é engraçado: Trebonian Gall (251 - 253).

Aqui é hora de observar o que aparecia de vez em quando nos retratos romanos anteriores. Agora a forma começa a se esquematizar inexoravelmente, a modelagem plástica dá lugar à gráfica convencional. A própria carne desaparece gradualmente, dando lugar ao puramente espiritual, exclusivamente imagem interna. Imperador Probo (276 - 282).

E agora nos aproximamos do final do século III e início do século IV. Diocleciano cria um novo sistema de governo do Império - a tetrarquia. Dois Augustos e dois Césares governam suas quatro partes. Cidade Velha Roma, que há muito perdeu o seu papel de capital, já não é importante. Um engraçado grupo de quatro figuras quase idênticas, identificadas com os tetrarcas, foi preservado em Veneza, retirado de Constantinopla. Muitas vezes é mostrado como o final de um retrato romano. Mas isso não é verdade! Na verdade, esta é, digamos, uma experiência especial, a vanguarda da época. Além disso, segundo alguns dos meus professores, esta é uma obra egípcia, o que é particularmente evidente pela utilização de pórfiro duro. A escola metropolitana romana permaneceu, é claro, diferente e não morreu durante pelo menos mais um século.

Confirmando o que foi dito, outra imagem do Egito é a do imperador Maximin Daza (305 - 313). Estilização, esquematização e abstração completas, se quiser.

Mas o que continuou a acontecer em Roma. Constantino, o Grande (306 - 337) torna-se o governante soberano do Império. Em seu retrato em escala colossal (este, na verdade, é a cabeça do Colosso - uma estátua gigante instalada na Basílica Romana de Constantino-Maxêncio) está plenamente presente tanto uma elaboração ideal e perfeita da forma quanto uma nova forma finalmente formada imagem, desligada de tudo que é temporário. Nos olhos enormes e lindos que olham para algum lugar além de nós, sobrancelhas obstinadas, nariz duro, lábios fechados, agora não há apenas a imagem de um governante terreno, mas também algo que já ultrapassou os limites daquele reflexo que consumiu Marcus Aurélio e seus outros contemporâneos, que carregaram esta concha corporal na qual a alma está encerrada.

Se o famoso Édito de Milão de 313 apenas interrompeu a perseguição ao Cristianismo, permitindo que os cristãos existissem legalmente no Império (o próprio Constantino foi batizado apenas após a morte), então, no final do século IV depois de Cristo, o Cristianismo já havia se tornado dominante. E nesta época da Antiguidade Cristã, os retratos escultóricos continuaram a ser criados. O retrato do imperador Arcádio (383-408) surpreende pela sua beleza, mas também pela sua abstração sobrenatural.

Foi aqui que finalmente surgiu o retrato romano, foi esta a imagem que ele deu origem, tornando-se ela mesma arte cristã. A escultura está agora dando lugar à pintura. Mas a grande herança da cultura anterior não é rejeitada, continuando a viver, servindo novas metas e objetivos. A imagem cristã (ícone), por um lado, nasceu das palavras: “Ninguém jamais viu a Deus; Ele revelou o Filho Unigênito, que está no seio do Pai” (João 1:18). Por outro lado, absorveu toda a experiência da arte que o precedeu, como vimos, que há muito procurava dolorosamente a verdade, e finalmente a encontrou.

Mas essa é uma história completamente diferente, não para esta história...

1.1 Escultura na Grécia Antiga. Pré-requisitos para o seu desenvolvimento

Entre todas as artes plásticas das civilizações antigas, a arte da Grécia Antiga, em particular a sua escultura, ocupa um lugar muito especial. Os gregos valorizavam acima de tudo o corpo vivo, capaz de qualquer tarefa muscular. A falta de roupas não chocou ninguém. Eles tratavam tudo com muita simplicidade para terem vergonha de qualquer coisa. E ao mesmo tempo, é claro, a castidade não perdeu com isso.

1.2 Escultura grega arcaica

O período Arcaico é o período de formação da escultura grega antiga. O desejo do escultor de transmitir a beleza do corpo humano ideal, que se manifesta plenamente nas obras de mais era tardia, mas ainda era muito difícil para o artista se afastar da forma do bloco de pedra, e as figuras desse período são sempre estáticas.

Os primeiros monumentos da escultura grega antiga da era arcaica são determinados pelo estilo geométrico (século VIII). Estas são estatuetas esboçadas encontradas em Atenas, Olímpia , na Beócia. A era arcaica da escultura grega antiga ocorre entre os séculos VII e VI. (arcaico inicial - cerca de 650 - 580 aC; alto - 580 - 530; tarde - 530 - 500/480). O início da escultura monumental na Grécia remonta a meados do século VII. AC e. e se caracteriza por orientalizar estilos, dos quais o mais importante foi o estilo Dédalo, associado ao nome do escultor semimítico Dédalo . O círculo de esculturas “Daedalianas” inclui uma estátua de Ártemis de Delos e uma estátua feminina de obra cretense, guardada no Louvre (“Senhora de Auxerre”). Meados do século VII AC e. Os primeiros kouroses também datam . A primeira decoração escultórica do templo data da mesma época. - relevos e estátuas de Prinia, na ilha de Creta. Posteriormente, a decoração escultórica preenche os campos destacados no templo pelo seu próprio desenho - frontões e métopas V Templo dórico, friso contínuo (zophorus) - em Iônico. As primeiras composições de frontão na escultura grega antiga vêm da Acrópole ateniense e do Templo de Ártemis na ilha de Kerkyra (Corfu). As estátuas funerárias, dedicatórias e de culto são representadas no arcaico pelo tipo de kouros e kora . Relevos arcaicos decoram as bases das estátuas, frontões e métopas dos templos (mais tarde, a escultura redonda ocupa o lugar dos relevos nos frontões) e lápides . Entre os famosos monumentos da escultura redonda arcaica estão a cabeça de Hera, encontrada perto de seu templo em Olímpia, a estátua de Kleobis e Beaton de Delfos, Moscóforo (“Portadora de Touro”) da Acrópole Ateniense, Hera de Samos , estátuas de Didyma, Nikka Arherma e outros A última estátua mostra o desenho arcaico da chamada “corrida ajoelhada”, usada para representar uma figura voadora ou correndo. Na escultura arcaica, também é adotada toda uma série de convenções - por exemplo, o chamado “sorriso arcaico” nos rostos das esculturas arcaicas.

