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A pintura do início da Renascença passa pela mesma evolução da escultura. Superando a abstração gótica das imagens, desenvolvendo melhores recursos Nas pinturas de Giotto, artistas do século XV entram em cena caminho largo realismo. A pintura monumental de afrescos está experimentando um florescimento sem precedentes.

Masaccio. Expulsão do Paraíso, 1426-1427
Igreja de Santa Maria del Carmine
Capela Brancacci, Florença

Ucelo. Retrato de uma senhora, 1450
Museu Metropolitano de Arte, Nova York

Castaño. Retrato de um Seigneur, 1446
Galeria Nacional, Washington

Masaccio. Um reformador da pintura, que desempenhou o mesmo papel que no desenvolvimento da arquitetura de Brunelleschi e de Donatello na escultura, foi o florentino Masaccio (1401-1428), que viveu vida curta e saiu trabalhos maravilhosos, em que se deu continuidade à busca por uma imagem heróica generalizada do homem e por uma representação verdadeira do mundo que o rodeia. Essas buscas foram manifestadas mais claramente nos afrescos da Capela Brancacci na Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença, “O Milagre do Stater” e “A Expulsão do Paraíso” (ambos entre 1427-1428).

Masaccio rompe com a decoratividade e a narrativa mesquinha que dominaram a pintura da segunda metade do século XIV. Seguindo a tradição de Giotto, o artista Masaccio aposta na imagem de uma pessoa, realçando a sua dura energia e atividade, o humanismo cívico. Masaccio dá um passo decisivo na combinação de figura e paisagem, apresentando pela primeira vez perspectiva aérea. Nos afrescos de Masaccio, a plataforma rasa - cenário de ação nas pinturas de Giotto - é substituída por uma imagem do espaço profundo real; o plástico se torna mais convincente e mais rico modelagem de corte figuras, a sua construção é mais forte, as suas características são mais variadas. Além disso, Masaccio guarda o enorme poder moral das imagens, que cativa Giotto na arte.

Angélico. Madonna Fiesole, 1430
Mosteiro de São Domingos, Fiesole

Lippi. Mulher e homem, década de 1460
Museu Metropolitano de Arte, Nova York

Domênico. Madonna e criança
1437, Galeria Berenson, Florença

O mais significativo dos afrescos de Masaccio é “O Milagre do Statir”, uma composição multifigurada que, segundo a tradição, inclui vários episódios da lenda sobre como, ao entrar na cidade, Cristo e seus discípulos foram solicitados a pagar uma taxa - um statir (moeda); como, por ordem de Cristo, Pedro pegou um peixe no lago e encontrou um statir em sua boca, que entregou ao guarda. Ambos os episódios adicionais - a pesca e a apresentação do stater - não desviam a atenção da cena central - um grupo de apóstolos entrando na cidade. Suas figuras são rostos majestosos, maciços e corajosos que carregam os traços individualizados de pessoas do povo no homem da extrema direita, alguns pesquisadores veem um retrato do próprio Masaccio; A importância do que está acontecendo é enfatizada pelo estado geral de excitação contida. A naturalidade dos gestos e movimentos, a introdução de um motivo de género na cena da procura da moeda por Pedro e a paisagem cuidadosamente pintada conferem à pintura um carácter secular e profundamente verdadeiro.

Não menos realista é a interpretação da cena “Expulsão do Paraíso”, onde, pela primeira vez na pintura renascentista, são representadas figuras nuas, poderosamente modeladas pela luz lateral. Seus movimentos e expressões faciais expressam confusão, vergonha e remorso. A grande autenticidade e persuasão das imagens de Masaccio conferem força especial à ideia humanística de dignidade e significado. personalidade humana. Com suas buscas inovadoras, o artista abriu caminho desenvolvimento adicional pintura realista.

Ucelo. Um experimentador no estudo e uso da perspectiva foi Paolo Uccello (1397–1475), o primeiro pintor de batalha italiano. Uccello variou composições com episódios da Batalha de San Romano três vezes (meados da década de 1450, Londres, Galeria Nacional; Florença, Uffizi; Paris, Louvre), retratando com entusiasmo cavalos e cavaleiros multicoloridos em uma ampla variedade de cortes e extensões de perspectiva.

Castaño. Entre os seguidores de Masaccio destacou-se Andrea del Castagno (cerca de 1421 - 1457), que demonstrou interesse não só pela forma plástica e pelas estruturas perspectivas características da pintura florentina da época, mas também pelo problema da cor. As melhores imagens criadas deste artista rude, corajoso e desigual por natureza distinguem-se pela força heróica e pela energia irreprimível. Estes são os heróis das pinturas da Villa Pandolfini (cerca de 1450, Florença, Igreja de Santa Apolônia) - um exemplo de solução para um tema secular. Contra os fundos verdes e vermelhos escuros destacam-se figuras de figuras proeminentes do Renascimento, entre elas os condottieri de Florença: Farinata degli Uberti e Pippo Spano. Este último fica firme no chão, com as pernas bem abertas, vestido com uma armadura, com a cabeça descoberta, com uma espada desembainhada nas mãos; ele é uma pessoa viva, cheia de energia frenética e confiança em suas habilidades. A poderosa modelagem de luz e sombra confere à imagem força plástica, expressividade, enfatiza a nitidez das características individuais e um retrato brilhante nunca antes visto na pintura italiana.

