Pinturas de artistas europeus do século XIX. Artistas estrangeiros do século XIX: as figuras mais proeminentes das artes plásticas e seu legado
O século XIX deixou marcas indeléveis em todas as formas de arte. Este é um momento de mudanças nas normas e requisitos sociais, de progresso colossal na arquitetura, construção e indústria. Reformas e revoluções estão sendo ativamente realizadas na Europa, organizações bancárias e governamentais estão sendo criadas, e todas essas mudanças afetaram diretamente os artistas. Artistas estrangeiros O século XIX trouxe a pintura para um novo e mais nível moderno, introduzindo gradativamente tendências como o impressionismo e o romantismo, que tiveram que passar por muitas provas antes de serem reconhecidas pela sociedade. Os artistas dos séculos passados não tinham pressa em dotar seus personagens de emoções violentas, mas os retratavam como mais ou menos contidos. Mas o impressionismo tinha em suas características um mundo de fantasia desenfreado e ousado, que combinava vividamente com o mistério romântico. No século XIX, os artistas começaram a pensar fora da caixa, rejeitando completamente os padrões aceites, e esta firmeza é transmitida no humor das suas obras. Nesse período trabalharam muitos artistas, cujos nomes ainda consideramos grandes e suas obras inimitáveis.
França
Espanha
A Península Ibérica também nos deu muitos nomes famosos, incluindo:
Holanda
Vincent van Gogh é um dos holandeses mais proeminentes. Como todos sabem, Van Gogh sofria de graves doenças mentais, mas isso não afetou sua genialidade interior. Executado em técnica incomum, suas pinturas só se tornaram populares após a morte do artista. O mais famoso: " Noite de luz das estrelas", "Íris", "Girassóis" estão incluídos na lista das obras de arte mais caras do mundo, embora Van Gogh não tenha tido nenhuma educação artística especial.
Noruega
Edvard Munch é natural da Noruega, famoso por sua pintura. A obra de Edvard Munch distingue-se nitidamente pela melancolia e por uma certa imprudência. A morte da mãe e da irmã na infância e as relações disfuncionais com as mulheres influenciaram muito o estilo de pintura do artista. Por exemplo, a conhecida obra “O Grito” e a não menos popular “Garota Doente” carregam dor, sofrimento e opressão.
EUA
Kent Rockwell é um dos famosos pintores paisagistas americanos. Suas obras combinam realismo e romantismo, o que transmite com muita precisão o estado de espírito da pessoa retratada. Você pode observar suas paisagens por horas e interpretar os símbolos de maneira diferente a cada vez. Poucos artistas foram capazes de retratar a natureza invernal de tal forma que as pessoas que a olham realmente sentissem frio. A saturação e o contraste da cor são o estilo reconhecível da Rockwell.
O século XIX é rico em criadores brilhantes que deram enormes contribuições à arte. Os artistas estrangeiros do século XIX abriram as portas a vários novos movimentos, como o pós-impressionismo e o romantismo, o que, de facto, se revelou uma tarefa difícil. A maioria deles provou incansavelmente à sociedade que sua criatividade tem o direito de existir, mas muitos conseguiram, infelizmente, somente após a morte. Seu caráter desenfreado, coragem e prontidão para a luta se aliam a um talento excepcional e facilidade de percepção, o que lhes dá todo o direito de ocupar uma célula significativa e significativa.
Pluralidade direções artísticas no século XIX foi uma consequência do processo de modernização. A vida artística da sociedade era agora determinada não apenas pelos ditames da igreja e pela moda dos círculos judiciais. A mudança na estrutura social implicou uma mudança na percepção da arte na sociedade: estão surgindo novos estratos sociais de pessoas ricas e instruídas, capazes de avaliar obras de arte de forma independente, concentrando-se apenas nas exigências do gosto. Foi no século XIX que o Cultura de massa; jornais e revistas, que publicavam longos romances com um enredo divertido de edição em edição, tornaram-se o protótipo das séries televisivas na arte do século XX.
Na primeira metade do século XIX, o desenvolvimento urbano numa escala sem precedentes desdobrou-se na Europa. A maioria das capitais europeias - Paris, São Petersburgo, Berlim - adquiriram a sua aparência característica; em seu conjuntos arquitetônicos O papel dos edifícios públicos aumentou. O símbolo de Paris é a famosa Torre Eiffel, construída em 1889 para a abertura da Exposição Mundial. A Torre Eiffel demonstrou as capacidades técnicas de um novo material - o metal. No entanto, a solução artística original não foi imediatamente reconhecida, pediram a demolição da torre e foram chamadas de monstruosas.
Neoclassicismo na primeira metade do século XIX. viveu um apogeu tardio, agora recebe o nome de Império (do francês “império”), este estilo expressava a grandeza do império criado por Napoleão. Em meados do século, o principal problema da arquitetura europeia era a procura do estilo. Como resultado do fascínio romântico pela antiguidade, muitos mestres tentaram reviver as tradições arquitetônicas do passado - foi assim que surgiram o neogótico, o neo-renascentista e o neobarroco. Os esforços dos arquitetos muitas vezes levaram ao ecletismo - uma combinação mecânica de elementos de diferentes estilos, antigos e novos.
EM vida artística primeiro metade do século XIX século, o romantismo prevaleceu, refletindo a decepção com a ideologia do Iluminismo. O romantismo tornou-se uma visão de mundo e um modo de vida especiais. O ideal romântico de uma pessoa não compreendida pela sociedade molda seu comportamento estratos superiores. O Romantismo é caracterizado pela oposição de dois mundos: o real e o imaginário. A realidade real é vista como não espiritual, desumana, indigna do homem e oposta a ele. A “prosa da vida” do mundo real é contrastada com o mundo da “realidade poética”, o mundo do ideal, dos sonhos e das esperanças. Vendo um mundo de vícios na realidade contemporânea, o romantismo tenta encontrar uma saída para o homem. Essa saída é ao mesmo tempo um afastamento da sociedade de diferentes maneiras: o herói entra em seu próprio mundo interior, além dos limites do espaço real, e em outro tempo. O Romantismo começa a idealizar o passado, principalmente a Idade Média, vendo nele realidade, cultura e valores.
O chefe do romantismo francês na pintura estava destinado a ser Eugene Delacroix (1798-1863). A imaginação inesgotável deste artista criou todo um mundo de imagens que ainda vivem na tela com sua vida intensa, cheia de luta e paixão. Delacroix frequentemente extraía motivos das obras de William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott e voltava-se para os eventos da Grande Revolução Francesa e outros episódios. história nacional(“Batalha de Poitiers”). Delacroix capturou inúmeras imagens dos povos do Oriente, principalmente argelinos e marroquinos, que viu durante a sua viagem a África. Na sua obra “O Massacre na Ilha de Chios” (1824), Delacroix reflectiu a luta dos gregos contra o domínio turco, que então preocupava toda a Europa. O artista contrastou o grupo de gregos cativos sofredores no primeiro plano da imagem com uma mulher perturbada pela dor e uma criança rastejando em direção ao peito de uma mãe morta com figuras arrogantes e cruéis de forças punitivas; Uma cidade em chamas e destruída é visível à distância. A imagem surpreendeu os contemporâneos tanto com o poder de tirar o fôlego do sofrimento humano quanto com seu colorido incomumente ousado e sonoro.
