, Bienal de Moscou, apresentações em festivais na Europa, prêmios de prestígio como PRIX CUBE, colaboração com, onde você se formou e como se interessou pela criação de arte tecnológica?

Dmitry Morozov: Sou historiador da arte por formação, estudei na Universidade Estatal Russa de Humanidades na Faculdade de História da Arte. Mas sempre me interessei por engenharia e tecnologia. Escrevi a minha tese sobre a arquitectura modernista dos EUA, que geralmente é impossível de compreender sem traçar paralelos entre tecnologia, design e arte. Eu também sempre tive interesse Música eletrônica, o que obviamente não existe sem tecnologia. Em algum momento, todos esses interesses se uniram, mas deixou de ser interessante estudar teoria e, gradativamente, através da criação de meios eletrônicos instrumentos musicais veio para criar objetos e instalações.

Portanto, é difícil para mim ser responsável por todo o gênero, mas posso dizer que pessoalmente estou muito próximo do formato de pequenas obras, esculturas, etc. mais como gadgets. Embora eu tenha grandes obras, mas são essencialmente os mesmos gadgets em maior escala. Em primeiro lugar, sinto-me atraído por este formato pela acessibilidade de tal linguagem para a compreensão das minhas obras pela sociedade moderna, porque agora a “interface” tornou-se mais importante que a imagem. A tecnologia tomou conta de nós completamente.

Riscos financeiros. 2015. O objeto de arte é composto por seis leitores de cartões bancários, sistema de hardware para síntese de vídeo e som, teclado para inserção de código PIN e sistema de som de dois canais. Os cartões se tornaram parte integrante da vida homem moderno, cujo bem-estar e tranquilidade material a nível simbólico são garantidos por informações contidas em uma pequena faixa magnética e um código PIN de quatro dígitos. O artista entra numa espécie de jogo psicológico com o espectador, dando-lhe a oportunidade de superar os medos associados à propagação do informação confidencial, e em troca entra em plena interação com o objeto de arte.

Como entender onde termina Museu da Ciência e Indústria e onde começa a própria arte?

Dmitry Morozov: Em algum lugar intermediário, mas ainda politécnico, está uma coleção de artefatos, geralmente objetos utilitários, que são considerados do ponto de vista da evolução da tecnologia, enquanto a arte tecnológica é antes um trabalho com significados e ideias, mas de forma alguma tendo metas aplicadas.

R x2, 2015 (Anastasia Alyokhina, Dmitry Morozov). Instalação de som cinético. Um algoritmo de computador lê na Internet a força e a profundidade das vibrações da crosta terrestre e registra todos os terremotos acima de 0,1 na escala Richter. Em média, cerca de duzentos desses tremores sísmicos ocorrem por dia. As informações são convertidas em sinais que são enviados aos motores acoplados ao Thunder Drum. Som e movimento, neste caso, são uma interpretação visual da atividade sísmica do planeta.

Em cada obra, o que importa em última instância é a ideia e o conceito, mas a ordem em que aparecem pode ter uma sequência diferente. O que mais me interessa é como a tecnologia se entrelaçou com as nossas vidas, como as ferramentas passaram a influenciar a sociedade. Também acho muito interessante que todas as ciências e disciplinas sejam muito mais amigo mais próximo para um amigo do que muitas vezes se pensa na sociedade. Também estou muito interessado no fato de que toda tecnologia é na verdade muito antropomórfica, que as pessoas estão muito inclinadas a dotar a tecnologia de propriedades humanas - falam com ela quando ela quebra ou até vêem um certo erotismo em algum processo. Estou muito interessado nas ideias de singularidade tecnológica, progresso e nos problemas que a sociedade enfrentará no futuro, quando a tecnologia continuar a desenvolver-se a um nível completamente diferente.

Como você acha que será a arte do futuro? O futuro está na arte tecnológica?

Dmitry Morozov: Acho que a arte tecnológica apenas passou a primeira fase de formação e continuará ganhando cada vez mais força, embora esse processo não seja linear e possa até desacelerar, ou digamos, se desenvolverá “horizontalmente” e não “verticalmente”, o que geralmente acontece nesta fase. Não me comprometerei a prever exatamente como será, mas espero poder participar de alguma forma neste processo.

“A coisa mais linda que podemos experimentar na vida é o mistério. É a fonte de toda verdadeira arte ou ciência”, disse Albert Einstein. Mas quando as pessoas souberem tudo e não houver mais mistério, o que acontecerá com a arte? Talvez no futuro seja assim: nada surpreenderá ninguém, todos viram e sabem tudo, e depois a arte, a capacidade de criar obras únicas será a única forma de mostrar a singularidade da sua personalidade?

