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Takashi Murakami é um dos mais representantes proeminentes arte pop psicodélica moderna. As obras de Murakami surpreendem pela alegria, brilho e espontaneidade infantil. O artista atua nas redes sociais, ele se comunica com os fãs, publica constantemente fotos no Instagram.

Takashi Murakami consegue ainda combinar os talentos de artista, escultor, designer e empresário. Ele próprio faz a curadoria de suas exposições, estuda o mercado e seus mecanismos e colabora com marcas de moda. Murakami tem seu próprio estúdio, Kaikai Kiki, onde trabalha com desenhos animados.

Takashi Murakami nasceu em 1962 em Tóquio. Aqui ele recebeu seu doutorado pela Universidade de Tóquio Universidade Nacional Belas Artes e Música, onde estudou pintura tradicional japonesa do século XIX, conhecida como Nihonga. A popularidade do anime despertou o interesse de Murakami pela animação, dizendo que “ele representa a vida moderna no Japão”. O trabalho de Murakami também foi influenciado pela cultura pop americana – animação, quadrinhos, moda. O artista sempre nomeia suas obras de forma misteriosa, estranha e às vezes difícil de traduzir.

“Quem Tem Medo do Vermelho, do Amarelo, do Azul e da Morte”, 2010, Galeria Gagosian.

“Homenagem ao Mono Pink, 1960 G”, 2013, Galeria Perrotin.

Em 2000, Murakami foi curador da exposição Superflat, que explorou a influência da indústria do entretenimento na estética contemporânea e na percepção da arte contemporânea. Em suas obras, Murakami equilibra o Oriente e o Ocidente e brinca com os opostos. Em 2007, foi realizada a exposição retrospectiva “© Murakami”, que foi exibida no Museu de Arte Contemporânea de Los Angeles, no Museu do Brooklyn em Nova York, no Museum fur Moderne Kunst em Frankfurt e no Museu Guggenheim em Bilbao. Em 2010, as obras do artista foram expostas no Palácio de Versalhes, na França.

“Tang Tan Bo - Comunica”, 2014, Galeria Gagosian.

“E aí, quando tudo acabou... mudei o que era ontem, como um inseto rastejando na pele”, 2009.

“O grito do universo recém-nascido”, 2014, Galeria Gagosian.

Tadasu Takamine. "God Bless America", 2002. Vídeo (8 min. 18 seg.)

Perspectiva Dupla: Arte Moderna Japão
Curadores Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka

Parte um: "Realidade/Mundo Comum." Museu de Arte Moderna de Moscou, MT. Moscou, rua Ermolaevsky, 17
Parte dois: “Mundo Imaginário/Fantasias.” Museu de Arte Moderna de Moscou, MT. Moscou, Avenida Gogolevsky, 10

O Museu de Arte Moderna de Moscou em conjunto com a Fundação Japão apresenta a exposição “Dupla Perspectiva: Arte Contemporânea do Japão”, destinada a apresentar ao público em geral a arte contemporânea Artistas japoneses.
Uma perspectiva dupla significa dois curadores de países diferentes, dois locais de museu e uma estrutura de projeto em duas partes. Com curadoria de Elena Yaichnikova e Kenjiro Hosaka, a exposição reúne obras de mais de 30 artistas de diversas direções, atuando desde a década de 70 do século XX até a atualidade. O projeto consiste em duas partes - “O Mundo Real/Vida Cotidiana” e “Mundo Imaginário/Fantasia” - que estão localizadas no terreno do museu, na 17 Ermolaevsky Lane e 10 Gogolevsky Boulevard.

Parte Um: “Realidade/Mundo Comum”

A primeira parte da exposição “Mundo Real/Cotidiano” apresenta a visão dos artistas japoneses sobre o mundo que nos rodeia através de um apelo à história mundial do século XX (Yasumasa Morimura, Yoshinori Niwa e Yuken Teruya), reflexões sobre a estrutura sociedade moderna(Dumb Type e Tadasu Takamine), a interação com o espaço urbano (contato Gonzo e ChimPom) e a busca pela poesia no cotidiano (Shimabuku, Tsuyoshi Ozawa, Kohei Kobayashi e Tetsuya Umeda). Yasumasa Morimura na série de vídeos “Requiem” se transforma em vários personagens históricos: Chaplin, o escritor Yukio Mishima e até Lenin - e recria episódios de suas vidas. Outro participante do projeto, Tetsuya Umeda, cria instalações a partir de meios improvisados, coisas cotidianas - assim, o cotidiano mais banal vira arte. A exposição contará com obras de Yoko Ono – o famoso “Cut Piece” nas versões de 1965 e 2003 e a instalação sonora “Cough Piece” (1961). A exposição contará com obras de Kishio Suga, um dos representantes centrais do movimento Mono-Ha (traduzido como “Escola das Coisas”), que ofereceu uma alternativa japonesa ao modernismo ocidental. A seção de fotos apresentará trabalhos de Toshio Shibata, Takashi Homma e Lieko Shiga.

