Os artistas contemporâneos mais famosos do mundo. Pinturas de artistas contemporâneos de todo o mundo
A pintura russa distingue-se legitimamente da arte mundial. O facto é que até ao século XVII a pintura doméstica estava associada exclusivamente à tema religioso. A situação mudou com a chegada ao poder do czar reformador, Pedro, o Grande. Graças às suas reformas, os mestres russos começaram a se dedicar à pintura secular, e a pintura de ícones se separou como uma direção separada. O século XVII é a época de artistas como Simon Ushakov e Joseph Vladimirov. Então, em russo mundo da arte o retrato nasceu e rapidamente se tornou popular. No século XVIII surgiram os primeiros artistas que passaram do retrato à pintura de paisagem. É notável a simpatia pronunciada dos artistas pelos panoramas de inverno. O século XVIII também foi lembrado pelo surgimento da pintura cotidiana. No século XIX, três movimentos ganharam popularidade na Rússia: romantismo, realismo e classicismo. Como antes, os artistas russos continuaram a recorrer ao gênero retrato. Foi então que surgiram os mundialmente famosos retratos e autorretratos de O. Kiprensky e V. Tropinin. Na segunda metade do século XIX, os artistas representavam cada vez mais o povo russo comum no seu estado oprimido. O realismo torna-se o movimento central da pintura deste período. Foi então que surgiram os artistas Itinerantes, retratando apenas a vida real, real. Bem, o século XX é, obviamente, a vanguarda. Os artistas da época influenciaram significativamente seus seguidores na Rússia e em todo o mundo. Suas pinturas se tornaram as precursoras da arte abstrata. A pintura russa é um enorme mundo maravilhoso de artistas talentosos que glorificaram a Rússia com suas criações.
Se você pensa que todos os grandes artistas estão no passado, então não tem ideia do quanto está errado. Neste artigo você conhecerá os mais famosos e artistas talentosos modernidade. E, acredite, suas obras ficarão na sua memória não menos profundamente do que as obras de maestros de épocas passadas.
Wojciech Babski
Wojciech Babski é um artista polonês contemporâneo. Completou seus estudos no Instituto Politécnico da Silésia, mas associou-se. EM Ultimamente atrai principalmente mulheres. Concentra-se na expressão das emoções, procura obter o maior efeito possível através de meios simples.
Adora cores, mas costuma usar tons de preto e cinza para conseguir melhor experiência. Não tenho medo de experimentar novas técnicas diferentes. Recentemente, tem vindo a ganhar cada vez mais popularidade no estrangeiro, principalmente no Reino Unido, onde vende com sucesso as suas obras, que já podem ser encontradas em muitas coleções particulares. Além da arte, ele se interessa por cosmologia e filosofia. Ouve jazz. Atualmente vive e trabalha em Katowice.
Warren Chang
Warren Chang - moderno Artista americano. Nascido em 1957 e criado em Monterey, Califórnia, formou-se com louvor no Art Center College of Design em Pasadena em 1981, onde recebeu um BFA. Nas duas décadas seguintes, trabalhou como ilustrador para diversas empresas na Califórnia e em Nova York antes de embarcar na carreira como artista profissional em 2009.
Suas pinturas realistas podem ser divididas em duas categorias principais: pinturas biográficas de interiores e pinturas que retratam pessoas trabalhando. O seu interesse por este estilo de pintura remonta ao trabalho do artista do século XVI Johannes Vermeer, e estende-se a temas, autorretratos, retratos de familiares, amigos, estudantes, interiores de estúdios, salas de aula e casas. Seu objetivo é criar clima e emoção em suas pinturas realistas através da manipulação da luz e do uso de cores suaves.
Chang tornou-se famoso depois de mudar para as artes plásticas tradicionais. Nos últimos 12 anos, ele ganhou inúmeros prêmios e homenagens, o mais prestigiado dos quais é a Master Signature da Oil Painters of America, a maior comunidade de pintura a óleo dos Estados Unidos. Apenas uma pessoa entre 50 tem a oportunidade de receber este prêmio. Warren atualmente mora em Monterey e trabalha em seu estúdio, além de lecionar (conhecido como um professor talentoso) na Academia de Arte de São Francisco.
Aurélio Bruni
Aurélio Bruni – Artista italiano. Nascido em Blair, 15 de outubro de 1955. Recebeu o diploma em cenografia pelo Instituto de Arte de Spoleto. Como artista, ele é autodidata, pois “construiu de forma independente uma casa de conhecimento” sobre os alicerces lançados na escola. Ele começou a pintar a óleo aos 19 anos. Atualmente vive e trabalha na Úmbria.
As primeiras pinturas de Bruni estão enraizadas no surrealismo, mas com o tempo ele começa a focar na proximidade do romantismo lírico e do simbolismo, realçando essa combinação com a requintada sofisticação e pureza de seus personagens. Objetos animados e inanimados adquirem igual dignidade e parecem quase hiper-realistas, mas ao mesmo tempo não se escondem atrás de uma cortina, mas permitem que você veja a essência da sua alma. Versatilidade e sofisticação, sensualidade e solidão, consideração e fecundidade são o espírito de Aurelio Bruni, nutrido pelo esplendor da arte e pela harmonia da música.
Aleksander Balos
Alkasander Balos é um artista polonês contemporâneo especializado em pintura a óleo. Nasceu em 1970 em Gliwice, na Polônia, mas desde 1989 vive e trabalha nos EUA, em Shasta, na Califórnia.
Quando criança estudou arte sob a orientação do pai Jan, artista e escultor autodidata, por isso desde cedo a atividade artística recebeu total apoio de ambos os pais. Em 1989, aos dezoito anos, Balos deixou a Polónia e foi para os Estados Unidos, onde a sua professora e artista a tempo parcial, Katie Gaggliardi, incentivou Alkasander a matricular-se numa escola de artes. Balos recebeu então uma bolsa integral para a Universidade de Milwaukee, Wisconsin, onde estudou pintura com o professor de filosofia Harry Rozin.
Depois de se formar em 1995 com o bacharelado, Balos mudou-se para Chicago para estudar na Escola de Belas Artes, cujos métodos são baseados no trabalho de Jacques-Louis David. O realismo figurativo e o retrato formaram a maior parte do trabalho de Balos nos anos 90 e início dos anos 2000. Hoje, Balos utiliza a figura humana para evidenciar as características e deficiências da existência humana, sem oferecer soluções.
As composições temáticas de suas pinturas pretendem ser interpretadas de forma independente pelo espectador, só então as pinturas adquirirão seu verdadeiro significado temporal e subjetivo. Em 2005, o artista mudou-se para o norte da Califórnia, desde então o tema do seu trabalho expandiu-se significativamente e agora inclui métodos de pintura mais livres, incluindo abstração e vários estilos multimédia que ajudam a expressar ideias e ideais de existência através da pintura.
Alyssa Monges
Alyssa Monks é uma artista americana contemporânea. Nasceu em 1977, em Ridgewood, Nova Jersey. Comecei a me interessar pela pintura ainda criança. Estudou na New School em Nova York e Universidade Estadual Montclair e se formou no Boston College em 1999 com bacharelado. Ao mesmo tempo, estudou pintura na Academia Lorenzo de' Medici, em Florença.
Em seguida, continuou seus estudos no programa de mestrado da New York Academy of Art, no departamento de Arte Figurativa, graduando-se em 2001. Ela se formou no Fullerton College em 2006. Por algum tempo ela lecionou em universidades e instituições de ensino de todo o país, ensinando pintura na Academia de Arte de Nova York, bem como na Montclair State University e na Lyme Academy of Art College.
“Usando filtros como vidro, vinil, água e vapor, distorço corpo humano. Esses filtros permitem criar grandes áreas de design abstrato, com ilhas de cores aparecendo - partes do corpo humano.
Minhas pinturas mudam visual modernoàs poses e gestos tradicionais já consagrados das mulheres que tomam banho. Eles poderiam dizer muito a um espectador atento sobre coisas aparentemente evidentes, como os benefícios da natação, da dança e assim por diante. Meus personagens se pressionam contra o vidro da janela do chuveiro, distorcendo seus próprios corpos, percebendo que assim influenciam o notório olhar masculino sobre uma mulher nua. Espessas camadas de tinta são misturadas para imitar vidro, vapor, água e carne à distância. No entanto, de perto, as incríveis propriedades físicas tornam-se aparentes. Pintura a óleo. Ao experimentar camadas de tinta e cor, encontro um ponto em que as pinceladas abstratas se transformam em outra coisa.
Quando comecei a pintar o corpo humano, fiquei imediatamente fascinado e até obcecado por ele e acreditei que tinha que tornar as minhas pinturas o mais realistas possível. Eu “professei” o realismo até que ele começou a se desvendar e a revelar contradições em si mesmo. Estou agora a explorar as possibilidades e o potencial de um estilo de pintura onde a pintura representacional e a abstração se encontram – se ambos os estilos puderem coexistir ao mesmo tempo, fá-lo-ei.”
Antonio Finelli
Artista italiano – “ Observador de tempo”- Antonio Finelli nasceu em 23 de fevereiro de 1985. Atualmente vive e trabalha na Itália entre Roma e Campobasso. Suas obras foram expostas em diversas galerias na Itália e no exterior: Roma, Florença, Novara, Gênova, Palermo, Istambul, Ancara, Nova York, e também podem ser encontradas em coleções privadas e públicas.