Os acontecimentos da Revolução de Julho de 1830, que culminou na derrota da revolução e na restauração da monarquia, inspiraram Delacroix a criar a conhecida pintura “Liberdade nas Barricadas” (1830). A mulher que hasteou a bandeira tricolor da República Francesa representa a liberdade. A imagem da liberdade nas barricadas é a personificação da luta.
Um representante mundialmente famoso do romantismo foi o artista espanhol Francisco Goya (1746-1828).Goya desenvolveu-se em grande artista relativamente tarde. O seu primeiro sucesso significativo foi-lhe trazido por duas séries (1776-1791) de numerosas tapeçarias criadas para a Real Manufatura de Santa Bárbara em Madrid (“O Guarda-chuva”, “O Guitarrista Cego”, “O Vendedor de Louças”, “O Jogo do Blefe do Cego”, “O Casamento”). Nos anos 90 No século XVIII, na obra de Goya, cresceram traços de tragédia e hostilidade para com a Espanha feudal-clerical da “velha ordem”. Goya revela a feiura dos seus fundamentos morais, espirituais e políticos de forma grotesco-trágica, alimentando-se das origens folclóricas, numa grande série de águas-fortes “Caprichos” (80 folhas com comentários do artista); a ousada novidade da linguagem artística, a expressividade nítida das linhas e traços, os contrastes de luz e sombra, a combinação do grotesco e da realidade, da alegoria e da fantasia, da sátira social e da análise sóbria da realidade abriram novos caminhos para o desenvolvimento da gravura europeia. Na década de 1790 - início de 1800, o retrato de Goya atingiu um florescimento excepcional, em que um alarmante sentimento de solidão (retrato da Senhora Bermudez), o confronto corajoso e o desafio ao meio ambiente (retrato de F. Guillemardet), o aroma do mistério e da sensualidade oculta (Maja vestida " e "Makha nua"). COM poder incrível O artista capturou a arrogância, a miséria física e espiritual da família real no retrato de grupo “A Família de Carlos IV”. Imbuído de historicismo profundo e protesto apaixonado grandes pinturas Goya, dedicado à luta contra a intervenção francesa (“Revolta de 2 de maio de 1808 em Madrid”, “Execução dos rebeldes na noite de 3 de maio de 1808”), uma série de águas-fortes “Desastres da Guerra” (82 folhas , 1810-1820) interpretando filosoficamente o destino do povo.
Francisco Goya “Caprichos”
Se na literatura a subjetividade da percepção do artista revela simbolismo, então na pintura uma descoberta semelhante é feita pelo impressionismo. Impressionismo (da impressão francesa - impressão) - uma direção em Pintura europeia, que se originou na França em meados do século XIX. Os impressionistas evitaram quaisquer detalhes no desenho e tentaram captar a impressão geral do que o olho vê em um determinado momento. Eles conseguiram esse efeito usando cor e textura. O conceito artístico do impressionismo foi construído no desejo de captar de forma natural e natural o mundo que nos rodeia na sua variabilidade, transmitindo as nossas impressões fugazes. Os artistas da escola Barbizon prepararam um terreno fértil para o desenvolvimento do impressionismo: foram os primeiros a pintar esboços da vida. O princípio de “pintar o que você vê na luz e no ar” formou a base da pintura plein air dos impressionistas.
Na década de 1860, os jovens artistas do gênero E. Manet, O. Renoir, E. Degas tentaram insuflar na pintura francesa o frescor e a espontaneidade da observação da vida, a representação de situações instantâneas, a instabilidade e o desequilíbrio de formas e composições, ângulos e pontos de vista inusitados. visualizar . Trabalhar ao ar livre ajudou a criar nas telas a sensação de neve cintilante, a riqueza das cores naturais, a dissolução dos objetos no ambiente, a vibração da luz e do ar. Atenção especial Os artistas impressionistas prestaram atenção à relação de um objeto com seu ambiente, estudando as mudanças na cor e no tom de um objeto em um ambiente em mudança. Ao contrário dos românticos e dos realistas, eles não estavam mais inclinados a retratar o passado histórico. Sua área de interesse era a modernidade. A vida dos pequenos cafés parisienses, das ruas barulhentas, das pitorescas margens do Sena, das estações ferroviárias, das pontes, da beleza discreta das paisagens rurais. Os artistas não querem mais abordar questões sociais urgentes.
A obra de Edouard Manet (1832-1883) precedeu um novo rumo na pintura - o impressionismo, mas o próprio artista não aderiu a este movimento, embora tenha mudado um pouco o seu estilo criativo sob a influência dos impressionistas. Manet declarou seu programa: “Viver o seu tempo e retratar o que você vê à sua frente, descobrindo a verdadeira beleza e poesia no fluxo cotidiano da vida”. Ao mesmo tempo, na maioria das obras de Manet não houve ação, nem mesmo um enredo mínimo. Paris torna-se um tema constante na obra de Manet: a multidão da cidade, os cafés e teatros, as ruas da capital.
Édouard Manet “Bar no Folies Bergère”
Edourd Manet “Música nas Tulherias”
O próprio nome do impressionismo deve sua origem à paisagem de Claude Monet (1840-1926) “Impressão. Nascer do sol".
Na obra de Monet valor principal adquiriu o elemento da luz. Na década de 70. Século XIX Isto inclui o incrível “Boulevard des Capucines”, onde as pinceladas lançadas na tela transmitem a perspectiva de uma rua movimentada que se afasta ao longe, um fluxo interminável de carruagens movendo-se ao longo dela e uma multidão alegre e festiva. Ele pintou muitas pinturas com o mesmo objeto de observação, mas com iluminação diferente. Por exemplo, um palheiro de manhã, ao meio-dia, à noite, durante a lua, na chuva e assim por diante.
Muitas conquistas do impressionismo estão associadas à obra de Pierre Auguste Renoir (1841-1919), que ficou na história da arte como o “pintor da felicidade”. Ele realmente criou em suas pinturas um mundo especial de mulheres cativantes e crianças serenas, natureza alegre e lindas flores. Ao longo de sua vida, Renoir pintou paisagens, mas sua vocação continuou sendo a representação de humanos. Adorava pintar pinturas de gênero, onde com incrível vivacidade recriava a agitação das ruas e avenidas parisienses, a ociosidade dos cafés e teatros, a vivacidade dos passeios pelo campo e das férias ao sol. ar livre. Todas estas pinturas, pintadas ao ar livre, distinguem-se pela sonoridade da cor. A pintura “Moulin de la Galette” (o baile popular no jardim do salão de dança Montmarte) é uma obra-prima do impressionismo de Renoir. Nele se percebe o ritmo animado da dança, o brilho dos rostos jovens. Não há movimentos bruscos na composição, e a sensação de dinâmica é criada pelo ritmo das manchas coloridas. A organização espacial da pintura é interessante: o primeiro plano é dado de cima, as figuras sentadas não obscurecem os dançarinos. Numerosos retratos são dominados por crianças e meninas; estes retratos revelam a sua habilidade: “Menino com Gato”, “Menina com Leque”.
