Embora um número significativo tenha chegado até nós monumentos notáveis Arte holandesa dos séculos XV e XVI, é necessário, ao considerar o seu desenvolvimento, ter em conta o facto de que muito pereceu tanto durante o movimento iconoclasta, que se manifestou em vários locais durante a revolução do século XVI, como posteriormente, nomeadamente pela pouca atenção que lhes foi dada em épocas posteriores, até ao início do século XIX.
A ausência, na maioria dos casos, de assinaturas de artistas nas pinturas e a escassez de dados documentais exigiram esforços significativos por parte de muitos investigadores, a fim de restaurar o património de artistas individuais através de uma análise estilística cuidadosa. A principal fonte escrita é o “Livro dos Artistas” publicado em 1604 (tradução russa, 1940) pelo pintor Karel van Mander (1548-1606). Modeladas a partir das Vidas de Vasari, as biografias de Mander de artistas holandeses dos séculos XV e XVI contêm material extenso e valioso, cujo significado especial reside nas informações sobre monumentos diretamente conhecidos pelo autor.
No primeiro quartel do século XV, ocorreu uma revolução radical no desenvolvimento do Ocidente Pintura europeia- aparece uma pintura de cavalete. A tradição histórica liga esta revolução às atividades dos irmãos van Eyck, os fundadores da escola holandesa de pintura. O trabalho de van Eycks foi em grande parte preparado pelas conquistas realistas dos mestres da geração anterior - o desenvolvimento da escultura gótica tardia e especialmente as atividades de toda uma galáxia de mestres flamengos de miniaturas de livros que trabalharam na França. No entanto, na arte requintada destes mestres, em particular dos irmãos Limburg, o realismo do detalhe é combinado com uma representação convencional do espaço e da figura humana. Sua obra completa o desenvolvimento do gótico e pertence a outra etapa desenvolvimento histórico. A actividade destes artistas desenvolveu-se quase inteiramente em França, com excepção de Bruderlam. A arte criada no próprio território dos Países Baixos no final do século XIV e início do século XV era de carácter secundário e provinciano. Após a derrota da França em Agincourt em 1415 e a mudança de Filipe, o Bom, de Dijon para Flandres, a emigração de artistas cessou. Os artistas encontram inúmeros clientes, além da corte da Borgonha e da igreja, entre cidadãos abastados. Além de criar pinturas, eles pintam estátuas e relevos, pintam faixas, realizam diversos trabalhos decorativos e criam festivais. Com algumas exceções (Jan van Eyck), os artistas, assim como os artesãos, estavam unidos em guildas. Suas atividades, limitadas aos limites da cidade, contribuíram para a formação de escolas de arte locais, que, no entanto, eram menos isoladas devido às curtas distâncias do que na Itália.
Retábulo de Gante. A obra mais famosa e maior dos irmãos van Eyck, “A Adoração do Cordeiro” (Gante, Igreja de São Bavo) pertence às grandes obras-primas da arte mundial. Trata-se de um grande retábulo de dois níveis composto por 24 pinturas distintas, 4 das quais colocadas na parte central fixa e as restantes nas portas interior e exterior). A camada inferior do lado interno forma uma composição única, embora dividida pelas molduras das portas em 5 partes. No centro, num prado coberto de flores, ergue-se sobre uma colina um trono com um cordeiro, cujo sangue da ferida escorre para um cálice, simbolizando o sacrifício expiatório de Cristo; um pouco mais abaixo, jorra a fonte da “fonte de água viva” (isto é, a fé cristã). Multidões de pessoas se reuniram para adorar o cordeiro - à direita estão os apóstolos ajoelhados, atrás deles estão os representantes da igreja, à esquerda estão os profetas e ao fundo estão os santos mártires emergindo dos bosques. Aqui também passam os eremitas e peregrinos representados nas portas laterais direitas, liderados pelo gigante Cristóvão. Nas alas esquerdas estão cavaleiros - defensores da fé cristã, indicados pelas inscrições “Guerreiros de Cristo” e “Juízes Justos”. O conteúdo complexo da composição principal é extraído do Apocalipse e de outros textos bíblicos e evangélicos e está associado a feriado da igreja todos os Santos Embora os elementos individuais remontem à iconografia medieval deste tema, eles não só são significativamente complicados e ampliados pela inclusão de imagens nas portas não previstas pela tradição, mas também transformadas pelo artista em imagens completamente novas, concretas e vivas. Em particular, a paisagem em que o espetáculo se desenrola merece especial atenção; Numerosas espécies de árvores e arbustos, flores, rochas cobertas de fissuras e o panorama distante que se desdobra ao fundo são transmitidos com incrível precisão. Diante do olhar atento do artista, como que pela primeira vez, revelou-se a deliciosa riqueza das formas da natureza, que ele transmitiu com atenção reverente. O interesse pela diversidade de aspectos é claramente expresso na rica diversidade rostos humanos. As mitras dos bispos decoradas com pedras, os ricos arreios dos cavalos e as armaduras brilhantes são transmitidos com incrível sutileza. Nos “guerreiros” e “juízes” o magnífico esplendor da corte e da cavalaria da Borgonha ganha vida. A composição unificada da camada inferior é contrastada pelas grandes figuras da camada superior colocadas em nichos. A solenidade estrita distingue as três figuras centrais - Deus Pai, a Virgem Maria e João Batista. Um nítido contraste com essas imagens majestosas é representado pelas figuras nuas de Adão e Eva, separadas delas por imagens de anjos cantando e tocando música. Apesar do caráter arcaico de sua aparência, o que chama a atenção é a compreensão dos artistas sobre a estrutura do corpo. Estas figuras atraíram a atenção de artistas do século XVI, por exemplo Dürer. As formas angulares de Adam contrastam com a redondeza do corpo feminino. A superfície do corpo e os pelos que o cobrem são retratados com muita atenção. Porém, os movimentos das figuras são restritos, as poses são instáveis.
De particular interesse é uma compreensão clara das mudanças resultantes de uma mudança de ponto de vista (baixa para os antepassados ​​e alta para outras figuras).
O aspecto monocromático das portas exteriores pretende realçar a riqueza de cores e a festividade das portas abertas. O altar foi aberto apenas nos feriados. Na camada inferior encontram-se estátuas de João Batista (a quem a igreja foi originalmente dedicada) e de João Evangelista, imitando escultura em pedra, e as figuras ajoelhadas dos doadores Jodocus Feith e sua esposa destacam-se em relevo nos nichos sombreados. O surgimento de tais imagens pictóricas foi preparado pelo desenvolvimento da escultura de retratos. As figuras do Arcanjo e de Maria na cena da Anunciação, desdobrando-se num único interior, embora separadas por caixilhos de portas, distinguem-se pela mesma plasticidade escultórica. A representação amorosa do mobiliário da casa de um burguês e a vista da rua da cidade pela janela chamam a atenção.
Uma inscrição em verso no altar afirma que ele foi iniciado por Hubert van Eyck, “o maior de todos”, completado por seu irmão, “o segundo na arte”, em nome de Jodocus Feith, e consagrado em 6 de maio de 1432. A indicação da participação de dois artistas implicou naturalmente inúmeras tentativas de distinguir a quota de participação de cada um deles. Porém, isso é extremamente difícil de fazer, pois a execução pictórica do altar é uniforme em todas as partes. A complexidade da tarefa é agravada pelo fato de que, embora tenhamos informações biográficas confiáveis ​​sobre Jan e, o mais importante, tenhamos uma série de suas obras indiscutíveis, não sabemos quase nada sobre Hubert e não temos uma única obra documentada de sua autoria. . Tenta provar a falsidade da inscrição e declarar Hubert " personalidade lendária"deve ser considerado não comprovado. A hipótese mais razoável parece ser a de que Jan utilizou e modificou as partes do altar iniciadas por Hubert, nomeadamente a “Adoração do Cordeiro”, e as figuras da camada superior que inicialmente não formavam com ele um único todo, com o exceção de Adão e Eva feitos inteiramente por Jan; a propriedade deste último de todas as portas externas nunca deu origem a debate.
Hubert van Eyck. A autoria de Hubert (?-1426) em relação a outras obras que lhe são atribuídas por diversos pesquisadores permanece controversa. Apenas uma pintura, “Três Marias no Túmulo de Cristo” (Rotterdam), pode ser deixada para trás sem muita hesitação. A paisagem e as figuras femininas nesta pintura estão extremamente próximas da parte mais arcaica do Retábulo de Gante (a metade inferior imagem média camada inferior), e a perspectiva peculiar do sarcófago é semelhante à imagem em perspectiva da fonte em “Adoração do Cordeiro”. Não há dúvida, porém, que Jan também participou na execução da pintura, a quem devem ser atribuídas as restantes figuras. O mais expressivo deles é o guerreiro adormecido. Hubert, em comparação com Jan, aparece como um artista cuja obra ainda está ligada ao estágio anterior de desenvolvimento.
Jan van Eyck (c. 1390-1441). Jan van Eyck iniciou a sua actividade em Haia, na corte dos condes holandeses, e a partir de 1425 foi artista e cortesão de Filipe, o Bom, em cujo nome foi enviado como parte de uma embaixada em 1426 a Portugal e em 1428 para Espanha; a partir de 1430 estabeleceu-se em Bruges. O artista recebeu atenção especial do duque, que em um dos documentos o chamou de “sem paralelo na arte e no conhecimento”. SOBRE Alta cultura o artista fala claramente através de suas obras.