Desenhos a lápis " Observador de tempo"Antonio Finelli nos leva numa viagem eterna através mundo interior a temporalidade humana e a análise escrupulosa deste mundo que lhe está associada, cujo elemento principal é a passagem do tempo e os traços que deixa na pele.
Finelli pinta retratos de pessoas de qualquer idade, sexo e nacionalidade, cujas expressões faciais indicam a passagem no tempo, e o artista também espera encontrar nos corpos de seus personagens evidências da impiedade do tempo. Antonio define suas obras com um título geral: “Autorretrato”, pois em seus desenhos a lápis ele não apenas retrata uma pessoa, mas permite ao espectador contemplar os resultados reais da passagem do tempo dentro de uma pessoa.
Flamínia Carloni
Flaminia Carloni é uma artista italiana de 37 anos, filha de um diplomata. Ela tem três filhos. Ela morou em Roma por doze anos e por três anos na Inglaterra e na França. Ela se formou em história da arte pela BD School of Art. Então ela recebeu um diploma como restauradora de arte. Antes de encontrar sua vocação e se dedicar inteiramente à pintura, trabalhou como jornalista, colorista, designer e atriz.
A paixão de Flaminia pela pintura surgiu na infância. Seu principal meio é o óleo porque ela adora “coiffer la patê” e também brincar com o material. Ela reconheceu uma técnica semelhante nas obras do artista Pascal Torua. Flaminia é inspirada em grandes mestres da pintura como Balthus, Hopper e François Legrand, bem como em vários movimentos artísticos: arte de rua, realismo chinês, surrealismo e realismo renascentista. Sua favorita artista Caravaggio. Seu sonho é descobrir o poder terapêutico da arte.
Denis Chernov
Denis Chernov é um talentoso artista ucraniano, nascido em 1978 em Sambir, região de Lviv, Ucrânia. Depois de se formar na Escola de Arte de Kharkov em 1998, permaneceu em Kharkov, onde atualmente vive e trabalha. Ele também estudou em Kharkov Academia Estadual design e artes, departamento de artes gráficas, formada em 2004.
Ele participa regularmente de exibições de arte, neste momento existem mais de sessenta deles, tanto na Ucrânia como no estrangeiro. A maioria das obras de Denis Chernov são mantidas em coleções particulares na Ucrânia, Rússia, Itália, Inglaterra, Espanha, Grécia, França, EUA, Canadá e Japão. Algumas das obras foram vendidas na Christie's.
Denis trabalha em ampla variedade gráfico e técnicas de pintura. Os desenhos a lápis são um de seus métodos de pintura preferidos; a lista de temas em seus desenhos a lápis também é muito diversificada; ele pinta paisagens, retratos, nus, composições de gênero, ilustrações de livros, literário e reconstruções históricas e fantasias.
Hoje, a pintura moderna ganhou uma popularidade incrível, por isso tornou-se conhecida não apenas pela sua tendência a expandir fronteiras e explorar novos meios expressivos, mas também números recordes de vendas no mercado arte contemporânea nos últimos anos. Além disso, artistas de quase todo o mundo, da América à Ásia, desfrutam do sucesso. A seguir, você descobrirá quais nomes representam a melhor pintura contemporânea do mundo, quem é ele, o artista contemporâneo mais caro e quem ficou um pouco aquém deste título.
Os artistas contemporâneos mais caros
Entre a miríade de nomes que a pintura moderna tem, as pinturas de apenas alguns artistas gozam de um sucesso excepcional. Entre eles, as pinturas mais caras pertenciam ao famoso neo-expressionista e grafiteiro Jean-Michel Basquiat, que, no entanto, morreu aos 27 anos. Em nossa lista você verá apenas os primeiros sete artistas ricos que ainda estão vivos hoje.
Brice Marden
As obras deste autor americano são bastante difíceis de classificar e conduzem a um único movimento artístico, embora seja frequentemente classificado como representante do minimalismo ou do abstracionismo. Mas, ao contrário dos artistas destes estilos, cujas pinturas parecem nunca ter sido tocadas, a pintura moderna de Marden mantém os traços da faca de paleta e outros traços do seu trabalho. Um dos que influenciaram seu trabalho é outro artista contemporâneo, Jasper Johns, cujo nome você verá mais adiante.
Zeng Fanzhi
Este artista contemporâneo é uma das principais figuras do cenário artístico chinês da atualidade. Foi seu trabalho intitulado “ última Ceia", baseada na famosa obra de Leonardo da Vinci, foi vendida por 23,3 milhões de dólares e se tornou a pintura mais cara de que a pintura asiática moderna pode se orgulhar. Também são famosas as obras do artista “Autorretrato”, o tríptico “Hospital” e pinturas da série “Máscaras”.
Na década de 90, seu estilo de pintura sofreu muitas mudanças e acabou passando do expressionismo para o simbolismo.
Peter Doig
Peter Doig é um artista contemporâneo escocês de renome internacional cujo trabalho é permeado pelo tema do realismo mágico. Muitas de suas obras tendem a desorientar o espectador, mesmo quando retratam imagens reconhecíveis como figuras, árvores e edifícios.
Em 2015, a sua pintura “Swamped” conseguiu bater o recorde e tornar-se a pintura mais cara de artistas contemporâneos da Escócia, sendo vendida em leilão por 25,9 milhões. As pinturas de Doig “The Architect’s House in the Hollow”, “White Canoe”, “Reflection”, “Roadside Diner” e outras também são populares.
Christopher Lã
Em seu trabalho, o artista contemporâneo Christopher Wool explora diversas ideias pós-conceituais. O mais famoso pinturas modernas As obras do artista são inscrições em bloco representadas em preto sobre uma tela branca.
Essas pinturas de artistas contemporâneos causam muita polêmica e descontentamento entre os adeptos da pintura tradicional, mas, de uma forma ou de outra, uma das obras de Wool, “Apocalipse”, rendeu-lhe US$ 26 milhões. Wool não pensa muito nos títulos das pinturas, mas as nomeia de acordo com as inscrições: “Blue Fool”, “Trouble”, etc.
Jasper Johns
O artista contemporâneo Jasper Johns é conhecido por sua atitude rebelde em relação ao Expressionismo Abstrato, que dominou a arena da pintura no início de sua carreira. Além disso, ele trabalha criando telas caras com bandeiras, placas, números e outros símbolos conhecidos que já possuem um significado claro e não precisam ser decifrados.
Aliás, entre as pinturas mais caras de artistas contemporâneos está a obra americana “Flag”, vendida em leilão em 2010 por US$ 28 milhões. Você também pode conferir as obras “Três Bandeiras”, “Falso Início”, “De 0 a 9”, “Alvo de Quatro Faces” e muitas outras.
Gerhard Richter
Este artista moderno alemão, como muitos pintores em início de carreira, estudou o realista pintura acadêmica, mas depois se interessou por uma arte mais progressista.
Na obra do autor pode-se perceber a influência de diversos movimentos artísticos do século XX, como o expressionismo abstrato, a pop art, o minimalismo e o conceitualismo, mas ao mesmo tempo Richter manteve uma atitude cética em relação a todas as crenças artísticas e filosóficas estabelecidas, estando confiante que a pintura moderna é dinâmica e busca. As obras do artista incluem “Land of Meadows”, “Reading”, “1024 Colors”, “Wall”, etc.
Jeff Koons
E finalmente, aqui está ele - o artista contemporâneo mais caro do mundo. O americano Jeff Koons trabalha no estilo neo-pop e é conhecido por sua criatividade cativante, kitsch e desafiadora.
Ele é conhecido principalmente como o autor de um grande número de esculturas modernas, alguns dos quais foram exibidos na própria Versalhes. Mas também entre as obras do artista há pinturas pelas quais conhecedores especiais estão dispostos a pagar milhões de dólares: “Sino da Liberdade”, “Auto”, “Menina com Golfinho e Macaco”, “Sela” e outras.
Pegue você mesmo e conte para seus amigos!
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"Jogadores de cartas"
Autor
Paulo Cézanne
Um país França
Anos de vida 1839–1906
Estilo pós-impressionismo
O artista nasceu no sul da França, na pequena cidade de Aix-en-Provence, mas começou a pintar em Paris. O verdadeiro sucesso veio para ele depois de uma exposição pessoal organizada pelo colecionador Ambroise Vollard. Em 1886, 20 anos antes de sua partida, mudou-se para a periferia de sua cidade natal. Jovens artistas chamavam as viagens a ele de “uma peregrinação a Aix”.
130x97cm
1895
preço
US$ 250 milhões
vendido em 2012
em leilão privado
O trabalho de Cézanne é fácil de entender. A única regra do artista era a transferência direta de um objeto ou enredo para a tela, para que suas pinturas não confundissem o espectador. Cézanne combinou em sua arte dois principais Tradições francesas: classicismo e romantismo. Com a ajuda de texturas coloridas, ele deu ao formato dos objetos uma plasticidade incrível.
A série de cinco pinturas “Jogadores de Cartas” foi pintada em 1890-1895. O enredo deles é o mesmo - várias pessoas jogam pôquer com entusiasmo. As obras diferem apenas no número de jogadores e no tamanho da tela.