Yayoi Kusama. “Estou aqui, mas em lugar nenhum”, 2000. Mídia mista. Instalação na Maison de la culture du Japon, Paris.
Coleção do autor

As obras que compõem a segunda parte do projeto apresentarão ao público um mundo livre e imaginário no qual tudo o que não podemos ver no Vida real, tudo o que está fora dele. As obras dos artistas desta parte da exposição remetem à cultura pop japonesa, ao mundo da fantasia, da ingenuidade, dos mitos e das reflexões sobre a estrutura cosmogônica do mundo. Cada expositor dá seu próprio significado ao conceito de “imaginação”. Assim, o artista Tadanori Yokoo, em sua relação com o mundo imaginário, faz do desaparecimento, ou melhor, do “autodesaparecimento”, o tema principal de suas obras. Um motivo semelhante pode ser visto no trabalho de Yayoi Kusama: ao projetar suas fantasias na realidade, ela cria um mundo cheio de padrões bizarros. A escultura gigante “Child of the Sun” (2011) de Kenji Yanobe foi criada durante um momento terrível, quando houve uma explosão em Usina nuclear"Fukushima-1". Seu objeto monumental torna-se um ponto de intersecção de imaginações. A artista entende que a experiência vivida na fronteira do real se tornará o impulso para a criação de um novo mundo. A seção Mundo Imaginário/Fantasia também apresenta obras de Yoshitomo Nara, Takashi Murakami, Makoto Aida, Hiraki Sawa e muitos outros.
Algumas obras foram criadas especificamente para a exposição. O artista Yoshinori Niwa para seu projeto “Vladimir Lenin é procurado nos apartamentos de Moscou” (2012) veio a Moscou para encontrar artefatos associados à personalidade do revolucionário nos apartamentos dos moscovitas. Seu trabalho é uma documentação em vídeo de suas pesquisas e viagens por Moscou. O artista Tetsuya Umeda, cujas obras serão apresentadas simultaneamente em dois espaços, virá a Moscou para implementar suas instalações no local.
Estas duas partes da exposição, à primeira vista díspares, pretendem mostrar os dois pólos da arte japonesa, que na realidade se revelam inseparáveis ​​um do outro.
No âmbito da exposição está prevista também a realização de master classes abertas e reuniões criativas com os participantes do projeto. Haverá palestras do curador japonês Kenjiro Hosaka e do artista Kenji Yanobe. Para a Rússia, esta exposição é a primeira vez em tal escala que apresenta arte japonesa.

Yoshitomo Nara. "Noite azul-doce", 2001. 1166,5 x 100 cm Acrílico sobre tela.
Foto de : Yoshitaka Uchida

Kishio Suga “Espaço de Separação”, 1975. Ramos e blocos de concreto. 184 x 240 x 460 centímetros
Foto de : Yoshitaka Uchida

Kenji Yanobe. “Filho do Sol”, 2011. Fibra de vidro, aço, néon, etc. 620 x 444 x 263 cm. Instalação no Parque Memorial Ezpo"70
Foto de : Thomas Swab

O que são animes e mangás? A definição mais simples é assim:
Mangá são quadrinhos japoneses.
Anime é animação japonesa.

Muitas vezes acredita-se que os termos "mangá" e "anime" estão limitados a certos gêneros (ficção científica, fantasia) e estilos gráficos (realismo, " olhos grandes"). Isso não é verdade. Os termos "mangá" e "anime" definem apenas a cultura básica com base na qual as obras correspondentes são criadas.
Não há outro país no mundo onde se dê tanta atenção aos quadrinhos e à animação. Os criadores de quadrinhos japoneses populares são pessoas muito ricas (Takahashi Rumikom é uma das mulheres mais ricas do Japão), os mais famosos deles são celebridades nacionais. O mangá representa cerca de um quarto de todo o material impresso produzido no Japão e é lido independentemente de; idade e sexo. A posição do anime é um pouco mais modesta, mas também bastante invejável. Digamos que não exista um único país no mundo onde dubladores de animação (seiyuu) gozem de tanto reconhecimento, respeito e amor. Japão - o único país no mundo, indicando um longa-metragem de animação ao Oscar de “Melhor Filme Estrangeiro”.

Entre outras coisas, anime e mangá - excelente maneira apreciar não apenas como os japoneses modernos refletem e vivenciam suas tradições ancestrais, mas também como as obras japonesas refletem os motivos e tramas de outros povos. E não é verdade que o primeiro seja sempre mais interessante que o segundo. Você precisa conhecer muito bem a língua japonesa e a teoria literária para realmente entender como a versificação japonesa (e a mentalidade japonesa) difere das europeias. E para entender como os elfos japoneses diferem dos elfos de Tolkien, basta assistir a uma ou duas séries de TV.
Assim, anime e mangá são uma espécie de “porta dos fundos” para o mundo da consciência japonesa. E ao passar por esta passagem, não se pode apenas encurtar o caminho, sem ter que passar por todas as cercas e baluartes erguidos há mais de mil e quinhentos anos." Alta cultura“O Japão (a arte do anime e do mangá é muito mais jovem e tem menos tradições), mas também oferece muito prazer. Combinar negócios com prazer - o que poderia ser melhor?

Agora algumas notas específicas sobre mangá e anime separadamente.

Mangá

"Picture Stories" são conhecidas no Japão desde o seu início. História cultural. Mesmo em montes kofun (túmulos de governantes antigos), os arqueólogos encontram desenhos que lembram histórias em quadrinhos em ideologia e estrutura.
A difusão de “histórias ilustradas” sempre foi facilitada pela complexidade e ambiguidade da escrita japonesa. Mesmo agora, as crianças japonesas só podem ler livros e jornais “adultos” depois de terminarem a escola primária (aos 12 anos!). Quase imediatamente após o surgimento da prosa japonesa, surgiram suas recontagens ilustradas, nas quais havia pouco texto e o papel principal era desempenhado pelas ilustrações.

