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CUBISMO O cubismo é a revolução artística mais completa e radical desde o Renascimento J. Golding

O cubismo (cubismo francês, de cubo) é um movimento artístico do primeiro quartel do século XX. A linguagem plástica do cubismo baseava-se na deformação e decomposição de objetos em planos geométricos, uma mudança plástica de forma. Muitos artistas russos passaram por um fascínio pelo cubismo, muitas vezes combinando seus princípios com as técnicas de outras tendências artísticas modernas - o futurismo e o primitivismo. Futurismo do Primitivismo O cubofuturismo tornou-se uma versão específica da interpretação do cubismo em solo russo. cubofuturismo

O nascimento do cubismo ocorreu às vésperas da Primeira Guerra Mundial. O novo movimento na arte modernista causou uma raiva natural entre os habitantes da cidade. Por trás do cubismo nas artes visuais, houve uma época um círculo de poetas e críticos que seguiram a filosofia de Bergson, também convencionalmente chamados de cubistas. O líder indiscutível desta tendência foi o poeta e publicitário G, Apollinaire.G, Apollinaire Em 1912, foi publicado o primeiro livro da teoria cubista dos artistas Gleizes e Metzinger Sobre o Cubismo. Em 1913, apareceu uma coleção de artigos de Apollinaire, Cubist Artists. Foi somente em 1920 que foi criada a obra de Kahnweiler, The Rise of Cubism, considerada um clássico.

DELAUNAY, ROBERT (Delaunay, Robert) (1885–1941), artista francês, criador do estilo “Orfismo”. Nasceu em Paris em 12 de abril de 1885 em família aristocrática. Ao deixar a faculdade em 1902, frequentou aulas particulares de pintura, decidindo tornar-se pintor de teatro. Ele foi influenciado pelo neo-impressionismo de J. Seurat, bem como pela teoria da cor desenvolvida pelo físico M. Chevreuil. Em 1910 casou-se com o artista S. Terk (S. Delaunay), que se tornou seu fiel aliado na arte. Em 1911 participou na exposição de Munique da sociedade Blue Rider. Ele viveu principalmente em Paris, e na Primeira guerra Mundial e em anos pós-guerra(até 1920) - em Espanha e Portugal. Ele passou do pós-impressionismo inicial no início da década de 1910 para uma série de paisagens urbanas generalizadas e coloridas que se tornaram uma evidência de seu maturidade criativa. Desde 1910, eles são dominados pelo motivo da Torre Eiffel, como se flutuassem livremente entre os fragmentos rodopiantes do espaço. A natureza cristalina das estruturas composicionais torna estas pinturas semelhantes ao cubismo, e a dinâmica espacial ao futurismo, mas o espírito de pura contemplação, propenso a grandes harmonias “musicais” de cores, confere às obras de Delaunay um carácter muito especial. Suas pinturas muitas vezes assumiam o caráter de painéis decorativos (Cidade de Paris, 1910–1912, Museu Nacional arte contemporânea, Paris). O artista delineou a sua compreensão das possibilidades decorativas e dinâmicas da cor, do sistema dos seus contrastes óptimos no ensaio Sobre a Cor (1912), que se tornou o manifesto do Orfismo (o novo movimento deve o seu nome a G. Apollinaire). No mesmo ano ele criou inúteis pinturas(Simultaneamente abra a janela, Galeria Tate Modern, Londres; etc.), incluindo os chamados formas circulares, nascidas de observações sobre a natureza concêntrica circular da radiação luminosa e do espectro de cores. Na década de 1920, Delaunay regressou à arte figurativa, dando continuidade, nomeadamente, à série “ Torres Eiffel"e tendo pintado muitos retratos expressivos (F. Soupault, 1922, Centre J. Pompidou, Paris). Depois, na virada da década seguinte, voltou-se novamente para a abstração (o ciclo de pinturas Ritmos sem fim - de 1933 - composições alongadas horizontalmente, muito mais contidas no esquema de cores). Juntamente com sua esposa, ele criou uma série de grandes painéis para os pavilhões ferroviários e de aviação da Exposição Mundial de Paris (1937). Com a eclosão da Segunda Guerra Mundial mudou-se para Auvergne. Delaunay morreu em Montpellier em 25 de outubro de 1941.

