Um esboço é uma obra de pintura de caráter auxiliar e de tamanho limitado, feita inteiramente de vida.

Trabalhando ao ar livre em um esboço, o artista se propõe a encarnar de forma verdadeira e viva a natureza na pintura.

Os esboços podem ser um meio de estudar a natureza, exercícios educativos para o artista e um meio de aprimorar suas habilidades. Muitas vezes servem de material para a preparação de uma pintura, por exemplo, estudos de locais individuais, áreas, árvores, folhagens e outros detalhes de interesse do pintor. Trabalhar constantemente neles no local ajuda na criação de paisagens.

A pintura de esboço permite desenvolver seu olho, fortalecer sua mão e melhorar suas habilidades de pintura.

Um esboço requer um desenho cuidadosamente elaborado, que deve ser preciso e verdadeiro não apenas em escala, mas também em detalhes individuais e nas relações entre eles. O que é importante para ele é um desenho esquemático geral da vida, sem detalhes excessivos, fidelidade e precisão das linhas principais e contornos dos objetos. No desenho, o artista deve ser capaz de transmitir o que observa e estuda na natureza. Porém, não só o que foi visto, mas também generalizado - essencial, importante, sem pequenos detalhes.

O desenho do esboço é feito em papel, papelão ou diretamente na superfície preparada da tela com lápis, carvão, mas o melhor de tudo com pincel, uma tinta.

Na obra dos nossos paisagistas, o esboço ocupou e ainda ocupa um lugar muito significativo. Mestres insuperáveis pintura de esboço foram A.K. Savrasov, I.I. Levitan, I.I. Shishkin, NK Roerich, M.V. Nesterov, K.A. Korovin. Pela sua completude e domínio artístico de execução, muitos dos seus esboços podem ser considerados obras de excelência. significado independente.

Ao criar esboços, os artistas geralmente se propõem determinadas tarefas, resolvendo-as por meio de vários métodos, dependendo de caracteristicas individuais o próprio pintor.

Conhecimento do trabalho em esboços de pintores paisagistas individuais, seus métodos de execução desses trabalhos, características técnicas trabalhar neles é de interesse indiscutível para um artista jovem e novato e o ajudará a evitar muitos erros.

Mestre Extraordinário paisagem N. K. Roerich designada para pintura de esboço ótimo lugar em sua criatividade. Como já foi observado, método criativo Roerich baseou a criação de seu trabalho na observação atenta e cuidadosa e no estudo constante e perspicaz da natureza. Ao começar a escrever um esboço, propôs-se antes de mais nada uma tarefa muito específica, cuja solução procurava. A ideia da composição da obra, que surgiu na alma do artista a partir de suas observações e estudo da natureza, foi pensada por ele antes de começar trabalho de pintura. Quando estrutura composicional O esboço foi decidido mentalmente, quando o enredo da composição foi determinado e a solução colorística principal foi delineada, Roerich começou a desenhar esboços e depois pintar.

No processo de um longo estudo da natureza, o momento em que o artista o encontrou e o atingiu foi a base da impressão dele; impressão criativamente realizada e mentalmente processada e a resultante imagem artística foi constantemente preservado na memória enquanto trabalhava no esboço.

Sabendo muito bem que uma vez observada a natureza não se pode vê-la novamente, Roerich escreveu seus esboços rapidamente, em poucas horas. Caso contrário, é impossível transmitir em toda a sua frescura inicial e imediatismo a primeira impressão deste ou daquele estado de natureza, pois ao fim de um dia, e por vezes ao fim de algumas horas, já será completamente diferente.

Roerich acreditava que, claro, é muito importante poder retratar o que você vê na natureza, mas não é menos importante poder ver o que você deseja retratar. Esta, segundo Roerich, é a principal qualidade de um artista, que consiste no fato de que é preciso olhar a natureza não com o olhar indiferente de um observador, mas com um olhar amoroso e comovente, selecionando mentalmente e observando o que se gosta. Se você não colocar toda a paixão da sua alma, todo o seu amor por ela no estudo da natureza, não precisará pintá-la.

