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Arte da Finlândia

M. Bezrukova (pintura e grafismo); I. Tsagarelli (escultura); O. Shvidkovsky S. Khan-Magomedov (arquitetura)

Formação do Finlandês escola nacional nas artes visuais remonta à primeira metade do século XIX. Em 1809, de acordo com o Tratado de Friedrichsham, a Finlândia tornou-se um Grão-Ducado de Império Russo, e o país, que era uma província sueca há cerca de 600 anos, ganhou relativa independência. Antes disso, a arte da Finlândia estava sujeita às influências suecas e, através da Suécia, às influências dinamarquesas. As tradições folclóricas foram preservadas apenas nos contos do épico “Kalevala”, nos tapetes tecidos à mão - “Ruyu” - e nas esculturas em madeira. Essas tradições vivas serviram de base para o aumento da autoconsciência nacional na primeira metade do século XIX, que foi facilitada pelas atividades do historiador e filólogo H. G. Portan, do escritor Runeberg e do colecionador das runas Kalevala Lönnrot. . Durante estes anos, surgiram vários artistas que se propuseram a criar uma escola nacional de pintura e escultura. Um papel importante na sua formação pertence à Sociedade de Arte Finlandesa, que surgiu em 1846 e foi liderada por Robert Ekman (1808 -1873). Ele foi o autor de pinturas de gênero escritas com precisão documental, e os historiadores finlandeses o chamam de “o pai da arte finlandesa”. O trabalho de Ekman contribuiu para aproximar a arte vida popular. EM pintura de paisagem Werner Holmberg (1830-1860) abre caminho para a criação de uma paisagem nacional. No entanto, a verdadeira ascensão da pintura finlandesa ocorreu nas décadas de 1880-1890. e está associado aos nomes de A. Gallen-Kallela, A. Edelfelt, E. Järnefelt e P. Halonen. A arte destes pintores entrou no fundo dourado da cultura artística finlandesa e representa a parte mais valiosa da sua contribuição para a arte mundial.

Albert Edelfelt (1854-1905) foi o primeiro artista finlandês a alcançar fama mundial. A sua obra ocupa um lugar importante na história do desenvolvimento da pintura finlandesa. Edelfelt, sueco de nascimento, estudou primeiro em Helsínquia, depois na Academia de Artes de Antuérpia e completou a sua educação em Paris com J. L. Jerome. A origem do impressionismo na Finlândia está associada ao nome de Edelfelt.

Edelfelt começa como pintor histórico(“O rei sueco Carlos insulta o cadáver do seu inimigo Stadtholder Flemming em 1537”, 1878; Helsínquia, Ateneu), mas o verdadeiro florescimento da sua obra deveu-se ao seu apelo a temas da vida do povo. As melhores telas as obras do artista são "Mulheres de Ruokolahti" (1887), "Pescadores das Ilhas Distantes" (1898; ambas - Helsinque, Ateneum, "O Contador de Histórias Paraske" (1893; coleção particular alemã), distinguidas pelos temas nacionais e pelo brilho de a linguagem pictórica. Em "Mulheres de Ruokolahti" a artista recria uma cena da vida popular - quatro camponesas em trajes nacionais conversando perto da cerca da igreja. Busca constante por uma transmissão mais precisa ambiente de ar leve, para criar um som colorístico holístico da imagem, expressividade da forma pictórica, movimento livre do pincel - traços característicos do estilo do pintor Edelfelt.

Edelfelt foi um notável retratista que nos deixou uma galeria de seus contemporâneos; para o número melhores retratos incluem “Retrato de L. Pasteur” (1885), “Retrato do cantor A. Acte” (1901), “Retrato de uma mãe” (1883; todos - Helsinque, Ateneum). Uma das últimas obras de Edelfelt foi a pintura monumental "A Cerimônia de Abertura da Universidade de Åbo" (1904) para o salão de reuniões da universidade em Helsinque.

Eero Järnefelt (1863-1937) entrou para a história da pintura finlandesa como um cantor da vida do camponês finlandês, um pintor de paisagens comovente e um excelente pintor de retratos. Estudou na escola de desenho da Sociedade de Artistas de Helsinque, depois na Academia de São Petersburgo e em Paris. Ele criou suas melhores obras nas décadas de 1880-1890: “Lavadeiras na costa” (1889; Helsinque, coleção particular), “Retorno da floresta com frutas” (1888; Hämeenlinna, Museu de Arte), “Trabalho forçado” (1893 ; Helsínquia, Ateneu). Todos eles foram escritos com base em impressões diretas. Assim, a pintura “Trabalho Forçado” fala do trabalho árduo dos camponeses desenraizando e queimando tocos. Uma adolescente com o rosto coberto de fuligem olha para o espectador com uma reprovação silenciosa. Järnefelt criou retratos comoventes de vários figuras públicas Finlândia (“Retrato do Professor Danielson-Kalmar”, 1896; Helsinque, coleção particular).

A arte de Peki Halonen (1865-1933), que estudou primeiro em Helsínquia, depois em Paris e Itália, também tem um carácter democrático. Brilhantemente no controle técnica de pintura trabalhando ao ar livre, Halonen aplicou toda a sua habilidade na representação de seu povo e natureza nativa. Assim, o seu “Forest Rafters by the Fire” (1893; Helsínquia, Ateneu) está imbuído de um sentimento caloroso pela natureza dura e pela população pobre da Finlândia. Halonen resolve assuntos do cotidiano de forma épica monumental e, ao mesmo tempo, nas paisagens se revela um poeta sutil: o remanso tranquilo da baía, as casas da Carélia, a tempestuosa procissão da primavera do norte - tudo aqui é permeado de um sentimento lírico. Embora Järnefelt e Halonen tenham morrido na década de 1930, melhores trabalhos eles foram criados na década de 1890, e a arte desses pintores desenvolveu-se inteiramente nas tradições do século XIX.

Em contrapartida, a obra do mais importante artista finlandês, Aksel Gallen-Kallela (1865-1931), refletia as contradições características da arte do final do século XIX e início do século XX. Nos anos 1900 Gallen-Kallela tornou-se um dos principais artistas do emergente estilo Art Nouveau e só gradualmente, nas últimas duas décadas de sua vida, superou o modernismo e retornou à pintura realista.

EM Período inicial criatividade ligada jovem artista Bastien-Lepage foi uma grande influência. Já obra da segunda metade da década de 1880. testemunham a maturidade e o domínio do talento do artista. A pintura “A Primeira Lição” (1889; Helsínquia, Ateneu), que representa uma cabana de aldeia onde um velho pescador ouve uma rapariga ler, é marcada por traços de verdadeiro realismo. Viajando extensivamente pelo país para estudar mais profundamente a vida das pessoas, Gallen-Kallela pintou paisagens e pinturas de gênero (“O Pastor de Panajarvi”, 1892; Helsinque, coleção particular). Na década de 1890. A gama de temas de Gallen se expande, ele se volta para o épico nacional Karelo-Finlandês "Kalevala" e cria uma série de obras sobre os temas do épico (tríptico "A Lenda de Aino", 1891, Helsinque, Ateneu; "O Estupro de Sampo ", 1896, Turku, Museu de Arte; "Mãe de Lemminkäinen" ", 1897, Helsinque, Ateneu, "A Vingança de Joukahainen", 1903, gravura). Cada vez mais fascinado pela fantasia e heroísmo do Kalevala, Gallen começa a buscar novas técnicas estilísticas para expressar a especificidade racional, mas essas buscas o levam à estilização modernista, característica da arte do início do século XX. Gradualmente, em seu trabalho, diminui o interesse pelo grande tema da vida popular. Uma combinação de misticismo e naturalismo é marcada por seus afrescos na capela tumba de Juselius in Pori (1901-1903). Há também características do modernismo nas pinturas do pavilhão finlandês na Exposição Mundial de Paris em 1900. Ao longo de sua longa carreira, Gallen criou muitas paisagens, retratos e trabalhou como ilustrador (ilustrações para o romance “Sete Irmãos” de Alexis Kivi); nem tudo em seu legado pode ser aceito incondicionalmente, mas em suas melhores obras de diferentes anos, criadas antes do período de paixão pelo modernismo e nos anos 20, encontramos um poder realista genuíno, uma nacionalidade profunda, dando o direito de considerar Gallen-Kallela um grande artista nacional, que trouxe glória ao seu país; Não foi à toa que M. Gorky o valorizou tanto e se correspondeu com ele por muitos anos.