Os primeiros quadrinhos japoneses são considerados “Imagens engraçadas da vida dos animais”, criadas no século 12 pelo sacerdote e artista budista Kakuyu (outro nome é Toba, anos de vida - 1053-1140). São quatro rolos de papel que representam uma sequência de imagens desenhadas em tinta preta e branca com legendas. As imagens falavam de animais representando pessoas e de monges budistas violando as regras. Agora, esses pergaminhos são considerados uma relíquia sagrada e são guardados no mosteiro onde viveu o asceta Kakuyu.
Ao longo dos quase mil anos de sua história, “histórias em imagens” tiveram aparências e nomes diferentes. A palavra “mangá” (literalmente “imagens estranhas (ou engraçadas), grotescas”) foi cunhada pelo famoso artista gráfico Katsushika Hokusai em 1814, e embora o próprio artista a tenha usado para uma série de desenhos de “vida”, o termo ficou para consulte histórias em quadrinhos.
O desenvolvimento do mangá foi muito influenciado pela caricatura europeia e pelos quadrinhos americanos, que se tornaram famosos no Japão na segunda metade do século XIX. A primeira metade do século 20 - época da busca pelo lugar dos quadrinhos no sistema cultura japonesa novo tempo. O governo militarista desempenhou um grande papel aqui, usando cultura popular influenciar a população. Os militares financiaram mangás “corretos” (até começaram a aparecer em cores por pouco tempo) e proibiram mangás com críticas políticas, obrigando ex-cartunistas a dominarem tramas de aventura e fantasia (por exemplo, a ideia de um “robô gigante” apareceu pela primeira vez no mangá de vingança de 1943, no qual tal robô destruiu os odiados EUA). Finalmente, em período pós-guerra O grande Tezuka Osamu, com suas obras, fez uma verdadeira revolução no mundo do mangá e, junto com seus alunos e seguidores, fez do mangá a principal direção da cultura de massa.

O mangá é quase sempre em preto e branco; apenas as capas e ilustrações individuais são desenhadas em cores. A maioria dos mangás são séries serializadas, publicadas em jornais ou (mais frequentemente) em revistas semanais ou mensais. O tamanho normal da porção de uma série em uma revista semanal é de 15 a 20 páginas. O mangá, popular entre os leitores, é republicado na forma de volumes separados - tankobons. Existem, é claro, histórias curtas de mangá e mangás publicados imediatamente na forma de tankobon.
Existem muitas revistas de mangá no Japão. Cada um deles é direcionado a um público específico, por exemplo, adolescentes mais jovens interessados ​​em fantasia ou adolescentes mais velhas interessadas em balé. As diferenças mais fortes são entre mulheres e revistas masculinas. O público dessas revistas varia desde crianças (para quem o mangá é impresso sem legendas) até homens e mulheres de meia-idade. Já existem experiências na área de mangá para idosos. É claro que essa variedade de públicos deu origem a toda uma variedade de estilos e gêneros: do simbolismo ao fotorrealismo e dos contos de fadas ao obras filosóficas e livros escolares.

O criador de um mangá é chamado de “mangaká”. Geralmente uma pessoa (muitas vezes com assistentes aprendizes) desenha uma história em quadrinhos e escreve textos, mas a criatividade em grupo também ocorre. Porém, não é comum que mais de três ou quatro pessoas trabalhem em um único mangá. Isso aumenta a integridade artística e a renda pessoal aumenta. Além do mangá profissional, também existe o mangá amador - “doujinshi”. Muitos artistas de mangá começaram como criadores de doujinshi ("doujinshika"). EM principais cidades Existem mercados especiais onde os doujinshi vendem seus produtos e às vezes encontram editoras sérias para seus trabalhos.

Anime

O termo “anime” só se consolidou em meados da década de 1970, antes da qual as pessoas costumavam dizer “manga-eiga” (“quadrinhos de cinema”). Os japoneses iniciaram suas primeiras experiências com animação em meados da década de 1910, e o primeiro anime apareceu em 1917. Durante muito tempo a anime esteve à margem do cinema, mas também aqui os militaristas tiveram um papel benéfico, apoiando qualquer arte “correta”. Assim, os dois primeiros grandes filmes de anime foram lançados em 1943 e 1945, respectivamente, e eram propaganda de “jogo” que glorificava o poder do exército japonês. Tal como no caso da manga, Tezuka Osamu teve um papel decisivo na história da anime, que propôs abandonar a competição inútil com as longas-metragens de Walt Disney e passar a criar séries televisivas superiores às americanas não na qualidade de imagem, mas em atratividade para o público japonês.

