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O artigo discute algumas questões do trabalho com aquarela nas aulas de pintura. A aquarela é atraente por sua acessibilidade e pureza nas relações de cores. Apesar da aparente simplicidade do trabalho, a aquarela é uma técnica complexa pintura de cavalete. Atenção especial concentra-se em materiais, ferramentas e aspectos tecnológicos da pintura em aquarela: esmalte, métodos “alla prima”, “cru”. Ao trabalhar em estudos longos, o primeiro é usado com mais frequência. Para pintar ao ar livre, em estudos rápidos O método alla prima é mais adequado. É preciso entender que dominar a habilidade da pintura em aquarela não se aprende nos livros. Tudo se aprende no longo prazo trabalho prático, sobre experiência pessoal. Portanto a prática é o melhor método dominar a técnica da pintura em aquarela.

ferramentas

materiais de pintura

método de escrita

Pintura aquarela

1. Beda G.V. Noções básicas de alfabetização visual: Desenho. Pintura. Composição. Ed. 2º, revisado e adicional M.: Educação, - 1981. - 239 p.

2. Vasiliev A.A. Pintura de natureza morta: aquarela: livro didático. Beneficiar. Ed. 3º, revisado e adicional Krasnodar: Editora do Estado de Kuban. Universidade, 2004. - 98 p.

3. Volkov Yu.V. Trabalhando em esboços de pintura. M.: Educação, 1984. - 31 p.

4. Skripnikova E.V. Natureza morta: composição, desenho, pintura: livro didático / E.V. Skripnikova, A.I. Sukharev, N.P. Golovacheva, G.S. Baimukhanov. – Omsk: Editora da Universidade Pedagógica do Estado de Omsk, 2015. - 150 p.

5. Skripnikova E.V., Golovacheva N.P., Sukharev A.I. Pintura de natureza morta: Tutorial. – Omsk: BOUDPO “IROOO”, 2015. - 92 p.

6. Shchetinin I.D. Aquarela: um guia prático. Kurgan: Editora "FORT DIALOGUE - KURGAN", 2009. - 31 p.

Formulação do problema

A técnica da aquarela é estudada por alunos das faculdades de artes das universidades pedagógicas no primeiro ano. Nas aulas de pintura, os alunos recebem não apenas tarefas de pintura: encontrar a cor geral da produção, relações cor-tom entre objetos e fundo, transmitir o volume dos objetos em determinadas condições de iluminação, estudar leis e regras perspectiva aérea, mas também composição e desenho. Primeiramente, a tarefa é aprender a compor uma produção: determinar as proporções do formato da folha, encontrar o tamanho da imagem nela contida, colocar os objetos no plano pictórico em relação uns aos outros. Em segundo lugar, aprender a compreender e desenhar objetos de diversos desenhos e formas, tendo em conta o ângulo e a linha do horizonte, estudar as leis e regras da perspectiva linear. Em nosso artigo consideramos apenas questões de tecnologia de pintura em aquarela: materiais, ferramentas, diversas técnicas tecnológicas.

A aquarela é atraente por sua acessibilidade e pureza nas relações de cores. Apesar da aparente simplicidade do trabalho, a aquarela é uma técnica complexa de pintura de cavalete. Para dominá-lo e compreendê-lo, é necessário estudar cuidadosamente os materiais e ferramentas (tinta, papel, pincéis). Afinal, é aqui que começa qualquer processo criativo.

Aquarela (do lat. água- “água”) - tintas diluídas em água, e em ambiente artístico profissional - trabalhos de pintura realizados com tais tintas. Os pigmentos de cor usados ​​para fazer tintas aquarela são os mesmos usados ​​em outras tintas. Mas o pigmento aquarela é moído extremamente fino, levado a um estado em que, enquanto está na água, não se deposita no fundo por muito tempo. A cola - substância aglutinante desse pigmento - deve se dissolver em água, ser incolor e elástica. Vários adesivos vegetais (goma arábica, dextrina, cola de cereja, mel, etc.) são usados ​​​​como aglutinantes em aquarelas e também contêm um plastificante na forma de glicerina. A glicerina evita que a tinta fique quebradiça e resseque, pois retém a umidade. Às vezes, a bile de boi é adicionada às aquarelas para que fique facilmente na superfície do papel e não role durante a escrita, e um anti-séptico (fenol) que evita a destruição da tinta pelo mofo.

As aquarelas se dissolvem facilmente na água, podem ser lavadas e formam uma camada transparente que não interfere no reflexo da luz do papel. Mas algumas tintas são mais transparentes (carmim, escarlate, verde esmeralda, etc.), dissolvem-se mais completamente na água e ficam mais uniformes no papel. Outros (amarelo cádmio, limão, etc.) possuem densidade e “poder de cobertura”, formando revestimentos superficiais.

Manter tintas aquarelaÉ melhor em local fresco, longe da luz solar direta, para que não endureçam com o ar seco.

A indústria moderna produz uma ampla variedade de tintas aquarela. E, por mais rica que fosse a paleta de cores, elas não seriam suficientes para transmitir a variedade de cores do mundo que nos rodeia. O artista amplia a paleta de cores misturando tintas, tanto mecânica quanto opticamente - aplicando uma camada de tinta sobre outra. É necessário estudar as propriedades de diversas tintas, verificar sua capacidade de cobertura, cor e resistência à luz. É necessário experimentar todas as combinações possíveis de tintas, tanto individualmente como em misturas entre si; entenda o que faz a “sujeira” nas misturas e em quais tonalidades você deve prestar atenção.