Entre os afrescos da igreja, Santa Apolônia destaca-se pela abrangência da imagem e pela nitidez das características” última ceia"(1445-1450). Esta cena religiosa - a ceia de Cristo rodeada de discípulos - foi pintada por muitos artistas que sempre seguiram um certo tipo composições. Castagno não se desviou deste tipo de construção. De um lado da mesa encostada na parede, o artista colocou os apóstolos. Entre eles, no centro está Cristo. Do outro lado da mesa está a figura solitária do traidor Judas. Mesmo assim, Castaño consegue grande impacto e som inovador em sua composição; Isso é facilitado pelo caráter vívido das imagens, pela nacionalidade dos tipos dos apóstolos e de Cristo, pela profunda expressão dramática dos sentimentos e pelo esquema de cores enfaticamente rico e contrastante.

Angélico. A beleza requintada e a pureza das delicadas harmonias de cores brilhantes, que adquirem uma qualidade decorativa especial em combinação com o ouro, cativam a arte de Fra Beato Angelico (1387-1455), cheia de poesia e fabulosidade. De espírito místico, associado a mundo ingênuo ideias religiosas, é revestido pela poesia de um conto popular. As imagens comoventes da “Coroação de Maria” (por volta de 1435, Paris, Louvre), afrescos do Mosteiro de São Marcos em Florença, criados por este artista único - um monge dominicano, são iluminadas.

Domenico Veneziano. Os problemas de cor também atraíram Domenico Veneziano (c. 1410 – 1461), natural de Veneza que trabalhou principalmente em Florença. Suas composições religiosas ("Adoração dos Magos", 1430–1440, Berlim-Dahlem, Galeria de fotos), interpretação ingênua do tema em contos de fadas, ainda traz a marca da tradição gótica. As características renascentistas apareceram mais claramente nos retratos que ele criou. No século XV, o gênero retrato ganhou significado próprio. A composição de perfis, inspirada em medalhas antigas e que permite generalizar e glorificar a imagem do retratado, generalizou-se. Uma linha precisa delineia um perfil nítido no “Retrato de uma Mulher” (meados do século XV, Berlim-Dahlem, Galeria de Imagens). O artista alcança uma semelhança viva e direta e ao mesmo tempo uma sutil unidade colorística na harmonia de cores claras e brilhantes, transparentes, arejadas, suavizando os contornos. O pintor foi o primeiro a apresentar aos mestres florentinos a técnica da pintura a óleo. Ao introduzir vernizes e óleos, Domenico Veneziano realçou a pureza e a riqueza das cores das suas telas.

Todos sabem que a Itália foi o coração de todo o período renascentista. Grandes mestres da palavra, do pincel e do pensamento filosófico apareceram em cada uma das Culturas na Itália demonstra o surgimento de tradições que se desenvolveriam nos séculos subsequentes, este período tornou-se o ponto de partida, o início grande era desenvolvimento da criatividade na Europa.

Resumidamente sobre o principal

A arte do início da Renascença na Itália abrange o período de aproximadamente 1420 a 1500, precedendo e culminando o Proto-Renascimento. Como acontece com qualquer período de transição, estes oitenta anos são caracterizados tanto pelas ideias que os precederam como pelas novas, que, no entanto, foram emprestadas de um passado distante, dos clássicos. Gradualmente, os criadores se livraram dos conceitos medievais, voltando sua atenção para a arte antiga.

No entanto, apesar de na sua maioria procurarem regressar aos ideais de uma arte esquecida, tanto em geral como em particular, as tradições antigas ainda estavam entrelaçadas com as novas, mas em muito menor grau.

Arquitetura da Itália durante o início da Renascença

O principal nome da arquitetura deste período é, claro, Filippo Brunelleschi. Ele se tornou a personificação da arquitetura renascentista, incorporando organicamente suas ideias, conseguiu transformar projetos em algo fascinante e, aliás, suas obras-primas ainda são cuidadosamente protegidas por muitas gerações. Um de seus principais conquistas criativas os edifícios são considerados localizados no centro de Florença, sendo os mais notáveis ​​​​a cúpula da Catedral Florentina de Santa Maria del Fiore e o Palácio Pitti, que se tornou o ponto de partida da arquitetura italiana do início do Renascimento.

Outras conquistas importantes do Renascimento italiano incluem também, que fica próximo à praça principal de Veneza, palácios em Roma pelas mãos de Bernardo di Lorenzo e outros. Neste período, a arquitetura italiana procura combinar organicamente as características da Idade Média e dos Clássicos, primando pela lógica das proporções. Um excelente exemplo desta afirmação é a Basílica de San Lorenzo, novamente pelas mãos de Filippo Brunelleschi. Em outros Países europeus O início da Renascença não deixou exemplos igualmente marcantes.