Helena Schjerfbeck (1862-1946), que recebeu sua educação artística em São Petersburgo, também era uma artista talentosa. A sua pintura “A Criança Convalescente” (1888; Helsínquia, Ateneu) pertence a melhores conquistas pintura finlandesa realista. Mas com a difusão no final do século XIX. modernismo na Finlândia, Schjerfbeck, como muitos dos seus colegas, afasta-se do realismo. A obra de Juho Simberg (1873-1917), marcada por traços de misticismo e simbolismo, também foi polêmica. A influência do modernismo também deixou sua marca na obra de um artista muito democrático - Juho Rissanen (1879-1950).

No início do novo século, as tendências formalistas intensificaram-se na arte finlandesa. Começa um afastamento do realista tradições nacionais, um afastamento das tarefas da arte democrática. Em 1912 surgiu o grupo Septem, cujo chefe ideológico era Magnus Enckel (1870-1925); incluía V. Thome, M. Oinonen e outros. Em 1916, liderado por Tykko Sallinen (1879-1955), foi criado outro grande grupo - “Novembro”. Os artistas que integravam estes grupos, em detrimento do sentido da arte, deixavam-se levar pelos problemas de luz e cor (“Septem”) ou lutavam por uma imagem distorcida e deformada da realidade (“Novembro”). Um dos grupos mais significativos dos últimos tempos é o grupo “Prisma”, que surgiu em 1956 e reúne artistas que trabalham nos mais diversos meios. Isso inclui Sigrid Schauman (n. 1877), Ragnar Eklund (1892-1960) - representantes da geração mais antiga de pintores, bem como o próprio Vanni (n. 1908), que trabalha principalmente de maneira abstrata, e outros.

Desde o final dos anos 50. o abstraccionismo está a capturar círculos cada vez maiores de artistas finlandeses. Mas junto com isso, vários pintores, como Lennart Segerstrode (n. 1892), Sven Grönwall (n. 1908), Eva Söderström (n. 1909), Eero Nelimarkka (n. 1891) e outros, continuam a trabalhar em tradições realistas

Um lugar significativo na arte da Finlândia é ocupado pelos gráficos, cujo florescimento no século XIX foi associado aos nomes de Gallen-Kallela, A. Edelfelt, J. Simberg. Hoje, os sucessores das melhores tradições democráticas na arte gráfica finlandesa são Erkki Tanttu (n. 1917), Lennart Segerstrole, Vilho Askola (n. 1906) e outros mestres. Apesar das diferenças nos estilos e géneros criativos em que trabalham, estão unidos pelo desejo de mostrar a vida concreta da Finlândia de hoje, o seu amor pela para o homem comum. L. Segerstrole, representante da geração mais antiga de artistas gráficos, dedica as suas folhas “Seal Hunters” (1938) e “After the Storm” (1938, ponta seca) ao tema do trabalho; estão imbuídas de simpatia pelo trabalho comum homem. E. Tanttu glorifica a beleza do trabalho em suas gravuras “A madeira está sendo carregada” (1954), “Rafters” (1955) e outras. Suas folhas se distinguem pela interpretação monumental da imagem do homem e pela representação poética da natureza nativa. Ele transmite a beleza e a severidade da paisagem finlandesa em suas obras gráficas” Manhã de inverno"(1956), "Lago em Lappi-Ebi" (1958) V. Askola.

Um mestre maravilhoso ilustração de livroé Tapio Tapiovaara (n. 1908), autor de fichas gráficas sobre temas altamente sociais (“Eventos em Kemi em 1949”, 1950).

Lugar significativo em vida artística A Finlândia é ocupada por uma escultura amplamente desenvolvida. Os primeiros professores de escultores finlandeses foram mestres suecos. O fundador da escultura finlandesa é considerado Karl Eneas Sjöstrand (1828-1906), que chegou em 1856 à então capital da Finlândia - Turku. Ele foi convidado a criar um monumento a X. G. Portan, o maior colecionador Épico finlandês; este monumento ainda goza de um merecido reconhecimento. Ao mesmo tempo, começou a se interessar pelo épico “Kalevala” e realizou uma série de trabalhos sobre os temas do épico (“Kullervo soletra seu sabre”, 1867; Helsinque, Parque Hesperia). Sjöstrand é conhecido não apenas como artista, mas principalmente como um mestre que organizou a sua própria escola. As tradições realistas desta escola remontam ao início do século XX.

Entre seus alunos estavam escultores finlandeses famosos como Walter Runenberg (1836-1920) e Johannes Takkanen (1849-1885). Esses mestres eram representantes de duas linhas de desenvolvimento da escultura finlandesa. Tendo iniciado a sua educação artística com Sjöstrand, continuaram-na em Copenhaga e Roma, mas os seus destinos foram diferentes. Para o filho do famoso poeta finlandês, próximo aos círculos dominantes da Suécia, Walter Runenberg, o caminho para a arte foi simples e fácil. Tanto em casa como em Paris, onde se estabeleceu em meados da década de 1870, seus retratos e monumentos classicistas, cheios de pathos externos e idealização, tiveram sucesso (“Psique com a Águia de Júpiter”, 1875, mármore, Helsinque. Escultura alegórica do Ateneu “ Triste Finlândia", 1883, bronze). Mas, apesar do sucesso e das encomendas oficiais, este mestre classicista não contribuiu em nada para o desenvolvimento da escultura nacional finlandesa - apenas a introduziu na corrente principal da escola académica romana da época. Para Johannes Takkanen, filho de um camponês pobre , foi muito mais difícil. O talentoso escultor, forçado a lutar contra a pobreza durante toda a sua curta vida (morreu 36 anos em Roma, quase sem um tostão, entre pessoas que nem conseguiam compreender as últimas palavras do moribundo), não conseguiu ser reconhecido. Takkanen não conseguiu revelar seu talento - aplicar sua força na execução de esculturas monumentais. Mas mesmo aquelas pequenas estatuetas que sobreviveram testemunham o grande e original talento do mestre. Takkanen foi justamente chamado de cantor de beleza feminina, suas estatuetas são cheias de lirismo e suavidade (“Chained Andromeda”, 1882; motivo “Aino” de “Kalevala”, 1876; ambos - Helsinque, Ateneu).

Simplicidade, naturalidade, tipos e imagens nacionais - tudo isso parecia muito ousado e incomum para a Roma clássica. Takkanen não recebeu apoio de sua terra natal. Foi assim que a Finlândia perdeu o seu primeiro artista nacional.