A aquarela “pura” é a pintura com tintas sem o uso do branco. Como as aquarelas são transparentes, o próprio papel (menos frequentemente papelão) serve como “cal”. O papel para pintura em aquarela é produzido em diferentes qualidades em termos de densidade e textura. A cor, densidade e textura do papel têm grande importância. O melhor papel para aquarela é um papel grosso com superfície granulada, bem colado e branqueado. Existem variedades de textura fina a grossa, que lembra estopa. A textura contribui para a profundidade da cor, permite que a tinta aquarela fique facilmente na superfície da folha em camadas uniformes e transparentes e retenha a umidade nos poros por mais tempo. Este papel pode ser usado para muitas horas de esboços e também permite remover manchas ruins. As tintas não aderem bem ao papel de superfície lisa e são facilmente lavadas com pincel na aplicação das camadas subsequentes, sendo difícil fazer um esboço longo sobre elas.

A distribuição uniforme da aquarela na superfície do papel é dificultada pela presença de manchas de graxa. Portanto, antes de pintar, o papel deve ser lavado com água destilada e algumas gotas de amônia. O papel amarelado pode ser branqueado lavando-o com um cotonete embebido em água oxigenada.

Durante o trabalho, deve-se cuidar da brancura do papel em locais claros (brilho, superfícies brancas de objetos, etc.). Para preservar as áreas claras, pode-se raspar as áreas gravadas com lâmina de barbear, faca e, em superfície úmida, com cabo de pincel. Outra forma é cobrir as madeixas e madeixas guardadas com cimento de borracha. Depois de terminar o trabalho no esboço, a cola pode ser facilmente removida com uma borracha macia de lápis.

A cor do papel é o fundo, sempre participando da construção da cor de todo o quadro. Um bom papel para pintura em aquarela é aquele que tem alto nível brancura, pois sua superfície reflete bem a luz através das camadas de tinta e lhes confere brilho, revelando as nuances do tom. A pré-tingimento do papel branco também é utilizada na pintura em aquarela. O papel colorido unifica a pintura e cria uma base colorida para o esboço. Seu tom depende das tarefas que o artista resolve. Nas aquarelas, o papel costuma ser tingido com decocções de café ou chicória de intensidades variadas. O chá dá lindos tons.

Para evitar que o papel deforme com a umidade, ele deve ser colado ao tablet. O papel umedecido é colocado sobre o tablet e preso com uma moldura na parte superior. Quando seco, o papel estica uniformemente e não deforma. Para manter o papel úmido por mais tempo, você pode colocar material úmido por baixo dele. Para tamanhos pequenos de papel aquarela, você pode usar uma borracha. Uma borracha é um tablet de um determinado tamanho e uma moldura maior ao seu redor.

Ao ar livre é conveniente trabalhar nas chamadas colagens. A colagem é uma pilha de folhas com papelão grosso ou compensado na base. Folhas de papel coladas nas pontas formam um bloco. A folha superior usada é retirada, revelando uma nova para trabalho.

Os aquarelistas tradicionalmente usam pincéis de esquilo, kolin e cerdas, mas hoje em dia existem bons pincéis de cabelo sintético disponíveis. Essas escovas são práticas de usar, seus cabelos não são inferiores aos das escovas kolinsky e possuem maior resistência ao desgaste e maior durabilidade. Eles podem ser redondos ou planos. Em aquarelas, os pincéis redondos são mais comumente usados. Os pincéis Kolinsky são considerados os melhores, são mais duráveis ​​​​e elásticos e enrugam menos. A qualidade do pincel é verificada desta forma. O pincel é mergulhado na água e, após retirá-lo da água, é agitado. Se a ponta do pincel for afiada, o pincel é considerado adequado para o trabalho.

Para pintar com aquarela você precisa de pincéis tamanhos diferentes(do nº 8 ao nº 16). O pincel grande e redondo é a principal ferramenta da pintura em aquarela. Pode ser utilizado para aplicar grandes volumes de tinta ou escrever com a ponta de um pincel. A princípio, você pode se contentar com um pincel grande, com o qual o artista trabalha livre e amplamente, em grandes relacionamentos. À medida que a experiência no trabalho com aquarelas se acumula e as tarefas educativas e criativas se tornam mais complexas, o artista deve ampliar seu conjunto de pincéis.

A paleta é de grande importância quando se trabalha com aquarelas. A paleta deve estar limpa cor branca. Para evitar que a tinta seja absorvida, a paleta deve ser dura, uniforme e lisa. Utilizam uma paleta de vidro branco em moldura de madeira, revestida com tinta a óleo branca no fundo, ou de porcelana branca ou faiança. Você pode usar como paleta ladrilhos cerâmicos brancos, placas, placas de metal pintadas com tinta branca; Paletas de plástico também podem funcionar e estão disponíveis em alguns conjuntos de aquarela.