A arte está ligada aos sentimentos - o que acontecerá com eles no futuro? Talvez a criação de versões alternativas da história, novos planetas e galáxias seja considerada arte, elementos químicos? Uma realidade virtual e biotecnologia, metamorfose e imortalidade – o que esperar de amanhã?

A palestra continua ciclo educativo, dedicado ao futuro, lançado na biblioteca em abril de 2014. As palestras anteriores abordaram temas como o futuro da humanidade como espécie e as possibilidades de prolongar radicalmente a vida através de métodos científicos.

Embora os representantes modernos do mundo da arte pensem frequentemente que a arte é uma esfera completamente autónoma vida pública, que no seu desenvolvimento não depende de novas tecnologias, os futurólogos acreditam que não é assim. As ferramentas dos artistas e pintores modernos não são apenas um pincel, uma tela, uma argila ou um cinzel de mármore. No processo de criação de uma obra de arte, são utilizados dispositivos e programas de alta tecnologia - tablets de desenho, programas de desenho e processamento de imagens, programas de modelagem 3D, sofisticados equipamentos de vídeo e equipamentos de informática de última geração. E as ideias que inspiram os artistas modernos vêm da realidade. sociedade moderna, transformando-se rapidamente sob a influência do progresso científico e tecnológico.

Esperamos por você no dia 20 de junho, às 19h, na Biblioteca Juvenil. Svetlova. (Moscou, rua Bolshaya Sadovaya, 1, estação de metrô Mayakovskaya)

Materiais de referência:

• Valeria Viktorovna Udalova (pseudônimo de Valeria Pride) é futuróloga, socióloga, uma das fundadoras e líderes do movimento transumanista russo e divulgadora da ciência. Autor e coautor de mais de uma centena de artigos e livros sobre problemas de desenvolvimento científico e tecnológico. CEO a única crioempresa na Rússia KrioRus". Mais sobre o palestrante.
• O movimento transumanista russo (RTD) é uma organização pública, uma grande comunidade de defensores do uso de tecnologias inovadoras para aumentar gradualmente as capacidades físicas, intelectuais e outras do homem para sua transição para o próximo nível evolutivo, do homem ao pós-homem .

Reflexão Andrei Bely sobre a arte do futuro. Palestra 1907 Publ. no satélite. artigos "Simbolismo". 1910.

Vemos claramente o caminho que o desenvolvimento tomará arte do futuro; a ideia deste caminho nasce em nós da antinomia que percebemos na arte do nosso tempo. As formas de arte existentes tendem a decair: a sua diferenciação é infinita: isto é facilitado pelo desenvolvimento da tecnologia: o conceito de progresso técnico substitui cada vez mais o conceito de coisas vivas.

Por outro lado, as variedades de formas de arte fundem-se; isso não se expressa de forma alguma na destruição das fronteiras que separam duas formas adjacentes de arte: o desejo de síntese se expressa nas tentativas de organizar essas formas em torno de uma das formas, tomada como centro.

É assim que a música predomina sobre outras artes. É assim que o desejo de mistérios como uma síntese de todas as formas possíveis. Mas a música tanto corrompe as formas das artes relacionadas como as nutre noutro aspecto: a falsa penetração do espírito da música é um indicador de declínio: somos cativados pela forma deste declínio - esta é a nossa doença: uma bolha de sabão - antes de estourar - brilha com todas as cores do arco-íris: um exotismo de tapete de arco-íris esconde tanto a plenitude quanto o vazio: e se a arte do futuro construísse suas formas imitando a música pura, a arte do futuro teria o caráter do Budismo.

A contemplação na arte é um meio: é um meio de ouvir o chamado à criatividade da vida. Na arte dissolvida na música, a contemplação se tornaria o objetivo: transformaria o contemplador em um espectador impessoal de suas próprias experiências: a arte do futuro, afogada na música, interromperia para sempre o desenvolvimento das artes.

Se a arte do futuro é entendida como uma arte que é uma síntese das formas actualmente existentes, então qual é o princípio unificador da criatividade? Você pode, claro, vestir roupas de ator e rezar no altar: o coro pode cantar louvores escritos pelos melhores letristas de sua época: a música acompanhará os louvores: a dança acompanhará a música: melhores artistas no devido tempo, eles criarão uma ilusão ao nosso redor, etc., etc. Para que serve tudo isso? Transformar várias horas de vida em um sonho e depois quebrar esse sonho com a realidade?

