Quais retratos são cerimoniais e íntimos? Dg

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Diego Velazquez (?), cópia do original de Rubens, "Retrato Equestre de Filipe IV"

Retrato cerimonial, retrato representativo- um subtipo de retrato característico da cultura da corte. Recebeu desenvolvimento especial durante o período do absolutismo desenvolvido. A sua principal tarefa não é apenas transmitir semelhança visual, mas também exaltar o cliente, comparar a pessoa retratada a uma divindade (no caso do retrato de um monarca) ou a um monarca (no caso do retrato de um aristocrata).

Característica

Via de regra, envolve mostrar uma pessoa em pleno crescimento (a cavalo, em pé ou sentada). Em um retrato formal, a figura geralmente é mostrada contra um fundo arquitetônico ou paisagístico; uma maior elaboração aproxima-o de um quadro narrativo, o que implica não só dimensões impressionantes, mas também uma estrutura figurativa individual.

O artista retrata a modelo, focando a atenção do espectador no papel social da pessoa retratada. Como o papel principal do retrato cerimonial era ideológico, isso provocou uma certa caracterização unidimensional: uma teatralidade enfatizada da pose e um ambiente bastante exuberante (colunas, cortinas, no retrato do monarca - insígnias, símbolos de poder), o que relegou as propriedades espirituais do modelo para segundo plano. Já nas melhores obras do gênero, o modelo aparece em uma versão bem definida, que se revela muito expressiva.

O retrato cerimonial é caracterizado pela demonstratividade franca e pelo desejo de “historicizar” a pessoa retratada. Isto influencia o esquema de cores, que é invariavelmente elegante, decorativo e vai ao encontro dos traços colorísticos do interior (embora mude consoante o estilo da época, tornando-se local e luminoso no Barroco, suavizado e cheio de meios-tons no Rococó, contido no Classicismo ).

Subtipos

Dependendo dos atributos, um retrato cerimonial pode ser:

- Coroação (trono menos comum)
- Equestre
- Na imagem de um comandante (militar)
- O retrato de caça fica adjacente ao frontal, mas também pode ser íntimo.
  - Semicerimonial - tem o mesmo conceito de retrato cerimonial, mas geralmente tem corte na altura da cintura ou na altura do joelho e acessórios bastante desenvolvidos

Retrato da Coroação

Retrato de coroação - imagem solene do monarca “no dia de sua coroação”, ascensão ao trono, em trajes de coroação (coroa, manto, com cetro e orbe), geralmente em altura total (às vezes é encontrado um retrato de trono sentado ).

“O retrato imperial foi concebido como uma impressão durante séculos dos mais importantes atualmente ideia de estado. Papel importante formas imutáveis desempenharam um papel na demonstração do valor duradouro do presente, da estabilidade do poder do Estado, etc. Nesse sentido posição especial ocupou o chamado “Retrato de coroação”, que pressupõe a imagem de um governante com atributos de poder e reivindica a mesma constância sagrada da própria cerimônia de coroação. Com efeito, desde a época de Pedro, o Grande, quando Catarina I foi coroada pela primeira vez de acordo com as novas regras, até à era de Catarina II, este tipo de retrato sofreu apenas ligeiras variações. As imperatrizes - Anna Ioannovna, Elizaveta Petrovna, Catarina II - elevam-se majestosamente acima do mundo, lembrando a silhueta de uma pirâmide inabalável. A quietude régia é enfatizada pelo pesado manto e manto da coroação, cujo peso icônico equivale à coroa, ao cetro e ao orbe que invariavelmente acompanhavam a imagem do autocrata.”

Retrato cerimonial

O retrato cerimonial é um tipo retrato histórico determinada orientação social. Esses retratos tornaram-se mais difundidos na corte. O principal objetivo desta direção era a glorificação de pessoas nobres e de alto escalão, da realeza e de sua comitiva. A tarefa era focar a atenção nos méritos e conquistas do cliente, exaltação, às vezes próxima da divinização.

A ordem social determinou a forma de execução artística do retrato cerimonial. As fotos eram frequentemente tamanhos grandes, e a pessoa era retratada em pleno crescimento, em pé ou sentada. A atmosfera sugeria solenidade, o interior era exuberante. A orientação ideológica ditou alguma rigidez de poses e artificialidade da trama. O artista procurou enfatizar o significado do personagem, os heróis das pinturas estão vestidos com exuberantes trajes cerimoniais, a presença de insígnias e insígnias, símbolos de poder e poder era obrigatória.

As tarefas de exibir a semelhança visual de um modelo com o original e Estado interno a pessoa fica em segundo plano em um retrato cerimonial, onde o principal é o status social do cliente. No entanto artistas excepcionais e neste gênero restrito foi possível refletir a individualidade de uma pessoa, seu caráter e modo de vida. Os famosos retratistas russos que retrataram pessoas de alto escalão em suas telas foram Ivan Nikitin, Alexey Antropov, Fyodor Rokotov, Dmitry Levitsky.

Ivan Nikitich Nikitin - “Mestre das Pessoas”, o artista preferido de Pedro I, objeto de seu orgulho patriótico diante dos estrangeiros, “para que saibam que também existem do nosso povo bons mestres" E Pedro não se enganou: “o pintor Ivan” foi o primeiro retratista russo a nível europeu e no sentido europeu da palavra.

I.N. Nikitin veio de uma família do clero de Moscou. Inicial Educação Artistica provavelmente recebido no Arsenal de Moscou e em sua oficina de gravura sob a direção do gravador holandês A. Schonebeek. Em 1711, juntamente com a oficina de gravura, foi transferida para São Petersburgo. Aparentemente, ele aprendeu a pintar retratos por conta própria, estudando e copiando as obras de mestres estrangeiros disponíveis na Rússia. Graças ao seu talento (e talvez aos seus parentes que serviram nas igrejas da corte), Nikitin rapidamente assumiu uma posição forte na corte. Pedro, o Grande, percebeu suas habilidades e o ensinou a I.G. Dangauer

Nas primeiras obras do artista (antes de 1716), há uma conexão notável com parsuns - retratos russos do final do século XV, com sua escrita áspera e fracionária, fundos escuros opacos, planicidade da imagem, falta de profundidade espacial e convencionalidade na distribuição de luz e sombras. Ao mesmo tempo, eles também têm habilidade composicional indubitável e a capacidade de armar uma figura com eficácia, transmitir a textura de vários materiais e coordenar harmoniosamente pontos de cores ricas. Mas o principal é que esses retratos deixam uma sensação de persuasão realista especial e autenticidade psicológica. Nikitin é completamente alheio à bajulação, comum em retratos cerimoniais.

Em 1716-20 I.N. Nikitin, junto com seu irmão mais novo, Roman, também pintor, está na Itália. Visitaram Florença, onde estudaram sob a orientação de Tommaso Redi, Veneza e Roma. Além disso, Roman Nikitin trabalhou em Paris, com N. Largillière I.N.N., na verdade, retornou da Itália como mestre. Ele se livrou das desvantagens do desenho e das convenções trabalhos iniciais, mas manteve as suas características principais: o realismo geral da pintura e a franqueza das características psicológicas, um colorido bastante escuro e rico, dominado por tons quentes. Infelizmente, isso pode ser avaliado por muito poucos trabalhos que chegaram até nós.