Participante ativo em todas as exposições, Edgar Degas (1834 - 1917) estava longe de todos os princípios dos impressionistas: era um adversário do plein air, não pintava da vida e não se esforçava para captar o caráter dos vários estados de natureza. Um lugar significativo na obra de Degas é ocupado por uma série de pinturas que retratam um corpo feminino nu. Muitas de suas pinturas anos recentes dedicado à “mulher atrás do banheiro”. Em muitas obras, Degas mostra o comportamento e a aparência característicos das pessoas, gerados pelas peculiaridades de sua vida, revela o mecanismo do gesto profissional, da postura, do movimento de uma pessoa, sua beleza plástica (“Mulheres de engomadoria”, “Lavadeiras com Linho ”). A afirmação do significado estético da vida das pessoas e das suas atividades quotidianas reflete o humanismo único da obra de Degas. A arte de Degas é caracterizada por uma combinação do belo, às vezes fantástico, e do prosaico: transmitindo o espírito festivo do teatro em muitas cenas de balé (“Ballet Star”, “Ballet School”, “Dancing Lesson”).
O Pós-Impressionismo abrange o período de 1886, quando foi realizada a última exposição impressionista, na qual as obras dos neo-impressionistas foram apresentadas pela primeira vez, até a década de 1910, que marcou o nascimento de uma arte completamente nova nas formas do cubismo e do fauvismo. O termo “pós-impressionismo” foi introduzido em inglês pelo crítico inglês Roger Fry, expressando a sua impressão geral da exposição de arte contemporânea que organizou em Londres em 1910. Arte francesa, que contou com obras de Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cezanne e outros artistas.
Os pós-impressionistas, muitos dos quais já haviam aderido ao impressionismo, começaram a procurar métodos de expressar não apenas o imediato e o transitório - a cada momento, eles começaram a compreender os estados de longo prazo do mundo circundante. O pós-impressionismo é caracterizado por diferentes sistemas e técnicas criativas que influenciaram o desenvolvimento subsequente Artes visuais. As obras de Van Gogh anteciparam o advento do Expressionismo, Gauguin abriu caminho para o Art Nouveau.
Vincent Van Gogh (1853-1890) criou as imagens artísticas mais vivas através da síntese (combinação) de desenho e cor. A técnica de Van Gogh consiste em pontos, vírgulas, linhas verticais, pontos sólidos. Suas estradas, canteiros e sulcos realmente se estendem ao longe, e os arbustos queimam no chão como fogueiras. Ele retratou não um momento capturado, mas uma continuidade de momentos. Ele retratou não o efeito dado de uma árvore curvada pelo vento, mas o próprio crescimento de uma árvore a partir do solo. Van Gogh sabia como transformar tudo o que é aleatório em cósmico. A alma de Van Gogh exigia cores brilhantes, ele reclamava constantemente com seu irmão sobre a força insuficiente até mesmo de sua cor amarela brilhante favorita.
Starry Night não foi a primeira tentativa de Van Gogh de retratar o céu noturno. Em 1888, em Arles, pintou Noite Estrelada sobre o Ródano. Van Gogh queria retratar uma noite estrelada como um exemplo do poder da imaginação, que pode criar uma natureza mais surpreendente do que podemos perceber quando olhamos para o mundo real.
Uma percepção intensificada da realidade e a instabilidade mental levaram Van Gogh à doença mental. Gauguin chega para ficar em Arles, mas diferenças criativas provocam brigas. Van Gogh joga um copo na cabeça do artista e, depois que Gauguin declara sua intenção de ir embora, ataca-o com uma navalha. Num ataque de loucura, na noite do mesmo dia, o artista corta a orelha (“Autorretrato com Orelha Enfaixada”).
A obra de Paul Gauguin (1848-1903) é inseparável do seu trágico destino. A coisa mais importante no conceito estilístico de Gauguin foi a sua compreensão da cor. Sobre. Taiti, para onde o artista partiu em 1891, sob a influência das formas primitivas da arte polinésia, pintou pinturas caracterizadas pela decoratividade, formas planas e cores excepcionalmente puras. As pinturas “exóticas” de Gauguin - “Você está com ciúmes?”, “O nome dela é Vairaumati”, “Mulher segurando uma fruta” - refletem não tanto as qualidades naturais dos objetos, mas condição emocional artista e significado simbólico as imagens que ele concebeu. A peculiaridade do estilo de pintura de Gauguin reside na pronunciada decoratividade, no desejo de pintar grandes superfícies da tela com uma cor e no amor pela ornamentação, que estava presente em tecidos, roupas, tapetes e fundos de paisagens.
Paul Gauguin “Quando casar” “Mulher segurando uma fruta”
Grande conquista XIX cultura V. é o surgimento da arte da fotografia e do design. A primeira câmera do mundo foi feita em 1839 por Louis Jacques Mande Daguerre.
As primeiras tentativas de Daguerre de fazer uma câmera funcional não tiveram sucesso. Em 1827, ele se encontrou com Joseph Niepce, que também tentou (e até então conseguiu um pouco) mais sucesso) invente a câmera. Dois anos depois tornaram-se sócios. Niépce morreu em 1833, mas Daguerre continuou a trabalhar arduamente. Em 1837, ele finalmente conseguiu desenvolver um sistema fotográfico prático chamado daguerreótipo. A imagem (daguerreótipo) foi obtida em placa de prata tratada com vapor de iodo. Após exposição por 3-4 horas, a placa foi revelada em vapor de mercúrio e fixada com solução quente de sal de cozinha ou hipossulfito. Os daguerreótipos eram muito diferentes alta qualidade imagens, mas apenas uma foto pôde ser obtida.
Em 1839, Daguerre publicou sua invenção, mas não solicitou a patente. Em resposta, o governo francês concedeu a ele e ao filho de Niepce pensões vitalícias. O anúncio da invenção de Daguerre causou grande sensação. Daguerre se tornou o herói da época, a fama caiu sobre ele e o método do daguerreótipo rapidamente encontrou ampla aplicação.
O desenvolvimento da fotografia levou a uma revisão dos princípios artísticos da gráfica, da pintura, da escultura e da arte combinada e do documentário, o que não é alcançável em outras formas de arte. A base para o design foi lançada pela Exposição Industrial Internacional de Londres em 1850. Seu design marcou a reaproximação entre arte e tecnologia e marcou o início de um novo tipo de criatividade.
Louis Daguerre, Nicéphore Niepce e Camera Obscura de Niepce
José Nicéforo Niepce. A primeira fotografia do mundo tirada com uma liga de estanho e chumbo, 1826.
Fotografia de Daguerre “O Estúdio do Artista”, 1837
Na década de 1870, dois inventores, Elisha Gray e Alexander Graham Bell, desenvolveram de forma independente dispositivos que podiam transmitir fala por meio de eletricidade, que mais tarde foram chamados de telefone. Ambos submeteram suas respectivas patentes aos escritórios de patentes, sendo a diferença de tempo de depósito de apenas algumas horas. No entanto, Alexander Graham Bell recebeu a patente primeiro.
