Primitivismo - um estilo de pintura originado no século XIX, que incluía uma simplificação deliberada do quadro, tornando as suas formas primitivas, como a obra dos tempos primitivos.

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A pintura, enquanto questão individual, realizada inteiramente pelo próprio autor, foi a primeira a tirar partido deste estado, rompendo com a rotina, de forma mais decisiva e mais distante que outras, afastando-se dos estereótipos estéticos aceites.

A direção deste movimento - a transição do naturalismo para a convenção, da sofisticação para a simplificação, da sofisticação modernista para o primitivismo - foi a mesma que em Arte europeia. A análise mostra que as origens desta tendência se encontram fora da tradição artística russa.

Contudo, na viragem para o primitivismo, duas tendências opostas já se distinguem mais ou menos desde o início. A primeira carrega implicitamente a ideia de simplificação (no sentido rousseauniano) e corresponde ao conceito de “primitivo”. A segunda, indistinguível numa fase inicial, também se expressa em formas generalizadas e convencionais, mas o seu objetivo é uma forma lacónica como tal, a universalização da forma, a sua simplificação. No primeiro sentido, o primitivismo da nossa vanguarda tem os seus fundamentos na mentalidade russa, nas especificidades do seu modo de vida camponês, na mitologização do seu próprio povo, nos sermões de simplificação de Tolstoi.

A diferença entre as versões alemã e francesa é óbvia. Aí começa com um apelo à arte “primitiva” oceânica e africana. Aqui - desde um apelo a várias formas de tradição russa cultura artística: ao folclore urbano, aos rituais, ao vestuário nacional, à arquitetura, às estampas populares, aos brinquedos folclóricos, etc. Esses elementos são usados ​​de diferentes maneiras por artistas como Bilibin, Nesterov, Grigoriev, Kustodiev, Malyavin, Arkhipov, Petrov-Vodkin, Kuznetsov, Larionov, Goncharova, Udaltsova e outros. As imagens de camponeses em Goncharova e Malevich têm um ponto de partida comum. . Nas obras de K. Malevich, apresentadas na exposição “Valete de Ouros” em 1910, é perceptível a influência daquele peculiar primitivismo de coloração fauvista, característico da obra de N. Goncharova dos anos 1900. Algumas obras (por exemplo, Walking, 1910) permitem-nos falar da influência de Goncharova sobre Malevich neste período inicial. No entanto, o futuro destino das tendências em que se desenvolve o trabalho destes artistas permite-nos ver que a semelhança dos seus primeiros trabalhos é enganosa. Esta semelhança embrionária é apenas parcialmente preservada nas formas desenvolvidas.

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O termo “primitivismo” na pintura não é tão simples. Em primeiro lugar, os historiadores da arte nem sempre concordam em decifrar o seu significado. Além disso, tudo é sobrecarregado pela presença de sinônimos que podem ser utilizados para designá-lo. Ou nem mesmo sinônimos - dependendo do ponto de vista que você adota.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Leão e sol

Vamos entender os conceitos

No final do século XIX e início do século XX, alguns progressistas Artistas europeus eles começam a enlouquecer com a expressividade e a brevidade dos artefatos das culturas primitivas. A ingenuidade simples e grosseira das máscaras rituais africanas e das estatuetas de madeira parece-lhes uma resposta simples e óbvia à procura de formas de superar a insensibilidade e a estagnação da pintura académica. Naquela época, o impressionismo já havia perdido seu antigo frescor e escandaloso, por isso não poderia reivindicar o papel de abalar os alicerces.

As obras das culturas primitivas - os ancestrais das obras-primas primitivistas modernas - incluem pinturas rupestres pré-históricas ou ídolos de pedra, e tradições culturais povos tribais modernos que habitam a África, a Oceania e similares. Máscaras africanas como estas foram um factor decisivo no surgimento de muitos movimentos de vanguarda no início do século XIX.

Fonte da foto: newpackfon.ru

Em um dos sistemas de coordenadas acredita-se que seja criatividade artistas profissionais Aqueles que possuem uma formação artística acadêmica e todas as habilidades necessárias, mas que conscientemente vão simplificar as técnicas estilísticas e técnicas para imitar a arte primitiva, pertencem ao primitivismo. O legado de artistas autodidatas, que pintam quadros de maneira inepta e infantil, neste caso é denominado arte ingênua.

Num outro universo da história da arte, o primitivismo e a arte ingênua são sinônimos completos e conceitos intercambiáveis. Deste ponto de vista, o termo “arte ingênua” é uma espécie de eufemismo, necessário para maior eufonia, em contraste com o conceito de “primitivismo”, que em muitas línguas tem uma conotação um tanto depreciativa.

Tomaremos a segunda versão como um axioma e teremos em mente que o primitivismo, assim como a arte ingênua, são estilos que incluem obras de artistas não profissionais, cuja magnitude de talento cobre a falta de certas habilidades, como a habilidade para construir corretamente a perspectiva ou transmitir o claro-escuro.

Para a herança de mestres sofisticados que abordam com competência a estilização de um ou outro tipo de arte primitiva (pintura de ícones antigos, motivos étnicos ou gravuras populares, por exemplo), utilizaremos o termo “neoprimitivismo”. Foi exatamente isso que os membros das associações artísticas russas “Jack of Diamonds” e “Donkey’s Tail” fizeram no início do século passado.

Kazimir Severinovich Malevich. Crianças
1908, 30,2×23,8 cm

Natalya Sergeevna Goncharova. Branqueamento de linho. Da "Série Camponesa"

Artistas de vanguarda como Kazimir Malevich, Mikhail Larionov e Natalya Goncharova inspiraram-se na arte popular, também classificada como arte primitiva. E o termo neoprimitivismo foi usado pela primeira vez em um panfleto de Alexander Shevchenko, publicado pelo artista em 1913: “Neoprimitivismo. Sua teoria. Suas capacidades. Suas conquistas."

Se na Europa Ocidental os artistas usaram apenas parcialmente técnicas artísticas ingênuas em suas obras, desenvolvendo movimentos como o fauvismo, o cubismo ou o expressionismo, então na Rússia o neoprimitivismo tornou-se um movimento significativo, a partir do qual o suprematismo finalmente cresceu e tomou forma. Portanto, às vezes os críticos de arte ocidentais usam o termo neoprimitivismo especificamente em relação aos adeptos russos dos ideais da arte ingênua, que os promoveram e aplicaram diligentemente na prática.

Mikhail Fedorovich Larionov. Vênus e Mikhail
1912, 85,5×68cm

Segundo Alexandre Benois, “A peculiaridade do neoprimitivismo era que seus representantes não buscavam a estilização, nem a imitação mestre popular, mas à expressão dos aspectos essenciais da estética popular. Aqui, o exemplo mais ilustrativo é o trabalho de Larionov, que - de acordo com a estética popular - iguala o importante e o sem importância, o alto e o baixo, indo ao extremo - cultivando os princípios do desenho de cercas e da “pintura de quartéis”..

De volta ao básico

O caminho através dos espinhos até as estrelas dos primitivistas foi aberto por criadores reconhecidos como Gauguin, Picasso e Matisse. Depois de buscar a cura de doença grave, ao qual Gauguin incluiu os benefícios da civilização, o artista foi para o Taiti e lá se fundiu com a natureza de todas as maneiras possíveis, enriquecendo simultaneamente seu estilo com as cores vivas de uma ilha exótica e imagens ingênuas da cultura local, e outros o seguiram.

Paulo Gauguin. Pastorais taitianas
1898, 87,5×113,7cm

Os expressionistas alemães Emil Nolde e Max Pechstein também tentaram a sorte na vastidão da Oceania, mas seus camaradas Ernst Ludwig Kirchner e Erich Heckel reconstruíram cenários primitivos em suas oficinas. Os artistas franceses não tiveram que viajar muito para se inspirar; nem sequer tiveram que sair de Paris. Das colônias francesas na África Ocidental, os comerciantes trouxeram para a capital todo tipo de artesanato étnico, que depois foi distribuído em museus e pequenas lojas.

Will Gompertz no livro “Arte Incompreensível. From Monet to Banksy" conta como o artista Maurice de Vlaminck inadvertidamente se torna o catalisador para um surto de interesse pela arte primitiva e, como resultado, o surgimento de um movimento como o Fauvismo. Em 1905, ele viu três máscaras africanas esculpidas num café parisiense. Influenciado pela expressão “arte instintiva”, como ele a chamava, Vlaminck comprou as máscaras do dono do estabelecimento e apressou-se em mostrar o espólio aos amigos artistas.

Henrique Matisse. Mulher com chapéu
1905, 24×31cm

Maurício de Vlaminck. Restaurante

André Derain. Porto de Colliour
1905, 72×91cm

Henri Matisse e Andre Derain partilhavam a paixão de Vlaminck pela paleta expressiva de Van Gogh e pela busca exótica de Gauguin. Seu cálculo foi justificado: seus amigos consideravam os artefatos adquiridos uma manifestação de liberdade de pensamento, não obstruída pelos ideais materialistas da civilização, mas mantendo a espontaneidade e a ingenuidade infantis. O resultado do encontro dos três artistas foi a conclusão de que a cor e as emoções na tela têm um significado dominante, em contraste com o realismo e a autenticidade da imagem.

Como resultado, nasceram pinturas nas quais tentavam dar vida ao máximo aos seus novos princípios artísticos. Coloridas com combinações de cores puras e sem mistura, aplicadas em pinceladas nítidas e separadas, loucas para a época, as telas eram tão provocantes que os organizadores do Salão de 1905 inicialmente se recusaram a aceitar obras para exposição. Somente graças à autoridade pessoal de Matisse foi possível impulsionar a participação das experiências do trio no Salão.