Em um esboço, você deverá ser capaz de encontrar soluções simples para as tarefas que você mesmo definiu, que parecem descomplicadas para o observador. Estas decisões, tanto em termos de composição como de cor e design, devem ser concisas. No entanto, isso requer não apenas experiência, mas também uma firme confiança no objetivo principal traçado neste trabalho. O artista deve ser capaz de focar na solução e no alcance desse objetivo, no principal, e não no secundário, utilizando todas as suas capacidades de composição e pintura. Concentração, compostura, capacidade de ver e destacar o principal, rapidez e precisão no trabalho - esta é a chave para o sucesso na criação de um esboço.

Você precisa escrevê-lo calculando seus pontos fortes e capacidades, determinando com maior ou menor precisão quanto tempo durará o estado de natureza que interessa ao artista. Sem fazer isso, é fácil cometer um erro - porque a iluminação muda o tempo todo. Também pode acontecer assim: você começa a pintar um esboço sob certas condições, por exemplo, você pinta a terra - o sol estava à esquerda, depois você passa a pintar o céu, e o sol já passou para o outro lado , que você não percebeu e acabou sendo implausível. Não se pode pintar um esboço por muito tempo - a primeira impressão da natureza fica embotada, o artista se cansa, perdendo gradativamente o frescor e a agudeza da percepção.

Os esboços de Roerich sempre surpreendem pela composição original, que ajuda a revelar com excepcional completude a originalidade única da natureza.

O tamanho do esboço não é de pouca importância para o sucesso do trabalho do artista. Portanto, é muito importante, levando em consideração seus pontos fortes e capacidades, escolher para seus esboços o tamanho da tela que seja mais leve e conveniente para trabalhar em um tempo relativamente curto e ao mesmo tempo que permita alcançar a completude do trabalho. Roerich costumava usar papelão medindo 35,5x45,8 cm; Para seus esboços, ele usou papelão ainda menor.

Em seus esboços, Roerich, via de regra, escolhia cores que não eram força total, mas um pouco mais moderados do que realmente eram, e não utilizaram totalmente toda a gama de sua paleta. Ao fazer isso, o artista levou em consideração: se você pegar imediatamente tons sonoros e intensos, então quando precisar dar um golpe de cor, descobrirá que toda a gama já foi utilizada e não haverá nada a ver com isso .

Ao trabalhar no esboço, Roerich limitou sua paleta sem sobrecarregá-la com cores desnecessárias, acreditando acertadamente que o excesso sempre leva a grandes dificuldades na combinação da gama de cores em um único todo e priva a verdade na transmissão das relações de cores observadas na natureza.

Nos esboços de Roerich, com brilhante habilidade, foram alcançados o efeito de justaposição de tons aparentemente incompatíveis, formando uma unidade interna, e a especial simplicidade e ousadia do artista nos contrastes de cores. Essas justaposições habilmente encontradas de tons claros e escuros, de som brilhante e opaco, conferem às suas pinturas uma luminosidade excepcional. Seus tons coloridos parecem preenchidos e permeados de luz. A luminosidade da cor é uma das qualidades surpreendentes de Roerich como pintor, proveniente de um estudo profundo e da observação da natureza.

V. N. Baksheev dedicou muita atenção e tempo ao trabalho em esboços. Cada uma de suas pinturas foi pintada a partir de esboços. Já neles o artista procurou encontrar o que há de mais característico para o tema escolhido, conseguindo não só semelhança externa com a natureza, mas também plenitude interna. Os esboços certamente o ajudaram na criação de grandes telas - ele estudou forma, cor, luz. Porém, o artista nunca copiou impensadamente o esboço, acreditando que trabalhar em uma pintura é um processo criativo no qual se transmite vida interior e psicologia.