O telefone e o telégrafo são sistemas elétricos baseados em fios. O sucesso de Alexander Bell, ou melhor, de sua invenção, foi bastante natural, pois, ao inventar o telefone, ele tentava melhorar o telégrafo. Quando Bell começou a fazer experiências com sinais elétricos, o telégrafo já era usado como meio de comunicação há cerca de 30 anos. Embora o telégrafo fosse um sistema bastante bem-sucedido de transmissão de informações baseado no código Morse, com exibição de letras usando pontos e traços, a grande desvantagem do telégrafo era que a informação se limitava a receber e enviar uma mensagem por vez.
Alexander Bell fala sobre o primeiro modelo de telefone
O primeiro telefone, criado por Alexander Graham Bell, era um dispositivo através do qual os sons da fala humana eram transmitidos por meio de eletricidade (1875). Em 2 de junho de 1875, Alexander Graham Bell, experimentando sua técnica, que chamou de “telégrafo harmônico”, descobriu que podia ouvir som através de um fio. Era o som de um relógio.
O maior sucesso de Bell foi alcançado em 10 de março de 1876. Enquanto conversava por telefone com seu assistente, Thomas Watson, que estava na sala ao lado, Bell pronunciou as palavras que hoje são conhecidas por todos como “Sr. Watson - venha aqui - quero ver você” (Sr. Watson - venha aqui - quero ver você). Nessa época, não só nasceu o telefone, mas também morreu o telégrafo múltiplo. O potencial de comunicação para demonstrar que a eletricidade podia falar era muito diferente daquele que o telégrafo, com o seu sistema de pontos e traços, poderia oferecer.
O conceito de cinema apareceu pela primeira vez em sua versão francesa - “cinematógrafo”, que denotava um sistema de criação e exibição de filmes desenvolvido pelos irmãos Louis Jean e Auguste Lumière. O primeiro filme foi rodado com uma câmera de cinema pelo francês Louis Aimé Augustin Le Prinesy (1842-1890) em novembro de 1888 na Grã-Bretanha e consistia em dois fragmentos: no primeiro - 10-12 fotos por segundo, no segundo - 20 fotos por segundo. Mas considera-se oficialmente que o cinema teve origem em 28 de dezembro de 1895. Neste dia, no salão indiano “Grand Café”, no Boulevard des Capucines (Paris, França), teve lugar a exibição pública de “O Cinematógrafo dos Irmãos Lumière”. Em 1896, os irmãos fizeram uma turnê mundial com sua invenção, visitando Londres, Nova York e Bombaim.
Louis Jean Lumière formou-se em escola industrial, foi fotógrafo e trabalhou em uma fábrica de materiais fotográficos de propriedade de seu pai. Em 1895, Lumière inventou uma câmera de cinema para filmar e projetar “fotografias em movimento”. Seu irmão Auguste Lumière participou ativamente de seu trabalho de invenção do cinema. O aparelho foi patenteado e denominado cinematografia. Os primeiros programas cinematográficos de Lumière exibiam cenas filmadas em locações: “Saída dos Trabalhadores da Fábrica Lumière”, “Chegada de um Trem”, “Café da Manhã da Criança”, “Água” e outras. Curiosamente, a palavra lumiere significa “luz” em francês. Talvez seja um acidente, ou talvez o destino dos cineastas tenha sido decidido com antecedência.
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O pintor alemão Franz Xaver Winterhalter é mais conhecido por seus retratos de belas damas do século XIX. Ele nasceu em 1805 na Alemanha, mas depois de receber Educação vocacional mudou-se para Paris, onde foi nomeado artista da corte real. Toda uma série de retratos de uma família da alta sociedade tornou o artista incrivelmente popular. E tornou-se especialmente popular entre as damas da sociedade, pois combinava habilmente a semelhança do retrato com a capacidade de “apresentar” o objeto de sua obra. No entanto, os críticos o trataram com muita frieza, o que, no entanto, não o impediu de se tornar cada vez mais popular entre as damas da alta sociedade, não só na França, mas em todo o mundo. Alexandre Dumas disse isso sobre ele
As senhoras da Rússia não escaparam do mesmo destino. |
Entre suas obras mais famosas estão os retratos da Imperatriz Eugênia (sua modelo preferida).
e a Imperatriz Isabel da Baviera (1865).
É aqui que precisamos parar e fazer uma pausa...
Como tudo está conectado neste mundo! Os Habsburgos e a vida de Elizabeth, sua relação com a sogra, o destino de seu filho Rudolf e o filme "Mayerling", a história da Áustria-Hungria e o papel de Ava Gardner, e eu, uma pequena provinciana mulher colecionando retratos de Franz e olhando intensamente para o monitor do computador...
Li na enciclopédia sobre a vida de Sissy, sobre seus filhos, lembrei do filme e olhei retratos e fotografias...
Na verdade, a pintura é uma janela para o mundo terreno e para o mundo do conhecimento...
Franz Xaver Winterhalter nasceu em 20 de abril de 1805 na pequena vila de Mensenschwad, na Floresta Negra, Baden. Ele era o sexto filho da família de Fidel Winterhalter, agricultor e fabricante de resinas, e de sua esposa Eva Meyer, que vinha da antiga família Menzenschwand. Dos oito irmãos de Franz, apenas quatro sobreviveram.
Seu pai, embora de origem camponesa, teve significativa influência na vida do artista.
Ao longo de sua vida, Winterhalter esteve intimamente associado à sua família, especialmente ao seu irmão Hermann (1808-1891), que também era artista.
Depois de frequentar a escola no mosteiro beneditino de Blazin em 1818, Winterhalter, de treze anos, deixou Menzenschwand para estudar desenho e gravura.
Estudou litografia e desenho em Freiburg, no ateliê de Karl Ludwig Schuler (1785-1852). Em 1823, aos dezoito anos, com o apoio do industrial Barão von Eichtal, partiu para Munique.
Em 1825, ele recebeu uma bolsa do Grão-Duque de Baden e iniciou um curso na Academia de Artes de Munique sob a direção de Peter Cornelius, mas o jovem artista não gostou de seus métodos de ensino, e Winterhalter conseguiu encontrar outro professor que poderia lhe ensinar arte secular. pintura de retrato, e foi Joseph Stieler.
Ao mesmo tempo, Winterhalter ganhava a vida como litógrafo.
A entrada de Winterhalter nos círculos da corte ocorreu em 1828 em Karlsruhe, quando se tornou professor de desenho da Condessa Sofia de Baden. Uma oportunidade favorável para se dar a conhecer longe do sul da Alemanha surgiu ao artista em 1832, quando, com o apoio do Grão-Duque Leopoldo de Baden, teve a oportunidade de viajar para Itália (1833-1834).
Em Roma, pintou quadros do gênero romântico no estilo de Louis-Leopold Robert e tornou-se próximo do diretor da Academia Francesa, Horace Vernet.
Ao retornar a Karlsruhe, Winterhalter pintou retratos do Grão-Duque Leopoldo de Baden e sua esposa e tornou-se pintor da corte ducal.
No entanto ele deixou Baden e mudou-se para França
onde na exposição de 1836 a atenção foi atraída pela sua pintura de gênero “Il dolce Farniente”,
e um ano depois, Il Decameron também foi elogiado. Ambas as obras são pinturas acadêmicas no estilo de Rafael.