Quatro pinturas são mantidas em museus da Europa e da América (Museum d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Barnes Foundation e Courtauld Institute of Art), e a quinta, até recentemente, era um adorno da coleção particular do armador bilionário grego Georg Embirikos. Pouco antes de sua morte, no inverno de 2011, ele decidiu colocá-lo à venda. Os potenciais compradores da obra “gratuita” de Cézanne foram o negociante de arte William Acquavella e o mundialmente famoso galerista Larry Gagosian, que ofereceram cerca de 220 milhões de dólares por ela. Como resultado, a pintura foi para a família real do estado árabe do Catar por 250 milhões.O maior negócio de arte da história da pintura foi fechado em fevereiro de 2012. A jornalista Alexandra Pierce relatou isso na Vanity Fair. Ela descobriu o custo da pintura e o nome do novo dono, e então a informação penetrou na mídia de todo o mundo.
Em 2010, o Museu Árabe de Arte Moderna e o Museu Nacional do Qatar foram inaugurados no Qatar. Agora suas coleções estão crescendo. Talvez a quinta versão de The Card Players tenha sido adquirida pelo xeque para esse fim.
A maioriapintura carano mundo
Proprietário
Xeque Hamad
bin Khalifa al-Thani
A dinastia al-Thani governa o Catar há mais de 130 anos. Há cerca de meio século, foram descobertas aqui enormes reservas de petróleo e gás, o que tornou instantaneamente o Qatar uma das regiões mais ricas do mundo. Graças à exportação de hidrocarbonetos, este pequeno país tem o maior PIB per capita. O Xeque Hamad bin Khalifa al-Thani tomou o poder em 1995, enquanto o seu pai estava na Suíça, com o apoio de familiares. O mérito do atual governante, segundo especialistas, está numa estratégia clara para o desenvolvimento do país e na criação de uma imagem de sucesso do Estado. O Qatar tem agora uma constituição e um primeiro-ministro, e as mulheres têm o direito de votar nas eleições parlamentares. Aliás, foi o Emir do Catar quem fundou o canal de notícias Al-Jazeera. As autoridades do estado árabe prestam grande atenção à cultura.
2
"Número 5"
Autor
Jackson Pollock
Um país EUA
Anos de vida 1912–1956
Estilo expressionismo abstrato
Jack the Sprinkler - esse foi o apelido dado a Pollock pelo público americano por sua técnica especial de pintura. O artista abandonou o pincel e o cavalete e derramou tinta sobre a superfície da tela ou da placa de fibra durante um movimento contínuo ao redor e dentro deles. COM primeiros anos ele gostava da filosofia de Jiddu Krishnamurti, cuja mensagem principal é que a verdade é revelada durante um “derramamento” gratuito.
122x244cm
1948
preço
US$ 140 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's
O valor do trabalho de Pollock não reside no resultado, mas no processo. Não é por acaso que o autor chamou sua arte de “action painting”. Com ele mão leve tornou-se o maior patrimônio da América. Jackson Pollock misturou tinta com areia e cacos de vidro e pintou com um pedaço de papelão, uma espátula, uma faca e uma pá de lixo. O artista era tão popular que na década de 1950 foram encontrados imitadores até na URSS. A pintura “Número 5” é reconhecida como uma das mais estranhas e caras do mundo. Um dos fundadores da DreamWorks, David Geffen, comprou-o para uma coleção particular e, em 2006, vendeu-o no leilão da Sotheby's por US$ 140 milhões ao colecionador mexicano David Martinez. Porém, em breve escritório de advocacia emitiu um comunicado de imprensa em nome de seu cliente afirmando que David Martinez não é o proprietário da pintura. Só uma coisa é certa: o financista mexicano colecionou recentemente obras de arte moderna. É improvável que ele tivesse perdido tal " Peixe grande", como o "Número 5" de Pollock.
3
"Mulher III"
Autor
Willem de Kooning
Um país EUA
Anos de vida 1904–1997
Estilo expressionismo abstrato
Natural da Holanda, imigrou para os Estados Unidos em 1926. Em 1948, aconteceu a exposição pessoal do artista. Os críticos de arte apreciaram as composições complexas e nervosas em preto e branco, reconhecendo seu autor como um grande artista modernista. Ele sofreu de alcoolismo durante a maior parte de sua vida, mas a alegria de criar uma nova arte é sentida em cada obra. De Kooning se distingue pela impulsividade de sua pintura e pelos traços largos, razão pela qual às vezes a imagem não cabe nos limites da tela.
121x171cm
1953
preço
US$ 137 milhões
vendido em 2006
em leilão privado
Na década de 1950, as mulheres com olhos vazios, seios enormes, traços faciais feios. "Mulher III" tornou-se último emprego desta série participando do leilão.
Desde a década de 1970, a pintura foi mantida no Museu de Arte Moderna de Teerã, mas após a introdução de regras morais rígidas no país, eles tentaram se livrar dela. Em 1994, a obra foi exportada do Irã e, 12 anos depois, seu proprietário David Geffen (o mesmo produtor que vendeu o “Número 5” de Jackson Pollock) vendeu a pintura ao milionário Steven Cohen por US$ 137,5 milhões. É interessante que em um ano Geffen começou a vender sua coleção de pinturas. Isto deu origem a muitos rumores: por exemplo, que o produtor decidiu comprar o jornal Los Angeles Times.
Num dos fóruns de arte, foi expressa uma opinião sobre a semelhança de “Mulher III” com a pintura “Dama com Arminho” de Leonardo da Vinci. Por trás do sorriso cheio de dentes e da figura disforme da heroína, o conhecedor da pintura viu a graça de uma pessoa de sangue real. Isto também é evidenciado pela coroa mal desenhada que coroa a cabeça da mulher.
4
"Retrato de AdeleBloch-Bauer I"
Autor
Gustavo Klimt
Um país Áustria
Anos de vida 1862–1918
Estilo moderno
Gustav Klimt nasceu na família de um gravador e foi o segundo de sete filhos. Os três filhos de Ernest Klimt tornaram-se artistas, mas apenas Gustav tornou-se famoso em todo o mundo. Ele passou a maior parte de sua infância na pobreza. Após a morte do pai, ele passou a ser responsável por toda a família. Foi nessa época que Klimt desenvolveu seu estilo. Qualquer espectador congela diante de suas pinturas: o erotismo franco é claramente visível sob as finas pinceladas de ouro.
138x136cm
1907
preço
US$ 135 milhões
vendido em 2006
no leilão Sotheby's
O destino da pintura, chamada de “Mona Lisa austríaca”, poderia facilmente se tornar a base de um best-seller. O trabalho do artista causou um conflito entre um estado inteiro e uma senhora idosa.
Assim, “Retrato de Adele Bloch-Bauer I” retrata uma aristocrata, esposa de Ferdinand Bloch. Seu último desejo era doar a pintura à Galeria Estatal Austríaca. No entanto, Bloch cancelou a doação em seu testamento e os nazistas expropriaram a pintura. Mais tarde, a galeria comprou com dificuldade a Golden Adele, mas então apareceu uma herdeira - Maria Altman, sobrinha de Ferdinand Bloch.
Em 2005, teve início o julgamento de grande repercussão “Maria Altmann contra a República da Áustria”, com o qual o filme “partiu” com ela para Los Angeles. A Áustria tomou medidas sem precedentes: foram realizadas negociações sobre empréstimos, a população doou dinheiro para comprar o retrato. O bem nunca derrotou o mal: Altman aumentou o preço para US$ 300 milhões. Na época do processo, ela tinha 79 anos e entrou para a história como a pessoa que alterou o testamento de Bloch-Bauer em favor de interesses pessoais. A pintura foi adquirida por Ronald Lauder, dono da New Gallery de Nova York, onde permanece até hoje. Não para a Áustria, para ele Altman reduziu o preço para 135 milhões de dólares.
5
"Gritar"
Autor
Edvard Munch
Um país Noruega
Anos de vida 1863–1944
Estilo expressionismo
A primeira pintura de Munch, que ficou famosa em todo o mundo, “The Sick Girl” (são cinco exemplares) é dedicada à irmã do artista, que morreu de tuberculose aos 15 anos. Munch sempre se interessou pelo tema da morte e da solidão. Na Alemanha, a sua pintura pesada e maníaca provocou até um escândalo. Porém, apesar dos temas depressivos, suas pinturas possuem um magnetismo especial. Veja "Grito", por exemplo.
73,5x91cm
1895
preço
US$ 119,992 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
O título completo da pintura é Der Schrei der Natur (traduzido do alemão como “o grito da natureza”). O rosto de um humano ou de um alienígena expressa desespero e pânico - as mesmas emoções que o espectador experimenta ao olhar a imagem. Um de principais obras o expressionismo alerta para temas que se tornaram agudos na arte do século XX. Segundo uma versão, o artista o criou sob a influência de um transtorno mental que sofreu durante toda a vida.
A pintura foi roubada duas vezes de museus diferentes, mas ela foi devolvida. Ligeiramente danificado após o roubo, O Grito foi restaurado e estava novamente pronto para exibição no Museu Munch em 2008. Para representantes da cultura pop, a obra tornou-se fonte de inspiração: Andy Warhol criou uma série de cópias impressas dela, e a máscara do filme “Scream” foi feita à imagem e semelhança do herói do filme.
Munch escreveu quatro versões da obra para um tema: a que está em coleção particular é feita em tons pastéis. O bilionário norueguês Petter Olsen colocou-o em leilão em 2 de maio de 2012. O comprador foi Leon Black, que não poupou valor recorde para “Scream”. Fundador da Apollo Advisors, L.P. e Conselheiros Leões, L.P. conhecido por seu amor pela arte. Black é patrono do Dartmouth College, do Museu de Arte Moderna, do Lincoln Art Center e do Metropolitan Museum of Art. Possui o maior acervo de pinturas de artistas contemporâneos e mestres clássicos dos séculos passados.