Depois haverá críticas tempestuosas e indignadas dos críticos de arte, um dos quais, como muitas vezes acontece (ver impressionismo), dará o nome ao novo movimento de vanguarda - Fauvismo: o venerável crítico Louis Vaucelle dirá que as pinturas salpicadas de cores foram pintadas por animais selvagens - “les fauves” em francês Mas esta é uma história um pouco diferente.

Como Picasso descobriu Rousseau

A pintura do promissor jovem espanhol também deu um salto mortal notável sob a influência direta da arte primitiva e dos seus confessores. Quando Picasso viu o último grito da autoria de Matisse - telas chamativas, diferentes de tudo, livres de quaisquer preconceitos acadêmicos, ele perdeu a paz e o sono. Sem pensar duas vezes, Picasso vai para museu etnográfico, onde era guardada uma extensa coleção de máscaras africanas. Lá ele passou por uma espécie de rito de iniciação. Quem sabe, talvez esses objetos rituais realmente contivessem poder mágico?

"Eu estava sozinho, lembrou o artista. - Eu queria fugir de lá. Mas eu fiquei. Eu simplesmente não conseguia sair. Percebi algo muito importante; algo estava acontecendo comigo. Olhei para esses fetiches e de repente ficou claro para mim que eu também era contra todos. Também sinto que tudo ao redor é desconhecido e hostil. Quando fiquei sozinho naquele museu terrível, rodeado de máscaras, bonecas indianas, manequins empoeirados, “Les Demoiselles d’Avignon” deve ter aparecido para mim; não que tenham sido motivados pelas formas que viram: aquela imagem tornou-se a minha primeira experiência de exorcismo - sim, isso mesmo!"

Pablo Picasso. Les Demoiselles d'Avignon, 1907

Assim, vários artefatos tribais forçaram Picasso a pintar um quadro que se tornou o progenitor do cubismo e, como consequência, do futurismo e de uma boa dúzia de outros ismos. Mas a sua intervenção mágica na então vida artística da capital francesa não parou por aí. Sucumbindo ao encanto arte primitiva, Picasso não podia deixar de perceber o fenômeno da estrela em ascensão da arte ingênua e teve uma participação significativa em garantir que Paris levasse a sério as criações pouco profissionais do modesto funcionário da alfândega Henri Rousseau.

Sem ter educação artística O oficial da alfândega (como era apelidado pelos boêmios parisienses) tinha, no entanto, sérias ambições para a pintura. A espontaneidade infantil jogou a favor de Rousseau - caso contrário, ele dificilmente ousaria apresentar suas estranhas experiências ao público exigente do Salão dos Independentes de 1986, onde todos os artistas interessados ​​poderiam participar.

Um milagre não aconteceu; os críticos se esforçaram para ridicularizar o aspirante a criador, de quarenta anos, que não tinha ideia da perspectiva linear ou dos princípios da construção composicional. A voz do mestre Camille Pissarro destacou-se no harmonioso coro de zombaria, notando os ricos tons da pintura de Rousseau.

Henrique Rousseau. Noite de carnaval
1886

O fracasso no Salão dos Independentes não poderia quebrar o propósito do Oficial da Alfândega. Pelo contrário, ele deixa o emprego para se dedicar em tempo integral à carreira de artista. Seu principal admirador, Picasso, também tinha fé ilimitada nele. Um dia encontrou numa loja provinciana um quadro de Rousseau, que ali era vendido ao preço da tela usada - nem mesmo o sucateiro se atreveu a pedir um preço alto por ele. O espanhol comprou-o imediatamente e posteriormente guardou-o até ao fim dos seus dias, respondendo que era seu “capturado como uma obsessão... este é um dos mais verdadeiros retratos psicológicos na pintura francesa".

Henrique Rousseau. Retrato de Jadwiga

Além disso, organizou um jantar em homenagem ao estranho retrato, onde convidou toda a elite parisiense e o próprio herói da ocasião - a primeira estrela da arte ingênua. Picasso pendurou a pintura do Oficial da Alfândega no lugar mais proeminente de seu próprio estúdio e sentou seu autor em uma cadeira que mais parecia um trono. Este foi um verdadeiro triunfo para o artista amador, embora parte do público provavelmente tenha percebido o que estava acontecendo como uma zombaria particularmente sofisticada ou uma brincadeira.

Mas não Picasso. Ele é creditado por ter dito que passou quatro anos aprendendo a escrever como Rafael, mas levou a vida inteira para aprender a desenhar como uma criança. Por isso, ele admirou o dom de Rousseau, que lhe permitiu pular essas etapas com segurança e começar imediatamente a criar obras-primas primitivistas.

Henrique Rousseau. Tigre em uma tempestade tropical

De que são feitas as pinturas dos primitivistas?

Que sinais determinam que o que você vê é uma obra de arte ingênua e não, digamos, a obra de um expressionista, abstracionista ou representante de algum outro movimento de vanguarda? Aliás, Mark Rothko, que ficou famoso no campo do expressionismo abstrato, buscou inspiração e o segredo da habilidade da pintura em desenho infantil e até dedicou um livro inteiro a isso - mesmo antes de começar a cultivar abnegadamente a pintura de campos coloridos.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Uma mãe ursa com seus filhotes
1917, 140×100cm

Exemplos de primitivismo são de fato caracterizados por erros característicos que as crianças cometem ao desenhar. Mas não é necessário ter todos os itens a seguir em uma única imagem. Artistas autodidatas ainda conseguiam fazer algumas coisas.

1. Falta de perspectiva linear: os objetos em primeiro plano são iguais em tamanho aos objetos em segundo plano, o que torna sua relação no espaço pouco clara e a imagem perde volume.

2. Os detalhes do fundo são tratados com o mesmo cuidado que os objetos próximos. As consequências são as mesmas do parágrafo anterior.

Avó (Anna Mary) Moisés. Celebração

3. As cores não perdem brilho e saturação proporcionalmente à distância dos objetos da borda frontal da tela. A imagem fica plana e lembra um cartão postal.

4. Não há sinais de fontes de iluminação: mesmo que o sol esteja presente na imagem, todas as superfícies estão iluminadas uniformemente, pessoas e objetos não projetam sombras e você também não encontrará nenhum destaque.

Camilo Bombois. Banhistas surpresos
1930, 65×81,5cm

5. Violação da anatomia: proporções do corpo humano, erros na representação de animais. Mas e quanto a Picasso, Salvador Dali, Francis Bacon e muitos outros, de cujas obras não se pode dizer que estejam familiarizados com a estrutura do corpo humano? Eles também são primitivistas? - Não. Olhando para uma pintura de um representante da arte ingênua, você verá que a pessoa tentou o melhor que pôde, e é graças a esses esforços que suas tentativas ingênuas de chegar aos “grandes” artistas parecem tão comoventes e irresistíveis. charme. Mas os números acima mencionados não perseguiam tais objetivos, e sua lista certamente não incluía o item “agradar a todos”.

6. Tal como as crianças, os primitivistas não distinguem entre realidade e fantasia. Nas suas pinturas, pessoas e unicórnios podem coexistir com segurança, não no quadro de uma fantasia surreal, mas como uma ocorrência quotidiana. Os leões nessas pinturas não representam uma ameaça para os humanos, e um cervo pode parecer uma criatura de conto de fadas.

Ivan Generalich. Unicórnio

7. E, finalmente, uma diferença fundamental que dá uma resposta à questão que surge naturalmente de como as pinturas não objetivas dos modernistas no estilo “meu filho de 5 anos-que-qualquer-pode-melhorar” diferem de as criações dos primitivistas. Artistas não profissionais retratam objetos com o grau de realismo que lhes é disponível devido a conhecimentos, habilidades e habilidades limitadas. E os representantes da arte de vanguarda fazem o possível para esquecer o que aprenderam nas escolas de arte ou fingir que não as frequentaram. Mas a harmonia e a consideração da composição, o simbolismo exagerado ou o contexto cultural que brilha traiçoeiramente através da imagem fingidamente ingênua e deliberadamente inepta ainda trairão um profissional. Sim, sim, você pode sair, ainda reconhecemos vocês, camarada Chagall e Sr.

Mark Zakharovich Chagall. Velho de óculos
década de 1950

Paulo Klee. Teatro de fantoches
1923

Primitivismo: folha de dicas. Artistas que trabalharam no estilo do primitivismo

Henri Rousseau, Niko Pirosmanishvili, Ivan Generalich, Avó Moses, Maria Primachenko, Camille Bombois, Nikifor Krynitsky, Ekaterina Bilokur, Polina Raiko, Serafina Louis, Oles Semernya.

Pinturas icônicas dos primitivistas

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Atriz Margarita
1909, 94×117cm

A história da pintura de Pirosmani tornou-se uma lenda. Foi ela quem foi imortalizada na poesia de Andrei Voznesensky, que foi musicada por Raymond Pauls, criando a canção “A Million Scarlet Roses”. É sobre as tentativas de um pobre artista de conquistar o coração da inacessível atriz francesa Margarita de Sèvres, que atuou em Tiflis em 1905, onde Pirosmani perdeu a cabeça para ela. Segundo algumas versões, entre o “mar de flores” que o desesperado Niko mandou para o hotel de sua namorada estavam não apenas rosas, e não apenas escarlates, mas também papoulas, peônias, lírios, lilases, acácias e outros florais presentes da terra georgiana. Tudo o que o artista merecia por sua atuação foi apenas um beijo de Margarita. Mas muitos anos depois, tendo perdido tanto a multidão de fãs como a sua antiga atratividade, a atriz ia todos os dias ao Louvre, onde a pintura de Pirosmani foi exposta em 1969, e passava horas a olhar para o seu retrato. Assim, a arte sobreviveu ao amor efêmero e à beleza fugaz.

