De Boillier

Tirar proveito da vida é sempre um treinamento criativo profissional. Durante este treinamento, nossos olhos, cérebro e mãos se desenvolvem ativamente. Com nossos olhos treinamos o processo de percepção. O cérebro é responsável pelo processo de abstração e pensamento visual - ao desenhar da vida, contribuímos para o seu desenvolvimento nesta área. Nesse momento, a mão desenvolve a habilidade de trabalhar com o material, aprende a criar uma imagem no plano pictórico de forma mais eficiente e técnica. Portanto, não há dúvida de que extrair a natureza da vida aumenta dramaticamente o nível de habilidade criativa. Neste artigo quero falar sobre como os plein airs são úteis para os artistas, sobre a escolha do tema e as técnicas técnicas básicas para esboçar a natureza. Compartilho meus pequenos truques para tornar a pintura ao ar livre mais agradável e confortável em meu outro artigo:

Os benefícios da prática plein air

Tirar proveito da vida é sempre um treinamento criativo profissional. Neste processo, muitas das habilidades necessárias para atividade artística. Os exercícios plein air promovem efetivamente o alinhamento dos olhos e das mãos e desenvolvem pensamento visual e memória figurativa. Podemos falar sem parar sobre os benefícios de tirar proveito da vida - eles se enriquecem conhecimento artístico, o processo de trabalho com o material é melhorado, a sensação de cor atinge um novo nível. Ao ar livre, o artista não copia inconscientemente o que vê, mas ativamente atividades de pesquisa, estuda cuidadosamente o mundo ao seu redor, percebendo as mudanças mais sutis nele. Graças a esta prática, ocorre uma visão completamente nova da cor, da forma e de todo o espaço ao redor. Uma variedade de tons se abre diante de seus olhos, e agora no verde usual você já encontra vermelho, roxo, azul... A tarefa do artista é contar corretamente isso em sua obra, retratando o que viu como foi em este momento.

Mas entre esse benefício prático inestimável, há invisivelmente outro componente importante da prática plein air - o contato próximo com o mundo da natureza viva, que enriquece espiritualmente uma pessoa. Este diálogo deixa sempre uma marca particularmente inspirada no seu interior, sendo uma fonte de força criativa. Ao pintar ao ar livre, é necessário transferir para o esboço o estado de natureza que reinava naquela época. A fotografia pode transmitir parcialmente cores necessárias, perspectiva aérea, mas algo de vivo com o qual este momento foi preenchido estará ausente. Ao desenhar a partir de uma fotografia, você não consegue vivenciar plenamente o clima, a respiração do momento, o jogo de luz e sombra, o movimento da vida daquela época capturada. É por isso que muitas vezes os esboços ao ar livre revelam-se especialmente vivos, com o caráter da atmosfera transmitida.

Eu adoro praticar plein air justamente porque você vê a paisagem não só com os olhos. Você ouve o sussurro das folhas e o som da água, sente algo invisível envolvendo tudo ao seu redor. E essas sensações são transferidas através do pincel e das tintas para a tela ou papel.

Esboços

Uma das principais tarefas dos esboços é transmitir o estado, concentrar a primeira impressão da natureza. O limite de tempo determina as especificidades do esboço. Precisa criar imagem artística, para formar uma ideia de natureza, utilizando um mínimo de meios visuais e composicionais, sem entrar em detalhes desnecessários, mas direcionando o vetor de atenção para o principal. Os esboços são muito exercício útil. Ao realizá-los, o artista desenvolve ativamente a habilidade de memorizar, reproduzir uma imagem colorida e desenvolver a memória visual de curto prazo. A capacidade de transmitir um estado de imagem colorido é muito importante para a expressividade emocional de uma pintura. É a execução sistemática de esboços que permite encontrar e transmitir corretamente a imagem colorida da natureza através das tintas.