Nas décadas de 1880-1890. a escultura se torna um dos gêneros líderes na Finlândia. Nas cidades, são erguidos monumentos a grandes figuras, esculturas e relevos de parques são criados para decorar edifícios públicos e privados. O foco principal de toda escultura monumental era a promoção de ideias nacionais; Foi durante estas décadas que a orientação artística dos escultores finlandeses e os caminhos pelos quais moderno vai fazer Escultura finlandesa. A linha salão-tradicional foi claramente representada pela obra de Ville Wallgren (1855-1940). O mestre mais proeminente no desenvolvimento das tradições folclóricas da escultura finlandesa foi Emil Wikström (1864-1942).

Wallgren estabeleceu-se em Paris por volta de 1880. Pequenas estatuetas de gênero de Wallgren (Maryatta, 1886, mármore, Turku, Museu de Arte; Echo, 1887, mármore; Primavera, 1895, ouro, ambos Helsinque, Ateneu e etc.). Suas obras são caracterizadas por uma elaborada decoração, sensualidade e muitas vezes doçura. No final da década de 1890. ele começa a se deixar levar pelas proporções alongadas e por uma linha de contorno sinuosa. Com o passar dos anos, ele se tornou cada vez mais inclinado à decoração e à literatura. Quando Wallgren tentou retratar suas garotas sedutoras em formas monumentais (a fonte Havis Amanda em Helsinque, 1908), ele falhou, pois era um mestre em pequenas formas.

Ao contrário de Wallgren, Emil Wikström apenas na década de 1890. presta homenagem ao virtuosismo do salão francês (The Dream of Innocence, 1891; Helsinki, Athenaeum). Já em 1900. sua arte amadurece. A história e a modernidade da Finlândia tornam-se os temas principais de suas obras. O processamento do material também muda: alguma pretensão dá lugar a uma forma plástica forte. Esta é uma das suas obras centrais - o friso da fachada principal da Câmara dos Representantes da Dieta (1902, Helsínquia). Esta grandiosa composição, executada em bronze, é composta por cenas alegóricas que contam a história do povo finlandês, o seu trabalho e a luta pela independência. Wikström também é conhecido como um mestre do retrato e da escultura monumental. Em 1886, ele completou um retrato de sucesso do pintor Gallen-Kallela (bronze, Helsinque, Ateneum) e, em 1902, um monumento ao colecionador do épico Kalevala Lönnrot (Helsinque), a composição “Forest Rafters”. Uma de suas últimas obras foi um monumento a IV Snellman (1923, Helsinque). As obras monumentais e retratísticas de Wikström caracterizam-se pelo profundo realismo, pela capacidade de encontrar o que há de mais característico e típico na pessoa retratada.

O aluno de Wikström foi Emil Halonen (1875-1950), que reviveu as tradições folclóricas da escultura em madeira. Possui numerosos relevos em pinho (“Deer Buster”, 1899), esculturas em madeira (“Young Girl”, 1908; ambas as obras - Helsínquia, Ateneu). Maioria trabalho interessante Halonen criou relevos para o pavilhão finlandês na Exposição Mundial de Paris em 1900 (Helsínquia, Ateneu), feitos de forma um tanto arcaica, imitando a escultura popular em madeira; eles reproduziram de forma simples e laconica cenas da vida popular. As técnicas de talha desenvolvidas por Halonen foram continuadas e desenvolvidas por escultores como Albin Kaasinen (n. 1892) e Hannes Outere (n. 1888), criadores de cenas da vida popular, que falavam com muito humor e habilidade sobre seus contemporâneos.

Em 1910, por iniciativa de Felix Nylund (1878-1940), foi criada a União dos Escultores Finlandeses, que desempenhou um importante papel organizador. Os primeiros trabalhos do próprio Nylund são caracterizados pelo desejo de uma forma plástica generalizada, mantendo ao mesmo tempo o interesse nas características psicológicas do modelo. Seus retratos de crianças são especialmente bons (Erwin, 1906, mármore; Helsinque, Ateneu), caracterizados pelo frescor e pelo calor. Mais tarde, Nylund, como a maioria dos artistas da geração mais velha, interessou-se pelas tendências modernistas e afastou-se do realismo.

As décadas de dez e vinte foram marcadas na arte finlandesa por uma tendência ao expressionismo e depois ao abstracionismo. Começa a busca pelo “volume autossuficiente”, pela “forma pura”, etc., e apenas alguns escultores conseguem resistir a essas influências estranhas. Entre eles, devemos antes de tudo citar o maior escultor realista moderno que trouxe fama mundial à Finlândia - Väinö Aaltonen (n. 1894).

Aaltonen recebeu sua educação artística na escola de desenho em Turku, sob a direção de V. Westerholm. A escola produziu pintores, mas, ao contrário do que supunham seus professores, Aaltonen tornou-se escultor. A arte da escultura o atraiu desde a infância; era a sua vocação. Aaltonen é o mestre de quem dizem na Finlândia que acordou rochas de granito do sono eterno. O granito preto e vermelho tornou-se o material favorito de Aaltonen. A gama deste artista é extraordinariamente ampla: ele criou uma enorme galeria de retratos de seus contemporâneos, esculturas de parque e estátuas de atletas, lápides e relevos monumentais que decoram edifícios governamentais e públicos, esculturas de câmara em madeira e terracota, pinturas a óleo e têmpera sobre temas do Kalevala. Já trabalhos iniciais Aaltonen - uma série das chamadas “Maids” (“Girl Wading”, 1917-1922, granito; “Seated Young Girl”, 1923-1925, granito; todas em coleções particulares) - despertou o interesse do público com seu grande lirismo, calor e poesia na representação de um corpo feminino nu e na extraordinária suavidade do processamento do material. Durante esses mesmos anos, Aaltonen também se ocupou com o tema do nu. corpo masculino, e cria uma de suas obras-primas - uma estátua do corredor Paavo Nurmi (1924-1925, bronze; Helsinque); a leveza, a confiança e a liberdade de um corpo forte e musculoso são perfeitamente transmitidas pelo escultor. Assim que seu pé toca o pedestal, Nurmi parece voar para frente.

Aaltonen começou a se dedicar à arte do retrato na juventude e continua a trabalhar nesse gênero até hoje. Ele pode ser considerado um dos criadores do retrato escultural finlandês moderno. Sua arte é baseada na penetração profunda em mundo interior retrato e seleção rigorosa dos elementos que compõem as características do modelo.

Entre os melhores retratos Aaltonen pode ser chamado de retrato da escritora Maria Jotuni (1919, mármore; coleção particular) com rosto gentil e levemente triste; a cabeça severa de V. Westerholm, cheia de força e dignidade (1925, granito; coleção particular) transmite a profunda concentração do professor de Aaltonen. Lindos são os retratos do compositor Jean Sibelius (1935, mármore; Pori, Sibelius House Museum), cuja poderosa cabeça parece crescer de um bloco de pedra, e do poeta Aarro Hellaakoski (1946, bronze; coleção particular), onde o máximo laconicismo de formas e meios de expressão não impede a recriação da aparência deste desiludido amigo de juventude, Aaltonen.