Maria Avksentievna Primachenko. O rei dos peixes pegou uma poupa e está feliz
Século XX

Imaginação sem limites, esquemas de cores ousados, cores folclóricas desarmantes são apenas alguns dos componentes do segredo da arte aparentemente despretensiosa de um artista do interior da Ucrânia. Só depois de ver as pinturas de Maria Primachenko, dificilmente você conseguirá confundi-las com as obras de outro autor, de tão originais e originais. Também foram apreciados fora do país: as obras de Maria foram um sucesso retumbante em exposições em Paris, Varsóvia, Praga e outras cidades europeias.

Henrique Rousseau. Sonhar
1910, 298×204cm

"Sonho" é considerado um dos melhores pinturas Rousseau. O autor fez o seguinte comentário ao seu trabalho posterior (e possivelmente último): “Jadwiga tem um sonho mágico. Ela adormeceu calmamente ao som da flauta de um sedutor desconhecido. Quando a lua ilumina flores e árvores verdes, animais e até predadores congelam, ouvindo os maravilhosos sons da música.". A tela impressiona pela complexidade técnica, e a riqueza da paleta, que Pissarro notou na primeira pintura de Rousseau, atinge aqui o seu apogeu: não é brincadeira, só mais de duas dezenas de tons de verde! Mesmo os críticos mais cáusticos foram incapazes de resistir ao efeito hipnotizante de “O Sonho”, e o compatriota e contemporâneo de Rousseau, o escritor André Breton, disse que o filme “absorveu toda a poesia e todos os segredos do nosso tempo”.

Você é um especialista se:

Não hesite em dizer a palavra “primitivismo” ao falar das obras-primas medievais de Rogier van der Weyden ou Duccio di Buoninsegni.

Você pode determinar imediatamente onde está uma beleza casta pelo pincel de um verdadeiro primitivista Pirosmani, e onde está um falso “ingênuo” de Mikhail Larionov.

Niko Pirosmani (Pirosmanashvili). Beleza ortáquica. Lado direito do díptico

Mikhail Fedorovich Larionov. Vênus Judaica
1912, 147 centímetros

Você é um leigo se:

Você toma pelo valor nominal a simplificação deliberada necessária para criar ilustrações e caricaturas, considerando-as exemplos de primitivismo descomplicado.

Você acha que o primitivismo inclui qualquer obra de arte que seja tentadora ser chamada de rabiscos? Na verdade, o primitivismo (consciente, também premeditado) não é apenas uma forma inepta, mas também uma visão especial da essência das coisas: pura, espontânea, infantil ou mesmo primitiva. Por trás das pinturas de Malevich, Kandinsky, Mondrian existem teorias grandes e maduras.

Nestas postagens anteriores e subsequentes, utilizo material do livro "Obscure Art" de Will Gompertz, uma série de palestras no Garage Museum de Irina Kulik, palestras de Dmitry Gutov, o livro de Susie Hodge "Modern Art in Detail", documentários da BBC, etc.

PRIMITIVISMO, FAUVISMO

Num post anterior falei sobre o cubismo de Picasso e Braque. Uma das fontes de inspiração de Picasso foi uma exposição de arte africana. A simplicidade e ao mesmo tempo o poder primitivo e a majestade das máscaras de madeira surpreenderam o artista. E não só ele.

Na verdade, o desejo por esta simplicidade corre como um fio vermelho por toda a história da arte moderna. Por um lado, os artistas tentaram copiar o estilo de trabalho das tribos primitivas da África, Austrália e América do Sul e, por outro, os desenhos infantis.

Em geral, a alegre expectativa de mudança associada ao rápido desenvolvimento da indústria na França foi rapidamente substituída pelo cansaço causado pelo ritmo que a vida adquiriu.

Já no final do século XIX, o movimento de “retorno às origens” generalizou-se.

Na pintura, como escrevi anteriormente, foi Gauguin, com os seus temas “taitianos”, imagens planas e rico simbolismo.

Paul Gauguin, Velhos Tempos, 1892

O movimento, que defendia a simplificação da arte, tomou várias formas. Por exemplo, as obras do famoso pintor austríaco e principal participante da sociedade da Secessão de Viena, Gustav Klimt (1862-1918), são muito mais refinadas e decorativas do que as de Gauguin. Klimt adorava ornamentação, cores bronze e douradas e roupas ricamente decoradas. Com a mesma simplicidade de linha e bidimensionalidade da imagem, o primitivismo de Klimt é luxuoso.

Gustav Klimt, Expectativas, 1909

Gustav Klimt, Macieira, 1912

Gustav Klimt, Garota com Leque, 1918

No entanto, aqueles que são considerados os fundadores do primitivismo do século XX viveram na França. Maurice de Vlaminck (1876-1958), Henri Matisse () e Henri Derain (1880-1954) também admiravam a arte africana. Além disso, compartilhavam a paixão pelas cores ricas, como nas obras de Van Gogh. Eles também estavam ligados ao holandês pela crença de que as emoções em uma imagem são mais importantes do que o objeto retratado.

Combinando a simplicidade da arte tribal com cores ricas e puras, eles criaram trabalhos incrivelmente vibrantes e alegres. Neles, a cor é usada como forma de transmitir emoção, e não para descrever um objeto real.

Maurice de Vlaminck, O pomar, 1905

Maurice de Vlaminck, Ponte em Chatou, 1907

André Deurin, Estac, 1905

André Deurin, Ponte Charing Cross, 1906

Henri Matisse, Cebola Vermelha, 1906

Henri Matisse, Harmonia em Vermelho, 1908

“Traduzi para a linguagem da cor o que vi instintivamente, sem nenhum método para dizer a verdade, não como artista, mas como pessoa Apertando até o fim, quebrando tubos de água-marinha e cinábrio” - assim descreve Maurice de Vlaminck. seu trabalho daquele período. Na verdade, é a cor que em breve se tornará cartão de visita esse trio de artistas. Decidiram expor no Salão de 1905. Como sempre, as críticas foram ferozes. Louis Vassel (um crítico influente da época) brincou que as pinturas eram pintadas por “animais selvagens” (les fauves em francês).

E embora nem Matisse, nem Vlaminck, nem Doren pretendessem vincular-se a qualquer direção, gostaram da palavra.

O fauvismo foi direto e figurativamente um clarão brilhante no horizonte da arte. Na verdade, esta ideia de usar grandes manchas de cor não diluída emolduradas por uma forma simples teve sua continuação lógica nas obras de muitos artistas do século XX.

Friedensreich Hundertwasser, O caminho para você, 1966

Roy Lichtenstein, natureza morta com vaso de cristal, 1973

Wilem de Kooning, sem título 5, 1983

Porém, em 1905 o público ainda não havia se recuperado dos neo-impressionistas, e então Matisse chegou com sua famosa “Mulher com Chapéu”.

Henri Matisse, Mulher com Chapéu, 1905

Não sei se naquele momento Madame Matisse ficou feliz por ter se casado com o artista, porque o retrato acabou sendo polêmico. O rosto verde-amarelado reduzido a algumas pinceladas simples e os toques alaranjados dos cabelos não agradarão a todos. No entanto, atraiu Leo Stein, colecionador e patrono de artistas contemporâneos. Ele comprou “Mulher com Chapéu” e menos de um ano depois adquiriu “A Alegria da Vida”, outra pintura famosa do período fauvista de Matisse.

Henri Matisse, "A Alegria da Vida", 1906

Inspirado em cenas pastorais, Matisse pintou grupos de pessoas entregando-se a vários prazeres: música, dança, amor. E novamente o personagem principal é a cor. As figuras humanas são pintadas de forma descuidada e bidimensional, embora a composição em si seja construída de forma organizada e harmoniosa.

O enredo em si não é tão novo quanto o estilo de escrita.

Agostino Caracci, Amor mútuo, 1602

O contraste entre as duas obras revela o quanto a percepção do artista mudou. Parece que Matisse está brincando, flertando com o espectador. Sua alegria de viver não está tanto no enredo, mas na própria pintura: linha, cor.

Matisse, como ele próprio admite, sonhava que a arte seria como “uma boa poltrona para relaxar”. Mesmo quando o fauvismo era coisa do passado, o artista continuou a trabalhar segundo o mesmo princípio. Aliás, sua musa, amiga e companheira era uma garota de Tomsk - Lydia Deliktorskaya, que ficou com ele até o fim da vida, e depois lhe deu várias telas (deixadas a ela por Matisse para sua confortável velhice) Museu Pushkin e o Eremitério.

Vou me afastar um pouco: recentemente li críticas à arte do início do século XX, o que me fez olhar de forma um pouco diferente para as pinturas de Matisse. Além dos avanços nas áreas técnicas, desta vez também houve estagnação nas relações sociais. As formas habituais de vida tornaram-se bastante desgastadas. O artista estava farto da imagem de um burguês bem alimentado de fraque, que era o principal cliente.

O desejo de quebrar tornou-se a principal força motriz. Os cubistas, é claro, incorporaram esse princípio de maneira mais clara, destruindo literalmente a aparência familiar das coisas.

Mas outros artistas, que captaram o que estava acontecendo como uma membrana, refletiram sua insatisfação na pintura. Eles mudaram tudo o que era familiar ao cidadão comum, destruíram o mundo burguês em suas telas. Quer queira ou não, o artista protestou contra convenções obsoletas. Talvez os contrastes dos Fauves não sejam uma declaração da alegria de ser, mas um desafio semelhante à realidade?

Daí os rostos verdes das mulheres, o design descuidado/convencional. Deste ponto de vista, a pintura “A Alegria da Vida” de Matisse é antes uma ironia ou sátira do hedonismo da burguesia europeia, cujo prazer na vida se resume ao amor carnal, às canções e às danças. Um mundo de doces com figuras que lembram doces de feiras. Mas este ponto de vista não é particularmente popular. Ainda assim, o trabalho de Matisse é mais frequentemente interpretado como uma expressão da alegria e do brilho da vida.

