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Renascença - traduzido do francês significa "Renascimento". Isso é exatamente o que chamaram de uma era inteira, simbolizando o florescimento intelectual e artístico Cultura europeia. O Renascimento começou na Itália no início do século XIV, inaugurando o fim da era do declínio cultural e da Idade Média), que se baseava na barbárie e na ignorância, e, desenvolvendo-se, atingiu o seu apogeu no século XVI.

Pela primeira vez um historiógrafo escreveu sobre o Renascimento Origem italiana, pintor e autor de obras sobre a vida de artistas, escultores e arquitetos famosos em início do XVI século.

Inicialmente, o termo "Renascença" significava um determinado período (início do século XIV) da educação nova onda arte. Mas com o tempo, esse conceito adquiriu uma interpretação mais ampla e passou a designar toda uma era de desenvolvimento e formação de uma cultura oposta ao feudalismo.

O período renascentista está intimamente associado ao surgimento de novos estilos e técnicas de pintura na Itália. Há um interesse por imagens antigas. O secularismo e o antropocentrismo são características integrantes das esculturas e pinturas da época. A era renascentista substitui o ascetismo que caracterizou a era medieval. Surge um interesse por tudo o que é mundano, pela beleza ilimitada da natureza e, claro, do homem. Os artistas renascentistas abordaram a visão do corpo humano do ponto de vista científico, tentando resolver tudo nos mínimos detalhes. As imagens tornam-se realistas. A pintura está cheia de estilo único. Ela estabeleceu os cânones básicos do gosto na arte. Um novo conceito de cosmovisão chamado “humanismo” está se difundindo amplamente, segundo o qual o homem é considerado o valor mais elevado.

Período renascentista

O espírito de florescimento está amplamente expresso nas pinturas da época e enche a pintura de uma sensualidade especial. A Renascença liga a cultura à ciência. Os artistas começaram a ver a arte como um ramo do conhecimento, estudando a fundo a fisiologia humana e o mundo circundante. Isso foi feito para exibir de forma mais realista em suas telas a verdade da criação de Deus e os eventos que ocorrem. Muita atenção foi dada à representação de temas religiosos, que adquiriram conteúdo terreno graças à habilidade de gênios como Leonardo da Vinci.

Existem cinco etapas no desenvolvimento da arte renascentista italiana.

Internacional (tribunal) gótico

Originado em início do XIII século, o gótico da corte (ducento) é caracterizado por excessivo colorido, pompa e pretensão. O principal tipo de pintura são as miniaturas representando cenas de altar. Os artistas usam tintas têmpera para criar suas pinturas. O Renascimento é rico em representantes famosos deste período, por exemplo, como os pintores italianos Vittore Carpaccio e Sandro Botticelli.

Período pré-renascentista (proto-renascentista)

A próxima etapa, considerada uma antecipação do Renascimento, é chamada de Proto-Renascimento (trecento) e ocorre no final do século XIII - início do XIV século. Em conexão com o rápido desenvolvimento da visão de mundo humanística, a pintura deste período histórico revela o mundo interior de uma pessoa, sua alma, tem um significado psicológico profundo, mas ao mesmo tempo possui uma estrutura simples e clara. As tramas religiosas ficam em segundo plano, e as seculares passam a ser protagonistas, e o personagem principal é uma pessoa com seus sentimentos, expressões faciais e gestos. Surgem os primeiros retratos do Renascimento italiano, substituindo os ícones. Artistas famosos deste período são Giotto, Pietro Lorenzetti.

Início da Renascença

No início começa a fase do início do Renascimento (quattrocento), simbolizando o florescimento da pintura com a ausência de temas religiosos. Os rostos dos ícones adquirem aparência humana, e a paisagem, como gênero da pintura, ocupa um nicho à parte. Fundador cultura artística do início da Renascença é Mosaccio, cujo conceito é baseado na intelectualidade. Suas pinturas têm alto realismo. Grandes mestres exploraram perspectiva aérea, anatomia e conhecimentos utilizados em suas criações, nas quais é possível visualizar o espaço tridimensional correto. Os representantes do início do Renascimento são Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Pollaiolo, Verrocchio.