No Salão de 1838 apresentaram um retrato do Príncipe de Wagram com sua filha.
As pinturas foram um sucesso e a carreira de Franz como retratista estava assegurada.
Um ano ele pintou Louise Marie d'Orléans, Rainha da Bélgica e seu filho.
Talvez graças a esta pintura, Winterhalter ficou conhecido por Maria Amália de Nápoles, rainha de França, mãe da rainha belga.
Assim, em Paris, Winterhalter rapidamente se tornou moda. Foi nomeado artista da corte de Luís Filipe, rei da França, que lhe confiou a criação de retratos individuais de sua grande família. Winterhalter teve que atender mais de trinta pedidos para ele.
Este sucesso rendeu ao artista a reputação de especialista em retratos dinásticos e aristocráticos: combinando magistralmente a semelhança precisa do retrato com a lisonja sutil, ele retratou a pompa do Estado de uma maneira moderna e viva. Os pedidos se seguiram um após o outro...
No entanto, nos círculos artísticos, Winterhalter foi tratado de forma diferente.
Os críticos que elogiaram a sua estreia no Salão de 1936 consideraram-no um artista que não podia ser levado a sério. Esta atitude persistiu ao longo da carreira de Winterhalter e destacou o seu trabalho na hierarquia da pintura.
O próprio Winterhalter considerou seu primeiro ordens governamentais como uma etapa temporária antes de retornar à pintura de objetos e restaurar a autoridade acadêmica; ele acabou sendo vítima de seu próprio sucesso e, para sua tranquilidade, teve que trabalhar quase exclusivamente no gênero retrato. Esta foi uma área na qual ele não só foi proficiente e bem-sucedido, mas também conseguiu enriquecer.
Mas Winterhalter recebeu fama internacional e o patrocínio da realeza.
Entre seus muitos modelos reais estava a Rainha Vitória. Winterhalter visitou a Inglaterra pela primeira vez em 1842 e voltou lá várias vezes para pintar retratos de Victoria, do Príncipe Albert e de sua crescente família, criando um total de cerca de 120 obras para eles. A maioria das pinturas está na Coleção Real e está aberta para exibição no Palácio de Buckingham e em outros museus.
Winterhalter também pintou vários retratos de representantes da aristocracia inglesa, a maioria dos quais faziam parte do círculo da corte.
A queda de Louis Philippe em 1848 não teve efeito na reputação do artista. Winterhalter mudou-se para a Suíça e trabalhou em encomendas na Bélgica e na Inglaterra.
Paris continua a ser a cidade natal do artista: uma quebra nas encomendas de retratos em França permitiu-lhe regressar à pintura temática e recorrer às lendas espanholas.
Foi assim que surgiu a pintura “Florinda” (1852, Metropolitan Museum of Art, Nova York), que é uma alegre celebração da beleza feminina.
Neste mesmo ano propôs casamento, mas foi rejeitado; Winterhalter permaneceu solteiro, dedicado ao seu trabalho.
Após a ascensão ao trono de Napoleão III, a popularidade do artista cresceu visivelmente. A partir dessa época, Winterhalter tornou-se o principal retratista da família imperial e da corte francesa.
A bela imperatriz francesa Eugenie tornou-se sua modelo favorita e tratou o artista com bons olhos.
Em 1855, Winterhalter pintou sua obra-prima “Imperatriz Eugenie cercada por suas damas de companhia”, onde ela a retrata em um ambiente rural, colhendo flores com suas damas de companhia. A pintura foi bem recebida, exposta ao público e até hoje continua sendo talvez a obra mais famosa do mestre.
Em 1852 viaja para Espanha para pintar a Rainha Isabel II, trabalhando para a família real portuguesa. Representantes da aristocracia russa que vieram a Paris também ficaram felizes em receber seu retrato do famoso mestre.
Como artista real, Winterhalter era constantemente procurado nas cortes da Grã-Bretanha (desde 1841), Espanha, Bélgica, Rússia, México, Alemanha e França.
O classicismo do século XVIII e início do século XIX (na história da arte estrangeira é frequentemente chamado de neoclassicismo), que se tornou um estilo pan-europeu, também se formou principalmente no seio de cultura francesa, sob forte influência das ideias do Iluminismo. Na arquitetura, foram definidos novos tipos de mansão elegante, edifício público cerimonial, praça aberta da cidade (Gabriel Jacques Ange e Soufflot Jacques Germain), a busca por novas formas de arquitetura desordenadas, o desejo de simplicidade severa na obra de Ledoux Claude Nicolas antecipou a arquitetura da fase tardia do classicismo - Império. O pathos civil e o lirismo foram combinados nas artes plásticas (Pigal Jean Baptiste e Houdon Jean Antoine), nas paisagens decorativas (Robert Hubert). O dramatismo corajoso das imagens históricas e retratísticas é inerente às obras do capítulo Classicismo francês, pintor Jacques Louis David. No século XIX, a pintura do classicismo, apesar das atividades de grandes mestres individuais, como Jean Auguste Dominique Ingres, degenerou em arte de salão erótica apologética oficial ou pretensiosa. Centro Internacional Classicismo europeu O século XVIII e início do século XIX foi Roma, onde as tradições do academicismo com sua combinação característica de nobreza de formas e idealização fria (pintor alemão Anton Raphael Mengs, escultores: o italiano Canova Antonio e o dinamarquês Thorvaldsen Bertel) dominaram principalmente. A arquitetura do classicismo alemão é caracterizada pela severa monumentalidade dos edifícios de Karl Friedrich Schinkel, enquanto a pintura e escultura contemplativa e elegíaca são caracterizadas pelos retratos de August e Wilhelm Tischbein, e pela escultura de Johann Gottfried Schadow. No classicismo inglês destacam-se as estruturas antigas de Robert Adam, as propriedades do parque em estilo palladiano de William Chambers, os desenhos primorosamente austeros de J. Flaxman e as cerâmicas de J. Wedgwood. Versões próprias do classicismo desenvolvidas na cultura artística da Itália, Espanha, Bélgica, países escandinavos e EUA; O classicismo russo das décadas de 1760 a 1840 ocupa um lugar de destaque na história da arte mundial.
No final do primeiro terço do século XIX, o protagonismo do classicismo quase em toda parte foi reduzido a nada e foi substituído por várias formas de ecletismo arquitetônico. Vem à vida tradição artística classicismo no neoclassicismo do final do século XIX - início do século XX.
Jean Auguste Dominique Ingres, (1780-1867) - Artista francês, líder geralmente reconhecido do academicismo europeu do século XIX.
Na obra de Ingres há uma busca pela harmonia pura.
Estudou na Academia de Toulouse belas-Artes. Depois de se formar na academia, mudou-se para Paris, onde em 1797 tornou-se aluno de Jacques-Louis David. Em 1806-1820 estudou e trabalhou em Roma, depois mudou-se para Florença, onde passou mais quatro anos. Em 1824 regressou a Paris e abriu uma escola de pintura. Em 1835 voltou a Roma novamente como diretor da Academia Francesa. De 1841 até o fim da vida viveu em Paris.