Ele pintou retratos do próprio imperador (várias vezes), de sua esposa, das grã-duquesas Anna, Elizabeth e Natalia e de muitos outros funcionários de alto escalão. O artista conhecia as técnicas do estilo dominante da época - Rococó, leve e lúdico, mas só as utilizava quando realmente correspondiam ao caráter da modelo, como no retrato do jovem Barão SG Stroganov (1726). Mas talvez o melhor trabalho de Nikitin em termos de beleza da pintura, profundidade e complexidade das características psicológicas seja “Retrato de um chão Hetman” (década de 1720).

Em 1725, Nikitin pintou o czar vivo pela última vez. “Pedro 1 em seu leito de morte” (no Museu da Academia de Artes) - em essência, esboço grande, executado livremente, mas integral, atencioso e monumental.

Durante o reinado de Catarina I, estabeleceu-se em Moscou, onde seu irmão, que retornou do exterior um pouco mais tarde, se dedicou principalmente à pintura de igrejas.

Em 1732, Ivan Nikitin, juntamente com os irmãos Roman e Herodion (arcipreste da Catedral do Arcanjo em Moscou) foram presos sob a acusação de espalhar calúnias contra o vice-presidente Santo Sínodo A propósito, Feofan Prokopovich também é promotor e associado de Peter. Talvez isso tenha sido indiretamente facilitado pelo casamento malsucedido do artista e pelo subsequente divórcio: os parentes de sua ex-mulher tentaram prejudicar Nikitin de todas as maneiras possíveis. Sim, muitas pessoas não gostavam dele por causa de seu caráter direto e independente. Depois de cinco anos de casamatas Fortaleza de Pedro e Paulo, interrogatório e tortura, os irmãos são exilados. Ivan e Roman acabaram em Tobolsk. Eles esperaram pela reabilitação após a morte da Imperatriz Anna Ioannovna em 1741. Mas o artista idoso e doente nunca mais voltou para sua cidade natal, Moscou. Ele provavelmente morreu em algum lugar no caminho para ela. Roman Nikitin morreu no final de 1753 ou no início de 1754.

E.N.

Retrato do Chanceler G.I.

1720g, óleo sobre tela, 90,9 x 73,4 cm.

O retrato de Golovkin é considerado uma das primeiras obras concluídas pelo artista ao retornar da Itália. O conde Gavrila Ivanovich Golovkin, vice-chanceler, associado de Pedro I, teve especialmente sucesso no campo diplomático graças à sua destreza e astúcia características. A inscrição no verso do retrato afirma orgulhosamente que “durante a continuação da sua chancelaria, ele concluiu 72 tratados com diferentes governos”.

O rosto de Golovkin atrai a atenção com seu olhar inteligente e penetrante e uma linha de lábios firme e obstinada; emoldurado por uma peruca prateada, sobressai do espaço negro do fundo.

Nikitin conseguiu expressar neste retrato imagem perfeita um estadista enérgico - um homem da época de Pedro. Não há pompa em sua postura, mas há autoestima. A contenção majestosa da pose, a fita e a estrela de Santo André, a Ordem Polonesa da Águia Branca na forma de uma cruz em um laço azul acrescentam solenidade e significado.

E.N.

Retrato de Anna Petrovna, filha de Pedro 1

Antes de 1716, óleo sobre tela, 65 x 53 cm.

Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Em 1716, o pintor Ivan Nikitich Nikitin foi enviado por Pedro 1 para o exterior, para a Itália. Mas dificilmente se pode dizer que ele foi enviado para lá como um simples estudante. Numa carta a Catarina em Berlim datada de 19 de abril de 1716, Pedro escreveu: “... peça ao rei que ordene que ele (Nikitin) anule sua pessoa... para que saibam que existem bons mestres entre nosso povo. ” E na Itália, Nikitin, como mestre reconhecido, recebia muito mais do tesouro para manutenção do que outros aposentados reais.

Retrato de Anna Petrovna, filha mais velha Pedro e Ekaterina Alekseevna, pintados por Nikitin antes mesmo de sua viagem ao exterior, realmente deram ao czar russo todos os motivos para se orgulhar de seu artista. Nikitin capturou a princesa Anna aos 6-7 anos de idade. Segundo a moda e segundo as regras do retrato da época, a menina é retratada adulta: em pose de paquera, com penteado alto e longos cabelos pretos espalhados sobre os ombros, em vestido azul decotado com grandes padrões dourados e um manto vermelho brilhante, forrado com arminho, indicando sua propriedade do filho à família real.

Neste retrato (e no estilo de Nikitin em geral) a cor é incrível - em todos os lugares extraordinariamente intensa, material, brilhando por dentro, não deixando espaço para sombras cinzentas. A artista consegue essa impressão construindo a camada de tinta nas áreas iluminadas com pinceladas cada vez mais brilhantes e grossas, enquanto as sombras permanecem claras, transparentes e nos tons mais delicados - é assim que o rosto e o peito aberto de Anna são pintados. A sensação de um toque de cor no manto é criada por rápidas pinceladas laranja e escarlate lançadas sobre o tom vermelho. O artista não retrata os sentimentos ou o caráter do modelo, mas com a força do brilho das cores, do movimento inquieto das linhas, ele parece criá-lo de novo, revivendo a matéria diante de nossos olhos.

Anna Petrovna, Tsesarevna e Duquesa de Holstein, filha de Pedro o Grande e Catarina I. Segundo os contemporâneos, Anna era muito parecida com o pai, era inteligente e bonita, educada, falava excelente francês, alemão, italiano e sueco Peter Eu a amava muito.

O futuro marido de Anna, o duque de Holstein-Gottorp, Friedrich Karl, veio para a Rússia em 1721 na esperança, com a ajuda de Pedro, o Grande, de devolver Schleswig da Dinamarca e adquirir novamente o direito ao trono sueco. A Paz de Nystad (1721) decepcionou as expectativas do duque, uma vez que a Rússia se comprometeu a não interferir nos assuntos internos da Suécia.

Em 22 de novembro de 1724, foi assinado o tão desejado contrato de casamento do duque, segundo o qual, aliás, Anna e o duque renunciaram para si e para seus descendentes todos os direitos e reivindicações à coroa do Império Russo; mas, ao mesmo tempo, Pedro concedeu-se o direito, a seu critério, de convocar para a sucessão da coroa e do Império de Toda a Rússia um dos príncipes nascidos deste casamento, e o duque obrigado a cumprir a vontade do imperador sem quaisquer condições.

Ela morreu em 4 de março de 1728, em Holstein, mal completando vinte anos, tendo dado à luz seu filho, Karl Peter Ulrich (mais tarde imperador Pedro III).

AP Antropov

Retrato da Senhora Estatal A.M.

1759g, óleo sobre tela, 57,2 x 44,8 cm

Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Em 1758, após uma longa ausência associada ao trabalho em Kiev e Moscou, Alexei Petrovich Antropov retornou a São Petersburgo. Nessa época ele já tinha mais de quarenta anos e gozava de respeito e fama.

No entanto, ele não foi listado, com razão, entre os mestres de primeira linha. Retornando a São Petersburgo, Antropov decidiu aprimorar sua arte e teve aulas particulares por dois anos com o famoso retratista italiano P. Rotari. O resultado foi verdadeiramente maravilhoso: um artesão talentoso tornou-se um notável e, o que é especialmente notável, um artista russo muito original.

O primeiro e melhor fruto desta formação foi o retrato da Estadista A.M. Izmailova, nascida Naryshkina, parente distante da Imperatriz Isabel por parte de pai e sua favorita.