Vasari, provavelmente recorrendo a uma tradição anterior, detalha a invenção da pintura a óleo pelo “sofisticado em alquimia” Jan van Eyck. Sabemos, no entanto, que a linhaça e outros óleos secantes já eram conhecidos como aglutinantes no início da Idade Média (tratados de Heráclio e Teófilo, século X) e foram amplamente utilizados, segundo fontes escritas, no século XIV. No entanto, seu uso limitou-se a trabalhos decorativos, onde foram utilizados pela maior durabilidade dessas tintas em relação à têmpera, e não pelas suas propriedades ópticas. Assim, M. Bruderlam, cujo Retábulo de Dijon foi pintado em têmpera, usou óleo na pintura de estandartes. As pinturas de van Eycks e artistas holandeses relacionados do século XV diferem marcadamente das pinturas feitas na técnica tradicional de têmpera, com um brilho especial de cores e profundidade de tons, semelhante ao esmalte. A técnica de van Eyck baseou-se no uso consistente de propriedades ópticas pinturas à óleo, sobrepostos em camadas transparentes à pintura de base que brilha através deles e ao solo de giz altamente reflexivo, após a introdução nas camadas superiores de resinas dissolvidas em óleos essenciais, bem como sobre o uso de pigmentos Alta qualidade. A nova técnica, que surgiu em conexão direta com o desenvolvimento de novos métodos realistas de representação, ampliou significativamente as possibilidades de transmissão pictórica verdadeira de impressões visuais.
No início do século XX, num manuscrito conhecido como Livro das Horas Turim-Milão, foram descobertas várias miniaturas estilisticamente próximas do Retábulo de Gante, 7 das quais se destacam pela sua qualidade excecional. Particularmente notável nestas miniaturas é a paisagem, transmitida com uma compreensão surpreendentemente sutil da luz e relações de cores. Na miniatura “Oração à beira-mar”, representando um cavaleiro montado em um cavalo branco cercado por sua comitiva (quase idêntica aos cavalos da ala esquerda do Altar de Gante), agradecendo pela travessia segura, o mar tempestuoso e o céu nublado são surpreendentemente transmitidos. Não menos marcante pela sua frescura é a paisagem fluvial com um castelo iluminado pelo sol da tarde (“São Julião e Marta”). O interior da sala de um burguês na composição “A Natividade de João Batista” e uma igreja gótica na “Missa Funeral” são transmitidos com incrível persuasão. Se as conquistas do artista inovador no campo da paisagem não encontram paralelo até o século XVII, então as figuras finas e leves ainda estão inteiramente associadas à antiga tradição gótica. Estas miniaturas datam aproximadamente de 1416-1417 e caracterizam assim a fase inicial da obra de Jan van Eyck.
A proximidade significativa com a última das miniaturas mencionadas dá razão para considerar uma das primeiras pinturas de Jan van Eyck como “Madonna na Igreja” (Berlim), na qual a luz que flui das janelas superiores é transmitida de forma surpreendente. Num tríptico em miniatura pintado um pouco mais tarde, com a imagem de Nossa Senhora ao centro, S. Michael com o cliente e St. Catherine nas portas interiores (Dresden), a impressão da nave da igreja penetrando profundamente no espaço atinge uma ilusão quase completa. O desejo de dar à imagem o carácter tangível de um objecto real é especialmente evidente nas figuras do Arcanjo e de Maria nas portas exteriores, imitando estatuetas em osso esculpido. Todos os detalhes da imagem são pintados com tanto cuidado que lembram joias. Esta impressão é ainda reforçada pelas cores cintilantes, cintilantes como pedras preciosas.
A leve graça do tríptico de Dresden se opõe à pesada magnificência da Madona do Cônego van der Paele. (1436, Bruges), com grandes figuras inseridas no espaço apertado de uma abside românica baixa. Os olhos não se cansam de admirar a vestimenta episcopal de São Pedro, incrivelmente pintada de azul e dourado. Donatiano, armadura preciosa e principalmente a cota de malha de São Pedro. Michael, com um magnífico tapete oriental. Com o mesmo cuidado com que faz os menores elos da cota de malha, o artista transmite as dobras e rugas do rosto flácido e cansado do velho cliente inteligente e bem-humorado - Canon van der Paele.
Uma das características da arte de van Eyck é que esse detalhe não obscurece o todo.
Em outra obra-prima criada um pouco antes, “A Madona do Chanceler Rolin” (Paris, Louvre), é dado um significado especial à paisagem, cuja vista se abre a partir de uma alta loggia. A cidade às margens do rio revela-se-nos em toda a diversidade da sua arquitectura, com figuras de pessoas nas ruas e praças, como se vistas em telescópio. Essa clareza muda visivelmente com a distância, as cores desbotam - o artista entende a perspectiva aérea. Com sua objetividade característica, são transmitidos os traços faciais e o olhar atento do Chanceler Rolin, frio, calculista e egoísta. político, que liderou a política do estado da Borgonha.
Um lugar especial entre as obras de Jan van Eyck pertence à pequena pintura “St. Barbara" (1437, Antuérpia), ou melhor, um desenho feito com o pincel mais fino sobre uma placa preparada. O santo é retratado sentado ao pé da torre da catedral em construção. Segundo a lenda, S. Bárbara foi aprisionada em uma torre, que se tornou seu atributo. Van Eyck, mantendo o significado simbólico da torre, conferiu-lhe um carácter real, tornando-a o elemento principal da paisagem arquitectónica. Exemplos semelhantes o entrelaçamento do simbólico e do real, tão característico do período de transição da cosmovisão teológico-escolástica para o pensamento realista, poderia ser bastante citado nas obras não apenas de Jan van Eyck, mas também de outros artistas do início do século XX. o século; numerosos detalhes - imagens em capitéis de colunas, decorações de móveis, vários itens a vida quotidiana, em muitos casos, tem um significado simbólico (por exemplo, na cena da Anunciação, o lavatório e a toalha servem como símbolo da pureza virginal de Maria).
Jan van Eyck foi um dos grandes mestres do retrato. Não apenas seus antecessores, mas também os italianos de sua época aderiram ao esquema inalterado da imagem do perfil. Jan van Eyck vira o rosto para ¾ e ilumina fortemente; na modelagem facial, ele usa o claro-escuro em menor grau do que as relações tonais. Um de seus retratos mais notáveis ​​retrata homem jovem com rosto feio, mas atraente com seu pudor e espiritualidade, com roupas vermelhas e cocar verde. Nome grego“Timóteo” (provavelmente referindo-se ao nome do famoso músico grego), indicado na balaustrada de pedra juntamente com a assinatura e a data de 1432, serve de epíteto para o nome da pessoa retratada, aparentemente um dos principais músicos que esteve em a serviço do duque da Borgonha.
“Retrato de um Homem Desconhecido com Turbante Vermelho” (1433, Londres) destaca-se pela sua melhor execução pictórica e expressividade nítida. Pela primeira vez na história da arte mundial, o olhar da pessoa retratada fixa-se atentamente no espectador, como se estivesse em comunicação direta com ele. É uma suposição muito plausível que este seja um autorretrato do artista.
Um notável desenho preparatório a lápis de prata (Dresden), com notas coloridas, sobreviveu para o “Retrato do Cardeal Albergati” (Viena), aparentemente feito em 1431 durante a curta estada deste grande diplomata em Bruges. Retrato cênico, aparentemente escrito muito mais tarde, na ausência de um modelo, distingue-se por uma caracterização menos nítida, mas por um significado mais enfatizado do personagem.
O último retrato do artista é o único retrato feminino de sua herança - “Retrato de uma Mulher” (1439, Bruges).
Um lugar especial não só na obra de Jan van Eyck, mas também em toda a arte holandesa dos séculos XV e XVI pertence ao “Retrato de Giovanni Arnolfini e sua esposa” (1434, Londres. Arnolfini é um representante proeminente do italiano colônia comercial em Bruges). As representações são apresentadas no ambiente intimista de um aconchegante interior burguês, mas a estrita simetria da composição e dos gestos (a mão do homem levantada, como num juramento, e as mãos unidas do casal) conferem à cena um caráter distintamente solene. O artista amplia os limites de uma imagem puramente retratística, transformando-a em cena de casamento, em uma espécie de apoteose da fidelidade conjugal, cujo símbolo é o cachorro retratado aos pés do casal. Não encontraremos tal retrato duplo no interior em Arte europeia até os Mensageiros de Holbein, escritos um século depois.
A arte de Jan van Eyck lançou as bases sobre as quais a arte holandesa se desenvolveu posteriormente. Nele, pela primeira vez, uma nova atitude perante a realidade encontrou a sua clara expressão. Foi o fenômeno mais avançado da vida artística de sua época.
Mestre flamengo. As bases da nova arte realista não foram lançadas apenas por Jan van Eyck. Ao mesmo tempo, trabalhou com ele o chamado mestre Flemal, cujo trabalho não só se desenvolveu independentemente da arte de van Eyck, mas, aparentemente, também teve impacto influência conhecida nos primeiros trabalhos de Jan van Eyck. A maioria dos investigadores identifica este artista (nomeado a partir de três pinturas do Museu de Frankfurt, originárias da aldeia de Flémalle, perto de Liège, às quais se juntam uma série de outras obras anónimas por motivos estilísticos) com o mestre Robert Campin (c. 1378-1444). , mencionado em diversos documentos da cidade de Tournai.
Nas primeiras obras do artista, “Natividade” (c. 1420-1425, Dijon), revelam-se claramente ligações estreitas com miniaturas de Jacquemart de Esden (na composição, carácter geral da paisagem, coloração clara e prateada). Características arcaicas - fitas com inscrições nas mãos de anjos e mulheres, uma peculiar perspectiva “oblíqua” do dossel, característica da arte do século XIV, são aqui combinadas com novas observações (brilhantes tipos folclóricos de pastores).
No tríptico "Anunciação" (Nova York), um tema religioso tradicional se desdobra em um interior burguês detalhado e descrito com amor. Na porta direita há uma sala adjacente onde o velho carpinteiro Joseph faz ratoeiras; pela janela de treliça avista-se a praça da cidade. À esquerda, perto da porta que dá para a sala, estão as figuras ajoelhadas dos clientes - os Ingelbrechts. O espaço exíguo está quase inteiramente preenchido por figuras e objetos retratados em nítida redução de perspectiva, como se de um ponto de vista muito alto e próximo. Isso confere à composição um caráter plano-decorativo, apesar do volume das figuras e objetos.