Freqüentemente, os alunos usam papel como paleta. O papel não é adequado para esses fins. A água deteriora rapidamente o papel, fica molhada e dificulta a execução do trabalho. A desvantagem ao trabalhar com essa paleta é que o papel solto e encharcado tira o que há de mais valioso da mistura de tinta - pigmentos bem dissolvidos, componentes de ligação; partículas de papel, cola e substâncias indesejadas entram na mistura de tinta. substancias químicas, o que lhe priva de transparência e dá “sujeira” à pintura.

Não existem cavaletes ou cadernos especiais para pintura em aquarela. As tintas podem ser transportadas em qualquer caixa plana. É aconselhável transportar os pincéis separadamente, embrulhados em um pano ou colocados em um “porta-pincéis”. Quando você carrega pincéis em um caderno de desenho, eles se deterioram e perdem a forma. A água pode ser transportada em frascos de gargalo largo.

A preparação meticulosa e completa de materiais e ferramentas para pintura em aquarela não deve ser um fardo.

Existem diversas formas tecnológicas de trabalhar com aquarelas. Mas existem dois métodos principais: o método do esmalte e o método “alla prima”. Ao trabalhar em estudos longos, o primeiro é usado com mais frequência. Para pintar ao ar livre, em esboços rápidos, o método “alla prima” é mais adequado.

A vitrificação como método de pintura multicamadas baseia-se na utilização da transparência da tinta aquarela, suas propriedades de composição óptica de cores ao aplicar uma camada transparente de tinta sobre outra. Ao aplicar uma camada de tinta sobre outra, você pode obter tons mais saturados de uma cor, além de formar complexos cores compostas. Com o método de esmalte, a profundidade e a saturação da cor são alcançadas cobrindo sucessivamente uma camada transparente bem seca com outra camada de tinta.

Um longo estudo usando o método de envidraçamento é realizado em uma determinada sequência. Primeiro, um desenho linear leve é ​​​​feito com um lápis ou pincel fino em qualquer cor, depois grandes planos da imagem são dispostos com um pincel, mas não com força total, mas como uma preparação colorística preliminar para pintura posterior. Desde o início do trabalho em um esboço, deve-se tentar transmitir todas as relações da natureza com a maior precisão possível. É preciso estabelecer uma conexão entre todas as cores da natureza, comparar constantemente o tom da tinta em termos de saturação e leveza.

Durante o trabalho, vocês devem comparar constantemente uns com os outros relações de cores objetos representados tanto na vida real quanto em um esboço, e de acordo com a relação de características mútuas: compare a luz de um objeto com a luz de outro, sombra com sombra, etc. É necessário determinar os principais contrastes da natureza - os locais e objetos que são mais claros e mais escuros em intensidade de tom, para estabelecer imediatamente a diferença entre as áreas mais claras e mais escuras da natureza. Na maioria das vezes, isso acontece em primeiro plano ou em objetos “principais” da natureza especialmente designados. Ao realizar um esboço, você não pode se limitar a trabalhar em um local, tentando finalizá-lo na hora, sem nenhuma ligação com o restante do ambiente. Na natureza, tudo está interligado e é impossível captar com veracidade a cor do objeto retratado isoladamente de seu ambiente.

Você deve sempre fazer um esboço de acordo com o princípio - do geral ao específico. Depois de abrir todo o esboço com espaçadores claros e largos (exceto pontos claros e realces), certificando-se de que as relações tomadas estão corretas, você pode prosseguir com o trabalho - esculpir a forma dos objetos, traçar meios-tons, sombras, reflexos. Ao trabalhar com aquarelas, é aconselhável trabalhar do claro ao escuro. Normalmente, os objetos representados são primeiro cobertos com camadas de tinta amplamente claras, que em termos de intensidade de tom correspondem aos locais iluminados mais claros dos objetos representados. Então as sombras são aplicadas. Depois disso, os meios-tons são determinados comparando-os entre si.

No método de esmalte, a camada de tinta, com todas as suas multicamadas (de preferência não mais que três camadas, caso contrário as tintas perdem a transparência, resultando na chamada sujeira) deve permanecer fina e transparente para transmitir a luz refletida na superfície do papel. Já no primeiro registro é necessário delinear claramente os contrastes - as maiores diferenças na relação de abertura e na proporção de tons quentes e frios.

Aconselha-se a utilização de tintas de corpo, cobertura no final da obra para criar maior materialidade, objetividade e peso. Deve-se lembrar que, ao secar, as aquarelas perdem um pouco a intensidade da cor - elas clareiam cerca de um terço de sua intensidade original. Portanto, é necessário deixar as cores necessárias mais saturadas e brilhantes para evitar o embotamento da pintura.

Outro método de pintura em aquarela é o método “alla prima”, em que se pintam imediatamente, sem aplicação sequencial de camadas de tinta, cada detalhe começa e termina em uma única etapa. Todas as cores são tiradas de uma vez força total, que permite a utilização de misturas mecânicas de tintas, ou seja, inventar cor desejada de várias cores na paleta. Ao trabalhar com o método “alla prima”, não são utilizados registros múltiplos. Este método é mais aceitável ao ar livre. Na maioria das vezes, os aquareladores usam os dois métodos.

Para criar transições claras de cores, principalmente em locais sombreados, em objetos e planos tocantes, é necessário que as bordas dos traços aplicados se fundam. Para isso, o papel é pré-umedecido com água. Este método é chamado de trabalho “cru”.