Artistas da Primeira Renascença

Resultados

Embora a cultura do início da Renascença na Itália busque a mesma coisa - exibir os clássicos pelo prisma da naturalidade, os criadores seguem caminhos diferentes, deixando seus nomes na cultura renascentista. Muitos grandes nomes, obras-primas brilhantes e um repensar completo da cultura não só artística, mas também filosófica - tudo isso nos foi trazido por um período que prenunciou outras etapas do Renascimento, nas quais os ideais estabelecidos encontraram sua continuação.

Renascimento, ou Renascimento - uma era na história da cultura europeia que substituiu a cultura da Idade Média e precedeu a cultura dos tempos modernos. Uma característica distintiva do Renascimento é a natureza secular da cultura e seu antropocentrismo (isto é, o interesse, antes de tudo, pelo homem e suas atividades).

Estilo renascentista

Os cidadãos ricos da Europa já não precisavam de se esconder atrás das muralhas dos castelos. Foram substituídos por palácios urbanos (palazzos) e vilas de campo, deliciando os proprietários com beleza e conforto. Um palácio típico geralmente tem de 3 a 4 andares. No piso inferior existiam vestíbulos, salas de serviço, cavalariças e arrecadações. No próximo nível - Piano Nobile - há salas de aparato espaçosas e ricamente decoradas. Às vezes, neste andar ficavam os quartos dos familiares do dono da casa. Os aposentos privados são o quarto e o “estúdio”, uma sala usada como escritório, oficina ou sala para conversas privadas. Havia uma lavanderia ali perto; a água era retirada de uma fonte ou poço. O terceiro andar costumava ter o mesmo layout do piano nobile, com salas de estar com tetos mais baixos. No último andar o pé-direito era ainda mais baixo; As escadas medievais eram em espiral ou pareciam fendas estreitas cortadas na espessura das paredes; agora tornaram-se largas e retas e dominam o interior; As escadas adicionais eram frequentemente mal iluminadas. A villa de campo não foi construída em condições tão restritas e, portanto, poderia ser maior. Ao mesmo tempo, manteve-se o mesmo esquema: os quartos de serviço ficavam no térreo, os quartos de aparato no segundo andar e os quartos dos empregados no último andar ou no sótão.

Os interiores renascentistas falam de uma paixão pelos clássicos. A simetria é fundamental e os detalhes são emprestados de designs romanos antigos. As paredes costumam ter tons neutros ou padrões. Nas casas ricas, as paredes são frequentemente decoradas com afrescos. Os tetos são com vigas ou caixotões. As vigas e caixotões do teto são pintados em cores vivas. Os pisos são decorados com padrões geométricos complexos. As lareiras, que serviam como única fonte de calor, são revestidas de talha. A julgar pelas pinturas dos artistas da época, as cortinas e outros acessórios eram multicoloridos.

Durante a Renascença, o mobiliário era mais difundido do que na Idade Média, mas pelos padrões modernos ainda era escasso. A talha, a incrustação e a intársia estiveram presentes no interior, dependendo da capacidade financeira e do gosto do proprietário.

Os interiores das igrejas renascentistas foram pintados em cores suaves e ricamente decorados com detalhes arquitetônicos emprestados de antigos monumentos romanos. Os vitrais cederam vidro transparente. A pintura foi amplamente utilizada - afrescos, pinturas de altar. Os altares eram geralmente encomendados e doados às igrejas por cidadãos abastados, cujos retratos podem ser vistos em primeiro plano. Nos interiores do Renascimento, percebe-se uma transição da simplicidade ao esplendor.

Início da Renascença

O Palazzo Davanzati em Florença (final do século XIV) é uma casa urbana excelentemente preservada, construída na virada de duas épocas. O edifício ocupa um terreno estreito e irregular, típico de uma cidade medieval. No piso inferior existe uma loggia voltada para a rua, que poderá servir de banco. Do pátio, as escadas conduzem aos pisos onde se situam os alojamentos - amplos e ricamente decorados, mas de localização caótica, como num castelo medieval. Do lado de fora o edifício é simétrico. Os frisos e consoles que sustentam as vigas do teto são emprestados da arquitetura clássica; mas as molduras das janelas de chumbo e as pinturas murais semelhantes a tapeçarias remontam à Idade Média. Mesmo com móveis, os quartos parecem vazios e o ascetismo medieval ainda é perceptível.

Quadro cronológico aproximado da época: início do XIV- o último quartel do século XVI e em alguns casos - as primeiras décadas do século XVII (por exemplo, na Inglaterra e, especialmente, em Espanha). Surge o interesse pela cultura antiga, ocorre seu “renascimento”, por assim dizer - e foi assim que surgiu o termo. Os historiadores dividiram o Renascimento em três períodos:cedo, alto, historiadores posteriores velha escola destacar o período triunfante da “Alta Renascença”, que termina em declínio. Os cientistas modernos consideram cada período digno de estudo e admiração: desde a experiência ousada, passando pelo apogeu, até última etapa caracterizado por grande liberdade e complexidade.