O conhecimento desta obra do mestre Flemal influenciou Jan van Eyck quando criou a “Anunciação” do Retábulo de Gante. A comparação dessas duas pinturas caracteriza claramente as características dos estágios anteriores e subsequentes da formação da nova arte realista. Na obra de Jan van Eyck, intimamente associado à corte da Borgonha, tal interpretação puramente burguesa da trama religiosa não recebe maior desenvolvimento; no mestre Flemal nos encontramos com ela mais de uma vez. “Madonna by the Fireplace” (c. 1435, São Petersburgo, Hermitage) é percebida como uma pintura puramente cotidiana; uma mãe carinhosa aquece a mão junto à lareira antes de tocar o corpo nu da criança. Assim como a Anunciação, a pintura é iluminada por uma luz forte e uniforme e tem uma coloração fria.
A nossa compreensão da obra deste mestre estaria, no entanto, longe de ser completa se fragmentos das suas duas principais obras não tivessem chegado até nós. Do tríptico “A Descida da Cruz” (sua composição é conhecida por uma antiga cópia em Liverpool), foi preservada a parte superior da ala direita com a figura de um ladrão amarrado a uma cruz com dois romanos parados ao lado. . Nesta imagem monumental, o artista manteve o tradicional fundo dourado. O corpo nu que nele se destaca é transmitido de uma forma nitidamente diferente daquela em que foi pintado o Adão do Retábulo de Gante. As figuras de “Madona” e “Santa. Veronica" (Frankfurt) - fragmentos de outro grande altar. A representação plástica das formas, como se enfatizasse a sua materialidade, combina-se aqui com a expressividade subtil dos rostos e dos gestos.
A única obra datada do artista é a veneziana, com a imagem à esquerda de Heinrich Werl, professor da Universidade de Colônia e João Batista, e à direita - São Pedro. Bárbara, sentada num banco junto à lareira e imersa na leitura (1438, Madrid), pertence ao período tardio da sua obra. Sala de S. Varvara lembra muito em vários detalhes os interiores já familiares do artista e ao mesmo tempo difere deles em uma representação do espaço muito mais convincente. O espelho redondo com figuras refletidas na asa esquerda foi emprestado de Jan van Eyck. Mais claramente, porém, tanto nesta obra como nas portas de Frankfurt podem-se perceber traços de proximidade com outro grande mestre da escola holandesa, Roger van der Weyden, que foi aluno de Kampen. Esta proximidade levou alguns estudiosos, que se opõem à identificação do mestre Flémalle com Campin, a argumentar que as obras que lhe são atribuídas são na verdade obras do período inicial de Roger. Este ponto de vista não parece, no entanto, convincente, e as características enfatizadas de proximidade são bastante explicáveis ​​pela influência de um aluno particularmente talentoso sobre o seu professor.
Roger van der Weyden. Este é o maior, depois de Jan van Eyck, artista da escola holandesa (1399-1464). Documentos de arquivo contêm indícios de sua estada nos anos 1427-1432 na oficina de R. Campin em Tournai. A partir de 1435 Roger trabalhou em Bruxelas, onde ocupou o cargo de pintor da cidade.
A sua obra mais famosa, criada na sua juventude, é “A Descida da Cruz” (c. 1435, Madrid). Dez figuras são colocadas sobre um fundo dourado, num espaço estreito de primeiro plano, como um relevo policromado. Apesar do design complexo, a composição é extremamente clara; todas as figuras que compõem os três grupos se unem em um todo inseparável; a unidade desses grupos é construída na repetição rítmica e no equilíbrio das partes individuais. A curva do corpo de Maria segue a curva do corpo de Cristo; o mesmo paralelismo estrito distingue as figuras de Nicodemos e da mulher que sustenta Maria, bem como as figuras de João e Maria Madalena que fecham a composição em ambos os lados. Estes momentos formais cumprem a tarefa principal - a divulgação mais vívida do momento dramático principal e, sobretudo, do seu conteúdo emocional.
Mander diz de Roger que enriqueceu a arte holandesa ao transmitir movimentos e “especialmente sentimentos, como tristeza, raiva ou alegria, de acordo com o assunto”. Ao fazer com que os participantes individuais de um evento dramático sejam portadores vários tons sentimentos de pesar, o artista se abstém de individualizar as imagens, assim como se recusa a transferir a cena para um cenário real e concreto. A busca pela expressividade prevalece em sua obra sobre a observação objetiva.
Atuando como um artista que era nitidamente diferente em suas aspirações criativas de Jan van Eyck, Roger, entretanto, experimentou a influência direta deste último. Isto é eloquentemente evidenciado por algumas das primeiras pinturas do mestre, em particular “A Anunciação” (Paris, Louvre) e “Lucas, o Evangelista Pintando a Madona” (Boston; repetições em São Petersburgo, l'Hermitage e Munique). Na segunda dessas pinturas, a composição repete, com pequenas alterações, a composição da Madonna do Chanceler Rolin, de Jan van Eyck. A lenda cristã que surgiu no século IV considerava Lucas o primeiro pintor de ícones a capturar o rosto da Mãe de Deus (a ele foram atribuídos vários ícones “milagrosos”); nos séculos XIII-XIV foi reconhecido como o patrono das guildas de pintores que surgiram naquela época em vários países da Europa Ocidental. De acordo com a orientação realista da arte holandesa, Roger van der Weyden retratou o evangelista como um artista contemporâneo fazendo um esboço de retrato da vida. Porém, na interpretação das figuras, aparecem claramente os traços característicos deste mestre - o pintor ajoelhado está cheio de reverência, as dobras das roupas distinguem-se pela ornamentação gótica. Pintada como imagem de altar da capela dos pintores, a pintura teve grande popularidade, como evidencia a presença de diversas repetições.
A corrente gótica na obra de Roger é especialmente clara em dois pequenos trípticos - o chamado “Altar de Maria” (“Lamentação”, à esquerda - “Sagrada Família”, à direita - “A Aparição de Cristo a Maria”) e o posterior “Altar de S. João" ("Batismo", à esquerda - "O Nascimento de João Batista" à direita - "A Execução de João Batista", Berlim). Cada uma das três portas é emoldurada por um portal gótico, que é uma reprodução pitoresca de uma moldura escultórica. Esta moldura está organicamente conectada com o espaço arquitetônico aqui retratado. As esculturas colocadas no portal complementam narrativamente as cenas principais que se desenrolam no cenário da paisagem e no interior. Enquanto na representação do espaço Roger desenvolve as conquistas de Jan van Eyck, na interpretação das figuras com suas proporções graciosas e alongadas, voltas e curvas complexas, ele adere às tradições da escultura gótica tardia.
A criatividade de Roger em muito em maior medida, do que a obra de Jan van Eyck, está ligada às tradições da arte medieval e está imbuída do espírito do ensino estrito da Igreja. Ele comparou o realismo de Van Eyck com sua deificação quase panteísta do universo com a arte capaz de incorporar as imagens canônicas da religião cristã em formas claras, estritas e generalizadas. O mais indicativo a este respeito é “O Juízo Final” - um políptico (ou melhor, um tríptico, em que a parte central fixa tem três, e as portas por sua vez têm duas divisões), escrito em 1443-1454 por ordem de Chanceler Rolin pelo hospital que fundou na cidade de Bon (lá localizado). Esta é a maior obra do artista em escala (a altura da parte central é de cerca de 3 m, a largura total é de 5,52 m). A composição, comum a todo o tríptico, consiste em duas camadas - a esfera “celestial”, onde a figura hierática de Cristo e as fileiras de apóstolos e santos são colocadas sobre um fundo dourado, e a “terrena” - com a ressurreição dos mortos. Na estrutura composicional do quadro, na planicidade da interpretação das figuras, ainda há muito de medieval. No entanto, os diversos movimentos das figuras nuas dos ressuscitados são transmitidos com tanta clareza e convicção que falam de um estudo cuidadoso da natureza.
Em 1450, Roger van der Weyden viajou para Roma e esteve em Florença. Lá, por encomenda dos Medici, ele criou duas pinturas: “Entombment” (Uffizi) e “Madonna with St. Pedro, João Batista, Cosme e Damião" (Frankfurt). Na iconografia e na composição trazem traços de familiaridade com as obras de Fra Angelico e Domenico Veneziano. No entanto, esse conhecimento em nada afetou o caráter geral da obra do artista.
No tríptico criado logo após o retorno da Itália com imagens semifiguradas, na parte central - Cristo, Maria e João, e nas portas - Madalena e João Batista (Paris, Louvre), não há vestígios de influência italiana. A composição tem caráter simétrico arcaico; A parte central, construída segundo o tipo Deesis, distingue-se pela severidade quase icónica. A paisagem é tratada apenas como pano de fundo das figuras. Este trabalho do artista difere dos anteriores pela intensidade da cor e pela sutileza das combinações coloridas.
Novas características da obra do artista aparecem claramente no “Altar de Bladelin” (Berlim, Dahlem) - um tríptico com uma imagem na parte central da “Natividade”, encomendado por P. Bladelin, chefe das finanças do estado da Borgonha , para a igreja da cidade de Middelburg, que ele fundou. Em contraste com a construção em relevo da composição característica do período inicial, aqui a ação se desenrola no espaço. O presépio está imbuído de um clima terno e lírico.