As obras monumentais de Aaltonen são de grande interesse. Suas figuras nuas na ponte de Tampere (1927-1929, bronze) são profundamente nacionais na interpretação das imagens. A heroína de “Kalevala” “Maryatta” (1934, bronze; propriedade do autor) é bela em sua estrita contenção: uma jovem com um vestido caindo até o chão fica de pé, levantando seu filho no alto dos braços, seu olhar está cheio de tristeza e ternura, os contornos de sua silhueta esbelta são suaves. O monumento a Alexis Kivi (1934, bronze) em Helsinque recria a triste imagem do grande escritor finlandês, que morreu cedo na pobreza sem receber reconhecimento durante sua vida. Pensamentos amargos dominam um homem sentado em pensamentos profundos, sua cabeça caiu, suas mãos caíram impotentes sobre os joelhos. As formas rígidas do monumento muito compacto enquadram-se bem no conjunto da cidade.

Entre os relevos monumentais de Aaltonen, o monumento em homenagem aos primeiros colonos finlandeses em Delaware (Canadá; 1938, granito vermelho) ocupa um lugar especial - esta é talvez uma das suas obras mais nacionais em espírito. O monumento é uma laje cujas faces longitudinais são decoradas com relevos. O relevo “Adeus à Costa Nativa” é especialmente bom. Ao longe, no mar, os contornos de um navio são visíveis e, em primeiro plano, perto da costa rochosa, os enlutados congelaram em severo silêncio; em poucos minutos o barco levará os aventureiros até um navio que segue para terras desconhecidas em busca de uma vida melhor. Sempre evitando pathos, efeitos e movimentos bruscos, Aaltonen escolheu o momento em que todas as palavras já haviam sido ditas - houve um minuto de silêncio. A extrema lapidação da solução plástica do relevo é combatida por uma elaboração clara desenho de contorno figuras.

Encontramos esta especificidade nacional tanto nos tipos como na interpretação das imagens nas pinturas e obras gráficas de Aaltonen, como “Kullervo” (1930-1940, têmpera), na poética “Return from the Evening Milk” (1939, desenho; ambos são autores de propriedade).

Os temas da paz e da amizade entre os povos e da solidariedade dos trabalhadores são próximos e caros a Aaltonen. O monumento de bronze “Amizade” data de 1952, simbolizando a amizade da cidade finlandesa de Turku e da cidade sueca de Gotemburgo (monumentos foram instalados em ambas as cidades). Uma grande contribuição para a causa da paz foi a escultura “Paz” de Aaltonen em Lahti (1950-1952, granito), representando a paz na forma de uma figura monumental de uma mulher com os braços erguidos, como se bloqueasse o caminho para a guerra. Por esta escultura em 1954, Aaltonen foi premiado com uma medalha de ouro pelo Conselho Mundial da Paz.

Apesar do facto de nas últimas décadas o abstracionismo como movimento oficial ter ocupado um lugar bastante forte na escultura finlandesa, um grande grupo de jovens artistas, desenvolvendo de forma inovadora os fundamentos realistas da arte tanto no retrato como na escultura monumental, não permite que os abstracionistas tomem uma atitude lugar de liderança. Entre os mestres realistas devemos nomear tais grandes artistas, como Essi Renvall (n. 1911) e Aimo Tukiyainen (n. 1917). Essie Renvall é uma artista de talento subtil e lírico; possui muitos retratos dos seus contemporâneos (“Onni Okkonen”, bronze), e as suas imagens de crianças são especialmente atraentes. Além de retratos, Renvall também cria imagens generalizadas de pessoas comuns (“Trabalhador Têxtil”, bronze; parque em Tampere). Renvall trabalha com mármore e bronze, e Ultimamente Para realçar a expressividade, utiliza incrustações com pedras coloridas e metal. Aimo Tukiyainen cria retratos interpretados monumentalmente (Retrato de Tovio Pekkanen, 1956, bronze) e monumentos (monumento a Et Salin, 1955, bronze); Este monumento, situado no meio de uma piscina, retrata um homem cansado, em roupa de trabalho, ajoelhado para tirar a poeira do rosto.

A arte das medalhas da Finlândia, que floresceu nas últimas décadas, é em grande parte dedicada à luta para fortalecer a paz. As medalhas de Aaltonen, Gerda Quist (n. 1883) e outros mestres, dedicadas a contemporâneos e acontecimentos marcantes, são surpreendentemente finas, harmoniosas e flexíveis.

A década de noventa do século XIX foi marcada por uma viragem decisiva no desenvolvimento da arquitectura finlandesa, que, afastando-se do academicismo classicista tradicional, embarcou num caminho de procura no espírito de uma nova direcção nacional-romântica. A atenção característica à arquitetura popular finlandesa e careliana deste período esteve associada ao crescimento da autoconsciência nacional e ao mesmo tempo ecoou a tendência de usar materiais locais que se manifestou na arquitetura da Europa Ocidental (especialmente inglesa e sueca). A corrente principal do desenvolvimento da cultura nacional de Suomi na última década do século XIX incluiu a pesquisa dos arquitetos J. Blomsted e V. Suksdorf (“Edifícios e formas decorativas da Carélia”, 1900), as obras de artistas finlandeses glorificando o beleza única deste país do norte, e a música de Jan Sibedius ( poema sinfônico“Finlândia”, a lenda “Tuonela Swan”, “Spring Song”), pintando quadros da natureza agreste da região.

Nesta atmosfera, formou-se uma galáxia de destacados arquitetos finlandeses, entre os quais o lugar de maior destaque é ocupado por Lare Sonck, Hermann Geselius, Armas Lindgren e especialmente Eliel Saarinen (1873-1950). Sonck foi um dos primeiros a utilizar edifícios de toras e alvenarias de pedra bruta nestes anos para alcançar uma expressividade especial da arquitetura do romantismo nacional. Sua catedral em Tampere (1902-1907) ganhou ampla e merecida fama pela emotividade da imagem, pela força e harmonia do desenho.

Na Exposição Mundial de Paris em 1900, o pavilhão finlandês, criado por Geselius, Lindgren e Saarinen, recebeu amplo reconhecimento, destacando-se na massa de edifícios ecléticos e sobrecarregados pela sua simplicidade e clareza composicional. Um dos mais trabalhos brilhantes Este período é um edifício residencial em Vtreska, construído para si por um grupo de arquitectos em 1902. O edifício distingue-se pela sua monumentalidade excepcional, composição pitoresca de massas e funde-se organicamente com a natureza envolvente. Neste edifício, a livre disposição das instalações e a utilização de possibilidades expressivas madeira e granito.

De grande importância para a arquitectura finlandesa deste período, como os próprios arquitectos finlandeses admitem, foi a ligação com a Rússia contemporânea. cultura artística, em que durante estes anos houve um interesse generalizado em dominar as tradições da arquitetura popular, Artes Aplicadas, folclore ( Esta influência foi determinada pela existência de estreitos laços culturais entre a arte russa e finlandesa. Em particular, Eliel Saarinen era membro titular da Academia de Artes de São Petersburgo e manteve contatos constantes com figuras da cultura russa como M. Gorky, I. Grabar, N. Roerich e outros.).

No final da primeira década do século XX. Na Finlândia, está surgindo uma nova direção, de caráter próximo ao modernismo russo, mas diferente dele em maior laconicismo e contenção. Eliel Saarinen também é o maior mestre aqui. Em seus projetos para o Palácio da Paz em Haia (1905), a Dieta Finlandesa (1908), a prefeitura de Tallinn (1912) e especialmente no projeto concluído para a estação ferroviária de Helsinque (1904-1914), a técnica favorita de Saarinen desenvolve-se a justaposição de uma torre maciça e um pesado volume horizontal, que lhe serve de alicerce inabalável. Este tema atinge o seu apogeu no projecto da Casa-Museu da Cultura Nacional, conhecida como Casa Kalevala em Munkkiniemi (1921), onde o edifício, belo no seu desenho e estrutura proporcional, com o peso das suas formas, assemelha-se a uma fortificação , criado como se fosse o processamento do topo de uma rocha granítica. A imagem de um edifício público desenvolvida por Saarinen é um tanto severa e sombria, mas é singularmente original e organicamente ligada às características nacionais da arquitetura finlandesa.