Alta Renascença ou "Idade de Ouro"

A partir do final do século XV, iniciou-se a fase do alto Renascimento (cinquecento) que durou relativamente pouco, até ao início do século XVI. Veneza e Roma tornaram-se seus centros. Os artistas estão expandindo seus horizontes ideológicos e se interessando pelo espaço. O homem aparece como um herói, perfeito tanto espiritual quanto fisicamente. Figuras desta época são consideradas Leonardo da Vinci, Rafael, Ticiano Vecellio, Michelangelo Buonarrotti e outros. O grande artista Leonardo da Vinci era um “homem universal” e estava em constante busca pela verdade. Enquanto se dedicava à escultura, ao teatro e a vários experimentos científicos, ele conseguiu encontrar tempo para pintar. A criação “Madonna das Rochas” reflete claramente o estilo claro-escuro criado pelo pintor, onde a combinação de luz e sombra cria um efeito tridimensional, e a famosa “La Giaconda” é feita na técnica “smuffato”, criando o ilusão de neblina.

Renascença tardia

Durante o final do Renascimento, ocorrido no início do século XVI, a cidade de Roma foi capturada e saqueada pelas tropas alemãs. Este evento marcou o início de uma era de extinção. O centro cultural romano deixou de ser o padroeiro das figuras mais famosas, e estas foram obrigadas a partir para outras cidades da Europa. Como resultado da crescente inconsistência de pontos de vista entre a fé cristã e o humanismo no final do século XV, o maneirismo tornou-se o estilo predominante que caracteriza a pintura. O Renascimento está gradualmente chegando ao fim, à medida que a base deste estiloÉ considerada uma bela maneira que ofusca as ideias sobre a harmonia do mundo, a verdade e a onipotência da razão. A criatividade torna-se complexa e assume características de confronto entre diferentes direções. Obras brilhantes pertencem a artistas famosos como Paolo Veronese, Tinoretto, Jacopo Pontormo (Carrucci).

A Itália tornou-se um centro cultural da pintura e presenteou o mundo com artistas brilhantes deste período, cujas pinturas ainda hoje evocam deleite emocional.

Além da Itália, o desenvolvimento da arte e da pintura teve um lugar importante em outros países europeus. Este movimento recebeu o nome: Particularmente digna de nota é a pintura da França durante o Renascimento, que cresceu em seu próprio solo. O fim da Guerra dos Cem Anos causou um aumento na autoconsciência universal e no desenvolvimento do humanismo. Há realismo, conexão com conhecimento científico, atração por imagens da antiguidade. Todas as características listadas o aproximam do italiano, mas a presença de uma nota trágica nas pinturas é uma diferença significativa. Artistas famosos do Renascimento na França são Enguerrand Charonton, Nicolas Froment, Jean Fouquet, Jean Clouet, o Velho.

O Renascimento foi uma etapa significativa no desenvolvimento da cultura francesa. Nesta altura, as relações burguesas desenvolviam-se rapidamente no país e o poder monárquico estava a fortalecer-se. A ideologia religiosa da Idade Média está gradualmente sendo empurrada para segundo plano pela visão de mundo humanista. Grande papel em vida cultural França começa a jogar arte secular. O realismo da arte francesa, a ligação com o conhecimento científico e o apelo às ideias e imagens da antiguidade aproximam-na do italiano. Ao mesmo tempo, o Renascimento na França tem um aspecto único, em que o humanismo renascentista se combina com elementos de tragédia nascidos das contradições da situação atual do país.

Como resultado de muitas derrotas da França durante a Guerra dos Cem Anos com a Inglaterra, que durou de 1337 a 1453, a anarquia feudal reinou no país. O campesinato, esmagado por impostos insuportáveis ​​e pelas atrocidades dos ocupantes, levantou-se para lutar contra os seus opressores. O movimento de libertação irrompeu com particular força no momento em que as tropas britânicas, que haviam capturado o norte da França, se dirigiam para Orleans. Os sentimentos patrióticos resultaram na atuação de camponeses e cavaleiros franceses sob a liderança de Joana d'Arc contra as tropas inglesas. Os rebeldes obtiveram várias vitórias brilhantes. O movimento não parou mesmo quando Joana d'Arc foi capturada e, com o consentimento tácito do rei francês Carlos VII, queimada na fogueira pelo clero.

Como resultado da longa luta do povo contra os invasores estrangeiros, a França foi libertada. A monarquia usou esta vitória para seus próprios fins, mas a posição do povo vitorioso permaneceu difícil.

Na segunda metade do século XV. Graças aos esforços de Luís XI, a França tornou-se politicamente unificada. A economia do país desenvolveu-se, a ciência e a educação melhoraram, estabeleceram-se relações comerciais com outros estados e especialmente com a Itália, de onde a cultura penetrou na França. Em 1470, foi inaugurada uma gráfica em Paris, onde, junto com outros livros, começaram a imprimir obras de humanistas italianos.