A obra mais significativa do período tardio é o tríptico “Adoração dos Magos” (Munique), com a imagem da “Anunciação” e da “Candelária” nas asas. As tendências que surgiram no altar Bladelin continuam a se desenvolver aqui. A ação ocorre nas profundezas da imagem, mas a composição é paralela ao plano da imagem; a simetria combina-se harmoniosamente com a assimetria. Os movimentos das figuras adquiriram maior liberdade - nesse sentido, chamam especialmente a atenção a graciosa figura de um elegante jovem feiticeiro com os traços faciais de Carlos, o Ousado, no canto esquerdo, e o anjo mal tocando o chão na Anunciação. As roupas carecem completamente da materialidade característica de Jan van Eyck - elas apenas enfatizam a forma e o movimento. Porém, assim como Eyck, Roger reproduz cuidadosamente o ambiente em que a ação se desenrola e preenche os interiores com claro-escuro, abandonando sua característica Período inicial iluminação nítida e uniforme.
Roger van der Weyden foi um notável pintor de retratos. Seus retratos diferem dos retratos de Eick. Ele destaca características particularmente marcantes em termos fisionómicos e psicológicos, enfatizando-as e fortalecendo-as. Para fazer isso, ele usa um desenho. Usando linhas, ele delineia o formato do nariz, queixo, lábios, etc., dedicando pouco espaço à modelagem. A imagem do busto 3/4 destaca-se sobre um fundo colorido - azul, esverdeado ou quase branco. Apesar de todas as diferenças nas características individuais dos modelos, os retratos de Roger apresentam algumas características comuns. Isto deve-se em grande parte ao facto de quase todos retratarem representantes da mais alta nobreza da Borgonha, cuja aparência e comportamento foram fortemente influenciados pelo seu ambiente, tradições e educação. Estes são, em particular, “Karl the Bold” (Berlim, Dahlem), o guerreiro “Anton of Burgundy” (Bruxelas), “The Unknown” (Lugano, coleção Thyssen), “Francesco d'Este” (Nova York), “Retrato de uma jovem” (Washington). Vários retratos semelhantes, em particular “Laurent Froymont” (Bruxelas), “Philippe de Croix” (Antuérpia), nos quais a pessoa retratada é representada com as mãos postas em oração, constituíam originalmente o ala direita de dípticos posteriormente dispersos, na ala esquerda dos quais geralmente havia uma imagem da Madona com o Menino na altura do busto. Um lugar especial pertence ao “Retrato do Desconhecido” (Berlim, Dahlem) - uma linda mulher olhando para o espectador, escrito por volta de 1435, em que aparece claramente a dependência dos retratos de Jan van Eyck.
Roger van der Weyden teve uma influência extremamente grande no desenvolvimento da arte holandesa na segunda metade do século XV. A obra do artista, com a sua tendência para criar imagens típicas e desenvolver composições completas caracterizadas por uma lógica estrita de composição, em muito maior medida do que a obra de Jan van Eyck, poderia servir como fonte de empréstimos. Contribuiu para um maior desenvolvimento criativo e ao mesmo tempo atrasou-o parcialmente, promovendo o desenvolvimento de tipos repetidos e esquemas composicionais.
Petrus Christus. Ao contrário de Roger, que dirigiu uma grande oficina em Bruxelas, Jan van Eyck teve apenas um seguidor direto, a pessoa de Petrus Christus (c. 1410-1472/3). Embora este artista tenha se tornado burguês da cidade de Bruges apenas em 1444, ele sem dúvida trabalhou em estreita comunicação com Eyck antes dessa época. Suas obras como “Madonna com St. Barbara e Elizabeth e o monge que o encomendou" (coleção Rothschild, Paris) e "Jerome in his cell" (Detroit), talvez, como acreditam vários pesquisadores, iniciados por Jan van Eyck e finalizados por Christus. Sua obra mais interessante é “St. Eligius" (1449, coleção de F. Lehman, Nova York), aparentemente escrito para a guilda de joalheiros, cujo patrono era este santo. Esta pequena pintura de um jovem casal escolhendo anéis em uma joalheria (o halo ao redor de sua cabeça é quase invisível) é uma das primeiras pinturas cotidianas da pintura holandesa. A importância desta obra é ainda reforçada pelo facto de nem uma única das pinturas de Jan van Eyck sobre temas quotidianos, mencionadas em fontes literárias, ter chegado até nós.
De significativo interesse são os seus retratos, nos quais uma imagem semifigurada é colocada num espaço arquitetónico real. Particularmente digno de nota a este respeito é o “Retrato de Sir Edward Grimeston” (1446, coleção Verulam, Inglaterra).
Dirick Bouts. O problema da transmissão do espaço, em particular da paisagem, é especialmente ótimo lugar no trabalho de outro, muito mais grande artista da mesma geração - Diric Boates (c. 1410/20-1475). Natural do Harlem, instalou-se em Louvain no final dos anos 40, onde desenvolveu a sua actividade artística. Não sabemos quem foi seu professor; as primeiras pinturas sobreviventes estão marcadas forte influência Roger van der Weyden.
A sua obra mais famosa é “O Altar do Sacramento da Comunhão”, escrita em 1464-1467 para uma das capelas da Igreja de São Pedro. Petra em Louvain (localizada lá). Trata-se de um políptico cuja parte central representa “ última Ceia”, nas laterais das portas laterais há quatro cenas bíblicas, cujos enredos foram interpretados como protótipos do sacramento da comunhão. De acordo com o contrato que nos chegou, o tema deste trabalho foi desenvolvido por dois professores da Universidade de Louvain. A iconografia da Última Ceia difere da interpretação deste tema comum nos séculos XV e XVI. Em vez de uma história dramática sobre a previsão de Cristo sobre a traição de Judas, a instituição é retratada sacramento da igreja. A composição, com sua estrita simetria, destaca o momento central e enfatiza a solenidade da cena. A profundidade do espaço do salão gótico é transmitida com total convicção; Este propósito é atendido não apenas pela perspectiva, mas também pela transmissão cuidadosa da iluminação. Nenhum dos mestres holandeses do século XV conseguiu alcançar aquela ligação orgânica entre as figuras e o espaço, como Bouts nesta maravilhosa pintura. Três das quatro cenas das portas laterais desdobram-se na paisagem. Apesar da escala relativamente grande das figuras, a paisagem aqui não é apenas um fundo, mas o elemento principal da composição. Num esforço para alcançar uma maior unidade, Boates abandona a riqueza de detalhes das paisagens de Eyck. Em “Elijah in the Wilderness” e “Collection of Heavenly Manna”, através da estrada sinuosa e do arranjo de colinas e rochas nos bastidores, pela primeira vez ele consegue conectar os três planos tradicionais - anterior, médio e posterior. O que há de mais notável nessas paisagens, porém, são os efeitos de iluminação e as cores. Em Gathering Manna, o sol nascente ilumina o primeiro plano, deixando o meio-termo na sombra. “Elias in the Desert” transmite a clareza fria de uma manhã transparente de verão.
Ainda mais surpreendentes a este respeito são as belas paisagens das asas de um pequeno tríptico, que representa a “Adoração dos Magos” (Munique). Este é um dos trabalhos posteriores do mestre. A atenção do artista nestas pequenas pinturas está inteiramente voltada para a representação da paisagem, e para as figuras de João Baptista e de S. Christopher são de importância secundária. Particularmente atraente é a representação da suave iluminação noturna com os raios solares refletidos na superfície da água, levemente ondulados, na paisagem com São Pedro. Cristóvão.
Bouts é estranho à estrita objetividade de Jan van Eyck; suas paisagens estão imbuídas de um clima condizente com a trama. A propensão para a elegia e o lirismo, a falta de drama, uma certa estática e rigidez de poses são traços característicos de um artista tão diferente nesse aspecto de Roger van der Weyden. Eles aparecem de maneira especialmente clara em suas obras, cujo enredo é cheio de drama. Em “O Tormento de S. Erasmo" (Lovaina, Igreja de São Pedro), o santo suporta sofrimentos dolorosos com coragem estóica. O grupo de pessoas presentes também está cheio de calma.
Em 1468, Boates, nomeado pintor do burgo, foi contratado para decorar a magnífica Câmara Municipal que acabava de ser concluída com cinco pinturas. Duas grandes composições representando episódios lendários da história do Imperador Otto III (Bruxelas) sobreviveram. Uma retrata a execução de um conde, caluniado pela imperatriz, que não alcançou o seu amor; na segunda - o julgamento à fogo da viúva do conde perante a corte do imperador, provando a inocência do marido, e no fundo a execução da imperatriz. Essas “cenas de justiça” foram colocadas nos corredores onde funcionava o tribunal da cidade. Pinturas de natureza semelhante com cenas da história de Trajano foram executadas por Roger van der Weyden para a Câmara Municipal de Bruxelas (não preservadas).
A segunda das “cenas de justiça” de Boates (a primeira foi realizada com significativa participação dos alunos) é uma das obras-primas na habilidade com que se resolve a composição e na beleza da cor. Apesar da extrema parcimônia dos gestos e da imobilidade das poses, a intensidade dos sentimentos é transmitida com grande convicção. Excelente para chamar a atenção imagens de retrato comitivas. Chegou até nós um desses retratos, sem dúvida pertencente ao pincel do artista; este “Retrato de um Homem” (1462, Londres) pode ser considerado o primeiro retrato íntimo da história da pintura europeia. Caracteriza-se sutilmente um rosto cansado, preocupado e cheio de bondade; pela janela tem-se uma vista para o campo.
Hugo van der Goes. Em meados e segunda metade do século, um número significativo de estudantes e seguidores de Weiden e Bouts trabalhou na Holanda, cujo trabalho era de natureza epigônica. Neste contexto, destaca-se a poderosa figura de Hugo van der Goes (c. 1435-1482). O nome deste artista pode ser colocado ao lado de Jan van Eyck e Roger van der Weyden. Aceito em 1467 na guilda de pintores da cidade de Gante, logo alcançou grande fama, tendo participações próximas e, em alguns casos, líderes em grandes trabalhos decorativos nas decorações festivas de Bruges e Ghent por ocasião da recepção de Carlos, o Ousado. Entre suas primeiras pinturas de cavalete de pequeno porte, as mais significativas são o díptico “A Queda” e “A Lamentação de Cristo” (Viena). As figuras de Adão e Eva, representadas na luxuosa paisagem do sul, assemelham-se às figuras dos ancestrais do Retábulo de Gante na elaboração da forma plástica. "Lamentação", semelhante em seu pathos a Roger van der Weyden, distingue-se por sua composição ousada e original. Aparentemente, um pouco mais tarde, foi pintado um tríptico de altar representando a “Adoração dos Magos” (São Petersburgo, Hermitage).