Seleção de cena

Qualquer coisa de toda a diversidade do mundo circundante pode ser usada como natureza para esboços: motivos paisagísticos, ruas de cidades, naturezas mortas ao ar livre e muito mais. O mais importante é que o motivo escolhido responda especificamente a você, não o deixe indiferente, surpreendendo-o com algumas de suas peculiaridades, que à primeira vista podem não ser óbvias para os outros. Quando seus olhos brilham ao olhar a natureza e suas mãos mal podem esperar para tocar as tintas, a escolha foi feita corretamente. Basta encontrar o ponto de vista ideal sobre o terreno escolhido, que o ajude a ver o que há de mais importante e característico na natureza. Um formato selecionado corretamente também ajudará você a enfatizar a peculiaridade do motivo. Para esboços de curto prazo, é melhor escolher cenas simples com um pequeno número de objetos incluídos. Isso o ajudará a evitar detalhes excessivos, o que nem sempre tem um efeito positivo na integridade do esboço. Se seu prática ao ar livre Se você ainda não é rico, não deve fotografar imediatamente os panoramas da cidade, mas é melhor começar com motivos naturais simples. Mesmo a relação entre o céu e campo limpo, estendendo-se até o horizonte, pode ser extremamente interessante, principalmente para resolver problemas de cores. Essas parcelas serão ideais para realizar esboços de curto prazo. Eles o ajudarão a construir a experiência e a confiança necessárias para fazer mais tarefas complexas.

Técnica e técnicas de pintura

Qualquer material de arte pode ser usado ao ar livre - não há restrições. O mais importante é que o material selecionado seja familiar para você, pois em campo não será possível estudar detalhadamente as propriedades e o comportamento do material. Depois de escolher um gráfico, você precisa analisar cuidadosamente as relações de cores e tons de todos os componentes dele. Durante o trabalho, é necessário comparar constantemente o resultado em cor e tom com a natureza. Para captar com mais precisão a diferença de tom, você precisa apertar os olhos com mais frequência, olhando para a natureza e depois para o trabalho. Ao comparar cores, você precisa se perguntar constantemente qual cor é mais fria, qual é mais quente e em que quantidade, quais tonalidades ainda estão presentes nessa cor? Tão constante análise comparativa irá ajudá-lo a criar a atmosfera certa na imagem, transmitir corretamente o clima ambiente. Cada estado da natureza é caracterizado por suas próprias relações de cores e tons - se forem encontradas corretamente, o esboço transmitirá o estado desejado. Por exemplo, o sol da manhã iluminará objetos com uma tonalidade amarelo-rosada, tornando as sombras azul-violeta.

O andamento do trabalho no esboço deve ser estruturado de acordo com o princípio “do geral ao específico”. Ou seja, as massas principais são resolvidas primeiro, o trabalho é feito em pontos grandes e são utilizadas escovas largas. E só no final é dado tempo para um estudo mais detalhado. Por muito tempo, ao ar livre, tive o problema de “cavar nos detalhes” - sem ter tempo de dispor as massas gerais, desenhei cuidadosamente folhas de grama, me perguntando por que não tive tempo de fazer um esboço em três horas. Esse problema foi resolvido pelo fato de que na primeira fase comecei a usar apenas pincéis grandes, lembrando-me constantemente do que é fundamental. Deixo os detalhes para o final, atribuindo-lhes o papel de acentos que enriquecem a imagem. Não há necessidade de confundir um esboço com um trabalho longo e de várias sessões no estúdio, tentando elaborar um esboço com o grau de perfeição ou precisão fotográfica absolutamente desnecessária. A realização de estudos tem suas próprias tarefas e lógica. O principal aqui é a transferência de impressões, Gama de cores, o clima que permeia o mundo ao nosso redor no momento. A própria natureza pode lhe dizer qual técnica técnica usar para realizar um esboço, se você estudá-lo cuidadosamente. Muitas vezes pode ditar o método de aplicação da tinta, a natureza dos traços - seja um preenchimento suave ou traços grossos que deixam a textura do pincel, você entenderá, captando a natureza do que está diante de seus olhos. Um esboço que combina diferentes técnicas de pintura parece muito vivo e interessante, por isso aconselho você a experimentar dentro de uma obra, tornando a camada de tinta variada em textura e técnica de aplicação de tinta. Para realizar esta tarefa, você também contará com o auxílio de pincéis de diversos formatos e cerdas, cada um deixando sua marca característica. Não negligencie ferramentas como trapos e dedos, pois eles podem criar efeitos incríveis se você estiver trabalhando com óleos ou pastéis. Todos esses pontos técnicos devem ajudá-lo na criação de uma imagem artística.