Eles nos responderão: “Bem, e o mistério?”

Mas o mistério tinha um significado religioso vivo: para que mistério do futuro tivesse o mesmo significado, devemos levá-lo além dos limites da arte. Deveria ser para todos. Não, e o início da arte do futuro não está na síntese das artes!

Um artista é antes de tudo uma pessoa; então ele já é um especialista em seu ofício; talvez a sua criatividade influencie a vida; mas as condições artesanais que acompanham a criatividade limitam esta influência: artista contemporâneo vinculado pela forma; É impossível exigir dele que cante, dance e pinte quadros, ou mesmo que desfrute de todo tipo de sutilezas estéticas; e portanto é impossível exigir dele um desejo de síntese; esse desejo se expressaria na selvageria, no retorno às formas primitivas de um passado distante, e a criatividade primitiva, desenvolvendo-se naturalmente, conduziu a arte à complexidade de formas existente; retornar ao passado traria esse passado de volta ao presente.

Uma síntese das artes baseada no retorno ao passado distante é impossível. com base numa reunificação mecânica das formas existentes também é impossível: tal reunificação levaria a arte ao ecletismo morto; o templo da arte se transformaria num museu de arte, onde as musas - bonecos de cera, não mais.

Se uma ligação externa é impossível, um regresso ao passado é igualmente impossível, então estamos perante a complexidade do presente. É possível falar sobre a arte do futuro? Provavelmente será apenas uma complicação do presente.

Mas isso não é verdade.

Classificação atual trabalho de arte custos devido a condições especiais técnica artística: por mais forte que seja o talento, ele está ligado a todo o passado técnico de sua arte; o momento do conhecimento, estudar cada vez mais a própria arte determina o desenvolvimento do talento; o poder do método, sua influência no desenvolvimento da criatividade está crescendo aos trancos e barrancos; individualismo da criatividade actualmente existe frequentemente um individualismo no método de trabalho; este individualismo é apenas uma melhoria no método da escola à qual o artista está associado; O individualismo deste tipo é especialização; está em relação inversa com a individualidade do próprio artista; o artista, para criar, deve primeiro conhecer; o conhecimento corrompe a criatividade e o artista encontra-se num círculo fatal de contradições; a evolução técnica das artes faz dele seu escravo; é-lhe impossível abandonar o seu passado técnico; o artista do presente torna-se cada vez mais um cientista; no processo dessa transformação, escapam-lhe os últimos objetivos da arte; campo das artes progresso técnico aproxima cada vez mais o campo do conhecimento; a arte é um grupo de um tipo especial de conhecimento.

O conhecimento do método da criatividade substitui a criatividade; mas a criatividade vem antes do conhecimento; ele cria os próprios objetos do conhecimento.

Encapsulando a criatividade em formulários existentes arte, nós a condenamos ao poder do método; e torna-se conhecimento para conhecimento sem objeto; Será a “não-objetividade” na arte uma confissão viva do impressionismo? E uma vez estabelecida a “não-objectividade” na arte, o método de criatividade torna-se “um objecto em si”, o que implica uma individualização extrema: encontrar o seu próprio método é o objectivo da criatividade; tal visão da criatividade conduzir-nos-á inevitavelmente à decomposição completa das formas de arte, onde cada obra é a sua própria forma: sob tais condições, o caos interno tomará conta da arte.

Se nas ruínas de um templo, aparentemente desabado, você pode criar novo templo, então é impossível erguer este templo sobre os infinitos átomos-formas nos quais serão moldadas as formas atualmente existentes, sem abandonar as próprias formas: assim, transferimos a questão do propósito da arte da consideração dos produtos da criatividade para a própria processos de criatividade: os produtos da criatividade são cinzas e magma: os processos de criatividade - lava fluindo.