No início dos anos setenta, o representante dos Medici em Bruges, Tommaso Portinari, encomendou um tríptico representando a Natividade de Hus. Este tríptico foi guardado numa das capelas da Igreja de Sita Maria Novella, em Florença, durante quase quatro séculos. O tríptico “Retábulo de Portinari” (Florença, Uffizi) é a obra-prima do artista e um dos mais importantes monumentos da pintura holandesa.
O artista recebeu uma tarefa incomum para a pintura holandesa - criar um grande e obra monumental com figuras em grande escala (o tamanho da parte central é 3x2,5 m). Preservando os elementos básicos da tradição iconográfica, Hus criou uma composição completamente nova, aprofundando significativamente o espaço da imagem e organizando as figuras ao longo das diagonais que a cruzam. Ao aumentar a escala das figuras ao tamanho real, o artista dotou-as de formas poderosas e pesadas. Os pastores precipitam-se para o silêncio solene das profundezas à direita. Seus rostos simples e ásperos são iluminados por uma alegria e fé ingênuas. Essas pessoas do povo, retratadas com incrível realismo, têm igual importância com outras figuras. Maria e José também são dotados de características de pessoas comuns. Esta obra expressa uma nova ideia de homem, uma nova compreensão dignidade humana. Hus também é inovador na transmissão de iluminação e cor. A consistência com que se transmite a iluminação e, em particular, as sombras das figuras fala de uma observação atenta da natureza. A pintura foi projetada em um esquema de cores ricas e frias. As abas laterais, mais escuras que a parte central, fecham com sucesso a composição central. Os retratos de membros da família Portinari neles colocados, atrás dos quais se erguem figuras de santos, distinguem-se por grande vitalidade e espiritualidade. A paisagem da porta esquerda é notável, transmitindo a atmosfera fria de uma manhã de início de inverno.
Provavelmente, a Adoração dos Magos (Berlim, Dahlem) foi realizada um pouco antes. Tal como no retábulo de Portinari, a arquitetura é recortada por uma moldura, o que consegue uma relação mais correta entre ela e as figuras e realça o caráter monumental do espetáculo solene e magnífico. A Adoração dos Pastores (Berlim, Dahlem), escrita posteriormente ao retábulo de Portinari, tem um caráter significativamente diferente. A composição alongada é fechada em ambos os lados por meias figuras de profetas, abrindo a cortina, atrás da qual se desenrola uma cena de culto. A corrida impetuosa dos pastores que avançam pela esquerda, com os rostos excitados, e os profetas dominados pela excitação emocional conferem ao quadro um caráter inquieto e tenso. Sabe-se que em 1475 o artista ingressou num mosteiro, onde, no entanto, ocupou uma posição especial, mantendo estreita comunicação com o mundo e continuando a pintar. O autor da crônica do mosteiro fala sobre a difícil Estado de espirito um artista que não estava satisfeito com seu trabalho e tentou suicídio em acessos de melancolia. Nesta história, vemos um novo tipo de artista, nitidamente diferente do artesão da guilda medieval. O estado espiritual deprimido de Hus se reflete na pintura “A Morte de Maria” (Bruges), imbuída de um clima alarmante, em que os sentimentos de tristeza, desespero e confusão que tomaram conta dos apóstolos foram transmitidos com grande força.
Memling. No final do século, há um enfraquecimento da atividade criativa, o ritmo de desenvolvimento desacelera, a inovação dá lugar ao epigonismo e ao conservadorismo. Estas características estão claramente expressas na obra de um dos artistas mais significativos da época - Hans Memling (c. 1433-1494). Natural de uma pequena cidade alemã do Meno, trabalhou no final dos anos 50 no ateliê de Roger van der Weyden e, após a morte deste, estabeleceu-se em Bruges, onde dirigiu a escola local de pintura. Memling toma emprestado muito de Roger van der Weyden, usando repetidamente suas composições, mas esses empréstimos são externos. A dramatização e o pathos do professor estão longe dele. Nele encontram-se características emprestadas de Jan van Eyck (representação detalhada dos ornamentos de tapetes orientais e tecidos de brocado). Mas os fundamentos do realismo eickiano lhe são estranhos. Sem enriquecer a arte com novas observações, Memling introduz, no entanto, novas qualidades na pintura holandesa. Em suas obras encontraremos graça refinada de poses e movimentos, rostos bonitos e atraentes, ternura de sentimentos, clareza, ordem e elegante decoratividade da composição. Essas características são especialmente expressas no tríptico “O Noivado de São Pedro”. Catarina" (1479, Bruges, Hospital St. John). A composição da parte central distingue-se pela simetria estrita, animada por uma variedade de poses. Nas laterais da Madonna há figuras de Santa formando um semicírculo. Catarina e Bárbara e os dois apóstolos; o trono de Nossa Senhora é ladeado por figuras contra o fundo das colunas de João Batista e João Evangelista. Silhuetas graciosas e quase desencarnadas realçam a expressividade decorativa do tríptico. Este tipo de composição, repetindo com algumas alterações a composição da obra anterior do artista - um tríptico com a Madonna, santos e clientes (1468, Inglaterra, coleção do Duque de Devonshire), será repetida e variada pelo artista diversas vezes. Em alguns casos, o artista introduziu no conjunto decorativo elementos individuais emprestados da arte italiana, por exemplo, putti nus segurando guirlandas, mas a influência da arte italiana não se estendeu à representação da figura humana.
A frontalidade e o carácter estático também se distinguem na “Adoração dos Magos” (1479, Bruges, St. John’s Hospital), que remonta a uma composição semelhante de Roger van der Weyden, mas sujeita a simplificações e esquematizações. A composição foi posteriormente retrabalhada " Último Julgamento"Roger no tríptico de Memling "O Juízo Final" (1473, Gdansk), encomendado pelo representante dos Medici em Bruges, Angelo Tani (excelentes retratos dele e de sua esposa estão colocados nas portas). A individualidade do artista manifestou-se nesta obra de forma especialmente clara na representação poética do paraíso. As graciosas figuras nuas são executadas com inegável virtuosismo. A meticulosidade de execução em miniatura característica de O Juízo Final ficou ainda mais evidente em duas pinturas que representam um ciclo de cenas da vida de Cristo (A Paixão de Cristo, Turim; As Sete Alegrias de Maria, Munique). O talento de um miniaturista revela-se também nos pitorescos painéis e medalhões que decoram a pequena urna gótica de S. Ursula" (Bruges, Hospital St. John). Esta é uma das obras mais populares e celebradas do artista. Muito mais significativo, porém, em termos artísticos, é o monumental tríptico “Santos Cristóvão, Mouro e Gilles” (Bruges, Museu da Cidade). As imagens dos santos nele se distinguem pela concentração inspirada e pela nobre contenção.
Seus retratos são especialmente valiosos no legado do artista. “Retrato de Martin van Nieuwenhove” (1481, Bruges, St. John’s Hospital) é o único díptico de retrato intacto do século XV. A Madona e o Menino retratados na ala esquerda representam desenvolvimento adicional tipo de retrato no interior. Memling introduz outra inovação na composição do retrato, colocando a imagem do busto emoldurada pelas colunas de uma loggia aberta, através da qual a paisagem é visível (“Retratos emparelhados do burgomestre Morel e sua esposa”, Bruxelas), ou diretamente contra o fundo da paisagem (“Retrato de um homem orando”, Haia; “Retrato de um medalhista desconhecido”, Antuérpia). Os retratos de Memling sem dúvida transmitiam semelhanças externas, mas apesar de todas as diferenças de características, também encontraremos neles muitas semelhanças. Todas as pessoas que ele retrata se distinguem pela contenção, nobreza, gentileza espiritual e muitas vezes piedade.
G. David. O último grande artista da escola de pintura do sul da Holanda do século XV foi Gerard David (c. 1460-1523). Natural do norte dos Países Baixos, estabeleceu-se em Bruges em 1483 e, após a morte de Memling, tornou-se uma figura central na cultura local. escola de Artes. O trabalho de G. David difere acentuadamente do trabalho de Memling em vários aspectos. Ele contrastou a graça leve deste último com a pompa pesada e a solenidade festiva; suas figuras pesadas e atarracadas têm uma tridimensionalidade pronunciada. Em suas pesquisas criativas, David confiou em património artístico Jan van Eyck. Deve-se notar que nesta época o interesse pela arte do início do século tornou-se um fenômeno bastante característico. A arte da época de Van Eyck adquire o significado de uma espécie de “herança clássica”, que, em particular, se expressa no aparecimento de um número significativo de cópias e imitações.
A obra-prima do artista é o grande tríptico “O Batismo de Cristo” (c. 1500, Bruges, Museu da Cidade), que se distingue pela sua estrutura calmamente majestosa e solene. A primeira coisa que chama a atenção aqui é um anjo que se destaca em relevo em primeiro plano em uma casula de brocado lindamente pintada, feita na tradição da arte de Jan van Eyck. Particularmente notável é a paisagem, em que as transições de um plano para outro se dão nos tons mais finos. A representação convincente da iluminação noturna e a representação magistral de águas claras chamam a atenção.
A composição “Madonna entre as Santas Virgens” (1509, Rouen), que se distingue pela estrita simetria na disposição das figuras e por um esquema de cores cuidadoso, é importante para caracterizar o artista.
Imbuído de um espírito de igreja estrito, o trabalho de G. David era geralmente, como o de Memling, de natureza conservadora; refletia a ideologia dos círculos patrícios de Bruges, que estava em declínio.