O academicismo (academismo francês) é uma tendência da pintura europeia dos séculos XVII-XIX. A pintura acadêmica surgiu durante o período de desenvolvimento das academias de arte na Europa. A base estilística da pintura acadêmica em início do século XIX século foi o classicismo, na segunda metade do século XIX - o ecletismo.
O academicismo cresceu seguindo formas externas arte clássica. Os seguidores caracterizaram este estilo como uma reflexão sobre a forma de arte do antigo mundo antigo e do Renascimento.
Eng. Retratos da família Riviere. 1804-05
Romantismo
Romantismo- um fenômeno gerado pelo sistema burguês. Como visão de mundo e estilo de criatividade artística, reflete suas contradições: a lacuna entre o que deveria ser e o que é, o ideal e a realidade. A consciência da irrealização dos ideais e valores humanísticos do Iluminismo deu origem a duas posições ideológicas alternativas. A essência do primeiro é desprezar a realidade básica e retrair-se na concha dos ideais puros. A essência da segunda é reconhecer a realidade empírica e descartar toda especulação sobre o ideal. O ponto de partida da cosmovisão romântica é a rejeição aberta da realidade, o reconhecimento da lacuna intransponível entre os ideais e a existência real, a irracionalidade do mundo das coisas.É caracterizada por uma atitude negativa em relação à realidade, pessimismo, interpretação das forças históricas como estando fora da realidade real cotidiana, mistificação e mitologização. Tudo isto impulsionou a procura de uma resolução de contradições que não estão em mundo real, mas em um mundo de fantasia.
A cosmovisão romântica abrangia todas as esferas da vida espiritual - ciência, filosofia, arte, religião. Foi expresso de duas maneiras:
A primeira é que nele o mundo aparecia como uma subjetividade cósmica infinita e sem rosto. A energia criativa do espírito atua aqui como o começo que cria a harmonia mundial. Esta versão da cosmovisão romântica é caracterizada por uma imagem panteísta do mundo, otimismo, sentimentos sublimes.
A segunda é que a subjetividade humana é considerada individual e pessoalmente, entendida como o mundo interior e egocêntrico de uma pessoa em conflito com o mundo exterior. Esta atitude é caracterizada pelo pessimismo, uma atitude liricamente triste em relação ao mundo.
O princípio original do romantismo eram “dois mundos”: comparação e contraste dos mundos real e imaginário. A forma de expressar esse mundo dual era o simbolismo.
O simbolismo romântico representou uma combinação orgânica dos mundos ilusório e real, que se manifestou no aparecimento de metáforas, hipérboles e comparações poéticas. O romantismo, apesar de sua estreita ligação com a religião, era caracterizado pelo humor, pela ironia e pelo devaneio. O romantismo declarou a música como modelo e norma para todas as áreas da arte, na qual, segundo os românticos, soava o próprio elemento da vida, o elemento da liberdade e do triunfo dos sentimentos.
O surgimento do romantismo deveu-se a uma série de fatores. Em primeiro lugar, sócio-político: a Revolução Francesa de 1769-1793, as Guerras Napoleónicas, a Guerra da Independência América latina. Em segundo lugar, económica: a revolução industrial, o desenvolvimento do capitalismo. Em terceiro lugar, foi formado sob a influência da filosofia clássica alemã. Em quarto lugar, desenvolveu-se com base e no âmbito dos actuais estilos literários: iluminismo, sentimentalismo.
O romantismo floresceu entre 1795 e 1830. - o período das revoluções europeias e dos movimentos de libertação nacional, e o romantismo manifestou-se de forma especialmente clara na cultura da Alemanha, Inglaterra, Rússia, Itália, França e Espanha.
A tendência romântica teve grande influência no campo humanitário e positivista - nas ciências naturais, tecnologia e prática.
Jean Louis André Theodore Géricault (1791-1824).
Aluno por um curto período de C. Vernet (1808-1810), e depois de P. Guerin (1810-1811), que se incomodou com seus métodos de transmissão da natureza que não estavam de acordo com os princípios da escola de Jacques-Louis David e sua paixão por Rubens, mas posteriormente reconheceu as aspirações de racionalidade de Géricault.
Enquanto servia nos mosqueteiros reais, Géricault pintou principalmente cenas de batalha, mas depois de viajar para a Itália em 1817-19. executou uma grande e complexa pintura “A Jangada da Medusa” (localizada no Louvre, Paris), que se tornou uma negação completa da direção davídica e uma pregação eloquente do realismo. A novidade da trama, o drama profundo da composição e verdade da vida Este trabalho escrito com maestria não foi imediatamente apreciado, mas logo recebeu reconhecimento até mesmo entre os adeptos do estilo acadêmico e trouxe ao artista a fama de um inovador talentoso e corajoso.
Tensão trágica e drama. Em 1818, Géricault trabalhou na pintura “A Jangada da Medusa”, que marcou o início do romantismo francês. Delacroix, posando para o amigo, assistiu ao nascimento de uma composição que quebra todas as ideias habituais sobre pintura. Delacroix lembrou mais tarde que quando viu a pintura finalizada, “deliciado, começou a correr como um louco e não conseguiu parar no caminho para casa”.
O enredo do filme é baseado em um incidente real ocorrido em 2 de julho de 1816 na costa do Senegal. Então, no Argen Shoal, a 40 léguas da costa africana, a fragata Medusa caiu. 140 passageiros e tripulantes tentaram escapar embarcando na jangada. Apenas 15 deles sobreviveram e no décimo segundo dia de peregrinação foram apanhados pelo brigue Argus. Os detalhes da viagem dos sobreviventes chocaram a história moderna. opinião pública, e o próprio acidente se transformou em um escândalo no governo francês devido à incompetência do capitão do navio e às tentativas insuficientes de resgate das vítimas.
Solução figurativa
A gigantesca tela impressiona pelo seu poder expressivo. Géricault conseguiu criar imagem brilhante, combinando em uma imagem os mortos e os vivos, a esperança e o desespero. A imagem foi precedida por um enorme trabalho preparatório. Géricault fez vários esboços de moribundos em hospitais e cadáveres de pessoas executadas. “A Jangada da Medusa” foi a última obra concluída de Géricault.
Em 1818, quando Géricault trabalhava na pintura “A Jangada da Medusa”, que marcou o início do romantismo francês, Eugene Delacroix, posando para o amigo, assistiu ao nascimento de uma composição que quebrou todas as ideias habituais sobre pintura. Delacroix lembrou mais tarde que quando viu a pintura finalizada, “deliciado, começou a correr como um louco e não conseguiu parar no caminho para casa”.
Reação pública
Quando Géricault expôs “A Jangada da Medusa” no Salão de 1819, a pintura despertou a indignação pública, pois o artista, contrariando as normas acadêmicas da época, não utilizou um formato tão grande para retratar uma imagem heróica, moralizante ou clássica. assunto.
A pintura foi adquirida em 1824 e atualmente se encontra na sala 77 do 1º andar da Galeria Denon do Louvre.
Eugène Delacroix(1798 - 1863) - Pintor e artista gráfico francês, chefe direção romântica na pintura europeia.