LEGER, FERNAND (Léger, Fernand) (1881–1955), pintor, escultor, artista gráfico, ceramista e decorador francês, defensor dos chamados. “estética das formas mecânicas” e “arte mecânica”. Nasceu em 4 de fevereiro de 1881 em Argentan, na família de um camponês normando; Aos 16 anos começou a trabalhar num escritório de arquitetura em Caen e em 1900 foi desenhista num ateliê de arquitetura em Paris. Depois de servir no exército, instalou-se numa pitoresca e atraente casa para artistas com oficinas “La Ruche” (“A Colmeia”), onde conheceu mestres como A. Archipenko, A. Laurent, J. Lipchitz, Delaunay, M ... Chagall e H. Soutine. Em 1910 conheceu P. Picasso e J. Braque. Léger pintou suas primeiras telas sob a influência da pintura de P. Cézanne, em particular O Casamento (1910), a famosa Dama de Azul (1912) e a série Elementos Geométricos (1913–1914). Após a Primeira Guerra Mundial, Léger interessou-se teorias modernas movimento e mecânica. Esse interesse se manifestou na criação de obras como A Cidade (1919), Mecânica (1920), O Grande Café da Manhã (também conhecido como Três Mulheres, 1921) e A Estação (1923). Eles contêm elementos corpo humano assemelham-se aos formatos de tubos, motores, hastes e engrenagens. Léger realizou grandes projetos decorativos na Exposição Artes decorativas em Paris (1925), em Bruxelas exposição internacional(1935) e no edifício da ONU em Nova Iorque (1952). De 1931 a 1939, Leger visitou várias vezes os EUA. Durante a Segunda Guerra Mundial (a partir de 1940) recebeu asilo lá e lecionou na Universidade de Yale. Retornando a Paris em dezembro de 1945, completou uma série de composições importantes: Farewell to New York (1946), Entertainment (1949), Construction Sets (1950), Country Company (1953), Grand Parade (1954). Leger estava interessado Áreas diferentes artes: mosaico, vidro colorido, ilustração de livros, confecção de papelão para tapetes, cenário de teatro. Em todos os lugares ele procurou transmitir movimento. Na cinematografia, Léger criou o primeiro filme sem roteiro, Ballet Mechanica (1924). Em 1934, A. Korda pediu-lhe que fizesse o cenário do filme baseado no roteiro de H. Wells, The Shape of Things to Come. Juntamente com A. Calder, M. Duchamp, M. Ernst e M. Ray, trabalhou no filme Dreams That Money Can Buy (Hans Richter Film, 1948). Leger morreu em Gif-sur-Yvette (Seine-et-Oise) em 17 de agosto de 1955.

Picasso Pablo (Picasso, Pablo) (gg.), Artista francês, espanhol de nascimento. Escultor, artista gráfico, pintor, ceramista e designer, o mais famoso, multifacetado e prolífico entre os seus contemporâneos. Pablo Picasso nasceu em 25 de outubro de 1881 em Málaga (Espanha) na família do artista José Ruiz Blasco e Maria Picasso Lopez. Na sua juventude, Picasso decidiu levar mais sobrenome raro mãe em vez do Ruiz comum. Ele era uma criança extraordinariamente talentosa e já aos quatorze anos ingressou na Escola belas-Artes em Barcelona, ​​​​realizando em um dia uma prova para a qual foi concedido um mês. Estudou na Real Academia de Artes de San Fernando, em Madrid. Em 1899, Picasso regressou a Barcelona, ​​​​onde passou a frequentar regularmente o famoso café "Four Cats", onde se reuniam artistas e escritores. Anos de 1901 a 1904 biografia criativa os mestres eram chamados de " período azul"devido ao predomínio dos tons azuis em suas pinturas da época. Durante esses anos, viveu em Paris ou em Barcelona. Foi então que começou sua amizade de longa data com o poeta Max Jacob e o escultor Julio Gonzalez. Em 1904, Picasso estabeleceu-se em Paris na Rue Ravignon, V casa famosa Bateau Lavoir ("Lavanderia Flutuante"), onde viveram muitos artistas. Em 1904 conheceu Fernanda Olivier, que se tornou sua amante e inspiração para sua arte. Em 1905, o “período azul” deu lugar ao “período rosa”; Picasso conhece o crítico Guillaume Apollinaire e os americanos Leo e Gertrude Stein. Até então, a vida do artista tinha sido mais uma luta pela existência, mas a sua situação melhorou acentuadamente quando, ao longo de vários anos, o colecionador russo Sergei Shchukin adquiriu cerca de cinquenta das suas obras. Naquela época, Shchukin tinha a melhor coleção de pinturas de Picasso da Europa. Obras como Wandering Gymnasts, Girl on a Ball, Portrait of Vollard foram adquiridas para a coleção de Morozov. Em 1907, Picasso pintou Les Demoiselles d'Avignon, que é considerado um ponto de viragem nas artes plásticas do século XX. No mesmo ano conheceu J. Braque. Braque e Picasso tornaram-se os fundadores e líderes do cubismo. A primeira experiência de Picasso como artista teatral remonta a 1917. Ele criou esboços de figurinos e cenários para a produção do balé Desfile das Estações Russas de Sergei Diaghilev. EM Próximo ano casou-se com uma das bailarinas da trupe de Diaghilev, Olga Khokhlova.