EM XVséculo, o centro cultural mais significativo do Norte da Europa -Holanda , um país pequeno mas rico que inclui o território das atuais Bélgica e Holanda.

Artistas holandesesXVséculos, pintaram principalmente altares, pintaram retratos e pinturas de cavalete encomendadas por cidadãos ricos. Eles adoravam as cenas da Natividade e da Adoração do Menino Jesus, muitas vezes transferindo cenas religiosas para cenários da vida real. Os numerosos utensílios domésticos que preenchiam este ambiente tinham um significado simbólico importante para uma pessoa daquela época. Por exemplo, um lavatório e uma toalha eram percebidos como uma sugestão de limpeza e pureza; os sapatos eram um símbolo de fidelidade, uma vela acesa - casamento.

Ao contrário dos seus homólogos italianos, os artistas holandeses raramente retratavam pessoas com rostos e figuras de beleza clássica. Eles poetizaram a pessoa comum, “média”, vendo seu valor na modéstia, na piedade e na integridade.

À frente da escola holandesa de pinturaXVséculos de gênioJan van Eyck (por volta de 1390-1441). É famoso"Retábulo de Gante" abriu uma nova era na história da arte holandesa. O simbolismo religioso é traduzido em imagens confiáveis ​​do mundo real.

Sabe-se que o Retábulo de Gante foi iniciado pelo irmão mais velho de Jan van Eyck, Hubert, mas a obra principal recaiu em Jan.