A maioria dos animes são séries de TV e séries produzidas para venda em vídeo (séries OAV). No entanto, também existem muitos filmes de TV e animes completos. Em termos de diversidade de estilos, gêneros e públicos, o mangá é significativamente superior ao anime, mas este último vem alcançando seu concorrente a cada ano. Por outro lado, muitos animes são adaptações de mangás populares e não competem, mas apoiam-se comercialmente. Porém, a maioria dos animes são para crianças e adolescentes, embora também existam animes para jovens. O público de meia-idade está sendo capturado por “animes familiares”, que as crianças assistem com os pais. A serialidade dita suas próprias leis - os criadores de anime são menos propensos a experimentos técnicos, mas eles prestam muita atenção à criação de personagens atraentes e interessantes (daí a importância da dublagem de alta qualidade) e ao desenvolvimento de um enredo. Os designers de anime são mais importantes que os animadores.
Anime é criado por estúdios de anime, geralmente relativamente pequenos e que trabalham com financiamento externo de vários patrocinadores (canais de TV, empresas de brinquedos, editoras de mangá). Normalmente, esses estúdios surgem em torno de alguns criadores excepcionais e, portanto, o estúdio geralmente tem um certo “estilo de estúdio” definido pelos principais designers.

O mundo de hoje é frequentemente acusado de crise espiritual, na destruição dos laços com as tradições, na globalização, que inevitavelmente absorve fundações nacionais. Tudo é personificado e despersonalizado ao mesmo tempo. Se o chamado arte clássica poderíamos dividir-nos em escolas nacionais e imaginar o que é arte italiana, o que é arte alemã e o que é francês; então podemos dividir a arte contemporânea nas mesmas “escolas”?

Em resposta à questão colocada, gostaria de apresentar à sua atenção a arte contemporânea japonesa. Numa conferência em Museu de Arte Mori, sobre o tema do internacionalismo na arte contemporânea no ano passado, o professor da Universidade de Tóquio, Michio Hayashi, sugeriu que a percepção popular do “japonês” no Ocidente foi consolidada na década de 1980 pela trindade de “kitsch”, “naturalidade” e “ sofisticação tecnológica.” Hoje, a arte contemporânea popular, e especialmente comercialmente popular, no Japão ainda pode ser colocada dentro deste triângulo. Para o espectador ocidental, permanece misterioso e original devido características específicas, inerente apenas à arte da Terra do Sol Nascente. Em agosto, Ocidente e Oriente se encontraram em três espaços de arte ao mesmo tempo: até 8 de agosto, a exposição “Dualidade da Existência - Pós - Fukushima” foi realizada em Manhattan (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan), a exposição “teamLab: Ultra Espaço Subjetivo” durou até 15 de agosto, quase próximo (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); e “O Ciclo de Arhats” de Takashi Murakami no Palazzo Reale de Milão continua a cativar e surpreender os visitantes.

Todos os trabalhos apresentados foram criados após 11 de março de 2011, quando o tsunami atingiu o Japão. O desastre nuclear na central nuclear de Fukushima uniu a nação, forçou-a a reconsiderar prioridades e valores e, mais uma vez, a recorrer a medidas de longa data tradições esquecidas. A arte não poderia ficar de lado e apresentou ao mundo um novo tipo de artista, focado nas necessidades do espectador moderno e ao mesmo tempo honrando fundamentos e valores históricos.

Takashi Murakami é um artista de sucesso comercial que popularizou o techno-kitsch e criou uma nova linguagem visual, superplana, baseada na tradição Pintura japonesa nihonga e as especificidades do anime e mangá. A ideologia das suas esculturas replicadas e das suas instalações ultrajantes pretendia demonstrar a mudança no Japão após a guerra, quando o consumismo se tornou predominante. Mas o 11 de Março de 2011 dividiu a vida do Japão em “antes” e “depois”, tal como os dois dias terríveis de Agosto de 1945, quando o bombas nucleares para Hiroshima e Nagasaki. Depois daquele forte terremoto, que teve consequências terríveis, Murakami embarcou no caminho de repensar o budismo e a estética japonesa, dando um passo no sentido do retorno às raízes e à espiritualidade. A primeira obra que marcou o início do ciclo “Arhats” é “500 Arhats”, exposta na exposição individual de Takashi Murakami em Doha, Qatar, em 2012. O retorno aos temas budistas é explicado pelo autor como uma tentativa de perceber que neste mundo não existe apenas nós, que existem forças independentes de nós, e que devemos melhorar cada vez para deixar de ser dependentes de nós. próprios desejos e afeta. A densa parede de arhats, como se protegesse os espectadores dos elementos furiosos ao longo dos 100 metros da tela, incutiu paz e tranquilidade na alma de todos. Mas Murakami não se limitou a apenas uma obra e deu continuidade ao ciclo de pinturas, complementando e ampliando a narrativa, como se usasse a técnica do mangá e contasse a história em design visual. A segunda parte da série foi apresentada na galeria Blum & Poe (Los Angeles) em 2013. Hoje, em Milão, os arhats viajam pelo mundo pela terceira vez, difundindo a ideia do retorno à espiritualidade e da renúncia às emoções. Apesar da edificação e profundidade de significado, as pinturas são facilmente percebidas devido ao esquema de cores ousado e brilhante, à própria linguagem artística. Elementos do mangá trouxeram a quantidade necessária de popularização para que as idéias transmitidas do Budismo pudessem ser facilmente lidas e percebidas até mesmo pelo público não iniciado.

O próximo representante da pintura japonesa moderna pode ser chamado de Kazuki Umezawa, aluno de Murakami, o que nos remete à questão da escola e da continuidade. Ele cria representações digitais de personagens de anime pintando-os sobre adesivos para criar profundidade extra e caos visual. A partir de imagens aleatórias espalhadas pela Internet, ele constrói colagens, desmembrando fundos, criando mandalas que refletem a estrutura e o conteúdo do imaginário dos otaku (fãs de animes e mangás). O apelo a um símbolo budista aumenta o valor semântico das obras jovem artista, conectando, por um lado, o sagrado e o estabelecido na cultura, por outro, questões modernas, mas novamente com a inclusão de um fenômeno especificamente japonês – a anime.