Isto é o que Baksheev disse em uma de suas conversas com o autor deste livro sobre os requisitos para o esboço: “ Em primeiro lugar, os esboços devem ser estritamente desenhados e com cores fiéis. Você precisa estudar a natureza com muito cuidado. É importante primeiro descobrir tudo: proporções, relações de cores, luz e sombras - e só depois comece a pintar. E aí, quando você começar a trabalhar com tintas, convença-se de que isso será o seu melhor, que você vai pintar bem; sintonize e comece! Polenov me aconselhou a colocar primeiro tons claros e específicos na tela, depois os mais escuros e os mais claros; os meios-tons são comparados tanto em relação ao claro e ao escuro, quanto em relação ao quente e ao frio. É necessário pintar sem pintura de base, em partes e, se possível, em cores. O esboço deve ser bem desenhado e detalhado... Você também não pode escrever melhor do que é na natureza, caso contrário sairá falso» .

Baksheev gastou diferentes quantidades de tempo em esboços: ele conseguiu escrever alguns até ficarem completos em um dia, enquanto outros completou em um longo período de tempo. Em casa, nunca fez alterações ou correções, pois, via de regra, a pintura ficava falsa.

S. V. Malyutin estava seriamente envolvido na pintura de esboços. Os esboços podem ser divididos em dois tipos. Alguns são duradouros: foram criados no local, com elaboração criteriosa de formulários em duas a quatro horas e destinavam-se principalmente a obras de gênero. O segundo tipo inclui esboços de 15 a 20 minutos feitos pelo artista no local durante suas frequentes viagens à região de Moscou, ao norte da Rússia, à Crimeia e a outros lugares do nosso país. Nestes esboços de tamanhos padrão (9x15 cm), executados em placas de compensado de três camadas, bem secas e temperadas, Malyutin perseguia um duplo objetivo. Para ele, tratava-se, em primeiro lugar, de um treino constante do olhar e das mãos no local e, em segundo lugar, nos estudos de esboços o artista encontrava as relações de cores e tons de que necessitava.

M. V. Nesterov estava muito atento à pintura de esboços. Nos seus esboços podemos observar uma forma de execução bem pensada, que correspondia plenamente à sua atitude perante este tipo de criatividade. Nesterov disse aos seus alunos: “ Um esboço é coisa séria! Os esboços devem ser escritos com muito cuidado. Eles não devem ser aleatórios, mas bem pensados ​​com antecedência, encontrados e totalmente responsivos ideia criativa artista. Se você mentir no esboço, haverá ainda mais mentiras na imagem.» .

Eles falaram principalmente sobre um esboço de longo prazo, que envolveu um estudo aprofundado da forma dos objetos em cores, levando em consideração o esquema de cores da natureza morta, as condições ambientais - luz, o espaço circundante e suas influências mútuas.

Mas em cursos de pintura em escola de Artes Nova intenção artística Ensinamos artistas iniciantes a registrar rapidamente um desenho, a capturar em um esboço apenas o principal, o mais significativo ou apenas parte do todo - um fragmento. Portanto, junto com trabalhos que duram toda a aula de pintura, existem outras formas de esboços. São estudos de esboços, esboços de fragmentos, esboços de memória.

Todas essas formas têm o direito de existir. A única questão é como combiná-los com sabedoria. Trabalhando apenas em esboços demorados com desenhos aprofundados e detalhados de objetos, não adquiriremos habilidades trabalho rápido e não seremos capazes de capturar imediatamente as características mais importantes e significativas do esboço, não aprenderemos a sacrificar conscientemente certos detalhes em prol do principal.

Nesse estudo, junto com a definição da estrutura composicional, descobrimos por nós mesmos esquema de cores, lembramos da mistura de cores, com a qual conseguimos as combinações desejadas. Este esboço é executado dentro de meia hora a uma hora.

Abaixo está uma série esboços rápidos- esboços e esboços de soluções fragmentárias individuais de naturezas mortas de frutas, bagas e utensílios domésticos. Faça uma série de exercícios para adquirir algumas habilidades no desenho de pequenos esboços.

Aprendendo a desenhar esboços.