As portas do altar são pintadas por dentro e por fora. Visto de fora, parece contido e rígido: todas as imagens são desenhadas em um único esquema de cores acinzentadas. Aqui estão representadas a cena da Anunciação, figuras de santos e doadores (clientes). Nos feriados, as portas do altar eram abertas e diante dos paroquianos, em todo o esplendor das cores, apareciam pinturas que encarnavam a ideia de expiação dos pecados e de iluminação futura.

As figuras nuas de Adão e Eva são executadas com realismo excepcional, o que há de mais renascentista em imagens espirituais do “Retábulo de Gante”. Os cenários paisagísticos são magníficos - uma paisagem típica holandesa na cena da Anunciação, um prado florido e ensolarado com vegetação variada nas cenas de adoração do Cordeiro.

O mundo circundante é recriado com a mesma observação surpreendente em outras obras de Jan van Eyck. Entre os exemplos mais marcantes está o panorama da cidade medieval em"Madonna do Chanceler Rolin."

Jan van Eyck foi um dos primeiros retratistas de destaque na Europa. Em sua obra, o gênero retrato adquiriu independência. Além de pinturas que representam o tipo usual de retrato, o pincel de van Eyck pertence a uma obra única do gênero,“Retrato do casal Arnolfini.” Este é o primeiro retrato emparelhado na pintura europeia. O casal é retratado em uma pequena sala aconchegante, onde todas as coisas têm um significado simbólico, sugerindo a santidade do voto matrimonial.

A tradição também associa o aperfeiçoamento das técnicas de pintura a óleo ao nome de Jan van Eyck. Ele aplicou camada após camada de tinta na superfície branca do quadro, obtendo uma transparência especial de cor. A imagem começou a brilhar, por assim dizer, por dentro.

No meio e no 2º tempoXVséculos, mestres de talento excepcional trabalharam na Holanda -Rogier van der Weyden E Hugo van der Goes , cujos nomes podem ser colocados ao lado de Jan van Eyck.