Amiga mais próxima da Imperatriz Elizaveta Petrovna, Izmailova era conhecida como uma beldade em sua juventude, mas na época em que o retrato foi criado ela já era uma pessoa envelhecida e afetada que gozava de considerável influência na corte. Sem enfeites, a artista transmitiu uma figura pesada, rosto cheio com sobrancelhas grossas de acordo com a moda da época e um rubor brilhante nas bochechas. O olhar vivo dos olhos castanhos voltados para o espectador e os lábios sarcasticamente franzidos traem a mente perspicaz e o caráter imperioso de Izmailova.

As peculiaridades do estilo de Anthropov residem na coloração do retrato. O artista recorre a cores de brilho de impressão quase popular e apresenta-as em justaposições tão contrastantes que parecem concebíveis apenas em imagens planas.

Bochechas idosas, Senhora gorda resplandecente como papoulas, sua cabeça é emoldurada por um gorro de renda, decorado nas laterais com laços vermelhos e amarrado com fitas rosa. Sobre uma jaqueta branca é usado um vestido azul-azulado, decorado com uma ordem cravejada de diamantes com um retrato da Imperatriz e uma rosa pálida com folhas verdes.

A enorme figura de Izmailova é colocada sobre um fundo de cor muito escura com tonalidade verde. Usando tal paleta, Antropov, no entanto, dá luminosidade e profundidade a cada tom, constrói uma forma tridimensional que, graças aos contrastes nítidos de cores ricas, parece excepcionalmente dinâmica, como se carregada de energia interna, durável e pesada. E essas qualidades de forma conferem à imagem um caráter obstinado, ousado, extraordinariamente vivo e colorido, que foi o que distinguiu a encantadora e inteligente confidente de Elizabeth, famosa por sua beleza na juventude.

Este trabalho do artista ganhou elogios do Rotary e trouxe fama a Antropov como um dos melhores retratistas russos, aumento de salário e posto de segundo-tenente.

AP Antropov

Retrato da Princesa Tatiana Alekseevna Trubetskoy

1761g, óleo sobre tela, 54 x 42cm

Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

Princesa Tatyana Alekseevna - filha do Procurador-Geral do Sínodo

Príncipe A.S. Kozlovsky, esposa do Príncipe N.I.

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Enigmas de "Os Embaixadores Franceses", de Hans Holbein.

O papel da cor em um retrato

Legendas

Característica

Subtipos

Dependendo dos atributos, um retrato cerimonial pode ser:

- Coroação (trono menos comum)
- Equestre
- Na imagem de um comandante (militar)
- O retrato de caça fica adjacente ao frontal, mas também pode ser íntimo.
  - Semicerimonial - tem o mesmo conceito de retrato cerimonial, mas geralmente tem corte na altura da cintura ou na altura do joelho e acessórios bastante desenvolvidos

Retrato da Coroação

“O retrato imperial foi concebido como uma marca durante séculos da ideia de Estado mais importante do momento. As formas imutáveis desempenharam um papel significativo na demonstração do valor duradouro do presente, da estabilidade do poder do Estado, etc. Nesse sentido, o chamado “Retrato de coroação”, que pressupõe a imagem de um governante com atributos de poder e reivindica a mesma constância sagrada da própria cerimônia de coroação. Na verdade, desde a época de Pedro o Grande, quando Catarina I foi coroada pela primeira vez de acordo com as novas regras, até à era de Catarina II, este tipo de retrato sofreu apenas ligeiras variações. As imperatrizes - Anna Ioannovna, Elizaveta Petrovna, Catarina II - elevam-se majestosamente acima do mundo, lembrando a silhueta de uma pirâmide inabalável. A imobilidade régia também é enfatizada pelo pesado manto de coroação com manto, cujo peso icônico equivale à coroa, ao cetro e ao orbe que invariavelmente acompanhavam a imagem do autocrata.”

Atributos permanentes:

colunas destinadas a enfatizar a estabilidade do governo
cortinas, comparadas a uma cortina de teatro que acaba de se abrir, revelando ao público um fenômeno milagroso

Na maioria das vezes, as ideias pictóricas sobre a realeza (e especialmente no século XVIII) são formadas com base em retratos cerimoniais, dos quais cópias foram ativamente tiradas e distribuídas. Tais retratos podem ser “lidos”, porque o modelo neles é sempre colocado em um ambiente que ajuda a criar uma sensação de significado, inusitado e solenidade da imagem, e cada um dos detalhes contém uma sugestão dos méritos reais ou imaginários e qualidades da pessoa que vemos à nossa frente.
É impossível não admirar a maioria dos retratos cerimoniais. Mas a questão de quão verdadeiro é o retrato permanece em aberto.

Por exemplo, a imagem de Catarina I criada por Jean-Marc Nattier em 1717:

Mas o retrato mais íntimo de Catarina em penhoar, pintado por Louis Caravacome na década de 1720.
Parece que os pesquisadores chegaram à conclusão de que inicialmente a imperatriz era retratada com decote baixo no retrato, e depois apareceu uma fita azul, que pode ser entendida como uma alusão à fita da Ordem de Santo André, o Primeiro- Chamado e o alto status da pessoa. A única dica.

Louis Caravaque recebeu a nomeação de pintor oficial da corte - Hofmahler apenas sob Anna Ioannovna, mas antes disso conseguiu pintar vários retratos da família de Pedro, o Grande. Entre eles, há também vários que são incomuns para os padrões modernos.
Em primeiro lugar, pessoalmente lembro-me imediatamente do retrato Czarevich Peter Petrovich na imagem do Cupido

Aqui, é claro, deve ser dito que a Rússia adotou a bravura do Rococó da Europa, juntamente com a sua atmosfera especial de baile de máscaras, brincando de heróis e deuses. mitologia antiga, modos de comportamento que não podiam deixar de afetar a tradição pictórica.
E, no entanto, há algo de peculiar no fato de o pequeno Peter, “Shishechka”, como o chamavam pais amorosos quem colocou nele grandes esperanças, vemos dessa forma. Mas o nascimento desse menino, que não viveu nem quatro anos, bem como sua saúde inicialmente relativamente forte, na verdade selou o destino do czarevich Alexei.
Podemos também imaginar a irmã mais velha de Piotr Petrovich, Elizabeth, lembrando o retrato do mesmo Caravaque, pintado em 1750:

Ou um retrato de seu aluno Ivan Vishnyakov, pintado em 1743:

Mas grande sucesso Ainda durante a vida da imperatriz, foi utilizado outro retrato de Elizaveta Petrovna, pintado em meados da década de 1710 por Caravaque, no qual ela é retratada na imagem da deusa Flora:

A futura imperatriz é retratada nua e deitada sobre um manto azul forrado de arminho - um sinal de pertencer à família imperial. Na mão direita segura uma miniatura com um retrato de Pedro I, em cuja moldura está fixada uma fita azul de Santo André.
Sim, é uma tradição, mas também há um certo tipo de picante nessa imagem. N. N. Wrangel deixou uma observação interessante sobre o retrato: “Aqui está uma menina, uma criança despida de oito anos com corpo de menina adulta. Ela está reclinada, segurando coquetemente o retrato de seu pai e sorrindo tão gentil e ternamente. , como se ela já estivesse pensando em Saltykov, Shubin, Sivers, Razumovsky, Shuvalov e todos os outros que esta bela criatura amou.”
No entanto, ele também observou que Elizabeth tinha muitas imagens.
Aqui está Elizaveta Petrovna em um terno masculino que combinava tanto com ela:

A.L. Weinberg considerou o retrato obra de Caravaque e datou-o de 1745. S.V. Rimskaya-Korsakova acreditava que se tratava de uma cópia estudantil de Levitsky da obra de Antropov, remontando ao tipo iconográfico de Caravaque.

