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“Um menino genial” - esta definição é mais frequentemente encontrada nas avaliações do trabalho de Fyodor Vasiliev. Ativo, espirituoso, extraordinariamente charmoso, parecia a todos que o viam pela primeira vez ter nascido de camisa. Havia algo que lembrava Mozart ou o jovem Pushkin na natureza ensolarada e artística de Vasiliev.
“Não temos um poeta-pintor de paisagens no verdadeiro sentido da palavra, e se alguém pode e deve ser um, é apenas Vasiliev”, disse seu contemporâneo I. Kramskoy sobre o artista.
I. Kramskoy admirava constantemente o talento extraordinário do jovem, comparando-o a “um homem fabuloso e rico que é fabulosamente generoso e joga seus tesouros aos punhados para a direita, para a esquerda, sem contá-los ou mesmo apreciá-los”.

O destino deu ao notável paisagista russo Vasiliev uma vida decepcionantemente curta: apenas 23 anos de vida. Mas mesmo durante esse tempo ele deixou uma marca notável em Arte russa.

Fyodor Vasiliev nasceu em 22 de fevereiro de 1850 em São Petersburgo, na família de um pobre funcionário dos correios. Aos 12 anos, Fedor foi enviado para servir na principal agência dos correios.

Desde cedo se viciou em desenho e dedicou todo o tempo livre do trabalho ao seu passatempo preferido. InfânciaVasilyevafoi ofuscado pela pobreza e pela morte de seu pai, após o que o jovem de 15 anosFedoraas preocupações com o pão nosso de cada dia cessaram.

Lagoa Volga. 1870

Vasiliev trabalhou para o restaurador da Academia de Artes Sokolov e continuou seus estudos em arte. Ingressou na escola de desenho da Sociedade para o Incentivo às Artes, onde lecionava Kramskoy, de quem Vasiliev foi próximo ao longo de sua curta vida. Posteriormente, Vasiliev tornou-se próximo de Shishkin, que se tornou um mentor autorizado do aspirante a artista.

Em junho de 1867Vasilievcom Shishkin vai para Valaam, onde eleaprendendo a trabalhar no local. Em Valaam, o artista se aproximou dos pintores paisagistas de São Petersburgo. Em 1867, Vasiliev pintou vários esboços de vida, que foram então exibidos na Sociedade para o Incentivo às Artes.

As imagens da natureza nas pinturas de Vasiliev adquiriram espiritualidade, poesia especial, romantismo e profundidade de sentimentos. Estas características já estavam definidas nas paisagens de 1868-69 “O Retorno do Rebanho”, “Antes da Chuva”, nas quais o artista capturou momentos luminosos e espetaculares da vida da natureza. Nessas pinturas, o estilo de pintura é caracterizado pelos acentos sonoros das manchas coloridas e pelo dinamismo de uma pincelada livre.

As famosas pinturas do artista “Village Street” e “After the Storm”, executadas ao mesmo tempo, estão firmemente ligadas ao tema que era relevante para Vasiliev paisagem rural e são caracterizados por um enredo de semigênero, um motivo de estrada e um desejo de levar o conteúdo da imagem além do que é retratado.Vasiliev está constantemente em busca criativa. GrandeVfundindoneleforneceu obras de artistas da escola Barbizon T. Rousseau, J. Dupre, M. Diaz. Eles o surpreenderam com sua percepção espiritual da natureza, retratada em cenas simples.

Depois da tempestade

Em 1868, Fyodor Vasiliev submeteu a pintura “O Retorno do Rebanho” ao concurso da Sociedade para o Incentivo aos Artistas, que foi muito apreciada.Mais criatividadeartistaparece livre de quaisquer influências.Admirando a beleza sensual da natureza,Vasilievesforce-se para mostrar a alegria de seu envolvimento espiritual nisso. São conhecidas as seguintes pinturas deste período: “ De manhã cedo, “Depois da Chuva”, “Noite”, “Aldeia”...

Em 1870 Vasiliev Repin e Makarov fizeram uma viagem ao longo do Volga e como resultado pinturas“Vista do Volga. Barcaças”, “Lagoas do Volga”, “Paisagem de inverno”, “Tempestade que se aproxima”, “Antes da tempestade”.

Descongelamento

Retornando a São Petersburgo, Vasiliev escreve um dosdelesprincipais pinturas - “O Degelo”. EMna primavera de 1875ano, ela recebeu o primeiro prêmio em um concurso da Society for the Encouragement of Artists. "The Thaw" está imbuído de melancolia e tristeza, inspirado por pensamentos amargos sobre a vida da aldeia russa.

No inverno de 1870, Fyodor Vasiliev pegou um resfriado, foi diagnosticado com uma doença pulmonar grave e, com o início da primavera, a doença piorou e se transformou em tuberculose. Por sugestão de Stroganov, Vasiliev, verão de 1871gastoem suas propriedades nas províncias de Kharkov e Voronezh. Este período da sua obra inclui: a paisagem plein air “Centeio”, “Álamos iluminados pelo sol” e a paisagem inacabada “Aldeia”.Apesar das condições de vida favoráveisStroganov, sua saúde não melhorou.Vasiliev foi matriculado como aluno voluntário na Academia de Artes, foi agraciado com o título de artista de 1º grau com a condição de aprovação no exame.

A Sociedade para o Incentivo às Artes concedeu fundos a Vasiliev para uma viagem à Crimeia.Ele se mudou para Yalta, levando consigo um álbum de trabalho com esboços de motivos de aldeias ucranianas. Na Crimeia, com base nesses esboços e memórias, ele pintou uma de suas melhores pinturas - a ampla tela épica “Wet Meadow” (1872). A pintura, de composição rigorosa, surpreende pelo frescor, profundidade e rica gradação interna de cores. A imagem da natureza captada por Vasiliev esconde uma complexa gama de sentimentos e experiências do artista.EsteA pintura comoveu profundamente Kramskoy.

Prado molhado

Vasiliev passou dois anos na Crimeia; o grau de intensidade de sua vida criativa foi incrível. Fazer pausas forçadas no trabalho por motivo de doença, realizar pinturas que lhe foram encomendadas, o que lhe tirou grande quantidadeépoca, na primavera de 1872, o artista dominou os motivos da natureza da Crimeia. Além de muitos desenhos, pintou duas pinturas: “Pântano” e “Vista da Crimeia”, para as quaisem 1872recebeu um prêmio da Society for the Encouragement of the Arts. Inicia a pintura “Nas Montanhas da Crimeia”, trabalha na tela “Surf em Yalta”.As obras deste período caracterizam-se por uma ideia sublime da existência do mundo montanhoso. A última obra concluída de Vasiliev, “In the Crimean Mountains” (1873), distingue-se pela sutileza das relações de cores, unidas por um tom marrom-acinzentado; a natureza assume um tom de grandeza heróica. Kramskoy reconheceu esta pintura como genial.

Os últimos trabalhos de Vasiliev são “Morning”, “Swamp in the Forest. Outono”, “Moinho Abandonado” estão parcialmente inacabados. “Moinho Abandonado” é o melhor exemplo do tipo de solução pictórica com que o artista sonhou. Ele tentou testar na prática sua compreensão das cores. Essas fotos significavam novo palco na obra do artista, que de uma nova forma conectou as significativas tradições românticas do século XIX com a pintura de paisagem da segunda metade do século XIX.

Moinho abandonado

Na primavera de 1873, as aulas de pintura continuaram. O artista precisava concluir a pintura “Dawn”, encomendada e já paga, mas a morte interrompeu seu trabalho. Fyodor Vasiliev, 24 de setembro de 1873morreu.

Na exposição póstuma de suas obras organizada em São Petersburgo, todas as pinturas se esgotaram antes mesmo de sua inauguração. Dois dos álbuns do artista foram adquiridos pela Imperatriz Maria Alexandrovna.

FedorAleksandrovichVasiliev-um dos mais talentosos pintores paisagistas russos. Suas obrasescrito em cores ricas e brilhantes, imbuído de uma percepção espiritual da natureza e românticaexcitação, poesia e admiração pela beleza sensual do mundo.

http://www.artsait.ru/art/v/vasilevF/main.htm

Depois de uma tempestade. 1868

O destino pode ser cruel e permitir poucos anos de vida para verdadeiros talentos. Fyodor Vasiliev deveria se tornar um talentoso pintor de paisagens, mas recebeu apenas 23 anos de vida. Mesmo em tão pouco tempo, quando outros estavam apenas aprendendo o básico da pintura, ele conseguiu pintar pinturas que foram incluídas no fundo dourado da arte russa.

Pântano na floresta. Outono. 1872

Fedor nasceu em 22 de fevereiro de 1850 na pequena cidade de Gatchina, perto de São Petersburgo, na família de um oficial menor, Alexander Vasiliev. Mais precisamente, ele foi filho ilegitimo, já que naquela época seus pais ainda não haviam se casado. Logo a família mudou-se para a capital, mas isso não melhorou a vida dela. Meu pai bebia muito, e o dinheiro que ele não tinha tempo de gastar se perdia nas cartas. Para sustentar de alguma forma a família, Fyodor, de 12 anos, foi trabalhar nos correios e depois conseguiu um emprego como escriba assistente no Almirantado. Ele adorava desenhar, mas infelizmente não havia tempo suficiente para seu passatempo favorito.

Coroas de árvores.

Em 1865, seu pai, que estava completamente bêbado, morreu, e aos 15 anos Fyodor tornou-se o principal ganha-pão da família: sua mãe, irmã mais velha e dois irmãos mais novos. Para estar mais perto de sua obra favorita, Vasiliev conseguiu um emprego como aprendiz de restaurador na Academia de Artes e, à noite, começou a estudar na Escola de Desenho da Sociedade para o Incentivo às Artes. O talentoso aluno rapidamente atraiu a atenção dos artistas. O jovem foi colocado sob sua proteção pelo já famoso pintor paisagista Ivan Shishkin, que havia retornado recentemente de uma viagem de aposentadoria ao exterior.

Paisagem com uma rocha e um riacho.1867

Amanhecer.1873

No verão de 1867, Shishkin convidou Vasiliev para uma viagem a Valaam para escrever esquetes. Trabalhar ao lado de um mestre experiente deu muito a Fedor, mas, curiosamente, ele também teve alguma influência sobre seu amigo mais velho, que logo se casou com sua irmã. Os críticos de arte acreditam que foi sob a influência de Vasiliev que a pintura de Shishkin se tornou um pouco mais lírica. Desse período, sobreviveu uma pequena pintura de Shishkin, na qual a paisagem do cemitério em Valaam é “revitalizada” por Vasiliev sentado na grama.