Bosch

No limite XV- XVIséculos vida pública A Holanda estava cheia de contradições sociais. Nessas condições nasceu a arte complexaJerônimo Bosch (aproximar EU 450- EU 5 EU 6, nome verdadeiro Hieronymus van Aken). Bosch era alheio aos fundamentos da visão de mundo em que se baseava a escola holandesa, começando com Jan van Eyck. Ele vê no mundo uma luta entre dois princípios, o divino e o satânico, o justo e o pecaminoso, o bem e o mal. Os produtos do mal penetram em todos os lugares: são pensamentos e ações indignas, heresias e todos os tipos de pecados (vaidade, sexualidade pecaminosa, desprovida da luz do amor divino, estupidez, gula), as maquinações do diabo, tentadores de eremitas santos, e breve. Pela primeira vez, a esfera do feio como objeto de compreensão artística cativa tanto o pintor que ele utiliza suas formas grotescas. Suas pinturas sobre temas de provérbios, ditados e parábolas populares (“Tentação de S. Antoniya" , "Uma carroça de feno" , "Jardim das Delícias" ) Bosch povoa imagens bizarras e fantásticas, ao mesmo tempo assustadoras, apavorantes e cômicas. Aqui a tradição secular da arte popular vem em auxílio do artista. cultura do riso, motivos do folclore medieval.

Na ficção de Bosch há quase sempre um elemento de alegoria, um começo alegórico. Essa característica de sua arte é mais claramente refletida nos trípticos “O Jardim dos Prazeres”, que mostram as consequências desastrosas dos prazeres sensuais, e “Uma Carroça de Feno”, cujo enredo personifica a luta da humanidade por benefícios ilusórios.

A demonologia de Bosch coexiste não só com uma análise profunda da natureza humana e do humor popular, mas também com um sentido subtil da natureza (em vastos cenários paisagísticos).

Bruegel

O auge da Renascença Holandesa foi a criatividadePieter Bruegel, o Velho (por volta de 1525/30-1569), mais próximo dos sentimentos das massas durante a era da próxima Revolução Holandesa. Bruegel possuía no mais alto grau o que é chamado de originalidade nacional: todas as características notáveis ​​de sua arte cresceram no solo das tradições holandesas originais (ele foi muito influenciado, em particular, pelo trabalho de Bosch).

Por sua habilidade de desenhar tipos camponeses, o artista foi chamado de Bruegel “O Camponês”. Toda a sua obra está permeada de reflexões sobre o destino do povo. Bruegel capta, por vezes de forma alegórica e grotesca, o trabalho e a vida do povo, os graves desastres públicos (“O Triunfo da Morte”) e o amor inesgotável do povo pela vida ("Casamento Camponês" , "Dança Camponesa" ). É característico que em pinturas sobre temas evangélicos("Censo em Belém" , "Massacre dos inocentes" , "Adoração dos Magos na Neve" ) ele apresentou a Belém bíblica na forma de uma vila holandesa comum. Com profundo conhecimento vida popular mostrou a aparência e ocupação dos camponeses, uma paisagem típica holandesa e até a característica alvenaria das casas. Não é difícil ver a história moderna, e não bíblica, no “Massacre dos Inocentes”: tortura, execuções, ataques armados a pessoas indefesas - tudo isto aconteceu durante os anos de opressão espanhola sem precedentes na Holanda. Significado simbólico Existem também outras pinturas de Bruegel:"Terra dos Preguiçosos" , "Magpie na forca" , "Cego" (uma alegoria terrível e trágica: o caminho dos cegos, arrastados para o abismo - não é este o caminho de vida de toda a humanidade?).

A vida das pessoas nas obras de Bruegel é inseparável da vida da natureza, ao transmitir a qual o artista demonstrou uma habilidade excepcional. Dele"Caçadores de Neve" - uma das paisagens mais perfeitas de toda a pintura mundial.

PINTURA DE RETRATO Flamengo DO INÍCIO DO RENASCIMENTO

Artista flamengo Jan van Eyck (1385-1441)

Parte 1

Margarita, esposa do artista

Retrato de um homem com turbante vermelho (possivelmente um autorretrato)

Jan de Leeuw

Homem com um anel

Retrato de um homem

Marco Barbarigo

Retrato do casal Arnolfini

Giovanni Arnolfini

Balduíno de Lannoy

Homem com cravo

Cardeal Legado Papal Niccolò Albergati

Biografia de Jan van Eyck

Jan van Eyck (1390 - 1441) - Artista flamengo, irmão de Hubert van Eyck (1370 - 1426). Dos dois irmãos, o mais velho, Hubert, era o menos famoso. Há poucas informações confiáveis ​​sobre a biografia de Hubert van Eyck.

Jan van Eyck foi um pintor da corte de João da Holanda (1422 - 1425) e Filipe da Borgonha. Enquanto servia ao duque Philip, Jan van Eyck fez várias viagens diplomáticas secretas. Em 1428, a biografia de van Eyck incluía uma viagem a Portugal, onde pintou um retrato da noiva de Philip, Isabella.

O estilo de Eick baseava-se no poder implícito do realismo e serviu como uma abordagem importante na arte medieval tardia. Realizações excecionais Este movimento realista, por exemplo, os afrescos de Tommaso da Modena em Treviso, obra de Robert Campin, influenciou o estilo de Jan van Eyck. Experimentando o realismo, Jan van Eyck alcançou uma precisão incrível, diferenças incomumente agradáveis ​​entre a qualidade dos materiais e a luz natural. Isto sugere que o seu cuidadoso delineamento dos detalhes da vida diária foi feito com a intenção de exibir o esplendor das criações de Deus.

Alguns escritores atribuem falsamente a Jan van Eyck a descoberta das técnicas de pintura a óleo. Sem dúvida, ele desempenhou um papel fundamental no aperfeiçoamento desta técnica, conseguindo com a sua ajuda uma riqueza e saturação de cor sem precedentes. Jan van Eyck desenvolveu a técnica de pintura a óleo.

Ele gradualmente alcançou uma precisão pedante na representação do mundo natural.

Muitos seguidores copiaram sem sucesso seu estilo. Uma qualidade distintiva do trabalho de Jan van Eyck foi a difícil imitação de seu trabalho. A sua influência na próxima geração de artistas, no norte e no sul da Europa, não pode ser subestimada. Evolução completa Artistas flamengos O século XV trouxe a marca direta do seu estilo.

Entre as obras sobreviventes de van Eyck, a maior é o Retábulo de Gante, na Catedral de São Bavo em Gante, Bélgica. Esta obra-prima foi criada por dois irmãos, Jan e Hubert, e concluída em 1432. Os painéis exteriores mostram o dia da Anunciação, quando o anjo Gabriel visitou a Virgem Maria, bem como imagens de São João Baptista, João Evangelista. O interior do altar é composto pela Adoração do Cordeiro, revelando uma magnífica paisagem, além de pinturas acima mostrando Deus Pai perto da Virgem, João Batista, anjos tocando música, Adão e Eva.

Ao longo de sua vida, Jan van Eijk criou muitos retratos magníficos, famosos por sua objetividade cristalina e precisão gráfica. Entre suas pinturas: um retrato de um homem desconhecido (1432), um retrato de um homem com turbante vermelho (1436), um retrato de Jan de Leeuw (1436) em Viena, um retrato de sua esposa Margaretha van Eyck (1439) em Bruges. A pintura de casamento Giovanni Arnolfini e sua noiva (1434, National Gallery London) mostra um interior magnífico junto com as figuras.

Na biografia de van Eyck, o interesse especial do artista sempre recaiu sobre a representação dos materiais, bem como sobre a qualidade especial das substâncias. Seu talento técnico insuperável ficou especialmente evidente em duas obras religiosas - “Nossa Senhora do Chanceler Rolin” (1436) no Louvre, “Nossa Senhora do Cônego van der Paele” (1436) em Bruges. A Galeria Nacional de Arte de Washington exibe a pintura "A Anunciação", atribuída à mão de van Eyck. Acredita-se que algumas das pinturas inacabadas de Jan van Eyck foram concluídas por Petrus Christus.

VI - Holanda século XV