Está se desenvolvendo a arte das miniaturas de livros, nas quais imagens místicas e religiosas foram substituídas por ideias realistas sobre o mundo que nos rodeia. Os talentosos artistas já mencionados acima - os irmãos Limburg - trabalham na corte do Duque da Borgonha. Famosos mestres holandeses trabalharam na Borgonha (pintores van Eyck irmãos, escultor Sluter), portanto nesta província a influência do Renascimento holandês é perceptível na arte dos mestres franceses, enquanto em outras províncias, por exemplo na Provença, a influência do italiano O Renascimento aumentou.

Um dos maiores representantes do Renascimento francês foi o artista Enguerrand Charonton, que trabalhou na Provença, que pintou obras monumentais e complexas. construção composicional telas nas quais, apesar da temática religiosa, manifestava claramente o interesse pelo homem e pela realidade que o rodeava (“Madona da Misericórdia”, “Coroação de Maria”, 1453). Embora as pinturas de Sharonton se distinguissem pela sua decoratividade (linhas refinadas conectadas em um ornamento fantasioso, composição simétrica), cenas cotidianas detalhadas, paisagens e figuras humanas ocupavam nelas um lugar importante. Nos rostos dos santos e de Maria, o espectador pode ler os sentimentos e pensamentos que os possuem, e aprender muito sobre o caráter dos heróis.

O mesmo interesse pela paisagem, em transmitir cuidadosamente todos os detalhes da composição, distingue as obras de altar de outro artista provençal - Nicolas Froment (“A Ressurreição de Lázaro”, “A Sarça Ardente”, 1476).

As características do novo na arte francesa manifestaram-se de forma especialmente clara no trabalho de artistas da escola do Loire, que trabalharam na parte central da França (no vale do rio Loire). Muitos representantes desta escola viveram na cidade de Tours, onde no século XV. foi a residência do rei francês. Um dos pintores mais importantes desta época, Jean Fouquet, era residente em Tours.

Jean Fouquét

Jean Fouquet nasceu por volta de 1420 em Tours, na família de um padre. Estudou pintura em Paris e, possivelmente, em Nantes. Ele trabalhou em Tours como artista da corte do rei Carlos VII e depois de Luís XI. Ele tinha uma grande oficina onde eram executadas as ordens da corte real.

Fouquet viveu vários anos na Itália, em Roma, onde conheceu a obra de mestres italianos. Mas, apesar de em suas obras, especialmente nas primeiras, ser perceptível a influência da arte italiana e holandesa, o artista rapidamente desenvolveu um estilo próprio e único.

A arte de Fouquet manifestou-se mais claramente no gênero retrato. Os retratos criados pelo artista Carlos VII e seus ministros são realistas e verdadeiros, não há neles lisonja nem idealização. Embora a forma de execução destas obras lembre em muitos aspectos as pinturas de pintores holandeses, os retratos de Fouquet são mais monumentais e significativos.

Na maioria das vezes, Fouquet retratou seus modelos em momentos de oração, de modo que os heróis de suas obras parecem imersos em seus próprios pensamentos, parecem não perceber nem o que está acontecendo ao seu redor nem o público. Seus retratos não se distinguem pela pompa cerimonial e pelo luxo dos acessórios, as imagens neles são comuns, prosaicas e góticas estáticas.

O retrato de Carlos VII (c. 1445) traz a inscrição: “Rei Mais Vitorioso da França”. Mas Fouquet retratou o rei de forma tão confiável e verdadeira que não há absolutamente nenhuma indicação de sua vitória: a imagem mostra um homem frágil e Pessoa feia, em cuja aparência não há nada de heróico. O espectador vê diante de si um egoísta, farto da vida e cansado do entretenimento, com olhos pequenos, nariz grande e lábios carnudos.

O retrato de um dos cortesãos mais influentes do rei, Juvenel des Urzens, também é verdadeiro e até impiedoso.
(c. 1460). A pintura retrata um homem obeso com o rosto inchado e uma aparência presunçosa. O retrato de Luís XI também é realista. O artista não tentou embelezar seus modelos de forma alguma, ele os retratou exatamente como eram em vida.

Isto é confirmado por numerosos desenhos a lápis que precederam retrato pitoresco sou.