E aqui está outro retrato de Elizabeth em terno masculino - o livro “Retrato da Imperatriz Elizabeth Petrovna em um cavalo com um pequeno árabe”, pintado por Georg Christoph Groot em 1743:

Este retrato pode ser chamado de cerimonial. Aqui está a Ordem de Santo André, o Primeiro Chamado, uma fita moiré azul com uma placa, um bastão de marechal na mão da imperatriz, um uniforme de Transfiguração, bem como o fato de Elizabeth Petrovna estar montada em um cavalo como um homem, e a frota militar visível na baía.
Caravaque também possui um “Retrato de Menino em Traje de Caça”, sobre o qual foram construídas diversas versões. Eles o chamaram de Retrato de Pedro II e Retrato Pedro III e... um retrato de Elizabeth. Por alguma razão está muito perto de mim última versão.

Existem muitos retratos cerimoniais de Catarina II. Eles foram escritos por estrangeiros convidados para a Rússia e por artistas russos. Recorde-se, por exemplo, o retrato de Catarina diante de um espelho pintado por Vigilius Eriksen, em que o artista utiliza uma técnica única que lhe permite mostrar a imperatriz tanto de perfil como de frente.

A imagem do perfil da imperatriz serviu para o retrato cerimonial pintado por Rokotov:

A própria Catarina aparentemente adorou outro retrato pintado por Eriksen, retratando-a a cavalo:

Ainda assim! Afinal, o retrato simboliza o dia fatídico para a imperatriz, 28 de junho de 1762, quando ela, à frente dos conspiradores, dirigiu-se a Oranienbaum para dar um golpe palaciano. Catherine monta em seu famoso cavalo Diamond e está vestida em estilo militar - ela usa o uniforme de oficial de infantaria da guarda.
O retrato fez grande sucesso na corte; por ordem da imperatriz, ele repetiu sua obra três vezes, variando o tamanho da tela.

Eriksen também pintou um retrato de Catarina II em shugai e kokoshnik:

Pode-se lembrar o retrato sem cerimônia de Catarina II em traje de viagem, pintado por Mikhail Shibanov, um artista sobre o qual quase nada se sabe. Será que ele era próximo de Potemkin?:

Lembro-me dos retratos sem cerimônias de Catarina, a Grande, é impossível passar pela imagem criada por Borovikovsky;

O artista mostrou Catarina II “em casa”, de capa e boné. Anos avançados uma senhora caminha tranquilamente pelas vielas do Parque Tsarskaselsky, apoiada em um cajado. Ao lado dela está seu cachorro favorito, um galgo inglês.
A ideia de tal imagem provavelmente surgiu no círculo literário e artístico de Nikolai Lvov e está intimamente ligada a um novo movimento na arte chamado sentimentalismo. É significativo que o retrato de Catarina II não tenha sido executado em vida. Há evidências de que seu camareiro favorito (servo de quarto), Perekusikhin, posou para a artista, vestido com o vestido da imperatriz.
A propósito, é bastante interessante que no século 18 apenas 8 pintores oficiais da corte trabalharam na Rússia, entre os quais apenas um era russo, e mesmo assim ele terminou a vida de forma quase trágica. Portanto, não é surpreendente que os artistas russos não tenham tido a oportunidade de pintar imperadores e imperatrizes vivos.
Por este trabalho, Borovikovsky, sobre quem Lampi trabalhou, recebeu o título de “nomeado” acadêmico. Porém, apesar do reconhecimento da Academia de Artes, a imperatriz não gostou do retrato e não foi adquirida pelo departamento do palácio.
Mas foi precisamente nesta imagem que Pushkin a capturou na “história de honra” “A Filha do Capitão”.

Municipal instituição educacional

Educação adicional crianças

"Infantil escola de Artes»

IMAGENS FEMININAS EM RETRATOS DO SÉCULO XVIII

(FS Rokotov, D.G. Levitsky, V.L. Borovikovsky)

Concluído por: aluno da turma 4-A.

Instituição Educacional Municipal da Escola de Arte Infantil de Zelenogorsk

Grigorieva Anastasia Vladlenovna

Supervisor científico: professor

História da arte MOU DOD DHS

Solomatina Tatiana Leonidovna

Zelenogorsk

O lugar das mulheres na sociedade russa do século 18 e a arte do retrato ……………………………………………………………………………… 3

A imagem de uma mulher russa na arte do retrato do século 18…………4

2.1. Retrato cerimonial feminino da primeira metade do século XVIII:

2.1. Características do retrato cerimonial;

2.2. E EU. Vishnyakov

2.3. D.G. Levitsky

Retrato de câmara de uma mulher da segunda metade do século XVIII:

Características de um retrato de câmara

2.2.2. V.L. Borovikovsky

2.2.3. F.S. Rokotova

Fêmea retrato XVIII século - uma das maiores conquistas do retrato russo…………………………………………………………16

Lista de referências……………………………………………………17

Lista de ilustrações………………………………………………………18

Aplicações………………………………………………………………………….19

O lugar das mulheres na sociedade russa do século XVIII

E a arte do retrato

Desde o início do século XVIII, a partir de uma representação bastante primitiva do rosto humano, os artistas levaram as suas habilidades a uma perfeição extraordinária. Estudando com pintores estrangeiros, os mestres nacionais não só adotaram seus conhecimentos, mas também os superaram e acrescentaram um sabor profundamente russo à sua arte (http://www.referat77.ru/docs/1415/1866/2.html).

Os retratos do início do século retratam principalmente a filiação social de uma pessoa, seus melhores lados, sua pompa e, às vezes, beleza imaginária. Mas ao longo do século, o estado, o humor do público, bem como a atitude do artista em relação à pessoa retratada mudaram muito. Os mestres não se propuseram mais a fazer com que o retrato se parecesse com o modelo. Eles não se interessavam tanto pela solenidade da apresentação, mas pelo mundo interior de uma pessoa, sua essência, sua predisposição para a espiritualidade. No final do século XVIII, os pintores transmitiam a alma dos seus modelos, os estados de espírito mais subtis e a variabilidade dos personagens.

O objetivo do meu trabalho é provar essa tendência, ou seja, transição gradual de características externas de uma pessoa à transmissão de seu estado interno.

Para resolver este problema, concentrei minha atenção nos retratos dos seguintes destacados artistas russos:

E EU. Vishnyakova;

F.S. Rokotov;

D.G. Levitsky;

V.L. Borovikovsky.

Para caracterizar o retrato destes artistas, utilizei um conjunto bastante amplo de fontes, cuja lista se encontra no final da obra. Entre os livros que utilizei estão obras sobre a arte do período selecionado (1,4,5,6,7, 8, 11, 12,14,16,17), além de monografias, dedicado à criatividade artistas individuais (2,3, 9,13,15).

A imagem de uma mulher russa na arte retratística do século XVIII

Retrato cerimonial feminino da primeira metade do século XVIII

O protagonismo da pintura da primeira metade do século XVIII pertencia ao retrato. A arte do retrato desenvolveu-se em dois gêneros: formal e de câmara.