Na cerca da igreja Antigo cemitério do Mosteiro de Valaam 1867

Fedor teve uma sorte incrível de ter gente boa. Seu patrono foi o famoso filantropo conde Pavel Sergeevich Stroganov, que comprou uma das pinturas Vaalam do artista novato. Ele começou a convidar Fyodor para suas propriedades nas províncias de Kharkov e Tambov, onde o pintor, livre das preocupações com o pão de cada dia, poderia dedicar-se abnegadamente à criatividade. É importante que com Stroganov ele pudesse se comunicar com a elite da sociedade russa, absorvendo o brilho e as maneiras seculares. Amigos artistas às vezes até o chamavam de “conde”, brincando, embora com mais frequência o chamassem de “um garoto brilhante”. E os convidados Stroganov começaram a comprar de jovem artista pinturas, o que foi muito útil, porque a mãe e os irmãos de Fyodor continuaram dependentes dele.

Árvores.Esboço.1870

Lagoas do Volga.1870

Izba.

Durante este período, o tom da pintura russa foi dado pelo famoso “Artel dos Artistas” de Ivan Nikolaevich Kramskoy, que foi professor de Vasiliev. Naturalmente, o jovem artista logo também se juntou ao artel. É curioso que entre os pintores com formação acadêmica ele não parecesse um amador. Mais tarde, Ilya Repin lembrou: “Todos foram atraídos por esse homem de sorte, e ele mesmo captou de forma vigilante e rápida todos os fenômenos ao seu redor”. Artistas experientes observaram com surpresa o rápido crescimento profissional de seu irmão mais novo.

Gatchina.1850-1873

Já em 1868, Vasiliev apresentou na exposição as obras “O Retorno do Rebanho”, “Rua da Vila”, “Depois da Tempestade”, que demonstraram que um novo pintor paisagista lírico havia aparecido na Rússia, com um apurado senso de natureza e capaz transmitir em suas obras a beleza de sua paisagem nativa russa.

Aldeia.1869

Depois da tempestade.1868

Depois da chuva. Estrada secundária.1867-1869

Vasiliev passou o verão do ano seguinte com Repin no Volga. O Grande Rio Russo e as vastas extensões da Rússia central cativaram o artista. Ele escreve com êxtase, tentando transmitir em esboços e desenhos não apenas a beleza da natureza, mas sua variabilidade e humor. O resultado dessa viagem foram diversas pinturas, mas a maior alegria dos colegas profissionais e espectadores foi “Vista do Volga. Barki." A imagem envolve literalmente o público com a paz do meio-dia, ao mesmo tempo que transmite a extensão de um rio poderoso, subjugado a um homem forçado a ganhar o seu pão através do árduo trabalho em barcaças. Todos notaram a incrível habilidade com que o artista retratou o céu, que ocupa mais da metade da tela.

Vista do Volga.Barki.1870

“Jovem, forte, que viveu apenas cinco anos como artista, que alcançou alturas enormes... descobriu o céu vivo, descobriu o céu molhado, brilhante, em movimento e aquelas delícias da paisagem que expressou em uma centena de suas pinturas.”

(Ge N.N.)

Em 1871, Vasiliev pintou a incrível pintura “The Thaw”. Os contemporâneos notaram que é possível recontar em palavras tudo o que está retratado na tela, mas é impossível transmitir em palavras seu encanto único. Comprei a pintura para minha galeria por P.M. Tretiakov. A Sociedade para o Incentivo às Artes concedeu ao filme o primeiro prêmio. É curioso que o segundo prémio tenha sido recebido por Savrasov, que já era um reconhecido pintor paisagista, pelo “Mosteiro Pechorsky”. O Grão-Duque Alexandre Alexandrovich (que logo se tornaria Imperador Alexandre III) ordenou ao artista que repetisse esta pintura. Sobre Próximo ano em Londres "The Thaw" foi apresentado em Feira mundial, recebendo um prêmio e ótimas críticas na imprensa.

Descongelamento.1871

A essa altura, Vasiliev já estava gravemente doente; os médicos descobriram que ele tinha tuberculose progressiva. Tratamento urgente e mudanças climáticas eram necessários. A Sociedade para o Incentivo às Artes alocou-lhe dinheiro para uma viagem à Crimeia, mas primeiro Vasiliev foi para a propriedade do conde Stroganov em Kharkov. Talvez tenha sido naquela visita à Ucrânia que ele viu um velho moinho em algum lugar às margens de um rio tranquilo. Mais tarde, na Crimeia, pintaria uma de suas pinturas mais poéticas, “O Moinho Abandonado”. Há algo fabuloso nela. Parece que à noite as sereias nadam até esta costa coberta de juncos e juncos, e um duende vive nos matagais de salgueiros.

Moinho abandonado.1871-1873

Vasiliev não ficou muito tempo na Ucrânia: por insistência dos médicos, mudou-se para a Crimeia. A exuberante natureza do sul não o impressionou. Ele anseia pelos intermináveis ​​​​campos russos e pelas bétulas tremulando ao vento. “Sinto falta da Rússia e não acredito na Crimeia”, queixa-se numa carta a Kramskoy. Na Crimeia, Vasiliev foi visitado por Aivazovsky, que naquela época estava no auge da fama. O mestre olhou com interesse as pinturas e esboços de Fedor e compartilhou sua experiência na representação do mar e da natureza do sul. Mas a natureza brilhante do sul não inspira o artista: ele pinta quadros baseados em esboços e esboços antigos.

Eriklik.Fantan (Crimeia).1872

Uma de suas melhores pinturas, “Wet Meadow”, nasceu aqui. Por isso, a Sociedade para o Incentivo às Artes concedeu-lhe um prêmio. Outro acontecimento importante ocorreu: a Academia de Artes concedeu a Vasiliev, que não passou nos exames do curso acadêmico, à revelia, o título de “artista de classe de primeiro grau”. Este título permitia concorrer a cargos oficiais e, ao ser admitido em serviço público receber a classificação de 12º ano.

Prado molhado.1872

Noite na Crimeia.1871-1873

Aos poucos o artista se acostuma com a natureza local e começa a pintá-la, mas caminho da vida Vasilyeva já está terminando. Sua última grande obra foi a pintura “Nas Montanhas da Crimeia”.

Nas montanhas da Crimeia.1873

Em 6 de outubro de 1873, Fyodor Alexandrovich Vasiliev morreu. Os amigos do artista organizaram sua exposição póstuma. Surpreendentemente, todas as obras ali expostas, incluindo esboços e esboços, estavam esgotadas antes mesmo de sua inauguração oficial. Apenas Pavel Tretyakov adquiriu 18 pinturas para sua galeria de uma só vez.

"Ele viveu um curto, mas maravilhoso vida criativa. “Ele estava destinado a trazer para a paisagem russa o que faltava e ainda falta a esta: poesia com execução natural”,

Kramskoy escreveu sobre ele.

I. N. Kramskoy Retrato do artista F. A. Vasiliev

Sob a grande tenda
Céus azuis -
Eu vejo a distância das estepes
Fica verde.

E nas suas bordas,
Acima das nuvens escuras
As cadeias de montanhas permanecem
Gigantes.

Através das estepes até os mares
Os rios estão rolando
E há caminhos
Em todas as direções.

Vou olhar para o sul -
Os campos estão maduros.
Que os juncos são grossos,
Eles se movem silenciosamente;

Formiga dos prados
Ele se espalha como um tapete,
Uvas nos jardins
Está chovendo.

Vou olhar para o norte -
Lá, no deserto do deserto,
A neve é ​​​​como penugem branca,
Gira rapidamente;

Levanta o peito
O mar é azul,
E montanhas de gelo
Passeios sobre o mar;

E o céu está em chamas
Brilho brilhante
Ilumina a escuridão
Impenetrável...

É você, meu
Soberana Rus'.
Minha pátria
Ortodoxo!

Você é largo, Rus',
Em toda a face da terra
Em beleza real
Virou-se!

@Ivan Nikitin

Konstantin Vasiliev é um artista brilhante e original, diferente de qualquer outro, cuja vida foi tragicamente interrompida durante os anos de estagnação Era soviética. O tema principal, leitmotiv, núcleo, espaço, ar das pinturas de Vasiliev é Rus'. Rússia Antiga. As pinturas, que foram uma verdadeira revelação nos anos setenta, reunindo inúmeras exposições nos anos oitenta, continuam a emocionar, encantar, emocionar milhares e milhares de cidadãos da Rússia de hoje com a consciência do seu início esquecido.

Em 1994, graças aos incríveis esforços dos entusiastas, um museu da obra de Konstantin Vasiliev foi inaugurado em Moscou, em Lianozovo. Em 2009, o museu foi incendiado. Como está o museu hoje e, mais importante, o que aconteceu com as pinturas? Esta é a história de Anatoly Ivanovich Doronin, diretor do Museu Cultura eslava em homenagem ao artista Konstantin Vasiliev.

A obra do artista Konstantin Vasiliev tornou-se amplamente conhecida do espectador somente após sua morte. Juntamente com meu amigo Coronel Yuri Mikhailovich Gusev, organizamos a primeira exposição de pinturas do artista em 1978 na sala de exposições da VOOPI e K ( Sociedade Pan-Russa proteção de monumentos históricos e culturais), na rua Razin, hoje Varvarka. Agora o prédio onde aconteceu a exposição foi devolvido à igreja e é conhecido como Catedral Znamensky.

Em que Hora soviética Parecia incrível que a abertura de uma exposição de um pintor então desconhecido, nem mesmo membro do Sindicato dos Artistas, bem no centro de Moscou. Mas aparentemente poder superior nos ajudou.

E um milagre aconteceu. Dia após dia, o número de visitantes da exposição aumentou exponencialmente. Moscou começou a zumbir como uma colmeia alarmada. É improvável que a história russa se lembre de uma entrada tão explosiva do artista na consciência das pessoas.

Em seguida, as exposições aconteceram em cidades acadêmicas - Pushchino, Obninsk. Especialistas e pessoas comuns aceitaram com entusiasmo o trabalho do talentoso artista russo. De mês a mês, a espiral de exposições intermináveis ​​das pinturas de K. Vasiliev desenrolava-se pelas cidades distritais e regionais até abranger quase toda a União Soviética.