A obra-prima de Fouquet foi um díptico escrito por volta de 1450, uma parte do qual retrata Etienne Chevalier com São Pedro. Stephen, e por outro - Madonna e Menino Jesus. Maria surpreende com sua graça e beleza serena. Os corpos pálidos da Madona com o Menino, o vestido cinza-azulado e o manto de arminho de Maria contrastam fortemente com as figuras vermelhas brilhantes dos anjinhos que cercam o trono. As linhas claras, o colorido lacônico e rigoroso da pintura conferem solenidade e expressividade à imagem.

As imagens da segunda parte do díptico distinguem-se pela mesma clareza estrita e profundidade interior. Seus personagens são atenciosos e calmos, suas aparências refletem traços de caráter brilhantes. Stefan fica de pé de forma livre e simples, retratado como um homem de verdade, não um santo. Sua mão repousa protetoramente sobre o ombro de Etienne Chevalier, um tanto constrangido, que é representado pelo artista no momento da oração.

O Cavaleiro é um homem idoso com rosto cheio de rugas, nariz adunco e olhar severo em olhos pequenos. Provavelmente era exatamente assim que ele era em vida. Tal como a pintura com a Madonna, esta parte do díptico distingue-se pela integridade da composição, pela riqueza e sonoridade da cor, baseada em tons vermelhos, dourados e lilases.

As miniaturas ocupam um lugar de destaque na obra de Fouquet. Estas obras do artista são muito semelhantes às obras dos irmãos Limburg, mas são mais realistas na representação do mundo circundante.

Fouquet criou ilustrações maravilhosas para as “Grandes Crônicas Francesas” (final da década de 1450), o Livro das Horas de Etienne Chevalier (1452-1460), as “Novelas” de Boccaccio (c. 1460), as “Antiguidades dos Judeus” de Josefo (c. 1470). Nas miniaturas que retratam cenas religiosas, antigas ou da vida italiana, é possível discernir cidades francesas contemporâneas do artista, com ruas tranquilas e Grandes áreas, prados, colinas, margens de rios da bela terra natal do pintor, maravilhosa monumentos arquitetônicos França, incluindo a Catedral de Notre Dame, Sainte-Chapelle.

As miniaturas quase sempre contêm figuras humanas. Fouquet adorava retratar cenas da vida camponesa, urbana e da corte, e episódios de batalhas da guerra recentemente encerrada. Em algumas miniaturas é possível ver retratos de contemporâneos do artista (“Representação de Nossa Senhora de Etienne Chevalier”).

Fouquet é um cronista talentoso; suas obras descrevem com incrível precisão, detalhes e verdade eventos históricos. Trata-se da miniatura “O Julgamento do Duque de Alençon em 1458”, representando mais de duzentos caracteres numa só folha. Apesar do grande número de figuras, a imagem não se funde e a composição permanece clara e nítida. Os personagens em primeiro plano parecem especialmente vivos e naturais - os habitantes da cidade que vieram assistir ao julgamento, os guardas que reprimem a pressão da multidão. O esquema de cores faz muito sucesso: a parte central da composição é destacada pelo fundo azul do tapete que cobre a sede do julgamento. Outros tapetes com belos padrões, tapeçarias e plantas enfatizam a expressividade da miniatura e conferem-lhe uma beleza especial.

As obras de Fouquet atestam a capacidade de seu autor de transmitir o espaço com maestria. Por exemplo, sua miniatura “St. Martin" (Livro de Horas de Etienne Chevalier) retrata a ponte, o aterro, as casas e as pontes com tanta precisão e autenticidade que é fácil reconstruir a aparência de Paris durante o reinado de Carlos VII.

Muitas das miniaturas de Fouquet distinguem-se pelo seu lirismo sutil, criado graças à paisagem poética e calma (folha “David fica sabendo da morte de Saulo” de “Antiguidades dos Judeus”).

Fouquet morreu entre 1477-1481. Muito popular em vida, o artista foi rapidamente esquecido pelos compatriotas. Sua arte só recebeu uma avaliação digna muitos anos depois, em final do século XIX V.

Um dos artistas mais famosos do final do século XV. foi Jean Clouet, o Velho, também conhecido como o Mestre de Moulins. Até 1475 trabalhou em Bruxelas e depois mudou-se para Moulins. Por volta de 1498-1499 Jean Clouet, o Velho, apresentou seu maior desempenho trabalho significativo- um tríptico para a Catedral de Moulins, na ala central da qual é apresentada a cena “Nossa Senhora na Glória”, e na lateral – retratos de clientes com santos padroeiros.