6
"Nu contra fundo de busto e folhas verdes"
Autor
Pablo Picasso
Um país Espanha, França
Anos de vida 1881–1973
Estilo cubismo
É espanhol de origem, mas por espírito e local de residência é um verdadeiro francês. Picasso abriu seu próprio estúdio de arte em Barcelona quando tinha apenas 16 anos. Depois foi para Paris e lá passou a maior parte da vida. É por isso que seu sobrenome tem duplo acento. O estilo inventado por Picasso baseia-se na negação da ideia de que um objeto retratado na tela só pode ser visto de um ângulo.
130x162cm
1932
preço
US$ 106,482 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie's
Durante seu trabalho em Roma, o artista conheceu a dançarina Olga Khokhlova, que logo se tornou sua esposa. Ele acabou com a vadiagem e mudou-se para um apartamento luxuoso com ela. Naquela época, o reconhecimento havia encontrado o herói, mas o casamento foi destruído. Uma das pinturas mais caras do mundo foi criada quase por acidente - por um grande amor, que, como sempre acontece com Picasso, durou pouco. Em 1927, interessou-se pela jovem Marie-Therese Walter (ela tinha 17 anos, ele 45). Secretamente de sua esposa, ele partiu com sua amante para uma cidade perto de Paris, onde pintou um retrato retratando Marie-Thérèse na imagem de Daphne. A tela foi comprada pelo negociante nova-iorquino Paul Rosenberg e, em 1951, ele a vendeu para Sidney F. Brody. Os Brodys mostraram a pintura ao mundo apenas uma vez e apenas porque o artista estava completando 80 anos. Após a morte de seu marido, a Sra. Brody colocou a obra em leilão na Christie’s em março de 2010. Ao longo de seis décadas, o preço aumentou mais de 5.000 vezes! Um colecionador desconhecido comprou-o por US$ 106,5 milhões. Em 2011, ocorreu uma “exposição de uma pintura” na Grã-Bretanha, onde foi lançada pela segunda vez, mas o nome do proprietário ainda é desconhecido.
7
"Oito Elvis"
Autor
Andy Warhole
Um país EUA
Anos de vida 1928-1987
Estilo
arte pop
"Sexo e festas são os únicos lugares onde você precisa aparecer pessoalmente”, disse o artista cult de pop art, diretor, um dos fundadores da revista Interview, o designer Andy Warhol. Ele trabalhou com a Vogue e Harper's Bazaar, desenhou capas de discos e desenhou sapatos para a empresa I.Miller. Na década de 1960, surgiram pinturas representando símbolos da América: sopa Campbell's e Coca-Cola, Presley e Monroe - o que o tornou uma lenda.
358x208cm
1963
preço
US$ 100 milhões
vendido Em 2008
em leilão privado
Os anos 60 de Warhol foi o nome dado à era da pop art na América. Em 1962, trabalhou em Manhattan, no estúdio Factory, onde se reuniam todos os boêmios de Nova York. Seus representantes proeminentes: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote e outras personalidades famosas do mundo. Ao mesmo tempo, Warhol testou a técnica de serigrafia - repetição repetida de uma imagem. Ele também usou esse método ao criar “Os Oito Elvises”: o espectador parece estar vendo cenas de um filme onde a estrela ganha vida. Aqui está tudo o que o artista tanto amou: uma imagem pública ganha-ganha, cor prateada e uma premonição de morte como mensagem principal.
Existem hoje dois negociantes de arte promovendo o trabalho de Warhol no mercado mundial: Larry Gagosian e Alberto Mugrabi. O primeiro gastou US$ 200 milhões em 2008 para adquirir mais de 15 obras de Warhol. O segundo compra e vende suas pinturas como se fossem cartões de Natal, só que por um preço mais alto. Mas não foram eles, mas sim o modesto consultor de arte francês Philippe Segalot que ajudou o conhecedor de arte romano Annibale Berlinghieri a vender “Oito Elvises” a um comprador desconhecido por um valor recorde para Warhol – 100 milhões de dólares.
8
"Laranja,Vermelho amarelo"
Autor
Marcos Rothko
Um país EUA
Anos de vida 1903–1970
Estilo expressionismo abstrato
Um dos criadores da pintura de campo colorido nasceu em Dvinsk, Rússia (hoje Daugavpils, Letônia), em grande família Farmacêutico judeu. Em 1911 emigraram para os EUA. Rothko estudou no departamento de arte da Universidade de Yale e ganhou uma bolsa de estudos, mas sentimentos anti-semitas o forçaram a abandonar os estudos. Apesar de tudo, os críticos de arte idolatraram o artista e os museus o perseguiram por toda a vida.
206x236cm
1961
preço
US$ 86,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Christie's
As primeiras experiências artísticas de Rothko foram de orientação surrealista, mas com o tempo ele simplificou o enredo para colorir manchas, privando-as de qualquer objetividade. No início tinham tons claros e, na década de 1960, tornaram-se marrons e roxos, tornando-se pretos na época da morte do artista. Mark Rothko alertou contra a busca de qualquer significado em suas pinturas. O autor queria dizer exatamente o que disse: apenas a cor se dissolvendo no ar e nada mais. Ele recomendou visualizar as obras a uma distância de 45 cm, para que o espectador fosse “atraído” pela cor, como se fosse um funil. Cuidado: observar de acordo com todas as regras pode levar ao efeito da meditação, ou seja, a consciência do infinito, a imersão completa em si mesmo, o relaxamento e a purificação vêm gradativamente. A cor em suas pinturas vive, respira e tem a influência mais forte. impacto emocional(dizem que às vezes é curativo). O artista declarou: “O espectador deveria chorar ao olhar para eles”, e tais casos realmente aconteceram. Segundo a teoria de Rothko, neste momento as pessoas vivem a mesma experiência espiritual que ele viveu enquanto trabalhava na pintura. Se você foi capaz de entendê-lo em um nível tão sutil, não ficará surpreso com o fato de essas obras de arte abstrata serem frequentemente comparadas pelos críticos a ícones.
A obra “Orange, Red, Yellow” expressa a essência da pintura de Mark Rothko. Seu preço inicial no leilão da Christie’s em Nova York é de US$ 35 a 45 milhões. Um comprador desconhecido ofereceu um preço duas vezes maior que o estimado. O nome do sortudo dono da pintura, como costuma acontecer, não é divulgado.
9
"Tríptico"
Autor
Francis Bacon
Um país
Grã Bretanha
Anos de vida 1909–1992
Estilo expressionismo
As aventuras de Francis Bacon, homônimo completo e também descendente distante do grande filósofo, começaram quando seu pai o renegou, incapaz de aceitar as inclinações homossexuais de seu filho. Bacon foi primeiro para Berlim, depois para Paris, e então seus rastros ficaram confusos por toda a Europa. Durante sua vida, suas obras foram expostas nos principais centros culturais do mundo, incluindo o Museu Guggenheim e a Galeria Tretyakov.
147,5x198 cm (cada)
1976
preço
US$ 86,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
Museus de prestígio procuravam possuir as pinturas de Bacon, mas o recatado público inglês não tinha pressa em desembolsar por tal arte. A lendária primeira-ministra britânica Margaret Thatcher disse sobre ele: “O homem que pinta estes quadros aterrorizantes”.
O próprio artista considerou o período inicial de sua obra período pós-guerra. Retornando do serviço, ele voltou a pintar e criou grandes obras-primas. Antes da participação em “Tríptico, 1976”, o trabalho mais caro de Bacon foi “Estudo para um Retrato do Papa Inocêncio X” (US$ 52,7 milhões). Em “Tríptico, 1976” o artista retratou a trama mítica da perseguição de Orestes pelas Fúrias. Claro, Orestes é o próprio Bacon, e as Fúrias são o seu tormento. Por mais de 30 anos, a pintura esteve em acervo particular e não participou de exposições. Este facto confere-lhe um valor especial e, consequentemente, aumenta o custo. Mas o que são alguns milhões para um conhecedor de arte, e ainda por cima generoso? Roman Abramovich começou a criar sua coleção na década de 1990, na qual foi significativamente influenciado por sua amiga Dasha Zhukova, que se tornou uma galerista da moda na Rússia moderna. Segundo dados não oficiais, o empresário possui pessoalmente obras de Alberto Giacometti e Pablo Picasso, adquiridas por valores superiores a US$ 100 milhões. Em 2008 tornou-se proprietário do Tríptico. Aliás, em 2011 foi adquirida outra valiosa obra de Bacon - “Três Esboços para um Retrato de Lucian Freud”. Fontes ocultas dizem que Roman Arkadyevich tornou-se novamente o comprador.
10
"Lagoa com nenúfares"
Autor
Claude Monet
Um país França
Anos de vida 1840–1926
Estilo impressionismo
O artista é reconhecido como o fundador do impressionismo, que “patenteou” esse método em suas telas. A primeira obra significativa foi a pintura “Almoço na Relva” (versão original da obra de Edouard Manet). Em sua juventude ele desenhou caricaturas e pintura real realizou durante suas viagens ao longo da costa e ao ar livre. Em Paris levou um estilo de vida boêmio e não o abandonou mesmo depois de servir no exército.