As memórias que levo comigo do plein air estão escondidas nas pinceladas. Portanto, eles não desaparecerão, não se dissolverão nas profundezas da memória. Ao desenhar, o artista não transfere mecanicamente o que vê para uma tela ou folha, mas se conecta invisivelmente com o enredo, lembrando cada detalhe, tornando-se por um momento o que está ao seu redor - seja uma corrente tempestuosa de um rio, ou um céu azul trêmulo ou uma folha de grama perfumada. O tempo passa, mas o que é visto e capturado facilmente aparece diante do olho interior nos mínimos detalhes. Você pode até sentir novamente o vento leste e o zumbido de uma abelha. Desenhe o que ressoa com alegria, entusiasmo e indiferença em seu coração! Afinal, o clima da trama permanecerá invisível dentro de você.

Como pintar um esboço a óleo

(no site em breve está previsto assistir gratuitamente ao vídeo “Aulas de Pintura” pinturas à óleo»

Gostaria de descrever como aplico na prática os materiais e métodos de trabalho descritos acima. Por exemplo, foi selecionada a paisagem “Fim do Verão”.

No final do verão - início do outono, as folhas das árvores ficam amarelas, a grama fica várias cores. As sombras das árvores ficam mais frias, com uma tonalidade roxa. Mais perto do horizonte, por causa do céu azul, as árvores e a vegetação parecem mais frias do que no verão quente. O outono é a época em que não se pode deixar passar um dia sem pintar ao ar livre. Duas a três horas de trabalho com tintas a óleo por dia para mim pessoalmente se transformam em minutos de trabalho completo paz de espírito, paz e harmonia com a natureza.

Para pintar esse esboço, precisei de uma tela tratada com gelatina e primer acrílico, previamente colada na pastilha. Resolvi fazer a pintura de base com tintas têmpera, então estocei materiais necessários para petróleo e pintura a têmpera. Fiz um visor em papel preto de acordo com o tamanho da tela preparada. Além do caderno, para maior conforto, levei comigo uma cadeira dobrável e um guarda-chuva.

Tendo escolhido a vista mais atraente da paisagem através do visor, tendo avaliado a composição e as relações tonais do futuro esboço, comecei a trabalhar.

Para pintar um retrato a óleo a partir de uma foto (), você precisará de um desenho preliminar e preciso a lápis. No meu caso, a construção da composição e o desenho preliminar na tela podem ser feitos com pincel kolinsky fino nº 2 e tinta têmpera ocre transparente. Usando um visor, determinei que o foco principal do esboço seria a vegetação. Com base nisso, coloquei a linha do horizonte acima do meio da tela. Para realçar a perspectiva da paisagem, bem como para equilibrar a composição, tracei uma estrada que se distancia.

Antes de iniciar a pintura de base com têmpera, fiz mentalmente o trabalho preparatório.

1. Examinou cuidadosamente as relações tonais da paisagem.

2. Defina as áreas mais claras e saturadas.

3. Determinou quais cores prevalecerão no esboço em primeiro plano, meio e fundo.

Para evitar erros na posterior construção tonal da obra, inicio a pintura de base com os fragmentos mais saturados da imagem, independentemente de se tratar de uma natureza morta ou figura humana. Em seguida escrevo do mais escuro para o mais claro. Muitas vezes acontece que o fundo branco da tela é o local menos saturado do esboço. Nesses casos, dou ao solo uma temperatura quente ou sombra legal, dependendo das circunstâncias e do local da pintura (em sala de aula ou ao ar livre).

Na paisagem “Fim de Verão”, a solução ideal foi realizar a pintura de base, começando pelas árvores ao fundo. O fato é que a vegetação e a superfície da terra ao fundo eram claramente distinguidas por uma faixa azul-violeta e tinham tom claro, perto do céu. Tintas usadas: azul celeste, violeta cádmio, vermelho-violeta napolitano, zinco e branco titânio na proporção de 1:1.

Acima das árvores próximas ao horizonte, o céu tinha uma tonalidade ocre-avermelhada e tornou-se o elemento mais claro da imagem em tom. Tintas usadas: Ocre dourado de Moscou, vermelho cádmio claro, branco. Esse contraste de tons quentes e frios no horizonte marcava a fronteira entre as árvores e o céu.

Darei trechos das anotações de D. Constable sobre o céu: “ Um pintor paisagista, para quem o céu não é uma das partes mais importantes da composição, negligencia o seu melhor assistente... O céu é muito tarefa difícil, tanto em termos de composição quanto de execução. Com todo o seu brilho, não deveria se projetar para frente, mas apenas evocar a ideia de uma distância infinita. Isto não se aplica, é claro, a fenômenos naturais raros ou efeitos de iluminação aleatórios, que sempre atraem atenção especial..."