Também exportamos pinturas para o exterior - para Bulgária, Iugoslávia, Espanha.

Um fluxo entusiástico de respostas emocionais do público materializou-se em centenas de livros de resenhas, nos quais a frase de Pushkin soava como um refrão invariável: “...Aqui está o espírito russo, aqui cheira a Rússia!”

O redemoinho destes acontecimentos durou dez anos e, devo admitir, exigiu um enorme esforço de nós, dois oficiais do exército soviético, pois nos privou de quaisquer dias de folga e de qualquer tempo livre. Com efeito, para além da organização e realização direta de exposições, a sede do público por informação sobre a vida e obra de um artista original exigiu da nossa parte um trabalho de investigação.

Durante esses anos, tive que escrever vários livros sobre o artista, incluindo “Rus’ Magic Palette” na editora Molodaya Gvardiya, e também publicar um livro da série “Life” lá. pessoas maravilhosas" Conseguimos a publicação de conjuntos de postais com reproduções de pinturas de K. Vasiliev nas editoras “Pravda” e “Izvostnoe Iskusstvo”. Este já era o reconhecimento oficial do pintor!

Mas a carga colossal sobre as pinturas não poderia deixar de causar preocupação quanto à sua segurança. A mãe do artista, Claudia Parmenovna, que nos confiou as pinturas, levantou com razão a questão da criação de um museu ou galeria de Arte pelo legado criativo de seu filho. Ao mesmo tempo, ela pediu moradia na cidade onde as pinturas encontrariam seu lar.

Ao resolver este problema, encontramos dificuldade em atender a essas duas condições.

Em Podolsk, por exemplo, foi inaugurada uma maravilhosa sala de exposições e as autoridades da cidade estavam prontas para transferi-la para uma exposição permanente de pinturas de Konstantin Vasiliev. No entanto, eles nem queriam ouvir falar do fornecimento de moradia e registro perto de Moscou! Na cidade de Vidnoye, ao contrário, estavam dispostos a se cadastrar e fornecer moradia, mas não conseguiram encontrar local para as pinturas.

Finalmente, na cidade de Kolomna, onde realizamos a próxima exposição, o presidente do comitê executivo, Nikolai Redkin, ofereceu uma antiga casa de dois andares do notável escritor russo do século XIX, contemporâneo de Alexander Sergeevich Pushkin, Lazhechnikov. , para a exposição de pinturas de K. Vasiliev. Estava prevista a inauguração de um museu do artista em um andar do prédio e de um museu literário no outro. A cidade alocou um apartamento de quatro cômodos para a família Vasiliev, para onde Klavdia Parmenovna e sua família logo se mudaram.

Em gratidão por isso, a mãe de Konstantin Vasiliev doou para a cidade sete obras de seu filho da série “Epic Rus'”.

Fomos confrontados com a tarefa de transformar a casa de Lazhechnikov num museu às nossas próprias custas. Acumulamos algum dinheiro com as vendas ingressos de entrada em exposições de pintura anteriores. Inesperadamente, membros do Komsomol da cidade vieram em socorro, oferecendo-se para abrir uma conta para arrecadar fundos adicionais para a restauração do prédio. Eles abriram essa conta. Ali acumulamos todas as nossas economias e começamos a divulgar amplamente informações sobre a arrecadação de doações para a construção do museu do artista Konstantin Vasiliev. As pessoas responderam ativamente ao nosso apelo: a conta bancária foi rapidamente reabastecida.

Mas depois de algum tempo, o referido presidente do comitê executivo me convidou para sua casa e me contou sobre a visita da intelectualidade criativa da cidade, liderada pelo artista Mikhail Abakumov. Estas pessoas expressaram inequivocamente a sua “indignação” geral pelo facto de a cidade ter decidido transferir o edifício para um museu “para algum varangiano”, e não para um artista local. Depois de se desculpar, Redkin tirou de nós as instalações que havia alocado anteriormente, dizendo que a família Vasiliev já estava instalada e que poderíamos comprar um prédio para um museu com os recursos arrecadados.

Dentro da cidade, conseguimos encontrar à venda um prédio particular de madeira, novamente de dois andares. Poderia ter sido demolido e construído um novo de tijolos. Com esta proposta, procurei Igor Tarasov, responsável pela conta bancária aberta pelos membros do Komsomol. Sua resposta simplesmente me surpreendeu:

Nós decidiremos por nós mesmos como e em que gastar o dinheiro!..

...Klavdia Parmenovna e eu pensamos durante muito tempo sobre o que deveríamos fazer agora. Decidimos começar tudo de novo.

Era 1988, quando eu, junto com o período de serviço em Sakhalin, acumulei vinte e cinco anos de serviço e decidi pedir demissão para me dedicar inteiramente a um negócio. Depois de se aposentar, ele criou o Konstantin Vasiliev Painting Lovers Club na filial da cidade de Moscou da VOOPI e K, e já em Moscou começou a procurar instalações adequadas para o museu.

Enquanto isso, paralelamente a isso, sete pinturas doadas à cidade de Kolomna caíram nas mãos dos “membros empreendedores do Komsomol” locais. Assim foi desferido o primeiro golpe na coleção de pinturas de Vasiliev...

Klavdia Parmenovna autenticou a transferência de todas as pinturas restantes para o Clube, mantendo a mesma condição: ela teria que morar no local onde seriam localizadas as pinturas do artista.

Para resolver este problema, o Clube comprou dois grande trabalho filho: “Valquíria sobre o morto Siegfried” e “Nascimento do Danúbio”. Comprei-o porque, de outra forma, nos tempos soviéticos, era impossível simplesmente retirar fundos da sua conta e transferi-los para outra pessoa. Com trinta e oito mil transferidos para a família Vasiliev, naquela época foi fácil comprar uma casa boa e sólida no subúrbio mais próximo de Moscou. Mas por algum motivo isso não aconteceu.

Logo, no distrito de Timiryazevsky, na capital, o Clube foi oferecido para assumir em seu balanço os destruídos mansão antiga, que fica a poucos passos do Lianozovsky PK e O, e com recursos próprios para restaurá-lo como “nosso” museu.

Demorámos dez anos a restaurar o edifício e a tão esperada inauguração do Museu Konstantin Vasiliev. A falta de recursos arrecadados, a maior parte deles gastos na compra de dois quadros pelo Clube, atrasou a construção.

Infelizmente, a mãe do artista não viveu para ver o feliz aniversário do museu. Ela faleceu em 1994...

De 1998 a 2008, trabalhamos ativamente, atraindo admiradores do talento do artista de todo o país e do exterior.

A irmã do artista, Valentina Alekseevna, foi nomeada diretora do museu. Ela imediatamente se mudou para Moscou e ocupou o escritório do Clube - um apartamento de três cômodos que nos foi alocado do estoque não residencial.

As autoridades municipais certa vez prometeram dar à família do artista seu próprio apartamento após a conclusão das obras, mas quando o museu foi inaugurado, exigiram em troca que parte das pinturas do artista fossem transferidas para a cidade.

Valentina Alekseevna concordou em doar à cidade toda a série militar, mais as pinturas “Pátria” e “Nascimento do Danúbio” com a condição de que estas pinturas permanecessem no museu do artista. O Comitê de Cultura de Moscou avaliou as dez pinturas doadas por K. Vasiliev em 27 mil rublos. Como resposta, a cidade transferiu o nosso escritório de não residencial para residencial e registou-o em nome da família Vasiliev. O custo do apartamento assim surgido foi de 17 mil rublos.

Apesar da diferença de preços, a troca ocorreu. Pelo contrato, as pinturas foram registradas como propriedade do Novo Manege.

Então não podíamos nem imaginar, não podíamos imaginar que na primeira oportunidade possível a cidade, por um motivo formal, retiraria as pinturas por um tempo, mas depois nunca mais as devolveria.

Assim ocorreu a segunda perda perceptível de algumas pinturas, o que traumatizou muito o acervo do artista.

O motivo da remoção das pinturas foi a primeira apreensão do museu por invasores em 2002. Três anos depois, o ataque dos invasores foi repetido.

Pela natureza do talento do artista, ou talvez por outro motivo, os funcionários do museu nunca tiveram uma vida tranquila. O segundo motivo dos constantes ataques ao museu foram os terrenos - dois hectares e meio de território adjacente diretamente ao museu e destinados ao Clube em 1993 para a construção do Centro de Cultura Eslava.

O clube elaborou e aprovou um anteprojeto para um centro cultural, desenvolveu a primeira etapa de um projeto de trabalho e ainda conseguiu construir um teatro folclórico infantil como parte do projeto em forma de torre russa de toras. Mas desde 2002 todo o trabalho criativo do clube parou.

Estivemos envolvidos em diversas batalhas jurídicas para defender nossos direitos. Os acontecimentos mais difíceis e dramáticos ocorreram em 2009, quando a irmã da artista herdou as pinturas na Justiça e exigiu que todo o acervo fosse transferido para ela.

De acordo com as exigências dos oficiais de justiça, o Clube teve de realizar um exame artístico para confirmar a autenticidade das pinturas. Isso pode custar muito dinheiro. Inesperadamente, um escritório de advocacia com o qual havíamos estabelecido relações amistosas de longa data ofereceu-se para fornecer tal serviço gratuitamente.

Sem duvidar da integridade dessas pessoas, entreguei ao seu representante Escritório de advocacia toda a coleção de pinturas e entreguei-lhe o certificado de transferência e aceitação, assinado por mim.

Depois de descarregar as pinturas do carro e pegar o documento, disse que amanhã assinaria com a direção, pois hoje não havia ninguém na empresa. Ele me escreveu algum tipo de recibo como garantia.

Imagine meu choque quando no dia seguinte me disseram que a empresa não aceitava pinturas! Além disso, recebi uma ata falsa da reunião do Clube, na qual teria sido destituído do cargo e exigido que fosse entregue ao novo Presidente do Clube, funcionário deste escritório de advocacia, todos os documentos constitutivos da nossa organização pública.

Naturalmente, apresentei queixa criminal à polícia e, juntamente com outros membros do Clube, tentei trazer algum sentido à gestão da empresa. Para nenhum proveito.