A arte como deleite para os olhos e o coração é um princípio próximo não só de Matisse. E se ele teve que se esforçar para desenhar com facilidade infantil, então Henri Rousseau (1844-1910) o fez porque simplesmente não sabia fazer de outra maneira.

Henri Rousseau, autorretrato, 1890

Henri Rousseau é um funcionário da alfândega, um analfabeto que decidiu começar a pintar aos 40 anos sem receber qualquer educação ou formação. Caseiro, pouco fã de festas boêmias e distante da comunidade artística, tornou-se um dos mais famosos artistas do estilo primitivismo. Rousseau era simplório e ingênuo, talvez por isso suas obras tenham a simplicidade dos desenhos infantis. Claro, o público e a crítica inicialmente riram do artista.

Henri Rousseau, Noite de Carnaval, 1886

O encanto da simplicidade e da infantilidade parecia ao espectador da época uma incapacidade banal de desenhar, nada mais. No entanto, a falta de técnica de Rousseau é mais do que compensada pela clareza, característica, novamente, das gravuras japonesas. O aspirante a artista foi muito ajudado por sua imunidade absoluta às críticas, o que lhe permitiu continuar fazendo o que amava.

Henrique Rousseau

É claro que suas obras não podem ser comparadas em termos de execução com os mestres do passado ou com contemporâneos talentosos. Rousseau levou outros. Seus enredos simples fascinaram grande parte do mundo artístico da época. Entre os admiradores estava, por exemplo, Picasso, dono frase famosa: “Posso desenhar como o Rafael, mas vou levar a vida inteira para aprender a desenhar como uma criança.” Rousseau foi quem conseguiu isso. Picasso chegou a comprar o quadro “Retrato de uma Senhora”, que, segundo o espanhol, simplesmente o fascinou.

Henri Rousseau, Retrato de uma Mulher, 1895

As obras de Rousseau, por assim dizer, já têm um pé no surrealismo. Eles realmente fascinam não tanto por sua simplicidade, mas por seu subtexto, ambigüidade e natureza alegórica. É como aqueles momentos dos filmes de terror em que os balanços de um playground vazio balançam um pouco, como se fossem levados pelo vento... Ou não? Rousseau deixa essa questão para o espectador.

Os modos de Rousseau não foram admirados apenas por Pablo Picasso. Entre seus fãs estava também o escultor romeno Constantin Brancusi (Brancusi). Porém, ao contrário de Rousseau, a comunidade artística de Paris o recebeu com estrondo. Brancusi escolheu o papel de um artista plebeu: barba espessa, tamancos e camisa de linho. Os materiais com os quais o escultor trabalhou eram adequados - madeira e pedra. O mármore não impressionou particularmente o mestre.

Brancusi foi aprendiz na oficina de Rodin por algum tempo, mas suas abordagens de trabalho acabaram sendo completamente diferentes.

Auguste Rodin, O Beijo, 1886

Constantin Brancusi, O Beijo, 1912

As imagens falam mais alto que qualquer explicação. Brancusi acreditava que na escultura era possível prescindir da modelagem preliminar, trabalhando diretamente com o material. Ele procurou preservar ao máximo a forma original da rocha, deixando sua textura. Sem curvas românticas, linhas simples, falta de elementos decorativos... Gosto das esculturas de Brancusi justamente pela simplicidade e originalidade de execução. No início do século XX, este foi mais um desafio à tradição.

Ele foi seguido por outros escultores primitivos: Modigliani (também se experimentou na escultura, e com bastante sucesso), Giacometti, Hepworth...

Amadeo Modigliani, Chefe, 1910

Giacometti, Homem que Anda 1, 1960

Barbara Hepworth, Formulário Único, 1964

Na Rússia, este é o escultor Vadim Sidur. Na minha opinião, muito legal.

Vadim Sidur

Vadim Sidur

Aliás, na Rússia, um dos primeiros primitivistas da pintura foram Mikhail Larionov e Natalya Goncharova, que trabalharam na técnica da “tala”. Este é um tipo de gráfico caracterizado pela simplicidade e design plano. Goncharova foi inspirada em ícones russos. Em suas obras, ela utilizou um elemento característico da pintura de ícones - motores - linhas brancas verticais.

Mikhail Larionov, Vênus judaica, 1912

Natalya Goncharova, Cortadores, 1911

Como podemos ver, a simplicidade, a ordem e a estrutura tornaram-se os conceitos e objetivos fundamentais dos artistas, começando pelos pós-impressionistas. Contudo, estas aspirações aparentemente inofensivas também tinham potencial destrutivo. Afinal, qualquer desejo de encaixar o mundo em uma estrutura tem um reverso - a criação de um sistema rígido. E, como a prática tem mostrado, as tentativas de subordinar todos os seres vivos à lógica rígida subjetiva levam à morte e à destruição. Outros eventos do século 20 são uma confirmação clara disso.

Continua)

E um pós-escrito.

Uma maravilhosa americana - Granny Moses - uma artista amadora, representante do primitivismo da segunda metade do século 20, simplesmente conquistou meu coração. Ela até me lembrou os holandeses com suas aconchegantes cenas cotidianas da vida rural. Aqui, por exemplo:

Vovó Moses, início da primavera na fazenda, 1945

Pieter Bruegel, o Velho, Censo, 1566

P.S obrigado a todos que lêem e se interessam. Estou postando esse post tarde - estava saindo e tive que fazer uma pausa)

10 de janeiro de 2016 marcou o 109º aniversário do nascimento do famoso artista Kuzbass Ivan Egorovich Selivanov.

Ele foi chamado de Pirosmani Siberiano e Van Gogh, e esta é, em muitos aspectos, uma comparação correta. Patrocinadores, críticos de arte e admiradores rondaram ambos por algum tempo - no entanto, tanto Pirosmani quanto Selivanov morreram sozinhos, tendo ganhado fama póstuma.

Eu caminhei para mim mesmo por muito tempo e com força

O famoso artista primitivista Kuzbass Ivan Egorovich Selivanov nasceu em 10 de janeiro de 1907. “Nasci na província de Arkhangelsk, no distrito de Shenkursky, no conselho da aldeia de Edem, na aldeia de Vasilievskaya, em uma família pobre de camponeses mendigos”, lembrou ele mesmo.

Mais tarde, ele escreveu: “Nasci de minha mãe, Tatyana Egorovna, não para ganhar muito dinheiro, não para uma vida luxuosa, mas simplesmente para a vida, como qualquer outra coisa”. criatura viva na natureza. Ele foi criado entre a classe miserável. Toda a minha vida, todo o meu trabalho foi em vão, e por quê - não sei. Será que existem mesmo pessoas que vão engolir meu trabalho como um crocodilo ganancioso ou jogá-lo fora? As gerações futuras não elogiarão essas pessoas.”

“Meu pai morreu cedo, em 1912. Minha mãe deixou três filhos do meu pai: o irmão mais velho nasceu em 1904, eu nasci em 1907, o irmão mais novo nasceu em 1912. Minha mãe, meu irmão Sergei e eu, imediatamente após a morte de meu pai, tivemos que ir buscar esmolas por causa de Jesus Cristo. Em 1922, fui para a aldeia vizinha de Ivanovsk para me tornar pastor. Foi impossível para a minha mãe e nós três irmãos vivermos na nossa aldeia devido à falta de terra. Deixei minha terra natal - a aldeia em 1924, no dia 5 de fevereiro. Meu destino e minha felicidade foram difíceis do lado de outra pessoa, também houve mendicância...”

Ivan Egorovich tentou muitas coisas em sua época vários trabalhos. Trabalhou como ferreiro, mecânico, bombeiro, fogareiro, vigia e viveu uma vida difícil e miserável. Ele dominou com perfeição a arte dos fogões, tendo construído tantos fogões bem feitos que poderia viver um século com honra e contentamento, mas sua alma estava sempre esperando por alguma coisa, ele não conseguia ficar sentado no mesmo lugar.

E então a vida ficou assim: vaguei por muitos anos. Visitou muitas cidades. Ele foi a canteiros de obras em Murmansk, Arkhangelsk, Onega, Sverdlovsk, Zaporozhye. Aqui ele escolheu sua esposa Varvara Illarionovna para todo caminho de vida. Junto com ela, ele foi para Leningrado, onde a Grande Guerra Patriótica os encontrou. Foi de lá que, em 1941, Ivan Yegorovich foi evacuado para Kuzbass. No início ele mora em Novokuznetsk, Mundybash, trabalha como martelo, carregador, mecânico e estucador. Nunca pensei em arte, não tive tempo...

E em 1943 mudou-se para Prokopyevsk.

Na cidade dos mineiros, ele decidiu ferrovia atacante. Morávamos na aldeia de Golubevka. E o lugar onde mais tarde, em 1951, Ivan Yegorovich construiu uma casa para si chamava-se Marte. Ele cheirava a exotismo, romance e espaço. Não foi à toa que Ivan Yegorovich se sentou na varanda da casa nas noites de verão e olhou para as estrelas acima de sua cabeça.

Selivanov não teve imediatamente a ideia de pintar. Em 1946, viu um quadro numa loja. A beleza do palheiro surpreendeu-o, mexendo-lhe a alma. Nas suas próprias palavras, “ocorreu uma revolução na vida, surgiu uma tempestade em todo o corpo, como no mar”. Eu queria me desenhar.

E em seu primeiro desenho de vida, Selivanov retratou um pardal. Nessa época ele tinha quase 40 anos. Então, já adulto, começou a desenhar. Primeiro - com um lápis, depois - dominou a pintura a óleo.