Renascimento na França

Em 1515, Francisco I (1515-1547), a convite do papa, passou quatro dias no Vaticano, onde pôde admirar a arte da Alta Renascença. Francisco convidou Leonardo da Vinci para vir para França, o que se concretizou em 1516. Leonardo instalou-se nas proximidades de Amboise, onde viveu até à sua morte em 1519. A ala Francisco no castelo de Blois (1515-1519) com o seu famoso A escadaria tem três andares, decorados com pilastras e elementos decorativos emprestados dos pátios dos palácios florentinos. O telhado com tubos e águas-furtadas é feito em estilo típico da França.

O mais espetacular dos castelos do início da Renascença - enorme palácio real Chambord (1519). Redondo torres medievais, fossos e telhados altos são combinados com um layout simétrico e elementos ordenados. Uma variedade de chaminés, torres, cúpulas e águas-furtadas lembram o Renascimento italiano. No Chateau de Chambord, o lobby tem a forma de uma cruz grega. A escada em espiral de dois lances no centro do lobby é o núcleo de toda a composição. Como Leonardo da Vinci morava perto de Amboise, acredita-se que a escada foi criada a partir de esboços encontrados em seu cadernos. Os alojamentos estão concentrados nos cantos da praça, quartos adicionais, escadas e corredores estão localizados nas torres de canto, o que faz com que o edifício pareça um enorme labirinto. Os quartos parecem vazios. Naquela época, os móveis eram transferidos com a corte real para Paris e vice-versa. Acredita-se que a planta do castelo foi desenhada por Domenico da Cortona (falecido em 1549), aluno de Giuliano da Sangallo, que visitou a França em 1495 (Sangallo retornou à Itália, enquanto Domenico permaneceu na França). O arquiteto francês Pierre Iepvo também desempenhou um papel importante, mas não está claro se ele foi o autor do projeto ou um simples pedreiro trabalhando sob a supervisão de outros artesãos.

O pequeno castelo de Azay-le-Rideau no Vale do Loire (1518-1527) é criação de arquitetos desconhecidos. O edifício em forma da letra latina B, um fosso com água e um lago formam um conjunto encantador. As torres de esquina e o fosso lembram a Idade Média, mas a fachada posterior, voltada para o fosso, é totalmente simétrica, e as pilastras e frisos são de estilo renascentista. A escadaria principal está localizada no centro do volume principal. Uma entrada pitoresca marca sua localização externa. A fachada do edifício é assimétrica. Felizmente, os interiores de Azay-Rideau estão bem preservados. Um conjunto de quartos começa na escadaria principal. As vigas de madeira do teto estão expostas, as paredes são forradas com tecido, grandes lareiras são provavelmente uma criação Mestre italiano. As janelas estão embutidas na espessura das paredes de pedra. Como os quartos não tinham propósito especial, por exemplo, a cama poderia ficar em qualquer um deles. Além disso, cada quarto foi decorado com um determinado esquema de cores.

Brunelleschi

O início da Renascença na Itália é o período de aproximadamente 1400 até o final do século XV. A primeira figura significativa é Filippo Brunelleschi (1377-1446), ourives florentino que mais tarde se tornou escultor, geômetra e arquiteto. Ele é um exemplo de “homem da Renascença”. Tendo participado num concurso de projetos para a cúpula da Catedral de Florença, Brunelleschi propôs construir uma enorme cúpula sem contrafortes e sem círculos de madeira (neste último caso, teria sido necessário erguer andaimes caros, o que por si só é um enorme estrutura de engenharia). Em 1420, Brunelleschi iniciou a construção da grandiosa cúpula, que ainda se eleva sobre Florença.

A cúpula de Brunelleschi difere das cúpulas romanas pela sua forma pontiaguda, que se adapta perfeitamente à catedral gótica. A construção de uma cúpula sem contrafortes externos exigiu soluções tecnológicas fundamentalmente novas. Costelas de pedra estão localizadas nos cantos do octógono, além de duas costelas adicionais em cada lado da cúpula. Todo o espaço da catedral foi aproveitado durante o processo de construção. Não são visíveis as enormes ligações de pedra, ferro e madeira, que ligam a cúpula aos “anéis de tensão” e amortecem o impulso, suficiente para destruir toda a estrutura. Há uma janela redonda no topo da cúpula. A lanterna da cúpula, na verdade uma pequena construção no telhado, foi construída após a morte de Brunelleschi, mas segue seu estilo e é a única parte da cúpula que é rigorosamente mantida. estilo clássico.

Embora a enorme cúpula seja a estrutura mais espetacular de Brunelleschi, outros projetos refletem mais plenamente seu conceito de design de interiores. Nas igrejas florentinas de San Lorenzo (iniciada por volta de 1420) e Santo Spirito (iniciada em 1435), Brunelleschi tentou transformar a basílica com transepto, coro e naves laterais em algo novo. A planta de cada igreja é dividida em quadrados, sendo que um desses quadrados é um módulo para toda a estrutura como um todo. A nave central é separada das naves laterais por arcos romanos sustentados por colunas coríntias. As naves laterais são cobertas por abóbadas. Nas construções romanas, o arco não assenta diretamente na coluna, mas sim no entablamento. Em Brunelleschi vemos a mesma coisa: as colunas sempre terminam com um fragmento de entablamento, uma laje quadrada, às vezes chamada de imposta.