A escultura da era arcaica é dominada por estátuas de jovens nus e esguios e de meninas vestidas - kouros e koras. Nem a infância nem a velhice atraíram a atenção dos artistas da época, porque somente na juventude madura as forças vitais estão em pleno florescimento e equilíbrio. A arte grega primitiva cria imagens de homem e mulher em sua forma ideal. Naquela época, os horizontes espirituais expandiam-se de forma incomum; o homem parecia sentir-se face a face com o universo e queria compreender a sua harmonia, o segredo da sua integridade. Os detalhes escapavam, as ideias sobre o “mecanismo” específico do universo eram as mais fantásticas, mas o pathos do todo, a consciência da interligação universal - isto era o que constituía a força da filosofia, da poesia e da arte da Grécia arcaica*. Assim como a filosofia, então ainda próxima da poesia, adivinhou astutamente princípios gerais desenvolvimento, e a poesia é a essência das paixões humanas, as belas-artes criaram uma aparência humana generalizada. Vejamos os kouros, ou, como às vezes são chamados, "Apolos arcaicos". Não é tão importante se o artista realmente pretendia retratar Apolo, ou um herói, ou um atleta. O homem é jovem, nu, e sua nudez casta não precisa de coberturas vergonhosas. Ele sempre fica ereto, seu corpo está imbuído de prontidão para se mover. A estrutura corporal é mostrada e enfatizada com a máxima clareza; Você pode ver imediatamente que as longas pernas musculosas podem dobrar os joelhos e correr, os músculos abdominais podem ficar tensos, o peito pode inchar com a respiração profunda. O rosto não expressa nenhuma experiência específica ou traços individuais personagem, mas também contém possibilidades ocultas para uma variedade de experiências. E o “sorriso” convencional - cantos da boca ligeiramente levantados - é apenas a possibilidade de um sorriso, uma sugestão da alegria de ser inerente a esta pessoa aparentemente recém-criada.

As estátuas de Kouros foram criadas principalmente em áreas dominadas pelo estilo dórico, ou seja, no território da Grécia continental; estátuas femininas - kora - principalmente na Ásia Menor e cidades insulares, centros do estilo jônico. Belas figuras femininas foram encontradas durante escavações na arcaica Acrópole ateniense, construída no século VI aC. e., quando Pisístrato governou lá e foi destruído durante a guerra com os persas. Durante vinte e cinco séculos, as crostas de mármore foram enterradas no “lixo persa”; Finalmente foram retirados dali meio quebrados, mas sem perder o extraordinário encanto. Talvez algumas delas tenham sido executadas por mestres jônicos convidados por Pisístrato a Atenas; sua arte influenciou a plasticidade ática, que agora combina as características da severidade dórica com a graça jônica. Nas cascas da Acrópole ateniense, o ideal de feminilidade é expresso em sua pureza imaculada. O sorriso é brilhante, o olhar é confiante e como que alegremente maravilhado com o espetáculo do mundo, a figura está castamente envolta em um peplos - um véu, ou um manto leve - um chiton (na era arcaica, as figuras femininas, ao contrário os masculinos, ainda não eram retratados nus), o cabelo cai sobre os ombros em mechas encaracoladas. Essas kora ficavam em pedestais em frente ao templo de Atenas, segurando uma maçã ou uma flor nas mãos.

As esculturas arcaicas (assim como as clássicas) não eram tão monotonamente brancas como as imaginamos agora. Muitos ainda apresentam vestígios de pintura. Os cabelos das garotas de mármore eram dourados, suas bochechas eram rosadas e seus olhos eram azuis. Tendo como pano de fundo o céu sem nuvens da Hélade, tudo isto deveria ter parecido muito festivo, mas ao mesmo tempo rigoroso, graças à clareza, compostura e construtividade das formas e silhuetas. Não houve floreio ou variação excessiva. A busca por fundamentos racionais de beleza, harmonia baseada na medida e no número é muito ponto importante na estética grega. Os filósofos pitagóricos procuraram apreender as relações numéricas naturais nas harmonias musicais e na disposição dos corpos celestes, acreditando que a harmonia musical corresponde à natureza das coisas, à ordem cósmica, à “harmonia das esferas”. Os artistas procuravam proporções matematicamente verificadas do corpo humano e do “corpo” da arquitetura. Nisso, a arte grega primitiva era fundamentalmente diferente da arte cretense-micênica, que era estranha a qualquer matemática.

Cena de gênero muito animada: Assim, na era arcaica, foram lançadas as bases da escultura grega antiga, os rumos e as opções para o seu desenvolvimento. Mesmo assim, os principais objetivos da escultura, os ideais estéticos e as aspirações dos antigos gregos eram claros. Em períodos posteriores, esses ideais e a habilidade dos escultores antigos desenvolveram-se e melhoraram.

1.3 Escultura grega clássica

O período clássico da escultura grega antiga ocorre entre os séculos V e IV aC. (clássico antigo ou “estilo estrito” - 500/490 - 460/450 aC; alto - 450 - 430/420 aC; “estilo rico” - 420 - 400/390 aC; clássico tardio - 400/390 - OK. 320 AC e.). Na virada de duas épocas - arcaica e clássica - ergue-se a decoração escultórica do Templo de Atena Afaia, na ilha de Egina . As esculturas do frontão ocidental datam da fundação do templo (510 - 500 AC AC), esculturas do segundo oriental, substituindo as anteriores, - ao início da época clássica (490 - 480 aC). O monumento central da escultura grega antiga dos primeiros clássicos são os frontões e métopas do Templo de Zeus em Olímpia (cerca de 468 - 456 AC e.). Outra obra significativa dos primeiros clássicos - o chamado “Trono de Ludovisi”, decorado com relevos. Dessa época também surgiu um número originais de bronze- "O Cocheiro Délfico" estátua de Poseidon do Cabo Artemísio, Bronze de Riace . Os maiores escultores dos primeiros clássicos - Pitágoras Regian, Kalamid e Miron . Julgamos o trabalho de escultores gregos famosos principalmente a partir de evidências literárias e cópias posteriores de suas obras. O alto classicismo é representado pelos nomes de Fídias e Policletos . O seu apogeu de curta duração está associado às obras da Acrópole ateniense, ou seja, à decoração escultórica do Partenon (Pedimentos, metopes e zóforos sobreviveram, 447 - 432 aC). O auge da escultura grega antiga foi, aparentemente, crisoelefantino Estátuas de Atena Partenos e Zeus do Olimpo por Fídias (ambos não sobreviveram). O “estilo rico” é característico das obras de Calímaco, Alcamenes, Agorakrit e outros escultores do século V. BC. AC AC Seus monumentos característicos são os relevos da balaustrada do pequeno templo de Nike Apteros na Acrópole ateniense (cerca de 410 aC) e uma série de estelas funerárias, entre as quais a mais famosa é a estela de Hegeso. . As obras mais importantes da escultura grega antiga dos clássicos tardios - a decoração do Templo de Asclépio em Epidauro (cerca de 400 - 375 aC), templo de Atena Aley em Tegea (cerca de 370 - 350 AC), o Templo de Ártemis em Éfeso (cerca de 355 - 330 AC) e o Mausoléu em Halicarnasso (c. 350 aC), em cuja decoração escultórica trabalharam Scopas, Briaxides, Timóteo e Leohar . Este último também é creditado com as estátuas de Apollo Belvedere e Diana de Versalhes . Existem também vários originais em bronze do século IV. AC e. Os maiores escultores dos clássicos tardios - Praxíteles, Scopas e Lysippos, em muitos aspectos, antecipando a era subsequente do helenismo.