Amigos e parentes riram: “O que você está pensando, esquisito, de estudar aos quarenta anos! E por quê? Uma bagatela, desenho. A esposa também ficou indignada: “Seria melhor se eu instalasse o fogão!” Mas nasci teimoso, não importa o que eu pense, de repente farei”, lembrou Selivanov sobre o início de seu trabalho. Como os especialistas considerarão mais tarde, sua tenacidade está no próprio sobrenome: vem do nome canônico masculino Selivan (do latim silvanus - “deus das florestas”).

Tudo o que foi visto e vivenciado exigiu repensar, encarnação visível. Aparentemente é assim que nascem poetas, músicos, escritores e artistas. A centelha do talento brilha intensamente nas pessoas superdotadas, independentemente do tempo e da idade...

Por acaso, ele viu em um jornal um anúncio para a admissão de artistas amadores na Universidade Popular de Artes por Correspondência de Moscou em homenagem a N.K. Krupskaia (ZNUI). Ivan Yegorovich enviou documentos e o desenho de um pardal para a Universidade Popular. E logo recebeu um aviso de inscrição; Yulia Ferapontovna Luzan foi nomeada sua professora-consultora.

Ivan Egorovich revelou-se um aluno persistente e promissor. Isso foi notado professores experientes, artistas. Eles fizeram de tudo para transmitir seus conhecimentos a ele.

“Comecei a estudar arte e criatividade em setembro de 1947. Estudei sem limite de tempo a pretexto do que iria acontecer e do que daria certo. Ainda desenho a pedido do meu professor Aksenov Yu.G. para ilustrações de livros didáticos e literatura, que tem um valor muito, muito ótimo valor não só para a Universidade de Artes por Correspondência, mas para todo o país, e não me preocupo em pagar ninguém pelo meu trabalho. Isso não combina comigo. Mais cedo ou mais tarde, as pessoas compreenderão meu trabalho colossal e inestimável”, lembra I.E. Selivanov mais tarde.

Tornando-se um artista

Depois de entrar na ZNUI, a vida de Ivan Yegorovich foi repleta de novos conteúdos e alegre criatividade. “Para ele, a arte não era um fim em si mesma, mas uma forma de se desenvolver e responder à dor do mundo”, lembrou seu segundo professor, Yuri Grigorievich Aksyonov, que foi designado para ele após a morte de Yu.F. Luzan. Com Yu.G. O artista consultou e se correspondeu com Aksenov por 40 anos.

Os primeiros trabalhos de Selivanov foram desenhos coloridos com aquarela ou lápis de cor. No centro de sua criatividade está um objeto, um animal ou uma pessoa como fenômeno autossuficiente.

Os professores do curso que ministraram Selivanov, é claro, adivinharam o enorme talento que estava escondido em seu aluno Prokopyevsk. Mas quando, em 1956, ele lhes enviou o retrato de uma menina, até eles ficaram maravilhados. Esta foi a visão de Selivanov, o seu “melhor momento”.

Os especialistas imediatamente chamaram a “garota” de “Mona Lisa amadora”, vendo nela, segundo Yu.G. Aksenov, “um conto étnico de um artista sobre seu Norte natal. No colorido dourado e ensolarado desta obra, um olhar atento pôde ver uma discreta paisagem nortenha, que permaneceu para sempre a memória mais querida do artista.”

Desde então, Ivan Yegorovich tem trabalhado muito: faz autorretratos, retratos, naturezas mortas, paisagens, trabalhos com animais e retrata sua pobre família: um gato, uma galinha, um galo.

Todas as obras - e já são cerca de 400 - são enviadas imediatamente para Moscou: “para a posteridade, para as novas gerações”, muitas de suas obras hoje estão guardadas na capital. Foi Moscou quem “descobriu” Selivanov. Filmes sobre ele, exposições - tudo foi pensado e organizado aqui. As autoridades locais e representantes da “intelectualidade criativa” e “profissionais” não reconheceram o artista.

Selivanov recusou-se a vender suas obras. Durante sua vida, apenas duas pinturas foram vendidas: “Autorretrato” - para Suzdal, e um dos dois retratos do diretor M.S. Litvyakov - ao Museu de Arte Popular da União. Ivan Yegorovich não concorda mais em vender suas obras; ele se esforça para garantir que todas estejam em um só lugar (em Moscou).

Ivan Yegorovich frequentemente executava seus trabalhos com base em suas impressões sobre filmes. Foi exatamente assim que ele criou cerca de 50 obras, e as obras que doou ao Museu de Belas Artes de Novokuznetsk em 1978 foram feitas a partir de impressões do cinema: “Spartacus”, “Anka, a Metralhadora”, “Pavka Korchagin”.

Em seus desenhos “Napoleão”, “Lomonosov”, “Copérnico”, “Robespierre” ficamos impressionados com sua estrita semelhança com a imagem original e uma certa simplicidade ingênua no manuseio. Como recontar um texto clássico com suas próprias palavras. O artista desenhou o quadro “Spartacus” sem ler o romance de Giovagnoli. Como observam os especialistas, “ele o escreveu simultaneamente com clareza antiga, simplicidade e gentileza eslavas”.

As obras de Ivan Egorovich foram recomendadas para exibição em grandes exposições de arte. Eles recebem as críticas mais entusiasmadas. O artista Robert Falk, tendo visto sua “Garota”, disse brevemente: “Tome cuidado”, referindo-se tanto à imagem quanto ao autor. E o crítico de arte Mikhail Alpatov escreveu na revista “Criatividade”: “E podemos nos orgulhar dos artistas amadores. Entre eles estão aqueles que podem ser colocados ao lado de Niko Pirosmani e Henri Rousseau, que merecidamente ocuparam seus lugares em museus de arte.”

As pinturas de Ivan Yegorovich foram expostas em muitas cidades do nosso país e no exterior: em Paris, Londres, Praga, Berlim, Bonn, Budapeste, Montreal, Nova York. Suas obras atraíram a atenção do acadêmico de pintura Georgy Nissky e Artista americano Anton Refrezhier.

Mas o próprio Ivan Egorovich por muito tempo não sabia de sua grande popularidade e fama, embora de vez em quando fosse calorosamente parabenizado e informado sobre as críticas que artistas e críticos faziam sobre suas obras. Ele não era vaidoso. Ofereceram-lhe para vender uma das obras no exterior por muito dinheiro, mas ele recusou categoricamente: “Tudo o que foi feito pertence apenas à minha Rússia Soviética”. E ainda assim glória é glória. Ele sentiu satisfação, uma onda de força mental e física, inspiração e alegria.

Em 1969, o famoso documentarista Mikhail Litvyakov filmou o filme “Povo da Terra Kuznetsk”, um dos contos dedicado a Ivan Selivanov. E em 1984 saiu longa-metragem"Seraphim Polubes e Outros Habitantes da Terra", do diretor Viktor Prokhorov, baseado na biografia de Selivanov, seus trabalhos foram exibidos. O filme conta a história de um artista autodidata de uma aldeia, o chamado pintor “ingênuo”. A atenção do público foi literalmente atraída pelas imagens que mostravam o trabalho do artista. Cachorro. Vaca. Galo. A menina alimenta as galinhas. Gato. Auto-retrato. As pinturas surpreendem pela pureza do olhar maravilhado de uma criança e pela maturidade da caligrafia do mestre.

Aliás, quando a estreia deste filme aconteceu no cinema central de Prokopyevsk, ninguém prestou atenção ao velho que foi trazido por dois professores. Assim, a estreia do filme aconteceu para o próprio Selivanov.

Um dos lugares centrais na obra de Ivan Yegorovich Selivanov é ocupado por animais e pássaros. O talento natural da artista revelou ao público “Menina com Galinhas”, “Leão na Floresta”, “Paisagem com Lobo”, “Puma”, “Cão”, “Família do Galo”, “Veado”, “Gato”, “ Paisagem. (Vacas). Ele os retrata com muita imaginação, com cuidado, amor, dotando-os de astúcia, inocência, como se humanizasse suas imagens: com olhos grandes, pensativos e tristes de “Selivanovsky”, cães, vacas e pássaros nos olham a partir dos desenhos do artista.

Embora relações oficiais Com o fim da Universidade Popular, Selivanov envia suas pinturas para lá há quase quatro décadas. Ele enviou Yu.G. Aksyonov escreveu um grande número de parábolas e anotações em um diário, chamando-as de “escritos para o desenvolvimento de um sistema cerebral pessoal”. São sentimentos surpreendentemente nus e “desajeitados” na linguagem dos pensamentos acalentados de Selivanov sobre a vida, sobre o trabalho, sobre a arte.

Aqui estão alguns deles: “Eu realmente amo animais. Posso desenhar quem você quiser de memória. A natureza nos dá um clima, uma sensação de beleza. Sem isso não pode haver artista.”

O artista acompanhou a paisagem “Minha Pátria, Minha Casa” com as seguintes palavras: “Eu te amo, terra russa, depois da escuridão da noite, quando o sol nasce. Ele ainda está respirando, está rindo, está olhando nos seus olhos. Seu coração se alegra, sua alma dança. Como você é bom, terra russa, minha pátria!”

Confissão

EM melhores trabalhos ah, eu.E. Selivanov - e estes são principalmente retratos - mostrou o dom de uma compreensão viva da natureza. Ao longo de vinte anos, ele fez quarenta retratos de sua esposa. Em seus retratos, Selivanov consegue transmitir a “penetração” de seu olhar. Esse visual é como ícones antigos, não abandona o espectador, “conduz-o”, não importa para onde ele olhe a foto. Normalmente, um dos melhores trabalhos de Selivanov é impressionante - seu "Autorretrato". Um velho barbudo, que conhece o seu valor, olha para o espectador quase à queima-roupa com olhos brilhantes, uma espécie de sábio-feiticeiro do folclore russo, um portador de verdades eternas, um andarilho encantado que busca a verdade. O próprio Ivan Yegorovich em vida é de pequena estatura, com olhos azuis celestiais, uma pessoa completamente terrena com suas preocupações práticas, paixões e ambições.