A primeira obra de Brunelleschi na Igreja de San Lorenzo foi a pequena Sacristia (conhecida como Sacristia Antiga, há também a Sacristia Nova de Michelangelo, geralmente chamada de Capela dos Médici). Esta é uma sala quadrada, encimada por uma cúpula sobre velas. Ele se conecta a uma sala menor onde está localizado o altar (a chamada escalla).

A pequena Capela Pazzi no pátio da Igreja de Santa Croce em Florença (1429-1461) é geralmente considerada obra de Brunelleschi, embora não esteja precisamente estabelecido qual foi a sua contribuição para a construção da capela, que foi concluída após a morte do arquiteto, mas lembra em muitos aspectos a sacristia da Igreja de São Lourenço. É frequentemente considerada a primeira estrutura do início da Renascença, caracterizada por simetria e elementos clássicos, juntamente com sofisticação e inovação. O espaço quadrado é coberto por uma cúpula sobre velas no sentido norte-sul, os braços da cruz com abóbadas de berço estendem-se da praça da cúpula, transformando a planta quadrada em retangular. A escalla quadrada com sua cúpula equilibra o plano. A capela foi construída como sala capitular monástica; no seu interior ainda existem bancos em todo o perímetro da sala, destinados aos monges que participam nas reuniões. As paredes são decoradas com pilastras de mármore verde-acinzentado; na parte superior das paredes existem nichos redondos com relevos de Luca della Robbia (1400-1482). A sala parece pequena, mas na verdade é de um tamanho impressionante. Isto pode ser devido ao uso não totalmente correto de elementos clássicos.

Michelozzo

O Palazzo Medici-Riccardi em Florença (iniciado em 1444), projetado por Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), com paredes rústicas e pequenas janelas, lembra um castelo medieval, mas a planta simétrica e os elementos de ordem indicam um estilo do início da Renascença. A entrada central dá acesso a um pequeno pátio quadrado com acesso ao jardim. Doze colunas da ordem coríntia sustentam os arcos, formando galeria aberta. Os arcos repousam diretamente sobre os capitéis das colunas, conectando-se de forma pouco atraente nos cantos, o que indica que o arquiteto não possui conhecimento suficiente das leis da arquitetura clássica. Os interiores são simples e sem decoração, com excepção dos magníficos tectos em caixotões, caixilhos das portas e cornijas de estilo clássico. É possível que tapeçarias estivessem penduradas nas salas principais e ao mesmo tempo servissem de decoração. A capela contém afrescos de Benozzo Gozzoli (1420-1497), que retratam a “Adoração dos Magos” - uma fila de pessoas magnificamente vestidas movendo-se pelo terreno montanhoso. O afresco lembra uma tapeçaria. Durante a reconstrução subsequente (1680), a simetria foi preservada, embora a simetria original permaneça agora apenas no lado esquerdo. O pátio do palácio é um exemplo da arquitetura do início da Renascença: arcos semicirculares repousam sobre finas colunas da ordem coríntia, a planta é estritamente simétrica.

Alberti

Leon Battista Alberti (1404-1472) foi um cientista, músico, artista, teórico da arte e escritor. Seu livro De Re Aedificatoria (Sobre a Construção), publicado em 1485, foi o primeiro trabalho significativo dedicado à arquitetura desde a época de Vitrúvio. O livro tinha grande influência sobre a arquitetura italiana. O texto descreve as regras das ordens clássicas. Como na música, os relacionamentos números primos 2:3, 3:4 e 3:5 (frequência de vibração correspondente a acordes musicais) podem ser usados ​​com sucesso na arquitetura.

A Igreja de Sant'Andrea em Mântua (iniciada em 1471) é a obra mais importante de Alberti, tendo grande influência na arquitetura do século XVI. A planta da igreja é cruciforme, sobre a cruz central ergue-se uma cúpula, a nave central, o transepto e o altar são cobertos por abóbadas de berço com caixotões. Não existem naves laterais; em vez deles, foram construídas capelas grandes e pequenas. Separadamente colunas em pé substituído por poderosos postes com pilastras. A luxuosa decoração do interior surgiu após a morte de Alberti; a arquitectura geralmente simples e majestosa testemunha a influência que a arquitectura romana, em particular os banhos imperiais, tiveram sobre o arquitecto.

A Itália é considerada o berço do Renascimento clássico. História Renascença italiana abrange quase dois séculos. Costuma-se falar do Renascimento Inicial (meados do século XIV - século XV), do Renascimento Alto ou Maduro (finais do século XV - anos 30 do século XVI) e do Renascimento Tardio (anos 40 - anos 80 do século XVI).

Por que o fenômeno da Renascença surgiu primeiro e se manifestou mais claramente na Itália? A resposta a esta questão está no plano económico - este é o surgimento precoce das relações capitalistas no país.