Os primeiros trabalhos de planejamento urbano de Saarinen também datam desse período ( projeto de competição Camberra, 1912; plano diretor de Munkkiniemi-Haag, 1910-1915), no qual o desejo de monumentalização máxima de grandes complexos urbanos é combinado com novas ideias emergentes sobre o organismo de um assentamento e a diferenciação de suas partes individuais.

O fim da Primeira Guerra Mundial e a concessão da independência do Estado à Finlândia por iniciativa de VI Lenin foram marcados no campo da arquitetura por uma série de grandes obras de planejamento urbano. O mais significativo deles foi o projeto da Grande Helsínquia (1918), que nomeou Eliel Saarinen como uma das autoridades reconhecidas no planeamento urbano mundial. O projeto diferenciou áreas residenciais da capital e assentamentos descentralizados em cidades satélites com uma consistência que ninguém havia alcançado anteriormente. O autor utilizou de forma excelente áreas suburbanas recortadas por lagos e baías para localizar complexos residenciais individuais, organicamente integrados à natureza.

Nos anos 20-30. Vários edifícios públicos e comerciais grandes e de grande importância arquitectónica estão a ser construídos na Finlândia. Entre eles destaca-se o edifício do parlamento (1931, arquitecto I. Siren). É característico que este edifício seja concebido em formas equilibradas e rigorosas de neoclassicismo, que foram preservadas até aos anos 30. posição forte na Finlândia.

O construído em Helsinque em 1926-1931 era interessante e mais moderno em sua forma. outro representante proeminente da arquitetura finlandesa, Sigurd Frosterus, loja de departamentos Shtokman. As suas formas externas refletiam o monumentalismo inerente à arquitetura finlandesa da época. Os interiores do armazém, construídos sobre uma estrutura de betão armado, receberam o vasto espaço comercial, amplo e livremente organizado, característico dos novos edifícios deste tipo.

Desde os anos 30. século 20 A principal figura da arquitetura finlandesa é Alvar Aalto (n. 1898), um arquiteto talentoso que veio da família de um engenheiro florestal e que, como Eliel Saarinen, mais tarde ganhou fama mundial e se tornou um dos maiores arquitetos do nosso tempo. Em 1929-1933. A. Aalto está a construir um sanatório para tuberculose em Paimio, no sudoeste da Finlândia, inteiramente no espírito do funcionalismo europeu e ao mesmo tempo que se distingue pela originalidade local - pureza e frescura excepcionais das suas formas arquitectónicas, composição livre de volumes, ligação orgânica com o relevo e paisagem arborizada da região. Junto com o edifício Bauhaus em Dessau de W. Gropius e as obras de Le Corbusier, este edifício é um dos mais famosos e marcos do desenvolvimento Arquitetura moderna. Outra obra de A. Aalto, assim como o sanatório de Paimio, merecidamente considerado um dos melhores edifícios europeus dos anos 30, foi o edifício da biblioteca de Vyborg. Chama a atenção a base funcional cuidadosamente pensada do plano, a veracidade da aparência externa da estrutura e a grande expressividade emocional. Na sala de aula da biblioteca foi utilizado um teto acústico especial de madeira de contorno curvo, que conferiu ao interior originalidade e uma nova forma para aqueles anos.

O mérito de Aalto neste e em vários outros edifícios foi que, percebendo a base racionalista do construtivismo e utilizando-a em solo finlandês, desde o início se opôs às suas limitações e começou a desenvolver os princípios estéticos de uma nova direção, a procurá-la. linguagem artística. Aalto observou que “o funcionalismo técnico não pode ser o único na arquitetura” e que uma das tarefas importantes da arquitetura moderna “é a solução de problemas psicológicos”. Entre outras obras significativas de A. Aalto, destaca-se o pavilhão finlandês em Exposição internacional em Nova York, Villa Mairea em Noormarku, fábrica de marcenaria em Sunil (1936-1939). EM último emprego Aalto também atua como urbanista: ele cria não apenas um complexo de instalações industriais, mas também um vilarejo residencial para trabalhadores, dando continuidade às melhores tradições da arquitetura finlandesa - levando em consideração e usando cuidadosamente o ambiente natural.

Novos recursos na arquitetura de edifícios públicos são introduzidos por Eric Brugman (1891-1955). Ele foi o primeiro nos países escandinavos a abrir amplamente o interior com a ajuda de vitrais para o espaço circundante (Capela em Turku, 1938-1941), esforçando-se para criar um novo efeito artístico e uma nova unidade de arquitetura e natureza.

Uma estrutura importante deste período foi também o complexo olímpico de Helsinque, que incluía um excelente estádio (1934-1952, arquitetos Irjo Lindgren e Toivo Jantti) e a vila olímpica (arquitetos H. Eklund e M. Välikangas), que se tornou a primeira cidade satélite da capital finlandesa.

Após a Segunda Guerra Mundial, a economia da Finlândia estabilizou-se rapidamente graças à expansão dos laços comerciais com União Soviética, e os arquitetos finlandeses tiveram a oportunidade de começar a implementar uma série de ideias de planejamento urbano e construção em massa anteriormente apenas delineadas. Sua maior e mais significativa obra, que recebeu grande ressonância, foi a construção da cidade-jardim de Tapiola, a 9 km de Helsinque ( Autores de Tapiola: arquitetos O, Meierman e I. Siltavuori (plano diretor), A. Blomsted, V. Revell, M. Tavio, A. Ervi, K. e X. Siren, T. Nironen e outros. A construção é realizada por uma cooperativa habitacional especialmente criada desde 1952.). Ao construir Tapiola, os arquitetos buscaram superar a separação entre o homem e a natureza, característica das grandes cidades capitalistas. A cidade de 15 mil habitantes foi construída em meio a vegetação natural em terreno acidentado com afloramentos de base granítica continental e ocupa uma área de mais de 230 hectares. Atenção especial dedica-se à proteção da vida selvagem e de paisagens pitorescas e quase intocadas. É característico que o desenvolvimento residencial ocupe apenas 25% do terreno, enquanto os espaços verdes gratuitos ocupam 75%. Na verdade, aqui não se trata de espaços verdes intercalados com desenvolvimento urbano, mas de casas - com florestas naturais, aplicando a sua localização aos grupos de árvores existentes, à topografia, aos afloramentos rochosos e às condições de iluminação solar. A rede de estradas asfaltadas, dispostas em pitorescas faixas ao longo das diferenças na superfície natural da terra, foi reduzida ao mínimo exigido.