Takashi Murakami e Kazuki Umezawa equilibram habilmente entre relevância e tradição, kitsch e estilo.

É surpreendente que após o terremoto de 11 de março de 2011 no Japão, um garoto de 16 anos que ficou nove dias preso sob os escombros de sua casa e foi resgatado respondeu à pergunta de um jornalista sobre seus sonhos para o futuro: “Eu quero para se tornar um artista.”

Os japoneses descobriram a beleza escondida nas coisas nos séculos IX-XII, durante a era Heian (794-1185) e até a designaram com um conceito especial “ mono não ciente"(Japonês: 物の哀れ (もののあわれ)), que significa “o triste encanto das coisas”. “O encanto das coisas” é uma das primeiras definições de beleza na literatura japonesa e está associada à crença xintoísta de que cada coisa contém a sua própria divindade – kami – e o seu charme único. Avaré é a essência interior das coisas, aquilo que causa deleite e excitação.

- Washi (wasi) ou wagami (wagami).
Fabricação de papel artesanal. Os japoneses medievais valorizavam o washi não apenas por suas qualidades práticas, mas também por sua beleza. Era famoso pela sua magreza, quase transparência, o que, no entanto, não o privou da sua força. Washi é feito da casca da árvore kozo (amoreira) e de algumas outras árvores.
O papel Washi foi preservado durante séculos, como evidenciado por álbuns e volumes de caligrafia japonesa antiga, pinturas, telas e gravuras que sobreviveram ao longo dos séculos até os dias atuais.
O papel Washi é fibroso; se você olhar através de um microscópio, verá lacunas pelas quais o ar e a luz solar penetram. Essa qualidade é utilizada na fabricação de biombos e lanternas tradicionais japonesas.
As lembranças Washi são muito populares entre os europeus. Muitos itens pequenos e úteis são feitos com este papel: carteiras, envelopes, leques. Eles são bastante duráveis ​​e ainda assim leves.

- Gohei.
Talismã feito de tiras de papel. Gohei é um cajado ritual de um sacerdote xintoísta, ao qual são fixadas tiras de papel em zigue-zague. As mesmas tiras de papel estão penduradas na entrada de um santuário xintoísta. O papel do papel no xintoísmo tem sido tradicionalmente muito grande, e os produtos feitos com ele sempre tiveram um significado esotérico. E a crença de que cada coisa, cada fenômeno, até mesmo palavras, contém um kami - uma divindade - também explica o surgimento de um tipo de arte aplicada como o gohei. O xintoísmo é, em alguns aspectos, muito semelhante ao nosso paganismo. Para os xintoístas, os kami se instalam de boa vontade em tudo o que é incomum. Por exemplo, em papel. E mais ainda no gohei enrolado em zigue-zague sofisticado, que hoje fica pendurado em frente à entrada dos santuários xintoístas e indica a presença de uma divindade no templo. Existem 20 opções de dobramento para o gohei, e aquelas dobradas atraem os kami de maneira especialmente incomum. Principalmente o gohei é branco, mas também há dourado, prata e muitos outros tons. Desde o século 9, existe um costume no Japão de prender gohei aos cintos dos lutadores de sumô antes do início da luta.

-Anesama.
Isso é fazer bonecos de papel. No século 19, as esposas dos samurais faziam bonecos de papel com os quais as crianças brincavam, vestindo-as com roupas diferentes. Em tempos em que não existiam brinquedos, anesama era a única interlocutora das crianças, “desempenhando” o papel de mãe, irmã mais velha, filho e amigo.
A boneca é enrolada em papel washi japonês, o cabelo é feito de papel amassado, pintado com tinta e coberto com cola, o que lhe confere um acabamento brilhante. Característica distintivaé um narizinho fofo em um rosto comprido. Hoje, este brinquedo simples, que não exige nada mais do que mãos habilidosas, de formato tradicional, continua a ser feito da mesma forma que antes.

- Origami.
A antiga arte de dobrar papel (折り紙, lit.: “papel dobrado”). A arte do origami tem raízes na China antiga, onde o papel foi inventado. Origami foi originalmente usado em rituais religiosos. Durante muito tempo, esse tipo de arte esteve ao alcance apenas dos representantes das classes altas, onde boas maneiras tinha domínio das técnicas de dobradura de papel. Somente após a Segunda Guerra Mundial o origami foi além do Oriente e chegou à América e à Europa, onde encontrou imediatamente seus adeptos. O origami clássico é feito de uma folha quadrada de papel.
Existe um certo conjunto de símbolos necessários para esboçar o diagrama de dobramento até mesmo do produto mais complexo. A maioria dos sinais convencionais foram introduzidos na prática em meados do século XX pelo famoso mestre japonês Akira Yoshizawa.
O origami clássico requer o uso de uma folha de papel quadrada e de cor uniforme, sem cola ou tesoura. As formas de arte contemporânea por vezes afastam-se deste cânone.