Quando sua esposa Varvara Illarionovna, que compartilhou com ele dificuldades e alegrias, morreu, a casa em Marte ficou em silêncio. SUL. Aksyonov lembra que “em meados da década de 1970, Ivan Yegorovich calou-se repentinamente: não havia pacotes com obras ou cartas dele. Preocupado se algo tivesse acontecido? E de repente, um ano depois, surge uma foto: Vasya, o gato de Selivanovsky, está sentado na neve com olhos tristes. Ficou claro: um infortúnio havia acontecido.” A sombra azul do gato, com seu azul penetrante, gelou a alma do público, enfatizando a desolação da figura encolhida. Os olhos do gato pareciam gritar: “Por que vocês todos se esqueceram de mim, coitado?” Este é um sentimento de terrível solidão, quando lhe parece que em todo o Universo, escuro e sem forma, só você existe sozinho. Para Ivan Yegorovich foi um ano de forte depressão.

Em 1985, Ivan Egorovich ingressou no Lar Insky para Idosos e Deficientes, localizado às margens do reservatório de Belovskoye, próximo à cidade de Belovo. Ele recebia apoio do governo, recebendo, como ele disse, um salário-pensão. Para ele foram reservadas duas salas, uma delas para oficina. Ele passava todas as horas do dia em seu cavalete. Ele fez com que aqueles ao seu redor sentimentos diferentes. A personalidade é misteriosa e significativa para residentes de internatos, incomum. Lendas, às vezes absurdas, começaram a aparecer em torno de seu nome. Pessoas invejosas denegriram seu trabalho, comparando-o ao bazar isokhultura, falando com desprezo sobre sua vida fora dos muros desta casa.

Em Kuzbass, Ivan Selivanov abriu para um grande público apenas em 1986. Então, depois do artigo de Vladimir Dolmatov no jornal “Rússia Soviética” “Gato azul na neve branca”, o nome de Ivan Yegorovich foi ouvido em quase todo o país. No mesmo ano, duas exposições pessoais do artista foram realizadas, uma após a outra, em Kemerovo e Novokuznetsk.

Dizer que o público ficou surpreso seria um eufemismo. Nossa conhecida e ao mesmo tempo realidade completamente nova foi revelada ao público. Novo Universo. Os espectadores andavam e, chocados, torturavam-se, por que o coração dói ao ver um macaco triste, e o que há de tão fascinante em “A Família do Galo”? O próprio Ivan Yegorovich, pequeno e pouco atraente, com botas de lona novas, e só reconheceu botas de feltro e botas de lona, ​​​​uma jaqueta e um boné incomuns, não explicou nada. Ele parecia sábio e astuto, como se não estivesse envolvido na excitação que explodia ao seu redor. E só quando fiquei ao lado dos meus autorretratos é que ficou claro que eram todos dele. Neles, Selivanov sempre se retratou como poderoso, cheio de força interior. Havia força mais que suficiente nele.

E isso apesar de seu talento nos círculos especializados ser há muito reconhecido como um tesouro nacional. Em uma carta a I.E. Selivanov Membro Correspondente da Academia de Artes S.M. Nikireev escreve: “Para mim, você é um artista de um talento enorme e raro, que a terra russa raramente dá à luz. Você é um talento incrível. Desejo que você seja saudável e confiante de que é uma pepita de peso e brilho extraordinários.”

A última exposição vitalícia de I.E. Selivanova aconteceu em 1987 - ano do 80º aniversário do artista. Ivan Yegorovich comemorou seu 80º aniversário com um famoso artista amador Federação Russa. No território da pensão Insky ele escreveu seu últimas pinturas: “Autorretrato” e “Retrato de mãe”.

Foi Yuri Grigorievich Aksenov quem sugeriu que ele pintasse um retrato de sua mãe. Ivan Yegorovich pensou seriamente sobre isso e começou a lembrar como sua mãe permaneceu em sua memória. Ele não a via desde os vinte anos; ela morreu em 1937. E aqui na foto aparece o rosto de um verdadeiro nortista da vila de Vasilievskaya, distrito de Shenkursky, província de Arkhangelsk. Olhos claros, cabelos claros e exuberantes, habitualmente presos em um coque, rosto russo simples. Uma camponesa cujas mãos fiavam, teciam, amassavam massa e cultivavam um pedacinho de terra. Uma mulher de destino amargo, deixada sem marido com três filhos e obrigada a mandá-los, já adultos, arrancados do coração, “ao povo”. Simplicidade suprema, até mesmo santidade neste rosto. Foi necessário viver tanto tempo e vida difícil, que Ivan Yegorovich viveu para compreender a imagem de sua mãe e ver um vislumbre do eterno em seus traços nativos.

...Ivan Yegorovich morreu sozinho em 1º de março de 1988. Ele foi enterrado na aldeia de Inskoy, distrito de Belovsky, região de Kemerovo, no cemitério local. Ele viveu apenas cinco dias antes do dia em que exibiram um documentário sobre sua vida, no qual considerava “sagrado trabalhar até os últimos dias de sua vida”.

Seus amigos e admiradores o abandonaram, filosofando sobre cada centímetro de sua pintura, sobre cada palavra que escreveu. Mas eu.E. Selivanov nos deixou uma palavra profética: “Uma pessoa vive enquanto aproveita a vida”. Ele deixou para trás escritos e lendas não totalmente apreciados, uma história que ele havia começado sobre dois meninos de Arkhangelsk.

Seu nome está incluído na World Encyclopedia of Naive Art, publicada no Reino Unido. Suas obras receberam três prêmios Grand Prix Exposições internacionais em Paris. Ao longo de quatro décadas de atividade criativa, o artista I.E. Selivanov deixou centenas de pinturas e esboços. Alguns deles são mantidos no Museu de Lore Local de Prokopyevsk.

Em 1990, a editora “Jovem Guarda” publicou um livro de I.E. Selivanov e N.G. Kataeva “E havia vida...” O livro contém reproduções de pinturas do artista e seus diários. Neles ele falou sobre a tragédia, a dor e a beleza da vida russa.

...Tanto o artista georgiano Pirosmani quanto Selivanov, em primeiro lugar, têm o mesmo destino. Ambos sabiam de seu grande dom. Ambos eram desabrigados e pobres. Patronos, críticos de arte e admiradores cercaram os dois por algum tempo. No entanto, tanto Pirosmani quanto Selivanov morreram sozinhos, ganhando fama após a morte. A imagem da Rússia de Ivan Selivanov é paciência e vontade, sofrimento, força e auto-sacrifício. Trabalho extremamente contido, rigoroso e intenso. Ele era o mesmo na fala. Tanto lá como aqui - poder ascético e absoluta simplicidade de expressão.

O sol da glória nem sempre brilha sobre os artistas originais do povo. Portanto, eu realmente quero este nome simples, gentil, honesto e nobre - Ivan Egorovich Selivanov, que já foi glorificado mais de uma vez arte popular em exposições no nosso país e no estrangeiro, não foi esquecido. Porque a obra desse artista do povo é nossa riqueza nacional que precisa ser protegido.

Baseado em materiaisInternet

A severidade e a espiritualidade do Norte da Rússia - sua pátria - vivem em suas obras. Outra característica distintiva de Selivanov é sua filosofia única, refletida nas anotações do diário que o artista manteve por muitos anos.

Estilo colorido e animado discurso folclórico, imagens vívidas de memórias e sonhos, declarações aforísticas - tudo isso torna o legado do diário de Selivanov não menos valioso do que suas obras artísticas.

“Você não pode descobrir por si mesmo sem a ajuda de outras pessoas. Talvez isso seja uma peculiaridade? Poder diabólico em meus cérebros?..” - essas palavras de Selivanov poderiam ser usadas como epígrafe para todo o estudo da arte ingênua.

Criatividade I.E. Selivanov, descoberto pelos moscovitas em exposições nos chamados clubes da intelectualidade criativa - Casa Central dos Artistas, Casa Central dos Artistas, Conselho do Sindicato dos Artistas no Boulevard Gogolevsky - foi percebido como uma lufada de ar fresco, como evidência que a arte popular ainda está viva, apesar de anos de exploração e distorção do Estado.

Foi com o trabalho de Selivanov e de vários outros artistas originais “descobertos” naqueles anos que começou uma onda de entusiasmo geral pela arte ingénua, que atingiu o seu auge na década de 1970.

O primeiro professor de Selivanov na Universidade Popular de Artes por Correspondência de Moscou, em homenagem a N.K. Krupskaya (ZNUI) Yulia Ferapontovna Luzan teve uma ideia feliz em 1947: pedir ao aluno que desenhasse animais de frente e de perfil. Os personagens de seus desenhos nesse período eram uma vaca, um cachorro, um gato, um galo, e até o fim da vida foram os fiéis amigos e “interlocutores” do artista.

Mais tarde, quando Yu.G. Aksenov, um elefante, um leão e uma corça apareceram nas obras de Selivanov. O artista recorreu a Aksenov com um pedido de ajuda para “compreender palavras incompreensíveis em toda a literatura... Escreva, como prometido, o que são arte não objetiva, estética, dogmática... Estou enviando quatrocentas palavras no total”.

Ivan Selivanov e o mundo cultural com o qual teve contato falavam línguas diferentes. Ele estudou cuidadosamente o álbum “Retrato Russo”, mas isso não teve qualquer influência em seus próprios retratos.