Características de um retrato cerimonial

O retrato cerimonial é, em muitos aspectos, um produto do estilo barroco com sua pompa pesada e grandeza sombria. Sua tarefa é mostrar não apenas uma pessoa, mas uma pessoa importante em todo o esplendor de sua alta status social. Daí a abundância de acessórios pensados para enfatizar essa posição, a pompa teatral da pose. O modelo é retratado tendo como pano de fundo uma paisagem ou interior, mas sempre em primeiro plano, muitas vezes em altura total, como se suprimisse o espaço envolvente com a sua grandiosidade. (12)

Foi com os retratos cerimoniais que um dos principais retratistas da época, I.Ya., tornou-se famoso. Visnyakov.

O “olho” impecável e o gosto impecável do artista colocaram Vishnyakov entre os melhores retratistas da época. Não é de admirar que ele tenha sido autorizado não apenas a copiar, mas também a pintar retratos de pessoas reinantes e depois “replicá-los” para numerosos palácios, instituições governamentais e dignitários privados (http://www.nearyou.ru/vishnyakov/0vishn. HTML)

O artista gostou do luxo decorativo dos trajes cerimoniais de sua época, de sua teatralidade e festividade. Com admiração, ele transmite a materialidade e objetividade do mundo, desenha com cuidado e amor figurinos incríveis Século XVIII, com seus tecidos com padrões complexos, diversas cores e texturas, com os mais finos bordados e rendas e decorações. Como mestre decorador, Vishnyakov cria uma gama excepcional de cores. E embora o padrão pareça sobreposto às dobras rígidas das roupas, ele é tangível e lembra, nas palavras do crítico de arte T.V. Ilyina, (6) a fonte “o campo das luxuosas miniaturas russas antigas do século XVII. ” ou o ornamento floral de um afresco da época.” E acima de toda esta riqueza do mundo material, os rostos das pessoas olham e respiram.

Em 1743, Vishnyakov pintou um retrato da Imperatriz Elizabeth - representativo e magnífico. Elizabeth - em uma coroa, com um cetro e um uivo, em um luxuoso vestido moiré brilhante. É curioso que ele tenha gostado tanto deste retrato que Vishnyakov foi instruído a partir de agora a verificar o estilo de outros retratos de Elizabeth, independentemente de quem os pintou - ele se tornou, por assim dizer, o árbitro supremo em questões de iconografia imperial. Enquanto isso, ele mesmo, apesar do esplendor da situação em contraste com ela, retratou Elizabeth como uma mulher comum - uma beleza russa de sangue e leite, de sobrancelhas negras e bochechas rosadas, mais amigável e acessível do que majestosa ou majestosa. Tendo se apropriado dos atributos do poder, Elizabeth nunca se acostumou com isso. Algo caseiro, caloroso, sorridentemente rústico, é claro, não sem astúcia e não sem inteligência, sempre permaneceu em sua aparência, e Vishnyakov definitivamente sentiu isso.

Os retratos de crianças feitos por Vishnyakov eram os melhores.

Um dos mais interessantes é o retrato de Sarah Fermor. (il.3) Esta é uma imagem cerimonial típica da época. A garota é mostrada de corpo inteiro, no cruzamento espaço aberto e um fundo paisagístico com coluna obrigatória e cortina pesada. Ela está usando um vestido elegante e segurando um leque. A sua pose é constrangida, mas nesta solenidade congelada há muita poesia, um sentimento de vida reverente, rodeado de grande arte e grande calor espiritual. O retrato combina, como é típico de Vishnyakov, características aparentemente nitidamente contrastantes: nele pode-se sentir a tradição medieval russa ainda viva - e o brilho da forma de arte cerimonial europeia do século XVIII. A figura e a pose são convencionais, o cenário é tratado de forma plana - é aberto paisagem decorativa, – mas o rosto é esculpido tridimensionalmente. A escrita requintada do vestido cinza-verde-azul surpreende pela riqueza da pintura em várias camadas e tem tradição de achatamento. É transmitido de forma ilusória e material, até adivinhamos o tipo de tecido, mas as flores estão espalhadas em moiré sem levar em conta as dobras, e esse “padrão” fica no plano, como numa antiga miniatura russa. E acima de todo o esquema do retrato cerimonial - e isso é o mais surpreendente - o rosto sério e triste de uma menina de olhar pensativo vive uma vida tensa.

O esquema de cores – pintura em tom prateado, recusa de manchas locais brilhantes (que geralmente era característico do pincel deste mestre) – deve-se à natureza do modelo, frágil e arejado, semelhante a uma espécie de flor exótica (http://. www.bestreferat.ru /referat-101159.html) Como se saísse de um caule, sua cabeça cresce sobre um pescoço fino, seus braços pendem impotentes, sobre cujo comprimento excessivo mais de um pesquisador escreveu. Isto é bastante justo se considerarmos o retrato do ponto de vista da correcção académica do desenho: notamos que as mãos em geral eram mais difíceis para os mestres que não tinham recebido uma educação “escolar” sistemática, que eram os artistas de meados do século XIX. Século XVIII, e Vishnyakov em particular, mas seu comprimento também enfatiza aqui harmoniosamente a fragilidade do modelo, assim como as árvores finas ao fundo. Sarah Farmer parece encarnar não o verdadeiro século XVIII, mas o efêmero, melhor expresso nos sons caprichosos do minueto, o século XVIII, que apenas foi sonhado, e ela mesma, sob o pincel de Vishnyakov, é como a personificação de um sonho .

Vishnyakov conseguiu em suas obras combinar a admiração pela riqueza do mundo material e um alto senso de monumentalidade, não perdido pela atenção aos detalhes. Em Vishnyakov este monumentalismo remonta a antiga tradição russa, enquanto a graça e sofisticação da estrutura decorativa atestam um excelente domínio das formas de arte europeia. A combinação harmoniosa dessas qualidades faz de Ivan Yakovlevich Vishnyakov um dos mais artistas brilhantes um período de transição tão complexo na arte como foi o de meados do século XVIII na Rússia.

D.G. Levitsky

Nas obras de Levitsky ótimo lugar ocupa um retrato cerimonial. Aqui a decoratividade inerente à sua pintura se revela em todo o seu brilho.

Em retratos cerimoniais período maduro Levitsky se liberta da retórica teatral; eles estão imbuídos de um espírito de alegria, um sentimento festivo de vida, um otimismo brilhante e saudável.

Atenção especial deve ser dada aos grandes retratos cerimoniais completos de estudantes do Instituto Smolny para Donzelas Nobres, formando um único conjunto decorativo.

“Retrato de Khovanskaya e Khrushchova” 1773, Museu Estatal Russo (Ill. 8)

Por ordem de Catarina II, Levitsky pintou vários retratos de estudantes do Instituto Smolny de Donzelas Nobres. (http://www.1143help.ru/russkayagivopis-18) Duas meninas retratadas em este retrato, desempenhe papéis de ópera cômica"Os caprichos do amor, ou Ninetta na corte."

Khrushchova, com os braços na cintura, toca de brincadeira o queixo da namorada. Um sorriso zombeteiro aparece no rosto feio, mas muito expressivo, da garota. Ela desempenha com confiança o papel masculino. Sua parceira, Khovanskaya, olha timidamente para o “cavalheiro”; sua confusão é visível no giro desajeitado de sua cabeça, na forma como sua mão repousa impotente sobre o cetim brilhante de sua saia. Vemos cenas paisagísticas representando um parque inglês, ruínas clássicas e a silhueta de um castelo. À esquerda há uma árvore extensa - um fundo para a figura de Khrushchova, em primeiro plano - um monte falso, cobrindo a luz adicional do público. As meninas são iluminadas pela luz da ribalta, por isso as sombras no chão e os contornos das figuras são tão distintos. Khrushchova está vestindo uma camisola de seda cinza escuro, decorada com trança dourada. No teatro do instituto, onde os meninos nunca atuavam, Khrushchova era considerada uma intérprete incomparável de papéis masculinos. Mas depois da faculdade, seu destino não deu certo e ela não conseguiu ocupar um lugar importante no mundo. E Katya Khovanskaya começará a atrair a atenção de todos, se tornará a esposa do poeta Neledinsky-Meletsky e a primeira intérprete de canções escritas por seu marido.