A energia criativa da humanidade cometeu um erro ao escolher o caminho em que se formaram as formas que agora nos cativam? Não é necessário analisar as próprias leis da criatividade antes de concordar com a arte quando ela nos aparece nas formas? Não são estas formas a essência do passado distante da criatividade? Caso o fluxo criativo ainda mergulhe na vida ao longo de saliências petrificadas, cujo ponto mais alto é música, mais baixo - arquitetura: afinal, tendo reconhecido estas formas, transformamo-las numa série de meios técnicos que arrepiam a criatividade: transformamos a criatividade em conhecimento: o cometa na sua cauda cintilante, que apenas ilumina o caminho por onde a criatividade correu: música, pintura, arquitetura, escultura, poesia - tudo isso é um passado já obsoleto: aqui na pedra, na tinta, no som e na palavra, ocorreu o processo de transformação, outrora vivo e agora vida morta; ritmo musical- o vento que cruzou o céu da alma; Correndo por este céu, que definhava na expectativa da criação, o ritmo musical - “a voz do frio é fino” - engrossou as nuvens dos mitos poéticos: e o mito cobriu o céu da alma, brilhou com milhares de cores : petrificado em pedra; o fluxo criativo criou um mito vivo da nuvem; mas o mito congelou e se desintegrou em tintas e pedras.

Surgiu mundo da arte como um templo funerário da criatividade da vida.

Ao fixar o processo criativo na forma, nós, em essência, ordenamo-nos a ver a própria lava nas cinzas e no magma: é por isso que a nossa perspectiva para o futuro da arte é sem esperança: ordenamos que este futuro seja cinzas: matamos igualmente criatividade, depois combinando seus fragmentos em uma pilha (síntese das artes), depois fragmentando essas formas ao infinito (diferenciação das artes).

E aqui. e aí o passado é ressuscitado; tanto aqui como ali estamos no poder dos queridos mortos; e os sons maravilhosos da sinfonia de Beethoven, e os sons vitoriosos dos ditirambos dionisíacos (Nietzsche) - todos esses são sons mortos: pensamos que são reis vestidos de linho fino, mas são cadáveres embalsamados; eles vêm até nós para nos fascinar com a morte.

Com a arte, com a vida, a situação é muito mais grave do que pensamos: o abismo sobre o qual pairamos é mais profundo, mais escuro. Para sair do círculo vicioso de contradições, devemos parar de falar sobre qualquer coisa, seja arte, conhecimento ou a própria vida. Devemos esquecer o presente: devemos recriar tudo de novo; para fazer isso, devemos nos recriar.

E a única coisa íngreme que ainda podemos escalar somos nós mesmos. Nosso “eu” nos espera no topo.

Aqui está a resposta para o artista: se ele quiser permanecer artista sem deixar de ser homem, deve tornar-se seu. forma artística. Somente esta forma de criatividade nos promete a salvação. É aqui que reside o caminho do futuro da arte.

O mundo moderno da arte não pode ser conquistado apenas pela pintura, nem apenas pela música. Mas se você combinar todos os itens acima e definir a luz corretamente, o sucesso será garantido. O que é: a saciedade de um citadino ou a evolução da arte? Seja como for, as exposições multimídia percorrem os lofts da capital em um esquadrão alegre, e só podemos adivinhar o que esperar do futuro?

Origem do conceito

Tudo começou na década de 60 com a fácil apresentação do artista inglês Dick Higgins e grupo criativo Fluxus: “Gostaria de sugerir que o uso da intermedialidade é uma forma mais ou menos universal de abandonar a representação na arte, uma vez que a marca da nossa nova mentalidade é a continuidade e não a separação.”

As ideias de liberdade e renovação da arte, que pairavam no ar desde a década de 50, resultaram numa forma única, incompreensível, mas extremamente divertida: uma simbiose entre texto, música e imagem. No entanto, não pode haver dúvida sobre a universalidade das habilidades do artista; o conceito de D. Higgins implica apenas uma rejeição da divisão de gênero, classificação da arte, sistema; formação profissional artista.

Apesar de o próprio conceito de D. Higgins não ser difundido, a ideia de inclusão artes diferentes a estrutura da obra foi usada por muitos de seus contemporâneos: N. J. Pike, J. Belson, J. Whitney, J. Yalkut, S. Bartlett, C. Jacobs, P. Rist, F. Templeton, D. Graham, J. Jonas e etc

Quanto mais longe, mais emocionante: nos anos 70-80, o termo “intermídia” substituiu “multimídia”. Agora, instalações e performances que incorporam elementos de filmes, vídeos e telas de slides estão sendo realizadas sob a nova bandeira de “mídias múltiplas”.

Diferença entre os termos “multimídia” e “arte multimídia”

Hoje em dia ainda há confusão com a terminologia. Práticas artísticas, com base em experimentos multicamadas, pode ser determinado como "multimídia", E como " arte multimídia". O primeiro termo refere-se às já familiares práticas de artes visuais das décadas de 1960-1990, associadas à inclusão de mais de uma forma de arte na estrutura de uma obra.