210x100cm
1919
preço
US$ 80,5 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's
Além de Monet ser um grande artista, ele também era apaixonado por jardinagem e adorava animais selvagens e flores. Em suas paisagens, o estado de natureza é momentâneo, os objetos parecem borrados pelo movimento do ar. A impressão é realçada por grandes traços; a uma certa distância tornam-se invisíveis e fundem-se numa textura, imagem tridimensional. Na pintura do falecido Monet lugar especial O tema é água e vida nela. Na cidade de Giverny, o artista tinha seu próprio lago, onde cultivava nenúfares a partir de sementes que trouxe especialmente do Japão. Quando as flores desabrocharam, ele começou a desenhar. A série “Nenúfares” é composta por 60 obras que o artista pintou ao longo de quase 30 anos, até à sua morte. Sua visão piorou com a idade, mas ele não parou. Dependendo do vento, da época do ano e do clima, a aparência do lago mudava constantemente e Monet queria capturar essas mudanças. Através de um trabalho cuidadoso, ele compreendeu a essência da natureza. Algumas das pinturas da série são mantidas nas principais galerias do mundo: Museu Nacional Arte Ocidental (Tóquio), Orangerie (Paris). Uma versão do próximo “Lago com Nenúfares” chegou às mãos de um comprador desconhecido por um valor recorde.
11
Estrela Falsa t
Autor
Jasper Johns
Um país EUA
Ano de nascimento 1930
Estilo arte pop
Em 1949, Jones ingressou na escola de design em Nova York. Junto com Jackson Pollock, Willem de Kooning e outros, é reconhecido como um dos principais artistas do século XX. Em 2012, recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade, a mais alta honraria civil dos Estados Unidos.
137,2x170,8cm
1959
preço
US$ 80 milhões
vendido em 2006
em leilão privado
Assim como Marcel Duchamp, Jones trabalhou com objetos reais, retratando-os em tela e em escultura em plena conformidade com o original. Para seus trabalhos utilizou objetos simples e compreensíveis: uma garrafa de cerveja, uma bandeira ou cartões. Não há uma composição clara no filme False Start. O artista parece estar brincando com o espectador, muitas vezes rotulando “erroneamente” as cores da pintura, invertendo o próprio conceito de cor: “Eu queria encontrar uma maneira de representar a cor para que ela pudesse ser determinada por algum outro método”. Sua pintura mais explosiva e “insegura”, segundo os críticos, foi adquirida por um comprador desconhecido.
12
"Sentadonuno sofá"
Autor
Amedeo Modigliani
Um país Itália, França
Anos de vida 1884–1920
Estilo expressionismo
Modigliani esteve frequentemente doente desde a infância; durante um delírio febril, reconheceu o seu destino como artista. Estudou desenho em Livorno, Florença, Veneza e em 1906 foi para Paris, onde sua arte floresceu.
65x100cm
1917
preço
US$ 68,962 milhões
vendido em 2010
no leilão Sotheby's
Em 1917, Modigliani conheceu Jeanne Hebuterne, de 19 anos, que se tornou sua modelo e depois sua esposa. Em 2004, um de seus retratos foi vendido por US$ 31,3 milhões, o último recorde antes da venda de “Nude Seated on a Sofa” em 2010. A pintura foi adquirida por um comprador desconhecido pelo preço máximo de Modigliani no momento. As vendas ativas de obras começaram somente após a morte do artista. Ele morreu na pobreza, doente de tuberculose, e no dia seguinte Jeanne Hebuterne, grávida de nove meses, também suicidou-se.
13
"Águia em um pinheiro"
Autor
Qi Baishi
Um país China
Anos de vida 1864–1957
Estilo Guohua
O interesse pela caligrafia levou Qi Baishi à pintura. Aos 28 anos, tornou-se aluno do artista Hu Qingyuan. O Ministério da Cultura chinês concedeu-lhe o título de "Grande Artista do Povo Chinês" e em 1956 recebeu o Prémio Internacional da Paz.
10x26cm
1946
preço
US$ 65,4 milhões
vendido em 2011
no leilão Guardião da China
Qi Baishi estava interessado nas manifestações do mundo circundante às quais muitos não dão importância, e esta é a sua grandeza. Um homem sem educação tornou-se professor e um notável criador da história. Pablo Picasso disse sobre ele: “Tenho medo de ir ao seu país, porque existe Qi Baishi na China”. A composição “Águia em um Pinheiro” é reconhecida como a maior obra do artista. Além da tela, inclui dois pergaminhos hieroglíficos. Para a China, o valor pelo qual a obra foi adquirida representa um recorde - 425,5 milhões de yuans. Somente o pergaminho do antigo calígrafo Huang Tingjian foi vendido por 436,8 milhões.
14
"1949-A-No. 1"
Autor
Clyfford ainda
Um país EUA
Anos de vida 1904–1980
Estilo expressionismo abstrato
Aos 20 anos, visitei o Metropolitan Museum of Art de Nova York e fiquei decepcionado. Mais tarde, ele se inscreveu em um curso na Student Arts League, mas saiu 45 minutos após o início da aula - acabou “não sendo para ele”. A primeira exposição pessoal causou ressonância, o artista se encontrou, e com ela o reconhecimento
79x93 cm
1949
preço
US$ 61,7 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
Ainda legou todas as suas obras, mais de 800 telas e 1.600 obras em papel, a uma cidade americana onde será inaugurado um museu com seu nome. Denver tornou-se uma dessas cidades, mas só a construção foi cara para as autoridades e, para concluí-la, quatro obras foram colocadas em leilão. É pouco provável que as obras de Still voltem a ser leiloadas, o que aumentou antecipadamente o seu preço. A pintura “1949-A-No.1” foi vendida por um valor recorde para o artista, embora os especialistas previssem a venda por um máximo de 25 a 35 milhões de dólares.
15
"Composição suprematista"
Autor
Kazimir Malevitch
Um país Rússia
Anos de vida 1878–1935
Estilo Suprematismo
Malevich estudou pintura em Kyiv escola de Artes, depois na Academia de Artes de Moscou. Em 1913, ele começou a pintar pinturas geométricas abstratas em um estilo que chamou de Suprematismo (do latim para “domínio”).
71x88,5cm
1916
preço
US$ 60 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
A pintura foi mantida no Museu da Cidade de Amsterdã por cerca de 50 anos, mas após uma disputa de 17 anos com os parentes de Malevich, o museu a doou. O artista pintou esta obra no mesmo ano do “Manifesto do Suprematismo”, por isso a Sotheby’s anunciou ainda antes do leilão que não iria para uma coleção privada por menos de 60 milhões de dólares. E assim aconteceu. É melhor olhar de cima: as figuras na tela lembram uma vista aérea da terra. Aliás, alguns anos antes, os mesmos parentes expropriaram outra “Composição Suprematista” do Museu do MoMA para vendê-la no leilão da Phillips por US$ 17 milhões.
16
"Banhistas"
Autor
Paul Gauguin
Um país França
Anos de vida 1848–1903
Estilo pós-impressionismo
Até os sete anos, o artista morou no Peru, depois voltou para a França com a família, mas as lembranças da infância o levaram constantemente a viajar. Na França, começou a pintar e tornou-se amigo de Van Gogh. Ele até passou vários meses com ele em Arles, até que Van Gogh cortou sua orelha durante uma briga.
93,4x60,4cm
1902
preço
US$ 55 milhões
vendido em 2005
no leilão Sotheby's
Em 1891, Gauguin organizou uma venda de suas pinturas para usar o dinheiro arrecadado para viajar até a ilha do Taiti. Lá ele criou obras nas quais se sente uma conexão sutil entre a natureza e o homem. Gauguin vivia numa cabana de palha e um paraíso tropical florescia nas suas telas. Sua esposa era Tahitian Tehura, de 13 anos, o que não impediu o artista de se envolver em relacionamentos promíscuos. Tendo contraído sífilis, partiu para a França. No entanto, Gauguin estava lotado lá e ele voltou para o Taiti. Este período é chamado de “segundo taitiano” - foi então que foi pintado o quadro “Banhistas”, um dos mais luxuosos de sua obra.
17
"Narcisos e toalha de mesa em tons de azul e rosa"
Autor
Henrique Matisse
Um país França
Anos de vida 1869–1954
Estilo Fauvismo
Em 1889, Henri Matisse sofreu um ataque de apendicite. Quando ele estava se recuperando de uma cirurgia, sua mãe comprou tintas para ele. No início, Matisse copiou cartões postais coloridos por tédio, depois copiou obras de grandes pintores que viu no Louvre e, no início do século 20, surgiu com um estilo - o fauvismo.
65,2x81cm
1911
preço
US$ 46,4 milhões
vendido em 2009
no leilão Christie's
A pintura “Narcisos e Toalha de Mesa em Azul e Rosa” pertenceu durante muito tempo a Yves Saint Laurent. Após a morte do costureiro, toda a sua coleção de arte passou para as mãos de seu amigo e amante Pierre Berger, que decidiu colocá-la em leilão na Christie’s. A pérola da coleção vendida foi o quadro “Narcisos e toalha de mesa em tons de azul e rosa”, pintado sobre uma toalha de mesa comum em vez de tela. A exemplo do Fauvismo, ele está repleto da energia da cor, as cores parecem explodir e gritar. Da famosa série de pinturas pintadas em toalhas de mesa, hoje esta obra é a única que se encontra em coleção particular.
18
"Menina Adormecida"
Autor
RoyLee
htenstein
Um país EUA
Anos de vida 1923–1997
Estilo arte pop
O artista nasceu em Nova York e, após se formar na escola, foi para Ohio, onde fez cursos de artes. Em 1949, Lichtenstein recebeu o título de Mestre em Belas Artes. Seu interesse por quadrinhos e sua habilidade de usar a ironia fizeram dele um artista cult do século passado.