A escultura grega sobreviveu parcialmente em escombros e fragmentos. A maioria das estátuas são conhecidas por cópias romanas, que foram feitas em grande número, mas não transmitiam a beleza dos originais. Os copistas romanos os tornavam ásperos e secos e, ao converter itens de bronze em mármore, os desfiguravam com suportes desajeitados. As grandes figuras de Atena, Afrodite, Hermes, Sátiro, que vemos agora nos corredores de l'Hermitage, são apenas pálidas versões de obras-primas gregas. Você passa por eles quase com indiferença e de repente para diante de uma cabeça com o nariz quebrado, com o olho machucado: este é um original grego! E o incrível poder da vida subitamente emergiu deste fragmento; O mármore em si é diferente daquele das estátuas romanas - não de um branco mortal, mas amarelado, transparente, luminoso (os gregos também o esfregavam com cera, o que dava ao mármore um tom quente). Tão suaves são as transições fundentes de luz e sombra, tão nobre é a suave escultura do rosto, que involuntariamente recordamos as delícias dos poetas gregos: estas esculturas realmente respiram, elas realmente estão vivas*. Na escultura da primeira metade do século, quando houve guerras com os persas, prevalecia um estilo corajoso e rigoroso. Foi então criado um grupo de estatuetas de tiranicidas: um marido maduro e um jovem, lado a lado, fazem um movimento impetuoso para a frente, o mais novo levanta a espada, o mais velho o protege com a capa. Este é um monumento a figuras históricas - Harmodius e Aristogeiton, que matou o tirano ateniense Hiparco várias décadas antes - o primeiro monumento político na arte grega. Ao mesmo tempo, expressa o espírito heróico de resistência e amor à liberdade que irrompeu durante a era das guerras greco-persas. “Eles não são escravos dos mortais, não estão sujeitos a ninguém”, dizem os atenienses na tragédia de Ésquilo “Os Persas”. Batalhas, escaramuças, façanhas de heróis... A arte dos primeiros clássicos está repleta desses temas guerreiros. Nos frontões do Templo de Atenas em Egina - a luta dos gregos com os troianos. No frontão ocidental do Templo de Zeus em Olímpia está a luta dos lápitas com os centauros, nas métopas estão todos os doze trabalhos de Hércules. Outro conjunto favorito de motivos são as competições de ginástica; naqueles tempos distantes, a preparação física e o domínio dos movimentos corporais eram decisivos para o resultado das batalhas, de modo que os jogos atléticos estavam longe de ser apenas entretenimento. Temas de combate corpo a corpo, competições equestres, competições de corrida e competições de lançamento de disco ensinaram os escultores a representar o corpo humano em dinâmica. A rigidez arcaica das figuras foi superada. Agora eles agem, eles se movem; aparecem poses complexas, ângulos ousados ​​e gestos amplos. O inovador mais brilhante foi o escultor do sótão Myron. A principal tarefa de Myron era expressar o movimento da forma mais completa e poderosa possível. O metal não permite um trabalho tão preciso e delicado como o mármore, e talvez por isso ele tenha buscado o ritmo do movimento. O equilíbrio, um "ethos" majestoso, é preservado na escultura clássica de estilo rigoroso. O movimento das figuras não é errático, nem excessivamente excitado, nem demasiado rápido. Mesmo nos motivos dinâmicos de luta, corrida e queda, a sensação de “calma olímpica”, completude plástica holística e auto-fechamento não se perde.

Atena, que ele fez por encomenda de Platéia e que custou muito caro a esta cidade, fortaleceu a fama do jovem escultor. Ele foi contratado para criar uma estátua colossal de Atena, a padroeira da Acrópole. Atingia 18 metros de altura e era mais alto que todos os edifícios circundantes; De longe, do mar, brilhava como uma estrela dourada e reinava sobre toda a cidade. Não era acrolítico (composto), como o plateano, mas inteiramente fundido em bronze. Outra estátua da Acrópole, a Virgem Atena, feita para o Partenon, era feita de ouro e marfim. Atena foi retratada em traje de batalha, usando um capacete dourado com uma esfinge em alto relevo e abutres nas laterais. Numa das mãos ela segurava uma lança, na outra uma figura de vitória. Uma cobra enrolada a seus pés - a guardiã da Acrópole. Esta estátua é considerada a melhor garantia de Fídias depois de Zeus. Serviu como original para inúmeras cópias. Mas o auge da perfeição de todas as obras de Fídias é considerado seu Zeus Olímpico. Esta foi a maior obra da sua vida: os próprios gregos deram-lhe a palma. Ele causou uma impressão irresistível em seus contemporâneos.

Zeus foi retratado no trono. Por um lado ele segurava um cetro, por outro - uma imagem de vitória. O corpo era feito de marfim, o cabelo era dourado, o manto era dourado e esmaltado. O trono incluía ébano, osso e pedras preciosas. As paredes entre as pernas foram pintadas pelo primo de Fídias, Panen; a base do trono era uma maravilha da escultura. A admiração dos gregos pela beleza e sábia estrutura do corpo vivo era tão grande que eles pensavam nele esteticamente apenas na completude e completude estatuária, permitindo-lhes apreciar a majestade da postura e a harmonia dos movimentos corporais. Mesmo assim, a expressividade não reside tanto nas expressões faciais, mas nos movimentos corporais. Olhando para a misteriosa e serena Moira do Partenon, para a rápida e brincalhona Nike desamarrando a sandália, quase esquecemos que suas cabeças foram quebradas - a plasticidade de suas figuras é tão eloqüente.

Na verdade, os corpos das estátuas gregas são extraordinariamente espirituais. O escultor francês Rodin disse sobre um deles: “Este torso jovem sem cabeça sorri com mais alegria para a luz e a primavera do que olhos e lábios poderiam fazer”. Os movimentos e posturas na maioria dos casos são simples, naturais e não necessariamente associados a algo sublime. As cabeças das estátuas gregas, via de regra, são impessoais, ou seja, pouco individualizadas, reduzidas a algumas variações de tipo geral, mas esse tipo geral possui elevada capacidade espiritual. No rosto tipo grego triunfa a ideia do “humano” em sua versão ideal. O rosto é dividido em três partes de igual comprimento: testa, nariz e parte inferior. Oval correto e suave. A linha reta do nariz continua a linha da testa e forma uma perpendicular à linha traçada do início do nariz até a abertura da orelha (ângulo facial reto). Seção oblonga de olhos bastante profundos. Boca pequena, lábios carnudos e convexos, o lábio superior é mais fino que o inferior e tem um belo corte liso como o arco de um cupido. O queixo é grande e redondo. Os cabelos ondulados ajustam-se suavemente e firmemente à cabeça, sem interferir na visibilidade do formato arredondado do crânio. Esta beleza clássica pode parecer monótona, mas, representando a expressiva “aparência natural do espírito”, ela se presta à variação e é capaz de incorporar vários tipos do ideal antigo. Um pouco mais de energia nos lábios, no queixo saliente - diante de nós está a estrita virgem Atena. Há mais suavidade nos contornos das bochechas, os lábios estão ligeiramente entreabertos, as órbitas dos olhos estão sombreadas - diante de nós está o rosto sensual de Afrodite. O oval do rosto é mais próximo de um quadrado, o pescoço é mais grosso, os lábios são maiores - essa já é a imagem de um jovem atleta. Mas a base continua sendo a mesma aparência clássica estritamente proporcional.