Poucos dias depois, o próprio presidente recém-nomeado do Clube me ligou e me convidou para um encontro. Com a esperança de que a pessoa recobrasse o juízo e decidisse não pecar contra sua consciência e não infringir as leis, corri para a reunião. Lá recebi um ultimato, que listava todos os documentos que devo entregar a esses golpistas. E no último parágrafo havia um aviso ameaçador de que se eu não cumprisse o seu “pedido” até 22 de Setembro, teria consequências terríveis.

Naturalmente, reagi duramente a tal ameaça.

Todos os membros do Clube e do Conselho Curador do Clube, bem como pessoas próximas a nós em aspirações espirituais, juntaram-se à luta pela devolução das pinturas. Às vezes, funcionários de televisão e jornalistas desconhecidos ligavam para mim, apontando o rastro de pinturas roubadas. Relatei isso ao investigador que conduzia o processo criminal sobre roubo de pinturas, mas ele liberou tudo sem problemas. Era óbvio que o caso era tendencioso, que o escritório de advocacia estava cumprindo a ordem “superior” de alguém e estava legalmente protegido.

Bombardeamos com cartas o Ministério Público, o FSB, e até enviamos uma carta ao presidente do país, na época D. Medvedev, assinada pelos membros do Conselho Curador do Clube: Valentin Grigoryevich Rasputin, Mikhail Ivanovich Nozhkin, Vladimir Nikolaevich Krupin.

Esta carta aparentemente teve um efeito razoável, já que o chefe do malfadado escritório de advocacia começou a ligar freneticamente para pessoas respeitadas do Conselho de Curadores e, ameaçando-os com ações judiciais, exigiu descaradamente que retirassem as assinaturas da carta enviada ao Presidente. Para crédito destas pessoas dignas, elas não tiveram medo das ameaças e não mudaram de posição.

No final, através dos esforços de muitas pessoas e de decisões judiciais, destruímos o bastião dos atacantes. Todas as pinturas foram descobertas, presas e entregues à sucessora legal - Valentina Alekseevna Vasilyeva.

Durante muito tempo, os parentes tiveram medo de exibir publicamente as pinturas. Porém, depois de algum tempo, eles ainda estavam expostos no centro de Kazan, no endereço: Bauman Street, 8.

Na pátria criativa de K. Vasiliev, o seu legado é verdadeiramente tratado com reverência, tendo fornecido uma mansão no centro para permanente exposição atual pintor! A esta exposição juntou-se também aquela parte do acervo que anteriormente pertencia a amigos do artista. Esperemos que a biografia do legado de Vasiliev receba um maior desenvolvimento.

Nós, do museu de Moscou, temos que nos contentar com o que temos. Esta é a tela “Valquíria sobre o morto Siegfried”, uma série de obras antigas e infantis de K. Vasiliev e, claro, cópias de suas pinturas.

O Museu da Cultura Eslava que leva o nome de Konstantin Vasiliev reúne agora sob o seu teto artistas que trabalham com temas eslavos e próximos em espírito da herança criativa do brilhante pintor russo, que conseguiu despertar a nossa memória genética e inflamar os nossos corações com esperança.

Continuamos a publicação da monografia de Natalya Alekseevna Vasilyeva sobre seu pai.

A. Vasiliev Nas encostas da Moldávia

Alexey Alexandrovich escreveu certa vez em seu diário: “Parece-me que as emoções que movem um artista, os impulsos que o inspiram a criar, também têm sua própria geografia de solo, sua própria geografia espiritual. sócio-psicológico coordenadas, suas áreas produtivas e secas...".

Um dos impulsos emocionais importantes que inspiraram a criatividade de Alexey Alexandrovich foi o presente brilhante de um espectador agradecido e conhecedor de arte. Compreendendo profundamente a essência e o propósito da arte, ele disse que “a beleza na arte, na pintura, não é admirar a cor ou a linha, a forma ou o espaço”, “não é apenas amor... pela beleza infinita do artesanato”, “ é, antes de tudo, um apelo à sabedoria e ao talento humano com intermináveis ​​​​questões “como viver?”, “em quem a vida deve ser baseada?” Atribuindo um grande papel ao poder emocional da arte, ele a chamou de “uma bússola no mar tempestuoso da vida”, enriquecendo, melhorando e desenvolvendo a psique, os pontos de vista, a moralidade, moldando o comportamento emocional e social, expandindo horizontes cognitivos, e sintonizando a pesquisa criativa. / A. A. Vasiliev. A solidão de Gioconda?.. - “Noite Chisinau”, 1973, 10 de dezembro./

Um dia, após visitar um museu, escreveu um conto revelando sua compreensão poética e filosófica trabalho de arte. Alexey Alexandrovich escreveu sobre o “Filho Pródigo” de Rembrandt: “Ninguém pense que o encontro do filho pródigo com seu pai ocorreu em silêncio.

Se você entende de arte, a sabedoria das palavras de seu pai e a severidade de palavras tristes filho.

O pai não dirá então:

Meu filho! Não estive longe de você por uma única hora em todos esses anos e, portanto, não sei o que lhe dizer. Você veio ao seu lar e ao seu pai da mesma forma que vinha todos os dias depois do trabalho, só que hoje você é mais sábio do que ontem. Vamos para casa. O almoço está esperando por você.

Filho: - Pai! Eu vim com um terno rasgado e com a alma ferida. Perdoe-me não por sair de casa, mas por voltar.

Eu sei que minha mãe morreu de lágrimas, mas você não sabe que é ainda mais difícil viver sem lágrimas. Voltei para chorar por ela e pela minha vida longe de casa, e estou feliz agora porque tive a oportunidade de chorar.

Sempre ouço essas palavras quando assisto “Filho Pródigo”.

Alexey Alexandrovich percebeu Vrubel de forma completamente diferente - “... Perto de Vrubel você ficará em silêncio. Parecerá inapropriado falar sobre suas obras também porque será difícil transmitir a complexidade de suas idéias e sentimentos causados ​​por suas pinturas únicas.

É mais fácil vivenciá-los em silêncio. Eles respondem aos seus pensamentos não ditos e não expressos (ou melhor, pensamentos não expressos).

Meu pai conhecia bem os magníficos tesouros da arte soviética e, em primeiro lugar, a Galeria Tretyakov e o Hermitage. Ele visitou muitos museus de arte estrangeiros - o Louvre, o Vaticano, o Museu Boijmans na Holanda, o Museu Ataturk em Istambul, etc.

Ele disse que “é preciso melhorar e desenvolver o seu senso estético sobre a cultura que a humanidade criou”, mas “a arte não pode ser enriquecida estudando apenas a gramática do museu”.

Toda a obra de Alexey Alexandrovich está subordinada a uma grande vontade de estar próximo da vida das pessoas, de ser moderno, sobre a qual escreveu: “Para nós, a modernidade não são as tendências formais da moda na arte, mas a vida dos nossos povos nativos. . Sim, estamos afastados de todos os “ismos”, mas estamos com o povo!..

Você conhecerá um artista em uma fazenda coletiva, em uma malharia, em uma garagem de locomotivas, em uma fábrica mecânica. Isto revela a nossa compreensão da época e da modernidade, a nossa compreensão da ligação do artista com a vida do seu povo.” / A. Vasiliev. O que significa ser moderno? - “Cultura Soviética”, 1959, 1º de janeiro/.

Para ele, a Moldávia continuou a ser uma fonte constante de impressões. A crescente prosperidade das fazendas coletivas, a energia efervescente das pessoas que cultivam campos, pomares e vinhas falavam de enormes perspectivas para o seu desenvolvimento. Em suas pinturas, ele reage com sensibilidade a todas as mudanças que ocorreram na Moldávia após a guerra (“Pravda” escreve sobre nós, “Em uma fazenda coletiva de aves”, “Central Hidrelétrica Dubossary”).

Na granja

Em quase todas as pinturas dos anos 50, a paisagem desempenha um papel importante. Ele está cada vez menos satisfeito com os arredores de Chisinau. Esta década foi uma época de viagens pela república.

Do início da primavera ao final do outono, Alexey Alexandrovich fez esboços por um período de 6 a 10 dias. Às vezes eu o acompanhava, mais frequentemente o filho de seus amigos, Igor Grigorovich. /I.V.Grigorovich - pintor, membro do Sindicato dos Artistas da URSS, professor associado do departamento de desenho do Instituto Estatal de Teatro e Arte da Bielorrússia/.

Ele lembra: “Via de regra eram feitos dois esboços: da manhã até uma da tarde - um, e logo após o almoço e antes do pôr do sol - o outro. Às vezes, além deles, eram escritos esboços de uma sessão sobre o crepúsculo ou as condições chuvosas, de modo que todos os dias eram preenchidos ao máximo com trabalho.”

A abordagem para trabalhar a partir da vida também é única. I. Grigorovich também escreve sobre isso: “Alexey Alexandrovich esteve muito atento à escolha do local para o próximo esboço. Ele caminhou muito pelo bairro, subiu em lugares altos, semicerrou os olhos e olhou longamente a paisagem. Ele foi especialmente atraído pelas distâncias azuis ou colinas arborizadas com belas e pitorescas áreas calvas. Dos estados do dia, ele mais gostou da hora do pôr do sol, quando o céu, a distância e o meio-termo ainda estavam iluminados pelos últimos raios de sol, e parte do primeiro plano já estava imersa na sombra. Esta condição é uma das mais belas, mas também difícil para um pintor paisagista, pois não dura muito. Com maestria, em uma ou duas horas, ele preparou a obra para esse momento de forma a literalmente “pegá-la” na tela em poucos minutos.

Naqueles anos, fiquei muito surpreso com a coragem com que ele abordou a composição da paisagem sobre tela. Ele retirou com total liberdade um arbusto ou árvore que atrapalhava a composição e ao mesmo tempo pintou outra árvore, ou mesmo pedaços inteiros da paisagem de um local de sua preferência.”

Alexey Alexandrovich selecionou cuidadosamente as coisas mais típicas da paisagem moldava. Ele pintou colinas cobertas de pinheiros e nozes espalhadas. Tenros brotos de primavera de curta duração, vegetação exuberante tenha um longo verão e um outono exuberante e brilhante. O inverno não é típico da natureza generosa da Moldávia. Observando bastante a natureza, o artista introduziu na paisagem retratada elementos da sua própria simpatia pela melodia suave das colinas, pelos efeitos da iluminação outonal e noturna, enfatizando as especificidades do local onde a paisagem foi pintada. As paisagens “Floresta em Capriani”, “Perto do Dniester”, “Nas proximidades de Vadul-lui-Vod”, “Verdura primaveril” são extremamente sinceras.