Decisivo foi o aumento da influência de artesãos, artesãos, comerciantes e banqueiros – isto é, classes que não participavam das relações feudais. Eles não professavam o sistema hierárquico de valores medievais; o maior valor era o homem e sua atividade criativa. Este foi um terreno fértil para o surgimento do humanismo. Isto contribuiu para o rápido deslocamento da cosmovisão medieval pela emergente nova cosmovisão burguesa com sinais de uma nova cultura burguesa.

Isto ficou especialmente evidente em XV século durante o Quattrocento (Início da Renascença). Nesse período surgiu a estética da arte renascentista, imbuída do espírito de ordem e medida. Um caráter secular profundo é uma característica definidora da cultura renascentista. Talvez apenas na Itália XV século, o artista favorito de Cosimo de' Medici (o governante não oficial de Florença) Filippo Lippi (1406-1469) decidiu retratar sua amada (uma freira que já havia sido sequestrada de um mosteiro) e seus filhos na imagem de Nossa Senhora e Cristo com João.

Centros seculares de ciência e arte começaram a aparecer nas cidades, que não eram mais controladas pela igreja. Agora a arte se tornou uma ferramenta para a compreensão do mundo, ultrapassou a ciência, a filosofia e a poesia. A fé no poder da razão era ilimitada. Preciso conhecimento científico. Vários tratados científicos apareceram. Leon Battista Alberti (1404-1472) é considerado o primeiro teórico no campo da pintura e da arquitetura, que desenvolveu a teoria da perspectiva linear e uma representação verdadeira da profundidade do espaço em uma pintura.

A fragmentação da Itália em várias regiões independentes tornou-se a característica histórica do desenvolvimento que levou ao surgimento de escolas de arte locais. Cada escola teve seu próprio caminho de desenvolvimento e seu próprio representantes proeminentes, o que, no entanto, não significou o seu isolamento. Tudo isso contribuiu para a rápida eliminação do sistema de valores criado pela cultura da igreja. A arte rompeu com o anonimato medieval de seus mestres. Na História da Arte, Pavel Muratov escreveu em “Imagens da Itália”: “Para o olho de um artista florentino não havia nada pequeno e insignificante. Tudo era objeto de conhecimento para ele. Mas o conhecimento das coisas que o homem do Quattrocento almejava não se assemelha em nada ao conhecimento que constitui o orgulho da nossa época... onde vemos o geral e, portanto, sempre estranho, aí o artista do Quattrocento viu o especial e o seu próprio ! Isso tornou possível o triunfo do individualismo na arte florentina” .

A nova visão de mundo baseava-se nas atitudes humanísticas da antiguidade. E a invenção da impressão está no meio XV séculos e grande número monumentos antigos em solo italiano contribuíram para a difusão da herança antiga.

O berço da cultura renascentista durante o Quattrocento foi Florença, uma rica cidade-comuna onde deixaram a sua marca brilhante na arte de Dante e Giotto. As mudanças revolucionárias ocorreram não apenas na ciência e na arte, mas também afetaram as relações sociais. O papel de liderança de Florença foi predeterminado por um novo fenômeno social emergente - a filantropia. O poder político em Florença pertencia a comerciantes e artesãos. Houve uma luta constante pela supremacia entre várias das famílias mais ricas. No final XIV século, esta luta terminou com a vitória da casa bancária dos Médici (e mais tarde do seu neto Lorenzo, apelidado de O Magnífico) a todas as artes, o que, claro, enfatizou o alto status social Medici, em Florença, a Academia Platônica e a Biblioteca Laurentiana foram fundadas em 1439. Isso contribuiu para um florescimento sem precedentes da arquitetura e da pintura.

Foi uma época de buscas e descobertas experimentais, representadas por tais nomes exclusivos como Donatello, Brunelleschi e Masaccio.

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A arte italiana não se desenvolveu continuamente em linha ascendente, de um nível inferior para um superior. Linha desenvolvimento cultural durante a Renascença era mais complexo e flexível. Ao longo de três séculos, com o incansável avanço, vários levantes se destacaram. A mais radical delas na Itália ocorreu no século XV. Este é o período do início do Renascimento, marcado por uma extraordinária intensidade de buscas. O centro de inovação em todas as formas de arte nesta época, como na época de Giotto, era Florença. Aqui aconteceram as atividades dos fundadores do início do Renascimento: o pintor Masaccio, escultor Donatello, arquiteto Brunelleschi.

Uma das conquistas mais importantes da arte do Quattrocento, que teve significado histórico, surgiu a doutrina da perspectiva.Perspectivas - trata-se de uma imagem de objetos de acordo com a aparente mudança em seu tamanho e contorno, que é determinada pelo grau de distância do observador. As primeiras experiências na construção da perspectiva já foram utilizadas em Grécia antiga, mas por si só visual clássico Os mestres do Quattrocento italiano desenvolveram uma perspectiva cientificamente fundamentada. Filippo Brunelleschi foi o primeiro a descobrir as suas leis, estabelecendo assim novo programa desenvolvimento para toda a arte florentina.