- Kirigami.
Kirigami é a arte de recortar várias formas de uma folha de papel dobrada várias vezes com uma tesoura. Uma espécie de origami que permite o uso de tesoura e corte de papel durante o processo de confecção do modelo. Esta é a principal diferença entre o kirigami e outras técnicas de dobradura de papel, que é enfatizada no nome: 切る (kiru) - corte, 紙 (gami) - papel. Quando crianças, todos nós gostávamos de recortar flocos de neve - uma versão do kirigami usando esta técnica você pode recortar não apenas flocos de neve, mas também várias figuras, flores, guirlandas e outras coisas fofas de papel. Esses produtos podem ser usados ​​​​como estênceis para estampas, decoração de álbuns, cartões, molduras para fotos, design de roupas, design de interiores e outras decorações diversas.

-Ikebana.
Ikebana, (japonês 生け花 ou いけばな) traduzido do japonês - ike” - vida, “bana” - flores, ou “flores que vivem”. A arte japonesa dos arranjos florais é uma das mais belas tradições do povo japonês. Na composição do ikebana, juntamente com as flores, utilizam-se ramos cortados, folhas e rebentos. O princípio fundamental é o princípio da simplicidade requintada, para o qual procuram realçar a beleza natural das plantas. Ikebana é a criação de uma nova forma natural em que a beleza de uma flor e a beleza da alma do mestre que cria a composição se combinam harmoniosamente.
Hoje no Japão existem 4 maiores escolas de ikebana: Ikenobo, Koryu, Ohara, Sogetsu. Além deles, existem cerca de mil direções e tendências diferentes que aderem a uma dessas escolas.

- Oribana.
Em meados do século XVII, duas escolas surgiram do Ikenobo: ohara (a forma principal de ikebana é o oribana) e koryu (a forma principal é sseka). Aliás, a escola ohara ainda estuda apenas oribana. Como dizem os japoneses, é muito importante que o origami não vire origami. Gomi significa lixo em japonês. Afinal, você dobrou um pedaço de papel e o que fazer com ele? Oribana oferece muitas ideias de buquês para decoração de interiores. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Errado.
Um tipo de arte nascida da floricultura. A floricultura surgiu em nosso país há oito anos, embora já exista no Japão há mais de seiscentos anos. Era uma vez, na Idade Média, um samurai que aprendeu o caminho do guerreiro. E oshibana fazia parte desse caminho, assim como escrever hieróglifos e empunhar uma espada. O significado do erro foi que em estado de presença total no momento (satori), o mestre criou um quadro a partir de flores secas (flores prensadas). Então essa imagem poderia servir de chave, de guia para aqueles que estavam prontos para entrar no silêncio e vivenciar esse mesmo satori.
A essência da arte do “oshibana” é que ao coletar e secar flores, ervas, folhas, cascas sob pressão e colá-las sobre uma base, o autor cria um verdadeiro trabalho de “pintura” com a ajuda de plantas. Em outras palavras, oshibana é pintar com plantas.
Criatividade artística floristas baseia-se na preservação da forma, cor e textura do material vegetal seco. Os japoneses desenvolveram uma técnica para proteger as pinturas de oshibana do desbotamento e do escurecimento. A sua essência é que o ar seja bombeado entre o vidro e a imagem e seja criado um vácuo que evita a deterioração das plantas.
O que atrai as pessoas não é apenas o pouco convencionalidade desta arte, mas também a oportunidade de mostrar imaginação, gosto e conhecimento das propriedades das plantas. Os floristas criam ornamentos, paisagens, naturezas mortas, retratos e pinturas de temas.

- Bonsai.
O bonsai, como fenômeno, surgiu há mais de mil anos na China, mas essa cultura atingiu o auge de seu desenvolvimento apenas no Japão. (bonsai - japonês 盆栽 lit. "planta em vaso") - a arte de cultivar uma cópia exata de uma árvore real em miniatura. Estas plantas foram cultivadas por monges budistas vários séculos aC e posteriormente tornaram-se uma das ocupações da nobreza local.
Bonsai decorava casas e jardins japoneses. Durante a era Tokugawa, o projeto do parque recebeu um novo impulso: o cultivo de azaléias e bordos tornou-se um passatempo para pessoas ricas. O cultivo de plantas anãs (hachi-no-ki - “árvore em vaso”) também se desenvolveu, mas os bonsai daquela época eram muito grandes.
Hoje em dia, as árvores comuns são usadas para o bonsai; elas se tornam pequenas graças à poda constante e a vários outros métodos. Ao mesmo tempo, a proporção entre os tamanhos do sistema radicular, limitado pelo volume da tigela, e a parte do solo do bonsai corresponde às proporções de uma árvore adulta na natureza.

-Mizuhiki.
Semelhante ao macramê. Esta é uma antiga arte aplicada japonesa de dar vários nós de cabos especiais e criando padrões a partir deles. Essas obras de arte tinham uma gama extremamente ampla de aplicações - desde cartões-presente e cartas até penteados e bolsas. Hoje em dia, o mizuhiki é extremamente utilizado na indústria de presentes - cada acontecimento da vida é acompanhado de um presente, embrulhado e amarrado de uma forma muito específica. Há um número extremamente grande de nós e composições na arte do mizuhiki, e nem todo japonês os conhece todos de cor. Claro, existem os nós mais comuns e simples que são usados ​​​​com mais frequência: para parabéns pelo nascimento de um filho, para um casamento ou funeral, aniversário ou admissão na universidade.