91x91 cm
1964
preço
US$ 44,882 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
Um dia, um chiclete caiu nas mãos de Lichtenstein. Ele redesenhou a imagem do encarte na tela e ficou famoso. Esta história de sua biografia contém toda a mensagem da pop art: o consumo é o novo deus, e não há menos beleza em uma embalagem de chiclete do que na Mona Lisa. Suas pinturas lembram quadrinhos e desenhos animados: Lichtenstein simplesmente ampliou a imagem final, desenhou rasters, usou serigrafia e serigrafia. O quadro “Sleeping Girl” pertenceu aos colecionadores Beatrice e Philip Gersh durante quase 50 anos, cujos herdeiros o venderam em leilão.
19
"Vitória. Boogie Woogie"
Autor
Piet Mondrian
Um país Holanda
Anos de vida 1872–1944
Estilo neoplasticismo
O artista mudou seu nome verdadeiro, Cornelis, para Mondrian quando se mudou para Paris em 1912. Juntamente com o artista Theo van Doesburg, fundou o movimento Neoplasticismo. A linguagem de programação Piet recebeu o nome de Mondrian.
27x127cm
1944
preço
US$ 40 milhões
vendido em 1998
no leilão Sotheby's
O mais “musical” dos artistas do século XX ganhava a vida com naturezas mortas em aquarela, embora tenha se tornado famoso como artista neoplástico. Ele se mudou para os EUA na década de 1940 e lá passou o resto da vida. Jazz e Nova York foram o que mais o inspirou! Pintura “Vitória. Boogie Woogie" - o melhor exemplo. Os quadrados perfeitos foram obtidos com fita adesiva, o material favorito de Mondrian. Na América, ele foi chamado de “o imigrante mais famoso”. Nos anos 60, Yves Saint Laurent lançou vestidos “Mondrian” mundialmente famosos com grandes estampas xadrez.
20
"Composição nº 5"
Autor
ManjericãoKandinsky
Um país Rússia
Anos de vida 1866–1944
Estilo vanguarda
O artista nasceu em Moscou e seu pai era da Sibéria. Após a revolução, ele tentou cooperar com Poder soviético, mas logo percebeu que as leis do proletariado não foram criadas para ele, e não sem dificuldades emigrou para a Alemanha.
275x190cm
1911
preço
US$ 40 milhões
vendido em 2007
no leilão Sotheby's
Kandinsky foi um dos primeiros a abandonar completamente a pintura de objetos, pela qual recebeu o título de gênio. Durante o nazismo na Alemanha, suas pinturas foram classificadas como “arte degenerada” e não foram expostas em lugar nenhum. Em 1939, Kandinsky obteve a cidadania francesa e em Paris participou livremente do processo artístico. Suas pinturas “soam” como fugas, por isso muitas são chamadas de “composições” (a primeira foi escrita em 1910, a última em 1939). “Composição nº 5” é uma das obras-chave do gênero: “A palavra “composição” soou para mim como uma oração”, disse o artista. Ao contrário de muitos de seus seguidores, ele planejou o que retrataria em uma enorme tela, como se estivesse escrevendo notas.
21
"estudo de uma mulher em azul"
Autor
Fernand Leger
Um país França
Anos de vida 1881–1955
Estilo cubismo-pós-impressionismo
Leger recebeu educação arquitetônica, e depois foi aluno da Escola de Belas Artes de Paris. O artista se considerava um seguidor de Cézanne, era um apologista do cubismo e no século XX também fez sucesso como escultor.
96,5x129,5cm
1912–1913
preço
US$ 39,2 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
David Norman, presidente do departamento internacional de impressionismo e modernismo da Sotheby's, considera completamente justificada a enorme quantia paga por “A Dama de Azul”. A pintura pertence à famosa coleção Léger (o artista pintou três pinturas sobre o mesmo tema, a última delas hoje está em mãos privadas. - Ed.), e a superfície da tela foi preservada em sua forma original. O próprio autor doou esta obra para a galeria Der Sturm, depois ela acabou na coleção de Hermann Lang, colecionador alemão do modernismo, e agora pertence a um comprador desconhecido.
22
“Cena de rua. Berlim"
Autor
Ernesto LudwigKirchner
Um país Alemanha
Anos de vida 1880–1938
Estilo expressionismo
Para Expressionismo alemão Kirchner se tornou uma pessoa icônica. No entanto, as autoridades locais acusaram-no de aderir à “arte degenerada”, o que afetou tragicamente o destino das suas pinturas e a vida do artista, que se suicidou em 1938.
95x121cm
1913
preço
US$ 38,096 milhões
vendido em 2006
no leilão Christie's
Depois de se mudar para Berlim, Kirchner criou 11 esboços cenas de rua. Ele foi inspirado por turbulência e nervosismo cidade grande. Na pintura, vendida em 2006 em Nova York, o estado de ansiedade do artista é sentido de forma especialmente aguda: as pessoas em uma rua de Berlim parecem pássaros - graciosos e perigosos. Foi a última obra da famosa série vendida em leilão; as demais estão guardadas em museus. Em 1937, os nazistas trataram Kirchner com severidade: 639 de suas obras foram retiradas de galerias alemãs, destruídas ou vendidas no exterior. O artista não poderia sobreviver a isso.
23
"Vacacionista"dançarino"
Autor
Edgar Degas
Um país França
Anos de vida 1834–1917
Estilo impressionismo
A história de Degas como artista começou com seu trabalho como copista no Louvre. Ele sonhava em se tornar “famoso e desconhecido” e no final conseguiu. No final da vida, surdo e cego, Degas, de 80 anos, continuou a frequentar exposições e leilões.
64x59cm
1879
preço
US$ 37,043 milhões
vendido Em 2008
no leilão Sotheby's
“As bailarinas sempre foram para mim apenas uma desculpa para retratar tecidos e capturar movimentos”, disse Degas. Cenas da vida das bailarinas parecem ter sido espionadas: as meninas não posam para o artista, mas simplesmente passam a fazer parte da atmosfera captada pelo olhar de Degas. “Resting Dancer” foi vendido por US$ 28 milhões em 1999, e menos de 10 anos depois foi comprado por US$ 37 milhões – hoje é a obra mais cara do artista já colocada em leilão. Degas prestou muita atenção às molduras, projetou-as ele mesmo e proibiu que fossem alteradas. Gostaria de saber qual moldura está instalada na pintura vendida?
24
"Pintura"
Autor
Joan Miró
Um país Espanha
Anos de vida 1893–1983
Estilo arte abstrata
Durante a Guerra Civil Espanhola, o artista esteve do lado republicano. Em 1937, fugiu do regime fascista para Paris, onde viveu na pobreza com a família. Nesse período, Miro pintou o quadro “Ajude a Espanha!”, chamando a atenção do mundo inteiro para o domínio do fascismo.
89x115cm
1927
preço
US$ 36,824 milhões
vendido em 2012
no leilão Sotheby's
O segundo título da pintura é “Blue Star”. O artista pintou-a no mesmo ano em que anunciou: “Quero matar a pintura” e zombou impiedosamente das telas, arranhando a tinta com pregos, colando penas na tela, cobrindo as obras com lixo. Seu objetivo era desmascarar os mitos sobre o mistério da pintura, mas tendo lidado com isso, Miro criou seu próprio mito - a abstração surreal. A sua “Pintura” pertence ao ciclo das “pinturas de sonho”. No leilão, quatro compradores lutaram por ela, mas um telefonema incógnito resolveu a disputa e “Pintura” tornou-se a pintura mais cara do artista.
25
"Rosa Azul"
Autor
Yves Klein
Um país França
Anos de vida 1928–1962
Estilo pintura monocromática
O artista nasceu em uma família de pintores, mas estudou línguas orientais, navegação, artesanato de dourador de molduras, Zen Budismo e muito mais. Sua personalidade e suas travessuras atrevidas eram muitas vezes mais interessantes do que as pinturas monocromáticas.
153x199x16cm
1960
preço
US$ 36,779 milhões
vendido em 2012
no leilão da Christie's
A primeira exposição de obras monocromáticas em amarelo, laranja e rosa não despertou interesse do público. Klein ficou ofendido e da próxima vez apresentou 11 telas idênticas, pintadas com ultramarino misturado com uma resina sintética especial. Ele até patenteou esse método. A cor ficou na história como “internacional Cor azul Klein." O artista também vendia o vazio, criava pinturas expondo papel à chuva, ateava fogo em papelão, fazia impressões do corpo de uma pessoa em tela. Em uma palavra, experimentei o melhor que pude. Para criar a “Rosa Azul” usei pigmentos secos, resinas, pedrinhas e uma esponja natural.
26
"Em Busca de Moisés"
Autor
Sir Lawrence Alma-Tadema
Um país Grã Bretanha
Anos de vida 1836–1912
Estilo neoclassicismo
O próprio Sir Lawrence adicionou o prefixo “alma” ao seu sobrenome para que pudesse ser listado em primeiro lugar nos catálogos de arte. Na Inglaterra vitoriana, suas pinturas eram tão procuradas que o artista recebeu o título de cavaleiro.
213,4x136,7cm
1902
preço
US$ 35,922 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
O tema principal da obra de Alma-Tadema foi a antiguidade. Nas pinturas ele tentou os mínimos detalhes para retratar a época do Império Romano, para isso até estudei escavações arqueológicas na Península dos Apeninos e na sua casa em Londres reproduziu o interior histórico daqueles anos. Assuntos mitológicos tornaram-se outra fonte de inspiração para ele. O artista foi extremamente requisitado durante sua vida, mas após sua morte foi rapidamente esquecido. Agora o interesse está renascendo, como evidenciado pelo custo da pintura “Em Busca de Moisés”, que é sete vezes maior do que a estimativa de pré-venda.