Depois da guerra….A pose característica da figura em pé muda. Na era arcaica, as estátuas ficavam completamente retas, frontalmente. Os clássicos maduros os animam e animam com movimentos suaves e equilibrados, mantendo o equilíbrio e a estabilidade. E as estátuas de Praxíteles - o Sátiro em repouso, Apolo Saurocton - apoiam-se com graça preguiçosa em pilares, sem eles teriam que cair. A coxa de um lado é fortemente arqueada e o ombro é abaixado em direção à coxa - Rodin compara essa posição do corpo com uma gaita, quando o fole é comprimido de um lado e afastado do outro. O apoio externo é necessário para o equilíbrio. Esta é uma posição de descanso de sonho. Praxíteles segue as tradições de Policleto, usa os motivos dos movimentos que encontrou, mas os desenvolve de tal forma que neles brilha um conteúdo interno diferente. “A Amazônia Ferida” Polykletai também se apoia em meia coluna, mas ela poderia ter ficado sem ela, seu corpo forte e enérgico, mesmo sofrendo de um ferimento, permanece firme no chão. O Apolo de Praxíteles não é atingido por uma flecha, ele próprio aponta para um lagarto correndo ao longo de um tronco de árvore - uma ação que parece exigir compostura obstinada, mas seu corpo é instável, como um caule balançante. E este não é um detalhe aleatório, nem um capricho do escultor, mas uma espécie de novo cânone no qual uma nova visão do mundo encontra expressão. No entanto, não apenas a natureza dos movimentos e poses mudou na escultura do século IV aC. e. Para Praxíteles, a gama de seus temas favoritos torna-se diferente; ele se afasta dos temas heróicos para o “mundo leve de Afrodite e Eros”. Ele esculpiu a famosa estátua de Afrodite de Knidos. Praxíteles e os artistas de seu círculo não gostavam de retratar os torsos musculosos dos atletas; eram atraídos pela beleza delicada do corpo feminino com o fluxo suave dos volumes. Preferiam o tipo de juventude, que se distinguia pela “primeira juventude e pela beleza afeminada”. Praxiteles era famoso por sua suavidade especial de modelagem e habilidade no processamento do material, sua capacidade de transmitir o calor de um corpo vivo em mármore frio2.

O único original sobrevivente de Praxíteles é considerado a estátua de mármore “Hermes com Dionísio”, encontrada em Olímpia. Hermes nu, apoiado em um tronco de árvore onde seu manto foi jogado descuidadamente, segura em um braço dobrado o pequeno Dionísio e no outro um cacho de uvas, ao qual a criança se estende (a mão que segura as uvas está perdida). Todo o encanto do processamento pictórico do mármore está nesta estátua, especialmente na cabeça de Hermes: transições de luz e sombra, o mais fino “sfumato” (névoa), que, muitos séculos depois, foi alcançado na pintura de Leonardo da Vinci. Todas as outras obras do mestre são conhecidas apenas por menções de autores antigos e cópias posteriores. Mas o espírito da arte de Praxíteles perdura até o século IV a.C. e., e o melhor de tudo pode ser sentido não em cópias romanas, mas em pequenos plásticos gregos, em estatuetas de argila Tanagra. Eles foram feitos no final do século em grandes quantidades, era uma espécie de produção em massa com centro principal em Tanagra. (Uma coleção muito boa deles é mantida no Eremitério de Leningrado.) Algumas estatuetas reproduzem figuras famosas grandes estátuas, outros simplesmente fornecem várias variações livres da figura feminina drapeada. A graça viva destas figuras, sonhadoras, pensativas, brincalhonas, é um eco da arte de Praxíteles.

1.4 Escultura da Grécia Helenística

O próprio conceito de “helenismo” contém uma indicação indireta da vitória do princípio helênico. Mesmo em áreas remotas do mundo helenístico, na Báctria e na Pártia (hoje Ásia Central), aparecem formas de arte antigas transformadas de forma única. Mas o Egipto é difícil de reconhecer; a sua nova cidade de Alexandria já é um verdadeiro centro iluminado da cultura antiga, onde florescem as ciências exactas, as humanidades e as escolas filosóficas, originárias de Pitágoras e Platão. A Alexandria helenística deu ao mundo o grande matemático e físico Arquimedes, o geômetra Euclides, Aristarco de Samos, que dezoito séculos antes de Copérnico provou que a Terra gira em torno do Sol. Os armários da famosa Biblioteca de Alexandria, marcados com letras gregas de alfa a ômega, continham centenas de milhares de pergaminhos - “obras que brilharam em todos os ramos do conhecimento”. Ali ficava o grandioso farol de Faros, considerado uma das sete maravilhas do mundo; ali foi criado o Museyon, o palácio das musas - o protótipo de todos os futuros museus. Comparada com esta rica e opulenta cidade portuária, a capital do Egito ptolomaico, a cidade da metrópole grega, até Atenas provavelmente parecia modesta. Mas esses modestos Pequenas cidades foram as principais fontes daqueles tesouros culturais que foram guardados e venerados em Alexandria, daquelas tradições que continuaram a ser seguidas. Se a ciência helenística devia muito à herança do Antigo Oriente, então as artes plásticas mantiveram um carácter predominantemente grego.

Os princípios formativos básicos vieram dos clássicos gregos, o conteúdo tornou-se diferente. Houve uma demarcação decisiva entre vida pública e privada. Nas monarquias helenísticas, estabeleceu-se um culto a um único governante, equiparado a uma divindade, semelhante ao que existia nos antigos despotismos orientais. Mas a semelhança é relativa: “ pessoa privada", que as tempestades políticas não tocam ou tocam apenas ligeiramente, não é tão impessoal como nos antigos estados orientais. Ele tem vida própria: é comerciante, é empresário, é funcionário, é cientista. Além disso, muitas vezes ele é de origem grega - após as conquistas de Alexandre, começou a migração em massa dos gregos para o leste - os conceitos de dignidade humana, trazidos pela cultura grega, não lhe são estranhos. Mesmo afastado do poder e dos assuntos governamentais, o seu mundo privado isolado exige e encontra expressão artística, cuja base são as tradições dos clássicos gregos tardios, retrabalhados no espírito de maior intimidade e género. E na arte “de estado”, na arte oficial, nos grandes edifícios e monumentos públicos, as mesmas tradições processam-se, pelo contrário, no sentido da pompa.