Floresta em Capriani

Nas proximidades de Vadu lui Vod

Nos anos 50, o meu pai continuou a sua busca persistente por uma imagem típica da natureza da Moldávia, estudando as características da paisagem da região e as harmonias de cores características. Ele escreve em seu diário: “A tipificação é um processo complexo que representa a unidade de dois momentos contraditórios de criatividade - generalização e individualização, que ocorrem simultaneamente e se interpenetram”.

Alexey Alexandrovich cria uma série de obras nas quais mostra a riqueza da natureza da Moldávia, a amplitude dos seus espaços abertos. Nos filmes “Na planície aluvial do Dniester”, “Moldávia. Codri" transmite o significado da imagem da natureza numa solução panorâmica.

Pátria.

Para a pintura “Terra Nativa”, que retrata um recanto da natureza típico da Moldávia, ele também encontrou uma solução monumental. Mas na década de 50, o desenvolvimento da pintura de paisagem na obra de Alexei Alexandrovich seguiu justamente o caminho do interesse pela imagem da natureza modesta e ordinária, que aos poucos aboliu a monumentalidade. Isto foi ditado pelas características da nossa república - geograficamente pequena, mas acolhedora e bonita. No entanto, a pintura “Terra Nativa” foi considerada “um fenómeno gratificante na exposição” e “a primeira tentativa na pintura moldava de retratar poeticamente a natureza da Moldávia”. /K.Rodnin, V.Shirokiy. Rumo a uma nova ascensão nas artes plásticas da Moldávia. - “Moldávia Soviética”, 1955, 5 de abril./ Os trechos claros dos campos ondulados na superfície inclinada da terra, o verde dos codri na colina, o céu inquieto dão-lhe um clima de excitação. A coloração cinza-rosada noturna da pintura contribui para esse clima.

O artista está muito atento à composição das paisagens. Já em “Terra Nativa”, graças à estrada e às árvores que se estendem em perspectiva, localizadas ritmicamente no plano do quadro, há uma sensação de encerramento composicional.

Sempre exigente com seu nível profissional, Alexey Alexandrovich agora dá muita atenção lado técnico obras, ele escreve em seu diário: “Meus esboços são muito líquidos. A escrita líquida os torna leves - intangíveis. É necessário compactar a superfície, claro, isso não significa que fazer a superfície seja a tarefa principal. Esta é uma das tarefas e também deve ser resolvida.” Ele também se preocupa com a solução do espaço, com a transferência de uma sensação de profundidade no plano da tela. “...o assunto de atenção incansável devem ser planos, planos, planos”, escreve ele. “Em uma imagem, um ligeiro afastamento deve sempre ser notado na interpretação.” Mas a maior atenção de meu pai está voltada para a expressividade do trabalhar. Ele escreve sobre sua pintura “Moldávia. “Codry”: “Se no meu “Codry” eu tivesse deixado a macieira em primeiro plano - um relvado em vez de uma vinha, a imagem teria falhado - teria falhado poeticamente. Daí a conclusão de que a poesia e a expressividade são a característica mais importante, senão a base da expressividade de uma obra.”

Em essência, na sua visão de mundo, meu pai era um poeta lírico. Ele escreveu sobre a “beleza rendilhada das árvores”, sobre a pequena aldeia “perdida nas dobras das colinas corcundas cobertas pela floresta de outono”.

Num acesso de admiração juvenil, sentindo uma consonância espiritual com a poesia de Yesenin, escolheu o pseudônimo de Yesin. /Pinturas, artigos de A. A. Vasiliev, datados do início dos anos 30 e 40, eram frequentemente assinados por Esin ou Esin - Vasiliev. /Mas apenas a imagem de A. S. Pushkin se refletiu na obra do artista.

Em sua juventude, Alexey Alexandrovich pintou pinturas sobre temas históricos - “Pushkin na Floresta Pavlishchensky”, “Pushkin na Bessarábia”.

A paisagem está mais próxima da poética da poesia - fala de rimas de harmonias, plasticidade e cor. Portanto, as obras mais poéticas associadas ao nome do querido poeta foram escritas na década de 50 na aldeia de Dolna.

Em “A Aldeia de Dolna” / “A Aldeia de Dolna” - pertence ao Museu de Moscou de A.S. Pushkin/ expressa-se claramente o desejo do autor de se aproximar da poesia de seu querido poeta.

A paisagem transmite a beleza lírica do entardecer da estepe com as distâncias recuando no misterioso crepúsculo, com as flores cintilantes da fabulosa roseira brava e a estrada que convida a uma viagem poética ao longo da qual o jovem poeta deixou o Vale pela cigana Zemfira. No sopé da colina existia uma aldeia, o acampamento ficava “... nas aldeias, ao longo da estrada das estepes, perto do pátio da Moldávia”...

A composição da paisagem é “rimada” musicalmente: um morro, um arbusto, uma estrada e novamente um morro... A cor verde suave combina exatamente com o silêncio insinuante do crepúsculo. “...Um silêncio sonolento desce e no silêncio da estepe só se ouvem os latidos dos cães e o relincho dos cavalos.”

Alexey Alexandrovich transmitiu aquele clima pensativo da natureza, que contribuiu para a criação das obras líricas do poeta.

Em desenho pastel, o pai retrata Zemfira. No som suavemente melódico da cor pode-se adivinhar o encanto misterioso da bela cigana. As pinturas “Rally House in Dolna” e “Igreja da Anunciação em Chisinau” são dedicadas ao tema Pushkin.

Aldeia Dolna

Casa de Rally em Dolnya

Quase simultaneamente, Alexey Alexandrovich escreveu uma série de paisagens líricas dedicadas a G. I. Kotovsky - “A casa onde G. I. Kotovsky nasceu”, “No Velho Ganchesti”. E, ao criar essas telas, o artista volta a enfatizar a ideia de seu desejo de “transformar a paisagem em pintura de humor. Das atrações à beleza poética.”

A busca por harmonias de cores na obra de meu pai não se destacou como um problema separado, mas estava naturalmente entrelaçada no complexo processo de tipificação.

Meu pai era um colorista extraordinariamente sutil que teve um “ataque de franco-atirador” em cor desejada. No entanto, ele escreveu em seu diário: “Mas o que é necessário não é talento para a cor, nem talento no sentido de composição, mas talento na capacidade de admirar a vida, talento na generosidade espiritual - essas características aumentarão tanto o senso de cor quanto a beleza da composição, mas não vice-versa.”

A. A. Vasiliev resume suas impressões acumuladas sobre a Moldávia e expressa de forma poética sua admiração pela beleza da terra transformada. Ele cria uma série de imagens encantadoras da república - “Codry” / 1958 /, “Outono na Moldávia”, “Cores natureza de outono" Esses três são absolutamente vários trabalhos estão unidos pelo fato de terem sido escritos quase inteiramente em vida. Mas você não pode chamá-los de esboços. Criando uma imagem poética em comunicação direta com a natureza, sempre buscou a completude pictórica, acreditando que a incompletude do esboço reduz a qualidade emocional da obra. “A doença da paisagem é o etudismo”, escreveu o meu pai no seu diário, “que substituiu a pintura, esta é uma solução não composicional da paisagem, reduzindo o conteúdo estético e emocional. Muitas vezes é uma conversa complicada sobre motivos simplificados ou sobre o destaque de notas emocionais únicas em vez de uma composição orquestral ou coral.”

O método de trabalhar da vida do meu pai também era único. Segundo a história de I. Grigorovich, Alexey Alexandrovich “...apesar das mudanças naturais na iluminação, ele continuou a trabalhar, selecionando os sinais e propriedades mais constantes e estáveis ​​​​dos objetos. Ele não escreveu apenas em pedaços individuais da paisagem, mas dia após dia encontrou e enfatizou o mais interessante, o mais característico na cor e na natureza da iluminação que revela a forma.”

“Codry” é um dia de verão, um estado de natureza muito difícil de retratar devido à monotonia do verde. Graças à profunda transparência das sombras e ao rico e brilhante jogo de luz nas árvores e gramíneas, Alexey Alexandrovich encontra e transmite a riqueza colorida da paisagem. A floresta com sua vegetação fresca e perfumada atrai você para seus matagais frescos, acompanhando o clima de paz serena. A expressividade plástica do morro, os vários aglomerados de árvores, o leve movimento do céu - tudo tem uma característica concreta, completa e altamente artística.

A pintura “Outono na Moldávia” foi exibida na Exposição Mundial de Bruxelas.

A paisagem revela um sentimento casto de admiração poética pela beleza da natureza, expressa por meios composicionais sobressalentes e delicadeza sutil de cores. É pintado em tons quase pastel de azul acinzentado e rosa ocre. O horizonte baixo permitia desenhar com cores a delicadeza dos galhos das árvores contra o céu claro. Cria um clima de tristeza silenciosa e solidão agradável.

Nessa época, meu pai escreve em seu diário um pensamento que, na minha opinião, está próximo de todos os pintores paisagistas: “Você bons artistas a paisagem é dotada de características Estado interno autores definindo sua atitude em relação a isso, dotando-os de complexos complexos de suas experiências.”

Outono na Moldávia

Alexey Alexandrovich pintou muito no outono, ele amava a “exuberante decadência da natureza”. E em cada paisagem a alma do artista soava diferentemente sintonizada.

Se em “Outono na Moldávia” se pode ler um clima complexo de tristeza silenciosa, e em “Codras” - de paz serena, então em “Cores da Natureza do Outono” há a alegria de comunicar com a sua beleza exuberante.

A paisagem “captou” aquele breve momento antes do anoitecer, quando o verde do outono e a aldeia confortavelmente aninhada nele brilhavam sob os raios brilhantes do sol poente. A coloração vermelha dourada e as pinceladas rápidas conferem à pintura uma sonoridade invulgarmente autêntica. No conforto noturno da aldeia ouve-se o mugido de um rebanho que se aproxima e os cheiros apimentados da comida sendo preparada para o jantar.