O Centro Tapiola (1954-1962, arquiteto Aarne Ervi) é típico de novas ideias para a construção de um conjunto urbano. Possui um espaço livre bem organizado e ao mesmo tempo claramente diferenciado, criou contrastes dinâmicos de verticais arquitetônicas e espalhadas, volumes horizontais e rotas de pedestres e de transporte separadas. O princípio social aqui é combinado com uma certa intimidade, motivos regulares com pitoresco (por exemplo, a geometria clara da praça pavimentada com lajes perto de edifícios comerciais é animada por grupos de árvores preservadas nos locais onde cresciam livremente antes do início da construção). A estrutura dos conjuntos residenciais de Tapiola leva em consideração as necessidades dos diferentes grupos da população: de acordo com a composição etária e o estado civil. Junto com isto (e isto é típico de toda a prática do planeamento urbano capitalista), o desenvolvimento é diferenciado de acordo com o estatuto social e a segurança material dos cidadãos. De acordo com isso, foram utilizados vários tipos de edifícios - desde casas-torre de 8 a 11 andares até casas geminadas de 1 a 2 andares.

Tapiola desenvolveu uma série de novos tipos interessantes de edifícios públicos, como a escola tipo pavilhão projetada pelos arquitetos Kai e Heikki Siren. O empreendimento da Rua Mennin-kaisentie, executado pelo arquiteto A. Blomsted, é único em sua arquitetura. A rua corre no sopé de um maciço granítico onde se situa um conjunto de edifícios de vários pisos. Do outro lado existe uma cadeia de casas interligadas voltadas para a floresta e lagos. O ritmo da alternância, simples em sua formas geométricas volumes de um e dois andares que se estendem na fronteira entre o gramado e a floresta, os contrastes das paredes lisas e claras e dos vitrais, a variedade de cores dos Prédios, as velas dos pinheiros, entre os quais alguns prédios são colocados - tudo isso cria uma composição espacial arquitetônica diversificada, excepcionalmente expressiva e pitoresca.

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Deve-se notar que, além de Tapiola, uma série de outras áreas residenciais e complexos notáveis ​​foram construídos na Finlândia do pós-guerra.

Os arquitectos finlandeses também alcançaram um sucesso notável na construção de edifícios públicos e administrativos. Para as organizações de trabalhadores, A. Aalto construiu a Casa da Cultura em Helsínquia em 1958, na qual utilizou uma combinação livre de volumes de desenvolvimento orgânico e planos de tijolos curvos. O anfiteatro de localização assimétrica distingue-se não só pela sua forma fresca, mas também pela sua excelente acústica, tornando-o uma das melhores salas deste tipo na Europa. O mesmo autor é proprietário do excelente edifício das instituições de segurança social de Helsínquia (1952), em que o arquitecto procurou superar o espírito oficial de tais edifícios, o complexo de edifícios da Câmara Municipal de Säynätealo (1956), que é essencialmente o centro do microdistrito e inclui vários elementos de serviços públicos, edifício administrativo da empresa Rautatalo, revestido a cobre e bronze. De referir que os arquitectos finlandeses utilizam amplamente o acabamento de fachadas com chapas e perfis metálicos (cobre, bronze, anodizado e alumínio liso), o que confere aos seus edifícios uma expressividade única.

Um dos maiores instituições educacionais, construído depois da guerra, é o Instituto dos Trabalhadores de Turku (1958, arquitecto A. Ervi), no qual o arquitecto utilizou os contrastes de um espaço envolvente livremente organizado e o claro geométrico dos edifícios agrupados em torno de um pátio de azulejos com uma piscina rectangular e grupo escultórico. Nas escolas e outros edifícios educacionais, os arquitetos finlandeses utilizam amplamente salões e auditórios universais, utilizando sistemas de divisórias deslizantes, bancos de anfiteatro mecanicamente retráteis, criando a oportunidade de variar a natureza do espaço interno, a capacidade da sala, etc.

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Ao longo de todo o processo, as principais características da arquitectura finlandesa moderna continuam a ser a simplicidade e a conveniência, a grande expressividade emocional, o uso diplomático da cor e a utilização, juntamente com novos materiais apresentados de forma eficaz (metal, plásticos, esmaltes, eternites, etc.), de materiais naturais e tradicionais. materiais locais na Finlândia (madeira, granito) e - o mais importante - a capacidade de se enquadrar organicamente no ambiente natural, de usar todas as possibilidades que o micro-relevo, a abundância de lagos, as margens acidentadas, a natureza pitoresca e intocada sugerem ao arquiteto borda da floresta. Esse recurso mais recenteé claramente visível não só em edifícios residenciais e públicos, mas também na maioria dos edifícios industriais, que, tal como a central eléctrica do rio Oulun-Joki (1949, arquitecto A. Ervi), crescem naturalmente a partir de uma base rochosa de granito rodeada por esbeltos e pinheiros ligeiramente sombrios.

Deve-se notar, no entanto, que o âmbito limitado da construção praticamente não proporcionou a base económica necessária para a construção industrial e padronizada em massa. produção de construção. As principais edificações são executadas de acordo com projetos individuais. Apenas casas pré-fabricadas de madeira térreas, destinadas principalmente a áreas rurais, são fabricadas usando métodos industriais em fábricas especiais de construção de casas.

Os arquitetos finlandeses utilizam a síntese das artes com muita moderação, limitando-se, via de regra, apenas à pintura de casas, o que é feito com grande habilidade. A escultura decorativa e memorial é encontrada em conjuntos arquitetônicos urbanos; elementos de arte decorativa e aplicada e pequenas formas arquitetônicas são utilizados com grande tato.

Cultura e arte são patrimônio e herança de cada estado. “A Terra dos Mil Lagos” não é apenas um paraíso de esqui e pesca para viajantes e turistas, mas também um lugar para diversos críticos de arte e simplesmente conhecedores da criatividade. A arte, em particular a pintura, está muito desenvolvida na Finlândia. Muitas galerias de arte, museus e exposições irão encantar até os mais sofisticados conhecedores das belas artes.

Artistas do país de Suomi, que no século XIX receberam Educação europeia, tornou-se o fator principal e impulsionador que impulsionou o desenvolvimento das artes plásticas na Finlândia. Antes de começarmos a conhecer os representantes da pintura finlandesa, vamos conhecer a obra do “pai da arte e da pintura finlandesa” Robert Ekman.

Robert Wilhelm Ekman

Nascido em 1808, o artista em suas pinturas retratou a vida dos camponeses finlandeses comuns, todas as dificuldades de suas vidas, e chamou a atenção do público para a política social do estado finlandês para com os plebeus. Quando Robert completou 16 anos, foi para Estocolmo estudar na Academia Sueca de Artes. Sendo um jovem e brilhante talento, Ekman recebeu uma bolsa sueca pelo seu talento, e mais tarde a sua vocação como artista levou-o a estudar em Itália e França, e depois na Holanda. O mestre do pincel passou sete anos inteiros nesses países, de 1837 a 1844.

Retornando ao país de Suomi, Robert Wilhelm estabeleceu-se na cidade de Turku, onde começou a pintar a catedral local com seus afrescos e desenhos nas paredes. Depois disso fundou uma escola de desenho na cidade, que dirigiu até 1873. Ele delineou muito claramente o abismo que existia entre a nobreza e os camponeses. As pinturas do artista chocaram a todos com seu realismo único e inimaginável. O “pai da pintura e da arte finlandesa” morreu em 1873.

Akseli Waldemar Gallen Kallela (Gallen-Kallela Akseli)

Akseli Gallen Kallela nasceu na pequena cidade finlandesa de Bjorneborg (nome moderno Pori) em abril de 1863. Lutador pela independência da Finlândia, o artista em sua obra tentou de todas as maneiras retratar um chamado à nação para lutar pela independência de seu país. O modernismo inerente ao pintor permitiu a Axel Gallen Kallela criar pinturas muito realistas. Após o fim da Guerra Civil Finlandesa (1918), o artista começou a estudar heráldica e a criar desenhos de bandeiras. Em meados do século XX, o artista viveu e trabalhou durante algum tempo nos Estados Unidos da América, onde realizou com sucesso exposições das suas obras. O pintor morreu em 1931 em Estocolmo, morreu de pneumonia.