Passando para o plano médio, usei tons mais contrastantes e saturados para as árvores e outras vegetações. Levando em conta a perspectiva aérea, pintei a sombra e a luz com cores mais quentes. Cores de sombra usadas: violeta cádmio, azul celeste, âmbar queimado, luz vermelha de cádmio. Tintas usadas para luz: ocre amarelo, ocre dourado de Moscou, vermelho cádmio, limão amarelo cádmio, branco titânio.

No terreno mais próximo do observador, a grama e a estrada são ligeiramente mais claras e mais quentes que o tom das árvores. As seguintes tintas foram usadas aqui: ocre amarelo, Ocre dourado de Moscou, vermelho cádmio, amarelo cádmio limão, carmim, vermelho inglês, branco.

Essa pintura de base já dava ao futuro esboço uma perspectiva aérea e determinava a cor da obra.

Depois que a tinta têmpera secou, ​​comecei a pintar com óleos.

Nesta fase do trabalho tive que:

1. “Enfatize” o volume da folhagem e dos troncos das árvores próximas.

2.Prepare o primeiro plano como base para o próximo.

3. Escreva detalhadamente o segundo plano do esboço.

4.Adicione, usando vidros, vários tons nos lugares certos do esboço.

Após a pintura de base com tintas têmpera, continuei com um esboço a óleo das árvores ao fundo. As sombras das árvores ganharam um contorno borrado por meio de uma mistura de cores. Tintas usadas: uva preta, branca, azul celeste; A luz foi mostrada com tintas amarelo limão, branco e azul celeste.

Com um pincel de cerdas nº 16 pintei o céu, utilizando o chamado alongamento do tom quente (próximo ao horizonte) ao frio e do claro ao escuro, para dar-lhe volume. Tintas usadas: azul celeste, azul FC, violeta cádmio, preto uva, branco. Ao pintar o céu, apliquei uma camada de tinta na direção diagonal.

Conforme descrito acima, não deve haver dois traços idênticos na pintura (ver métodos de pintura a óleo). Por isso, usei pincéis de vários tamanhos (de acordo com os fragmentos da obra).

A luz no primeiro plano e no fundo do esboço foi feita com pinceladas impasto usando uma espátula.

Depois de dar volume aos troncos das árvores e à vegetação de fundo, passei aos detalhes.

Na fase final da obra, bastou pintar com mais cuidado os galhos finos das árvores, a grama e os trechos da estrada com um pincel fino (nº 2).

Sucesso em atividade criativaé proporcionado, em primeiro lugar, àquele artista que, no desejo persistente de criar uma obra de arte, supera, apesar de várias dificuldades, quaisquer barreiras e obstáculos no seu caminho da vida. Lembre-se de Vincent Van Gogh... Afinal, este artista (e não só ele) provou que uma pessoa com sua perseverança e vontade de atingir seu objetivo é capaz de muito.

Um dia escultor famoso Michelangelo foi questionado: “Como você faz esculturas tão maravilhosas?” Ao que ele respondeu: “Eu pego uma pedra e corto tudo o que é desnecessário nela”. É quase a mesma coisa na pintura. Por analogia, basta colocar o tom de tinta desejado no local correspondente da tela... Desta forma o artista poderá transmitir seus sentimentos e pensamentos, revelando ao espectador nova realidade. Mas para saber como, o que e onde colocar o tom da tinta é preciso trabalhar e se desenvolver muito, estudar e amar pintar.

O melhor professor para um pintor é a natureza, e ninguém pode ensinar mais do que a natureza. Os professores apenas orientam, aconselham e ensinam ao artista iniciante os fundamentos da pintura e compartilham suas próprias observações. Onde quer que você esteja, o que quer que sinta e qualquer que seja o seu humor, procure sempre perceber na realidade ao seu redor aquilo que, à primeira vista, lhe parece desinteressante. pessoa comum. Observe e compare as relações tonais do céu e do solo, das cores de fundo e de primeiro plano. Faça esboços rápidos da vida todos os dias e em hipótese alguma os destrua depois. Mesmo que alguns deles não tenham saído da maneira que você idealmente os vê.

Tente imaginar-se no papel de um naturalista que estuda os fenômenos naturais e os hábitos dos animais; um fisionomista que estuda as características estruturais e expressões faciais das pessoas na tentativa de adivinhar e determinar seus traços de caráter.