- Kumihimo.
Kumihimo é uma técnica de trança japonesa. Quando os fios são entrelaçados, obtêm-se fitas e rendas. Esses cadarços são tecidos em máquinas especiais - Marudai e Takadai. O tear Marudai é usado para tecer rendas redondas, enquanto o tear Takadai é usado para rendas planas. Kumihimo traduzido do japonês significa “tecer cordas” (kumi - tecer, dobrar, himo - corda, renda). Apesar de os historiadores insistirem teimosamente que tecelagens semelhantes podem ser encontradas entre os escandinavos e os habitantes dos Andes, a arte japonesa do kumihimo é verdadeiramente um dos tipos mais antigos de tecelagem. A primeira menção remonta a 550, quando o budismo se espalhou pelo Japão e cerimônias especiais exigiam decorações especiais. Posteriormente, os cadarços kumihimo passaram a ser usados ​​​​como prendedor do cinto obi do quimono feminino, como cordas para “embalar” todo o arsenal de armas do samurai (os samurais usavam o kumihimo para fins decorativos e funcionais, para amarrar sua armadura e a armadura de seus cavalos) e também para amarrar objetos pesados.
Vários padrões de kumihimo modernos são tecidos com muita facilidade em teares de papelão caseiros.

-Komono.
O que resta de um quimono depois de ter cumprido o seu propósito? Você acha que está sendo jogado fora? Nada como isso! Os japoneses nunca farão isso. Quimono é uma coisa cara. É impensável e impossível simplesmente jogá-lo fora... Junto com outros tipos de reaproveitamento de quimonos, as artesãs confeccionavam pequenos souvenirs a partir de pequenos retalhos. Isso inclui pequenos brinquedos para crianças, bonecas, broches, guirlandas, joias femininas e outros produtos que são usados ​​para fazer pequenas coisas fofas, que são coletivamente chamadas de “komono”. Pequenas coisas que viverão própria vida, continuando o caminho do quimono. Isto é o que a palavra “komono” significa.

-Kanzashi.
A arte de decorar grampos de cabelo (na maioria das vezes decorados com flores (borboletas, etc.) feitos de tecido (principalmente seda). O kanzashi japonês é um grampo longo para um penteado tradicional feminino japonês. Eles eram feitos de madeira, laca, prata, tartaruga , usado em penteados tradicionais chineses e japoneses Há cerca de 400 anos, o estilo do penteado feminino mudou no Japão: as mulheres pararam de pentear os cabelos. forma tradicional- taregami (cabelo longo e liso) e comecei a modelá-lo de maneira complexa e formas extravagantes- nihongami. Usado para modelar cabelos vários itens- grampos de cabelo, paus, pentes. É então que até um simples pente kushi se transforma num acessório elegante e de extraordinária beleza, que se torna uma verdadeira obra de arte. O traje tradicional das mulheres japonesas não permitia joias e colares no pulso, então enfeites para o cabelo eram beleza principal e um campo de autoexpressão - além de demonstrar o gosto e a espessura da carteira do proprietário. Nas gravuras você pode ver - se olhar de perto - como as mulheres japonesas facilmente penduravam até vinte kanzashi caros em seus penteados.
Atualmente, há um renascimento da tradição do uso de kanzashi entre as jovens japonesas que desejam adicionar sofisticação e elegância aos seus penteados modernos. Os grampos de cabelo modernos podem ser decorados com apenas uma ou duas elegantes flores feitas à mão;

-Kinusayga.
Um incrível tipo de artesanato japonês. Kinusaiga (絹彩画) é um cruzamento entre batik e patchwork. A ideia principal é que novas pinturas sejam montadas peça por peça a partir de velhos quimonos de seda - obras verdadeiras arte.
Primeiro, o artista faz um esboço no papel. Em seguida, esse desenho é transferido para uma placa de madeira. O contorno do desenho é cortado com ranhuras, ou ranhuras, e então pequenos pedaços de cor e tom correspondentes são cortados de um velho quimono de seda, e as bordas dessas peças preenchem as ranhuras. Ao olhar para uma foto assim, você tem a sensação de que está olhando uma fotografia, ou mesmo apenas observando a paisagem pela janela, de tão realistas.

-Temari.
São bolas bordadas geométricas tradicionais japonesas feitas com pontos simples que já foram um brinquedo infantil e agora se tornaram uma forma de arte aplicada com muitos fãs não só no Japão, mas em todo o mundo. Acredita-se que há muito tempo esses produtos eram feitos pelas esposas dos samurais para entretenimento. No início serviam como bola para jogar bola, mas aos poucos foram adquirindo elementos artísticos, transformando-se posteriormente em enfeites decorativos. A delicada beleza dessas bolas é conhecida em todo o Japão. E hoje, produtos coloridos e cuidadosamente elaborados são um dos tipos de artesanato popular no Japão.