Conrad Oskar Kleineh

O mais famoso pintor de paisagens marinhas finlandês nasceu em setembro de 1846 na capital da Finlândia. As raízes alemãs de Oscar “vieram em socorro”, o que lhe permitiu estudar na Alemanha, nomeadamente em Dusseldorf. Mais tarde, Kleinech continuou seus estudos em São Petersburgo e Karlsruhe. A maior popularidade do pintor marinho foi trazida a ele por pinturas que retratam naturezas-mortas e paisagens marítimas; uma obra original foi até exibida no Hermitage de São Petersburgo. O artista morreu em sua cidade natal, Helsinque, em 1919.

Um retrato dos sobrinhos de Alexandre III, pintado por um dos mais famosos artistas finlandeses Albert Edelfelt e considerado perdido na Finlândia, apareceu inesperadamente no museu de arte da cidade de Rybinsk.

O historiador de arte finlandês Sani Kontula-Webb, que estuda pinturas finlandesas-russas há mais de 10 anos conexões artísticas, Encontrei a pintura por acaso na Internet, no site do Museu-Reserva de Rybinsk, mas com um nome diferente. Uma consulta com o nome do artista, inserida em um mecanismo de busca em cirílico, provavelmente pela centésima vez, de repente deu um resultado inesperado - o olhar do pesquisador se deparou com uma imagem que não havia sido vista antes, mas parecia muito familiar.

"Na Finlândia, a pintura foi considerada desaparecida. Também não encontrei informações sobre seu paradeiro em fontes russas. Reproduções dela nunca haviam sido impressas em nenhum lugar antes. Mas o Ateneu abriga esboços feitos por Edelfelt, e eu tinha uma ideia aproximada de ​​como deveria ser o retrato”, disse ela ao "Fontanke.fi" Sanya Kontula-Webb.

Foto de : Sani Kontula-Webb
Sani Kontula-Webb está escrevendo uma dissertação sobre a influência da Academia na arte da Finlândia durante o período de sua autonomia (de 1809 a 1917).

Estamos falando de um retrato de dois sobrinhos do imperador Alexandre III - Boris e Kirill, filhos de seu irmão, o príncipe Vladimir. A obra de Edelfelt intitulada "Crianças" está guardada no Museu de Rybinsk; o passaporte técnico da pintura, compilado na década de 80, diz que ela retrata meninas - as crianças estão vestidas com vestidos e seus cabelos são longos e cacheados, de acordo com moda naqueles tempos. Mas a descrição está desatualizada.

Foto de : Sani Kontula-Webb
A pintura “Crianças” retrata os sobrinhos do imperador Alexandre III, os filhos do príncipe Vladimir Alexandrovich Kirill e Boris.
O retrato foi pintado em 1881 por ordem do Príncipe Vladimir, que chefiava a Academia de Artes, e foi inicialmente mantido em seu palácio em Czarskoe Selo. O que aconteceu depois da revolução permaneceu desconhecido para os historiadores da arte finlandeses. De acordo com o passaporte técnico, entrou no depósito do Museu Rybinsk em 1921.

Foto de : Sani Kontula-Webb
O número de inventário no verso da pintura indica que ela foi guardada no palácio do Príncipe Vladimir.
O custo da pintura não foi estimado. No leilão da Bukovskis foram vendidas obras de Albert Edelfelt por valores que variaram entre os 18 e os 120 mil euros.

“Albert Edelfelt é para a Finlândia o que Repin é para a Rússia", diz Kontula-Webb. “Ele é um artista nacional, querido e reverenciado que teve uma carreira brilhante, suas pinturas foram exibidas na Academia de Artes, foi-lhe oferecido um cargo de professor .” Foi o retrato dos filhos do príncipe Vladimir que abriu caminho para que o artista se tornasse o favorito da corte imperial russa. Depois disso, Edelfelt foi apresentado à esposa do imperador Alexandre III, Maria Feodorovna (Dagmar), e ela encomendou-lhe retratos de seus filhos, Xenia e Mikhail. Em seguida, Nicolau II posou pessoalmente para o artista, o que foi considerado um grande sinal de respeito - os retratos oficiais geralmente eram copiados de um já existente ou de uma fotografia.

O Museu de Rybinsk reagiu favoravelmente à ideia dos finlandeses de organizar uma exposição, mas primeiro a pintura tem de ser restaurada.

Quando questionado pelo Fontanka.fi se existe a possibilidade de descobrir alguma outra obra desaparecida do pintor finlandês, Sani Kontula-Webb respondeu com dúvida e esperança. Segundo ela, houve retrato de câmara Nicolau II, destinado à sua esposa Alexandra. Retrata o imperador com uma túnica em um ambiente caseiro: “Se, é claro, ele sobreviveu até hoje após a revolução...”

Albert Gustav Aristides Edelfelt (sueco: Albert Gustaf Aristides Edelfelt, 1854-1905) - Pintor e artista gráfico finlandês de origem sueca. Ele pintou temas históricos e cotidianos, retratos e paisagens. Trabalhou em pintura monumental. Utilizei técnicas de pastel e aquarela. Algumas de suas obras estão guardadas em l'Hermitage.

O interesse pela arte nos países desenvolvidos continua relevante em todos os momentos!
Na Finlândia, a arte contemporânea continua a desenvolver-se e atrai muitos fãs com a sua coragem, auto-suficiência e, claro, técnicas nacionais únicas.
Hoje, como há muitos anos, a arte contemporânea finlandesa revela uma ligação especial entre os finlandeses e a natureza. O design escandinavo atrai pela sua simplicidade e notas naturais. O tema da interação entre o homem e todos os seres vivos que o rodeiam ainda ocupa um lugar fundamental na arte contemporânea finlandesa. Artistas, fotógrafos e designers finlandeses continuam a inspirar-se para o seu trabalho no que é verdadeiramente vivo e fundamental: o homem, a natureza, a beleza, a música.

Um correspondente do portal cultural e de informação Finmaa encontrou-se com uma figura conhecida nos círculos finlandeses pintura moderna, artista Kaarina Helenius, e tentou descobrir o que e como ela vive artista contemporâneo na Finlândia.

Finmaa:— O que significa a arte contemporânea na Finlândia hoje?
— Eu caracterizaria a arte contemporânea como obras realizadas com técnicas técnicas novas e diferentes. Técnicas antigas também podem ser utilizadas, mas com um novo olhar sobre as coisas antigas.

Finmaa:— Quão procurada é a arte contemporânea, em termos de interesse por parte de compradores reais? É possível ganhar a vida fazendo isso na Finlândia?
— Arte Moderna muito popular na Finlândia. Os finlandeses estão especialmente interessados ​​no trabalho de jovens artistas. No entanto, não existem muitos artistas na Finlândia que vivam apenas da arte. Geralmente o artista tem Educação profissional e realiza outros tipos de trabalho em paralelo. Por exemplo, sou designer gráfico. eu tenho o meu Agencia de propaganda e durante o dia trabalho no meu escritório. Gosto de fazer as duas coisas, então gosto de fazer os dois tipos de trabalho.