“Retrato de Nelidova” 1773 (il. 7)

Este é o mais antigo dos Smolyans. Ainda estudando na Smolny, tornou-se conhecida por seu excelente desempenho no palco, brilhando principalmente na dança e no canto. No retrato, ela participa da peça “The Maid is the Mistress”. Ela já conhece seu próprio charme, tem necessidade de agradar e domina perfeitamente as habilidades do comportamento teatral. A estatueta fica confiante em pose de balé, a alça levanta graciosamente o avental de renda, fitas rosa decoram o chapéu de palha “pastora” - tudo cria a sensação de uma boneca de porcelana. E um rosto animado, olhos risonhos, um sorriso explicam que tudo isso é apenas um jogo. Contra o fundo há aglomerados verdes suaves de árvores e nuvens leves e elegantes

Retratos de E. I. Nelidova (1773), (il. 7) E. N. Khrushchova e E. N. Khovanskaya (1773), (il. 8), G. I. Alymova (1776) (il. 2) e outros. A estrutura figurativa destas obras está associada àquela característica dos retratos cerimoniais do século XVIII. retratando uma mulher como uma “criatura alegre e alegre que ama apenas o riso e a diversão”. Mas sob o pincel de Levitsky esta fórmula geral estava repleta de conteúdo de vida realisticamente convincente.

Alto classicismo na pintura - “Catarina II - Legisladora no Templo da Deusa da Justiça” 1783, Museu Estatal Russo. (il. 3)

Esta é uma verdadeira ode pictórica com todas as características inerentes ao gênero. A personagem é uma imperatriz, em traje cerimonial, uma governante justa, razoável e ideal. A Imperatriz é apresentada com um vestido branco prateado cintilante de corte rigoroso com uma coroa de louros na cabeça e uma fita no peito. Ela está vestindo um manto pesado que flui de seus ombros e enfatiza a grandeza da imperatriz.

Catarina é retratada tendo como pano de fundo uma cortina solene, dobras largas envolvendo colunas largas e um pedestal sobre o qual está colocada a estátua de Têmis, a deusa da justiça. Atrás da colunata, atrás de uma balaustrada estrita, estão representados um céu tempestuoso e um mar com navios navegando nele. Catarina estendeu a mão sobre o altar iluminado com um gesto amplo. Ao lado do altar, uma águia, a ave de Zeus, pousa em grossos fólios. O mar lembra os sucessos da frota russa no século XVIII, os volumes de leis que Catarina criou para a Comissão Legislativa, a estátua de Themis - da legislação da imperatriz, glorificada pelos poetas. Mas esta, claro, não é a aparência real de Catarina, mas a imagem de um monarca ideal, como o Iluminismo queria que ele fosse. A pintura foi um grande sucesso e muitas cópias foram feitas dela.

V.L. Borovikovsky

“Catarina II num passeio no Parque Tsarskoye Selo” é um retrato de Catarina II de Vladimir Borovikovsky, escrito na linha do sentimentalismo, um dos mais imagens famosas imperatriz.

Borovikovsky pintou um retrato incomum para a época e imbuído do espírito de um novo movimento de sentimentalismo - em contraste com o classicismo que dominava os retratos imperiais da época. Traços de caráter Essa direção é a idealização da vida no seio da natureza, o culto à sensibilidade e o interesse pela vida interior do homem. O sentimentalismo manifesta-se na rejeição do autor aos interiores cerimoniais dos palácios e na preferência pela natureza, que é “mais bela que os palácios”. “Pela primeira vez na arte russa, o fundo de um retrato torna-se um elemento importante na caracterização do herói. O artista glorifica a existência humana em meio ao ambiente natural, interpreta a natureza como fonte de prazer estético.”

Catherine, de 65 anos, é mostrada caminhando no Parque Tsarskoye Selo, apoiada em um cajado por causa de seu reumatismo. Suas roupas são decididamente informais - ela está vestida com um roupão decorado com babado de renda com laço de cetim e um boné de renda, com um cachorro brincando a seus pés. A governante é representada não como uma deusa, mas como uma simples “proprietária de terras de Kazan”, em quem ela gostava de aparecer. últimos anos vida, contemplativa, sem qualquer oficialidade, solenidade e adornos cerimoniais. O retrato tornou-se uma versão doméstica Tipo inglês"caminhada em retrato". No crepúsculo do parque é possível avistar um cais com esfinges, cisnes nadando no lago. O rosto da modelo é escrito de forma generalizada e condicional, sua idade é suavizada.

Assim, a “simplicidade natural” penetra no retrato cerimonial, o que, além do sentimentalismo, aproxima em parte o quadro do classicismo iluminista. No entanto, a pose da imperatriz é cheia de dignidade, o gesto com que aponta para o monumento às suas vitórias é contido e majestoso.

Ao contrário de Catherine - Themis de Levitsky, Ekaterina de Borovikovsky é retratada como uma "velha" proprietária de terras de Kazan "caminhando no jardim com seu amado galgo italiano. Borovikovsky criou um retrato incomum para a época. Catherine é mostrada em um passeio no Parque Tsarskoye Selo de roupão e boné, com seu galgo italiano favorito a seus pés. Ela aparece diante do espectador não como Felitsa, não como uma rainha divina que desceu do céu, mas como uma simples “proprietária de terras de Kazan”, que ela gostava de parecer nos últimos anos de sua vida.

O artista retratou a figura de Catarina com simpatia insuperável. Esta não é uma velha imperatriz, mas antes de tudo uma pessoa, uma mulher, um pouco cansada dos assuntos de Estado, da etiqueta da corte, que, nos seus momentos livres, não se importaria de ficar sozinha, entregando-se às memórias e admirando a natureza. “Na arte russa, este é o primeiro exemplo de retrato real que é íntimo em sua essência, aproximando-se de uma pintura de gênero.

No entanto, mesmo neste retrato íntimo há um “motivo emblemático de uma coluna-“pilar” - a Coluna Chesme (Obelisco de Kahul - na versão do retrato do Museu Estatal Russo), que, apesar de todo o sentimentalismo da imagem de Catarina ao longo da trama do retrato, simboliza “firmeza ou constância”, “firmeza de espírito” , “Esperança sólida”. As telas do artista são muito elegantes graças à pose graciosa das modelos, aos gestos graciosos e ao uso habilidoso do figurino.

Os retratos cerimoniais de Vishnyakov são caracterizados por um elevado sentido de monumentalidade, não perdido na atenção aos detalhes. Em Vishnyakov, este monumentalismo remonta à antiga tradição russa, enquanto a graça e sofisticação da estrutura decorativa atestam um excelente domínio das formas de arte europeia.

A originalidade do retrato cerimonial russo na obra de Borovikovsky, destinado a glorificar, antes de tudo, a posição do homem na sociedade de classes, era o desejo de revelar o mundo interior do homem. Os seus retratos estão imbuídos do espírito de um novo movimento de sentimentalismo - em contraste com o classicismo que dominava os retratos imperiais da época.

Levitsky era igualmente bom tanto em retratos íntimos quanto em imagens cerimoniais completas.