Arte multimídia é sinônimo do que é mais comum nos países Europa Ocidental o termo “arte digital” ou “arte das novas mídias”. Na sua manifestação, a arte multimédia é mais harmoniosa que as suas antecessoras: as atualizações forçadas dão lugar a uma reação natural ao progresso tecnológico. E aqui há alguns paradoxos: em mundo moderno, cidade grande, onde a informação é abundante e a consistência é escassa, o residente médio está muito disposto a ver multimédia. Foi o que aconteceu com uma série de exposições multimídia populares, apresentando o trabalho de grandes artistas de todo o mundo através de projeções digitais.

“Nossas exposições são relevantes porque em um só momento e em um só lugar você pode ver todas as obras de Van Gogh ou as pinturas mais significativas dos impressionistas. Enquanto os originais estão em museus diferentes coleções mundiais ou particulares, apresentamos todas juntas, em tamanho ampliado e acompanhadas de músicas maravilhosas”, comenta o sucesso das exposições Kira Marinina, diretora de relações públicas da iVision- organizador na Rússia.

Na esteira da popularização da arte, também existem oponentes das exibições multimídia que não veem atividades educacionais, eles dizem, “eles vão olhar e esquecer”. No entanto, é difícil chamar a arte multimídia de “substituto da arte”; agora é, antes, um jovem indeciso se deve ser uma ferramenta para expressar o pensamento do artista, ou uma nova direção, cujas perspectivas dependem do aventureirismo do criador.

Espetáculo multimídia “Grandes Modernistas. Revolução na arte

"Considere exibição multimídia e música clássica exposição do museu pinturas de forma intercambiável é impossível por muitas razões. Existe uma convenção artística interna segundo a qual o autor da obra (e posteriormente o museu que a expõe) determina o conteúdo, o formato e o método de exibição, não estando sujeito a quaisquer alterações. Além disso, isso é tecnicamente impossível, pois nesta fase nenhum método de exibição representativa é capaz de transmitir todas as nuances da camada de cor e da textura da pincelada. Uma exibição multimídia trabalha mais com o conteúdo da obra; ela se baseia no enredo da imagem e ajuda o espectador a ativar a imaginação e ver nuances que não são óbvias à primeira vista.

É claro que, por enquanto, as exposições multimídia continuam sendo uma tendência da moda, mas no futuro elas se desenvolverão e, possivelmente, formarão uma direção separada na arte. Na exposição “Grandes Modernistas. Revolution in Art" é uma tentativa experimental de ir além da representação de pinturas, animando não as pinturas em si, mas criando um ambiente gráfico separado no qual essas pinturas são integradas, mas existem apenas alguns vídeos desse tipo até agora. Por exemplo, para “reviver” composições planas e Kandinsky, nossos designers identificaram os principais padrões nas pinturas de cada artista e criaram mundos 3D a partir deles, dentro dos quais o espectador pode se mover. Ou seja, não se trata mais apenas de uma apresentação de slides com música, mas de uma verdadeira viagem ao universo de Kandinsky e Malevich...” explica curadora do ARTPLAY Design Center Yasha Yavorskaya.

Texto: Daria Logashova

Existe futuro para o artesanato popular e as artes tradicionais russas? Natalia Nekhlebova descobriu

Artes e ofícios populares artes tradicionais que sobreviveram a guerras, revoluções, Poder soviético e a perestroika, em nova Rússia estavam à beira da extinção: a produção cai ano após ano, as vendas não crescem, o número de artesãos diminui inexoravelmente. Só um milagre poderia salvar esta indústria única de um destino triste. E parece que isso pode acontecer. Como a identidade russa estava morrendo e por que o empresário Anton de São Petersburgo teve a chance de permanecer na memória de muitas gerações de artesãos populares, descobriu Ogonyok.

Natalya Nekhlebova

“Tudo é estável com nosso artesanato popular”, diz Gennady Drozhzhin, presidente do conselho da associação “Artesanato de Arte Popular da Rússia”, “consistentemente ruim”. E explica: há 25 anos a nossa “base de originais cultura nacional"(é assim que o Ministério da Indústria e Comércio define o artesanato popular em seus documentos) está morrendo silenciosamente...