Na década de 1920, Picasso continuou a trabalhar para o teatro e também pintou em variedade de estilos, do neoclassicismo ao cubismo e ao surrealismo. Em Picasso, junto com seu velho amigo Gonzalez, ele se dedicou à criação de obras a partir de estruturas metálicas soldadas. No início da década de 1930, o artista realizou diversas séries gráficas, incluindo 30 águas-fortes para as Metamorfoses de Ovídio para a editora Skira e para Para uma obra-prima desconhecida Balzac encomendado pelo colecionador Ambroise Vollard. Vários dos principais motivos normalmente associados à obra de Picasso - o Minotauro, o artista e a modelo, etc. - foram incluídos na famosa série de águas-fortes Suite de Vollard, na qual começou a trabalhar durante estes anos, o casamento de Picasso acabou; Marie-Therese Walter tornou-se sua nova amante. Em 1936, quando a Espanha começou Guerra civil, Picasso ficou ao lado do governo republicano e, em confirmação da sua lealdade, aceitou a oferta para assumir o cargo honorário de diretor do Museu do Prado. No final de abril de 1937, o mundo tomou conhecimento do bombardeio de Guernica, que resultou na extinção da pequena cidade basca da face da terra. Picasso expressou sua atitude em relação ao ocorrido no painel de Guernica. Foi destinado ao pavilhão espanhol em Feira mundial em Paris e depois mantido no Museu de Arte Moderna de Nova York. Em 1981, seis anos após a morte de Franco, a pintura foi transferida para o Prado. Durante a Segunda Guerra Mundial, Picasso viveu em Paris com Françoise Gilot, que lhe deu dois filhos. Em 1946, o mestre voltou-se para a arte da cerâmica e praticamente por conta própria reviveu o artesanato cerâmico que outrora floresceu ali na cidade de Vallauris, na Riviera. Picasso sempre se interessou por novas tecnologias e desenvolveu uma técnica especial de litografia. Em 1944 o artista ingressou no Partido Comunista Francês. As convicções políticas de Picasso, refletidas em Guernica, reapareceram na pintura A Guerra da Coreia (1951) e em dois grandes painéis, Guerra e Paz (1952), criados para decorar o Templo da Paz em Vallauris. A década de 1950 viu várias exposições retrospectivas de Picasso; Paralelamente conhece Jacqueline Roque com quem se casa na década de 1960 e o artista dialoga com os grandes mestres do passado: escreve diversas variações sobre o tema do quadro Mulheres de Argel de Delacroix Las Menin de Velázquez e Almoço na Grama de Manet. Na década de 1960, Picasso criou uma obra monumental composição escultural 15 m de altura para um centro comunitário em Chicago. Em 1970, o artista doou mais de oitocentas de suas obras ao Museu Palácio Aguilar, em Barcelona. Picasso morreu em Mougins (França) em 8 de abril de 1973.

PICASSO PABLO. VASO COM DANÇARINOS. Ok Museu Nacional de Arte Moderna, Paris.