Brunelleschi chegou a uma conclusão decisiva para as artes plásticas: se raios retos vindos de um ponto selecionado do espaço até o objeto representado forem atravessados ​​​​por um plano, obter-se-á uma projeção exata desse objeto neste plano. Muito provavelmente, o estudo das leis ópticas de Brunelleschi foi motivado pelo estudo das ruínas romanas, que ele mediu e esboçou cuidadosamente.

O amigo de Brunelleschi, o escultor Donatello, usou perspectiva linear em relevo escultural ("Batalha de S. George com o dragão" , 1416), alcançando a impressão de profundidade espacial. Seu contemporâneo Masaccio usou essa descoberta na pintura (afrescos"Trindade" , 1427). Finalmente, o arquiteto e teórico da arte Alberti apresentou um desenvolvimento teórico detalhado das leis da perspectiva em seu “Tratado de Pintura” (1435).

Novas tendências em artes plásticas apareceu primeiro emescultura . Antes concentrada principalmente em interiores, hoje é realizada em fachadas de igrejas e prédios públicos, em praças de cidades, não mais subordinadas à arquitetura.

O ponto de partida da história da escultura do início do Renascimento é tradicionalmente considerado 1401, quando o jovem joalheiro Lorenzo Ghiberti venceu um concurso de escultores que disputavam o direito de fazer as portas de bronze do Batistério Florentino. . Ghiberti foi um dos principais escultores de sua época. Ele possui uma das obras mais famosas do início da Renascença - a segunda porta oriental do batistério, mais tarde chamada por Michelangelo de “Portas do Paraíso”. Seus relevos são dedicados a cenas do Antigo Testamento.

O escultor mais brilhante do Quattrocento foi Donato di Niccolo di Betto Bardi, que entrou para a história da cultura mundial com o nome de Donatello (1386-1466). Ele é um dos mais ousados ​​reformadores da arte italiana. Uma das principais conquistas de Donatello foi o renascimento da estátua redonda independente. Concluído por eleestátua do vitorioso David (Florença) foi a primeira escultura do Renascimento, não associada à arquitetura, libertada do nicho apertado e acessível à vista de todos os lados. Criando a imagem do lendário pastor que derrotou o gigante Golias, que para muitas cidades-repúblicas italianas se tornou um símbolo de liberdade, Donatello procurou aproximar-se dos grandes exemplares da escultura antiga. Seu David é apresentado nu, como um herói antigo. Nem um único escultor renascentista jamais se encarregou de mostrar um personagem bíblico nesta forma.

Outra famosa criação de Donatello é um monumento ao corajoso líder militar Erasmo di Narni, apelidado de Gattamelata (“Gato Manhoso”). Homem do povo, Erasmo, pela força de sua mente e talento, tornou-se o criador de seu próprio destino, destacou-se estadista. E o escultor, preservando a semelhança do retrato, mostrou uma imagem generalizada de um homem dos tempos modernos, como se confirmasse as palavras de Petrarca: “O sangue é sempre da mesma cor. Homem nobre Ele se torna grande por suas próprias ações.”

Ainda mais difundido foi o apelo às tradições antigas emarquitetura . Esboços e medidas de edifícios romanos antigos, estudo do tratado de Vitrúvio, encontrado no inícioXVséculos, contribuiu para o rápido deslocamento das formas góticas pelas antigas. A ordem antiga está sendo revivida e repensada criativamente, o que introduziu proporcionalidade lógica e harmonia na arquitetura dos tempos modernos. Se a catedral gótica já é difícil de ver devido ao seu tamanho gigantesco, então os edifícios do Renascimento parecem ser percorridos com um único olhar. Eles se distinguem por uma incrível proporcionalidade.

O primeiro grande monumento da arquitetura renascentista - erguido por Brunelleschicúpula da Catedral de Santa Maria del Fiore em Florença. Em seu tamanho, é apenas ligeiramente inferior à cúpula do Panteão Romano, mas, ao contrário dela, não assenta sobre uma base redonda, mas sim sobre uma base octogonal.

Simultaneamente à construção da cúpula Brunelleschi dirigiu a construção de um orfanatoOrfanato . Este é o primeiro edifício de estilo renascentista, muito próximo dos edifícios antigos na sua estrutura, clareza de aparência e simplicidade de forma. O que mais chama a atenção é a fachada, decorada com um pórtico em forma de loggia em arco. O pórtico desdobra-se em toda a largura do edifício, criando a impressão de amplitude e tranquilidade, e realçando a preponderância linhas horizontais. O resultado é um edifício completamente oposto à aspiração gótica ascendente. O que também é novo é a ausência de ricas decorações escultóricas características das catedrais góticas.

O tipo de loggia com arcos semicirculares e colunas finas bem espaçadas usado no Orfanato foi posteriormente estabelecido na arquitetura do Renascimentopalácio .

O palazzo é uma mansão-palácio da cidade onde viviam pessoas ricas. Geralmente é um prédio de três andares voltado para a rua. De acordo com o plano deles, o palácio aproximava-se de uma praça, no centro da qual estava pátio, cercado por galerias em arco.