27
"Retrato de um funcionário nu dormindo"
Autor
Luciano Freud
Um país Alemanha,
Grã Bretanha
Anos de vida 1922–2011
Estilo pintura figurativa
O artista é neto de Sigmund Freud, pai da psicanálise. Após o estabelecimento do fascismo na Alemanha, sua família emigrou para a Grã-Bretanha. As obras de Freud estão no Wallace Collection Museum, em Londres, onde nenhum artista contemporâneo expôs anteriormente.
219,1x151,4cm
1995
preço
US$ 33,6 milhões
vendido Em 2008
no leilão Christie's
Enquanto os artistas da moda do século XX criavam “manchas coloridas na parede” positivas e as vendiam por milhões, Freud pintava pinturas extremamente naturalistas e as vendia por ainda mais. “Capturo os gritos da alma e o sofrimento da carne enfraquecida”, disse ele. Os críticos acreditam que tudo isso é o “legado” de Sigmund Freud. As pinturas foram exibidas e vendidas com tanto sucesso que os especialistas começaram a duvidar: elas têm propriedades hipnóticas? O Retrato de um Oficial Adormecido Nu, vendido em leilão, segundo o Sun, foi adquirido pelo conhecedor de beleza e bilionário Roman Abramovich.
28
"Violino e Guitarra"
Autor
Xum Gris
Um país Espanha
Anos de vida 1887–1927
Estilo cubismo
Nasceu em Madrid, onde se formou na Escola de Artes e Ofícios. Em 1906 mudou-se para Paris e entrou no círculo dos artistas mais influentes da época: Picasso, Modigliani, Braque, Matisse, Léger, e também trabalhou com Sergei Diaghilev e sua trupe.
5x100cm
1913
preço
US$ 28,642 milhões
vendido em 2010
no leilão Christie's
Gris, por em minhas próprias palavras, estava engajado na “arquitetura plana e colorida”. Suas pinturas são pensadas com precisão: ele não deixou um único traço aleatório, o que torna a criatividade semelhante à geometria. O artista criou sua própria versão do cubismo, embora respeitasse muito Pablo Picasso, o fundador do movimento. O sucessor ainda dedicou a ele sua primeira obra em estilo cubista, “Tributo a Picasso”. A pintura “Violino e Violão” é reconhecida como destaque na obra do artista. Durante sua vida, Gris foi famoso e favorecido por críticos e críticos de arte. Suas obras estão expostas nos maiores museus do mundo e mantidas em coleções particulares.
29
"RetratoCampos de Éluard"
Autor
Salvador Dalí
Um país Espanha
Anos de vida 1904–1989
Estilo surrealismo
“O surrealismo sou eu”, disse Dali quando foi expulso do grupo surrealista. Com o tempo, ele se tornou o mais famoso artista surrealista. O trabalho de Dali está em toda parte, não apenas nas galerias. Por exemplo, foi ele quem inventou a embalagem do Chupa Chups.
25x33cm
1929
preço
US$ 20,6 milhões
vendido em 2011
no leilão Sotheby's
Em 1929, o poeta Paul Eluard e sua esposa russa Gala vieram visitar o grande provocador e brigão Dali. O encontro foi o início de uma história de amor que durou mais de meio século. A pintura “Retrato de Paul Eluard” foi pintada durante esta visita histórica. “Senti que me foi confiada a responsabilidade de captar o rosto do poeta, de cujo Olimpo roubei uma das musas”, disse o artista. Antes de conhecer Gala, ele era virgem e ficava enojado com a ideia de fazer sexo com uma mulher. Triângulo amoroso existiu até a morte de Éluard, após a qual se tornou o dueto Dali-Gala.
30
"Aniversário"
Autor
Marc Chagall
Um país Rússia, França
Anos de vida 1887–1985
Estilo vanguarda
Moishe Segal nasceu em Vitebsk, mas em 1910 emigrou para Paris, mudou de nome e tornou-se próximo dos principais artistas de vanguarda da época. Na década de 1930, durante a tomada do poder pelos nazistas, partiu para os Estados Unidos com a ajuda do cônsul americano. Ele retornou à França apenas em 1948.
80x103cm
1923
preço
US$ 14,85 milhões
vendido em 1990
no leilão da Sotheby's
A pintura “Aniversário” é reconhecida como uma das melhores obras do artista. Contém todas as características de sua obra: as leis físicas do mundo são apagadas, o sentimento de um conto de fadas é preservado no cenário da vida burguesa e o amor está no centro da trama. Chagall não desenhou pessoas da vida, mas apenas da memória ou da imaginação. A pintura “Aniversário” retrata o próprio artista e sua esposa Bela. A pintura foi vendida em 1990 e não foi leiloada desde então. Curiosamente, o Museu de Arte Moderna de Nova York, MoMA, abriga exatamente o mesmo, apenas com o nome de “Aniversário”. A propósito, foi escrito antes - em 1915.
preparou o projeto
Tatiana Palasova
a classificação foi compilada
de acordo com a lista www.art-spb.ru
revista tmn nº 13
(maio a junho de 2013)
Os principais leilões internacionais incluem cada vez mais artistas russos contemporâneos nos seus leilões de arte contemporânea e do pós-guerra. Em fevereiro de 2007, a Sotheby’s realizou o primeiro e quase sensacional leilão especializado de arte contemporânea russa, que rendeu 22 recordes de leilões. "Artguide" decidiu descobrir qual dos nossos artistas contemporâneos mais colecionou grandes quantidades em leilões internacionais e, tendo compilado os 10 artistas russos vivos mais caros com base nos resultados das vendas em leilões, descobriu alguns padrões interessantes. Todos os preços de venda são baseados em dados da casa de leilões e incluem o prémio do comprador.
Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky. Aptidão noturna. Fragmento. Autores de cortesia (www.dubossarskyvinogradov.com)
Claro, não poderia haver dúvidas sobre quem exatamente se tornou o líder da corrida de leilões: o grandioso “Beetle” de Ilya Kabakov, vendido em fevereiro de 2008 na Phillips de Pury por quase £ 3 milhões, é provavelmente lembrado por todos que estão interessados em arte contemporânea. arte. Uma divertida rima infantil, cujo texto está escrito em um painel de madeira com um besouro, ganhou até uma entonação pensada na interpretação histórica da arte e do mercado: “Meu besouro irrompe, pula, gorjeia, não quer entrar minha coleção” - isso significa metaforicamente a paixão de um colecionador de arte moderna, por essa mesma barganha do besouro. (O verso citado por Kabakov, escrito pelo arquiteto A. Maslennikova, poeta amador de Voronezh, foi publicado na coleção infantil de poemas, rimas e enigmas “Entre o verão e o inverno”, publicada em 1976 pela editora “Literatura Infantil ” - e Kabakov ilustrou este livro É verdade que esse besouro não estava em suas ilustrações em preto e branco).
Deve-se acrescentar que se não estivéssemos listando os 10 artistas vivos mais caros, mas sim os 10 artistas mais caros, trabalho caro, então as pinturas de Kabakov ocupariam os três primeiros lugares desta lista. Ou seja, as três obras mais caras de um artista russo vivo pertencem a ele - além de “Beetle”, são “Luxury Room” 1981 (Phillips de Pury, Londres, 21 de junho de 2007, £ 2,036 milhões) e “Férias Nº 10” 1987 (Phillips de Pury Londres, 14 de abril de 2011, £ 1,497 milhão). Além disso, o generoso Kabakov “deu” mais um recorde ao leilão Dorotheum de Viena - há um ano, em 24 de novembro de 2011, o quadro “Na Universidade” foi para lá por 754,8 mil euros, tornando-se a obra mais cara da arte contemporânea. arte já vendida neste leilão.
O medalhista de prata provavelmente também será facilmente nomeado por muitos - este é Eric Bulatov, cuja tela “Glória ao PCUS” foi vendida por um valor recorde para o artista no mesmo leilão de Phillips de Pury que o “Besouro” de Kabakov.
Mas o terceiro lugar do inconformista Evgeny Chubarov, cujo último trabalho “Untitled” foi para Phillips de Pury por £720 mil em Junho de 2007, poderia ser considerado uma surpresa, se não fosse pelo facto de alguns meses antes, em Fevereiro, o mesmo ano, Chubarov já havia causado sensação na Sotheby's de Londres, num leilão especializado de arte contemporânea russa, onde sua obra com o mesmo título (ou melhor, sem ele) foi vendida por £ 288 mil (com uma estimativa máxima de £ 60 mil), não só superando o suposto primeiro lote daquele leilão, a pintura “Revolução - Perestroika” de Bulatov (preço de venda £198 mil), mas também se tornando a obra mais cara de um artista russo vivo naquela época. A propósito, aqui está a ironia das flutuações cambiais: em novembro de 2000, o políptico de Grisha Bruskin foi vendido em Nova York por US$ 424 mil, e depois em libras esterlinas foi de £ 296,7 mil, e em fevereiro de 2007, quando foi vendido foi instalado o primeiro recorde de Chubarov já é de apenas £ 216,6 mil.