Pompa e intimidade são características opostas; A arte helenística é cheia de contrastes - gigantesca e em miniatura, cerimonial e cotidiana, alegórica e natural. O mundo tornou-se mais complexo e as necessidades estéticas tornaram-se mais diversas. A tendência principal é um afastamento do tipo humano generalizado para uma compreensão do homem como um ser concreto e individual e, portanto, a crescente atenção à sua psicologia, o interesse pelos acontecimentos e uma nova vigilância aos sinais nacionais, etários, sociais e outros de personalidade. Mas como tudo isto foi expresso numa linguagem herdada dos clássicos, que não se propuseram tais tarefas, sente-se uma certa inorganicidade nas obras inovadoras da era helenística, que não alcançam a integridade e a harmonia dos seus grandes antecessores; O retrato da cabeça da estátua heróica “Diadochi” não cabe no torso nu, que repete o tipo de atleta clássico. O drama do grupo escultórico multifigurado “Farnese Bull” é contrariado pela representatividade “clássica” das figuras, as suas poses e movimentos são demasiado bonitos e suaves para acreditar na verdade das suas experiências; Em inúmeras esculturas de parques e câmaras, as tradições de Praxíteles são diminuídas: Eros, “o grande e poderoso deus”, transforma-se em um Cupido brincalhão e brincalhão; Apolo - no Apolo sedutor e afeminado; fortalecer o gênero não os beneficia. E as famosas estátuas helenísticas de velhas carregando provisões, de uma velha bêbada, de um velho pescador de corpo flácido carecem do poder de generalização figurativa; a arte domina esses novos tipos externamente, sem penetrar nas profundezas - afinal, a herança clássica não forneceu a chave para eles. A estátua de Afrodite, tradicionalmente chamada de Vênus de Milo, foi encontrada em 1820 na ilha de Melos e imediatamente ganhou fama mundial como a criação perfeita da arte grega. Esta alta avaliação não foi abalada por muitas descobertas posteriores de originais gregos - Afrodite de Milo ocupa um lugar especial entre eles. Aparentemente executado no século 2 aC. e. (do escultor Agesandro ou Alexandre, como diz a inscrição meio apagada na base), tem pouca semelhança com as estátuas contemporâneas que representam a deusa do amor. As afrodites helenísticas geralmente remontavam ao tipo de Afrodite de Cnido de Praxíteles, tornando-a sensualmente sedutora, até mesmo um pouco fofa; tal é, por exemplo, a famosa Afrodite da Medicina. Afrodite de Milo, apenas seminua, coberta até os quadris, é severa e sublimemente calma. Ela personifica não tanto o ideal de beleza feminina, mas o ideal de homem em um sentido geral e mais elevado. O escritor russo Gleb Uspensky encontrou uma expressão de sucesso: o ideal de um “homem endireitado”. A estátua estava bem preservada, mas suas mãos estavam quebradas. Tem havido muitas especulações sobre o que essas mãos estavam fazendo: a deusa estava segurando uma maçã? ou um espelho? ou ela estava segurando a bainha do roupão? Na verdade, não foi encontrada nenhuma reconstrução convincente; A “falta de braços” de Afrodite de Milo tornou-se ao longo do tempo, por assim dizer, seu atributo, não interfere em nada com sua beleza e até aumenta a impressão da majestade de sua figura; E como nem uma única estátua grega intacta sobreviveu, é neste estado parcialmente danificado que Afrodite aparece diante de nós como um “enigma de mármore” que nos foi dado pela antiguidade, como um símbolo da distante Hélade.

Outro maravilhoso monumento do helenismo (dos que chegaram até nós e quantos desapareceram!) é o altar de Zeus em Pérgamo. A escola de Pérgamo, mais do que outras, gravitou em torno do pathos e do drama, dando continuidade às tradições de Skopas. Seus artistas nem sempre recorreram a temas mitológicos, como acontecia na época clássica. Na praça da Acrópole de Pérgamo existiam grupos escultóricos que perpetuaram um acontecimento histórico genuíno - a vitória sobre os “bárbaros”, as tribos gaulesas que sitiaram o reino de Pérgamo. Cheios de expressão e dinâmica, estes grupos destacam-se também pelo facto de os artistas prestarem homenagem aos vencidos, mostrando-lhes valorosos e sofredores. Eles retratam um gaulês matando sua esposa e a si mesmo para evitar o cativeiro e a escravidão; retratam um gaulês mortalmente ferido reclinado no chão com a cabeça baixa. Fica imediatamente claro pelo seu rosto e figura que ele é um “bárbaro”, um estrangeiro, mas ele tem uma morte heróica, e isso é mostrado. Na sua arte, os gregos não se rebaixaram a humilhar os seus oponentes; Esta característica do humanismo ético surge com particular clareza quando os oponentes – os gauleses – são retratados de forma realista. Após as campanhas de Alexandre, muita coisa mudou em geral nas atitudes em relação aos estrangeiros. Como escreve Plutarco, Alexandre via-se como o reconciliador do universo, “fazendo com que todos bebessem... do mesmo copo de amizade e misturando vidas, costumes, casamentos e formas de vida”. A moral e as formas de vida, assim como as formas de religião, realmente começaram a se misturar na era helenística, mas a amizade não reinou e a paz não veio, os conflitos e a guerra não pararam. As guerras de Pérgamo com os gauleses são apenas um dos episódios. Quando a vitória sobre os gauleses foi finalmente conquistada, o altar de Zeus foi erguido em sua homenagem, concluído em 180 aC. e. Desta vez, a guerra de longo prazo com os “bárbaros” apareceu como uma gigantomaquia - uma luta entre os deuses do Olimpo e os gigantes. Segundo o mito antigo, os gigantes - gigantes que viviam no extremo oeste, filhos de Gaia (Terra) e Urano (Céu) - rebelaram-se contra os Olimpianos, mas foram derrotados por eles após uma batalha feroz e soterrados sob vulcões, no entranhas profundas da mãe terra, de onde nos lembram de si mesmos com erupções vulcânicas e terremotos. Um grandioso friso de mármore, com cerca de 120 metros de comprimento, executado na técnica do alto relevo, circundava a base do altar. Os restos desta estrutura foram escavados na década de 1870; Graças ao árduo trabalho dos restauradores, foi possível conectar milhares de fragmentos e obter uma imagem bastante completa da composição geral do friso. Corpos poderosos estão empilhados, entrelaçados, como uma bola de cobras, os gigantes derrotados são atormentados por leões de juba peluda, os cães mordem os dentes, os cavalos pisam sob seus pés, mas os gigantes lutam ferozmente, seu líder Porfírion não recua diante do trovejante Zeus. A mãe dos gigantes, Gaia, implora para poupar os filhos, mas eles não a ouvem. A batalha é terrível. Há algo presciente de Michelangelo nos ângulos tensos dos corpos, em seu poder titânico e em seu pathos trágico. Embora batalhas e lutas fossem um tema frequente em relevos antigos, começando pelo arcaico, elas nunca foram retratadas como no Altar de Pérgamo - com uma sensação tão arrepiante de cataclismo, uma batalha pela vida ou pela morte, onde todas as forças cósmicas, todos os demônios participe terra e céu. A estrutura da composição mudou, perdeu a sua clareza clássica e tornou-se turbulenta e confusa. Recordemos as figuras de Skopas no relevo do mausoléu de Halicarnasso. Eles, com todo o seu dinamismo, estão localizados no mesmo plano espacial, são separados por intervalos rítmicos, cada figura tem uma certa independência, massas e espaço são equilibrados. É diferente no friso de Pérgamo - os que lutam aqui estão apertados, a massa suprimiu o espaço e todas as figuras estão tão entrelaçadas que formam uma confusão tempestuosa de corpos. E os corpos ainda são classicamente belos, “às vezes radiantes, às vezes ameaçadores, figuras vivas, mortas, triunfantes, moribundas”, como I. S. Turgenev disse sobre eles*. Os atletas olímpicos são lindos e seus inimigos também. Mas a harmonia do espírito flutua. Rostos distorcidos pelo sofrimento, sombras profundas nas órbitas dos olhos, cabelos de cobra... Os olímpicos ainda triunfam sobre as forças dos elementos subterrâneos, mas essa vitória não dura muito - os princípios elementares ameaçam explodir o harmonioso, mundo harmonioso. Assim como a arte do arcaico grego não deve ser avaliada apenas como os primeiros arautos dos clássicos, também A arte helenística como um todo não pode ser considerada um eco tardio dos clássicos, subestimando as coisas fundamentalmente novas que trouxe. Esta novidade esteve associada tanto à expansão dos horizontes da arte como ao seu interesse curioso pela personalidade humana e pelas condições reais e específicas da sua vida. Daí, em primeiro lugar, o desenvolvimento do retrato, do retrato individual, quase desconhecido dos altos clássicos, e os clássicos tardios estavam apenas nas aproximações dele. Os artistas helenísticos, mesmo fazendo retratos de pessoas mortas há muito tempo, deram-lhes uma interpretação psicológica e procuraram revelar a singularidade da aparência externa e interna. Não contemporâneos, mas descendentes nos deixaram os rostos de Sócrates, Aristóteles, Eurípides, Demóstenes e até do lendário Homero, um inspirado contador de histórias cego. O retrato de um velho filósofo desconhecido é surpreendente em seu realismo e expressão - aparentemente, um polemista apaixonado e irreconciliável, cujo rosto enrugado e de traços marcantes nada tem em comum com o tipo clássico. Anteriormente, era considerado um retrato de Sêneca, mas o famoso estóico viveu depois da escultura deste busto de bronze.