Para retardar a secagem das tintas durante o trabalho, pode-se usar soluções de glicerina, sabão ou mel na água em que as tintas são diluídas.

É preciso entender que dominar a habilidade da pintura em aquarela não se aprende nos livros. Tudo é aprendido através de trabalho prático de longo prazo e experiência pessoal. Portanto, a prática é o melhor método para dominar a técnica da pintura em aquarela.

Revisores:

Medvedev L.G., Doutor em Ciências Pedagógicas, Professor, Reitor da Faculdade de Letras da Universidade Pedagógica do Estado de Omsk, Omsk;

Shalyapin O.V., Doutor em Ciências Pedagógicas, Professor, Chefe do Departamento de Desenho, Pintura e Educação Artistica Instituto de Artes da Instituição Educacional Orçamentária do Estado Federal de Educação Profissional Superior "NGPU", Novosibirsk.

Link bibliográfico

Sukharev A.I., Shchetinin I.D. TECNOLOGIA DE PINTURA EM AQUARELA // Questões contemporâneas ciência e educação. – 2015. – Nº 2-2.;
URL: http://science-education.ru/ru/article/view?id=21931 (data de acesso: 01/02/2020). Chamamos a sua atenção revistas publicadas pela editora "Academia de Ciências Naturais"

1) Selecionando um tópico:

na minha tese me voltei para um dos tipos Artes visuais- pintura. O tema da obra foi paisagem. É apropriado citar a declaração do famoso paisagista russo I.I. Shishkina: “A pintura deve ser uma ilusão completa, e isso não pode ser alcançado sem um estudo abrangente dos motivos selecionados pelos quais o artista sente maior atração, que permanecem em suas memórias de infância, ou seja, a paisagem não deve ser apenas nacional , mas também local.” (Abeldyaeva I.G. Escola de Belas Artes. Edição 5. - M., 1962).

O critério para a escolha do tema foi a minha atitude pessoal em relação ao local paisagem marinha. A vontade de transmitir na imagem um estado ensolarado, a vista da Baía de Tsemes familiar desde a infância, complementada pelos modernos edifícios do porto marítimo.

2) Coleta de material:

uma pintura é uma criação imagem completa a natureza é uma generalização artística, a transformação da natureza com a ajuda da imaginação do artista. É impossível transformar pitorescamente aquilo que você não tem ideia. Portanto, a criação de uma paisagem é sempre precedida de um longo trabalho em esboços da vida. “Você deve olhar a natureza de forma simples, cuidadosa, tentando entender sua impressão geral, e daí partir para os detalhes...” (Masters Arte soviética sobre paisagem, 1965).

Para completar o trabalho foi realizada uma coleta material preparatório. São esboços, esboços a lápis, estudos pictóricos de curto e longo prazo feitos a partir da vida.

(Apêndice A, Fig. A1-A6). As principais vantagens de um esboço paisagístico são a transferência de um determinado estado de iluminação da natureza, a influência do ar ambiente e de um espaço significativo. Os esboços foram feitos em tempo diferente ano, diferentes horas do dia.

3) solução composicional e colorística:

Integridade composicional esboço pictórico depende da relação entre o principal e o secundário, da ligação de toda a imagem numa única obra. Ao identificar o centro composicional, o artista deve generalizar conscientemente os detalhes, enfraquecer o tom e a força da cor dos objetos que se afastam do centro composicional e subordinar todas as relações tonais e coloridas ao principal.

4) papelão (desenho preparatório):

Depois de esclarecer a ideia em esboços e esboços, tendo encontrado uma composição linear e colorida, é necessário começar a desenhar toda a composição em papelão ou papel (Anexo A, Fig. A7). O papelão é feito em tamanho real com lápis e carvão. Nele, a solução composicional, a natureza da forma e proporções dos objetos, as tarefas da perspectiva aérea e linear são aprimoradas e concluídas, o traçado da paisagem é determinado e o centro de composição. Depois disso, o desenho do papelão (através de papel vegetal ou pólvora) é transferido para a tela.

5) Pintura em tela:

Após pesquisas composicionais e confecção de papelão, você pode começar a pintar sobre tela, começando pela pintura de base, esclarecendo as relações tonais e coloridas, colocando sombras, elaborando detalhes. Em seguida vem a generalização e finalização do trabalho (Apêndice A, Fig. A8-A14).

1. Se você tem experiência com lápis, pode começar a aprender a pintar com segurança;
2. Se você não tem experiência, primeiro recomendamos que você faça um curso Básico em uma escola de pintura para adultos. Depois de concluir este curso, será muito mais fácil praticar a pintura;
3. Se você tem muita experiência em desenho com lápis e tintas, pode começar, sob a orientação de um professor experiente, a criar seu próprio retrato, copiar mestres ou desenvolver suas próprias ideias.