O artista deve refletir o seu tempo na tela e ao mesmo tempo ser capaz de se expressar, o que exige a sua constante abertura ao mundo que o rodeia.

Preste mais atenção nas pessoas que o cercam: pantomima, expressões faciais, estilo de roupa (faça esboços rápidos).

Para expandir seus horizontes profissionais, tente visitar o maior número possível de exposições e museus, estudar reproduções de grandes pintores e ler literatura diversa.

O processo criativo e o resultado estão intimamente relacionados com a visão de mundo do artista. O quadro que ele cria envolve seus pensamentos, sentimentos, imaginação, habilidade e atitude diante do retratado.O artista busca sempre a solução mais expressiva para seu plano, pondera o enredo e a composição. As imagens que aparecem em seu imaginário têm origem objetiva, nascem das propriedades visíveis da realidade e possuem formas específicas. Portanto, o pintor, concretizando seu plano, volta-se para as propriedades dos objetos e fenômenos que percebe visualmente. Somente se houver autenticidade visual do que é retratado é que se pode expressar certos sentimentos, pensamentos e evocar experiências correspondentes no espectador, cujas ideias associativas estão conectadas com o mundo objetivo. Numa boa paisagem, o espectador verá não apenas objetos materiais, mas também o jogo natural de luz e cor, o brilho prateado do orvalho ou o jogo de cores no céu da manhã. Tal imagem evoca impressões esquecidas, faz a imaginação funcionar e ativa pensamentos e sentimentos associados a experiências passadas, a experiências anteriores. O impacto emocional e estético das pinturas está associado às peculiaridades desta percepção associativa.

Não se deve pensar que o autor de uma pintura, tentando alcançar a autenticidade visual da pintura, deva copiar mecanicamente a aparência da pessoa retratada. O trabalho acadêmico é caracterizado principalmente pelo conhecimento, estudo aprofundado e abrangente da natureza. Muitas vezes os esquetes educativos são muito “secos”, “fracionários”, “protocolares”, semelhantes entre si não só em termos de enredo e temática, mas também em execução técnica. Tudo isso é bastante natural, e a “secura” e a timidez do trabalho acadêmico não podem ser consideradas sinais de sua fraqueza ou da falta de talento criativo do autor.

Ao mesmo tempo, a atitude livre do aluno diante das tarefas do esboço, um certo “arrojado” não são sinais de criatividade, como às vezes se acredita. Os trabalhos educativos não são suficientemente emocionais, frescos e originais, porque ainda são imperfeitos em termos artísticos, uma vez que os alunos ainda não têm experiência, habilidade e não conhecem toda a variedade de meios para resolver tarefa educacional ou implementação de um plano. Somente com a experiência virá o livre domínio criativo da natureza e de suas leis, bem como a perfeição técnica.

É sobre trabalho educativo as tarefas educacionais atribuídas foram resolvidas de forma consistente e clara e, em conjunto com isso, os talentos criativos dos alunos foram nutridos e desenvolvidos.

Parte principal

A capacidade de ver e transmitir formas e cores tridimensionais de objetos em um plano é a essência da pintura. Essa habilidade é adquirida principalmente por meio de exercícios de vida. Quanto mais um artista pinta esboços da vida, mais aguçado se torna seu senso de cor, harmonia de cores e ritmo de linhas. Como resultado de exercícios constantes de representação de naturezas mortas, paisagens, cabeças humanas e figuras da natureza, desenvolve-se a observação, a capacidade de enfatizar o essencial, descartar o secundário e expressar as emoções causadas pela beleza da natureza circundante e pela diversidade de a vida é desenvolvida.

O caminho para o domínio começa com o estudo dos fundamentos teóricos da pintura e a realização sistemática de exercícios práticos. Sem o conhecimento das leis da pintura, o trabalho prático dos alunos é realizado às cegas e o aperfeiçoamento profissional fica mais lento.

Retratar é, antes de tudo, raciocinar. Ao começar a pintar, você precisa pensar bem em sua tarefa e definir claramente seu objetivo.

Leonardo da Vinci também disse que “aqueles que se apaixonam pela prática sem ciência são como criaturas contorcidas que navegam sem leme ou bússola, pois nunca podem ter certeza para onde estão indo. A prática deve sempre ser construída sobre uma boa teoria, e sem ela nada pode ser bem feito no caso da pintura."