Pela primeira vez, uma criança com todas as características anatômicas da infância e com todo o encanto que lhe é característico torna-se objeto de uma cirurgia plástica. Na era clássica, se crianças pequenas fossem retratadas, seria mais como adultos em miniatura. Mesmo no grupo “Hermes com Dionísio” de Praxíteles, Dionísio tem pouca semelhança com um bebê em sua anatomia e proporções. Parece que só agora perceberam que a criança é uma criatura completamente especial, brincalhona e astuta, com hábitos próprios; notaram e ficaram tão cativados por ele que o próprio deus do amor, Eros, começou a ser representado ainda criança, marcando o início de uma tradição que se estabeleceu há séculos. Os filhos rechonchudos e cacheados dos escultores helenísticos estão ocupados com todos os tipos de truques: montar um golfinho, brincar com pássaros e até estrangular cobras (este é o bebê Hércules). Particularmente popular foi a estátua de um menino lutando contra um ganso. Essas estátuas eram colocadas em parques, decoravam fontes, eram colocadas nos santuários de Asclépio, o deus da cura, e às vezes eram usadas como lápides.

Conclusão

Examinamos a escultura da Grécia Antiga ao longo de todo o período de seu desenvolvimento. Vimos todo o processo de sua formação, florescimento e declínio - toda a transição das formas arcaicas estritas, estáticas e idealizadas, passando pela harmonia equilibrada da escultura clássica, até o psicologismo dramático das estátuas helenísticas. A escultura da Grécia Antiga foi legitimamente considerada um modelo, um ideal, um cânone durante muitos séculos, e agora nunca deixa de ser reconhecida como uma obra-prima dos clássicos mundiais. Nada parecido com isso foi alcançado antes ou depois. Toda escultura moderna pode ser considerada, de uma forma ou de outra, uma continuação das tradições da Grécia Antiga. A escultura da Grécia Antiga percorreu um caminho difícil no seu desenvolvimento, preparando o terreno para o desenvolvimento da escultura em épocas subsequentes em vários países. Mais tarde, as tradições da escultura grega antiga foram enriquecidas com novos desenvolvimentos e conquistas, enquanto os cânones antigos serviram como a base necessária, a base para o desenvolvimento da arte plástica em todas as épocas subsequentes.

Na Grécia antiga, as pessoas valorizavam extremamente a beleza. Os gregos preferiam especialmente a escultura. No entanto, muitas obras-primas de grandes escultores pereceram e não sobreviveram até nossos dias. Por exemplo, Discóbolo do escultor Myron, Doríforo de Policleito, “Afrodite de Cnido” de Praxíteles, Laocoonte do escultor Agesandro. Todas essas esculturas pereceram, mas... nós as conhecemos muito bem. Como as esculturas desaparecidas poderiam ser preservadas? Somente graças às inúmeras cópias que estavam nas casas de antigos colecionadores ricos e decoravam os pátios, galerias e salões dos gregos e romanos.

Doryfor - “Portador da Lança” tornou-se um modelo de beleza masculina por muitos séculos. E “Afrodite de Knidos” - uma das mais famosas esculturas femininas nuas da Grécia Antiga - tornou-se um exemplo de beleza feminina. Para admirar Afrodite, os antigos gregos vieram de outras cidades e, vendo como ela era linda, ordenaram que escultores desconhecidos fizessem exatamente a mesma cópia para colocar Afrodite na praça da cidade ou no pátio de sua rica casa.

Lançador de disco - estátua de bronze perdida de um atleta prestes a lançar um disco, criado por Myron por volta do século V AC. e. - esta é a primeira tentativa na arte grega de esculpir uma pessoa em movimento, e a tentativa é mais do que bem-sucedida. O jovem atleta congela por uma fração de segundo e no momento seguinte começa a girar para lançar o disco com toda a força.

Laocoonte é um grupo escultórico de pessoas sofredoras, que se mostra em uma luta dolorosa. Laocoonte foi um sacerdote que alertou os habitantes da cidade de Tróia - os troianos - que a cidade poderia ser derrotada graças a um cavalo de madeira. Para isso, o deus dos mares, Poseidon, enviou duas cobras do mar, e elas estrangularam Laocoonte e seus filhos. A estátua foi encontrada há relativamente pouco tempo, no século XVII. E o grande escultor renascentista Michelangelo disse que Laocoonte é a melhor estátua do mundo. Se na antiguidade não existissem amantes e colecionadores de exemplares de belas esculturas, a humanidade moderna não teria conhecido esta obra-prima.

Numerosas hermas romanas e gregas também chegaram até nós - cabeças e bustos de pessoas em arquibancadas. A arte de criar hermas tem origem na criação de pilares rituais de adoração a Hermes, em cujo topo havia uma cabeça moldada da divindade do comércio, da ciência e das viagens. Após o nome de Hermes, os pilares passaram a ser chamados de herms. Esses pilares estavam localizados em encruzilhadas, na entrada de uma cidade ou vila, ou na entrada de uma casa. Acreditava-se que tal imagem afugentava as forças do mal e os espíritos indelicados.

Por volta do século IV aC, todos os retratos de pessoas passaram a ser chamados de hermas; passaram a fazer parte do mobiliário interior da casa, e os ricos e nobres gregos e romanos adquiriram galerias inteiras de retratos, criando uma espécie de exposição de hermas familiares; . Graças a esta moda e tradição, sabemos como eram muitos dos antigos filósofos, generais e imperadores que viveram há milhares de anos.

A pintura grega antiga praticamente não chegou até nós, no entanto, os exemplos sobreviventes provam que a arte helênica atingiu o ápice da pintura realista e simbólica. A tragédia da cidade de Pompéia, soterrada pelas cinzas do Vesúvio, preservou até hoje pinturas brilhantes que cobriam todas as paredes de locais públicos e residenciais, inclusive casas de bairros pobres. Os afrescos de parede foram dedicados a uma variedade de temas; os artistas da antiguidade alcançaram a perfeição na pintura, e somente séculos depois esse caminho foi repetido pelos mestres do Renascimento.