GRIS, JUAN (1887–1927), artista espanhol, um dos fundadores do cubismo. Nascido em Madrid em 23 de março de 1887, seu nome verdadeiro é José Victoriano Gonzalez. No início ganhava a vida desenhando para publicações humorísticas e ao mesmo tempo estudava pintura. Em 1906, Gris chegou a Paris e instalou-se em Montmartre, não muito longe do seu compatriota Pablo Picasso. Durante seus anos de formação, no início do período parisiense (1906–1912), Gris interessou-se pelo cubismo. Dele trabalhos iniciais(1911–1912) foram executados de forma “analítica”, remontando tanto a Cézanne como a Picasso e Braque. Desenvolvendo-se rapidamente, Gris já em 1913-1914 desenvolveu sua própria versão do cubismo “sintético”. Ele define sua pintura como “uma variante da arquitetura plana e colorida”, ou melhor, sua “premonição”, um arranjo harmonioso de formas e cores. Ele acreditava que “a essência da pintura é a interação expressiva entre o artista e o mundo exterior” e chamou as pinturas desprovidas de um elemento visual de “um exercício técnico falho”. A versão do cubismo de Gris era mais severa e clássica, menos espontânea que Braque ou Picasso. Nas pinturas de 1920-1927, o artista cultiva “o lado refinado e estetizado da pintura, para o qual antes não encontrava lugar em sua obra”. Como resultado, seu estilo adquiriu extraordinária liberdade, lirismo e ao mesmo tempo coragem e completude. Gris morreu em Boulogne-Billancourt (França) em 11 de maio de 1927.

JUAN GRIS. FUMADOR Museu Thyssen-Bornemisza, Madrid.

BRACK, GEORGE (Braque, Georges) (1882–1963), artista francês, artista gráfico, escultor e decorador; Juntamente com Picasso, ele é o criador do cubismo. Nasceu em 13 de maio de 1882 em Argenteuil (departamento de Seine-et-Oise) no seio da família de um artista decorativo. Em 1900-1901 estudou na Escola Técnica de Paris. Em 1902-1904 frequentou aulas na Escola de Belas Artes e na Academia Amber, museus e coleções particulares, estudou pintura impressionista e pós-impressionista, escultura egípcia e grega, bem como as obras de Corot e Cézanne. Braque pintou diversas séries de paisagens nas quais se sente a influência da pintura fauvista e de Cézanne. A pintura de Picasso Les Demoiselles d'Avignon (1907) causou-lhe forte impressão. Próximo verão Braque criou uma série de paisagens inovadoras, nas quais seguiu o apelo de Cézanne: “Retratar a natureza nas formas de cilindros, esferas e cones”. Estas paisagens não foram aceites pelo Salão de Outono. Henri Matisse disse que eram feitos de cubos, daí a palavra “cubismo”. Em 1908-1914, Braque e Picasso trabalharam em estreita colaboração, desenvolvendo os princípios de uma nova direção artística. A princípio, eles destruíram analiticamente as imagens usuais dos objetos, como se os “desmontassem” em formas e estruturas espaciais separadas. Em 1912, começaram a trabalhar nas técnicas de colagem e apliques e se interessaram pelo processo inverso - sintetizar objetos a partir de elementos díspares. A contribuição significativa de Braque para o processo criativo foi a utilização de inscrições e diversas técnicas decorativas. A grande composição Músico (1917-1918, Basileia, Coleção de Arte Pública) foi o resultado da fase cubista sintética na obra de Braque e marcou o ponto de partida em suas novas buscas criativas. Na década de 1920, elementos do cubismo desapareceram gradualmente das obras de Braque; ele usou mais motivos figurativos. Aceitação pública chegou até ele em 1922, após uma exposição em que o artista apresentou uma série de pinturas pintadas de forma pictórica rica: Lareiras, Mesas e Canéforas (meninas carregando cestos com utensílios de sacrifício). No final da década de 1920, Braque abandonou os efeitos pictóricos brilhantes e continuou as experiências com forma e cor; pintou vistas de mar, banhistas, motivos neoclássicos e cabeças com perfis duplos. Nas décadas de 1930 e 1940, Braque pintou naturezas mortas e composições de interiores, ora com músicos, modelos e artistas, ora completamente desprovidas de figuras humanas. Depois da guerra, a obra de Braque adquiriu um caráter mais contemplativo e esotérico, como evidencia a série de 8 pinturas Workshop (1949–1956). Em 1952-1953, o artista pintou abajures no Louvre. Os grandes pássaros pretos neles representados contra um fundo de céu azul tornaram-se um dos motivos mais comuns nas obras posteriores do mestre. Brak criou muitos desenhos, gravuras e obras esculturais, mas a pintura ocupou o lugar principal em sua obra. Braque morreu em Paris em 31 de agosto de 1963. 31