Quando um artista começa? Cada um no seu devido tempo. Um artista em um ambiente natural se forma sob a influência do meio ambiente: pais, professores, sociedade. O ambiente é fonte de criatividade e de despertar talentos.

A personalidade criativa de cada pessoa é formada de maneira diferente. Portanto, é impossível determinar o limiar que separa o mestre do aluno. Às vezes é apenas um passo e às vezes são muitos. O domínio do domínio para um ocorre quase instantaneamente, para outro leva muito tempo e de forma imperceptível.

A história da pintura está repleta de uma variedade de exemplos dos primeiros desenvolvimento artístico e, inversamente, relativamente tarde. Normalmente o talento se manifesta em uma atmosfera de arte, mas muitas vezes vem de um ambiente estranho à arte. A maioria dos artistas cujos nomes são conhecidos recebeu formação acadêmica; outros pintores estudaram diligentemente, mas não em academias. E alguns dominaram a pintura por conta própria.

Todo verdadeiro artista possui um conjunto específico de qualidades, sem as quais não pode ter sucesso: amor à natureza, sede de conhecimento.

Por que uma introdução tão prolixa?

Depois de vasculhar pastas antigas, descobri vários esboços sobreviventes do meu aprendizado, pintados a óleo. É interessante olhar algumas décadas para trás e lembrar os sentimentos que você sente no trabalho.

Cada esboço é um esboço educativo e rápido (não mais que 15 minutos) nas cores de um determinado estado da natureza. A parte dos esboços é paisagem: tarde, pôr do sol, noite. Naturalmente, tiveram que ser escritos sem iluminação. Por exemplo, as janelas bem iluminadas da varanda são pintadas na escuridão total com cores abertas, literalmente ao toque.

O scanner, infelizmente, não conseguiu transmitir o colorido a cor certa. Ele apresentou todas as áreas mais escuras como um preenchimento preto sólido sem cor.

O artista começa precisamente com esses esboços “por condição”. Nós, alunos do departamento de pintura, pintamos centenas deles com o único propósito de “encher” as mãos e os olhos, usando a cor e o pincel mais largo.

Em relação aos esboços diurnos, se a pintura parecer um borrão, recomendo apertar os olhos e ver como o espaço plano da paisagem se decompõe em luz e sombra. Não importa quão técnico e detalhado seja o esboço educacional. Tudo o que importa é a proporção correta entre luz e sombra. Esta é a essência de trabalhar ao ar livre, e não a intenção de pintar um grande número de paisagens para vender.

Mas, além da refutação do parágrafo anterior, digamos que os melhores e mais dignos esboços, é claro, já foram vendidos há muito tempo. Tudo o que é apresentado aqui é o que resta.

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Um esboço é uma obra de pintura de caráter auxiliar e de tamanho limitado, feita inteiramente de vida.

Trabalhando ao ar livre em um esboço, o artista se propõe a encarnar de forma verdadeira e viva a natureza na pintura.

Os esboços podem ser um meio de estudar a natureza, exercícios educativos para o artista e um meio de aprimorar suas habilidades. Muitas vezes servem de material para a preparação de uma pintura, por exemplo, estudos de locais individuais, áreas, árvores, folhagens e outros detalhes de interesse do pintor. Trabalhar constantemente neles no local ajuda na criação de paisagens.

A pintura de esboço permite desenvolver seu olho, fortalecer sua mão e melhorar suas habilidades de pintura.

Um esboço requer um desenho cuidadosamente elaborado, que deve ser preciso e verdadeiro não apenas em escala, mas também em detalhes individuais e nas relações entre eles. O que é importante para ele é um desenho esquemático geral da vida, sem detalhes excessivos, fidelidade e precisão das linhas principais e contornos dos objetos. No desenho, o artista deve ser capaz de transmitir o que observa e estuda na natureza. Porém, não só o que foi visto, mas também generalizado - essencial, importante, sem pequenos detalhes.

O desenho do esboço é feito em papel, papelão ou diretamente na superfície preparada da tela com lápis, carvão, mas o melhor de tudo com pincel, uma tinta.

Na obra dos nossos paisagistas, o esboço ocupou e ainda ocupa um lugar muito significativo. Mestres insuperáveis pintura de esboço foram A.K. Savrasov, I.I. Levitan, I.I. Shishkin, NK Roerich, M.V. Nesterov, K.A. Korovin. Em termos de completude e domínio artístico, muitos de seus esboços podem ser considerados obras de significado independente.