A parte central representa a Madona com o Menino, acima de cuja cabeça os anjos seguram uma coroa. Provavelmente, Clouet usou uma garota francesa, frágil e bonita, como modelo para a imagem artística de Maria. Ao mesmo tempo, a abstração do conceito do autor e os efeitos decorativos (círculos concêntricos em torno de Maria, anjos formando uma guirlanda nas bordas da tela) conferem à obra alguma semelhança com a arte gótica.

Grande interesse representam belas paisagens que Jean Clouet, o Velho, coloca em composições com temas religiosos. Ao lado das figuras de santos nessas obras estão imagens de retrato clientes. Por exemplo, na tela “A Natividade” (1480), à direita de Maria você pode ver o Chanceler Rolin cruzando as mãos em oração.

Na segunda metade do século XV. Simon Marmion também trabalhou na França, realizando uma série de composições de altar e miniaturas, entre as quais a sua obra mais famosa são as ilustrações para as “Grandes Crónicas Francesas”, e Jean Bourdichon, retratista e miniaturista que criou maravilhosas miniaturas para o Livro das Horas de Ana de Bretão.

O maior artista desta época foi Jean Perreal, que dirigiu a escola de pintura de Lyon. Ele não era apenas um artista, mas também um escritor, arquiteto e matemático. Sua fama foi além da França e se espalhou pela Inglaterra, Alemanha e Itália. Perreal serviu sob o rei Carlos VIII e Francisco I, e em Lyon atuou como especialista em construção. Vários de seus retratos foram preservados, incluindo o retrato de Maria Tudor (1514), Luís XII e Carlos VIII. Uma das melhores obras de Perreal é a charmosa e poética “Menina com Flor”. Também interessantes são as suas pinturas da catedral de Puy, nas quais, juntamente com obras religiosas e imagens antigas o artista colocou retratos de humanistas franceses, entre eles destaca-se a imagem de Erasmo de Rotterdam.

No início do século XVI. A França era o maior estado (em área e população) da Europa Ocidental. Por esta altura, a situação dos camponeses tinha sido um pouco facilitada e as primeiras formas capitalistas de produção tinham surgido. Mas a burguesia francesa ainda não atingiu o nível para ocupar posições de poder no país, como aconteceu em Cidades italianas nos séculos XIV-XV.

Esta época foi marcada não apenas por transformações na economia e na política da França, mas também pela ampla disseminação das ideias humanísticas da Renascença, que foram mais plenamente representadas na literatura, nas obras de Ronsard, Rabelais, Montaigne e Du Bellay. Montaigne, por exemplo, considerava a arte o principal meio de educação de uma pessoa.

Tal como na Alemanha, o desenvolvimento da arte esteve intimamente ligado ao movimento reformista dirigido contra a Igreja Católica. Os camponeses insatisfeitos com a sua situação, bem como as classes populares urbanas e a burguesia participaram neste movimento. Depois de uma longa luta foi suprimido, o catolicismo manteve a sua posição. Embora a Reforma tenha tido apenas um impacto limitado na arte, as suas ideias penetraram entre os artistas humanistas. Muitos pintores e escultores franceses eram protestantes.

Os centros da cultura renascentista foram cidades como Paris, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges e Lyon. O rei Francisco I desempenhou um papel importante na divulgação das ideias renascentistas, convidando artistas, poetas e cientistas franceses para a sua corte. Leonardo da Vinci e Andrea del Sarto trabalharam na corte real durante vários anos. Em torno da irmã de Francisco, Margarida de Navarra, que estava empenhada em atividade literária, poetas e escritores humanistas unidos, promovendo novas visões sobre a arte e a ordem mundial. Na década de 1530. Os maneiristas italianos fundaram uma escola de pintura secular em Fontainebleau, que teve uma influência significativa no desenvolvimento das belas-artes francesas.

Lugar importante na pintura francesa da primeira metade do século XVI. ocupada pela arte dos artistas Giovanni Battista Rosso, Niccolo del Abbate e Francesco Primaticcio convidados da Itália para pintar o palácio real de Fontainebleau. O lugar central em seus afrescos era ocupado por temas mitológicos, alegóricos e históricos, que incluíam imagens de figuras femininas nuas, que não eram encontradas nas pinturas dos mestres franceses da época. A arte refinada e graciosa, embora um tanto educada, dos italianos teve grande influência em muitos artistas franceses, que deram origem a um movimento denominado escola de Fontainebleau.