Cubismo. Avant-garde é uma direção da pintura do início do século XX. Fundadores – Artistas franceses Pablo Picasso e Georges Braque. Os contemporâneos viram no cubismo uma rejeição revolucionária das “convenções do realismo óptico” em favor de uma nova visão artística da realidade através do prisma das figuras geométricas (cubo, cone, cilindro). O nome “Cubismo” surgiu de uma avaliação negativa das obras desse movimento, que foram chamadas de “um monte de cubos” pelos críticos. Pablo Picasso. Instrumentos musicais.

MHC 11º ano

"Demirkhanov" - Projetos de reconstrução. Hino à arquitetura. Grandes cidades. A construção do centro "Europa". COMO. Demirkhanov. Monumento aos soldados. Os limites do talento. Portões simbólicos para Krasnoyarsk. Um pouco sobre coisas pessoais. Areg Sarkisovich Demirkhanov. Cidade Branca. Feliz profissão. Vista panorâmica. Demirkhanov na noite dedicada ao 50º aniversário atividade criativa. Obras do arquiteto Krasnoyarsk. Demirkhanov em sua oficina caseira.

“Cultura 1920-1930” - Desenvolvimento da cultura na década de 1930. Hino Poder soviético. Transformações revolucionárias no campo da cultura. Desenvolvimento Cultura soviética nas décadas de 1920-1930. Revolução Cultural. O desenvolvimento da cultura na década de 1920. A luta contra a religião e a igreja. Tópicos de discursos. Características do desenvolvimento cultural. Características da cultura.

“Pintura Impressionista e Pós-Impressionista” - Pão e Ovos. Boulevard Montmantre em uma manhã nublada. Lilás em vidro. Mulheres taitianas. Casa em Rueli. Boulevard Montmantre à noite. Autorretrato com orelha enfaixada. Pintura do impressionismo e pós-impressionismo. Simbolismo. Pastora. Impressão. Paul Gauguin. Dança. Impressionismo. Quarto de Vincent em Arles. Cantor com uma luva. Catedral de Rouen à noite. Artistas. Dançarinos azuis. Características da direção. Folies Bergère.

“A História da Fotografia” - Há muito que as pessoas procuram encontrar uma forma de produzir imagens. Foto. Câmera obscura (visão geral). Francês Joseph Nicéphore Niepce (1765 - 1833), Louis-Jacques Mande Daguerre. Câmera pinhole. Quando expostas à luz solar, as soluções de sais de ferro mudam de cor. Diagrama de uma câmera escura. Sabe-se que os óculos foram inventados no século XIII. Niépce. Em 1827 Niepce encontrou-se com Louis Daguerre. História da fotografia. Foto antes da foto.

“Classicismo na arte russa” - Classicismo da arquitetura de São Petersburgo. Retrato de P.A.Demidov. Classicismo na Rússia. Classicismo na pintura russa do século XVIII. Vladimir e Rogneda. A. N. Voronikhin. Achado arquitetônico de A. Zakharov. Andrey Nikiforovich Voronikhin, arquiteto da catedral. Retrato de Struyskaya. Classicismo na arte russa. Edifício do Almirantado A.D. Zakharov. As obras dos classicistas foram apresentadas com clareza. Mudanças significativas nas artes visuais.

“Características da arte primitiva” - Amostras de cerâmica. Ritual misterioso. Arte neolítica. Ritual primitivo. Idade da Pedra. Primitivo. Ritual de magia. Central para a arte rupestre. Um assentamento mesolítico foi encontrado na região de Sverdlovsk. Praticando magia. Condições climáticas. Lares de civilizações. Vênus Paleótica. Assentamento mesolítico. Ferramentas. Trabalhos de arte. Imagem generalizada de uma mulher.