Ao criar esboços, os artistas geralmente se propõem determinadas tarefas, resolvendo-as por meio de vários métodos, dependendo de caracteristicas individuais o próprio pintor.

Conhecimento do trabalho em esboços de pintores paisagistas individuais, seus métodos de execução desses trabalhos, características técnicas trabalhar neles é de interesse indiscutível para um artista jovem e novato e o ajudará a evitar muitos erros.

Mestre Extraordinário paisagem N. K. Roerich designada para pintura de esboço ótimo lugar em sua criatividade. Como já foi observado, método criativo Roerich baseou a criação de seu trabalho na observação atenta e cuidadosa e no estudo constante e perspicaz da natureza. Ao começar a escrever um esboço, propôs-se antes de mais nada uma tarefa muito específica, cuja solução procurava. A ideia da composição da obra, que surgiu na alma do artista a partir de suas observações e estudo da natureza, foi pensada por ele antes de começar trabalho de pintura. Quando estrutura composicional O esboço foi decidido mentalmente, quando o enredo da composição foi determinado e a solução colorística principal foi delineada, Roerich começou a desenhar esboços e depois pintar.

No processo de um longo estudo da natureza, o momento em que o artista o encontrou e o atingiu foi a base da impressão dele; a impressão criativamente realizada e processada mentalmente e a imagem artística que surgiu com base nela foram constantemente preservadas na memória durante o trabalho no esboço.

Sabendo muito bem que uma vez observada a natureza não se pode vê-la novamente, Roerich escreveu seus esboços rapidamente, em poucas horas. Caso contrário, é impossível transmitir em todo o seu frescor inicial e imediatismo a primeira impressão deste ou daquele estado de natureza, pois depois de um dia, e às vezes depois de algumas horas, já estará completamente diferente.

Roerich acreditava que, claro, é muito importante poder retratar o que você vê na natureza, mas não é menos importante poder ver o que você deseja retratar. Esta, segundo Roerich, é a principal qualidade de um artista, que consiste no fato de que é preciso olhar a natureza não com o olhar indiferente de um observador, mas com um olhar amoroso e comovente, selecionando mentalmente e observando o que se gosta. Se você não colocar toda a paixão da sua alma, todo o seu amor por ela no estudo da natureza, não precisará pintá-la.

Em um esboço, você deverá ser capaz de encontrar soluções simples para as tarefas que você mesmo definiu, que parecem descomplicadas para o observador. Estas decisões, tanto em termos de composição como de cor e design, devem ser concisas. No entanto, isso requer não apenas experiência, mas também uma firme confiança no objetivo principal traçado neste trabalho. O artista deve ser capaz de focar na solução e no alcance desse objetivo, no principal, e não no secundário, utilizando todas as suas capacidades de composição e pintura. Concentração, compostura, capacidade de ver e destacar o principal, rapidez e precisão no trabalho - esta é a chave para o sucesso na criação de um esboço.

Você precisa escrevê-lo calculando seus pontos fortes e capacidades, determinando com maior ou menor precisão quanto tempo durará o estado de natureza que interessa ao artista. Sem fazer isso, é fácil cometer um erro - porque a iluminação muda o tempo todo. Também pode acontecer assim: você começa a pintar um esboço sob certas condições, por exemplo, você pinta a terra - o sol estava à esquerda, depois você passa a pintar o céu, e o sol já passou para o outro lado , que você não percebeu e acabou sendo implausível. Não se pode pintar um esboço por muito tempo - a primeira impressão da natureza fica embotada, o artista se cansa, perdendo gradativamente o frescor e a agudeza da percepção.

Os esboços de Roerich sempre surpreendem pela composição original, que ajuda a revelar com excepcional completude a originalidade única da natureza.

O tamanho do esboço não é de pouca importância para o sucesso do trabalho do artista. Portanto, é muito importante, levando em consideração seus pontos fortes e capacidades, escolher para seus esboços o tamanho da tela que seja mais leve e conveniente para trabalhar em um tempo relativamente curto e ao mesmo tempo que permita alcançar a completude do trabalho. Roerich costumava usar papelão medindo 35,5x45,8 cm; Para seus esboços, ele usou papelão ainda menor.