Os retratos cerimoniais de Levitsky revelam a decoratividade inerente à sua pintura em todo o seu esplendor.

Nos retratos cerimoniais de seu período maduro, Levitsky se liberta da retórica teatral e está imbuído de um espírito de alegria.

2. Características de um retrato de câmara da segunda metade do século XVIII:

Retrato de câmara - um retrato que usa uma imagem de meio corpo, na altura do peito ou dos ombros da pessoa retratada. Normalmente, num retrato de câmara, a figura é mostrada contra um fundo neutro.

Um retrato de câmara não é apenas um conjunto de características externas, é uma nova forma de ver uma pessoa. Se numa imagem cerimonial o critério para o valor de uma personalidade humana eram as suas ações (que o espectador conhecia através dos atributos), então numa imagem de câmara as qualidades morais vêm à tona.

O desejo de transmitir as qualidades individuais de uma pessoa e ao mesmo tempo fazer uma avaliação ética dela.

Borovikovsky recorreu a várias formas de retrato - íntimo, formal, em miniatura. Vladimir Lukich Borovikovsky foi o artista sentimentalista russo mais proeminente. Livro de A.I. Arkhangelskaya "Borovikovsky" (3) fala sobre as principais etapas da obra deste maravilhoso artista russo, que esteve em russo belas-Artes expoente do sentimentalismo. Segundo o autor, V.L. Borovikovsky é “um cantor da personalidade humana, que se esforça para dar o ideal do homem como ele e seus contemporâneos o imaginaram”. Ele foi o primeiro entre os retratistas russos a revelar a beleza da vida emocional. Os retratos de câmara ocupam um lugar predominante na obra de Borovikovsky.

Borovikovsky se torna popular entre ampla variedade Nobreza de Petersburgo. O artista retrata “clãs” familiares inteiros - os Lopukhins, Tolstoys, Arsenyevs, Gagarins, Bezborodkos, que espalharam sua fama através de canais relacionados. Este período de sua vida inclui retratos de Catarina II, seus muitos netos, o Ministro das Finanças A.I. As telas do artista são muito elegantes graças à pose graciosa das modelos, aos gestos graciosos e ao uso habilidoso do figurino. Os heróis de Borovikovsky são geralmente inativos, a maioria dos modelos está extasiada com sua própria sensibilidade. Isto é expresso pelo retrato de M.I. Lopukhina (1797), e pelo retrato de Skobeeva (meados da década de 1790), e pela imagem da filha de Catarina II e A.G. Potemkin - E.G.

“O retrato de M.I. Lopukhina (Il. 7) (5) pertence à época em que, junto com o domínio do classicismo, o sentimentalismo se estabeleceu. Atenção às sombras temperamento individual, o culto à existência solitária-privada atua como uma reação peculiar à normatividade do classicismo de natureza social. A facilidade natural transparece no gesto artisticamente descuidado de Lopukhina, na inclinação caprichosa e caprichosa de sua cabeça, na curva obstinada de seus lábios macios, na distração sonhadora de seu olhar.

Imagem de M.I. Lopukhina cativa o espectador com sua melancolia suave, extraordinária suavidade de traços faciais e harmonia interior. Esta harmonia é transmitida por toda a estrutura artística do quadro: tanto pelo virar da cabeça como pela expressão do rosto da mulher, é realçada por detalhes poéticos individuais, como rosas colhidas e já penduradas no caule. Essa harmonia é fácil de captar na suavidade melodiosa das linhas, na consideração e subordinação de todas as partes do retrato.
Cara M.I. Lopukhina pode estar longe do ideal clássico de beleza, mas é repleta de um encanto tão indescritível, de um encanto espiritual que ao lado dela muitas belezas clássicas parecerão um esquema frio e sem vida. A imagem cativante de uma mulher gentil, melancólica e sonhadora é transmitida com grande sinceridade e amor, e a artista revela seu mundo espiritual com incrível convencimento.
Um olhar pensativo, lânguido, triste e sonhador, um sorriso gentil, a descontração de uma pose um pouco cansada; linhas suaves e caindo ritmicamente; formas suaves e redondas; vestido branco, lenço lilás e rosas, faixa azul, cabelo cinza, fundo verde a folhagem e, por fim, uma névoa suave e arejada que preenche o espaço - tudo isso forma uma unidade de todos os meios de expressão pictórica, em que a criação da imagem se revela de forma mais plena e profunda.

O retrato de Lopukhina foi pintado tendo como pano de fundo uma paisagem. Ela está parada no jardim, apoiada em um velho console de pedra. A natureza em que a heroína se isolou lembra um recanto de um parque paisagístico propriedade nobre. Ela personifica Belo mundo, cheio de encanto natural e pureza. Rosas e lírios murchados evocam uma leve tristeza, pensamentos sobre a beleza passageira. Eles ecoam o clima de tristeza, apreensão e melancolia em que Lopukhina está imersa. Na era do sentimentalismo, o artista sente-se especialmente atraído pelos estados complexos e transicionais do mundo interior do homem. O devaneio elegíaco e a ternura lânguida permeiam todo o tecido artístico da obra. A consideração e o leve sorriso de Lopukhina revelam sua imersão no mundo de seus próprios sentimentos.

Toda a composição é permeada por ritmos lentos e fluidos. A curva suave da figura e a mão suavemente abaixada são ecoadas pelos galhos inclinados das árvores, pelos troncos brancos das bétulas e pelas espigas de centeio. Contornos desfocados e pouco claros criam uma sensação de leveza ambiente aéreo, uma névoa transparente na qual a figura da modelo e a natureza circundante estão “imersas”. O contorno que contorna sua figura - ora perdido, ora aparecendo na forma de uma linha fina e flexível - evoca na memória do espectador os contornos de estátuas antigas. Dobras caindo, convergindo ou formando rupturas suaves, os traços mais sutis e espirituais do rosto - tudo isso constitui, por assim dizer, não pintura, mas música. O azul suave do céu, o verde suave da folhagem, o ouro das orelhas com salpicos brilhantes de centáureas ecoam a cor do vestido branco pérola, o cinto azul e a decoração brilhante no braço. O lenço lilás é ecoado por tons de rosas desbotadas.

Nos retratos de Borovikovsky, “Lisanka e Dashenka” (Ill. 6)(3) personificam o tipo de raparigas sensíveis daquela época. Seus rostos gentis estão pressionados face a face, seus movimentos são cheios de graça juvenil. A morena é séria e sonhadora, a loira é animada e divertida. Complementando-se, eles se fundem em uma unidade harmoniosa. O caráter das imagens corresponde aos tons delicados de flores lilás-azuladas frias e rosa-dourado quentes.

Borovikovsky foi especialmente bom em retratar “jovens donzelas” de famílias nobres. Este é o “Retrato de Ekaterina Nikolaevna Arsenyeva” (4), que foi aluna do Instituto Smolny de Donzelas Nobres, dama de honra da Imperatriz Maria Feodorovna. A jovem Smolensk é retratada com uma fantasia de “peasanka”: ela usa um vestido espaçoso, um chapéu de palha com espigas de milho e nas mãos derramando maçã. A gordinha Katenka não se distingue pela regularidade clássica de seus traços. Porém, nariz arrebitado, olhos brilhantes com astúcia e um leve sorriso de lábios finos acrescentam alegria e coqueteria à imagem. Borovikovsky capturou perfeitamente a espontaneidade da modelo, seu charme e alegria.