As notas trágicas das palavras do chefe da associação podem ser compreendidas: o volume de produção cai ano a ano, o número de artesãos diminui constantemente. Se na União Soviética cerca de 100 mil artesãos trabalhavam em empresas de artes e ofícios populares, agora os custodiantes " identidade nacional"nas vastas extensões da Rússia - menos de 20 mil. Imagem típica: em empresas onde 200-300 pessoas trabalharam anteriormente, restam apenas 15 e todas estão em idade de aposentadoria. E trabalham mais por hábito do que por dinheiro - em um terço das fábricas outrora famosas, o salário não passa de 10 mil rublos. Naturalmente, por esse tipo de dinheiro, os jovens não se sentam para pintar bandejas Zhostovo, debruçar-se sobre esculturas de Bogorodsk, rendas de Yelets ou miniaturas de Fedoskino. nove por cento do artesanato popular precisa de ajuda de emergência”, afirma a associação e acrescenta cores sombrias ao quadro sombrio: no ano passado, as empresas produziram produtos no valor de 5 mil milhões de rublos, mas não podem vendê-los, um terço das empresas tem uma rentabilidade de 5 mil milhões de rublos. 0,1 a 3 por cento, mais de metade não é rentável. O chefe de um dos ofícios artísticos mais famosos da Rússia, “Pintura Khokhloma”, Elena Krayushkina suspira: “Não há necessidade de falar sobre lucro”.

O que é isso? Nosso brinquedo Dymkovo, caixa Palekh, miniaturas de laca, que, em tese, podem alimentar regiões inteiras e desenvolver o turismo rural, não servem para ninguém?

Identidade indescritível

Na URSS, todas as empresas de artesanato popular trabalhavam sob ordens do governo. Os produtos foram adquiridos centralmente, distribuídos nas lojas e usados ​​como presentes para ilustres convidados estrangeiros. EM grandes cidades Havia grandes salões de arte onde eram apresentados todos os produtos do artesanato popular. Feiras eram realizadas regularmente em Leipzig e Edimburgo - lembranças tradicionais russas eram rapidamente exportadas...

Então o mercado e a moda caprichosa substituíram as ordens governamentais. O que antes era considerado uma “herança centenária” e quase a “alma do povo” tornou-se kitsch para os novos russos. E para os estrangeiros acabou por ser inacessível - estradas quebradas e a falta de infra-estruturas turísticas amigáveis ​​​​cortaram até mesmo os fãs dos artesãos: as empresas de artesanato estão localizadas principalmente em aldeias que simplesmente não eram acessíveis.

Como resultado, hoje não existe rede de distribuição para itens tradicionais Orgulho nacional Não. As empresas simplesmente não conseguem abrir pontos de venda - elas teriam que pagar pela eletricidade. “O custo do aluguel em Moscou e São Petersburgo é exorbitante”, diz Elena Krayushkina, “taxas colossais por 1 metro quadrado Nunca sonhamos com tais valores!”

Só os sortudos recebem recursos - são 79 empresas que conseguiram entrar no Cadastro de Artes e Ofícios Populares do Ministério da Indústria e Comércio. Entrar nisso é o maior sonho dos detentores de artesanato original

Para pescarias bem conhecidas, como Khokhloma, um dos principais mercados são os clientes corporativos atacadistas. Mas aqui não estamos mais falando de arte, mas de capricho do cliente - as empresas encomendam presentes para os funcionários, contando com a própria criatividade, então aparecem todo tipo de loucura: ou bonecos de nidificação com pen drive embutido, ou laptops pintados “Khokhloma”. Certa vez, até o trono real foi feito para algum admirador da autocracia pela fábrica Khokhloma na luta pela vingança. E, para ser honesto, reaproveitou uma série de capacidades para a produção de móveis rústicos comuns - há uma demanda estável para isso. Mas a produção de Khokhloma é em grande escala e as pequenas empresas que produzem produtos comerciais exclusivos não têm essa oportunidade de ganhar dinheiro.