Em seus esboços, Roerich, via de regra, escolhia cores que não eram força total, mas um pouco mais moderados do que realmente eram, e não utilizaram totalmente toda a gama de sua paleta. Ao fazer isso, o artista levou em consideração: se você pegar imediatamente tons sonoros e intensos, então quando precisar dar um golpe de cor, descobrirá que toda a gama já foi utilizada e não haverá nada a ver com isso .

Ao trabalhar no esboço, Roerich limitou sua paleta sem sobrecarregá-la com cores desnecessárias, acreditando acertadamente que o excesso sempre leva a grandes dificuldades na combinação da gama de cores em um único todo e priva a verdade na transmissão das relações de cores observadas na natureza.

Nos esboços de Roerich, com brilhante habilidade, foram alcançados o efeito de justaposição de tons aparentemente incompatíveis, formando uma unidade interna, e a especial simplicidade e ousadia do artista nos contrastes de cores. Essas justaposições habilmente encontradas de tons claros e escuros, de som brilhante e opaco, conferem às suas pinturas uma luminosidade excepcional. Seus tons coloridos parecem preenchidos e permeados de luz. A luminosidade da cor é uma das qualidades surpreendentes de Roerich como pintor, proveniente de um estudo profundo e da observação da natureza.

V. N. Baksheev dedicou muita atenção e tempo ao trabalho em esboços. Cada uma de suas pinturas foi pintada a partir de esboços. Já neles o artista procurou encontrar o que há de mais característico para o tema escolhido, conseguindo não só semelhança externa com a natureza, mas também plenitude interna. Os esboços certamente o ajudaram na criação de grandes telas - ele estudou forma, cor, luz. Porém, o artista nunca copiou impensadamente o esboço, acreditando que trabalhar em uma pintura é um processo criativo no qual se transmite vida interior e psicologia.

Isto é o que Baksheev disse em uma de suas conversas com o autor deste livro sobre os requisitos para o esboço: “ Em primeiro lugar, os esboços devem ser estritamente desenhados e com cores fiéis. Você precisa estudar a natureza com muito cuidado. É importante primeiro descobrir tudo: proporções, relações de cores, luz e sombras - e só depois comece a pintar. E aí, quando você começar a trabalhar com tintas, convença-se de que isso será o seu melhor, que você vai pintar bem; sintonize e comece! Polenov me aconselhou a colocar primeiro tons claros e específicos na tela, depois os mais escuros e os mais claros; os meios-tons são comparados tanto em relação ao claro e ao escuro, quanto em relação ao quente e ao frio. É necessário pintar sem pintura de base, em partes e, se possível, em cores. O esboço deve ser bem desenhado e detalhado... Você também não pode escrever melhor do que é na natureza, caso contrário sairá falso» .

Baksheev gastou diferentes quantidades de tempo em esboços: ele conseguiu escrever alguns até ficarem completos em um dia, enquanto outros completou em um longo período de tempo. Em casa, nunca fez alterações ou correções, pois, via de regra, a pintura ficava falsa.

S. V. Malyutin estava seriamente envolvido na pintura de esboços. Os esboços podem ser divididos em dois tipos. Alguns são duradouros: foram criados no local, com elaboração criteriosa de formulários em duas a quatro horas e destinavam-se principalmente a obras de gênero. O segundo tipo inclui esboços de 15 a 20 minutos feitos pelo artista no local durante suas frequentes viagens à região de Moscou, ao norte da Rússia, à Crimeia e a outros lugares do nosso país. Nestes esboços de tamanhos padrão (9x15 cm), executados em placas de compensado de três camadas, bem secas e temperadas, Malyutin perseguia um duplo objetivo. Para ele, tratava-se, em primeiro lugar, de um treino constante do olhar e das mãos no local e, em segundo lugar, nos estudos de esboços o artista encontrava as relações de cores e tons de que necessitava.

M. V. Nesterov estava muito atento à pintura de esboços. Nos seus esboços podemos observar uma forma de execução bem pensada, que correspondia plenamente à sua atitude perante este tipo de criatividade. Nesterov disse aos seus alunos: “ Um esboço é coisa séria! Os esboços devem ser escritos com muito cuidado. Eles não devem ser aleatórios, mas bem pensados ​​com antecedência, encontrados e totalmente responsivos ideia criativa artista. Se você mentir no esboço, haverá ainda mais mentiras na imagem.» .