F.S. Rokotov

Criatividade F.S. Rokotova (1735-1808) constitui uma das páginas mais encantadoras e difíceis de explicar da nossa cultura.

A imagem cerimonial não era a favorita de Rokotov nem a área mais típica da criatividade. Seu gênero preferido é o retrato de corpo inteiro, em que toda a atenção do artista está voltada para a vida do rosto humano. Seu esquema composicional se distinguia pela simplicidade, beirando um pouco a monotonia. Ao mesmo tempo, seus retratos são caracterizados por uma habilidade pictórica sutil.

Ele foi atraído por outras tarefas de pintura: criar pinturas de câmara, íntimas, que refletissem as ideias do mestre sobre uma estrutura espiritual sublime.

Voltando-nos para o trabalho de F.S. Rokotov, como adepto do retrato de câmara, os autores observam que a origem ideal deste artista é combinada com as características da aparência de um indivíduo, juntamente com uma representação magistral das características do rosto, roupas e joias da pessoa retratada; o artista é capaz de identificar as qualidades espirituais do modelo.

Na caracterização da imagem de Rokotov, a expressividade dos olhos e das expressões faciais é muito importante, e o artista não busca uma transmissão específica de humor, mas sim criar uma sensação de elusividade, fugacidade dos sentimentos de uma pessoa; obras surpreendem com sua beleza suave e sofisticada Gama de cores. A coloração, geralmente baseada em três cores, graças às suas transições, expressa a riqueza e a complexidade da vida interior do retratado. A artista usa o claro-escuro de forma única, destacando o rosto e, por assim dizer, dissolvendo pequenos detalhes.

Os retratos de Rokotov são história estampada em seus rostos. Graças a eles, temos a oportunidade de imaginar imagens de uma época que já passou.

No final da década de 1770-1780.

Essas características da criatividade de Rokotov manifestaram-se mais plenamente nos retratos femininos que ocuparam lugar especial na arte do século XVIII. Na época de seu apogeu criativo, o pintor cria uma galeria de belas imagens femininas: A. P. Struyskoy (1772) (il. 13), V. E. Novosiltseva. (il. 14)

O próximo retrato feminino é “Desconhecida em vestido rosa”, pintado na década de 1770. É considerada uma das obras-primas de Rokotov. As mais finas gradações de rosa - do saturado nas sombras, depois do quente e claro, criam o efeito de cintilação e vibração do melhor ambiente de luz e ar, como se estivessem em consonância com os movimentos espirituais internos invariavelmente escondidos nos retratos do século XVIII. um sorriso gentil brilhando nas profundezas de seu olhar. Esta imagem está repleta de um encanto lírico especial.

“Retrato de uma mulher desconhecida em um vestido rosa” é especialmente digno de nota. A abertura de uma pessoa aos outros e ao mundo pressupõe intimidade, atenção e interesse ocultos, talvez em algum lugar condescendência, um sorriso para si mesmo, ou mesmo entusiasmo e alegria, um impulso cheio de nobreza - e esta abertura, confiança na outra pessoa e no mundo como um todo - propriedades da juventude, juventude, especialmente em épocas em que novos ideais de bondade, beleza, humanidade estão no ar como o sopro da primavera. (http://www.renclassic.ru/Ru/35/50/75/)

O retrato de uma jovem desconhecida com olhos cuidadosamente estreitados, em um vestido rosa claro (Desconhecido em Rosa), pintado por Fyodor Stepanovich Rokotov, atrai pela sua sutileza e riqueza espiritual. Rokotov escreve com suavidade e leveza. Com meia pitada, sem desenhar nada até o final, ele transmite a transparência da renda, a massa macia dos cabelos empoados, um rosto claro com olhos sombreados.

F. Rokotov “Retrato de A.P. Struyskoy" (il. 13)

1772, óleo sobre tela, 59,8x47,5cm

O retrato de Alexandra Struyskaya é sem dúvida a imagem mais brilhante do ideal linda mulher em todos os retratos russos. É retratada uma jovem encantadora, cheia de graça cativante. Um rosto oval gracioso, sobrancelhas finas e esvoaçantes, um leve rubor e um olhar pensativo e ausente. Aos seus olhos há orgulho e pureza espiritual. O retrato é pintado com tons de cor e luz. As sombras se transformam sutilmente em tons claros, os tons cinza-acinzentados fluem para o azul e os tons rosados para o ouro pálido. O jogo de luzes e as gradações de cores não são perceptíveis e criam uma leve névoa, talvez algum tipo de mistério.

Uma lenda foi preservada sobre o amor de Rokotov por Struiska, aparentemente inspirada no tom especial de charme e sorte do talento do artista que criou seu retrato (http://www.nearyou.ru/rokotov/1Struiska.html).

Levitsky

Em seus retratos íntimos prevalece visivelmente uma atitude objetiva em relação ao modelo. As características da individualidade tornam-se mais generalizadas e os traços típicos são enfatizados. Levitsky continua sendo um grande psicólogo e um pintor brilhante, mas não mostra sua atitude em relação ao modelo.

Sorrisos do mesmo tipo, blush muito brilhante nas bochechas, uma técnica para colocar dobras. Portanto, a alegre senhora E.A. Bakunina (1782) e a afetada e seca Dorothea Schmidt (início da década de 1780) tornam-se sutilmente semelhantes entre si.

Retrato de Ursula Mniszech (il. 12)

1782., óleo sobre tela,

Galeria Estatal Tretyakov, Moscou

O retrato de Ursula Mniszech foi pintado no auge da habilidade e fama da artista. O oval era raro na prática retratista de D. G. Levitsky, mas foi essa forma que ele escolheu para a representação requintada de uma beleza secular. Com ilusionismo natural, o mestre transmitiu a transparência da renda, a fragilidade do cetim e o pó cinza de uma peruca alta da moda. Bochechas e maçãs do rosto “queimam” com o calor do blush cosmético aplicado.

O rosto é pintado com pinceladas fundidas, indistinguíveis graças aos esmaltes transparentes e iluminados e conferindo ao retrato uma superfície suavemente envernizada. Sobre um fundo escuro, tons de cinza azulado, cinza prateado e dourado pálido combinam-se vantajosamente.

Um virar distante da cabeça e um sorriso gentilmente aprendido dão ao rosto uma expressão educada e secular. Um olhar frio e direto parece evasivo, escondendo o eu interior da modelo. A loira dela olhos abertos deliberadamente secreto, mas não misterioso. Esta mulher, apesar da sua vontade, evoca admiração, tal como a pintura virtuosa do mestre.

(http://www.nearyou.ru/levitsk/1mnishek.html)

Conclusão:

Em seus retratos íntimos, Borovikovsky capta perfeitamente a espontaneidade da modelo, seu charme vivo e alegria. Borovikovsky foi o primeiro entre os retratistas russos a revelar a beleza da vida emocional. As telas do artista são muito elegantes graças à pose graciosa dos modelos, aos gestos graciosos e ao uso habilidoso dos trajes. Os heróis de Borovikovsky são geralmente inativos, a maioria dos modelos está extasiada com sua própria sensibilidade.

Os retratos “íntimos” criados por Levitsky são marcados pela profundidade e versatilidade das características psicológicas; caracterizam-se por grande contenção dos meios artísticos;

F.S. Rokotov, adepto do retrato de câmara

Característica distintiva Rokotov tem um interesse crescente em mundo interior pessoa; no retrato, o artista enfatiza a presença de uma vida espiritual complexa, poetiza-a, concentra nela a atenção do espectador, afirmando assim o seu valor.