Georges Braque (1882-1963) - Pintor, escultor, gravador francês, um dos fundadores do cubismo. J. Braque nasceu em Argenteuil. Belas-Artes Estudou primeiro com o pai, depois no ateliê de um artista decorativo. Em 1902 ingressou na Academia Ambert em Paris. No início de sua obra, Braque estava associado ao Fauvismo e pintava principalmente paisagens com complexos esquemas de cores. Período inicial sua obra coincide com o período do cubismo analítico. Trabalha naturezas mortas e paisagens, utilizando uma paleta quase monocromática. Durante a Primeira Guerra Mundial, Brak foi chamado para o front, foi ferido e passou por uma cirurgia séria. Após a recuperação, ele retorna à criatividade. Aos poucos, Braque se afastou do cubismo, passando a criar pinturas planas de cores mais variadas. A partir de 1930, o artista passa a utilizar figuras humanas no interior, um estilo muito próximo do abstracionismo. As últimas pinturas de J. Braque tornam-se lacônicas. As cenas das planícies desérticas e da costa marítima da Normandia combinam-se harmoniosamente com os motivos de um barco abandonado e de um arado num campo de outono. As composições são harmoniosas e muito próximas do classicismo.

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Se os fauvistas sonhavam em criar arte que agradasse aos olhos e acalmasse os sentidos, então os cubistas queriam “perturbar as almas humanas”. A nova direção foi em grande parte ditada pelo desejo de continuar as pesquisas experimentais no campo da forma. “Muitas pessoas acreditam que o cubismo”, escreveu P. Picasso, “é um tipo especial de arte de transição, um experimento, e seus resultados só serão sentidos no futuro. Pensar assim significa não compreender o cubismo. O cubismo não é um “grão” ou um “embrião”, mas uma arte para a qual a forma é primordialmente importante, e a forma, uma vez criada, não pode desaparecer e vive uma vida independente.”

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Característica semelhante foi captada pelo jornalista Louis Vexel na resenha de uma exposição de pinturas de Georges Braque (1882-1963), realizada em Paris em novembro de 1908 e que se tornou um grande acontecimento em vida artística Europa. E embora os próprios artistas considerassem o termo “cubismo” demasiado restrito em relação à sua arte, ele criou raízes e passou a designar um dos novos rumos da pintura. Além disso, o cubismo teve uma influência significativa em outros tipos de arte: escultura, arquitetura, artes decorativas e aplicadas, balé, cenografia e até literatura.

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Jorge Braque. Violino e paleta. 1910 Museu de Arte Moderna, Nova York Cor e tema do cubismo apresentados papel menor, os principais eram desenho, desenho estático e composição. Pablo Picasso observou: “O cubismo não é diferente dos movimentos artísticos comuns. Os mesmos princípios e elementos se aplicam aqui e em outros lugares. O fato de o cubismo por muito tempo permaneceu incompreensível e que ainda hoje há pessoas que não entendem nada sobre isso não significa o seu fracasso. O fato de eu não ler alemão... não significa que língua alemã não existe".

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Um verdadeiro encrenqueiro foi a pintura do artista espanhol Pablo Picasso (1881-1973) “Les Demoiselles d’Avignon”. Pablo Picasso. Meninas de Avinhão. 1907 Museu de Arte Moderna, Nova Iorque

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Foi ela quem marcou o início de um novo rumo na arte do cubismo. Matisse viu nele uma caricatura das tendências modernas da pintura e considerou-o simplesmente um mau truque do amigo. J. Braque, um dos primeiros a ver esta obra, declarou indignado que Picasso queria forçá-lo “a comer estopa e a beber querosene”. O famoso colecionador russo e grande admirador do talento do artista S.I. Shchukin, ao vê-la no ateliê, exclamou com lágrimas nos olhos: “Que perda para a pintura francesa!” Felizmente, numerosos ataques de críticos acabaram sendo apenas um incentivo para futuras pesquisas criativas de Picasso. A enorme tela foi fruto de longas reflexões do artista, que claramente negligenciou os cânones da arte clássica. beleza feminina. Picasso explicou: “Fiz metade da pintura, senti que não era isso! Fiz diferente - me perguntei: devo refazer tudo. Aí ele disse: não, eles vão entender o que eu queria falar.”