Nenhum dos vizinhos quis posar para o artista. Ele retratou sua esposa, professores, heróis de filmes populares - Spartacus, Cleópatra. Seus autorretratos são os mais significativos. Selivanov tinha a aparência característica de um camponês russo - uma barba espessa, uma touca de cabelo grosso, cortado “em uma tigela”, olhar penetrante com um astuto.

Ele atraiu a atenção de jornalistas de televisão e cineastas e foi comentado na imprensa local e central. Mesmo assim, o círculo de pessoas que se comunicavam diretamente com o artista não possuía um nível educacional alto o suficiente para interpretar adequadamente sua arte.

Seu trabalho não foi descrito em detalhes em linguagem até hoje. ciência moderna. Um filósofo camponês original, um estranho no mundo do “socialismo desenvolvido”, Ivan Yegorovich Selivanov projetou em sua obra imagens de uma ordem mundial harmoniosa - uma casa com jardim, amigos, professores, heróis e todas as criaturas de Deus.

Exposições pessoais de I.E. Selivanova:

Casa Central dos Escritores, Moscou, 1971;

Em homenagem ao 70º aniversário de I.E. Selivanova, Moscou, 1977; Em homenagem ao 80º aniversário de I.E. Selivanova, Museu de Belas Artes, região de Kemerovo, 1986;

Museu de Belas Artes de Novokuznetsk, 1986;

Salão Central de Exposições da Seção de Moscou do Sindicato dos Artistas da RSFSR, Moscou, 1987.

Exposições com obras do artista:

Exposição de obras de artistas amadores e estudantes do curso ensino a distância TsDNT im. N. K. Krupskaya, Casa Central dos Artistas, Moscou, 1965;

Exposição toda russa de obras de artistas amadores, Moscou, 1960;

Exposições All-Union de artistas amadores em Moscou: 1967, 1970, 1974, 1977, 1985;

Exposição “100 obras de artistas originais”, Moscou, Board Hall do Sindicato dos Artistas no Boulevard Gogolevsky, 1971;

Exposição de aniversário de trabalhos de alunos da Faculdade de Belas Artes em homenagem aos 50 anos da ZNUI no Centro sala de exposições Sindicato dos Artistas da RSFSR em Podolsk, 1983-1984;

"Naifs sovietiques" (França), 1988;

Exposição toda russa de obras de artistas amadores em homenagem ao 40º aniversário da vitória do povo soviético na Grande Guerra Patriótica, Museu Russo de Arte Popular, Moscou, 1985;

“Sonho Dourado”, 1992;

"Maçãs do Paraíso", 2000;

"Festnaive-04".

Coleções de pinturas de I.E. Selivanov são armazenados:

Casa Estadual de Arte Popular;

Museu-Reserva Vladimir-Suzdal;

Museu "Tsaritsyno", Moscou.

Filmografia:

“Povo da Terra Kuznetsk”, dir. M. Litvyakov, Estúdio de Documentário de Leningrado, 1969;

“Eles Desenharam Desde a Infância”, dir. K. Revenko, Televisão central, filme para TV, 1979;

“Kuzbass Pirosmanashvili”, estúdio de televisão Kemerovo, 1981;

“Seraphim Polubes and Other Inhabitants of the Earth” (longa-metragem baseado nas obras de Selivanov), dir. V. Prokhorov, Mosfilm, 1984;

"Gato Azul na Neve Branca", dir. V. Lovkova, TsSDF, 1987.

Literatura:

Shkarovskaya N. Arte popular amadora. L., 1975;

Enciclopédia Mundial de Arte Naif. Londres, 1984. R. 529;

Ivan Selivanov é pintor. Ensaios sobre o artista. Kemerovo, 1988;

Selivanov I.E., Kataeva N.G. E havia vida... M., 1990;

Exposição de obras de artistas amadores, alunos dos cursos por correspondência do Centro Central Infantil de Ciência e Tecnologia. N. K. Krupskaya, Casa Central dos Artistas, Moscou, 1965.

Catálogo de artigos em mídia impressa:

Alpatov M. Direta e sinceramente // Criatividade. 1966. Nº 10;

Gerchuk Yu. Os primitivos são primitivos? // Criação. 1972. Nº 2;

Baldina O. Segunda chamada. Moscou, 1983;

Aksenov Yu. Veja com seus próprios olhos // Artista. 1986. Nº 9;

Shkarovskaya N. A atração do amor pela natureza // Ogonyok. 1987. Nº 36;

Amador artes plásticas// Criatividade artística amadora: Ensaios sobre a história dos anos 1960-1990. São Petersburgo, 1999.

UM POBRE ARTISTA É DESTINO?! ALGUNS FATOS DA VIDA DE IVAN SELIVANOV

O nome do Prokopchanian Ivan Selivanov está incluído na Enciclopédia de Arte Naive, publicada no Reino Unido. No exterior, Ivan Yegorovich foi chamado de russo Pirosmani e Van Gogh, entrou entre os dez primeiros artistas ingênuos Rússia.

Suas obras foram levadas para Londres e Nova York, vendidas ilegalmente e ele definhou na pobreza. Ao longo de 45 anos, Selivanov escreveu centenas de pinturas e esboços, mas seus diários com suas próprias visões filosóficas não são menos interessantes. O museu de história local de Prokopyevsk abriga uma pequena coleção de suas obras, cerca de cem são mantidas em Moscou, na Casa Estatal Russa de Arte Popular.

Estou doente mental... Por que me encontrei nessas condições? Toda mulher idiota me controla! Isso também afeta todo o corpo, o sistema cerebral... Esta é uma citação do filme “Ivan Selivanov. Fragmentos de Vida"

No Hospital Central da Cidade em homenagem. O salão "Artista" de Gogol realizou uma noite em memória de Ivan Selivanov. Apareceu no site da biblioteca e-book, dedicado ao artista original de Prokopevsk. Incluía artigos sobre Selivanov, fotografias inéditas e reproduções de pinturas. Durante 20 anos, a crítica de arte Galina Stepanovna Ivanova coletou aos poucos o material para o livro.

Em abril de 1986, o artista foi convidado para o cineclube “Diálogo” e visitou o Museu Dostoiévski e a Fortaleza de Kuznetsk. Na oficina de Vitaly Karmanov, para onde foi trazido, ficou surpreso que o artista pudesse ter tantos tubos de tinta.

Os fãs do trabalho de Selivanov preservaram os cartazes de sua exposição pessoal, realizada em 22 de outubro de 1986 no Museu de Arte de Novokuznetsk.

Selivanov passou seus últimos anos em uma pensão para idosos e deficientes na aldeia. Inskoy. Vivenciou sua situação de falta de liberdade, autodenominando-se um governante que, por um distúrbio da alma, não pode trabalhar.

- Estou doente mental... Por que me encontrei nessas condições? Toda mulher idiota manda em mim! Isso afeta todo o corpo, o sistema cerebral...

Ele não morou muito em sua própria casa, para onde foi transferido um ano antes de sua morte. Em 5 de março de 1988, Selivanov foi enterrado.

Numa de suas visitas a Selivanov, Galina Ivanova (a pedido do artista) trouxe para Ivan Yegorovich um prato e uma frigideira. Então descobriu-se que ele usou esta placa em vez de uma paleta.
Cobriu a frigideira com jornal, colocou nela uma caneca de solvente e só então começou a escrever. Nos últimos anos, ele trabalhou com óleos.

O Teatro Lenkom estava em turnê em Novokuznetsk e os atores Nikolai Karachentsov e Oleg Yankovsky vieram ao nosso estúdio (agência de cinema e fotografia KMK). Na véspera, o conhecedor de arte e colecionador Yankovsky veio visitar Selivanov, sem perceber o temperamento excêntrico do proprietário.

“Sou um ator famoso, Oleg Yankovsky”, começou o residente de Lenkomov desde a soleira.

O popular ator não teve escolha senão seguir o conselho do velho. Ele viu as obras do artista genial mais tarde - no documentário de S. Shakuro e V. Skoda. Nikolai Karachentsov olhou com genuína admiração para o homem pequeno (altura 154 cm!), barbudo, e ainda ficou surpreso:

Que personagem completo!

No dia seguinte, Nikolai Petrovich trouxe toda a trupe para a exibição...

Quando você lê seus pensamentos, você pensa que ele é um verdadeiro filósofo:

“Uma pessoa não nasce sozinha, ela vem a este mundo por algum motivo desconhecido para ninguém e está conectada com tudo o que é vivo.
Se uma pessoa trata o seu trabalho e os seus companheiros com honestidade, então ela cumpre a lei do trabalho social justo.”

"Para viver um dia com verdade verdadeira na terra, você precisa trabalhar muito consigo mesmo, de manhã à noite. Para que o coração e a alma em sua pureza sejam iguais ao âmbar ou aos raios do sol.”

“Considero uma felicidade ser independente dos outros, comer pão de centeio com batata com casca e um pouco de sal e muita água. Que fique desconfortável e sujo na minha cabana, não importa. Considero importante o calor da minha cabana no inverno. Existem tantos homens velhos, mulheres jovens e mulheres idosas como eu em toda a crosta terrestre.”

IVAN SELIVANOV: VIDA E DESTINO

« Nasci da minha mãe... não para ganhar muito dinheiro, não para uma vida luxuosa, mas simplesmente para a vida, como todos os seres vivos da natureza" Foi isso que pensou e escreveu o herói do nosso artigo, o único artista e pensador russo Ivan Egorovich Selivanov (1907-1988).

Não, oficialmente ele não era um “artista do povo” - ele não recebeu nenhum título acadêmico ou insígnia do estado. Mas ele foi um verdadeiro “artista do povo” da era da URSS. Junto com Niko Pirosmani e Efim Chestnyakov, ele é um tesouro da humanidade. E seus diários, em termos de conteúdo e profundidade, podem ser chamados de reais sabedoria popular... Hoje falaremos sobre ele, seu destino e pensamentos.