A arte do retrato deste período é de grande interesse. Os retratistas franceses deram continuidade às melhores tradições dos mestres do século XV e, sobretudo, de Jean Fouquet e Jean Clouet, o Velho.

Os retratos eram difundidos não apenas na corte; as imagens a lápis desempenhavam o papel de fotografias modernas em muitas famílias francesas. Esses desenhos eram frequentemente distinguidos pelo virtuosismo de execução e pela autenticidade na transmissão de traços de caráter humano.

Os retratos a lápis eram populares em outros países europeus, por exemplo, na Alemanha e na Holanda, mas lá desempenhavam o papel de um esboço que precedeu um retrato pintado, e na França tais obras tornaram-se um gênero independente.

O maior pintor de retratos francês desta época foi Jean Clouet, o Jovem.

Jean Clouet, o Jovem

Jean Clouet, o Jovem, filho de Jean Clouet, o Velho, nascido c. 1485 Pai tornou-se seu primeiro professor de pintura. Poucas informações sobre a vida do artista foram preservadas, sabe-se apenas que a partir de 1516 Jean Clouet, o Jovem, trabalhou em Tours, e a partir de 1529 em Paris, onde ocupou o cargo de artista da corte.

Os retratos de Jean Clouet, o Jovem, são surpreendentemente autênticos e verdadeiros. Estas são as imagens a lápis dos cortesãos: Diane de Poitiers, Guillaume Gouffier, Anne Montmorency. O artista pintou mais de uma vez alguns associados do rei: três retratos de Guyot de Genouillac, participante da Batalha de Marignano, executados em 1516, 1525 e 1526, e dois retratos do marechal Brissac, datados de 1531 e 1537, têm sobreviveu até hoje. Um de seus melhores retratos a lápis é a imagem do Conde d’Etang (c. 1519), na qual é perceptível o desejo do mestre de penetrar nas profundezas
mundo interior pessoa. O retrato de Erasmo de Rotterdam (1520) também é notável, surpreendentemente vital e espiritual.

Jean Clouet, o Jovem, tinha excelente domínio não só do lápis, mas também do pincel. Isto é comprovado pelas poucas pinturas que sobreviveram até hoje. Entre eles está um retrato do Delfim Francisco (c. 1519), Duque Claude de Guise (c. 1525), Louis de Cleves (1530).

As imagens nos solenes retratos cerimoniais da pequena Carlota de França (c. 1520) e de Francisco I a cavalo (1540) são um tanto idealizadas. De grande interesse é o retrato íntimo de Madame
Canapelle (c. 1523), representando um sensual linda mulher com um sorriso malicioso nos lábios ternos e um retrato simples e severo de um homem desconhecido com um volume de Petrarca na mão.

Alguns pesquisadores acreditam que o retrato de Francisco I, atualmente guardado no Louvre, foi pintado por Jean Clouet, o Jovem. Esta versão é confirmada por um desenho do artista, embora seja possível que tenha servido de modelo a um dos alunos de Jean Clouet, o Jovem (por exemplo, seu filho François Clouet) para a criação de um retrato pitoresco do rei.

O retrato de Francisco I do Louvre combinava solenidade, decoratividade e o desejo de refletir as características individuais do modelo - o rei cavaleiro, como Francisco era chamado por seus contemporâneos. O esplendor do cenário e o rico traje do rei, o brilho dos acessórios - tudo isso dá esplendor ao quadro, mas não ofusca a diversa gama de sentimentos humanos e traços de caráter que podem ser lidos no olhar de Francisco: traição , vaidade, ambição, coragem. O retrato mostrou a habilidade de observação do artista, sua capacidade de perceber com precisão e verdade aquilo que distingue uma pessoa da outra.

Jean Clouet, o Jovem, morreu em 1541. Seu trabalho (especialmente seus desenhos) teve grande influência sobre numerosos estudantes e seguidores, entre os quais talvez o mais talentoso foi seu filho François Clouet, a quem Ronsard em sua “Elegia a Jean” (os contemporâneos de Jean chamavam todos eles representantes da família Clouet) chamada “a honra da nossa França”.

François Clouet

François Clouet nasceu por volta de 1516 em Tours. Estudou com o pai, Jean Clouet, o Jovem, e ajudou-o no cumprimento de encomendas. Após a morte de seu pai, ele herdou do rei sua posição como pintor da corte.

Embora a influência de Jean Clouet, o Jovem, bem como dos mestres italianos, seja perceptível na obra de François Clouet, seu Estilo de arte distingue-se pela sua originalidade e personalidade forte.