Trabalhos de pintura

Natália Kudryavtseva 3 meses de treinamento (óleo);	Nastya Khokhlova 3 meses de treinamento (pastel)	5 meses de treinamento (óleo)	Nastya Trosnova cerca de 6 meses de treinamento (pastel)

Elya Grudina (12 anos) 6 meses de treinamento (óleo)	Katya Popova (16 anos) 8 meses de treinamento (óleo)	Tanya Nigai (24 anos) 7 meses de treinamento (óleo)

Elena Orlova cerca de 2 anos de treinamento (aquarela)	Valya Shvets (27 anos) 4 meses de treinamento (pastel)	Valya Shvets (27 anos) 8 meses de treinamento (pastel)

Artes gráficas

A abordagem individual utilizada no estúdio Art-Idea pressupõe que o professor trabalhe com você com base em seus objetivos e necessidades. Nesse sentido, você pode aprimorar qualquer técnica de desenho que lhe interesse, seja uma aquarela fina e transparente ou uma técnica mais pastosa de pintura a óleo. Também na escola de pintura para adultos você poderá conhecer a mais delicada técnica do pastel, a técnica do guache brilhante, a têmpera fosca ou a técnica do pincel seco.

Na escola Art-Idea adultos e crianças podem estudar pintura.

Escola de pintura

Trabalhos feitos com espátula

Vindo para escola de pintura, geralmente presumimos que desenharemos em um pedaço de papel e usaremos um pincel! Esta é a nossa ideia habitual. Fato interessante: A escola italiana de pintura não recomenda o uso de pincéis para um artista iniciante. No início, eles aprendem a retratar algo em geral e apenas com uma espátula. O pincel desvia a atenção para pequenas coisas que ainda não são necessárias numa fase inicial de aprendizagem.

Aprender cores é muito divertido! Você provavelmente já ouviu falar que cores diferentes têm efeitos diferentes nas pessoas. Portanto, a cor vermelha pode excitar, e o azul acalma, o amarelo traz alegria e o verde traz harmonia. Em vida homem moderno Muitas vezes há falta de cores puras e brilhantes, daí o humor deprimido e o desânimo. Treinamento de pintura nesse sentido, é curativo para a maioria das pessoas, acrescentando vibração e harmonia às suas vidas daquelas cores que lhes faltam! Existe até essa direção - a arte-terapia, onde as pessoas são tratadas com a ajuda das cores. Assim, a pintura muitas vezes harmoniza não só a alma, mas também o corpo humano!

Treinamento de pintura passa para Estúdios nº 1(m. quadrado Vosstaniya) ou Estúdios nº 2(metrô Prosveshcheniya Ave. ou metrô Grazhdansky Ave.)

O trabalho de Dmitry Revyakin é muito diversificado e abrange uma ampla gama de áreas - desde pintura a óleo e têmpera até escultura em madeira e criação de itens personalizados no estilo “Steampunk”. Lugar especial estão ocupadas por obras que cartão de visitas o autor - pintura e talha em uma só obra. Versatilidade habilidades artísticas e o alto nível de habilidade de Dmitry Revyakin permite-lhe criar trabalhos criativos originais que representam a unidade orgânica da pintura e da escultura em madeira - a imagem e a moldura como sua continuação semântica.

As pinturas de Dmitry Revyakin estão imbuídas de amor pela natureza russa. Suas pinturas falam da infinita variedade de beleza, da beleza de todas as estações e da atitude reverente do artista para com terra Nativa. Paisagens e naturezas mortas a óleo são caracterizadas pelo brilho da escrita, expressividade dos detalhes, beleza das nuances de luz e uma sensação geral de alegria

Cópias de pinturas
(pinturas feitas durante master classes)

Escolha uma(s) foto(s), no pedido, ao invés do nome do filme, indique o nome da foto e dentro de 1 a 6 horas você receberá os dados de pagamento por e-mail

Quer comprar uma pintura pelo menor preço em Moscou? Contacte-nos, porque nas master classes de pintura, explicando aos alunos como pintar esta ou aquela paisagem ou natureza morta, Dmitry pinta um quadro e depois vendemos. A maioria pintura barata pinturas à óleo Só aqui! Se você encontrar pinturas em Moscou mais baratas do que no estúdio de Leonardo, escreva-nos onde fica esse lugar! Você pode olhar e encomendar uma pintura a óleo ou compre daqueles abaixo. Dmitry Revyakin é um excelente pintor e mestre em seu ofício, você pode ordem ele cópia de qualquer conhecido pinturas ou encomendar uma pintura a partir de uma fotografia. Abaixo está uma seleção de obras originais de Dmitry Revyakin (todas as pinturas estão à venda).

Escultura em madeira D.V. Revyakina.

Dmitry se dedica à escultura em madeira e trabalha na técnica de marchetaria. Você pode ver fotos das obras de D.V. Revyakina abaixo.
Escultura em madeira - tradicional Arte russa, que recebeu reconhecimento mundial. Peças em madeira natural preenchem o interior com especial conforto e aconchego, criando a imagem de uma casa rica em tradição e que valoriza a estabilidade. O site apresenta os seguintes produtos esculpidos em madeira que você pode comprar: pastor (tábua de chá), moldura de espelho, caixa, móveis esculpidos, etc.

Steampunk.

D. V. Revyakin realiza trabalhos no estilo Steampunk (veja foto abaixo). Você pode encomendar um retrato steampunk emoldurado em uma moldura steampunk. O artista poderá atender qualquer pedido. Steampunk (ou steampunk) é uma direção baseada na fantasia, criando nova realidade, objetos, utilizando elementos mecânicos e tecnológicos de motores a vapor. Steampunk como estilo é comum em pintura, gráficos, escultura e design, e itens do dia a dia criados no estilo Steampunk são muito populares em ambiente juvenil. Você também pode encomendar um retrato de fantasia e Dmitry pintará um excelente quadro.