Pintura O Quattrocento italiano começa com Masaccio (1401-1428, nome verdadeiro Tommaso di Giovanni di Simone Cassai). Masaccio foi um dos gênios mais independentes e consistentes da história Arte europeia. Como muitos outros artistas desta época, ele trabalhou na área pintura monumental, que foi executado nas paredes na técnica do afresco. Continuando a busca de Giotto, Masaccio conseguiu dar às imagens uma autenticidade real sem precedentes.

O auge de sua criatividade são os afrescosCapelas Brancacci Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença. Eles apresentam a história do Apóstolo Pedro, bem como história bíblica“Expulsão do Paraíso”, interpretada com excepcional força dramática.

Tudo nesses afrescos está cheio de impressionante impressionanteidade, poder épico e heroísmo. Tudo é enfatizado como monumental: o artista não parece desenhar as formas, mas esculpe-as com a ajuda do claro-escuro, conseguindo um relevo quase escultural. Um exemplo maravilhoso do estilo criativo de Masaccio pode ser"O Milagre do Stater" (a história de uma moeda encontrada milagrosamente na boca de um peixe, que deu a Cristo e seus discípulos acesso à cidade de Cafarnaum).

O destino interrompeu a ascensão do gênio aos 27 anos de vida, mas o que ele conseguiu fazer já lhe trouxe fama como fundador de uma nova arte. Após a morte de Masaccio, a Capela Brancacci tornou-se escola para todos os pintores subsequentes, local de peregrinação.

Masaccio, Brunelleschi e Donatello estavam longe de estar sozinhos em sua busca. Ao mesmo tempo, muitos mestres originais trabalharam com eles em várias cidades da Itália: Fra Angelico, Paolo Uccello, Piero della Francesca, Andrea Mantegna.

No final do Quattrocento, a natureza das aspirações da pintura italiana mudou significativamente: o estudo da perspectiva e das proporções ficou em segundo plano, enquanto o estudo da natureza humana ganhou destaque. Seguindo a literatura e a poesia, a pintura revela a intensa vida da alma, o movimento dos sentimentos. Isso contribui para o desenvolvimento do gênero retrato, e de um novo tipo dele, em extensão de três quartos, e não de perfil, como antes.

Um artista cuja obra contém novidades ideias artísticas encontrou a expressão mais harmoniosa, apareceuSandro Botticelli (1445-1510, nome verdadeiro Alessandro Filipepi).

Botticelli é um representante da escola florentina de pintura. Ele estava perto da corte de Lorenzo Medici, um político e diplomata talentoso, uma pessoa brilhantemente educada, um poeta talentoso, um amante da literatura e da arte, que conseguiu atrair muitos grandes humanistas, poetas e artistas

Associado a um círculo de estudiosos florentinos, Botticelli confiou voluntariamente em suas obras nos programas poéticos que eles compilaram. Inspirados na antiguidade e na poesia renascentista, eram de natureza alegórica. Um papel especial neles foi desempenhado pela imagem de Vênus, a personificação do amor como o mais elevado dos sentimentos humanos.

Vênus é a imagem central das pinturas que tornaram Botticelli famoso:"Primavera" E "Nascimento de Vênus" Foi nessas composições mitológicas, onde reina o amor, que floresceu o encanto misterioso do ideal de beleza de Botticell. Essa beleza tem uma sofisticação especial, uma frágil indefesa. E ao mesmo tempo esconde uma enorme força interior, a força da vida espiritual.

Mesma riqueza mundo interior as pessoas são reveladas ao espectador pelos retratos do artista: “Retrato de um Joalheiro”, “Giuliano de’ Medici” e outros.

As experiências pessoais mais profundas associadas à vida pública de Florença no finalXV século , determinou a alta tragédia das obras posteriores de Botticelli: “Lamentação de Cristo”, “Abandonado”.

No último terço do século XV junto com a escola florentina escolas de arte na Úmbria (Pinturicchio), Veneza (Gentile e Giovanni Bellini, Carpaccio), Ferrara, Lombardia, e ainda liderando centro cultural A Itália continua sendo Florença. Aqui, na década de 1470, começou a atividade criativa de Leonardo da Vinci, Michelangelo nasceu e cresceu aqui, ganhando a fama do primeiro artista ao criar a estátua de David (como símbolo de Florença, foi colocada em frente ao Palazzo da Signoria). Florença também desempenhou um papel importante no desenvolvimento criativo de Rafael, que pintou aqui uma extensa suíte de suas Madonas (quando chegou a Florença, Leonardo e Michelangelo trabalharam lá). A obra destes brilhantes mestres, juntamente com a arte de Bramante, Giorgione e Ticiano, marcaram o período da Alta Renascença.

Os Médicis são uma família de banqueiros ricos queXVséculo, na verdade, pertencia ao poder em Florença.

uma revolta popular contra os Medici, liderada pelo monge dominicano Savonarola, um ataque violento dos seguidores de Savonarola contra a “sujeira pecaminosa” da cultura secular e, finalmente, a excomunhão de Savonarola da igreja e a sua morte na fogueira.

Tendo experimentado forte influência Savonarola, Botticelli ficou chocado com sua morte.