Alexey Alexandrovich opôs-se ao facto de a compreensão da natureza ideológica da paisagem “incluir a exigência não muito correcta de mostrar equipamentos agrícolas ou outros nos campos, rios e estradas”. o artista deve mostrar não apenas a capacidade de formalizar esse conteúdo, mas também o poder do pensamento para compreendê-lo.”/N. Poussin. Sobre alguns tipos de arte de grande estilo. Sobre o tema da imagem, conceito e estilo. — No livro: “Historiador da estética. Um monumento ao pensamento estético mundial." M., "Iskusstvo", 1964, vol. 11, p. 232/. Ele acreditava que no desenvolvimento de motivos ideológicos e de enredo na pintura de paisagem deveria haver um "tema sobre a transformação de uma natureza renovada e enriquecida." Ou seja, as paisagens de câmara dos anos 40 são inferiores em sua obra local para obras em cuja composição, cor, senso de beleza da natureza, sinceridade de humor, todos soam juntos em um único ritmo “ obras orquestrais“sobre a fertilidade, a diversidade e a beleza da nossa querida Pátria.

Enquanto viajava pela Moldávia, meu pai teve a ideia do quadro “Os caminhos da guerra estão cobertos de vegetação”. Foi precedido pela criação do quadro “Tragédia de Rybnitsa”, cujo enredo era o fato histórico da massacre sangrento cometido pelos nazistas contra guerrilheiros capturados, combatentes clandestinos e oficiais do exército soviético. O enredo da tela “Caminhos de guerra estão cobertos de vegetação” é simples: em uma colina inundada pela luz do entardecer, há um pacífico rebanho de fazenda coletiva, perto de pastoras - crianças - conversando. Distâncias azuis com vislumbres de um rio e um céu alto e calmo criam o clima de uma noite perfumada de verão comum. Uma casamata destruída, pedras espalhadas, um funil cheio de água lembram-nos os acontecimentos que aqui aconteceram. “Este trabalho otimista é permeado de profunda reflexão e inspiração. O futuro pertence ao triunfo da vida, da paz e da felicidade” / “Cultura Soviética, 1957, 17 de agosto/ - os críticos escreveram sobre esta imagem.

Alexey Aleksandrovich fez seus esboços da natureza na área de Vadul-lui-Vod e depois procurou um tema composicional nos esboços. Em uma das opções, ele tentou um formato horizontal, representando uma casamata, perto da qual um soldado estava e contava à namorada sobre os acontecimentos da guerra. O meu pai abandonou muito rapidamente este plano, considerando que “um pensamento, uma ideia, reduzida a um facto ordinário e único, perde a força e o significado de uma obra ideológica”.

Na versão final, partindo da natureza, ele conseguiu a expressividade da composição elevando levemente o outeirinho, valorizando assim o centro do quadro. A integridade da imagem foi realçada pela fidelidade e beleza das cores. KD Rodnin escreveu que o som figurativo da pintura “baseia-se na resolução da complexa tarefa da pintura de transmitir de forma convincente o estado da natureza por meio de tom e cor, organizado pelo artista em um som colorístico que revela visivelmente a beleza do trabalho pacífico e revela seu desejo sincero de estabelecer a paz, de lutar contra as forças que desencadeiam uma nova guerra.”/K.D.Rodnin. Manuscrito./

A paisagem desempenha um papel importante na revelação do conceito da pintura - é esta paisagem que cria a imagem da terra natal, em cujo solo foi derramado o sangue dos heróis.

Trilhas militares estão cobertas de vegetação

Nos álbuns da década de 50, junto com os já tradicionais redesenhos de obras de grandes mestres, aparecem muitos desenhos de diversos tipos. Com observação sutil, o artista percebe as características de seus personagens. Nessa época, foi feito um desenho do neto de Aivazovsky - um capitão do mar, um velho severo e severo.

Ele desenha a alegre estudante de cabelos cacheados Zhenya Panfilova e o homenageado professor VK Vetra, que joga xadrez com concentração. Vivaz Rosto bonito Herói da União Soviética N.D. Sharova fala de um caráter obstinado e corajoso.

Alexey Alexandrovich deixou muito poucos retratos na pintura.No entanto, a julgar pelos desenhos, esse gênero era próximo de seu pai.

Nos seus artigos, discursos e anotações de diário daqueles anos, sente-se a sua constante responsabilidade para com a arte moldava.

Toda a vida criativa de Alexei Alexandrovich esteve associada a grandes responsabilidades e a um trabalho social sério. Em 1956, seu pai tornou-se membro do PCUS e logo depois tornou-se secretário da organização partidária do Sindicato dos Artistas da Moldávia. Foi eleito membro do comitê municipal do Partido Comunista da Moldávia, presidente do Sindicato dos Artistas da Moldávia. Ele observou com satisfação que agora “... as belas-artes da Moldávia estão se desenvolvendo como uma arte nacional...” Ele escreveu sobre a aparência da cidade, sobre a arte popular e infantil, sobre seus colegas M. Gamburd e I. Titov, \- A. Vasiliev. SE. Titov. M., “Artista Soviético”, 1955./ e os então jovens artistas L. Grigorashenko, M. Petrika, I. Bogdesko e outros.

Alexey Alexandrovich desejava que os mais talentosos deles entrassem “... nas belas-artes da Moldávia pela porta da frente, aberta para jovens talentosos e trabalhadores que dão o seu trabalho, o seu talento ao povo”. / A. Vasiliev. Trabalho e talento para o povo. - “Moldávia Soviética”, 1957, 18 de julho./

A obra de Alexei Alexandrovich foi, sem dúvida, influenciada pela arte de seus artistas favoritos, com quem estudou constantemente. No entanto, esta influência manifestou-se de forma muito insignificante em algumas obras específicas. Era de natureza bastante geral. “Não podemos ignorar o desejo de cada artista”, escreveu Aleksey Alexandrovich, “de procurar os seus próprios meios de expressão, a sua própria estrutura de imagens artísticas, o seu próprio estilo individual profundo. Cuidar da identidade pessoal permanecerá sempre uma tarefa viva e eterna, conhecida por todos os mestres.”

Alexey Alexandrovich, como já mencionado, gostava muito das paisagens de A. Ivanov, I. Levitan, K. Korovin, V. Serov, S. Gerasimov, A. Plastov e apreciava muito E. Delacroix. Seu “Diário” era o livro de referência de seu pai. E uma reprodução da pintura “Cavalos árabes lutando em um estábulo” ficava constantemente pendurada no estúdio. Ele foi atraído pelas paisagens sublimes de N. Poussin, especialmente “Paisagem com Polifemo”. Nos anos 60, Alexey Alexandrovich escreveu sobre A. Matisse: “Senti-me atraído por ele. Ele sabe cantar a linguagem das cores melhor do que outros. Eles são musicais, puros e harmoniosos. Ele é intolerante...a compostos coloridos complexos. São espectralmente brilhantes e ao mesmo tempo soberbamente orquestrados.” E escreve com o mesmo entusiasmo sobre P. Gauguin: “Ele é mais poético que a natureza e ao mesmo tempo não existiria sem ela. Ele tirou dela mais do que ela tinha, pois se acrescentou a ela.”

Não podemos deixar de concordar com a opinião de KD Rodnin, que escreveu sobre o estilo criativo de seu pai, que “... baseia-se na livre transferência impressionista de formas e planos, o que permite um aproveitamento mais completo das possibilidades colorísticas da pintura. A complexa escala de relações de cores neles é reduzida à unidade tonal, ajudando a transmitir luz e ambiente aéreo" /K.Rodnin. A. A. Vasiliev. -Catálogo, Chisinau, “Timpul”, 1972./

Alexey Alexandrovich de fato estudou algumas das técnicas dos impressionistas, mas ao mesmo tempo criou todas as suas obras, mantendo-se fiel aos princípios do realismo, argumentando que “nenhum problema artístico criativo ou formal é capaz de inspirar uma arte que rompa os laços com a realidade , com o mundo fervilhante de conexões vivas com a vida, com as ideias e os ideais do seu tempo, do seu ambiente, da sua sociedade e das pessoas." Mas, escreveu ele, “a arte sempre se baseou numa multiplicidade de tradições, numa continuidade incondicional.” E continuou: “...as grandes tradições artísticas estão vivas no nosso tempo, não porque sejam os melhores testemunhos do génio criativo de séculos passados ​​- imortal. E a sua imortalidade reside na beleza eterna da vida, na dignidade e no poder espiritual do homem.”

Baseando-se nas obras de seus mestres favoritos, ele pintou quadros baseados em seu senso lírico da natureza. E o principal neles não era o senso de cor, mas a capacidade de admirar a vida. Um exemplo dessa atitude em relação ao trabalho é uma das telas poéticas “Manhã da Moldávia. Infância".

Manhã da Moldávia. Infância.

A ideia da pintura nasceu de alguma forma por acaso. Em frente à casa - ateliê do artista - a carinhosa Tatyana Anatolyev plantava malvas-rosa, as flores preferidas de toda a família, toda primavera, e em frente ao jardim da frente havia uma cerca baixa onde as crianças do quintal se reuniam, esperando que Alexey Alexandrovich lhes permitisse “se comunicar” com o pai dos animais resgatados de desastres florestais durante as viagens aos esboços. Ele está dentro tempo diferente um ouriço triste, um corvo manco, uma coruja sombria, Vadu e outras criaturas vivas encontraram refúgio.

Aproximando-se de sua oficina, o pai admirou a bela visão de um matagal de malvas-rosa de olhos grandes - pretas, vermelhas, brancas, amarelas - e crianças descalças. Alexey Alexandrovich frequentemente escrevia esboços dessas crianças. Assim foi pintado o retrato de “Liana”.

O pitoresco da cena observada serviu apenas como motivo para transmitir um sentimento otimista de alegria pela infância feliz das crianças.

Nas poses das meninas, meu pai procurava transmitir uma simplicidade rústica.

Pintura “Manhã da Moldávia. Infância" Alexey Alexandrovich escreveu com facilidade, rapidez e prazer. A ideia da pintura também é enriquecida pela sonoridade da cor e pelo seu rico jogo.

O espectador entende que as meninas estão sentadas em cima do muro perto da periferia da fazenda coletiva. Mais além da periferia, encontra-se uma paisagem moldava: montanhosa, com nogueiras espalhadas, com campo de grãos. Apesar de a paisagem ser pintada com algum detalhe, em termos de cores está completamente subordinada ao primeiro plano ensolarado, desenhado num verde brilhante e variado que contrasta com a cor das roupas das crianças. Ao mesmo tempo, um vestido azul e rosa, um lenço amarelo, uma blusa branca nas sombras e na luz são entrelaçados de forma convincente e fiel na harmonia geral da imagem, complementando as cores um do outro com ricos reflexos. O ritmo das malvas-rosa altas e brilhantes anima a simplicidade da paisagem e, com suas verticais, une os planos horizontais.