Pleno ar.

Dmitry Revyakin muitas vezes escreve sobre vida. Qualquer artista confirmará que só se ganha a experiência de um verdadeiro pintor trabalhando ao ar livre, estudando a natureza. Uma atividade divertida encontre um lugar na natureza e escreva de manhã cedo paisagem bonita da natureza. É melhor trabalhar de manhã ou à noite porque as cores são mais interessantes para o artista neste horário. Ao estudar a natureza, você aprende tons reais, não fictícios, encontra e compara combinações complexas de cores com a realidade ao seu redor.
“A pintura do pintor não será perfeita se ele tomar como inspiração as pinturas dos outros; mas se aprender com os objetos naturais, produzirá bons frutos.” Leonardo Da Vinci.

Técnica de pintura- um conjunto de técnicas de utilização de materiais e meios artísticos.

Técnicas tradicionais de pintura: encáustica, têmpera, parede (cal), cola e outros tipos. Desde o século XV, a técnica de pintura com tintas a óleo tornou-se popular; no século XX surgiram tintas sintéticas com ligante polimérico (acrílico, vinil, etc.). Guache, aquarela, nanquim e técnica de semi-desenho – pastel – também são classificados como pintura.

AQUARELA

Aquarela(do italiano “aquarello”) - significa pintar com tintas à base de água.

Existem muitas técnicas artísticas em aquarela: trabalhar em papel úmido (“A la Prima”), trabalhar em papel seco, derramar, lavar, usar lápis aquarela, tinta, trabalhar com pincel seco, usar espátula, sal, multi- pintura em camadas, usando mídia mista.

Tipos de técnicas de aquarela:

seco - pintar em papel seco, com cada camada de tinta secando antes de aplicar a próxima

aquarela crua e úmida, alla prima - pintura em papel úmido. A técnica molhado sobre molhado usa o fluxo da aquarela e cria efeitos de cores incomuns. O uso desta técnica requer conhecimento do nível de umidade do papel e experiência no uso da técnica em si.

Alla prima (ala prime) (derivado do italiano alla prima - no primeiro momento) é um tipo de técnica de pintura a óleo e aquarela que consiste em completar uma pintura (ou um fragmento dela) em uma única sessão, sem marcações preliminares ou pintura de base.

O preenchimento é uma técnica muito interessante em aquarela. Transições suaves de cores permitem representar com eficácia o céu, a água e as montanhas.

A espátula é usada não só na pintura a óleo, mas também na aquarela. Com uma espátula você pode enfatizar os contornos de montanhas, pedras, rochas, nuvens, ondas do mar, retratam árvores, flores.

As propriedades absorventes do sal são utilizadas para produzir efeitos interessantes em aquarelas. Com a ajuda do sal você pode decorar um prado com flores, pegar um móbile ambiente aéreo na foto, transições tonais em movimento.

A pintura multicamadas é rica em cores. A pintura multicamadas utiliza todas as técnicas artísticas de trabalho com aquarela.

Aquarela é uma das mais difíceis técnicas de pintura. A principal qualidade da aquarela é a transparência e leveza da imagem. A aparente simplicidade e facilidade de pintar com aquarela engana. Pintura aquarela requer domínio do pincel, domínio da visão de tons e cores, conhecimento das leis de mistura de cores e aplicação de uma camada de tinta no papel. Existem muitas técnicas em aquarela: trabalhar em papel seco, trabalhar em papel úmido (“A la Prima”), usar lápis aquarela, tintas, pintura multicamadas, trabalhar com pincel seco, derramar, lavar, usar uma espátula , sal, usando mídia mista.

Aquarela, apesar aparente simplicidade e facilidade de desenho, a técnica de pintura mais complexa. A pintura em aquarela exige domínio do pincel, domínio de ver tons e cores, conhecimento das leis de mistura de cores e aplicação de uma camada de tinta no papel.

Para trabalhos em aquarela, o papel é um dos materiais mais importantes. O que importa é a sua qualidade, tipo, relevo, densidade, granulometria, calibragem. Dependendo da qualidade do papel, as aquarelas são aplicadas no papel, absorvidas e secas de forma diferente.

LÁPIS

O lápis é um material para desenhar. Existem grafite preto e lápis de cor. Os desenhos a lápis são feitos no papel usando sombreamento, manchas tonais e luz e sombra.

Os lápis aquarela são um tipo de lápis de cor solúvel em água. As técnicas de uso do lápis aquarela são variadas: desfocar um desenho com lápis aquarela com água, trabalhar com lápis aquarela embebido em água, trabalhar com lápis em papel úmido, etc.

Com um lápis você pode obter uma infinidade de tons e gradações de tons. Lápis de vários graus de suavidade são usados ​​​​no desenho.

O trabalho em um desenho gráfico começa com um desenho construtivo, ou seja, desenhar os contornos externos de um objeto usando linhas de construção, geralmente com um lápis meio macio H, HB, B, F, depois em um desenho tom, no qual não há linhas de contorno dos objetos, e os limites dos objetos são indicados por sombreamento; se necessário, usam-se lápis mais macios. O mais difícil é 9H, o mais suave é 9B.