Em Moscou ou São Petersburgo hoje você pode comprar qualquer coisa. Além de... produtos tradicionais russos. Nem renda Vologda real, nem Caixões Palekh não pode ser encontrado. Falsificações chinesas, produtos bielorrussos e ucranianos em barracas de souvenirs, mesmo nas cidades do Anel de Ouro, estão expulsando o fabricante original. “Muitas agências de viagens resolvem o problema de fornecer lembranças aos turistas usando produtos chineses importados baratos”, reclama a Associação de Artes e Ofícios Folclóricos. E admitem: é quase impossível combater isso. “O volume de produtos ilegais que violam direitos autorais é várias vezes maior que o faturamento de nossa empresa”, diz Elena Krayushkina “Houve vários processos judiciais que confirmaram. violações de nossos direitos autorais, e ajuizou ação no Tribunal Arbitral. No processo de burocracia, os empreendedores individuais são enterrados, o caso sai da jurisdição do Tribunal Arbitral e é transferido para o Tribunal de Justiça, onde os infratores recebem multa. de 2 mil rublos. E daí? Nada: a multa foi paga e, um mês depois, os mesmos infratores estão no mercado, eles abrem novos empreendedores individuais e continuam fazendo a mesma coisa. pagou o exame, gastou dinheiro com advogados... Ou seja, o tribunal nos custa 150-200 mil, e para eles - 2 mil. E para que servem esses processos judiciais?

Não foi feito para todos

O estado apoia a pesca localmente e em migalhas. No entanto, é bom que pelo menos assim seja - para muitas pessoas a vida mal brilha graças aos subsídios (450 milhões de rublos foram atribuídos este ano). As empresas podem utilizar subsídios para pagar gás, electricidade, transporte ferroviário e actividades de exposição. Mas não há dinheiro suficiente para cobrir todas as despesas e apenas os sortudos recebem fundos - são 79 empresas que conseguiram entrar no Cadastro de Artes e Ofícios Populares do Ministério da Indústria e Comércio. Entrar nisso é o maior sonho dos detentores de artesanato original. E o sonho depende da sorte e do favorecimento dos membros da comissão de arte do ministério.

A sorte é caprichosa e não sorri para todos. Por exemplo, os mosaicos russos - o famoso ofício de criar painéis a partir de pedras coloridas - tentam entrar nesse cadastro há 10 anos e ainda não conseguem. A arte única existe há 300 anos, seus mestres decoraram Catedral de Santo Isaac nos tempos czaristas, e em Era soviética Membros do Politburo deram painéis caros feitos de jaspe Ural a convidados estrangeiros. Mas acontece que isso não é suficiente para a comissão ministerial responsável pelos registos.

“No conselho de arte, perguntaram-nos onde ficam as montanhas na região do Volga”, fala Nail Badtredinov, chefe da empresa Artel NHP, sobre as desventuras do escritório. como os outros. E o que devo responder a eles? Nossas montanhas são comuns. Urais. E o cinturão de jaspe passa por muitos assentamentos... Outra vez, nossa papelada estava incorreta, então descobrimos que não éramos tradicionais o suficiente. Mais uma vez submetemos uma candidatura. Nós esperamos. Esperamos...

A Associação de Artes e Ofícios Folclóricos há muito luta por incentivos fiscais. E pareciam até ter sido prometidos na estratégia setorial para o desenvolvimento do artesanato artístico popular até 2020, elaborada pelo Ministério da Indústria e Comércio em 2015. Em geral, muitas coisas boas estão escritas lá, mas tudo ainda fica no papel. E na vida - quase todos os impostos e prêmios de seguro empresas do nosso original cultura popular pague integralmente. “Empregamos 700 pessoas, 90 por cento é trabalho manual”, diz Elena Krayushkina, “a maior parte do custo do produto são salários e impostos sobre remunerações, quase 75% do preço de custo é uma quantia colossal. E pagamos todos os impostos e prémios de seguros como grandes empresas automatizadas e de alta tecnologia. Este é um fardo insuportável para nós."

O trabalho manual, principal característica da arte popular, é caro. É isto que mergulha as empresas numa falta de rentabilidade desesperadora. “O artesanato popular que abandonou o trabalho manual está melhor”, admite Drozhzhin. Estes são, por exemplo, os xales Pavlovo Posad - o padrão outrora único neles agora não é desenhado por um artesão, mas impresso por uma impressora. E a identidade perdida não parece incomodar os curadores da indústria: o Ministério da Indústria e Comércio estabeleceu a tarefa de aumentar o número de empresas de artes e ofícios populares com uma parcela mínima de trabalho manual. Ou seja, deixarão de fabricar produtos verdadeiramente industriais como tais, passando a fabricar produtos baratos. Estamos prontos para destinar dinheiro público para isso - para a compra de equipamentos. Mas será que isso salvará os detentores de artesanato antigo e os pequenos negócios que não conseguem abrir uma loja?