Na primavera ou no verão, faça um buquê de flores uniformes, incluindo uma ou duas flores de tipo diferente. Primeiro, coloque esse buquê sob luz difusa em uma sala grande e iluminada, na varanda ou no jardim e escreva um esboço dentro de uma hora e meia a duas horas. Tente escrever o mesmo ou outro buquê em condições de muita iluminação, em um dia de sol, colocando flores na janela ou no jardim. Em cada uma dessas tarefas você encontrará condições que são novas para você. Sob a influência de luz direta forte (neste caso, luz solar), a cor dos objetos muda em comparação com as condições do ambiente. Graças aos contrastes que surgem, à abundância de reflexos, ao brilho, graças à combinação e interação de todos estes fatores, os objetos parecem perder a sua concretude. Luz, sombra e penumbra não são percebidas como claramente demarcadas umas das outras, mas enriquecem-se mutuamente com uma massa de novos tons, nuances e transições. Em suma, resolver problemas de corte neste caso torna-se muito importante.

Para um pintor, a iluminação é tão importante quanto o próprio motivo representado, ou melhor, um está indissociavelmente ligado ao outro. Assim, ao trabalhar um esboço ao ar, como se diz ao ar livre*, surgem alguns especiais que representam grande interesse tarefas. *(Do francês plein air - sob ar livre. O termo é usado nas artes visuais para se referir a imagens do ar livre).

O estudo dos sinos de campo foi feito sob luz solar direta. Sua massa total é facilmente contornada com tintas transparentes. Mas, mesmo assim, é percebido como volumoso. Ao longo da borda externa do buquê há sinos, como se fossem transparentes e leves. Alguns deles quase desaparecem em segundo plano, outros são lidos com mais clareza, mas não com nitidez.

O esboço é interessante para nós lado técnico execução. A pureza das cores e a impressão geral de frescura e riqueza são conseguidas pelo facto de o trabalho ser realizado sobre papel húmido e humedecido, abundantemente saturado com uma solução de tinta. Nos cursos de pintura da nossa escola, falamos com mais profundidade sobre as características dessa escrita.

Ao contrário do exercício anterior - um buquê de flores uniformes, faça também um pequeno buquê de flores de diferentes cores e formatos. Coloque-o sob luz difusa em uma sala contra uma parede clara e sem padrão. O buquê formará uma silhueta com certa força em relação ao fundo.

No desenho, contorne facilmente as flores que se projetam da massa total do buquê. Eles serão diferentes em contorno, forma e tamanho. Então, sempre comparando a intensidade do tom, comece a cobrir em partes na cor certa grupos separados flores, tentando transmitir seu caráter. Não há necessidade de utilizar tinta integral para posteriormente poder reforçar algumas peças. Ao desenhar flores, evite contornos nítidos onde algumas flores tocam outras ou tocam a vegetação. Caso contrário, darão a impressão de rigidez e parecerão mais artificiais do que vivos. As flores, especialmente as silvestres, são sempre tenras, frágeis e trêmulas, e num esboço deve-se esforçar-se para transmitir essas qualidades.

Olha o carinho e amor com que é feito o pincel de sabugueiro, flores amarelas linho, ao lado deles estão folhas de camomila e samambaia. Certifique-se de que a imagem não dê a impressão de ser plana, como se tivesse sido recortada e colada no papel como um aplique. Para evitar isso, é necessário determinar por comparação as características do buquê que tocam o fundo. Em algumas partes as flores se fundirão com ela em leveza ou até serão mais claras que ela, em outras formarão silhuetas de diferentes intensidades de contorno. Apesar da variedade de tonalidades que compõem um buquê de flores, ele não deve parecer variado, mas manter a compostura e a integridade de uma única tonalidade. Ao aprender a desenhar em uma escola de arte, recomendamos que os iniciantes às vezes apertem os olhos enquanto trabalham e olhem para o buquê ou para o esboço. Isso ajuda a ver os erros cometidos na solução tonal.

O próximo exercício desta lição de pintura foi elaborado para aprofundar as habilidades de trabalhar em um esboço rápido. O exercício define a tarefa, utilizando competências previamente adquiridas na técnica a la prima, de alcançar riqueza e colorido na pintura. É útil dedicar de uma a duas horas a cada um desses exercícios.