Mas as verdadeiras universidades para Delacroix eram o Louvre e a comunicação com o jovem pintor Theodore Gericault. No Louvre, ficou fascinado pelas obras dos antigos mestres. Naquela época, ali se viam muitas pinturas que foram capturadas durante as Guerras Napoleônicas e ainda não haviam sido devolvidas aos seus proprietários. O aspirante a artista sentiu-se mais atraído pelos grandes coloristas - Rubens, Veronese e Ticiano. Mas Theodore Gericault teve a maior influência sobre Delacroix.
Em julho de 1830, Paris rebelou-se contra a monarquia Bourbon. Delacroix simpatizava com os rebeldes, e isso reflectiu-se no seu “Liberdade Guiando o Povo” (no nosso país este trabalho também é conhecido como “Liberdade nas Barricadas”). Exposta no Salão de 1831, a pintura despertou forte aprovação do público. O novo governo comprou a pintura, mas imediatamente ordenou a sua remoção; o seu pathos parecia demasiado perigoso.
Sobre a arte da primeira metade do século XIX. influenciado pela Grande Revolução Francesa (1789-1799), pela guerra com Napoleão e pela guerra com a Espanha. Durante este período houve grande progresso na ciência. Principais estilos: estilo Império, romantismo, realismo francês.
Na arquitetura da primeira metade do século XIX, o neoclassicismo viveu seu último apogeu. Em meados do século, o principal problema da arquitetura europeia era a procura do estilo. Como resultado do fascínio romântico pela antiguidade, muitos mestres tentaram reviver as tradições da arquitetura do passado - foi assim que surgiram o neogótico, o neo-renascentista e o neobarroco. Os esforços dos arquitetos muitas vezes levaram ao ecletismo - uma combinação mecânica de elementos de diferentes estilos, antigos e novos. A arquitetura é dominada pela construção de fábricas, escritórios, edifícios residenciais, lojas de departamentos, salas de exposições, bibliotecas, estações ferroviárias, mercados cobertos, bancos, etc. Os bancos são decorados com pórticos gregos antigos, lojas de departamentos - com janelas e torres de lanceta gótica . As fábricas têm a aparência de castelos.
19.1.1 Arte da França
Arquitetura. Durante o Grande revolução Francesa Nem uma única estrutura durável foi construída na França. Esta foi a era das construções temporárias, geralmente de madeira. No início da revolução, a Bastilha foi destruída e os monumentos aos reis foram demolidos. Em 1793, as academias reais, incluindo a Academia de Arquitetura, foram fechadas. Em vez disso, surgiram o Júri Nacional das Artes e o Clube Republicano das Artes, cujas principais tarefas eram a organização de celebrações de massa e o desenho das ruas e praças parisienses.
Um pavilhão foi erguido na Place de la Bastille com a inscrição: “Eles dançam aqui”. A Place Louis XV foi chamada de Place de la Revolution e foi complementada por arcos triunfais, estátuas da Liberdade e fontes com emblemas. O Champs de Mars tornou-se um local de reuniões públicas com o Altar da Pátria no centro. Os Invalides e a sua Catedral tornaram-se um templo da humanidade. As ruas de Paris foram decoradas com novos monumentos.
Também durante os anos da Revolução Francesa, foi formada a Comissão de Artistas, que se empenhou na melhoria da cidade e planejou mudanças em seu aspecto. Ele jogou papel importante na história da arquitetura.
O estilo Império dominou a arte da França napoleônica. O principal empreendimento arquitetônico de Napoleão foi a reconstrução de Paris: pretendia-se ligar os bairros medievais a um sistema de avenidas que cruzavam a cidade ao longo de um eixo leste-oeste. Foram construídos: Avenue des Champs Eysées, Rue de Rivoli, coluna triunfal na Place Vendôme (1806-1810, arquitetos Jean Baptiste Leper, Jacques Gondoin), portões de entrada do Palácio das Tulherias (1806-1807, arquitetos C. Percier, P. F. L. Fontaine), arco triunfal do Grande Exército (1806-1837, arquitetos Jean François Challen e outros).
Pintura. Na primeira metade do século XIX. escola francesa a pintura fortaleceu sua primazia na arte da Europa Ocidental. A França está à frente dos outros países europeus e na democratização da vida artística. Desde 1791, qualquer autor passou a ter o direito de participar de exposições no Salão do Louvre, independentemente de pertencer a academias. Desde 1793, os salões do Louvre foram abertos ao público em geral. A educação acadêmica estatal foi substituída pela formação em oficinas privadas. As autoridades recorreram a métodos mais flexíveis de política artística: a distribuição de grandes encomendas para a decoração de edifícios públicos adquiriu um alcance especial.
Os representantes da pintura do romantismo francês são David, Ingres, Gericault, Delacroix, Gros.
Jacques Louis David (1748-1825) - o representante mais consistente do neoclassicismo na pintura. Estudou na Academia Real de Pintura e Escultura, 1775–1779. visitou a Itália. Em 1781, David foi aceito como membro da Royal Academy e recebeu o direito de participar de suas exposições - os Salões do Louvre. Em 1792, David foi eleito deputado à Convenção, o mais alto órgão legislativo e executivo da Primeira República.
Já em 1776, foi desenvolvido um programa governamental que incentivava a criação de grandes pinturas. David recebeu uma encomenda de uma pintura sobre a façanha de três irmãos da nobre família Horatii - "O Juramento dos Horácios" (1784). A ação do quadro se passa no pátio de uma antiga casa romana: um feixe de luz se derrama de cima sobre os heróis do quadro, com um crepúsculo cinza-oliva ao seu redor. Toda a composição é baseada no número três: três arcos (uma ou mais figuras estão inscritas em cada um dos arcos), três grupos de personagens, três filhos, um alcance de espadas, três mulheres. Os contornos suaves do grupo feminino contrastam com as linhas cinzeladas das figuras guerreiras.
Em 1795-1799 David trabalhou na pintura com seus alunos "Mulheres sabinas parando a batalha entre romanos e sabinos". A artista voltou a escolher um enredo condizente com os tempos modernos: a lenda das mulheres que pararam a guerra entre os romanos (seus maridos) e os sabinos (seus pais e irmãos) soava na França daquela época como um apelo à paz civil. Porém, o enorme quadro, sobrecarregado de figuras, causou apenas o ridículo do público.
Em 1812 partiu para Bruxelas, onde viveu até à sua morte. Ele pintou retratos e trabalha em histórias antigas - “A Morte de Marat” (1793), “Retrato de Madame Recamier” (1800). A pintura “A Morte de Marat” foi concluída pelo artista em menos de três meses e pendurada na sala de reuniões da Convenção. Marat foi morto a facadas em seu apartamento por uma nobre chamada Charlotte Corday. No momento de sua morte, Marat estava sentado no banho: devido a uma doença de pele, foi obrigado a trabalhar e receber visitas. Os lençóis remendados e a simples caixa de madeira que substituiu a mesa não são invenção do artista. No entanto, o próprio Marat, cujo corpo estava desfigurado pela doença, sob o pincel de David, tornou-se um nobre atleta, semelhante a um antigo herói. A simplicidade do cenário confere ao espetáculo uma solenidade trágica especial.