Este artigo não é um esboço biográfico; não pretendemos iluminar totalmente a trajetória de vida de Ivan Selivanov, mas ainda não podemos prescindir de uma breve introdução. Assim escreve a historiadora local, pesquisadora de sua vida e obra Nina Grigorievna Kataeva:

« O artista me conheceu em uma casa construída no território de um internato para veteranos do trabalho na vila de Inskom, distrito de Belovsky, região de Kemerovo. A casa foi construída como uma cabana, onde Selivanov viveu durante trinta e quatro anos. A velhice, a enfermidade e a solidão finalmente a forçaram a se separar dela, e depois de um ano de existência lamentável no conforto de um quarto de uma casa de repouso velho artista Finalmente senti que os líderes locais se importavam comigo».

O professor de Selivanov, este artista original, fabricante de fogões de aldeia, Yuri Grigorievich Aksyonov, da Universidade Popular de Artes por Correspondência de Moscou, falou sobre ele assim: “A única coisa de que sua vida o salvou foi do campo. Todo o resto estava lá.” O que mais? Realmente, é isso. Acusações injustas, fome, frio, pobreza, solidão, perambulação sem trabalho. Mas talvez tenha sido precisamente graças a este destino que o artista conseguiu manter-se cristalino até ao último suspiro.

Um crítico de arte da Polónia, tendo ouvido numa noite de cinema em Moscovo, no Ministério da Cultura da RSFSR, que ainda não tinha sido encontrado um lar digno para a herança de Selivanov, exclamou surpreso:

- Sim, se encontrássemos um artista como o seu Ivan Yegorovich, daríamos a ele o melhor museu de Varsóvia!

Bem, os poloneses podem ter devolvido. Não há profeta em seu próprio país.

A solidão de um corredor de longa distância

O próprio Selivanov tratou as vicissitudes do destino não exatamente estoicamente, mas com humildade, como se fossem inevitáveis. Ele não se considerava um artista.

- Eu sou um homem que pinta quadros entre as tarefas domésticas, ele disse. E ele se referiu repetidamente a Leo Tolstoy, que, quando questionado por que seus personagens eram todos condes e príncipes, respondeu:

"Porque eles podem controlar a história."

Selivanov também acreditava que os pobres não podem influenciar o curso dos acontecimentos históricos. E quando tentaram convencê-lo, dizendo: “Você é um criador e não pode deixar de influenciar o curso da vida!””, ele repetiu: "Não, sou um mendigo".

E ele tratou o dinheiro da mesma maneira. Quando o golpista o enganou em tudo o que conseguiu para as exposições, ele apenas encolheu os ombros: “Bem, aparentemente ela precisa mais...”

Ivan Yegorovich deixou muitos cadernos de diário - aqui e “ Sonhos proféticos artista”, e “Onde você está, felicidade?”, e “Contos e parábolas”... E considerou o caderno, que agora conheceremos parcialmente, especialmente significativo para ele.

"Aplica-se a todos"

Foi exatamente isso que Selivanov intitulou em um de seus cadernos de diário: “Preocupa a todos”. E não em vão, é claro - conversamos sobre muitas coisas importantes. Por exemplo, sobre o inútil, em sua opinião, o sistema soviético de educação e criação (“Nem sei qual das pessoas alfabetizadas pode assumir a importante tarefa de educar uma pessoa. Embora todos olhem para esse assunto com frieza, isso não preocupa ninguém. Então as pessoas aprendem por conta própria - quem consegue. Não é por isso que existem tantos buracos no nosso estado e existem todos os tipos de “camadas” e aqueles que gozam de privilégios na vida?”).

E Selivanov escreve lá sobre escritores corruptos, e sobre o trabalho como base da vida, e sobre Moscou, que tanto sofreu, mas permaneceu Moscou... Selivanov também escreve muito sobre o amor.

« Eu não traí minha esposa Varenka. Trair sua esposa significa o mesmo que trair sua pátria. Desprezo esses homens sempre e em todo lugar. EM tempo de guerra Aqueles que traíram a sua pátria foram colocados contra a parede. E que tipo de bala um marido homem merece por traição?».

Selivanov se autodenomina "o capitão que perdeu o controle do navio". Mas ele orgulhosamente escreve isso “serve ao povo por uma refeição modesta, por um pedaço de pão”.

Expressando seu pensamento sobre a moralidade, ele reflete dolorosamente sobre as questões eternas, sobre os principais mistérios da existência, sobre o que vem de Immanuel Kant - “ o céu estrelado acima de nós e a lei moral dentro de nós" É claro que Ivan Yegorovich não se refere a Kant, mas o seu “céu estrelado” de Selivanov é uma natureza infinitamente mutável, recompensando as pessoas de diferentes maneiras: para quem "instinto de roubar", e para quem - "para boas ações."

Seu diário de 1982 é muito característico: “ Vá para a margem alta e íngreme. O horizonte diante de você se expandirá. Você vai admirar o que vê. No momento da sua reflexão, uma enorme massa de pessoas - o povo - aparecerá no horizonte. Essas pessoas estão algemadas e mal conseguem se mover. Onde? E o sistema harmonioso de seus pensamentos perderia imediatamente o equilíbrio conforme a vontade de seu coração. Você pensaria - o que é isso? Para onde ir, para onde correr? De uma massa tão grande de pessoas algemadas? Que tipo de pessoas existem neste mar humano... Por que eles estão acorrentados com algemas de ferro? Eu perguntaria a cada um deles de coração... Sim, você não pode infringir a lei, você não pode abordá-los».

Poucos entre outros

Assim era ele, Ivan Yegorovich Selivanov, artista, poeta e sábio. As pessoas que o conheciam às vezes ficavam maravilhadas - uma educação muito modesta e um discurso cheio de dignidade! Por exemplo, Selivanov disse: “ Rembrandt é um fenômeno excepcional; existem poucos artistas como Rembrandt no mundo. Talvez dez pessoas. Ao contrário dos outros, eles têm uma expressão da realidade" Mas estas palavras também podem ser aplicadas ao próprio Ivan Yegorovich. Existem poucas pessoas como ele no mundo...

Andrey Bystrov,

) em seus trabalhos expressivos e abrangentes conseguiu preservar a transparência do nevoeiro, a leveza da vela e o balanço suave do navio nas ondas.

Suas pinturas surpreendem pela profundidade, volume, riqueza e a textura é tal que é impossível tirar os olhos delas.

Simplicidade calorosa de Valentin Gubarev

Artista primitivista de Minsk Valentin Gubarev não persegue a fama e apenas faz o que ama. Seu trabalho é incrivelmente popular no exterior, mas quase desconhecido de seus compatriotas. Em meados dos anos 90, o francês se apaixonou por seus esboços do cotidiano e assinou contrato de 16 anos com o artista. As pinturas, que, ao que parece, só deveriam ser compreensíveis para nós, portadores do “modesto charme do socialismo subdesenvolvido”, apelaram ao público europeu, e as exposições começaram na Suíça, Alemanha, Grã-Bretanha e outros países.

Realismo sensual de Sergei Marshennikov

Sergei Marshennikov tem 41 anos. Ele mora em São Petersburgo e trabalha nas melhores tradições da escola clássica russa de realista pintura de retrato. As heroínas de suas telas são mulheres ternas e indefesas em sua seminudez. Muitas das pinturas mais famosas retratam a musa e esposa do artista, Natalya.

O mundo míope de Philip Barlow

EM era moderna Com imagens de alta resolução e um hiperrealismo florescente, o trabalho de Philip Barlow atrai imediatamente a atenção. Porém, é necessário um certo esforço do espectador para se obrigar a olhar as silhuetas borradas e os pontos brilhantes nas telas do autor. Provavelmente é assim que as pessoas que sofrem de miopia veem o mundo sem óculos e lentes de contato.

Coelhinhos ensolarados de Laurent Parselier

A pintura de Laurent Parcelier é mundo incrível, em que não há tristeza nem desânimo. Você não encontrará fotos sombrias e chuvosas dele. Há muita luz, ar e cores brilhantes, que o artista aplica com traços característicos e reconhecíveis. Isso cria a sensação de que as pinturas são tecidas a partir de mil raios de sol.

Dinâmicas urbanas nas obras de Jeremy Mann

O artista americano Jeremy Mann pinta retratos dinâmicos de uma metrópole moderna em óleo sobre painéis de madeira. “Formas abstratas, linhas, o contraste de pontos claros e escuros - tudo cria uma imagem que evoca a sensação que uma pessoa experimenta na multidão e na agitação da cidade, mas também pode expressar a calma que se encontra ao contemplar a beleza tranquila,” diz o artista.

O mundo ilusório de Neil Simon

Nas pinturas do artista britânico Neil Simone nada é o que parece à primeira vista. “Para mim, o mundo ao meu redor é uma série de formas, sombras e limites frágeis e em constante mudança”, diz Simon. E em suas pinturas tudo é verdadeiramente ilusório e interligado. Os limites são confusos e as histórias fluem umas nas outras.

Drama amoroso de Joseph Lorasso

Italiano de nascimento, o artista americano contemporâneo Joseph Lorusso transfere para a tela temas que observava na vida cotidiana. pessoas comuns. Abraços e beijos, explosões apaixonadas, momentos de ternura e desejo preenchem seus quadros emocionantes.

Vida no campo de Dmitry Levin

Dmitry Levin é um reconhecido mestre da paisagem russa, que se estabeleceu como um talentoso representante da escola realista russa. A fonte mais importante da sua arte é o apego à natureza, que ama com ternura e paixão e da qual se sente parte.

Oriente Brilhante por Valery Blokhin