Esta pintura revela especialmente a singularidade da caligrafia individual do pai, que tem sido repetidamente notada pelos críticos de arte, chamando-a de “...uma maneira especial de aplicar traços na tela: leve, relaxada, como se fosse translúcida...”, / L. Ilyashenko. O resultado de uma longa jornada. - “Moldávia Soviética”, 1972, 24 de novembro. / graças a eles, a superfície da pintura adquire um jogo de cores arejado e vibrante. Um breve golpe emocional surgiu do sistema desenvolvido de “esgueirar-se” pelo paciente até a cor desejada, que gradativamente se tornou mais complexo e enriquecido. Ao trabalhar em over-color, a tinta da paleta não era misturada até se tornar uma mistura homogênea; sempre ficava um “jogo” de componentes da tinta na mistura. Tudo isso junto foi motivado pela melodia colorida da visão de mundo e “ajudou a aproveitar mais plenamente as possibilidades colorísticas da pintura”. Alexey Alexandrovich falou sobre isso da seguinte forma: “Em primeiro lugar, a ideia da obra, seu enredo , o psicologismo dos personagens, a beleza da paisagem, etc., mas há um outro lado que aumenta esse prazer (pintura) é a linguagem da plasticidade, a linguagem da superfície, da textura, da modelagem..., a riqueza do linguagem visual...".

Ele era muito exigente quanto à superfície pictórica da imagem. Salvei cada fase do trabalho em bons lugares. Assim, na pintura sempre houve uma base líquida sob a qual ficava visível a tela em tons granulados, o que dava uma sensação de transparência à pintura. A tela foi carregada apenas em áreas claras importantes. “Não se pode pintar o quadro todo da mesma maneira”, anotou meu pai em seu diário. “Deve ter as partes (peças) mais importantes em termos visuais, composicionais ou colorísticos, que devem ser pintadas por muito tempo, criar uma superfície texturizada e rapidamente (precisamente então) terminar quando o longo trabalho (com a remoção frequente de tinta com uma espátula) cria uma conexão vibrante e uma superfície florida.” “Em algum lugar, quando você esculpe a forma de um objeto ”, continuou ele, “é preciso borrar os lugares secundários e de repente, com um golpe de pincel, com um traço largo, como um raio... completar a escultura.” Depois de deixar a pintura secar, Padre cobriu-a com uma fina camada de esmalte, que ele derrubou em pinceladas grossas com um pano, após o que a pintura adquiriu, como ele disse, uma textura “saborosa”.

Ele adorava boas armações, macas largas de boa qualidade e escolhia meticulosamente pincéis para diferentes etapas do trabalho. Ele atribuiu grande importância às tintas, aos óleos e principalmente à paleta, sobre a qual I. Grigorovich escreve: “... era muito bonito... - escuro, as cores estavam dispostas na ordem do espectro... Isto a mudança constante na gama fazia com que parecesse um arco-íris de cores. Ela estava sempre bem cuidada, o espaço de trabalho estava limpo até brilhar.. O local de cada tinta era constante. A estratificação gradual fez de toda a faixa de tinta um relevo imponente, cintilante como um lago, local de mistura de tintas. Antigos encaixes aparecendo através da superfície polida criavam a sensação de uma pedra preciosa. Desde então tenho visto muitas paletas, mas nunca tão bonitas quanto a dele.”

Alexey Alexandrovich sempre “personalizou” a paleta em função da cor do futuro trabalho, o que o obrigou a procurar novas harmonias de cores e o protegeu de clichês.

Se nos anos 50 a maioria das paisagens eram criadas diretamente da natureza, então nos anos 60 apenas essas eram “Noite em Leuseni” - “Nas encostas da Moldávia”, “Velha e Nova Chisinau”. Meu pai também usou outro método, quando o típico era criado com base no conhecimento da natureza e em grandes esboços: “Manhã da Moldávia. Infância", "Moldávia. Noite”, “Codry” (1962), “O Conto da Moldávia”.

“Homem e trabalho, homem e natureza - este é o tema que me preocupa”, escreveu Alexey Alexandrovich. — Toda a vida e atividade laboral dos colcosianos se desenvolve em comunicação com a terra. É ele quem a transforma, a enfeita, a faz servir ao povo. E eu, paisagista, quero muito encontrar uma imagem poética do homem dos nossos dias e da natureza por ele transformada.” / A. Vasiliev. Nossos planos criativos. - “Moldávia Soviética”, 1962, 19 de janeiro /

“O Conto da Moldávia” tem composição semelhante a “Codras”, escrita em 1958. Têm em comum uma árvore e uma estrada, uma vinha e uma colina. Mas em “Codri” a beleza das encostas encontra-se numa ampla solução panorâmica, e em “Skaz” no Cantinho da Moldávia, todo o seu charme peculiar parece estar concentrado. Fileiras de jardins, vinhas e uma estrada correm em direção ao topo da colina, vestida com uma capa de folhas de outono. O meio e o fundo são fortemente iluminados pela luz do entardecer, o que enriquece a furiosa sinfonia dourada do outono. Vários pontos fortes“raios” fazem com que o topo da árvore e a pitoresca diversidade de roupas femininas incendiem-se com um fogo vermelho.

Na imagem dos colcosianos colhendo uvas não há nada da tensão da pose, eles existem naturalmente, enriquecendo o complexo ritmo da paisagem. Pai, na minha opinião, administra com invejável facilidade as direções dos morros na tela, a remoção em perspectiva de diversas hortaliças, os acentos de cores - encontrando variedade e um lugar composicional preciso para tudo.

A pintura “O Conto da Moldávia” foi adquirida pela Galeria Estatal Tretyakov.

Conto da Moldávia

Trabalhando muito a partir da natureza, observando as afirmações da natureza, Alexei Alexandrovich não permitiu a subjetividade na exibição do que viu. E transmitindo o sopro vivo da natureza, admirando constantemente sua beleza inegável, ele era alheio à estilização.

Nos anos 60, tal como antes, Alexey Alexandrovich esforçou-se por “procurar os seus próprios meios de expressão, o seu próprio sistema de imagens artísticas, a sua caligrafia profundamente individual”. grande interesseà sonoridade da cor, contribuindo para a expressão de climas festivos - isto é inerente a “Manhã da Moldávia”, “Noite em Leuseni”, “Conto da Moldávia”. E esta nova aspiração será desenvolvida ainda mais no trabalho futuro do pai.

As imagens das paisagens de Alexey Alexandrovich são muito apreciadas pelos seus colegas de arte. Assim, o Artista do Povo da RSS da Estônia, E. Einmann, escreve que a natureza nativa de A.A. Vasiliev mostra “com ótimo humor, colocando conteúdo profundo nisso.”/E. Einmann. Muito obrigado. - “Moldávia Soviética”. 1963, 5 de junho./ E o Artista do Povo da URSS D. Nalbandyan diz que A.A. Vasiliev revela “...em suas paisagens poéticas e pinturas de gênero...a beleza da natureza em diferentes estações. Vemos isso em suas interessantes pinturas “Manhã da Moldávia”, “Codri”, “Verão”, “Outono da Moldávia”, “Início da Primavera”.../D. Nalbandyan. Sobre surto criativo. - “Moldávia Soviética”, 1960, 4 de junho./

Em 1959-1960, Alexey Alexandrovich, juntamente com o artista moscovita V.K. Nechitailo estava em uma viagem criativa à China.

Em 1963 foi organizada a exposição “60 dias na China”. Alexey Alexandrovich apresentou lá 72 trabalhos. KD Rodnin escreveu no catálogo: “As paisagens criadas durante uma viagem à RPC são uma obra significativa de A.A. Vasiliev, testemunhando seu crescimento criativo. A percepção madura da vida do artista, que retrata com liberdade e confiança o que vê, carrega em cada um deles, junto com o interesse cognitivo, um início verdadeiramente artístico.” /KDRodnin. Catálogo. Chisinau, 1963./

Alexey Alexandrovich fez uma viagem criativa à Crimeia em 1963. Lá ele trabalha muito e frutuosamente. Rochas, vegetação brilhante, manchas de arbustos floridos, o mar multifacetado, as ruas tortuosas de Gurzuf, a fortaleza de Sudak, Bakhchisarai, ou seja, toda a originalidade da paisagem da Crimeia contribuíram para a descoberta bem sucedida de novas imagens e características de cor da natureza.

Em menos de um ano, meu pai preparou 150 paisagens para a exposição, que K.D. Rodnin respondeu assim: “As obras, rigorosas na composição e seleção de detalhes, atraem pelo seu frescor. Sua coloração é decididamente diferente da coloração de obras criadas anteriormente. As paisagens da Crimeia são caracterizadas por características completamente novas de suavidade e harmonia no trabalho do artista. Tudo isso atesta a habilidade de A. Vasiliev.”/K.D. Rodnin. Com um toque na Crimeia. - “Moldávia Soviética”, 1964, 9 de fevereiro./

Paisagens “estritas na composição e seleção de detalhes” - “Em Gurzuf”, “Sudak”, “Fortaleza genovesa em Sudak” e especialmente “Bakhchisarai. Palácio de Khan Giray.” Alexey Alexandrovich considerou o trabalho mais recente um grande sucesso. A arquitetura desigualmente elevada confere ritmo à sua composição. Contra o fundo do céu azul vibrante, o palácio rosa ocre brilha intensamente.

Bakhchisaray. Palácio de Khan Giray

Eu tive que copiar este trabalho. Meu pai ficou satisfeito com minhas cópias; eu as fiz para reproduções coloridas quando ainda não havia slides, e mais frequentemente para a loteria - eu as anotei e meu pai completou as cópias com alguns traços surpreendentemente precisos. Sempre me pareceu que tinha uma boa noção da “mobilidade” trémula dos traços das pinturas do meu pai, dos seus entrelaçamentos complexos e graciosos, como se enquadrasse os acentos coloridos mais importantes com uma moldura rica. Foi muito difícil copiar “Palácio de Khan” - a coloração da obra é tão generalizada, verdadeira e material que qualquer imprecisão de cor parecia falsa.

“O Palácio de Khan Giray” / “Palácio de Khan Giray” - pertence ao Museu de Arte do Estado da MSSR. / escrito pelo artista em três sessões, mas não se pode chamar de esboço - essa coisa se distingue pelo museu -como completude!