Os historiadores testemunham que na Grécia Antiga havia uma extensão do templo de Atenas, que era chamado de Pinakothek, e pinturas gregas antigas eram mantidas lá. Lenda antiga conta como apareceu a primeira foto. Uma garota grega realmente não queria se separar de seu amante, que teve de ir para a guerra. Durante o encontro noturno, a lua estava cheia. A sombra de um jovem apareceu na parede branca. A garota pegou um pedaço de carvão e traçou sua sombra. Esta reunião acabou sendo a última. O jovem morreu. Mas sua sombra permaneceu na parede, e essa imagem sombria ficou por muito tempo guardada em um dos templos da cidade de Corinto.

Muitas pinturas dos antigos gregos foram criadas de acordo com o princípio do preenchimento da silhueta - primeiro, o contorno da figura foi desenhado no quadro, quase igual ao indicado na lenda, e só então o contorno começou a ser pintado. No início, os antigos gregos tinham apenas quatro cores - branco, preto, vermelho e amarelo. Eram à base de minerais coloridos e misturados com gema de ovo ou cera derretida e diluídos em água. As figuras distantes na imagem podiam ser maiores que as da frente; os antigos gregos usavam perspectiva direta e reversa; As pinturas foram pintadas em tábuas ou gesso úmido.

As belas artes também penetraram nos campos aplicados. Vasos, ânforas e vasos gregos pintados são guardados em muitos museus ao redor do mundo e nos trazem a beleza da vida cotidiana característica das civilizações antigas.

Uma arte antiga especial que nos trouxe toda a beleza da pintura antiga é o mosaico- pinturas colossais, dispostas a partir de pedaços de pedras coloridas e, em períodos posteriores, de vidro, foram criadas a partir de esboços pictóricos e revelaram-se uma espécie de arte eterna. Os mosaicos foram usados ​​para decorar pisos, paredes e fachadas de casas; eles desempenharam um papel estético e prático na criação de um ambiente de vida harmonioso e bonito.

A era da antiguidade tornou-se o apogeu da arte de criar beleza e harmonia em qualquer manifestação. O declínio e o esquecimento da cultura antiga levaram ao retorno da humanidade às filosofias do negativismo e ao triunfo de preconceitos absurdos. A perda da estética de admirar a beleza, a negação da beleza natural do corpo humano, a destruição de antigos templos e obras de arte tornaram-se a consequência mais notável do colapso do mundo antigo. Demorou séculos para que os ideais da antiguidade retornassem e começassem a ser repensados ​​criativamente pelos artistas da Renascença e, depois, pelos mestres modernos.

Existem muitos fatos históricos relacionados às estátuas gregas (que não iremos aprofundar nesta coleção). No entanto, você não precisa ser formado em história para admirar o incrível trabalho artesanal dessas magníficas esculturas. Obras de arte verdadeiramente atemporais, essas 25 estátuas gregas mais lendárias são obras-primas de proporções variadas.

Atleta de Fano

Conhecida pelo nome italiano de Atleta de Fano, Juventude Vitoriosa é uma escultura grega de bronze encontrada no Mar de Fano, na costa do Adriático, na Itália. O Fano Athlete foi construído entre 300 e 100 a.C. e atualmente faz parte das coleções do Museu J. Paul Getty, na Califórnia. Os historiadores acreditam que a estátua já fez parte de um grupo de esculturas de atletas vitoriosos em Olímpia e Delfos. A Itália ainda quer a escultura de volta e contesta a sua remoção do país.

Poseidon do Cabo Artemision
Uma antiga escultura grega que foi encontrada e restaurada perto do mar do Cabo Artemision. Acredita-se que o bronze Artemision represente Zeus ou Poseidon. Ainda há debate sobre esta escultura porque a falta de seu raio exclui a possibilidade de que seja Zeus, enquanto a falta de seu tridente também exclui a possibilidade de que seja Poseidon. A escultura sempre esteve associada aos antigos escultores Myron e Onatas.

Estátua de Zeus em Olímpia
A estátua de Zeus em Olímpia é uma estátua de 13 metros, com uma figura gigante sentada num trono. Esta escultura foi criada por um escultor grego chamado Fídias e atualmente está localizada no Templo de Zeus em Olímpia, na Grécia. A estátua é feita de marfim e madeira e representa o deus grego Zeus sentado em um trono de cedro decorado com ouro, ébano e outras pedras preciosas.

Atena Partenon
Atena do Partenon é uma estátua gigante de ouro e marfim da deusa grega Atena, descoberta no Partenon em Atenas. Feito de prata, marfim e ouro, foi criado pelo famoso escultor grego Fídias e é considerado hoje o mais famoso símbolo de culto de Atenas. A escultura foi destruída por um incêndio ocorrido em 165 a.C., mas foi restaurada e colocada no Partenon no século V.

Senhora de Auxerre
A Senhora de Auxerre de 75 cm é uma escultura cretense atualmente exposta no Louvre, em Paris. Ela retrata a deusa grega arcaica do século VI, Perséfone. Um curador do Louvre chamado Maxime Collignon encontrou a miniestátua na abóbada do Museu de Auxerre em 1907. Os historiadores acreditam que a escultura foi criada durante o século VII, durante o período de transição grega.

Mondrágono Antínous
A estátua de mármore de 0,95 metros de altura representa o deus Antínous entre um enorme grupo de estátuas de culto construídas para adorar Antínous como um deus grego. Quando a escultura foi encontrada em Frascati durante o século XVII, ela foi identificada por causa de suas sobrancelhas listradas, expressão séria e olhar voltado para baixo. Esta criação foi comprada em 1807 para Napoleão e atualmente está exposta no Louvre.

Apolo de Strangford
Uma antiga escultura grega feita de mármore, o Strangford Apollo foi construído entre 500 e 490 aC e foi criado em homenagem ao deus grego Apolo. Foi descoberto na ilha de Anafi e recebeu o nome do diplomata Percy Smith, 6º Visconde Strangford e verdadeiro dono da estátua. Apollo está atualmente alojado na Sala 15 do Museu Britânico.

Croisos de Anavisos
Descoberto na Ática, Kroisos de Anavysos é um kouros de mármore que já serviu como estátua funerária de Kroisos, um jovem e nobre guerreiro grego. A estátua é famosa por seu sorriso arcaico. Com 1,95 metros de altura, Kroisos é uma escultura independente construída entre 540 e 515 aC e atualmente está em exibição no Museu Arqueológico Nacional de Atenas. A inscrição sob a estátua diz: “Pare e chore no túmulo de Kroisos, que foi morto pelo furioso Ares quando ele estava nas primeiras filas”.

Biton e Kleobis
Criados pelo escultor grego Polymidis, Biton e Kleobis são um par de estátuas gregas arcaicas criadas pelos argivos em 580 aC para adorar dois irmãos relacionados por Sólon em uma lenda chamada Histórias. A estátua está agora no Museu Arqueológico de Delfos, na Grécia. Originalmente construído em Argos, Peloponeso, um par de estátuas foram encontradas em Delfos com inscrições na base identificando-as como Kleobis e Biton.