Uma das melhores obras de François Clouet é a pintura “Mulher que toma banho” (c. 1571), que na sua forma de execução lembra um pouco a pintura da escola de Fontainebleau. Ao mesmo tempo, ao contrário das composições mitológicas desta escola, gravita em torno do gênero retrato. Alguns historiadores da arte acreditam que a pintura retrata Diane de Poitiers, enquanto outros acreditam que esta seja a amada de Carlos IX, Marie Touchet. A composição contém elementos de gênero: a pintura retrata uma mulher em uma banheira, ao lado da qual está uma criança e uma enfermeira com um bebê nos braços; ao fundo, uma empregada aquecendo água para banho. Ao mesmo tempo, graças à estrutura composicional especial e ao retrato óbvio na interpretação da imagem de uma jovem olhando para o espectador com o sorriso frio de uma brilhante dama da sociedade, a tela não dá a impressão de uma cena cotidiana comum. .

A notável habilidade de François Clouet é evidente em seu retratos. Dele primeiros retratos em muitos aspectos, lembra as obras de seu pai, Jean Clouet, o Jovem. Em obras mais maduras pode-se sentir maneira original Mestre francês. Embora na sua maioria estes retratos se caracterizem pela pompa e solenidade, o brilho dos acessórios e o luxo dos trajes e cortinas não impedem o artista de apresentar ao espectador as características vividamente individuais dos seus modelos.

Vários retratos de Carlos IX pintados por François Clouet sobreviveram. Em um dos primeiros retratos a lápis de 1559, o artista retratou um adolescente presunçoso, olhando importante para o observador. O desenho de 1561 mostra um jovem retraído, ligeiramente algemado, vestido com terno formal. O pitoresco retrato, executado em 1566, mostra ao espectador Carlos IX em pleno crescimento. Em sua figura frágil e rosto pálido, o artista percebeu os principais traços de seu personagem: indecisão, falta de vontade, irritabilidade, teimosia egoísta.

Um dos mais trabalhos maravilhosos Arte francesa do século XVI. O retrato de Isabel da Áustria, pintado por François Clouet por volta de 1571, tornou-se um retrato pitoresco. A pintura retrata uma jovem com um vestido magnífico, decorado com joias brilhantes. Seu lindo rosto está voltado para o observador e seus expressivos olhos escuros parecem cautelosos e desconfiados. A riqueza e a harmonia das cores fazem da tela uma verdadeira obra-prima da pintura francesa.

Um retrato íntimo foi pintado de forma diferente, no qual François Clouet retratou seu amigo, o farmacêutico Pierre Cute
(1562). O artista colocou o herói em seu ambiente habitual de escritório, próximo à mesa onde fica o herbário. Em comparação com o trabalho anterior, a pintura distingue-se por um esquema de cores mais contido, construído numa combinação de tons dourados, verdes e pretos.

De grande interesse são os retratos a lápis de François Clouet, entre os quais se destaca o retrato de Jeanne d'Albret, representando uma jovem elegante, em cujo olhar o espectador pode assumir um carácter forte e decisivo.

No período de 1550 a 1560 François Clouet criou muitos retratos gráficos incluindo belos desenhos representando o pequeno Francisco II a alegre e encantadora menina Margarida de Valois Maria Stuart
Gaspard Coligny, Henrique II. Embora algumas imagens sejam um tanto idealizadas, Característica principal os retratos permanecem com seu realismo e veracidade. A artista utiliza diversas técnicas: sanguíneo, aquarela, traços pequenos e leves.

François Clouet morreu em 1572 em Paris. Sua arte teve grande influência sobre artistas contemporâneos e artistas gráficos, bem como sobre mestres franceses das gerações subsequentes.

Um excelente retratista foi Corneille de Lyon, que trabalhou em Lyon, que pintou imagens femininas sutis e espirituais (“Retrato de Beatrice Pacheco”, 1545; “Retrato da Rainha Claude”), distinguidas por um desenho quase em miniatura e esmaltes sutis e sonoros cores.

Os retratos simples e sinceros de crianças e homens de Corneille de Lyon caracterizam-se pela capacidade de revelar a profundidade do mundo interior do modelo, a veracidade e naturalidade das poses e gestos (“Retrato de um Menino”, “Retrato de um Homem Desconhecido com um Barba Negra").