O mundo funciona de maneira diferente. Na Alemanha, por exemplo, as indústrias que utilizam trabalho manual têm incentivos fiscais significativos, que lhes permitem recuperar totalmente os custos dentro de alguns anos. Lá, o custo do aluguel de espaço comercial é significativamente menor do que na Rússia. Válido no Canadá sistema centralizado vendas: o mestre entrega os produtos que produziu à cooperativa, que os encaminha aos pontos de venda. Na França, se os graduados escolas de arte vá trabalhar para artesãos ou organizações especializadas em artesanato trabalho artístico, então, durante três anos, recebem um pagamento adicional que lhes proporciona rendimentos acima da média da região. E no Japão artesãos populares e ainda ter o status de tesouro nacional. E o estado tem a garantia de comprar produtos de mestres e seus alunos para reabastecer fundos de museus e doações e para venda em outros países.

Os altos funcionários estão conscientes do triste destino do artesanato popular russo: a associação “Artesanato Artístico Popular da Rússia” realiza conferências anuais, comunica com o Ministério da Indústria e Comércio e bombardeia os chefes regionais com pedidos de ajuda. Infelizmente...

Mas, ao que parece, outro método funciona perfeitamente para nós – chegar ao céu.

Palavra do Primeiro

Anton Georgiev comprou a falida fábrica Krestetskaya Stochka na vila de Kresttsy, região de Novgorod, há dois anos. Encontrei diretamente todos os “problemas genéricos” da indústria discutidos acima. Eu descobri os principais: para quem vender a renda Krestetsk e por que o estado não ajuda. Mas, ao contrário de seus colegas de loja, ele teve muita sorte: estava entre os 10 empresários que se encontraram com Vladimir Putin em Veliky Novgorod no final de abril.

Anton não divulga os detalhes do encontro, apenas admite que informou ao presidente: tudo está sempre ruim com a nossa pesca. Ele também acrescenta que depois disso todos os funcionários responsáveis ​​de repente se animaram. E depois a crónica oficial: uma semana depois soube-se que o presidente tinha dado instruções ao governo para desenvolver “um plano de medidas para garantir a preservação, o renascimento e o desenvolvimento das artes e ofícios populares”. É instruído, em particular, a considerar o uso de artes e ofícios populares em programas Educação adicional e criação dos filhos, formação de profissionais Educação vocacional, desenvolvimento do turismo interno e receptivo em locais de existência tradicional de artesanato popular. E o mais importante, há uma resposta para a pergunta: “Quem vai comprar?” Propõe-se, no âmbito do sistema de contratos federais, a criação de um sistema de compras governamentais prioritárias de artesanato para reposição de fundos de museus e coleções em instituições educacionais e culturais. Além disso, todos os ministérios, Rosneft, Gazprom têm fundos para presentes - eles também comprarão. Dmitry Medvedev deve reportar ao presidente sobre a criação de um plano que inclua todos esses cargos no final de agosto...

Descrevendo todas essas perspectivas brilhantes, Anton, não sem orgulho, disse a Ogonyok: o fundo de doações do presidente já havia decidido comprar obras de Krestetskaya Stochka. A fábrica de Georgiev também recebeu uma ordem governamental da região de Novgorod.

É realmente salvação? "Se os fundos de doações comprarem produtos nossos, coleções de museus será de alguma forma reabastecido com elementos de artesanato, isso será de grande ajuda”, diz Elena Krayushkina “Na União Soviética. um grande número de nossas obras foram para fundos de doações”, concorda Nail Badtredinov, “se tudo voltar, é claro, isso nos ajudará”.

Os mestres esperam que os ministérios afetados pelas instruções dadas pelo presidente agora de alguma forma “se unam em nome da salvação Tradições russas". E eles sonham: o Rosturismo incluirá empreendimentos industriais na rota turística federal; o Ministério da Cultura instruirá a Galeria Tretyakov e o Hermitage a adquirir produtos deles; o Ministério da Educação ajudará na formação de pessoal; o Ministério da Indústria e O comércio criará uma rede de lojas em principais cidades, onde será apresentado todo o artesanato popular...

“Uma pessoa iria atrás de um presente e entenderia que está indo atrás de um presente que foi feito na Rússia, é um item colecionável e pode ser herdado por outra geração”, sonha a associação. Mas também estamos dispostos a satisfazer desejos mais modestos: se os departamentos não conseguem dar conta de tudo isto ou desperdiçam (não constroem estradas, não criam infra-estruturas turísticas, não abrem lojas, etc.), então pelo menos deixem-nos à força adquirir “produtos da cultura original nacional” para presentear.

De que outra forma podemos preservar nossa identidade?