Paisagens “Gurzuf. Preguiça nublada”, “Primavera em Gurzuf”, “Floresta Rosa em Gurzuf” são caracterizadas pela suavidade e densidade de cor.

Na exposição, entre as pinturas, um lugar significativo é dado ao esboço. Alexey Alexandrovich escreveu esboços com muito entusiasmo, em todas as suas viagens, inclusive ao estrangeiro.Pintou muito - paisagens da Moldávia e os maiores monumentos arquitetônicos: pirâmides egípcias, Catedral de Notre Dame, pagodes chineses, cais e portos de grandes cidades. Pintou pessoas ocupadas com seus próprios assuntos, em um ambiente específico e com roupas características. Mas em casa ele continua empatando constantemente.

Nas décadas de 60 e 70, meu pai quase não copiava. Algumas técnicas de desenho desse período estão em consonância com seu estilo pictórico: um traço denso e vibrante na sombra e uma variedade de tons de cinza, linhas claras feitas de prata nas partes iluminadas. “Quase sempre”, escreveu Alexey Alexandrovich, “obras gráficas de os pintores diferem das obras dos próprios artistas gráficos em seu desejo crescente de escultura pictórica da forma.” . / A. Vasiliev. Artistas gráficos talentosos. “Moldávia Soviética”, 1958, 28 de agosto./

Em 1960 nos mudamos para Novo apartamento. As tradições de nossa casa sempre aberta e lotada foram preservadas, mas papai ficou especialmente feliz com as visitas de amigos com quem teve contato em sua juventude. Já eram artistas e críticos de arte famosos.

Agora, Alexey Alexandrovich costumava trabalhar em casa no inverno.

Num dos aniversários do nosso pai, o irmão Yaroslav, um engenheiro físico que nessa altura já se tinha formado no Instituto de Energia de Moscovo, deu-lhe uma televisão de ecrã grande que ele tinha montado. O pai estava nervoso: “Perdemos todas as noites em frente a esta caixa, precisamos de inventar alguma coisa”. E ele realmente inventou isso. Agora, todas as noites antes programa interessante preparava uma pasta, apontava cuidadosamente os lápis e, aos poucos, desenhava as letras que gostava, ou mesmo composições inteiras, meio na tela, meio improvisando. Os desenhos revelaram-se muito vivos e magistrais. “Agora a TV está valendo a pena”, meu pai se alegrou com a oportunidade de praticar desenho.

Apesar de muito ocupado, Alexey Alexandrovich dedica muito tempo ao estudo de filosofia e literatura artística. Ele escreve em seu diário: “O estudo constante é uma busca constante de respostas às malditas questões que a vida tão engenhosamente coloca... Glória a quem encontra respostas nas buscas mais dolorosas”.

Em 1960, a editora "Carta Moldovenasca" lançou um álbum de reproduções com curtas informação biográfica sobre os artistas da república - “Belas Artes da SSR da Moldávia”, compilado por A.A. Vasiliev. Foi também o compilador da coleção “Pushkin’s Places in Chisinau”, publicada pela mesma editora em 1966, e escreveu o artigo introdutório ao álbum “Children Draw” (Cartea Moldovenasca, 1962).

Ele escreve sobre as obras de artistas moldavos famosos - K. Kobizeva, A. Shubin e K. Lodzeisky, e publica artigos de revisão sobre exposições de arte organizadas em Chisinau.

Alexey Alexandrovich, como mencionado acima, também estava ocupado com muito trabalho social. Foi eleito duas vezes membro da comissão municipal do CPM e da comissão distrital, foi membro da comissão dos Prémios do Estado da Moldávia, foi membro do conselho da sociedade republicana "Conhecimento", foi membro do o conselho artístico público da cidade e foi eleito delegado aos XII e XIII Congressos do Partido Comunista da Moldávia. O trabalho social ocupava muito do seu tempo, mas “sem essas “cargas”, escreveu ele, “minha vida teria sido privada de algo grande e importante. Uma questão socialmente útil para nós, povo soviético, é simplesmente uma existência social significativa e razoável.” / A. A. Vasiliev. O que significa ser moderno? - “Cultura Soviética”, 1959, 1º de janeiro./

O final segue.

Templo do Refúgio Espiritual

Por ocasião do 90º aniversário do nascimento do artista, foi inaugurada uma exposição das suas obras no Museu Histórico Nacional da Moldávia.

Meu pai, o artista Alexei Alexandrovich Vasiliev, faleceu há 22 anos (1907 - 1975). Durante esse período, a diferença de idade entre eu e ele vivo foi reduzida para 10 anos. Mas ainda tenho tanto para perguntar a ele...

Eu circulo e circulo pela exposição, regozijando-me com o encontro, preocupado e triste. muitas de suas pinturas foram marcos em nossas vidas.

Paisagens do pós-guerra, rapidamente escurecidas, todas de tamanho pequeno. Não havia óleos, telas, molduras. Ele prolongou a vida útil de seus pincéis esticando as cerdas. Para escrever mesmo nas áreas da futura parada de Dokuchaev, Lago Komsomolskoe, era necessária uma licença especial.

A cidade estava em ruínas negras. Mas eu queria pintar a primavera e o pôr do sol tranquilo. “Noite”, “Primavera”, “Nos arredores de Chisinau”, “Na velha Bessarábia”... Os motivos escolhidos são muito simples, e a estrada que se repete constantemente de diferentes maneiras - com uma pessoa, um crucifixo ou um rastejamento lento Kerutsa - cria um clima melancólico em uma província atordoada pela guerra.

Os filmes “Reféns”, “Cheban da Moldávia”, “No Túmulo dos Heróis” são dedicados à própria guerra, e então -

“A tragédia de Rybnitsa”, “O caminho do heroísmo”, “Na floresta partidária”. Eu me pergunto quando meu pai teve tempo?

No I Congresso de Artistas e em vários subsequentes foi eleito Presidente do Sindicato. Ele dedicou muita energia a esta posição, como evidenciado pelo recém-criado e inaugurado Museu de Arte dois meses após a guerra, pelo fundo e oficinas de arte organizados e pela escola restaurada.

Um dia ele comprou no mercado uma moldura oval e me sentou para posar, entretendo-me com contos de fadas. O retrato ficou lindo. Nosso pátio serviu de pano de fundo. O aluno de Repin certa vez pintou naturezas mortas aqui

E. Maleshevskaya. Era ela quem possuía o quintal, a casa e a oficina. A convite da anfitriã, meu pai ficou lá antes da guerra, tendo chegado de Moscou como chefe do Departamento de Belas Artes do Departamento de Artes da MSSR. Logo o artista morreu. Depois da guerra, vivemos nesta casa durante 16 anos. Dizem que Chaliapin e Rachmaninov o visitaram... Mas também tínhamos o agora famoso e então desgraçado artista R.R. Falk, que era conhecido de meu pai desde seus anos de estudo no famoso VKHUTEIN. Meu pai teve professores fortes lá - Favorsky, Konchalovsky , S. Gerasimov... A.A. também nos visitou. Fedorov - Davydov, um homem da “velha carta”, professor do pai na pós-graduação em história da arte na Galeria Tretyakov. Um monte de pessoas mais interessantes, livros, discussões, cheiro de tintas e tortas de mãe encheram nossas vidas de harmonia e conforto.

Todas as vezes meu pai ansiava pelo fim do inverno. Os momentos mais felizes para ele foram as viagens aos esboços. Excluíram reuniões, jornais, telefone e vida cotidiana. Ele trabalhou do amanhecer ao anoitecer, pintando a planície aluvial do Dniester, vinhedos, colinas cobertas de bacalhau, distâncias azuis e lagos cobertos de mato. Viajei quase toda a Moldávia com meu caderno de desenho.

Foi numa dessas viagens que nasceu a ideia do quadro “Caminhos Militares Estão Overgrown”. Iluminado pelo sol da tarde, o bunker gramado tornou-se tão familiar aos olhos quanto uma árvore ou um holi, mas não devemos esquecer sua antiga letalidade. Essa é a ideia do trabalho.

Acima de tudo, meu pai adorava escrever sobre o outono. Não apenas para “carmesim e dourado”. A folhagem rala permitiu “sentir” a distância, enriquecendo com ela a paisagem. “Cores da natureza outonal”, “Noite em Leuseni”,

“Floresta em Capriani”, “Outono na Moldávia”... Com eles o artista diz: que lindo é o que muitas vezes foi visto, mas não notado. Certa vez, ele escreveu: “Mas o que é necessário não é talento para a cor, nem talento no sentido de composição, mas talento na capacidade de admirar a vida, talento na generosidade espiritual”...

Meu pai costumava escrever em casa. Foi interessante assistir a esse difícil duelo entre o artista e sua obra. Minha memória preservou uma tela bem esticada, que gradualmente foi adornada com uma “divina confusão de cores”.

“A tela deve respirar”, disse ele. Portanto, em alguns lugares mantive a granulação da tela colorida, pinceladas bem-sucedidas e manchas da pintura de base. Ele usou muitas técnicas de tratamento de superfície, acreditando que as tintas deveriam ficar amplas e ricas na tela – “trabalhadas”.

Ele disse: “... quando você pinta a forma de um objeto, você precisa borrar os lugares menores e de repente, com um golpe de pincel, com um traço largo, como um raio, completar a escultura”. Então ele escreveu "Morning of Moldova. Childhood", e "The Tale of Moldova", e "Born to Fly" e "The Grief and Wrath of Vietnam".

Mas ele aprendeu não apenas com a natureza e a vida. Ele também soube refletir sobre as pinturas de seus artistas favoritos.

Por exemplo, ele escreveu sobre Matisse: “Senti-me atraído por ele. Ele sabe cantar a linguagem das cores melhor do que outros. Eles são musicalmente puros e harmoniosos. Eles são espectralmente brilhantes e ao mesmo tempo soberbamente orquestrados.”

Folheando seus numerosos cadernos, vejo pensamentos que estão em sintonia com os nossos dias.

“A arte não governa o mundo, mas é mais fácil governar o mundo para quem entende de arte.” Ou “Olhamos para o passado do ponto de vista do presente, mas por que não podemos olhar para o futuro do ponto de vista do passado?”

Meu pai escreveu no Quirguistão e em Chukotka, no Uzbequistão e na Sibéria, nos Cárpatos e na Crimeia, na China e no Egito.