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O que o artista “queria dizer” e o que confundiu tanto o público? Cinco figuras femininas nuas, capturadas de diferentes ângulos, preenchiam quase toda a superfície da tela. Figuras congeladas semelhantes a ídolos são esculpidas descuidadamente em madeira dura ou pedra. Os rostos estranhos das máscaras são altamente distorcidos e deformados. Desprovidos de quaisquer sentimentos ou emoções, eles assustam e fascinam ao mesmo tempo... A garota da direita olha com indiferença através da cortina aberta. A figura, sentada de costas, virou-se e olha atentamente para o observador. Em cada olhar há uma censura silenciosa e uma censura a uma sociedade que rejeitou as mulheres e as condenou à doença e à morte. Assim, segundo o autor, a pintura deveria despertar a consciência adormecida de seus contemporâneos e, portanto, era percebida como a voz apaixonada do artista em defesa da beleza profanada, de uma mulher humilhada e impotente.

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A segunda etapa no desenvolvimento de uma nova direção na pintura é considerada o cubismo sintético, usando vários itens Vida real. Pablo Picasso. Natureza morta com cadeira de palha. Museu Picasso de 1912, Paris

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Pablo Picasso. Natureza morta com cadeira de palha. 1912 Museu Picasso, Paris Pescoço de guitarra, borda de toalha de mesa, haste cilíndrica de copo, gargalo de garrafa, curva de cachimbo, deck cartas de jogar- qualquer coisa poderia servir de motivo para decifrar as pinturas. Especialmente frequentemente foram introduzidas letras e números, fragmentos de palavras, fragmentos de linhas telegráficas ou de jornais, inscrições em vitrines e cafés, placas de carros, marcas de identificação nas laterais de aviões... Além disso, as pinturas usavam materiais estranhos à pintura a óleo. : areia, serragem, ferro, vidro, gesso, carvão, tábuas, papel de parede. Este foi o início da arte da colagem (colagem sobre alguns materiais de base que diferem dela em cor e textura).

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Um dia, Picasso pegou um oleado no qual estava representada a malha de uma cadeira de vime. Depois de recortar um pedaço do formato que precisava, ele colou na tela. Foi assim que surgiu “Natureza Morta com Cadeira de Palha”. Pequeno forma oval o quadro estava repleto de detalhes que iam contra as normas vigentes da pintura. Elementos díspares conectados de certa forma, ainda criou um único todo. Pablo Picasso. Natureza morta com cadeira de palha. 1912 Museu Picasso, Paris “Picasso viola deliberadamente a percepção harmoniosa da pintura ao combinar objetos em uma tela, a realidade de cada um dos quais é percebida em graus variados. Mas estão combinados de tal forma que criam um jogo de sentimentos contraditórios e ao mesmo tempo complementares” (R. Penrose).

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Além da natureza morta, os cubistas frequentemente recorriam ao gênero retrato. A figura humana apresentada em formas geométricas, reproduziu muito vagamente o modelo real. A cabeça parecia uma bola, os braços eram um retângulo, as costas eram um triângulo. O rosto se desintegrou em muitos elementos distintos, a partir dos quais era difícil reconstruir a aparência da pessoa retratada. No entanto, há um caso conhecido em que um crítico americano reconheceu em um café parisiense um homem que ele conhecia apenas por um retrato cubista de Picasso. Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard, 1909-1910. Museu Pushkin im. A. S. Pushkin, Moscou

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O artista conseguiu uma “semelhança” surpreendente no famoso “Retrato de Ambroise Vollard”. Criado contra um pano de fundo de cristais intrincados, ele transmite remotamente um nariz um tanto achatado colecionador famoso. A testa alta e reta se destaca do esquema predominante de cores cinza com tons suaves. Características faciais pouco distinguíveis são absorvidas por formas cúbicas. O próprio Vollard afirmou que, embora muitos não pudessem reconhecê-lo na tela, o filho de quatro anos de um de seus amigos, ao ver o retrato pela primeira vez, exclamou imediatamente: “Este é o tio Ambroise!” Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard, 1909-1910. Museu Estatal Pushkin de Belas Artes, Moscou

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Seu nome já foi cercado de lendas durante sua vida. Eles o admiravam e discutiam sobre ele. Ele foi derrubado e novamente elevado às alturas do Olimpo. Centenas de estudos foram escritos sobre isso. A arte do século XX, na qual ele fez suas brilhantes descobertas, será medida por Pablo Picasso por muito tempo. As palavras aforísticas de seu contemporâneo André Breton (1898-1966) ainda mantêm seu significado e significado: “Onde Picasso foi, não há nada para fazer”.