Ao desenhar a lápis, é aconselhável fazer o mínimo de correções possível e usar a borracha com cuidado para não deixar manchas, para que o desenho fique fresco e limpo. É melhor não usar sombreamento em um desenho a lápis pelos mesmos motivos. Para aplicar o tom, utiliza-se a técnica de sombreamento. Os traços podem ser diferentes em direção, comprimento, espaçamento e pressão do lápis. A direção do traço (horizontal, vertical, oblíquo) é determinada pela forma, tamanho do objeto e movimento da superfície no desenho.

Um retrato a lápis é muito realista e cheio de luz. Afinal, com a ajuda de um lápis você pode transmitir muitos tons, profundidade e volume da imagem e transições de claro-escuro.

O desenho a lápis é fixado com fixador, para que o desenho não perca a clareza, não manche mesmo ao ser tocado com a mão e seja preservado por muito tempo.

ÓLEO

A pintura a óleo sobre tela é a técnica de pintura mais popular. A pintura a óleo oferece ao mestre um número ilimitado de maneiras de representar e transmitir o clima do mundo ao seu redor. Traços transparentes pastosos ou arejados através dos quais a tela fica visível, criação de relevo com espátula, vitrificação, uso de tintas transparentes ou opacas, diversas variações de mistura de cores - toda essa variedade de técnicas de pintura a óleo permite ao artista encontrar e transmitir o clima, o volume dos objetos representados, o ambiente aéreo e criam o espaço de ilusão, transmitem a riqueza de tons do mundo circundante.

A pintura a óleo tem sua peculiaridade - o quadro é pintado em várias camadas (2-3), cada camada precisa secar por vários dias dependendo dos materiais utilizados, então normalmente uma pintura a óleo é pintada de vários dias a várias semanas.

O material mais adequado para pintura a óleo é a tela de linho. O tecido de linho é durável e tem uma textura vibrante. Telas de linho vêm em diferentes tamanhos de grãos. Para retratos e pinturas detalhadas, são usadas telas de granulação fina e mais lisas. A tela de granulação grossa é adequada para pintura com textura pronunciada (pedras, rochas, árvores), pintura em impasto e pintura com espátula. Anteriormente, a pintura utilizava a técnica do vitrificação, aplicando a tinta em camadas finas, de modo que a rugosidade da camada de linho conferia elegância à pintura. Hoje em dia, a técnica dos traços de impasto é muito utilizada na pintura. Porém, a qualidade da tela é importante para a expressividade da pintura.

A tela de algodão é um material durável e barato, adequado para pintura com pinceladas de pasta.

A pintura a óleo também usa bases como serapilheira, compensado, cartão duro, metal e até papel.

As telas são esticadas em papelão e em maca. As telas sobre papelão são finas e geralmente não vêm em tamanhos grandes, não ultrapassando 50*70. São leves e fáceis de transportar. As telas em maca são mais caras, as telas acabadas em maca podem atingir o tamanho de 1,2m por 1,5m. A pintura acabada é emoldurada.

Antes de trabalhar com óleo, as telas são coladas e preparadas. Isso é necessário para que a tinta a óleo não destrua a tela e para que a tinta adira bem à tela.

As pinturas a óleo geralmente são feitas colocando a tela em um cavalete. A pintura a óleo usa uma técnica de espátula. A espátula é uma ferramenta feita de aço flexível em forma de faca ou espátula com cabo curvo. Forma diferente faca de paleta ajuda a conseguir texturas diferentes, relevo, volume. Você também pode aplicar pinceladas uniformes e suaves com uma espátula. A lâmina de uma espátula também pode ser usada para criar linhas finas - verticais, horizontais, caóticas.

PASTEL

Pastel(do latim massa - massa) - técnica de pintar e desenhar na superfície áspera de papel e papelão com pastéis. Pastel é um dos tipos de materiais visuais muito incomuns. A pintura pastel é arejada e suave. A subtileza e elegância da técnica pastel conferem às pinturas uma qualidade viva, por vezes fabulosa e mágica. Na técnica do pastel “seco”, é muito utilizada a técnica do “sombreamento”, que confere efeito de transições suaves e delicadeza de cor. Pastel é aplicado em papel áspero. A cor do papel é importante. A cor de fundo, aparecendo nas pinceladas do pastel, evoca um certo clima, enfraquecendo ou potencializando os efeitos de cor do desenho. As pinturas em pastel são fixadas com fixador e armazenadas em vidro.

A técnica do pastel ganhou grande popularidade e atingiu seu apogeu no século XVIII. O pastel tem a propriedade de conferir extraordinária suavidade e ternura a qualquer assunto. Usando esta técnica, você pode criar qualquer tema - desde paisagens até desenhos de pessoas.

As vantagens do pastel são uma grande liberdade para o artista: permite retirar e cobrir camadas inteiras de pintura, parar e retomar o trabalho a qualquer momento. Pastel combina as possibilidades de pintura e desenho. Com ele você pode desenhar e escrever, trabalhar com sombreamento ou mancha pictórica, com pincel seco ou úmido.