De meados do século XVI. Talentosos retratistas a lápis trabalharam na França: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, que deram continuidade às tradições do famoso François Clouet. Excelentes retratistas que trabalharam com técnicas gráficas foram os irmãos Etienne e Pierre Dumoustier.

O início do Renascimento francês remonta a meados do século XV. Foi precedido pelo processo de formação da nação francesa e pela formação de um Estado nacional. No trono real está o representante da nova dinastia - Valois. As campanhas dos reis franceses na Itália apresentaram aos artistas as conquistas da arte italiana. As tradições góticas e as tendências holandesas na arte estão sendo suplantadas Renascença italiana. O Renascimento francês teve o caráter de uma cultura da corte, cujas bases foram lançadas por reis patronos, começando com Carlos V.

O maior criador Início da Renascença Jean Fouquet (1420-1481) é considerado o pintor da corte de Carlos VII e Luís XI. Ele também é chamado de grande mestre Renascença Francesa. Ele foi o primeiro na França a incorporar consistentemente os princípios estéticos do Quattrocento italiano, que pressupunham principalmente uma visão clara e racional. mundo real e compreensão da natureza das coisas através do conhecimento de suas leis internas. A maior parte da herança criativa de Fouquet consiste em miniaturas de livros de horas. Além disso, pintou paisagens, retratos e pinturas de temas históricos. Fouquet foi o único artista de seu tempo que possuía uma visão épica da história, cuja grandeza era proporcional à Bíblia e à antiguidade.

No início do século 16, a França se tornou o maior estado absolutista Europa Ocidental. A corte real tornou-se o centro da vida cultural, e os primeiros conhecedores e conhecedores da beleza foram pessoas próximas a ele e a comitiva real. Sob Francisco I, admirador do grande Leonardo da Vinci, a arte italiana tornou-se moda oficial. Os maneiristas italianos Rosso e Primaticcio, convidados por Margarida de Navarra, irmã de Francisco I, fundaram a escola de Fontainebleau em 1530. Este termo é normalmente usado para descrever um movimento da pintura francesa que surgiu no século XVI no castelo de Fontainebleau. Além disso, é utilizado em relação a obras sobre temas mitológicos, às vezes voluptuosos, e a intrincadas alegorias criadas artistas desconhecidos e também voltando ao maneirismo. A Escola de Fontainebleau tornou-se famosa por criar majestosas pinturas decorativas dos conjuntos do castelo.

No século 16, foram lançadas as bases da língua literária francesa e do alto estilo. O poeta francês Joachin Du Bellay (c. 1522-1560) publicou em 1549 um manifesto programático “Defesa e Glorificação Francês" Ele e o poeta Pierre de Ronsard (1524-1585) foram os mais representantes proeminentes Escola poética francesa do Renascimento - "Plêiades", que tinha como objetivo elevar a língua francesa ao mesmo nível das línguas clássicas - grego e latim. Os poetas das Plêiades foram guiados pela literatura antiga.

Entre os destacados representantes do Renascimento francês estava também o escritor humanista francês François Rabelais (1494-1553). Seu romance satírico “Gargântua e Pantagruel” é um monumento cultural enciclopédico do Renascimento francês. A obra é baseada em livros folclóricos sobre gigantes que foram muito difundidos no século XVI (os gigantes Gargântua, Pantagruel, o buscador da verdade Panurge). Rejeitando o ascetismo medieval, as restrições à liberdade espiritual, a hipocrisia e o preconceito, Rabelais revela os ideais humanistas de sua época nas imagens grotescas de seus heróis.

O grande filósofo humanista Michel de Montaigne (1533-1592) pôs fim ao desenvolvimento cultural da França no século XVI. O livro de ensaios, marcado pelo pensamento livre e por uma espécie de humanismo cético, apresenta um conjunto de julgamentos sobre os costumes cotidianos e os princípios do comportamento humano em diversas circunstâncias. Compartilhando a ideia do prazer como objetivo da existência humana, Montaigne o interpreta no espírito epicurista - aceitando tudo o que a natureza deu ao homem.

Arte francesa dos séculos XVI-XVII. baseado nas tradições do Renascimento francês e italiano. As pinturas e gráficos de Fouquet, as esculturas de Goujon, os castelos da época de Francisco I, o palácio de Fontainebleau e o Louvre, a poesia de Ronsard e a prosa de Rabelais, as experiências filosóficas de Montaigne - tudo traz a marca de uma compreensão classicista da forma, lógica estrita, racionalismo e um senso desenvolvido de graça.

Renascença Francesa do século XVI