Para começar, você pode realizar uma tarefa semelhante ao estudo do morango. Aqui, como no esboço anterior, o autor ou utiliza as capacidades de um pincel extremamente saturado com solução de tinta, ou aplica pinceladas leves e transparentes de tintas puras, permitindo um mínimo de sua mistura. Como resultado, transmite-se a suculência e a suavidade dos frutos grandes e a impressão de serem permeados de luz.

O esboço com a caneca também é feito em forma de esboço rápido. A produção é interessante pela combinação de diversos objetos. O artista enfrenta nova tarefa- mostre o brilho do metal próximo à superfície brilhante da casca do tomate. As cores são limpas, claras, transparentes, a cor geral é clara. Portanto, a obra passa a impressão de frescor e espontaneidade.

Conseqüentemente, em esboços rápidos, a tarefa é estabelecer relações básicas de cores, contrastes básicos e transmitir iluminação. Tais estudos não requerem detalhes detalhados em todas as partes. Por exemplo, num bouquet com sinos, com uma solução generalizada de toda a massa do bouquet, vemos uma camomila e os contornos característicos dos próprios sinos delineados em silhueta.

Esses esboços podem ter significados subordinados e independentes. Subordinado - ao realizar um esboço preliminar antes de um esboço longo; independente - ao resolver problemas pictóricos especiais (transferência de condições de luz, combinações de cores) e, por fim, quando você precisa captar algum motivo para si mesmo, mas não há tempo para realizá-lo com mais detalhes.

Em um curso de pintura Nova intenção artística Advertimos contra se deixar levar por esboços tão rápidos. Com a generalização da solução, o estudo não deve perder características do assunto. Em suma, a generalidade não deve se tornar um fim em si mesma no desenho para iniciantes. Muito pelo contrário, com a sua ajuda tentamos expressar as propriedades mais características e típicas de um determinado objeto ou fenômeno.

Estudos de acrílico pintados por alunos durante aulas de arte no Artintenstudio.

O processo criativo e o resultado estão intimamente relacionados com a visão de mundo do artista. O quadro que ele cria envolve seus pensamentos, sentimentos, imaginação, habilidade e atitude diante do retratado.O artista busca sempre a solução mais expressiva para seu plano, pondera o enredo e a composição. As imagens que aparecem em seu imaginário têm origem objetiva, nascem das propriedades visíveis da realidade e possuem formas específicas. Portanto, o pintor, concretizando seu plano, volta-se para as propriedades dos objetos e fenômenos que percebe visualmente. Somente se houver autenticidade visual do que é retratado é que se pode expressar certos sentimentos, pensamentos e evocar experiências correspondentes no espectador, cujas ideias associativas estão conectadas com o mundo objetivo. Numa boa paisagem, o espectador verá não apenas objetos materiais, mas também o jogo natural de luz e cor, o brilho prateado do orvalho ou o jogo de cores no céu da manhã. Tal imagem evoca impressões esquecidas, faz a imaginação funcionar e ativa pensamentos e sentimentos associados a experiências passadas, a experiências anteriores. O impacto emocional e estético das pinturas está associado às peculiaridades desta percepção associativa.

Não se deve pensar que o autor de uma pintura, tentando alcançar a autenticidade visual da pintura, deva copiar mecanicamente a aparência da pessoa retratada. O trabalho acadêmico é caracterizado principalmente pelo conhecimento, estudo aprofundado e abrangente da natureza. Muitas vezes os esquetes educativos são muito “secos”, “fracionários”, “protocolares”, semelhantes entre si não só em termos de enredo e temática, mas também em execução técnica. Tudo isso é bastante natural, e a “secura” e a timidez do trabalho acadêmico não podem ser consideradas sinais de sua fraqueza ou da falta de talento criativo do autor.