- Yubinuki.
Dedais japoneses, ao costurar ou bordar à mão, são colocados na falange média do dedo médio da mão ativa, com a ajuda das pontas dos dedos a agulha recebe a direção desejada e o anel no dedo médio empurra a agulha através do trabalho. Inicialmente, os dedais yubinuki japoneses eram feitos de forma bastante simples - uma tira de tecido grosso ou couro com cerca de 1 cm de largura em várias camadas era firmemente enrolada no dedo e presa com alguns pontos decorativos simples. Como os yubinuks eram um item necessário em todas as casas, eles passaram a ser decorados com bordados geométricos com fios de seda. Pontos interligados criaram padrões coloridos e complexos. Yubinuki de objeto simples o cotidiano também virou objeto de “admiração”, decoração Vida cotidiana.
Os Yubinuki ainda são usados ​​para costura e bordado, mas além disso também podem ser encontrados simplesmente usados ​​nas mãos de qualquer dedo, como anéis decorativos. Eles decoram com bordados no estilo yubinuki. vários itens em forma de anel - argolas para guardanapos, pulseiras, suportes para temari, decorados com bordados yubinuki, também há estojos de agulhas bordados no mesmo estilo; Os padrões Yubinuki podem ser uma grande fonte de inspiração para bordados temari obi.

- Suibokuga ou sumie.
Pintura a tinta japonesa. Este estilo chinês de pintura foi emprestado por artistas japoneses no século XIV e no final do século XV. tornou-se a principal direção da pintura no Japão. Suibokuga é monocromático. É caracterizada pelo uso de tinta preta (sumi), uma forma dura de carvão ou tinta chinesa derivada de fuligem, que é moída em tinteiro, diluída em água e pincelada sobre papel ou seda. O monocromático oferece ao mestre uma escolha infinita de opções tonais, que os chineses há muito reconhecem como as “cores” da tinta. Suibokuga às vezes permite o uso de cores reais, mas limita-o a traços finos e transparentes, que ficam sempre subordinados ao traço executado a tinta. A pintura a tinta partilha com a arte da caligrafia características essenciais como a expressão rigorosamente controlada e o domínio técnico da forma. A qualidade da pintura a nanquim se resume, como na caligrafia, à integridade e resistência ao rasgo da linha traçada com tinta, que parece segurar a obra de arte sobre si mesma, assim como os ossos seguram o tecido sobre si mesmos.

- Etagami.
Cartões postais desenhados (e - imagem, tags - carta). Fazer cartões com as próprias mãos é geralmente uma atividade muito popular no Japão e antes do feriado sua popularidade aumenta ainda mais. Os japoneses adoram enviar cartões postais aos amigos e também adoram recebê-los. É um tipo de carta rápida em formulários especiais em branco, que pode ser enviada pelo correio sem envelope. Não existem regras ou técnicas especiais no etegami; qualquer pessoa pode fazê-lo sem treinamento especial. Os estágios ajudam a expressar com precisão o humor, as impressões, este é um cartão postal feito à mão composto por uma imagem e carta curta, transmitindo as emoções do remetente, como calor, paixão, cuidado, amor, etc. Esses cartões são enviados nos feriados e assim mesmo, retratando estações, ações, vegetais e frutas, pessoas e animais. Quanto mais simples essa imagem for desenhada, mais interessante ela parecerá.

-Furoshiki.
Técnica japonesa de embalagem ou arte de dobrar tecidos. Os Furoshiki fazem parte da vida japonesa há muito tempo. Foram preservados pergaminhos antigos dos períodos Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) com imagens de mulheres carregando trouxas de roupas embrulhadas em pano na cabeça. Esta técnica interessante originou-se em 710-794 DC no Japão. A palavra "furoshiki" se traduz literalmente como "tapete de banho" e é um pedaço quadrado de pano usado para embrulhar e transportar objetos de todos os formatos e tamanhos.
Antigamente, nos banhos japoneses (furo), era costume usar quimonos leves de algodão, que os visitantes traziam de casa. O banhista também trazia um tapete especial (shiki) sobre o qual ficava de pé enquanto se despia. Vestindo um quimono de “banho”, o visitante embrulhava suas roupas em um tapete, e após o banho enrolava o quimono molhado no tapete para levá-lo para casa. Assim, o tapete de banho virou uma bolsa multifuncional.
O Furoshiki é muito fácil de usar: o tecido assume o formato da peça que você está embrulhando e as alças facilitam o transporte da carga. Além disso, um presente embrulhado não em papel duro, mas em tecido macio e multicamadas, adquire uma expressividade especial. Existem muitos padrões para dobrar furoshiki para qualquer ocasião, todos os dias ou feriados.

- Amigurumi.
A arte japonesa de tricotar ou fazer crochê pequenos animais macios e criaturas humanóides. Amigurumi (japonês 編み包み, lit.: “embrulhado em malha”) são na maioria das vezes animais fofos (como ursos, coelhinhos, gatos, cachorros, etc.), pessoas, mas também podem ser objetos inanimados dotados de propriedades humanas. Por exemplo, cupcakes, chapéus, bolsas e outros. Amigurumi é tricotado ou tricotado. EM Ultimamente Os amigurumi de crochê tornaram-se mais populares e comuns.
Eles são tricotados com fio usando um método de tricô simples - em espiral e, ao contrário do método de tricô europeu, os círculos geralmente não estão conectados. Eles também são tricotados em um tamanho menor em relação à espessura do fio para criar um tecido muito justo, sem lacunas por onde o enchimento possa escapar. Os amigurumi geralmente são feitos de partes e depois montados, com exceção de alguns amigurumi que não têm membros, mas apenas cabeça e tronco que formam um todo. Os membros às vezes são recheados com pedaços de plástico para lhes dar peso vivo, enquanto o resto do corpo é preenchido com enchimento de fibra.
A difusão da estética do amigurumi é facilitada pela sua fofura (“kawaiiness”).