Finmaa:— Você mora e trabalha na cidade de Hämeenlinna. Na sua opinião, esta cidade, ou a Finlândia em geral, é um bom ambiente para a criatividade?
— Hämeenlinna é uma cidade pequena que está convenientemente localizada em relação a outras cidades culturais da Finlândia. A partir daqui é fácil chegar a Helsínquia ou Tampere. Hämeenlinna é uma cidade muito calma, é seguro viver aqui e fácil fazer trabalhos criativos. Por exemplo, meu ateliê, onde pinto meus quadros, fica no território de um antigo quartel. Possui um ambiente muito tranquilo e tranquilo, uma natureza linda e um ótimo local para caminhadas.

Finmaa:— O que te inspira no seu trabalho? Como nascem as imagens das suas pinturas?
-Sou inspirado pela música, moda e natureza. Eu crio todas as imagens na minha cabeça e quando começo a desenhar já sei o que deve acontecer.

Finmaa:— Quanto tempo leva um trabalho? Suas pinturas são fáceis para você ou são um trabalho realmente difícil e trabalhoso?
— Uma pintura leva aproximadamente 2–4 semanas. Eu uso tintas a óleo, que aplico em pinceladas no material. Primeiro desenho todas as imagens na minha cabeça, muitas ideias vêm à mente. Se meu trabalho contém imagens humanas, então convido pessoas reais e faço esboços da vida, e então, com base no esboço, começo a fazer um desenho. Procuro desenhar o esboço da melhor forma possível, pois o tempo é sempre limitado. Trabalho em meu estúdio à noite, após meu trabalho diurno, e nos finais de semana.

Finmaa:— Você desenha a vida, essa direção é mais procurada hoje ou é a sua autoexpressão?
— Nos meus trabalhos não procuro criar imagens de moda nem focar em pessoas nuas. Sempre quero mostrar sentimentos ou acontecimentos. O homem é apenas parte da ideia.

Finmaa:— Como você se interessou pelo desenho? Por onde você começou?
— Tenho formação artística profissional. Estudei em uma escola de arte em Hyvinkää. Também tenho formação em comércio e design gráfico.
Me interessei pelo desenho por acaso, aos 18 anos. Gostei dessa atividade e fui estudar para me tornar um artista profissional. Um pouco mais tarde percebi que gostei desta atividade e quero trabalhar seriamente nesta área. Depois escola de Artes Estudei design gráfico, do qual também gostei muito. Na Finlândia é difícil ser apenas um artista, apesar do apoio do Estado. Foi assim que minha carreira nas artes começou. Mais tarde tive as minhas próprias exposições, que decorreram em diferentes cidades da Finlândia.

Finmaa:— Que dificuldades um artista ou designer enfrenta no seu trabalho na Finlândia?
— Na Finlândia, os artistas podem contar com o apoio financeiro do Estado, mas isto não é suficiente para vida normal. A situação económica do país também afecta a venda de pinturas.

Finmaa:- No que você está trabalhando agora?
— Agora estou fazendo desenhos para minha próxima exposição, que será realizada na Rússia, na cidade de São Petersburgo, em maio de 2016. Também estou planejando diversas exposições na Finlândia para 2016 e 2017.

Finmaa:— O que mais você gosta de fazer no seu tempo livre? Você tem um hobby?
— Quase não tenho tempo livre, mas gosto de correr e às vezes ir à academia.

Finmaa:- Você gosta de viajar? Você conseguiu visitar a Rússia e qual cidade? O que você gostou e lembra?
— A primeira vez que pude visitar a Rússia foi em março de 2015. Depois morei na Casa Finlândia, na rua Bolshaya Konyushennaya. Gostei muito desta cidade e vim pela segunda vez, já em setembro. Gosto muito da culinária nacional russa. As pessoas em São Petersburgo também são muito simpáticas e acolhedoras. Estou muito interessado na criatividade contemporânea e no design de jovens artistas russos. Existem muitos centros de design, galerias de exposições e lojas de moda em São Petersburgo. Não falo russo, só sei algumas palavras, mas gostaria de aprender esse idioma. Ainda não estive em outras cidades da Rússia, mas estou pronto para voltar a São Petersburgo de novo e de novo!

Finmaa:- Se você tem um sonho?
— Quero muito continuar fazendo o que amo e criar novos projetos. Recentemente trabalhei no design de uma linha de joias de prata para uma empresa finlandesa. O projeto foi muito bem sucedido e espero continuar trabalhando nesta área.

Finmaa, 2016.
Hameenlinna, Finlândia

Hugo Simberg
Haavoittunut enkeli – Anjo Ferido
(1903)
O enredo do filme se passa em um cenário histórico reconhecível: Parque Eleintarha (lit. “zoológico”) e Baía de Töölö em Helsinque. No início do século 20, o parque era um local de férias popular para representantes das profissões liberais e também abrigava instituições de caridade. O caminho por onde se deslocam as personagens ainda hoje se conserva: a procissão segue por ele em direção à então existente escola para meninas cegas e abrigo para deficientes.
A pintura retrata dois meninos carregando em uma maca um anjo afeminado, vendado e com uma asa sangrando. Um dos meninos olha atentamente e sombriamente diretamente para o espectador, seu olhar expressa simpatia pelo anjo ferido ou desprezo. A paisagem de fundo é deliberadamente austera e simples, mas dá a impressão de calma. O enredo nada trivial abre espaço para uma ampla gama de interpretações. As roupas e sapatos rústicos dos meninos, seus rostos sérios e carrancudos contrastam com a figura frágil de um anjo vestido com um vestido leve, que sugere o confronto entre a vida e a morte, o sangue na asa do anjo e a venda são um sinal de a vulnerabilidade e a efemeridade da existência, mas o anjo segura nas mãos um buquê de gotas de neve é ​​​​um símbolo de renascimento e recuperação. A vida aqui parece estar muito próxima da morte. Um dos meninos voltou-se para o público, rompendo o espaço hermético da imagem, deixando claro que questões de vida e morte estavam diretamente relacionadas a eles. O próprio Simberg recusou-se a dar qualquer interpretação de “O Anjo Ferido”, deixando o espectador tirar suas próprias conclusões.
A pintura teve uma enorme influência na cultura finlandesa. Referências a ele são encontradas em muitas obras de arte popular e erudita. O vídeo da música “Amaranth” da banda finlandesa de metal Nightwish toca no tema “Wounded Angel”.

2.


Albert Edelfelt
Pariisin Luxembourgin puistossa - Nos Jardins de Luxemburgo de Paris.
(1887)

3.

Akseli Gallen-Kallela
Akka ja kissa - Vovó e gato
(1885)
Em geral, todas as pinturas de Gallen-Kallela são obras-primas; ele é verdadeiramente um artista de classe mundial.
Este quadro foi pintado de uma forma nitidamente naturalista, mas, apesar de toda a sua falta de adornos, está cheio de compaixão e amor pelas pessoas mais simples e mais pobres.
A pintura foi adquirida pelo Museu de Arte de Turku em 1895 e ainda lá se encontra.
Sempre tenho dificuldade em traduzir a palavra akka - tanto “mulher” quanto “avó”.

4.

Aqui vou mostrar um pouco do gostinho e adicionar outra foto de Helene Schjerfbeck - em russo lemos o nome dela Helena Schjerfbeck.
Há também pinturas mais famosas de autores finlandeses, mas às vezes são muito sombrias.
E aqui está um raio de luz e calor.
Pintura de 1882, Tanssiaiskengät - Sapatos de dança.