Ao mesmo tempo, a atitude livre do aluno diante das tarefas do esboço, um certo “arrojado” não são sinais de criatividade, como às vezes se acredita. Os trabalhos educativos não são suficientemente emocionais, frescos e originais, porque ainda são imperfeitos em termos artísticos, uma vez que os alunos ainda não têm experiência, habilidade e não conhecem toda a variedade de meios para resolver tarefa educacional ou implementação de um plano. Somente com a experiência virá o livre domínio criativo da natureza e de suas leis, bem como a perfeição técnica.

É sobre trabalho educativo as tarefas educacionais atribuídas foram resolvidas de forma consistente e clara e, em conjunto com isso, os talentos criativos dos alunos foram nutridos e desenvolvidos.

Parte principal

A capacidade de ver e transmitir formas e cores tridimensionais de objetos em um plano é a essência da pintura. Essa habilidade é adquirida principalmente por meio de exercícios de vida. Quanto mais um artista pinta esboços da vida, mais aguçado se torna seu senso de cor, harmonia de cores e ritmo de linhas. Como resultado de exercícios constantes de representação de naturezas mortas, paisagens, cabeças humanas e figuras da natureza, desenvolve-se a observação, a capacidade de enfatizar o essencial, descartar o secundário e expressar as emoções causadas pela beleza da natureza circundante e pela diversidade de a vida é desenvolvida.

O caminho para o domínio começa com o estudo dos fundamentos teóricos da pintura e a realização sistemática de exercícios práticos. Sem o conhecimento das leis da pintura, o trabalho prático dos alunos é realizado às cegas e o aperfeiçoamento profissional fica mais lento.

Retratar é, antes de tudo, raciocinar. Ao começar a pintar, você precisa pensar bem em sua tarefa e definir claramente seu objetivo.

Leonardo da Vinci também disse que “aqueles que se apaixonam pela prática sem ciência são como criaturas contorcidas que navegam sem leme ou bússola, pois nunca podem ter certeza para onde estão indo. A prática deve sempre ser construída sobre uma boa teoria, e sem ela nada pode ser bem feito no caso da pintura."

A palavra "etude" é uma transcrição russa exata do termo francês "étude", que na tradução desta língua significa "aprendizado" ou "pesquisa". Esta palavra em russo tem vários significados bastante diferentes entre si e concentram-se principalmente no campo da arte. No entanto, a impressão do significado original do original francês é perceptível em todos os sentidos da palavra.

Esboço na pintura

Um dos significados mais comuns que as pessoas têm em mente quando dizem a palavra “estudo” refere-se ao campo da pintura. Nesse sentido, significa uma obra que geralmente é feita a partir da vida e pode ser paisagem, natureza morta, retrato ou outro gênero. Artes visuais, com base no reflexo da realidade. Muitas vezes um esboço é chamado de desenho, cujo grau de elaboração não é muito alto, pois serve como uma das opções para o futuro trabalho finalizado. Portanto, um artista sério, via de regra, faz vários esboços para uma grande obra.

No campo da pintura, a palavra “estudo” também tem significado adicional, V. em maior medida relacionado ao significado original do original francês. Assim, um esboço às vezes significa uma sessão de treinamento, cujo objetivo é criar um esboço artístico para uma futura pintura.

Estude música e teatro

A palavra "estudo" também é usada para significar obras musicais, que, por sua vez, possuem características pronunciadas. Portanto, este trabalho geralmente tem curta duração e é escrito para um instrumento musical ou vozes. Seu principal objetivo geralmente é desenvolver as habilidades técnicas do intérprete.

A palavra “estudo” tem significado semelhante no ambiente teatral: é uma produção de pequena escala na qual se espera a participação de um número limitado de atores, e é utilizada para desenvolver a técnica de atuação. Ao mesmo tempo, um esboço em ambiente teatral inclui na maioria das vezes uma parte significativa baseada na improvisação, o que permite melhorar o desempenho dos atores.

Estude xadrez

Outro significado comum desta palavra está relacionado ao jogo de xadrez. Nesta área, a utilização deste termo também tem uma conotação que reflecte a natureza educativa este conceito. Assim, a palavra “estudo” costuma ser utilizada para designar uma situação especialmente compilada por um especialista no quadro, que o aluno precisa resolver a seu favor ou empatar.