Obras dos vencedores do quarto lugar Vitaly Komar e Alexander Melamid são lotes frequentes e de bastante sucesso Leilões ocidentais, embora suas estimativas raramente excedam £ 100 mil.O segundo trabalho mais caro da dupla é “The Yalta Conference. O Julgamento de Paris" foi vendido no leilão de Macdougall em 2007 por £ 184,4 mil. Mas deve-se levar em conta, é claro, que a pintura que lhes trouxe o quarto lugar pertence a obras bastante antigas que raramente aparecem em leilão e que foi expôs em 1976 na primeira (e de grande destaque) exposição estrangeira de Komar e Melamid na Galeria Ronald Feldman em Nova York.
Seguindo Komar e Melamid, Oleg Vasiliev e Semyon Faibisovich mantêm consistentemente um padrão elevado em leilões. Vasiliev foi o terceiro naquele leilão Phillips de Pury de 2008, extraordinariamente bem-sucedido, que trouxe recordes para Ilya Kabakov e Erik Bulatov, e Faibisovich foi o quarto. Em seguida, a pintura de Vasiliev “Variação sobre o tema da capa da revista “Ogonyok”” de 1980 foi vendida por ₤356 mil com uma estimativa de ₤120 mil, e “Another look at the Black Sea” de Faibisovich de 1986 foi vendida por £ 300,5 mil com uma estimativa de ₤ 120 mil. Estimativa de £ 60-80 mil As obras de ambos os artistas costumam render somas de seis dígitos em leilões.
É verdade que não foram os recordes “Soldados” que trouxeram fama a Faibisovich no leilão, mas a pintura “Beleza”, vendida na Sotheby's em 12 de março de 2008 - este foi o segundo leilão de arte russa contemporânea da casa de leilões, sem contar o Leilão de Moscou em 1988. A pintura (seu outro nome é “O Primeiro de Maio”) foi então vendida por £ 264 mil, com uma estimativa de £ 60-80 mil; uma verdadeira batalha estourou entre os compradores por ela. Outra pintura de Faibisovich “On Moskovskaya Street” naquele leilão superou duas vezes a estimativa e foi vendida por £ 126 mil. Acrescentamos que, segundo o portal Artprice, Semyon Faibisovich é o único artista russo incluído no top 500 mais vendidos de 2011 -2012.
Quase o mesmo pode ser dito de Oleg Tselkov, que ocupa o oitavo lugar entre os 10 primeiros. Já há meio século encontrou o seu estilo e tema, um artista reconhecível e autoritário, que abastece regularmente os leilões com as suas faces redondas fluorescentes, que têm sucesso contínuo. A segunda pintura mais cara de Tselkov, “Cinco Faces”, foi vendida em junho de 2007 na MacDougall's por £ 223,1 mil, a terceira, “Dois com Besouros”, foi vendida em novembro do mesmo ano no mesmo leilão (MacDougall's sempre coloca em leilão vários Tselkovs de diferentes faixas de preço) por £ 202,4 mil.
Grisha Bruskin tem desempenhado um papel especial na história dos leilões de arte contemporânea russa desde 1988, com o leilão da Sotheby's de Moscou intitulado Vanguarda Russa e Arte Contemporânea Soviética, onde seu “Léxico Fundamental” foi vendido por sensacionais £ 220 mil, 12 vezes estimativa mais alta. Quase a mesma coisa, e talvez ainda mais sensacional, aconteceu com o políptico “Logia. Parte I” em 2000 na Christie’s de Nova York: o políptico foi vendido por US$ 424 mil, superando a estimativa superior em 21 (!) vezes – só isso já pode ser considerado uma espécie de recorde. Muito provavelmente, esta compra extraordinária deve-se sobretudo à importância do nome de Bruskin como o herói do lendário leilão da Sotheby's de Moscovo, porque nenhuma outra venda em leilão de Bruskin chega perto destes valores.
O preço de Oscar Rabin não flutua, mas está crescendo de forma constante e perceptível, especialmente para obras do período soviético - todas as obras mais caras deste mestre vendidas em leilão foram pintadas no final dos anos 1950 - início dos anos 1970. Estes são (além de seu recorde "Cidade Socialista") "Baths (Smell the Cologne "Moscow", 1966, Sotheby's, Nova York, 17 de abril de 2007, US$ 336 mil) e "Violin in the Cemetery" (1969, Macdougall's, Londres, 27 de novembro de 2006, £ 168,46).
Os dez primeiros são fechados por representantes da geração mais jovem - Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky, cujas pinturas mais caras foram vendidas na Phillips de Pury (o segundo mais caro é “The Last Butterfly”, 1997, Phillips de Pury, Nova York, US$ 181 mil). Esses artistas, em geral, dão continuidade a uma tendência que é bastante perceptível no ranking das pinturas mais caras de artistas vivos. Falaremos sobre isso um pouco mais abaixo, mas por enquanto aqui está, finalmente, uma lista das obras mais caras de artistas russos vivos.
As 10 principais obras de artistas russos vivos
1. Ilya Kabakov (n. 1933). Erro. 1982. Madeira, esmalte. 226,5 x 148,5. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 28 de fevereiro de 2008. Estimativa de £ 1,2-1,8 milhões. Preço de venda de £ 2,93 milhões.
2. Erik Bulatov (n. 1933). Glória ao PCUS. 1975. Óleo sobre tela. 229,5 x 229. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 28 de fevereiro de 2008. Estimativa de £ 500-700 mil. Preço de venda de £ 1,084 milhão.
3. Evgeny Chubarov (n. 1934). Sem título. 1994. Óleo sobre tela. 300 x 200. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 22 de junho de 2007. Estimativa de £ 100-150 mil. Preço de venda de £ 720 mil.
4. Vitaly Komar (n. 1943) e Alexander Melamid (n. 1945). Encontro entre Solzhenitsyn e Bell na dacha de Rostropovich. 1972. Óleo sobre tela, colagem, folha de ouro. 175 x 120. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 23 de abril de 2010. Estimativa de £ 100-150 mil. Preço de venda de £ 657,25 mil.
5. Oleg Vasiliev (n. 1931). Antes do pôr do sol. 1990. Óleo sobre tela. 210 x 165. Leilão da Sotheby's, Londres, 12 de março de 2008. Estimativa de £ 200-300 mil. Preço de venda de £ 468,5 mil.
6. Semyon Faibisovich (n. 1949). Soldados. Da série “Estações”. 1989. Óleo sobre tela. 285,4 x 190,5. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 13 de outubro de 2007. Estimativa de £ 40-60 mil. Preço de venda de £ 311,2 mil.
8. Oleg Tselkov (n. 1934). Menino com balões. Lona, óleo. 103,5 x 68,5. Leilão de MacDougall, Londres, 28 de novembro de 2008. Estimativa de £ 200-300 mil. Preço de venda de £ 238,4 mil.
9. Oscar Rabin (n. 1928). Cidade e Lua (Cidade Socialista). 1959. Óleo sobre tela. 90 x 109. Leilão da Sotheby's, Nova York, 15 de abril de 2008. Estimativa de US$ 120 a 160 mil. Preço de venda de US$ 337 mil (£ 171,4 na taxa de câmbio entre dólar e libra esterlina em abril de 2008).
10. Alexander Vinogradov (n. 1963) e Vladimir Dubossarsky (n. 1964). Treinamento noturno. 2004. Óleo sobre tela. 194,9 x 294,3. Leilão Phillips de Pury & Company, Londres, 22 de junho de 2007. Estimativa de £ 15-20 mil. Preço de venda de £ 132 mil.
É sabido que os preços dos leilões são irracionais e não se pode julgar por eles o verdadeiro papel e significado do artista no processo artístico. Mas a partir deles e dos lotes principais pode-se julgar aproximadamente as preferências do colecionador. O que eles são? Você não precisa ser um especialista para responder a essa pergunta. Eles são óbvios. Em primeiro lugar, todos os artistas (exceto talvez Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky) são “clássicos vivos” há anos, e ainda por cima muito respeitáveis. Em segundo lugar, para quase cada um deles os recordes foram estabelecidos não por trabalhos de anos recentes, mas por trabalhos muito anteriores, ou seja, o padrão “quanto mais antigo, melhor” também é relevante aqui. Em terceiro lugar, sem exceção, todas as obras do top 10 são pinturas de cavalete. Em quarto lugar, estas são todas imagens de um grande e muito tamanho grande. Os únicos que podem ser considerados mais ou menos “padrão” nesse aspecto são “A Cidade e a Lua” de Oscar Rabin e “O Menino com Balões” de Oleg Tselkov; todos os outros excedem em muito a altura humana em altura (nem mesmo em largura). Finalmente, para todos estes artistas, o tema do passado soviético (em particular, inconformista) é de uma forma ou de outra relevante, em muitos casos acentuado nas suas obras. Parece que os nossos colecionadores estão experimentando uma nostalgia aguda por este passado soviético (é bem sabido que são os colecionadores russos que compram arte russa no Ocidente).
Mais jovens do que os outros líderes das vendas em leilão, Alexander Vinogradov e Vladimir Dubossarsky estão tentando teimosamente escapar das dezenas de inconformistas severos, mas isso é apenas à primeira vista. Na verdade, se você imaginar quem da próxima geração depois de Kabakov, Bulatov, Rabin, Vasiliev, Tselkov a melhor maneira pode atender aos critérios de compra acima (pinturas de cavalete de grande porte, releituras de gêneros, motivos e estilística soviéticos), então provavelmente serão Vinogradov e Dubossarsky, dignos herdeiros dos mestres das décadas anteriores. Pelo menos a julgar pelas vendas em leilão.