Tipos pastel:

seco- produzido a partir de pigmento por prensagem sem adição de óleo

óleo- feito de pigmento com óleo de linhaça por prensagem.

ceroso- produzido a partir de pigmento por prensagem com adição de cera

As técnicas de trabalho com pastéis são variadas. Os toques pastel são aplicados com os dedos, pincéis especiais, rolos de couro, pincéis quadrados de seda e cotonetes macios. A técnica pastel é muito sutil e complexa em suas sobreposições de “esmalte” pastel sobre cor. O pastel é aplicado em manchas, pinceladas e esmaltes.

Para trabalhar com lápis pastel, são necessárias bases que segurem o pastel e evitem que ele caia. Os pastéis são usados ​​​​em tipos ásperos de papel, como torchon, papel Whatman, lixa, papelão solto e felpudo, camurça, pergaminho e tela. A melhor base é a camurça, sobre a qual estão escritas algumas obras clássicas. Os desenhos em pastel são fixados com fixadores especiais que evitam que o pastel caia.

Edgar Degas foi um mestre pastel insuperável. Degas tinha um olhar aguçado e um desenho infalível, o que lhe permitiu obter efeitos inéditos em pastéis. Nunca antes os desenhos em pastel foram tão reverentes, magistralmente descuidados e com cores tão preciosas. Em suas obras posteriores, que lembram um caleidoscópio festivo de luzes, E. Degas ficou obcecado pelo desejo de transmitir o ritmo e o movimento da cena. Para dar brilho especial às tintas e fazê-las brilhar, o artista dissolveu o pastel com água quente, transformando-o em uma espécie de tinta a óleo, e aplicou na tela com um pincel. Em fevereiro de 2007, num leilão da Sotheby's em Londres, o pastel “Três Dançarinas de Saias Roxas” de Degas foi vendido por US$ 7,87 milhões.Na Rússia, mestres como Repin, Serov, Levitan, Kustodiev e Petrov-Vodkin trabalharam em pastéis.

SANGUÍNEO

A gama de cores do sanguíneo, material de desenho, varia do marrom ao próximo ao vermelho. Com a ajuda do sanguíneo, os tons do corpo humano são bem transmitidos, por isso os retratos feitos com o sanguíneo ficam muito naturais. A técnica de desenhar da vida com o sangue é conhecida desde o Renascimento (Leonardo da Vinci, Rafael). Sanguine é frequentemente combinado com carvão ou lápis italiano. Para garantir maior durabilidade, os desenhos sanguíneos são fixados com fixador ou colocados sob vidro.

A Sanguina é conhecida desde a antiguidade. Foi então que o sanguíneo permitiu a introdução da cor da pele no desenho. A técnica de desenho com sangue se difundiu durante o Renascimento. Os artistas renascentistas desenvolveram e utilizaram amplamente a técnica dos “três lápis”: pintavam um desenho em sangüíneo ou sépia e carvão em papel colorido e depois destacavam as áreas desejadas com giz branco.

Sangina(do latim "sanguineus" - "vermelho sangue") - são lápis de tons marrom-avermelhados. Sanguine é feito de argila e siena queimada finamente moída. Assim como o pastel, o carvão e o molho, o sanguíneo é material macio, que durante a produção é moldado em lápis tetraédricos ou redondos.

Com a ajuda do sanguíneo, os tons do corpo humano são bem transmitidos, por isso os retratos feitos com o sanguíneo ficam muito naturais.

A técnica de trabalhar com sanguíneo é caracterizada por uma combinação de traços largos e sombreamento com traços de blocos sanguíneos bem afiados. Belos desenhos sanguíneos são obtidos sobre um fundo tonificado, principalmente quando se adiciona carvão e giz ao material de base (técnica dos “três lápis”).

Para o desenho, escolha um tom sanguíneo que melhor se adapte às características da natureza. Por exemplo, é bom pintar um corpo nu com sangue avermelhado e uma paisagem com sangue marrom acinzentado ou sépia.

Às vezes, o sanguíneo é combinado com carvão, o que produz tons frios. O contraste dos tons quentes e frios confere um charme especial a essas obras.

Para garantir maior durabilidade, os desenhos sanguíneos podem ser fixados com fixador ou colocados sob vidro.

TÊMPERA

Tempera(do latim "temperare" - conectar) - um aglutinante de tintas, constituído por uma emulsão natural ou artificial. Antes do aperfeiçoamento das tintas a óleo por J. Van Eyck (século XV), a têmpera de ovo medieval era um dos tipos de pintura mais populares e difundidos na Europa, mas aos poucos foi perdendo importância.

Na segunda metade do século XIX, a desilusão que veio com a pintura a óleo posterior serviu de início à procura de novos ligantes para tintas, e a esquecida têmpera, cujas obras bem conservadas falam eloquentemente por si, voltaram a atrair interesse .

Ao contrário da pintura a óleo e da têmpera antiga, a têmpera nova não exige que o artista tenha um sistema específico de pintura, dando-lhe total liberdade neste sentido, que pode utilizar sem qualquer prejuízo para a resistência da pintura. A têmpera, ao contrário do óleo, seca rapidamente. As pinturas a têmpera revestidas com verniz não são inferiores às pinturas a óleo em termos de cor e, em termos de imutabilidade e durabilidade, as tintas a têmpera são ainda superiores às tintas a óleo.

Os materiais e técnicas gráficas são variados, mas, via de regra, a base é uma folha de papel. A cor e a textura do papel desempenham um papel importante. Os materiais e técnicas coloridas são determinados pelo tipo de gráfico.