Estudo. A pintura de esboços ocupou um lugar significativo na obra de Malyutin.

Os esboços podem ser divididos em dois tipos. Alguns são duradouros: foram criados pela natureza, com cuidadosa elaboração de formas em duas a quatro horas e destinavam-se principalmente a obras de gênero. Estes incluem, por exemplo, o seguinte: “Pastor com Pastor” (1893, Galeria Tretyakov), “Cabana” para a pintura “Feira Rural” (1907, Galeria Tretyakov), “Menino” para a pintura “Avô e Neta” (1932, Conselho Central de Sindicatos de toda a Rússia), “Melancias” para a pintura “Almoço Artel” (1934, Galeria Tretyakov).

Esses estudos foram feitos em materiais densos e de granulação fina tela de linho. Malyutin aplica energicamente tintas pastosas apagadas com pinceladas texturizadas e corporais que esculpem formas expressivamente.

O segundo tipo de esboços inclui esboços de 15 a 20 minutos, que foram executados pelo artista no local durante suas frequentes viagens à região de Moscou, norte da Rússia, Crimeia e outros lugares de nossa pátria.

Mosteiro em Istra

Nestes esboços de tamanhos padrão (9x15 centímetros), Malyutin perseguiu um duplo objetivo. Para ele, foi, em primeiro lugar, um treino constante das mãos e dos olhos no local e, em segundo lugar, nos esboços “tapa” o artista procurava as relações de cores de que necessitava.

O tamanho de 9x15 centímetros correspondia exatamente ao pequeno caderno (presente de K. Korovin). geralmente acompanhando Malyutin durante suas viagens de campo. Ao planejar escrever esboços, Malyutin levou consigo apenas um pequeno caderno de desenhos. Ele não gostava de trabalhar em locações com outros desenhistas. Depois de espremer na paleta as cores que precisava, ele pegou cal e pincéis no bolso e foi pintar.

O material principal para esses esboços foram placas de compensado durável, de três camadas e bem temperado, com 1,5 a 2,5 milímetros de espessura. Em casos raros, uma tela de grão fino preparada foi colada no compensado (estudo “Cabana”, 1925, coleção de O. S. Malyutina).

As técnicas para aplicar tintas em esboços pequenos e pintados rapidamente eram excepcionalmente diversas. Foi uma aplicação de tintas muito fina e semi-esmaltada (tintas bastante diluídas) no esboço “Alabino. Stream" com inclusão em alguns pontos de uma camada pitoresca e colorida de textura de compensado; depois, um esboço pintado de forma mais impasto “Skorotovo” (1936) com uma camada semi-esmaltada de cores no fundo e traços maciços, massivamente colocados no céu, em relevo, fortemente expressos (nuvens); depois alvenaria enérgica com pinceladas curtas e largas de cores de espessura média, esculpindo claramente as formas em “Quintal Camponês” (1911); em seguida, os traços texturizados longitudinais amplamente dispostos ao longo de toda a extensão do esboço (céu e água) em combinação com pequenos traços muito empastados e em relevo do primeiro plano (costa e pedras) no esboço “Crimeia. Mar" (1925).

Alguns estudos distinguem-se por uma aplicação maciça de pasta espessa colorida semelhante a esmalte, bem disposta em pequenos traços (estudo “Tree. Crimea” (1925).

Malyutin usou habilmente a superfície texturizada de madeira compensada em seu esboço. Pintura no esboço “Crimeia. Beach" (1925) é feito de tal forma que a textura do contraplacado, ligeiramente esfregado com tinta cinzenta (que lhe deixou vestígios em forma de numerosos traços), transmite perfeitamente o areal da praia. Apenas no fundo, algumas pinceladas de tinta azul e cal transmitem expressivamente a água e a espuma das ondas. A figura feminina sentada na praia é delineada com algumas pinceladas levemente aplicadas de vermelho e preto veneziano.

Malyutin sempre pintou seus esboços com pincéis de cerdas de vários tamanhos.

Estudo. Artista Malyutin S.V.