Em uma grande foto "Coroação de Napoleão I e da Imperatriz Josefina na Catedral de Notre Dame, 2 de dezembro de 1804." (1807) David criou outro mito - o brilho do altar e o esplendor das roupas dos cortesãos não afetam o espectador pior do que os móveis miseráveis e os lençóis velhos de Marat.
Jean Auguste Dominique Ingres(1780-1867) foi um defensor dos ideais clássicos, um artista original, alheio a qualquer falsidade, tédio e rotina. Em 1802 recebeu o Prêmio Roma e recebeu o direito de viajar para a Itália. Em 1834 tornou-se diretor da Academia Francesa em Roma. Atingiu a maior habilidade no gênero retrato - "Retrato da Riviera".
Ingres tentou transmitir na pintura as possibilidades decorativas de vários tipos de arte antiga, por exemplo, a expressividade das silhuetas da antiga pintura de vasos gregos - "Édipo e a Esfinge" (1808) E "Júpiter e Tétis" (1811).
Em uma tela monumental “Voto de Luís XIII, pedindo a proteção de Nossa Senhora para o Reino da França” (1824), ele imitou o estilo de pintura de Rafael. A imagem trouxe a Ingres seu primeiro grande sucesso. Na foto "Odalisca e o Escravo" (1839) escolheu uma composição próxima de “Algerian Women in Their Chambers” de Delacroix e resolveu-a à sua maneira. A coloração heterogênea e multicolorida da tela surgiu da paixão do artista pelas miniaturas orientais. Em 1856 Ingres completou a pintura "Fonte", idealizado por ele na década de 20. Na Itália. O corpo gracioso da menina em flor incorpora a pureza e a generosidade do mundo natural.
Theodore Géricault(1791–1824) - fundador do romantismo revolucionário na pintura francesa. A primeira obra exposta no Salão é “Oficial dos guardas montados da guarda imperial em ataque” (“Retrato do Tenente R. Dieudonne”, 1812). O arrojado cavaleiro na tela não posa, mas luta: a rápida diagonal da composição leva-o profundamente na imagem, no calor roxo-azulado da batalha. Nessa época, soube-se da derrota do exército de Napoleão Bonaparte na Rússia. Os sentimentos dos franceses, que conheciam a amargura da derrota, refletiram-se em um novo quadro jovem artista - "Cuirassier ferido saindo do campo de batalha" (1814).
Em 1816-1817 Géricault morou na Itália. O artista ficou especialmente fascinado pelas corridas de cavalos sem sela em Roma. Na série pictórica "Corrida de Cavalos Livres" (1817) tanto a precisão expressiva das reportagens quanto o heroísmo contido no espírito neoclássico estão disponíveis. Nessas obras, seu estilo individual foi finalmente formado: formas poderosas e ásperas são transmitidas por grandes pontos de luz em movimento.
Voltando a Paris, o artista criou uma pintura "A Jangada da Medusa" (1818-1819). Em julho de 1816, perto das ilhas de Cabo Verde, o navio Medusa, sob o comando de um capitão inexperiente que recebeu um cargo sob patrocínio, encalhou. Em seguida, o capitão e sua comitiva partiram em barcos, deixando à mercê do destino a jangada com cento e cinquenta marinheiros e passageiros, dos quais apenas quinze pessoas sobreviveram. No filme, Géricault buscou a máxima verossimilhança. Durante dois anos ele procurou pessoas que sobreviveram à tragédia no oceano, fez esboços em hospitais e necrotérios e pintou esboços do mar em Le Havre. A jangada de sua pintura é levantada por uma onda, o espectador vê imediatamente todas as pessoas amontoadas nela. Em primeiro plano estão figuras de mortos e perturbados; eles são pintados em tamanho real. Os olhares daqueles que ainda não se desesperaram voltam-se para a extremidade da jangada, onde um africano, de pé sobre um barril instável, agita um lenço vermelho para a tripulação do Argus. O desespero ou a esperança enchem as almas dos passageiros da jangada Medusa.
Em 1820-1821 Géricault visitou a Inglaterra. Influenciado pelas obras de Constable, ele escreveu "As corridas em Epsom" (1821). A imagem é permeada de movimento: os cavalos correm, mal tocando o chão, suas figuras fundidas em uma linha rápida; as nuvens baixas estão se movendo, suas sombras se movendo pelo campo úmido. Todos os contornos da paisagem estão desfocados, as cores estão desfocadas. Géricault mostrou o mundo como um jóquei num cavalo a galope o vê.
Eugène Deacroix(1798–1863) - pintor francês. A base da pintura de Delacroix são manchas coloridas que formam uma unidade harmoniosa; Cada mancha, além de sua cor, inclui tonalidades de seus vizinhos.
Delacroix pintou seu primeiro quadro baseado no enredo da “Divina Comédia” de Dante - "Dante e Virgílio" (O Barco de Dante) (1822). Delacroix criou uma pintura "Massacre de Quios" (1824) influenciado pelos eventos da revolução de libertação na Grécia 1821-1829. Em setembro de 1821, as forças punitivas turcas destruíram a população civil de Chios. No primeiro plano da imagem estão as figuras dos condenados Chians em trapos coloridos; o fundo são as silhuetas escuras de turcos armados. A maioria dos cativos é indiferente ao seu destino, apenas as crianças imploram em vão aos pais que os protejam. Um cavaleiro turco arrastando uma garota grega atrás de si parece uma espécie de símbolo de escravidão. Outras figuras não são menos simbólicas: um grego nu e ferido - seu sangue vai para a terra seca, e uma adaga quebrada e uma bolsa esvaziada pelos ladrões jazem nas proximidades.
Após os acontecimentos de julho de 1830 em Paris, Delacroix criou uma pintura "Liberdade liderando o povo (28 de julho de 1830)". O artista deu a um simples episódio de briga de rua um som épico e atemporal. Os rebeldes sobem à barricada recapturados das tropas reais e são liderados pela própria Liberdade. Os críticos a viam como “um cruzamento entre uma comerciante e uma deusa grega antiga”. Há um estilo romântico aqui: a Liberdade é retratada como a deusa da vitória, ela ergue a bandeira tricolor da República Francesa; Uma multidão armada segue. Agora são todos soldados da Liberdade.
Em 1832, Delacroix acompanhou uma missão diplomática à Argélia e ao Marrocos. Ao retornar a Paris, o artista criou uma pintura "Mulheres argelinas em seus aposentos" (1833). As figuras das mulheres são surpreendentemente flexíveis. Rostos dourados e escuros são suavemente delineados, braços suavemente curvados, roupas coloridas se destacam contra o fundo de sombras aveludadas.
Antonio Gros (1771–1835) - Pintor francês, retratista. Gro recusou histórias clássicas- ele foi atraído pela história moderna. Criou uma série de pinturas dedicadas à expedição egípcio-síria do exército napoleônico (1798-1799) - "Bonaparte visitando os atingidos pela peste em Jaffa" (1804). Outras pinturas dedicadas a Napoleão - "Napoleão na Ponte Arcole" (1797), "Napoleão no Campo de Batalha de Eyau" (1808). Gros concluiu a pintura da cúpula do Panteão de Paris em 1825, substituindo a imagem de Napoleão pela figura de Luís XVIII.