Hermes com o bebê Dionísio
Criado em homenagem ao deus grego Hermes, o Hermes de Praxíteles representa Hermes carregando outro personagem popular na mitologia grega, o bebê Dionísio. A estátua foi feita de mármore pariano. Segundo historiadores, foi construído pelos antigos gregos durante 330 AC. É hoje conhecida como uma das obras-primas mais originais do grande escultor grego Praxíteles e atualmente está abrigada no Museu Arqueológico de Olímpia, na Grécia.

Alexandre o grande
Uma estátua de Alexandre, o Grande, foi descoberta no Palácio de Pella, na Grécia. Revestida e feita de mármore, a estátua foi construída em 280 a.C. para homenagear Alexandre, o Grande, um popular herói grego que alcançou fama em várias partes do mundo e liderou batalhas contra os exércitos persas, especialmente em Granisus, Issuai e Gagamela. A estátua de Alexandre, o Grande, está agora em exibição entre as coleções de arte grega do Museu Arqueológico de Pella, na Grécia.

Kora em Peplos
Restaurado na Acrópole de Atenas, o Kore em Peplos é uma imagem estilizada da deusa grega Atena. Os historiadores acreditam que a estátua foi criada para servir como oferenda votiva nos tempos antigos. Feita durante o período arcaico da história da arte grega, Kora é caracterizada pela pose rígida e formal de Atena, seus cachos majestosos e seu sorriso arcaico. A estátua apareceu originalmente em uma variedade de cores, mas hoje apenas vestígios de suas cores originais podem ser observados.

Efebe de Anticítera
Feito de bronze fino, o Efebo de Anticítera é a estátua de um jovem, deus ou herói, segurando um objeto esférico na mão direita. Obra de escultura em bronze do Peloponeso, esta estátua foi recuperada de um naufrágio perto da ilha de Anticítera. Acredita-se que seja uma das obras escultor famoso Efranora. O efebo está atualmente em exibição no Museu Arqueológico Nacional de Atenas.

Cocheiro Delfos
Mais conhecido como Heniokos, o Cocheiro de Delfos é uma das estátuas mais populares que sobreviveram à Grécia antiga. Esta estátua de bronze em tamanho real retrata um cocheiro que foi restaurado em 1896 no Santuário de Apolo em Delfos. Aqui foi originalmente erguido durante o século IV para comemorar a vitória de uma equipe de bigas em esportes antigos. Originalmente parte de um enorme grupo de esculturas, o Cocheiro Delfos está agora exposto no Museu Arqueológico de Delfos.

Harmódio e Aristogéiton
Harmodius e Aristogeiton foram criados após o estabelecimento da democracia na Grécia. Criadas pelo escultor grego Antenor, as estátuas eram feitas de bronze. Estas foram as primeiras estátuas na Grécia a serem pagas com fundos públicos. O objetivo da criação era homenagear ambos os homens, que os antigos atenienses aceitavam como símbolos notáveis ​​da democracia. O local de instalação original foi Kerameikos em 509 DC, junto com outros heróis da Grécia.

Afrodite de Cnidos
Conhecida como uma das estátuas mais populares criadas pelo antigo escultor grego Praxíteles, Afrodite de Cnidos foi a primeira representação em tamanho real de uma Afrodite nua. Praxíteles construiu a estátua depois de ter sido contratado por Cos para criar uma estátua representando a bela deusa Afrodite. Além de ser uma imagem de culto, a obra-prima tornou-se um marco na Grécia. Sua cópia original não sobreviveu ao grande incêndio que ocorreu na Grécia Antiga, mas sua réplica está atualmente em exibição no Museu Britânico.

Vitória Alada da Samotrácia
Criado em 200 AC. A Vitória Alada de Samotrácia, representando a deusa grega Nike, é considerada hoje a maior obra-prima da escultura helenística. Atualmente está exposta no Louvre entre as estátuas originais mais famosas do mundo. Foi criado entre 200 e 190 a.C., não para homenagear a deusa grega Nike, mas em homenagem a uma batalha naval. A Vitória Alada foi estabelecida pelo general macedônio Demétrio, após sua vitória naval em Chipre.

Estátua de Leônidas I nas Termópilas
A estátua do rei espartano Leônidas I nas Termópilas foi erguida em 1955, em memória do heróico rei Leônidas, que se destacou durante a Batalha dos Persas em 480 aC. Uma placa foi colocada sob a estátua que diz: “Venha e leve”. Isto foi o que Leônidas disse quando o rei Xerxes e seu exército lhes pediram que depusessem as armas.

Aquiles ferido
O Aquiles ferido é uma representação do herói da Ilíada chamado Aquiles. Esta antiga obra-prima grega transmite sua agonia antes da morte, sendo ferido por uma flecha fatal. Feita de pedra de alabastro, a estátua original está atualmente alojada na residência Achilleion da Rainha Elizabeth da Áustria em Kofu, Grécia.

Gália morrendo
Também conhecido como a Morte de Gálata, ou o Gladiador Moribundo, o Gália Moribundo é uma antiga escultura helenística que foi criada entre 230 AC. e 220 AC para Átalo I de Pérgamo comemorar a vitória de seu grupo sobre os gauleses na Anatólia. Acredita-se que a estátua foi criada por Epigonus, um escultor da dinastia Attalid. A estátua retrata um guerreiro celta moribundo deitado sobre seu escudo caído ao lado de sua espada.

Laocoonte e seus filhos
A estátua atualmente localizada no Museu do Vaticano em Roma, Laocoonte e seus Filhos, também é conhecida como Grupo Laocoonte e foi originalmente criada por três grandes escultores gregos da ilha de Rodes, Agesender, Polydorus e Atenodoros. Esta estátua em tamanho real é feita de mármore e representa um sacerdote troiano chamado Laocoonte, junto com seus filhos Timbraeus e Antifantes, estrangulados por serpentes marinhas.

O Colosso de Rodes
Uma estátua representando o titã grego chamado Helios, o Colosso de Rodes foi erguido pela primeira vez na cidade de Rodes entre 292 e 280 AC. Reconhecida hoje como uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo, a estátua foi construída para celebrar a vitória de Rodes sobre o governante de Chipre durante o século II. Conhecida como uma das estátuas mais altas da Grécia Antiga, a estátua original foi destruída por um terremoto que atingiu Rodes em 226 AC.

Lançador de disco
Construído por um dos melhores escultores da Grécia Antiga durante o século V - Myron, o Discóbolo era uma estátua originalmente colocada na entrada do Estádio Panathinaikon, em Atenas, na Grécia, onde foi realizada a primeira prova dos Jogos Olímpicos. A estátua original, feita de pedra de alabastro, não sobreviveu à destruição da Grécia e nunca foi restaurada.

Diadumen
Encontrado na ilha de Tilos, Diadumen é uma antiga escultura grega criada durante o século V. A estátua original, restaurada em Tilos, faz atualmente parte das coleções do Museu Arqueológico Nacional de Atenas.

cavalo de Tróia
Feito de mármore e revestido com um revestimento especial de bronze, o Cavalo de Tróia é uma escultura da Grécia Antiga construída entre 470 aC e 460 aC para representar o Cavalo de Tróia na Ilíada de Homero. A obra-prima original sobreviveu à devastação da Grécia Antiga e atualmente está alojada no Museu Arqueológico de Olímpia, na Grécia.